Biografia de Boney James en español and in English

Boney James


Boney James


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Boney James

Usted nunca sabe del esfuerzo que realiza Boney para grabar y armonizar sus discos, pero Boney James se convierte en un científico loco en el estudio mientras trabaja para crear sonidos que se sienten como calmante como una brisa tropical.

"Yo era una tuerca hacer este disco," el aclamado saxofonista / compositor / productor reconoce con una risa al examinar Shine, su 10o álbum en solitario y la primera para Concord Records. "Mi esposa me llama Sr Einstein. Voy a entrar en el estudio de loco con el pelo salvaje y esa mirada en mis ojos. Obsesionado me - hasta tal punto que me han hecho una canción en este disco llamado 'Let Go No. ' "

"Pero cuando me tome el saxo", añade, "yo salir de ese productor de cabeza y convertirme en el artista que sólo quiere tener la audiencia en un viaje".

Shine características invitada por hip-hop/soul diva Faith Evans, guitarra jazz-icono de George Benson, R & B y Dwele vocalistas Phillip Bailey, teclado asistente de George Duke, alternativa-Esthero cantante pop y sonidos de negrura potencia Ann Nesby.

Boney producido el disco y que desempeñan tenor, soprano y alto saxes, teclados y flauta. Él escribió o co-escribió nueve de Shine de 12 pistas.

Faith Evans presta su flexible a las tuberías rambunctious, rock teñido de R & B canción "Gonna Get It", Boney que co-escribió con Rahsaan Patterson. "La fe es una gran estrella, y yo estaba realmente halagado de que ella quería trabajar conmigo", Boney se refiere. "Y yo estaba plantas no sólo por cómo ha trabajado duro en la pista, sino por la forma increíblemente amable fue".

"En la lluvia," un alma contemplativa melodía que fue un hit # 1 para el grupo de Detroit Dramatics en 1972, es cantado aquí por Dwele, otro nativo de la Ciudad Motor. Boney viajó a Detroit para establecer las humeantes pista, que se exhibe el tono de su suntuosa en saxo tenor.

Shine encuentra el veterano músico conjuring una serie de humor - jaunty de los abandonos de la pista y el título de "Gonna Get It" aterciopelado a la seducciones de "Love Song" y "hipnótico," de la delicada "En la Lluvia" y la introspección "Dedicatoria" a la ebullient paso de "Que Se Vaya". ¿Qué lazos que todos juntos, además de Boney's interminablemente lírico, emotivo juego a tenor, soprano y saxo alto (entre otros instrumentos), es un resplandor de alegría tan evidente en el registro de pasajes lánguida como en su más efusiva solos.



"Me di cuenta, como yo estaba dando los últimos toques a él, que se trataba de una realidad optimista, positivo disco," Boney toma nota con satisfacción.

Tal vez no en pista Shine mejor ejemplo de este ambiente efervescente que su versión de Antonio Carlos Jobim brillantes del clásico "Aguas de Março (Aguas de marzo)." "Yo nunca había hecho un Bossa Nova sintonía, y este es uno de mis todos los favoritos a tiempo", señala. "Está en constante rotación en mi iPod."

Boney no puede ayudar a brotaba sobre su apoyo emitidos, pero su entusiasmo por la contribución de Benson traiciona el ardor de un viejo ventilador. "Fue una gran cosa para mí, después de haber George en el expediente", dice Benson de la aparición en la canción "Hypnotic". "He estado escuchando a él desde que tenía 12 o 13. Me abrió para él un par de veces; sabíamos unos de otros de la carretera y diversos eventos. Pero se trata de una emoción de haber él jugar en mi camino." Después de haber vendido millones de discos (lo que resulta en cuatro certificaciones de oro), recibió dos Grammy nods, un Soul Train Award y un NAACP Image Award nominación, y llenó escenarios de todo el mundo, Boney sigue dependiendo de un enfoque intuitivo a la creatividad. "Tengo montones de cuadernos llenos de ideas", revela. "Yo nunca sabe lo que un proyecto va a ser hasta que se hace. Me encanta el proceso de creación de un registro, de poner todas las piezas juntas poco".


"No hace mucho tiempo, saxo otro jugador me preguntó, '¿Cuál es su concepto?" Me dijo que yo no creo que había una ", recuerda. "Pero cuanto más lo pienso, más llego a la conclusión de que todo se basa en canciones creo pulg Se trata de que la conexión emocional".

Nació en Massachussets y criado en New Rochelle, NY, James Oppenheim comenzó a tocar música a la tierna edad de ocho. "Empecé en clarinete", recuerda. "Yo quería jugar trompeta - el instrumento de elección para los niños -, pero la tienda de música estaba fuera de ellos y no quería esperar. Fui impulsivo".

En la madura edad de diez, se le instó a asumir el saxo de su profesor de música, que hacía frente a una superabundancia de clarinetists; a pesar de que se resistieron al principio, joven James fue persuadido cuando vio una actuación de un local escuela secundaria de la etapa banda. "Si he jugado saxo, podría entrar en fase de banda, por lo que me conmutada - y enseguida me encantó", recuerda. "Principalmente es el sonido. Pero también se abrió un mundo de canciones pop de repente pude jugar". Pronto fue al frente de un pequeño combo en la escuela asambleas. "Me empezó a definir a mí mismo como un músico", dice

Había sido expuestos a través de jazz de su padre acta colección, que incluye las cuencas hidrográficas LPs de los gustos de Dave Brubeck y Bill Evans - para no mencionar el pop-jazz de Herb Alpert, que James cubierto con su combo de la escuela - pero fue en la escuela secundaria que por primera vez encontrados los sonidos que puedan influir en él más. "Nuestro profesor nos desempeñado un expediente de Grover Washington, y ahí es cuando realmente me hizo la R & B-jazz conexión", señala. "Entonces tuve muy en Stevie Wonder's seminal registros, Earth Wind & Fire, Curtis Mayfield, y artistas de jazz como las Cruzadas y Ronnie Laws."

Su adolescencia - y durante ese tiempo su familia se trasladó a Los Ángeles - lo vio unirse a una prometedora banda. "Tenemos un poco de grabación, pero se redujo a través de nosotros y fueron aplastados", recuerda con diversión. "Me dijo, 'yo jamás podría estar en el registro de negocios - es muy frustrante!" Fuera dirigida a UC Berkeley, con la intención de estudiar derecho, y por un tiempo apenas tocó su saxo. "Yo no sabía lo que quería hacer con mi vida", avers. "Fue definitivamente una confusa año". Pero un viaje a LA para visitar a su gente lo puso en contacto con una banda local de fusión, Línea Uno. "Me senté con ellos en un concierto, y una bombilla iba a", declara. "Fue la experiencia más divertida que me ha tenido siempre".

Otro miembro de la Línea Uno, John Shanks, más tarde se convirtió en uno de los productores más candentes en la música pop, trabajando con artistas como Sheryl Crow, Fleetwood Mac, Alanis Morissette y Ashlee Simpson; Boney él y finalmente reunirse de nuevo - a los Grammy, cuando ambos fueron nominados.

La transferencia a UCLA para que pudiera seguir jugando con la banda, Boney tiró a sí mismo en la música una vez más, la entrega de pizzas a ganarse la vida. A pesar de algunos puntos de prestigio en la apertura de la carretera, un "Star Search" apariencia y la tutela de Little Feat's Kenny Gradney, sin embargo, Línea Uno nunca despegó - y, finalmente, disolverse.

Poco después, audiciona para un lugar copias de seguridad de Morris Day, el carismático ex frontman de la banda funk The Time. Contratado como tecladista, fue también un saxo en primer plano el conjunto. "Me sentía como un perdedor, y de repente yo estaba de gira con una gran estrella", señala ruefully. "Yo estaba jugando principalmente teclados y saltando alrededor, pero fue una emoción para mí. A continuación, la gira terminó y tuve que regresar a la entrega de pizzas. Se trata de un choque, pero esa es la vida de un sideman".
Rev con Jesse Jackson

Posteriormente, respaldada por ejemplo artistas como The Isley Brothers, Randy Crawford, Sheena Easton, Ray Parker, Jr, y Bobby Caldwell. Fue en el camino con Crawford que obtuvo su ahora famoso moniker; sus dietas como músico de gira apenas le mantiene alimentado, y un bandmate notoriamente comentó la disminución de su físico, "A este ritmo tendremos que empezar llamando a usted Boney James! "

En última instancia, sin embargo, es la disminución de los retos musicales de sideman de trabajo que le empujó a una nueva dirección. "Yo estaba de gira con un cantante pop, Martika, y encontré a mi mismo disparo muestras de antecedentes", los voluntarios. "No he visto ningún futuro en él. Quería jugar más mi saxo, y la única manera de hacerlo es a escribir mis propias canciones que figuran mí". Una oportunidad para hacer un disco en solitario para el sello indie Spindletop. "Yo no tenía expectativas, pero resultó ser un lugar fresco disco," Boney observaciones de la confianza, dado que varias pistas que se siguen para obtener la radio jugar y ha dado lugar a un acuerdo con Warner Bros




En el transcurso de más de una década, que pronunció una serie de álbumes de enorme éxito en Warner que mezcla jazz y R & B - prácticamente desove el subgénero conocido como Urban Jazz.



2004's Pure marcó su debut como su propio productor. "Hice la mayor parte de él en mi casa de estudio y había una curva de aprendizaje", reconoce el registro de espacio en su casa Luisiana, que comparte con su esposa, la actriz y cineasta Lily Mariye ( "ER"). "Pero durante la grabación Shine me vio el beneficio de trabajar en mi casa y en mi propio calendario. Si tengo una idea, puede darse cuenta de ello."

Energizados por una nueva versión en una nueva etiqueta, Boney reafirma su entusiasmo por regresar a la carretera. "La experiencia comunitaria de tocar en vivo - por eso me convertí en un músico, en primer lugar", insiste. "Es emocionante y liberador. Que nunca se antigua para mí."

También le permite escapar temporalmente de los locos científico, que sin duda tienen nuevos desafíos para él la próxima vez.Fuente web de Boney James


Boney James


In English
You'd never know it from the effortlessly soulful melodies and silky grooves of his records, but Boney James becomes a mad scientist in the studio while working to create sounds that feel as soothing as a tropical breeze.

"I was a nut making this record," the acclaimed saxophonist/songwriter/producer admits with a laugh while discussing Shine, his 10th solo album and first for Concord Records. "My wife calls me Mr. Einstein. I'll come in from the studio with crazy hair and this wild look in my eyes. I get obsessed - so much so that I actually have a song on this record called 'Let It Go.'"

"But when I pick up the sax," he adds, "I get out of that producer headspace and become the performer who just wants to take the audience on a journey."

Shine features guest appearances by hip-hop/soul diva Faith Evans, jazz-guitar icon George Benson, R&B vocalists Dwele and Phillip Bailey, keyboard wizard George Duke, alternative-pop singer Esthero and Sounds of Blackness powerhouse Ann Nesby.

Boney produced the disc and played tenor, soprano and alto saxes, keyboards and flute. He wrote or co-wrote nine of Shine's 12 tracks.

Faith Evans lends her supple pipes to the rambunctious, rock-tinged R&B song "Gonna Get It," which Boney co-wrote with Rahsaan Patterson. "Faith is a huge star, and I was really flattered that she wanted to work with me," Boney relates. "And I was floored not only by how hard she worked on the track, but by how incredibly gracious she was."

"In the Rain," a contemplative soul tune that was a #1 hit for Detroit group the Dramatics in 1972, is sung here by Dwele, another Motor City native. Boney traveled to Detroit to lay down the smoldering track, which showcases his sumptuous tone on tenor sax.

Shine finds the veteran musician conjuring an array of moods - from the jaunty bounce of the title track and "Gonna Get It" to the velvety seductions of "Love Song" and "Hypnotic," from the delicate "In the Rain" and the introspective "Dedication" to the ebullient stride of "Let It Go." What ties it all together, apart from Boney's endlessly lyrical, emotive playing on tenor, soprano and alto sax (among other instruments), is a glow of joy that's as evident in the record's languid passages as in its most effusive solos.


In English
"I realized, as I was putting the finishing touches on it, that this was a really upbeat, positive record," Boney notes with satisfaction.

Perhaps no track on Shine better exemplifies this effervescent vibe than his rendition of Antonio Carlos Jobim's shimmering classic "Aguas De Março (Waters of March)." "I'd never done a Bossa Nova tune, and this is one of my all-time favorites," he points out. "It's in constant rotation on my iPod."

Boney can't help gushing about his supporting cast, but his excitement about Benson's contribution betrays the ardor of a longtime fan. "It was a big deal for me, having George on the record," he says of Benson's appearance on the song "Hypnotic." "I've been listening to him since I was 12 or 13. I'd opened for him a few times; we knew each other from the road and various events. But it was a thrill having him play on my track." Having sold millions of records (resulting in four gold certifications), received two Grammy nods, a Soul Train Award and an NAACP Image Award nomination, and filled arenas around the world, Boney continues to rely on an intuitive approach to creativity. "I have piles of notebooks filled with ideas," he reveals. "I never quite know what a project is going to be until it's done. I just love the process of building a record, of putting all the little pieces together."


"Not too long ago, another sax player asked me, 'What's your concept?' I said I didn't think I had one," he recalls. "But the more I think about it, the more I come to the conclusion that everything is rooted in playing songs I believe in. It's all about that emotional connection."

Born in Massachusetts and raised in New Rochelle, N.Y., James Oppenheim began playing music at the tender age of eight. "I started on clarinet," he remembers. "I wanted to play trumpet - the instrument of choice for boys - but the music store was out of them and I didn't want to wait. I was impulsive."

By the ripe old age of ten, he was urged to take up the saxophone by his music teacher, who faced a glut of clarinetists; though he resisted at first, young James was persuaded when he saw a performance by a local junior high school's stage band. "If I played sax, I could get into stage band, so I switched - and right away I loved it," he recollects. "Mostly it was the sound. But it also opened up a world of pop songs I could suddenly play." Soon he was fronting a small combo at school assemblies. "I began to define myself as a musician," he says

He'd been exposed to jazz through his father's record collection, which included watershed LPs by the likes of Dave Brubeck and Bill Evans - not to mention the pop-jazz of Herb Alpert, which James covered with his school combo - but it was in high school that he first encountered the sounds that would influence him most. "Our teacher played us a Grover Washington record, and that's when I really made the R&B-jazz connection," he reports. "Then I got heavily into Stevie Wonder's seminal records, Earth Wind & Fire, Curtis Mayfield, and jazz artists like the Crusaders and Ronnie Laws."

His late teens - during which time his family relocated to Los Angeles - saw him join a promising band. "We got a little record deal but it fell through and we were crushed," he remembers with amusement. "I said, 'I could never be in the record business - it's too frustrating!'" He headed off to UC Berkeley, intending to study law, and for a while scarcely touched his sax. "I didn't know what I wanted to do with my life," he avers. "It was definitely a confusing year." But a trip to L.A. to visit his folks put him in touch with a local fusion band, Line One. "I sat in with them at a gig, and a light bulb went on," he declares. "It was the most fun I'd ever had."

Another member of Line One, John Shanks, later became one of the hottest producers in pop music, working with artists like Sheryl Crow, Fleetwood Mac, Alanis Morissette and Ashlee Simpson; he and Boney would eventually meet up again - at the Grammys, when both were nominated.

Transferring to UCLA so he could continue playing with the band, Boney threw himself into music once again, delivering pizzas to eke out a living. Despite some prestigious opening spots on the road, a "Star Search" appearance and the tutelage of Little Feat's Kenny Gradney, however, Line One never took off - and eventually dissolved.

Shortly thereafter, he auditioned for a spot backing up Morris Day, the charismatic former frontman of funk band The Time. Hired as a keyboardist, he was also given a sax spotlight in the set. "I'd felt like a loser, and suddenly I was touring with a big star," He notes ruefully. "I was mainly playing keyboards and jumping around, but it was a thrill for me. Then the tour ended and I had to go back to delivering pizzas. That was a shock, but such is the life of a sideman."
with Rev. Jesse Jackson

He subsequently backed up such artists as The Isley Brothers, Randy Crawford, Sheena Easton, Ray Parker, Jr., and Bobby Caldwell. It was on the road with Crawford that he earned his now-famous moniker; his per diem as a touring musician barely kept him fed, and a bandmate notoriously commented of his dwindling physique, "At this rate we'll have to start calling you Boney James!"

Ultimately, though, it was the diminishing musical challenges of sideman work that pushed him in a new direction. "I was touring with a pop singer, Martika, and found myself triggering background samples," he volunteers. "I didn't see any future in it. I wanted to play my sax more, and the only way to do that was to write my own songs that featured me." An opportunity arose to make a solo disc for the indie label Spindletop. "I had no expectations, but it turned out to be a cool record," Boney remarks of Trust, which yielded several tracks that continue to garner radio play and led to a deal with Warner Bros.




Over the course of more than a decade, he delivered a string of hugely successful albums on Warner that blended jazz and R&B - virtually spawning the subgenre known as Urban Jazz.



2004's Pure marked his debut as his own producer. "I did most of it in my home studio and there was a learning curve," he acknowledges of the recording space in his L.A. home, which he shares with his wife, actress and filmmaker Lily Mariye ("E.R."). "But while recording Shine I really saw the benefit of working at my place and on my own schedule. If I have an idea, I can realize it."

Energized by a new release on a new label, Boney reaffirms his excitement about returning to the road. "The communal experience of playing live - that's why I became a musician in the first place," he insists. "It's exciting and liberating. It never gets old for me."

It also allows him a temporary escape from the mad scientist, who will most certainly have fresh challenges for him next time. Fuente web de Boney James

Enrique Campos Biografia

Enrique Campos en 1954, con Roberto Caló —al piano— cuando cantaba en la orquesta de éste grabando en discos Orfeo.

Enrique Campos. (Eduardo Ruiz). (Nombre de familia: Enrique Inocencio Tronconi).
Cantor. Director. Compositor. Nació en Montevideo (R. O. del Uruguay) —barrio Palermo— el 10 de marzo de 1913. Comenzó en 1936 en Colonia Suiza, como solista. Alcanzó sus primeras actuaciones consagratorias —llamándose Eduardo Ruiz— junto a Eduardo Depauli en radio y en la película Radio candelario, y con la orquesta Laurenz-Casella; luego de 1940 cantó también con la orquesta de Pintín Castellanos. En 1943 marchó a Buenos Aires, donde adoptó su definitivo nombre artístico al incorporarse —ese año— al elenco de Ricardo Tanturi. Desde Muchachos, comienza la ronda, su primera grabación con dicha orquesta para la casa Victor realizada el 4 de agosto de 1943, muchos fueron sus éxitos interpretativos: Recién, Y siempre igual, Así se canta, Discos de Gardel, Oigo tu voz. Luego de un lustro de intensa actuación con el referido conjunto, pasó a la agrupación de Francisco Rotundo; se independizó de ésta para
compartir con el bandoneonista Alfredo Calabró la conducción y el cartel de la orquesta Campos-Calabró, de buen suceso dentro de una modalidad ligeramente "apugliesada". Llegó en ese pasaje de su carrera al disco, grabando para la casa uruguaya Sondor. Registró luego sus colaboraciones con Roberto Caló, 1954, en discos Orfeo, y con Francisco Rotundo, 1951 y 1956 en discos Odeón. Continuó posteriormente su carrera en carácter de solista acompañado por orquesta, hasta su paulatino alejamiento de la profesión activa. Compuso Rey del Tango y Tenés que escuchar. Fuente Horacio Ferrer

Biografia II
Nombre real: Enrique Inocencio Troncone
Cantor.(10 de marzo de 1913 – 13 de marzo de 1970) Se inscribe su nombre entre los más representativos cultores del tango. Tenía condiciones naturales que contribuyeron a facilitar una trayectoria difícil en una época de grandes cantores. Presencia, personalidad y una voz distinta que lucía en su expresar fraseado y melodioso. Uruguayo, nacido el 10 de marzo de 1913, su debut se produjo en el Cine Helvético de la pequeña localidad de Colonia Suiza, acompañado por los guitarristas Alfredo Solís y Carlos Méndez el 6 de enero de 1936. Actuaba con su verdadero nombre, Inocencio Troncone. Tres meses después, exactamente, se presenta en la recordada audición "Caramelos surtidos", ante los micrófonos de la emisora CX 18, con los guitarristas Fontela y Silva Aguilar, pasando inmediatamente al elenco de Eduardo Depauli. Allí, Agustín Pucciano y Depauli le crean el seudónimo de Eduardo Ruiz, que le acompañaría hasta 1943.
Su popularidad se acrecienta y sus éxitos se repiten. Interviene en la película nacional "Radio Candelario" junto a Eduardo Depauli, Miguel Ángel Manzi y el extraordinario dúo formado por Carmen y Magdalena Méndez, cuyo estreno se realiza en el cine "Radio City" el 21 de agosto de 1939. En enero de 1940 emprende una gira por el sur del Brasil con las guitarras de Fontela, Pizzo y Falco reapareciendo en Montevideo por CX 46 Radio América unos meses más tarde. Al año siguiente realiza una temporada como cantor de la orquesta bajo el nombre de Pintín Castellanos, encabezada por Alfredo Gobbi y Armando Blasco. Este conjunto, de gran calidad musical tuvo actuación destacada en el Palacio de la Cerveza de la calle Yatay, en el Cabaret Tabarís y Radio Monumental. En su etapa siguiente forma parte del recordado conjunto Laurenz-Casella, realizando numerosos bailes y presentaciones radiales, además de hacerlo desde el famoso palco del Café Ateneo. Esta orquesta la formaban prestigiosos músicos. Alternaban Julio Tobías y Sebastián Garreta en el piano, el contrabajista Mainardi y entre bandoneones y violines los directores, Félix Láurenz y Pedro Casella, Donato Raciatti, López, Ramón Panedas, entre otros. Desde allí fue el "salto" a la conquista de Buenos Aires como cantor de orquesta. En principio, "Eduardo Ruiz" no sabía cual sería su destino. Creyó que sería el conjunto del gran violinista Antonio Rodio pero una rápida gestión de Ricardo Tanturi, que conocía sus condiciones, motivó su incorporación a la orquesta típica "Los Indios" dirigida por Tanturi. Era "la voz distinta" para reemplazar a Alberto Castillo. En principio el director lo convence para cambiar su nombre artístico diciéndole que estaban actuando Ricardo Ruiz y un cantante melódico Enrique Ruiz y que era conveniente evitar confusiones. Tanturi abrió al azar una guía telefónica y dijo: "acá está, usted se llamará Enrique Campos".
Enrique Campos debuta en Radio El Mundo como cantor de la orquesta Tanturi e inmediatamente comienza a grabar discos. Los dos primeros temas, registrados el 4 de agosto de 1943, fueron el tango de Luis Porcell y Leopoldo Díaz Vélez "Muchachos comienza la ronda" y el vals de Raúl Iglesias y Juan Gatti, "Al pasar".
En marzo de 1946 contrae enlace, fundando un hogar ejemplar. Al mes siguiente, luego de realizar un baile en el Club "Unión" de Caseros (barrio del gran Buenos Aires), canta por última vez con Tanturi, alejándose para realizar actuaciones como solista con acompañamiento de guitarras.
Francisco Rotundo lo contrata como cantor de su orquesta en marzo de 1947 donde comparte su labor con el cantor Mario Corrales, presentándose en Radio Splendid, teatro "Empire" y café "Nacional" de la calle Corrientes. Posteriormente forma una orquesta que encabeza junto al bandoneonista Alfredo Calabró. Realizaba sus presentaciones el periodista Raúl Hormaza. De la orquesta Campos-Calabró se comercializa un solo disco que sobre matrices argentinas es reproducido por "Sondor" en Montevideo y estaba formada por Sebastián Garreta, piano: Alfredo Calabró, Roberto Pansera, Caruso y López bandoneones, Raúl Domínguez, Lijó y Mosca violines y Samonta, contrabajista.
Finalizada la temporada, ya en 1950 encabeza otra orquesta en la que comparte su labor con su gran amigo Juan Carlos Miranda. Tuvo efímera duración, porque Enrique es requerido por Francisco Rotundo, ante el alejamiento de Carlitos Roldán. Tiene entonces por compañero en el canto a Floreal Ruiz. Debuta en el disco el 10 de agosto de 1951 con el tango de Juan Fulginiti "Llorando la carta" y en diciembre de ese año realiza en la orquesta de Rotundo a dúo con Floreal Fuiz su antológica interpretación del famoso vals de Charlo y José González Castillo "El viejo vals".
En octubre de 1952 se aleja y poco después es contratado para cantar en la orquesta de Roberto Caló que integraban figuras importantes como Osvaldo Tarantino en el piano, Leo Lípesker en violín y Ernesto Franco en bandoneón. Su labor se prolonga por dos años, hasta que, por tercera vez acude al llamado de Francisco Rotundo, accediendo a cantar en su orquesta que entonces arreglaba el primer bandoneón Luis Stazo. Había otro cantor en la orquesta: Ricardo Argentino, más tarde reemplazado por Alfredo Del Río.
En 1957 vuelve a formar orquesta, un quinteto dirigido por el pianista Dante De Simone y posteriormente forma rubro con la cancionista Elena Maida en un conjunto arreglado por Dante Smurra. Va espaciando sus actuaciones absorbido por sus actividades comerciales. En 1962 se presenta en un programa especial de Canal 4 en Montevideo, acompañado por el conjunto de Toto D'Amario y al regresar a Buenos Aires canta en la orquesta de Graciano Gómez presentándose ante micrófonos de "Splendid".
Lo encontramos en 1965 en Radio El Mundo acompañado por la orquesta de Dante Smurra y en 1969 comienza a grabar como solista en el sello "Magenta". Viaja a Montevideo cantando en TV en el programa de Miguel Angel Manzi el vals de Héctor Marcó "A mi padre" y el tango de José Canet "La abandoné y no sabía". Al regresar a Buenos Aires actúa en "El farolito" de Villa Crespo y es designado jurado para el Concurso de Tangos de La Falda (Córdoba).
Le pertenecen algunas obras. Los tangos "Esclavas y reinas" y "Dale Artime" con Jorge Moreira, el candombe "Dale negra", con el mismo letrista y el vals "Por qué no estás tú" con Julio Jorge Nelson. Con Jorge Moreira con quien tuvo una fraterna amistad musicó además "Aunque me llame papá", "Buenos Aires del 40", "Para el final", "Del potrero", "Pero quisiera encontrarte" y el vals "Te estoy agradecido". Finalmente con Juan Bautista Fulginiti "Conformate con ser buena".
Fuera del rigor cronológico, debemos señalar que el tango que le sirvió de presentación en Buenos Aires fue "Percal", acompañado en la oportunidad por el piano de Manuel Sucher.
Prematuramente, en Buenos Aires, ante la congoja general y de los que fuimos sus amigos, Enrique Campos nos dejó el 13 de marzo de 1970, aunque su recuerdo y su presencia nos acompañarán siempre.
Queda el testimonio de los discos para confirmar sus grandes condiciones y dejar en evidencia de que fue uno de los grandes cantores uruguayos del tango. Fuente Horacio Liorente de Todotango

In English
Campos, Henry. (Eduardo Ruiz). (Family name: Henry Inocencio Tronconi).
Cantor. Manager. Composer. Born in Montevideo (Uruguay's RO)-Palermo neighborhood-the March 10, 1913. It started in 1936 in Cologne Switzerland, as soloist. He reached his first performances of consecration-called Eduardo Ruiz-along with Eduardo Depauli on radio and in the movie Radio Candelario, and with the orchestra Laurenz-Casella; after 1940 also sang with the orchestra Pintín Castellanos. In 1943 went to Buenos Aires, where he took his final stage name to join that year-to-cast of Ricardo Tanturi. From Boys, starts the round, his first recording with the orchestra for the house Victor held on August 4, 1943, his successes were many interpretive: Just, And always the same, thus sung, Disk Gardel, I hear your voice. After five years of intense action with that set, became the group Rotundo Francisco; became independent from it for
share with the bandoneonist Alfredo Calabró driving and poster of the orchestra Campos-Calabró, good event in a form slightly "apugliesada." He arrived in this passage of his career in recording, recording for home Uruguayan Sondor. Recorded after his collaborations with Roberto Calo, 1954, Orfeo discs, and with Francisco Rotundo, 1951 and 1956 in Odeon records. She continued her career later as a soloist accompanied by orchestra, to its gradual removal of the occupation force. He composed King of Tango and You have to listen. Source Horacio Ferrer

Biography II
Real name: Henry Inocencio Troncone
Cantor.
(March 10, 1913 - March 13, 1970) inscribe his name was among the most representative cultores tango. He had natural conditions that contributed to facilitate a difficult path in a time of great singers. Presence, personality and a distinctive voice that showcased in his voice and melodic phrases. Uruguayan born March 10, 1913, its debut came in the Cinema of the small Swiss town of Cologne Switzerland, accompanied by guitarists Alfredo Mendez and Carlos Solis on January 6, 1936. Acting with his real name, Innocent Troncone. Three months later, exactly, is presented in the remembered hearing "assorted sweets", before the microphones of the radio station CX 18, with the guitarists and Fontela Silva Aguilar, moving immediately to cast Eduardo Depauli. There, Augustine and Pucciano Depauli you create the pseudonym of Eduardo Ruiz, who would accompany him until 1943.
Its popularity is growing and its successes are repeated. Speakers at the national film "Radio Candelario" along with Eduardo Depauli, Miguel Angel Manzi and the extraordinary duo formed by Carmen and Magdalena Mendez, whose premiere is taking place in the film "Radio City" on August 21, 1939. In January 1940 began a tour of southern Brazil with the guitarists Fontela, Pizzo and Falco reappearing in Montevideo by CX 46 Radio americas few months later. The following year he made a season as a singer of the orchestra under the name Pintín Castellanos, headed by Alfredo Gobbi and Armando Blasco. This set of high quality musical performance was outstanding in the Palacio de Beer of the street Yatay in Cabaret Tabarís and Radio Monumental. At its next phase is part of the whole reminded Laurenz-Casella, performing dances and numerous radio presentations, in addition to do so from the famous stage Coffee Ateneo. This prestigious musicians formed the orchestra. Alternator July Tobias and Sebastian Garreta on piano, bass and Mainardi between violins and bandoneons directors, Felix and Pedro Laurenz Casella, Donato Raciatti, Lopez, Ramon Panedas, among others. From there was the "jump" to the conquest of Buenos Aires as orchestra singer. In principle, "Eduardo Ruiz" I did not know which would be his destination. He believed that it would be all the great violinist Antonio Rodio but a quick management Tanturi Ricardo, who knew their conditions, led to their joining the tango orchestra "Los Indios" directed by Tanturi. It was "different voice" to replace Alberto Castillo. In principle it convinces the director to change his stage name saying they were acting Ricardo Ruiz and a melodic singer Enrique Ruiz and that it was desirable to avoid confusion. Tanturi opened at random a telephone directory and said, "is here, you will be called Enrique Campos."
Enrique Campos debuted on Radio El Mundo as orchestra singer Tanturi and immediately began to record discs. The first two items, registered on August 4, 1943, were the tango by Luis Diaz Porcell and Leopoldo Velez "Boys began the round" and the waltz of Raul Iglesias and Juan Gatti, "Passing".
In March 1946 contracted liaison, setting up a home copy. The following month, after conducting a dance club in the "Union" of Caseros (large neighborhood of Buenos Aires), sings one last time with Tanturi away performances as a soloist to perform with guitar accompaniment.
Rotundo Francisco hired him as a singer of his orchestra in March 1947 where he shares his work with the singer Mario Corrales, appearing on Radio Splendid, drama "Empire" coffee and "National" on Corrientes Street. Subsequently form an orchestra who heads next to bandoneonist Alfredo Calabró. Realize their presentations journalist Raul Hormaza. From the orchestra Campos-Calabró is marketed on a single disc that is played by Argentine parent "Sondor" in Montevideo and was formed by Sebastian Garreta, piano: Alfredo Calabró, Roberto Pansera, Caruso and bandoneons Lopez, Raul Dominguez, sanding and Mosca violins and Samonta, double bass player.
After the season, tops in 1950 and another in the orchestra who shares his work with his good friend Juan Carlos Miranda. It had fleeting duration, because Henry was summoned by Francisco Rotundo, before the departure of Carlitos Roldan. It then by singing partner in Floreal Ruiz. Premieres on record on August 10, 1951 with the tango John Fulginiti "Llorando on demand" in December that year the orchestra performs in a duo with Rotundo Floreal Fuiz its anthological interpretation of the famous waltz of Charlo Gonzalez and Jose Castillo "The old waltz."
In October 1952 and departs shortly after he was hired to sing in the orchestra Roberto Calo comprising figures as Osvaldo Tarantino on piano, violin and Leo Lipesker in Ernesto Franco on bandoneon. His work extends for two years, until, for the third time the call goes Francisco Rotundo, by going to sing in his orchestra then arranged the first bandoneon Luis Stazo. There was another singer in the orchestra: Ricardo Argentino, later replaced by Alfredo Del Rio.
In 1957 he returned to form an orchestra, a quintet led by pianist Dante De Simone and then teamed up with the singer Helena Maida in a series arranged by Dante Smurra. Va. spacing his appearances absorbed by their business. In 1962, is presented in a special program on Channel 4 in Montevideo, accompanied by all Toto D'Amario and upon returning to Buenos Aires sings in the orchestra Graciano Gomez appeared before microphones "Splendid".
What we found in 1965 on Radio El Mundo accompanied by the orchestra Dante Smurra and in 1969 he began to record as a soloist in the stamp "Magenta". He travels to Montevideo singing on TV in the agenda of Miguel Angel Manzi's waltz Hector marked "To my father" and the tango Jose Canet "The left and did not know." Upon his return to Buenos Aires acting in "El Farolito" Villa Crespo and is designated for the contest jury Tangos de La Falda (Cordova).
We belong some works. The tangos "Esclavas and queens" and "Dale Artime" with Jorge Moreira, candombe "Dale black", with the same lyricist and the waltz "Why do not you're" with Julio Jorge Nelson. With Jorge Moreira with whom he had a fraternal friendship music besides "Although I call Dad", "Buenos Aires from 40", "By the end", "From pasture," "But I would find you" and the waltz "I am grateful." Finally with John Baptist Fulginiti "Conformate to be good."
Outside the chronological rigour, we must note that the tango that he served as a presentation in Buenos Aires was "Percal", accompanied on the piano by the opportunity of Manuel Sucher.
Prematurely, in Buenos Aires, before general and the heartbreak of those who were his friends, Enrique Campos left us on March 13, 1970, but his memory and his presence will accompany us always.
It is the testimony of the discs to confirm his great conditions and make it clear that he was one of the great singers of tango Uruguayans. Source Horacio Liorente of Todotango

Ricardo Tanturi biografia

Ricardo Tanturi en 1938


Orquesta Ricardo Tanturi

Ricardo Tanturi: Músico. Pianista. Director. Compositor. Nació en Buenos Aires—barrio de Barracas— el 27 de enero de 1905. Se inició en 1924, actuando, como pianista aficionado, con su hermano Antonio y en bailes de barrio, festivales y compartiendo la dirección de la orquesta Rostan con Rosich. Hacia 1933 tocó en cines y teatros, para formar por entonces un sexteto de tangos al que denominó Los Indios —nombre tomado del conjunto homónimo de polo—, distintivo con el que caracterizaría a todas sus orquestas a lo largo de treinta años. Fue presentado con su conjunto en 1934 en el Alvear Palace Hotel.
En 1936 con dicha agrupación ampliada, tocó en la temporada veraniega del Hotel Carrasco de Montevideo, al cual dedicó su marcha Carrasco. Ésta, juntamente con el tango Recuerdo, figuró entre sus primeros trabajos fonográficos realizados para la casa Odeón. En 1937 y 1938 volvió a actuar en Montevideo con el vocalista Carlos Ortega, incorporándose en Buenos Aires a la programación de Radio El Mundo y a los discos Víctor en los que cumplió el resto de su trayectoria. Su primera placa: Tierrita y A la luz del candil grabada el 23 de junio de 1937. Con los vocalistas Alberto Castillo y Enrique Campos desarrolló durante la década del cuarenta, lo más exitoso de su labor dentro de una modalidad preferentemente destinada al baile. Cantaron luego con él, Roberto Videla, Osvaldo Ribo, Juan Carlos Godoy y Elsa Rivas. Tango, Ese sos vos, Cuatro compases, Muñeca brava, Y siempre igual, Discos de Gardel, se contaron entre sus mejores sucesos interpretativos. Compositor de los tangos Campeonato, Mozo guapo, Decís que no te quiero, Desprecio, Pocas palabras, Amigos. . . presente, Ese sos vos. Falleció el 24 de enero de 1973.Fuente Horacio Ferrer

Biografia II
Músico, pianista, director y compositor.(27 enero de 1905 - 24 de enero de 1973) Nombre completo: Ricardo Tanturi Designación: El caballero del tango
Aunque nunca descolló por sus dotes musicales, Tanturi logró conducir durante varias décadas una orquesta de renombre, que pasó su éxito en la enorme atracción de algunos de los cantores con que contó. Por esa misma razón, las versiones instrumentales de su limitada orquesta son escasas y poco recordadas. Sin embargo, su fama resiste el paso del tiempo, y en los últimos años, con el resurgimiento del tango como danza, las grabaciones de Tanturi son tal vez las más requeridas por los bailarines. Además, algunos de sus registros se han convertido en clásicos absolutos.
Ricardo Tanturi nació en Buenos Aires de padres italianos, en el barrio de Barracas, uno de los más pobres y vitales de la ciudad, limitado por el Riachuelo, otrora surcado por incontables barcazas, y hoy contaminado y maloliente. Su primer instrumento fue el violín, que estudió con Francisco Alessio, tío del célebre bandoneonista y director Enrique Alessio. Su hermano Antonio Tanturi, pianista y codirector de la Orquesta Típica Tanturi-Petrone, lo indujo a dejar el violín por el piano y fue su maestro.
En 1924 comenzó Ricardo su carrera artística, sentado al teclado en clubs, festivales benéficos y, junto con su hermano, en LOY Radio Nacional (luego llamada Belgrano), nada de lo cual le impidió estudiar Medicina y recibirse con muy buenas calificaciones. En la universidad formó conjuntos estudiantiles. Allí conoció al actor Juan Carlos Thorry, quien luego sería su primer cantor, y a muchos de los músicos que conformarían su orquesta.
En 1933 formó un sexteto para actuar en cines y teatros. Lo bautizó "Los Indios", en homenaje a un equipo de polo. Esa misma sería la denominación de todas sus formaciones posteriores. Tanturi solía utilizar como presentación el tango así llamado, "Los indios", de Francisco Canaro, pero curiosamente nunca lo grabó.
Se inició en el disco en 1937, con una histórica placa del sello Odeon que contiene el tango "Tierrita", de Agustín Bardi, en versión instrumental, y "A la luz del candil", música del talentoso Carlos Vicente Geroni Flores, y truculenta letra de Julio Navarrine, cantado por Carlos Ortega. Pero Tanturi da el gran salto en 1939, cuando incorpora a Alberto Castillo, que se convertiría en un imán para el público. Castillo, de afinación perfecta, magistral en el uso de los matices y la media voz, seducía con todos los recursos posibles: su impactante gestualidad, su engominada elegancia varonil, su título de médico ginecólogo (obtenido en 1942) y ese estilo por momentos confidencial, por momentos desenfadado que convertía cada tango en un espectáculo.
En los 37 temas que dejó grabados Castillo antes de dejar a Tanturi en 1943, la orquesta le cede el protagonismo, como también haría con el elegido para sucederlo, el uruguayo Enrique Campos. Este compartía con Castillo el interés puesto en la comunicación con el público. Campos no intentaba ningún lucimiento vocal. Cantaba con displicencia, sin exaltarse, con la sencillez de las cosas humildes. Detrás de él, la orquesta sonaba afiatada, precisa y discreta, con una simple perfección. Esto convierte a los 51 temas que registró el binomio Tanturi-Campos en uno de los tesoros del género.
La orquesta no conocería ya momentos de tanto esplendor, aunque alcanzó notable nivel con Osvaldo Ribó a partir de 1946. Roberto Videla para la misma época, y posteriormente Juan Carlos Godoy y Elsa Rivas, entre otros, consiguieron revitalizar ocasionalmente la popularidad de Tanturi. Este compuso los tangos "Amigos presente", "A otra cosa, che, pebeta" y "Pocas palabras" con letra de Enrique Cadícamo; "Sollozo de bandoneón" con Enrique Dizeo, y "Ese sos vos" con Francisco García Jiménez, entre otros.Fuente Julio Nudler de Todotango

In English
Tanturi, Ricardo. Music. Pianist. Manager. Composer. Born in Buenos Aires neighborhood of Barracas-the-January 27, 1905. It began in 1924, acting as an amateur pianist, LO1 * Antonio with his brother and neighborhood dances, festivals and sharing the leadership of the orchestra Rostan with Rosich. By 1933 he played in cinemas and theatres, then to form a sextet of tangos which it named The Indian name-taken from the set of pole-homonym, distinctive with which to characterize their orchestras all over thirty years. He was presented with a whole in 1934 at the Alvear Palace Hotel.
In 1936 with the enlarged group, played in the summer season Hotel Carrasco Montevideo, which devoted its march Carrasco. This, together with the tango I recall, was among his first works phonographic made to the house Odeon. In 1937 and 1938 returned to act in Montevideo with vocalist Carlos Ortega, joining in Buenos Aires to the programming of Radio El Mundo and Victor discs in which he discharged the rest of his career. His first plate: Tierrita and candil In light of the taped June 23, 1937. With vocalists Alberto Castillo and Enrique Campos developed during the forties, the most successful of its work within a preferred modality for the dance. Canto then with him, Roberto Videla, Osvaldo Ribo, Juan Carlos Godoy and Elsa Rivas. Tango, you're That, Four bars, brava doll, and always the same, Disk Gardel, were among his best interpretive events. Composer tangos Championship, Mozo handsome, I love you say no, contempt, Few words, Friends. . . This, That you sos. He died on January 24 of 1973.Fuente Horacio Ferrer

Biography II
Musician, pianist, composer and director. (January 27, 1905 - January 24, 1973) Full name: Ricardo Tanturi Description: The gentleman of tango
Although never excelled in their musical talents, Tanturi succeeded for several decades lead an orchestra with a reputation, which changed its huge success in attracting some of the singers with that counted. For the same reason, instrumental versions of their limited orchestra are scarce and little remembered. However, his fame resists the passage of time, and in recent years, with the resurgence of tango as a dance, Tanturi recordings are perhaps the most required by the dancers. In addition, some of his records have become absolute classics.
Ricardo Tanturi was born in Buenos Aires of Italian parents in the neighborhood of Barracas, one of the poorest and most vital of the city, limited by the Riachuelo, once furrowed by countless barges, and now polluted and smelly. His first instrument was the violin, who studied with Francisco Alessio, uncle of the famous bandoneonist and director Enrique Alessio. His brother Antonio Tanturi, pianist and co-director of the Orquesta Tipica-Tanturi Petrone, what prompted leave by the piano and violin was his teacher.
In 1924 Ricardo began his artistic career, sitting at the keyboard at clubs, festivals and benefits, along with his brother, LOY National Radio (then called Belgrano), none of which prevented him from studying Medicine and received very good grades. At the university formed joint student. There he met the actor Juan Carlos Thorry, who would later become its first singer, and many of the musicians who would shape his orchestra.
In 1933 he formed a sextet to act in cinemas and theatres. What baptized "Los Indios" in tribute to a team of polo. That would be the same denomination of all its subsequent formations. Tanturi often used as so-called tango presentation, "The Indians", Francisco Canaro, but curiously never recorded it.
It began on disk in 1937, with a historical plaque containing the Odeon tango "Tierrita" by Agustin Bardi, instrumental version, and "In the light of candil," music of talented Geroni Carlos Vicente Flores, and Truculent lyrics by Julio Navarrine, sung by Carlos Ortega. But Tanturi gives great leap in 1939 when incorporates Alberto Castillo, who would become a magnet for the public. Castillo, perfect pitch, masterful in the use of the nuances and the average voice, seduced with all possible resources: its impressive gestualidad, engominada his manly elegance, the title of doctor gynecologist (obtained in 1942) that style and sometimes confidential , A casual moments that turned each into a tango show.
In the 37 items left by Castillo taped before leaving Tanturi in 1943, the orchestra gave him the leading role, as would the election to succeed him, the Uruguayan Enrique Campos. This shared interest with Castillo put in communication with the public. Campos was not trying showcasing no voice. She sang with displicencia without exaltation, with the humble simplicity of things. Behind him, the orchestra sounded afiatada, precise and discreet, with a simple perfection. This makes the 51 items that recorded the binomial Tanturi-Fields in one of the treasures of the genre.
The orchestra is not already known moments of both brilliance, but achieved remarkable level with Osvaldo Ribó from 1946. Roberto Videla for the same period, and then Juan Carlos Godoy and Elsa Rivas, among others, occasionally managed to revive the popularity of Tanturi. This tangos composed "Friends present", "otherwise, che, pebeta" and "Few words" with lyrics by Enrique Cadícamo; "sobbing bandoneon" with Enrique Dizeo, and "That you're" with Francisco Garcia Jimenez, otros.Fuente Julio Nudler of Todotango

Orquesta Ricardo Tanturi y Enrique Campos-Buenos Aires del 40

Genero:Tango, Orquestas de tango, cancionistas, instrumental
Grabaciones originales realizadas entre 1966 en H&R y 1969 en Magenta
Remasterizado a CD en 1998
Nivel Magenta
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 53.2 Mb/Total time: 30:17

Nota: Si bien en el CD no se hace ninguna aclaracion en ninguno de los temas actuan en conjunto la Orquesta de Ricardo Tanturi con Enrique Campos.
Como podran ver en el detalle La Orquesta de Ricardo Tanturi participa en dos temas instrumentales, los diez temas restantes son realizados por Enrique Campos con su Orquesta en el sello Magenta en 1969.

Biografia Ricardo Tanturi

Biografia de Enrique Campos

Tracks
01-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-El sueño del pibe-1969
02-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-Si se salva el pibe-1969
03-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-Buenos Aires del 40-1969
04-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-Un regalo de reyes-1969
05-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-Discos de Gardel-1969
06-Orquesta Ricardo Tanturi en el sello H&R-Transnochando-Instrumental-1966
07-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-Andate con ella-1969
08-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-Ebrio-1969
09-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-Nada mas que un corazon-1969
10-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-El viejo vals-1969
11-Enrique Campos con su Orquesta en el Sello Magenta-Por eso canto yo-1969
12-Orquesta Ricardo Tanturi en el sello H&R-El resero-Instrumental-1966

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Carlos Gardel Biografia

Carlos Gardel con Isabel de Valle en 1931

Carlos Gardel con Irineo Leguizamo en 1931

Carlos Gardel en El dia que me quieras

Carlos Gardel en New York en 1931

Carlos Gardel con Nona Maris en Cuesta abajo en 1934

Carlos Gardel y Azucena Maizani (Buenos Aires.1933)

Carlos Gardel en la Costa Azul (1931), con el barón y la baronesa de Wakefield y el famoso futbolista del Barcelona, Samitier.

Libreta de enrolamiento de Carlos Gardel.

Carlitos, con Charles Chaplin en Niza

Astor Piazzolla con Carlos Gardel
Astor Piazzolla en 1934, interpreta un pequeño papel de canillita en las escenas iniciales de El Día que me Quieras. Película Paramount protagonizada por Carlos Gardel.Con ellos en la foto Tito Lusiardo

Con la actriz Blanca Vischer en una escena de ElTango en Broadway (1934), filmada en Estados Unidos

Foto de la izquierda: Con los hermanos Juan (izquierda) y DomingoTorterolo.

Foto de la derecha: Carlos Gardel con Elías Alippi y César Ratti, en el hipódromo de Palermo acompañados porel jockey Domingo Torterolo.

Carlos Gardel y Razzano en Mar del Plata (febrero de1916). Cantaron en el Teatro Odeón, en la compañía de Orfilia Rico.



Gardel canta en Radio Belgrano en setiembre de1933.


Gardel fotografiado en Barcelona (1932).

Carlos Gardel con Isabel del Valle.

Carlos Gardel en 1922, cuando cantó con Razzano para Jacinto Benavente. Carlitos aparece entre Barbieri y don Jacinto; (a la derecha) Razzano y "El Negro" Ricardo. Fotografía tomada en el Colegio Internacional de Olivos.

Gardel con Imperio Argentina, en una escena de la
película Melodía de Arrabal filmada en Francia

Carlos Gardel-Razzano y José Ricardo (1917).


El gran fotógrafo oriental Rafael Caruso logró estatoma de Gardel en Montevideo (1933).


El dúo Gardel-Razzano (1922).


Carlitos con ropas criollas en tiempos de sus primeros triunfos en Europa.

Carlos Gardel con Ignacio Corsini (agosto de 1933).


Carlos Gardel (1933). Con él, Horacio Pettorosi.


Carlos Gardel en 1912

Carlos Gardel en 1911


Carlos Gardel en 1912


Carlos Gardel con Eduardo Bonessi, Guillermo Barbieri y "El Negro" Ricardo en la provincia de San Luis,
durante una gira.


Carlos Gardel en 1910


Carlos Gardel en 1905



Carlos Gardel en 1908

Carlos Gardel en 1916

GARDEL, Carlos. Músico. Cantor. Compositor. 1. Ubicación personal. Fue el creador—en lo artístico—, el primer cultor emocional y estéticamente genuino —en lo histórico— y el mayor intérprete —en lo valorativo— de las formas vocales del tango. Su personalidad integral gravitó, además, en todo el panorama de la música popular y en el estilo espiritual de las ciudades del Río de la Plata, de los que fue la figura más representativa; en vida, primero, y luego en la ascendente proyección afectiva y social de su legendaria memoria.
2. Ubicación histórica. Fue hombre de la generación de 1910, gestora de la transformación profunda que hizo del tango primerizo un género perfectamente diferenciado de arte musical. Alternó en ella con los compositores y con los ejecutantes —Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martínez, Fresedo, Roccatagliata, Carlos V. G. Flores— que, en distintas latitudes de temperamento, promovieron la génesis del tango cantable con caracteres melódicos rítmicos y armónicos propios, y con los letristas que encabezados por Pascual Contursi aportaron la equivalente dimensión literaria. Él, a su vez, rompiendo revolucionariamente con las arcaicas maneras vocales que, representadas por Ángel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodríguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma y otros, habían prevalecido hasta entonces, dio a ese flamante y auspicioso repertorio para canto, la exacta configuración interpretativa. Sus versiones de Flor de fango(Gentile-Contursi), Milonguita (Delfino-Linnig), Mi noche triste (Castriota-Contursi), De vuelta al bulín (Martínez-Contursi), Mar-got (Ricardo-C. E. Flores), Carne de cabaret (Lambertucci-Roldán) y Pobre Paica (Cobián-Contursi), grabadas en discos Nacional Odeón entre 1918 y 1920, lo mostraron ya en toda la originalidad que desarrolló y enriqueció a lo largo de su breve carrera posterior.
3. Fisonomía creadora. En el plano vocal, irreprochable de afinación, de impostación, plena en todas las notas de equilibrado y parejo vibrato, su voz de barítono, de caudal mediano y próxima a las dos oc-tavas en su tesitura, fue cambiando de color a través de los años. Pero su inesperado e inconfundible timbre, su característica presencia sonora, quedaron radicalmente y para siempre identificados con el tango. No fue que tuviera él "voz de tango"; éste—más bien— nació de su voz. En el plano musical, le fue natural el refinamiento y la imaginación para tratar la línea melódica, dividiéndola, acentuándola, matizándola con exquisito e invariable buen gusto, todo lo cual, juntamente con su marcada tendencia al "tempo rubato" y a su instinto innato del ritmo —creador en alto grado del propio ritmo del tango— concurrió a perfilar su inconfundible fraseo. En lo interpretativo tuvo la rara aptitud de poder recrear, en un solo e indivisible acto de expresión, el texto musical y el texto literario. Esto es, cantando y "diciendo" a la vez con precisa y simultánea comprensión del contenido y de la intención de cada tango diferente: festivo en Qué querés con esa cara; compadecido en Pobre corazoncito; nostálgico en El bulín de la calle Ayacucho; cachador en Tierrita; coloquial en Mano a mano; trasnochado en Y reías como loca; melancólico en La per-canta está triste; arrabalero en Del barrio de las latas; romántico en Trovas; sentencioso en Pompas; grotesco en Chorra; irónico en Se acabaron los otarios; burlesco en Otario que andás penando; pretensioso en Si soy así; trágico en Cuesta abajo; reflexivo en Meditando; compadre en Taconeando, aun- que con una constitutiva inclinación a teñir toda su riquísima gama de intérprete con una pátina de melancolía profunda.

4. Esbozo temperamental. En el indesglosable todo de su creación, hubo la convicción de un arte en el que se combinaron su naturaleza anímica entre picaresca y solemne de hombre del bajo ciudadano, con las hondas raices de su criollismo —conocedor de cuanto había de manifiesto o de sobreentendido en lo que cantaba— y su señorío de hombre de clase por imperio espiritual.
5.Gravitación artística. La influencia de su personalidad que vivida y fecunda superó largamente a su muerte, y que se había afianzado luego de 1925, nació con su advenimiento mismo y alcanzó a enriquecer todos los aspectos del tango. Fue incitación para músicos y para letristas, los cuales lo sirvieron con un repertorio copioso del que, en medida importante, procedió la evolución y la diferenciación en estilos y tendencias de las composiciones cantables, a las que contribuyó él mismo con una obra de primera fila —Soledad, Arrabal amargo, Volvió una noche, Cuesta abajo, Volver, Golondrinas—, especialmente durante sus años postreros. Gravitó, intenso y dominante, en las corrientes vocales: únicamente pudieron sustraerse totalmente a su influjo, algunos de sus contemporáneos, como Ignacio Corsini, Agustín Magaldi y la mayor parte de las cancionistas; y fue absorbente su maestría, incluso para aquéllos que formados en su admiración y en su escuela —Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularmente Rivera— se expresaron en modalidades de jerarquía, con mayor independencia. La fuerza ordenadora y el contenido precursor de su manera de sentir y de tratar musicalmente el tango, concomitantes a los quefueron propios de la corriente decarista, influyeron por lo profundo en toda la familia de estilos orquestales auspiciada por ésta, inclusive en sus más avanzados cultores.
6. Trascendencia popular. Su arte, su naturaleza, su conducta, su temperamento, su
fisonomía, ejercieron una verdadera fascinación para varias generaciones, como una manera plena de confirmarse en todo cuanto define a lo porteño y a lo rioplatense. De esa pura y sencilla exaltación emocional, se alimentó el cariño y la imaginación popular que gestó, luego de su muerte, la legendaria imagen suya. Vivificado por el disco de fonógrafo —en el cual permanece su voz— o por la película de cine —en la que perdura su fisonomía—, su enorme fantasma se agregó a la doméstica constelación mitológica del Plata, junto a los Carriego, Arolas, Pepino el 88, Florencio Sánchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, pero compendiándolos en una sola e ideal representación espiritual.
7. Biografía. Los orígenes nacional y familiar, y la fecha y lugar de nacimiento, son cuatro aspectos capitales de su vida en torno de los cuales no hay todavía definitiva certeza: los documentos y los testimonios personales son contradictorios por igual, tan susceptibles de duda los unos como los otros. Una partida expedida en la ciudad de Toulouse —sur de Francia— lo ubica nacido en ésta el 11 de diciembre de 1890, hijo de Berthe Gardés—tolosana, también— y de padre desconocido. Esta fecha fue desvirtuada más tarde por él mismo en su testamento ológrafo (noviembre de 1933), al declararse nacido el 10 de diciembre de 1890, y por su compañero de labor artística José Razzano, quien dio otra —11 de diciembre de 1887—en el libro Vida de Carlos Gardel, (contada por José Razzano y escrita por Francisco García Jiménez), fecha que él también dio para toda su documentación personal. Un documento de identidad testimonia su nacimiento en el Departamento de Tacuarembó (R. O. del Uruguay), posibilidad sobre la cual el investigador uruguayo Erasmo Silva Cabrera ha escrito un ensayo ubicándolo como hijo del coronel oriental Carlos Escayola. De acuerdo con la primera hipótesis, su nombre familiar fue Charles Romuald Gardés; conforme a la segunda, fue Carlos Escayola. Su infancia y su adolescencia aparecen también envueltas en un misterio hecho de referencias orales desencontradas e imprecisas sobre la vida en Buenos Aires hasta 1912, residiendo con Berthe Gardés—quien fuera o no su madre, se comportó como tal hasta su muerte— en Corrientes al 1500, casi Rodríguez Peña, primero; des-pués, en la casa de la calle Jean Jaurés 735, barrio del Mercado del Abasto. Los principios de su trayectoria de artista corresponden a esa época, refrendados ya por menciones en la prensa: integró en 1912 un dúo con Francisco Martirio y un trío vocal de repertorio criollo con éste y con José Razzano, conjunto que debutó en un festival realizado en la Casa Suiza de la calle Rodríguez Peña y se convirtió, poco después en cuarteto con la incorporación de Saúl Salinas ("El víbora") para cantar en la localidad de Zarate durante el carnaval de 1913. Desvinculado Salinas, el trío Gar-del-Martino-Razzano continuó su gira por la provincia de Buenos Aires; y en Gral. Viamonte quedó reducido a dúo por la deserción de Martino. Ese mismo año hizo su primera serie de grabaciones fonográficas en solo y para la casa Columbia, integrada por catorce canciones campesinas en quese acompañó él mismo con elementales rasgueos de guitarra; la placa inicial, por orden de aparición en la venta, contuvo sus interpretaciones de La Mañanita y Me Dejaste. A fines de 1913, formando el dúo con Razzano, debutó en el cabaret Armenonville, presentándose durante 1914 como fin de fiesta de las representaciones de la compañía Ducasse-Alippi en el Teatro Nacional (enero), con Perdiguero-Casaux en el Apolo (marzo), con Arellano-Tesada-Aranaz- Mancini en Rosario de Santa Fe (junio), con Vitone-Pomar en Córdoba (julio), con Rico Mangiante en el Moderno de Buenos Aires (octubre) y, en este mismo escenario, para un concierto de la Sociedad Argentina de Compositores (noviembre). Al año siguiente cantó con Razzano en Montevideo, en el Teatro Royal y en el 18 de Julio, como parte del elenco de Arellano, integrando el cual viajó a Río de Janeiro en la puesta de Juan Moreira, que se estrenó en el mes de noviembre en el Teatro San Martín. En esta ocasión se agregó a su dúo el guitarrista José Ricardo. En 1916 acompañó —siem-pre con Razzano —la actuación de Orfilia Rico en el Odeón de Mar del Plata (febrero) y al recién constituido binomio de actores Muiño-Alippi en las salas del Marconi y del Nuevo, pasando en octubre al Esmeralda, donde cantó en solo Mi noche triste, primer tango que interpretó en actuaciones públicas. Durante esa misma temporada, desempeñó un pequeño papel en la filmación de la película Flor de Durazno, que dirigió el dramaturgo Francisco Defilippis Novoa, y volvió a Montevideo con Razzano, en la compañía de Rogelio Juárez y Lola Membrives, de actuación en el Urquiza. Llamado por Glucksmann, grabó el dúo —el 9 de abril de 1917— para Odeón, su placa inicial con la canción de Ángel Villoldo Cantar Eterno, quedando confiado a un solo de Razzano —la cifra Entre Colores— la faz complementaria de ese primer disco de fonógrafo. Y continuaron las presentaciones teatrales, en el Esmeralda —nuevamente— con Blanca Podestá; Alberto Ballesteros y Salvador Rosich, en el San Martín y en el Empire; con Florencio Parravicini, luego, en San Nicolás, durante una gira por provincias que incluyó un contrato cumplido por el dueto en Chile. En 1918, año de sus dos primeros tangos cantados para el disco —Flor de fango y Mi noche triste (éste apareció antes que aquél en la venta)—, actuó con el dúo en Montevideo: Teatro 18 de Julio y festival benéfico en el Parque Hotel. Desde entonces, marcadamente a partir de 1922, su figura fue cobrando señalada supremacía respecto de la de Razzano, quien paulatinamente disminuyó la intervención en los registros fonográficos. Con los guitarristas José Ricardo y Guillermo Barbieri (incorporado éste al acompañamiento en 1921), y una vez cumplidos los compromisos artísticos en la escena del Florida porteño y del 18 de Julio montevideano con el elenco de Enrique De Rosas y Matilde Rivera, embarcaron con estos actores rumbo a España; debutaron en diciembre en el Teatro Apolo de Madrid. De regreso, grabó —a fines del 24—, como solista, secundado por la orquesta de Francisco Canaro, algunas versiones para Odeón, la primera de las cuales fue el tango La garconníére; y, en 1925 —temporada de su debut en la radiotelefonía por ondas de Splendid—, llevó al disco dos tangos: Perdón, viejita y Fea, con marco orquestal dirigido por Osvaldo Fresedo. Desde setiembre de ese año —fecha de su desvinculación de Razzano—continuó su carrera de artista como figura independiente y con un segundo viaje a Es-paña; cantó en el Romea de Madrid y grabó a partir de Echaste buena, una serie de caras para la Odeón de Barcelona, labor que cumplió acompañado únicamente por José Ricardo. Luego de una fugaz reaparición en Buenos Aires —que incluyó audiciones en Radio Prieto—, volvió a los escenarios españoles, esta vez con Ricardo y Barbieri, sus dos guitarristas. Durante los dos años siguientes, sumado ya José María Aguilar al acompañamiento, actuó en París: Teatro Fémina, cabaret Florida y discos de la Odeón francesa —en 1928— y Teatro Ópera y Empire —enero y febrero de 1929—; en abril y mayo, cantó en el Principal Palace de Barcelona y en el Avenida de Madrid. Volvió en junio a Buenos Aires, tomando parte en una serie de películas breves dirigidas por Eduardo Morera, actuando en el Teatro Florida, ante micrófonos de Radio Nacional y en la sala del Artigas de Montevideo. Regresó a Europa durante el siguiente año, debutando en Niza e interpretando el papel protagónico en Luces de Buenos Aires, película que, dirigida por Adelqui Millar, se rodó en Joinville con Gloria Guzmán; Pedro Quartucci y otros elementos de la compañía del Teatro Sarmiento en gira en los demás roles de importancia, y el sexteto de Julio De Caro. En setiembre de 1931, luego de haber registrado un segundo lote de versiones para la Odeón de París, reapareció en el Broadway de Buenos Aires con los guitarristas Guillermo Barbieri, Ángel Domingo Riverol y Julio Vivas. De 1932 es su serie de películas Paramount, durante la cual em-pezó a colaborar con él, como argumentista y letristas de canciones, Alfredo Le Pera: Espérame (Direc: Louis Gasnier), La Casa es Seria (Dir.: Jacquelux), Melodía de Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). Tras otra fugaz presentación por Radio Belgrano retornó a Europa, grabando en Barcelona, el 22 y 23 de julio, una tanda de placas con el violín de Solsona y el piano de Juan Cruz Mateo, y el 6 de noviembre en la Argentina, sus últimas versiones para Odeón: Madame Ivonne, Tu Diagnóstico, El Tirador Plateado. Dos meses antes había realizado una breve temporada en el Teatro 18 de Julio de Montevideo y pocos días después viajó rumbo a París, en el "Conte Biancamano", acompañado por sus músicos Alberto Castellanos y Horacio Pettorossi. De allí se trasladó a Nueva York, cantando por la NBC (National Broadcasting Corporation) con un marco orquestal concertado por Hugo Mariani. En 1934 y 1935 filmó sus cinco películas para la Paramount en Norteamérica: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango en Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), El Día que me Quieras (Dir.: John Reinhardt, 1935), Tango Bar (Direc: John Reinhardt, 1935) y escenas para Cazadores de Estrellas (Dir.:Norman Taurog, 1935). En marzo de dicho año cantó desde Nueva York para Radio Belgrano de Buenos Aires, en tanto que la RCA Víctor imprimía en discos los canta-bles incluidos en su labor cinematográfica: el tango Amargura fue el último que interpretó para el surco y la canción criolla Apure Delantero Buey —grabados ambos los días 19, 20 y 23 de marzo— la postrera realización suya —sin distinción de géneros— para la fonografía. A principios de abril inició su gira por ciudades latinoamericanas. Comenzada en San Juan de Puerto Rico, dicha turné lo llevó sucesivamente a Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena y Medellín. El 23 de junio cumplió la actuación final de su carrera en el Teatro Real de Bogotá. El 24 de junio de 1935, elaparato que lo llevaba desde esa ciudad hacia Calí, hizo escala en Medellín, en el aeródromo Olaya Herrera, sobre cuya pista, al recomenzar el viaje se estrelló en tierra contra otro avión, determinando su muerte.
Además de las composiciones ya mencionadas, dio a conocer los tangos Mano a mano, Ave sin rumbo, Mi alhaja (luego Medallita de la suerte), Noche fría, Desdén, Estudiante, Melodía de arrabal, Me da pena confesario, Tomo y obligo, Silencio, Recordando, Evocación, Amor, Sus ojos se cerrarón y Mí Buenos Aires Querido. Fuente Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel


In English Automatic Traducion
GARDEL, Carlos. Music. Cantor. Composer. 1. Ubica staff. He was the creator-in-the artistic, emotional and aesthetically cultor first genuine in-the-historical interpreter and the largest-in terms of value-vocal forms of tango. His personality comprehensive gravitation also across the landscape of popular music and spiritual style of the cities of Rio de la Plata, which was the most representative figure in life, first, and then in the upward projection affective and social development of his legendary memory. 2. Ubica historic. He was man of the generation of 1910, manages the profound transformation that gave tango a genre perfectly first time differential of musical art. Alternator on it with composers and performers-Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martinez, Fresedo, Roccatagliata, Charles V. G. Flores-who, in different parts of temperament, promoted the genesis of tango vocalist with melodic rhythmic and harmonic characters themselves, and with lyricists who headed Pascual Contursi contributed the equivalent literary dimension. He, in turn, breaking revolutionarily with archaic ways that voice, represented by Angel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodriguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma and others, had prevailed until then, gave this brand new and auspicious for repertoire singing, the exact configuration interpretative. His renditions of Flower of mud (Contursi-Gentile), Milonguita (Delfino-Linnig), My sad night (Castriota-Contursi), Back to bulín (Martinez-Contursi), Mar-got (Ricardo Flores-EC), Meat cabaret (Lambertucci-Roldan) and Poor Paice (Cobián-Contursi), recorded on discs National Odeon between 1918 and 1920, and it showed throughout the originality that enriched and developed throughout his career shortly thereafter. 3. Fisonomía creative. In terms of voice, impeccable pitch, impost, in full of all notes and evenly balanced vibrato, his baritone voice, flow and medium next to the two oc-TAV in his position, was changing color across year. But his unexpected and unmistakable timbre, its characteristic sound presence, were radically and forever identified with the tango. It was not that he had "voice of tango"; latter-rather-was born of his voice. In musical terms, it was natural refinement and imagination to deal with the melodic line, dividing, accentuated by qualifying with exquisite and invariable good taste, all of which, together with its strong tendency to "tempo rubato" and his innate instinct of pace-maker in high degree of self-paced tango-attended outline his unmistakable phrasing. In the interpretive had the rare ability of being able to recreate in a single and indivisible act of expression, the musical text and the literary text. That is, and chanting "saying" at the same time and simultaneously with precise understanding of the content and intent of each different tango: a festive want to do this face; compadecido in Poor heart; nostalgic bulín in the street Ayacucho; Cachadora in Tierrita; colloquial Hand in Hand; outdated and laughed at as crazy; melancholy in per-sung is sad; arrabalero in the neighborhood of cans; trove in romantic; judgmental in Pompas; grotesque in Chorra; ironic in Goodbye Otari; burlesque in Otario that andás penando; pretensioso If I am in well; tragic in Cuesta abajo; thoughtful meditation on; compadre in Taconeando, even though with a constituent inclination to colour all his rich range of interpreter with a patina of deep melancholy. 4. Outline temperamental. In indesglosable all of creation, there was the conviction in an art that combined their nature animosity between picaresque and solemn man under citizen, with its deep roots criollismo-connoisseur of what had been apparent or understood in what they sang-lordship of man and his classmates by spiritual empire. 5.Gravitación artistic. The influence of his personality that lived long and fruitful surpassed his death, and which had been strengthened after 1925, was born with its advent to enrich himself and reached all aspects of tango. It was incitement to musicians and lyricists, which is served with a repertoire of copious that, in a major way, proceeded evolution and differentiation in styles and trends compositions vocalist, who helped himself with a piece of front row - Soledad, Arrabal bitter, returned one night, Cuesta abajo, back, Golondrinas, especially during his years last. Gravitation, intense and dominant voice on the pattern: only able to completely escape its influence, some of his contemporaries, as Ignacio Corsini, Agustin Magaldi and most of the female singers, and was acquiring his master, even for those who trained in their admiration and their school-Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularly Rivera-were expressed in forms of hierarchy, with greater independence. The strength and substance ordering forerunner of the way and try to feel musically tango, concomitant to quefueron own flow Decaro, influenced by the deep throughout the family orchestral styles sponsored by it, including its most advanced cultores . 6. Transcendence popular. His art, its nature, conduct, his temperament, his physiognomy, brought a real fascination for several generations, as a fully confirmed in all that defines what the Buenos Aires and River Plate. That pure and simple emotional exaltation, is fed affection and the popular imagination that gesture, after his death, his legendary image. Enlivened by the phonograph record-which remains in his voice-or the film-which persists in its appearance, its huge ghost was added to the domestic constellation mythological del Plata, along with Carriego, Arolas, Cucumber the 88, Florencio Sanchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, but compendium in one spiritual and ideal representation. 7. Biography. The national origins and family, and date and place of birth, are four aspects of his life in capitals around which there is still no definitive certainty: documents and personal testimonies are equally contradictory, so one could doubt as others. A departure issued in the southern city of Toulouse-France-born it places him on December 11, 1890, son of Berthe Gardés-Toulouse, too-and an unknown father. This date was later invalidated by himself in his will ológrafo (November 1933), to declare born on December 10, 1890, and his artistic work colleague Joseph Razzano, who gave another -11 December 1887-in the book Life of Carlos Gardel (counted by Jose Razzano and written by Francisco Garcia Jimenez), when he also gave to all his personal documentation. An identity document testifies to its source in the Department of Tacuarembó (RO of Uruguay), a possibility about which the investigator Uruguayan Erasmo Silva Cabrera has written an essay, identified as the son of Colonel Carlos Eastern Escayola. Under the first scenario, his family name was Charles Romuald Gardés; under the second, Carlos was Escayola. His childhood and adolescence are also wrapped in a mystery fact references oral desencontradas and imprecise about life in Buenos Aires until 1912, residing with Berthe Gardés-or who was not her mother, behaved as such until his death in-flows to 1500, almost Rodriguez Pena, first; af-ter, at the home of Jean Jaurés 735 Street, Market neighborhood of Abasto. The principles of his career as artist correspond to that time, already endorsed by mentions in the press: in 1912 he joined a duo with Francisco Martyrdom and a vocal trio repertoire of Creole with him and with Jose Razzano, set to debut at a festival held in House Switzerland in the street and became Peña Rodríguez, shortly after a quartet with the addition of Saul Salinas ( "viper") to sing in the town of Zarate during the carnival of 1913. Salinas split, the trio Gar-of-Martino-Razzano continued his tour of the province of Buenos Aires and in Gral. Viamonte was reduced to a duo by the defection of Martino. That same year he made his first series of phonographic recordings in the house alone and to Columbia, composed of fourteen songs in peasant cate accompanied himself with elementary rasgueos guitar; initial plate, in order of appearance in the sale, kept their interpretations of The Mañanita and left me. In late 1913, forming the duo with Razzano, debuted at the cabaret Armenonville, appearing during 1914 so as party representations of the company-Alippi Ducasse at the National Theater (January), with Perdiguero-Casaux in the Apollo (March ), With Arellano-TES-Aranaz-Mancini in Rosario de Santa Fe (June), with Viton-Pomar in Cordoba (July), with Rico Mangiante in the Modern Buenos Aires (October) and, in this scenario, for a concert of the Society of Composers Argentina (November). The following year he sang with Razzano in Montevideo, at the Theatre Royal and in the July 18, as part of the cast of Arellano, integrating which traveled to Rio de Janeiro in the making of John Moreira, which premiered in November at the Teatro San Martin. On this occasion was added to its duo guitarist Jose Ricardo. In 1916-always accompanied with Razzano-performance Orfilia Rico at the Odeon of Mar del Plata (February) and the newly formed team of actors Muiño-Alippi in the halls of Marconi and the New, moving in October to Esmeralda, where he sang in My only sad night, that first tango interpreted in public performances. During that same season, played a small role in the filming of the movie peach blossom, who led the playwright Francisco Defilippis Novoa, and returned to Montevideo with Razzano, in the company Rogelio Juarez and Lola Membrives, action in the Urquiza. Called by Glucksmann, recorded the duet-the April 9, 1917 - for Odeon, its initial plate with the song Angel Villoldo Eternal Song, being entrusted to a single-figure Razzano Among Colors-the face of that first record supplementary of phonograph. And continued theatrical presentations, in the Emerald-again-with White Podesta; Alberto Ballesteros and Salvador Rosich, in St. Maarten and the Empire, with Florencio Parravicini, then, in San Nicolas, during a tour of provinces which included a contract performed by the duet in Chile. In 1918, the year of its first two tangos sung for the hard-Flower of My mud and sad night (he appeared before him in the sale) - she appeared with the duo in Montevideo: Theatre festival on July 18 and beneficial in the Park Hotel. Since then, sharply from 1922, his figure was brought gaining supremacy over the Razzano, who gradually fell intervention in the recordings. With the guitarists Jose and Ricardo Guillermo Barbieri (incorporated it in the accompanying 1921), and once completed commitments in the artistic scene of Florida Buenos Aires and Montevideo on July 18 with the cast of Enrique De Rosas and Matilde Rivera, embarked with these players headed to Spain; debuted in December at the Teatro Apollo in Madrid. In return, recorded in the late-24 - as soloist, supported by the orchestra Francisco Canaro, some versions for Odeon, the first of which was the tango The Garconniere and, in 1925-his debut season in radiotelephony Splendid-wave led to record two tangos: Sorry, viejita and Fea, with orchestral framework led by Osvaldo Fresedo. Since September this year, date of untying-Razzano continued his career as an artist and independent figure with a second trip to Spain is; sang in the Romea Madrid and recorded from Echaste good, a series of expensive for the Odeon Barcelona, which played accompanied only by Jose Ricardo. After a fleeting reappearance in Buenos Aires that included hearings on Radio-Prieto, Spaniards returned to the stage, this time with Ricardo and Barbieri, his two guitarists. During the next two years, joined Jose Maria Aguilar and the accompanying acted in Paris: Theatre Fémina, Florida and cabaret records of the French-Odeon in 1928 - and Opera Theater and Empire-January and February 1929 - in April and May , Sang in the Main Palace in Barcelona and Madrid Avenue. He returned to Buenos Aires in June, taking part in a series of short films directed by Eduardo Morera, acting at the Teatro Florida, before microphones National Radio and the chamber of Artigas Montevideo. He returned to Europe during the next year, debuting in Nice and interpreting the leading role in lights of Buenos Aires, film, directed by Adelqui Millar, was filmed in Joinville with Gloria Guzman, Pedro Quartucci and other elements of the Company Theatre in Sarmiento revolves other important roles, and the sextet Julio De Caro. In September 1931, after having registered a second batch of releases for the Odeon in Paris, reappeared in the Broadway of Buenos Aires with the guitarists Guillermo Barbieri, Angel Domingo Riverol and Julio Vivas. From 1932 is his series of films Paramount, during which em-fish to work with him as a script writer and lyricists of songs, Alfredo Le Pera: Espérame (Director: Louis Gasnier), La Casa is Seria (Dir.: Jacquelux) Melody of Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). After another brief presentation on Radio Belgrano returned to Europe, recorded in Barcelona on 22 and July 23, a round plate with the violin and piano of Solsona Juan Cruz Matthew, and November 6 in Argentina, their latest Odeon versions: Madame Ivonne, Tu Diagnostics, Silver shooter. Two months earlier had made a brief season at the Theatre on July 18 in Montevideo and a few days later traveled to Paris direction, "Conte Biancamano, accompanied by his musicians and Horacio Alberto Castellanos Pettorossi. From there he moved to New York, singing by the NBC (National Broadcasting Corporation) with an orchestral framework agreed upon by Hugo Mariani. In 1934 and 1935 filmed his five films for Paramount in North America: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango on Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), The day you love me (Dir.: John Reinhardt , 1935), Tango Bar (Director: John Reinhardt, 1935) and scenes for Hunters Stars (Dir.: Norman Taurog, 1935). In March of that year sang from New York to Radio Belgrano in Buenos Aires, while the RCA Victor records printed in the sing-able included in his film work: the tango Bitterness was the last thing interpreted for the furrow and the folk song Striker Apure Ox-taped both 19, 20 and March 23-the realization his second season-irrespective of gender-for phonography. In early April he began his tour of Latin American cities. Began in San Juan, Puerto Rico, said Turner took him successively to Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena and Medellin. On June 23 met the performance end of his career at the Teatro Real in Bogota. On June 24, 1935, elaparato that it was carrying from that city to Cali, Medellin stopped in at the Olaya Herrera airport, whose runway, to restart the trip crashed ashore against another plane, determining their death. In addition to the aforementioned compositions, released tangos Mano a mano, Ave aimlessly, Alhaj My (then Medallita of luck), Cold Night, Desdén, Student, suburb of melody, I'm confesario penalty, Volume and obligations, Silence, recalling, evocation, Love, Your eyes are cerrarón and Mi Buenos Aires Querido. Source Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel

Carlos Gardel - Coleccion Todo Gardel de Edicciones Altaya Volumenes 1 y 2 de 50

Volumen 01 Año 1912
Genero: Tango, Cantores, Guitarra(Canciones campesinas)
Nivel Altaya
Grabaciones originales realizadas en 1912 en el sello Columbia
Remasterizado en 2001 por Altaya
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 51.3 Mb/Total time: 46:51

Las dos primeras grabaciones realizadas por Carlos Gardel fueron La mañanita y Me dejastes

Nota: Existen varias colecciones sobre la discografia de Carlos Gardel.
Posiblemente las tres mas importantes sean:
Gardel serie para coleccionistas con 448 temas
Carlos Gardel Su vida y su obra editada por Bandoneon con 21 Cds y 400 temas
Y la Coleccion Todo Gardel con 50 CDS y 971 temas.De esta coleccion se postean los primeros dos volumes
Las dos primeras estan mas depuradas en el caso de esta ultima por la cantidad de temas se registran algunos errores.

Biografia de Carlos Gardel

Tracks
01-sos mi tirador plateo
02-yo se hacer
03-la mañanita
04-pobre madre
05-me dejaste
06-mi china cabrera
07-el sueño
08-pobre flor
09-la mariposa
10-es en vano
11-brisas de la tarde
12-el almohadon
13-a mitre
14-mi madre querida
En todas estas grabaciones se acompaña el mismo con guitarra


Volumen 02 Año 1917
Genero: Tango, Cantores, Guitarra
Nivel Altaya
Grabaciones originales realizadas en 1917
Remasterizado en 2001 por Altaya
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 48.2 Mb/Total time: 45:31
El primer doble de 1917 de Carlos Gardel fue Cantar Eterno y Entre colores (solo de Razzano) que por error se incluye en este cd junto con otros temas que son solos de Razzano. Ver detalle de los tracks


Tracks
01-cantar eterno a duo con Razzano
02-entre colores(Solo de Razzano)
03-el sol del 25 a duo con Razzano
04-a mi morocha (Solo de Razzano)
05-brisas a duo con Razzano
06-el pangare Carlos Gardel
07-la huella a duo con Razzano
08-la mariposa Carlos Gardel
09-la criolla a duo con Razzano
10-el moro Carlos Gardel
11-una rosa para mi rosa a duo con Razzano
12-gaucha (Solo de Razzano)
13-recuerdos (Razzano con Interv por Carlos Gardel)
14-la madrugada a duo Razzano
15-el tirador plateado Carlos Gardel

Todos los temas son acompañados en guitarra por José Ricardo

Bajar CD 01 y 02 por MediaFire

Biografia Enrico Pieranunzi en español and in English

Enrico Pieranunzi

Enrico Pieranunzi

Nacido en Roma en 1949, Enrico Pieranunzi ha sido durante mucho tiempo uno de los más conocidos y apreciados personajes en la escena de jazz de Europa. Pianista, compositor, arreglista, ha grabado más de sesenta CDs bajo su propio nombre, que van desde el piano solo a trío, dúo y de a quinteto. Ha tocado en concierto y en el estudio con Chet Baker, Lee Konitz, Marc Johnson, Joey Baron, Paul Motian, y Charlie Haden, actuando en todos los más importantes festivales internacionales, desde Montreal a Copenhague, desde Berlín a Madrid. En 2004 realiza una gira por Japón con el desempeño de su trío americano, entre ellos el bajista Marc Johnson amd baterista Joey Baron. En 2006 realiza una gira por Usa el desempeño en "Birdland", Nueva York, con Marc Johnson amd Paul Motian y dar un piano recital en el San Francisco Jazz Festival. Pieranunzi de años de formación abarca tanto clásica y jazz piano, y la influencia de Debussy es evidente en la exuberante romanticismo en el corazón de su música. Emergentes en los primeros años 70, Pieranunzi del enfoque lírico le llevó rápidamente a la vanguardia de la escena europea, y en 1984 formó un trío con Marc Johnson y Joey Baron, el primero de varios outstandig grupos con músicos de América. En 1989 y 2003 fue votado Músico del Año por la Musica Jazz crítico de la encuesta y 1997, fue receptor de los Django d'Or Premio Europeo a la mejor músico de jazz. Además de grabar muchos discos, ha escrito más de 200 composiciones entre ellas "Noche de Aves", grabado en varias ocasiones por Chet Baker y se lleva a cabo por muchos otros. Muchas de sus composiciones se han convertido en verdaderas normas internacionales, tres de las cuales - dos en 1991 y uno en 2001 - se han incluido en el prestigioso "New Real Books", publicado en los Estados Unidos de "Sher Music". Famoso escritor / periodista Nat Hentoff escribe: "(Pieranunzi) es un pianista luminously lírica, con un flujo constante de ideas. Él se basa el tipo de calidad de los dibujos y modelos que tienen una poderosa lógica interna. (...) Pieranunzi puede swing - crisply y, sin duda. Pero en los tiempos que sigue siendo su lírica libre. Su música canta. "Ray Spencer de" Jazz Journal "ha escrito que" Enrico Pieranunzi respira nueva vida en el jazz contemporáneo ".

Enrico Pieranunzi

In English
Born in Rome in 1949, Enrico Pieranunzi has long been one of the best-known and appreciated personalities on the European jazz scene. Pianist, composer, arranger, he has recorded more than sixty CDs under his own name, ranging from solo piano to trio, and from duet to quintet. He has played in concert and in the studio with Chet Baker, Lee Konitz, Marc Johnson, Joey Baron, Paul Motian, and Charlie Haden, performing at all the most important international festivals, from Montreal to Copenhagen, from Berlin to Madrid. In 2004 he toured Japan performing with his American trio, including bassist Marc Johnson amd drummer Joey Baron. In 2006 he toured Usa performing at “Birdland”, New York, with Marc Johnson amd Paul Motian and giving a solo piano recital at the San Francisco Jazz Festival. Pieranunzi’s formative years embraced both classical and jazz piano, and the influence of Debussy is readily apparent in the lush romanticism at the heart of his music. Emerging in the early ‘70s, Pieranunzi’s lyrical approach quickly brought him to the forefront of the European scene, and in 1984 he formed a trio with Marc Johnson and Joey baron, the first of several outstandig groups with American musicians. In 1989 and 2003 he was voted Musician of the Year in the Musica Jazz critic’s poll and he was 1997 recipient of the Django d’Or Award for best European Jazz Musician. In addition to recording many albums, he has written more than 200 compositions including “Night Bird”, recorded several times by Chet baker and performed by many others. Many of his compositions have become veritable international standards, three of which – two in 1991 and one in 2001 – have been included in the prestigious “New Real Books” published in the United States by “Sher Music”. Famous writer/journalist Nat Hentoff writes: “(Pieranunzi) is a luminously lyrical pianist, with a constant flow of ideas. He builds the kind of quality of designs that have a powerful inner logic. (...) Pieranunzi can swing – crisply and surely. But in those tempos he remains his lyrical self. His music sings.” Ray Spencer of “Jazz Journal” has written that “Enrico Pieranunzi breathes new life into contemporary jazz”.

Enrico Pieranunzi - Les Amants

Genero:Jazz, Jazz instrumental, Piano
Año de lanzamiento 2004
Nivel: Egea
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 68 Mb/Total time: 52:10



Personnel
Enrico Pieranunzi (pianoforte)
Marc Johnson (contrabbasso)
Rosario Giuliani (sassofoni)
Gabriele Pieranunzi (violino)
Alessandro Cervo (violino)
Francesco Forte (viola)
Daniela Petracchi (violoncello)
Angelo Cicillini (viola in "Canto del mare")

Biografia Enrico Pieranunzi

Tracks
01-Canto nascosto
02-Canto del mare
03-The kingdom (where nobody dies)
04-Les Amants
05-Canzone di Nausicaa
06-Where I never was
07-The flower

Bajar por Easyshare
Pass: eltangoysusinvitados

Bajar por MediaFire
Pass: eltangoysusinvitados

Gabriel Clausi biografia

Gabriel Clausi


Gabriel Clausi

Gabriel Clausi: Nació el 30 de agosto de 1911, fueron doce hermanos y varios dedicados a la música, tanto que su primer maestro fue su hermano mayor Pascual, que tocaba de oído.
Se consiguió prestado un bandoneón, allá por 1922, y tocando en un almacén de la esquina de Deán Funes e Independencia, un día en medio de una pelea se lo robaron.
Trabajó un tiempo de carnicero, y aún hoy exhibe los tajos que quedaron en sus manos. El hermano que había oficiado de maestro al ver que no tenía instrumento le aconsejó que estudiara con el maestro Criscuolo, que tocaba flauta y violín, pero eso no era lo suyo. Su madre advertida y aún de medio de una severa pobreza familiar, ahorrando le dio los pesos para comprarse un bandoneón. Clausi lo recuerda así: "Fui con mi hermano a "Casa Nuñez", era un fueye negro y liso. Con los años Pascual se quedó sin trabajo y se lo regalé, yo me compré uno nacarado. Me las rebuscaba con las partituras comprándolas a menor precio en la editorial Ortelli Hermanos."
Sus primeros pasos profesionales los hizo formando parte de un quinteto en el año 1924. Lo dirigía el pianista Andrés Dáquila, quien fuera maestro de Piazzolla. Tocaban lugares hoy olvidados , como el café "Benigno" de la calle Rioja, en "La Fratinola" de la calle Patricios.
Luego forma parte de la Orquesta Milano-Ropi, uno flautista y el otro violinista. En el piano estaba Gaetano Grossi, quien por recomendación de Ortelli se convirtió en su maestro. Su deseo era aprender música, "sacar" algunos clásicos, "El trovador" por ejemplo, de la que conserva aún la partitura con las correcciones de su maestro.
El bandoneonista José Antonio Scarpino, vecino del barrio, le contó que Francisco Pracánico trataba de ubicarlo para que trabajase en su orquesta en una temporada en el Teatro Astral. Fue en 1926, en ella estaban sus hermanos Domingo y Alejandro, dos buenos bandoneonistas, también integraban la orquesta, Miguel Caló, Domingo Precona y el cantor Carlos Dante.
Recuerda "Chula" que en en una ocasión el guitarrista Juan Caldarella, compositor junto a los hermanos Scarpino del famoso tango "Canaro en París", le contó que esa melodía provenía de una vieja mazurca italiana, que trajeron los Scarpino. La famosa variación es del propio Caldarella, quien se inspiró una noche tocando un peine forrado con celofán en el patio de un boliche.
Pasado el tiempo y ya residiendo en el barrio de Flores y en una peluquería donde su reunían varios músicos, tomó contacto con Juan Maglio "Pacho", quien ya conocía a su hermano Pascual, pues le había grabado el tango "El pueblo te reclama", dedicado a Hipólito Yrigoyen. De inmediato lo recluta para grabar con su orquesta, era a mediados de 1928.

Gabriel Clausi

"Pacho" iba casa todas las tardes, y los domingos se aparecía con su Studebaker para ir al hipódromo. Grabó varios temas del "Chula": "En un rincón del café", con letra de Francisco Laino, el estribillo lo cantó Carlos Viván y años más tarde "Mi linda chirusa". Con el Trío "Pacho": "Lluvia de penas" y "En capilla" Por entonces el Trío "Pacho" lo componían Ernesto Di Cicco, Federico Scorticati y Clausi, y Maglio los dirigía. El maestro se había dado cuenta que había sido superado por los más jóvenes.
Un día se le apareció Roberto Firpo y me ofreciéndole tocar con él en el "Palace". Con Firpo tuvo mucho éxito, luciéndose con sus variaciones. Tenía mucho trabajo, grababa al mismo tiempo con Minotto, Maglio, Bonavena, Donato y Geroni Flores.
En septiembre de 1929 ingresa en la orquesta de Pedro Maffia, hasta 1934. Grabando con él en Columbia y en Brunswick.
Luego de Pedro Maffia, llega Julio De Caro, con quien actúa hasta 1940. Primero en radio Splendid, en una formación integrada por: Francisco De Caro (piano), Carlos y Rolando Marcucci, Félix Lipesker y él (bandoneones), Luis Guitérrez del Barrio y Mauricio Saiovich (violines), Francisco De Lorenzo (contrabajo) y Juan Carlos Otero (cantor).
De su orquesta no se fue del todo bien. Clausi dice, no sin generar cierta polémica: "De Caro era un tipo muy difícil, una vez se molestó porque otros directores me ofrecían más del doble de lo que yo ganaba con él. El verdadero motor de la orquesta era su hermano Francisco. Julio no tenía gran capacidad para escribir música, él era un empresario, un hombre de negocios. Sus tangos "Viña del Mar", "1937", "Ja, ja, ja" y otros que son suyos, no tienen el vuelo que los que firmó con Francisco o con Laurenz y que, en realidad, son de ellos. Con los años Laurenz me dijo: «Mirá esos tangos que regalé. ¡Qué bien me vendrían ahora!» Ya estaba jubilado y necesitaba unos pesos más. El comentario se refería a "Tierra querida", "El arranque" y "Boedo"."
En 1940 sale de gira con Juan Canaro a por Centro América. Con él tiempo Juan regresó a Buenos Aires y yo me hice cargo de la orquesta, terminé en Chile actuando con gran éxito.
Al regresar, en 1942, ingresó en la orquesta de Arturo de Bassi que actuaba en radio Splendid.
Alredor de esos días le llega un telegrama de los hermanos José y Alberto De Caro para irse nuevamente a Chile. Pensaba hacerlo por un año y se quedó diez. Viajaron con él los cantores Ricardo Ruiz y Héctor Insúa.
En Chile grabó casi 150 registros. Grabaron con Clausi, además de los mejores cantantes chilenos: Carmen Idal, Roberto Rufino, Andrés Falgás, Ricardo Ruiz, Raúl Garcés.
Regresado al país integra la orquesta que habían formado Pedro Maffia y el cantor Alberto Gómez. Después se permitió grabar por su cuenta, en un sello propio: "Chopin", donde entre otros grabó Jorge Falcón, con su nombre verdadero Luis Iglesias.
Hoy lo vemos lucirse en el escenario con el Seleccionado del Tango y en los registros de "El Café de los Maestros"Fuente Web de Gabriel Clausi(Web realizada por su nieto Julio Mejia en homenaje a su Abuelo).

Gabriel Clausi

In English
Born on August 30, 1911, were twelve brothers and several dedicated to music, while his first teacher was his elder brother Pascual, who played by ear.
It was given a bandoneon, back in 1922, and playing in a warehouse on the corner of Independence and Dean Funes, a day in the middle of a fight it was stolen.
He worked for a time butcher, and still exhibits the gorges that were in their hands. The brother who had served as a teacher to see it was an instrument advised him to study with maestro Criscuolo, who played flute and violin, but that was not theirs. His mother and even warned of severe poverty middle of a family, saving the weights given to buy a bandoneon. Clausi remembers him well: "I went with my brother" Nunez House ", was a bandoneon black and smooth. Over the years Pascual ran out of work and the Regal, I bought a pearl. Rebuscado with me the sheet music purchases from lowest price in the editorial Ortelli Brothers. "
His first professional steps made them part of a quintet in the year 1924. What led the pianist Dáquila Andres, who was master Piazzolla. They played today forgotten places, such as coffee "Benigno" street Rioja, "Fratinola" street Patricios.
Then part of the Orchestra Milano-Ropi, a flutist and another violinist. At the piano was Gaetano Grossi, who on the recommendation of Ortelli became his teacher. His desire was to learn music, "draw" some classic, "The troubadour" for example, which still retains the score with corrections to his teacher.
The bandoneon player Jose Antonio Scarpino, neighbor of the neighborhood, told him that Francis was trying to locate Pracánico to work in his orchestra in one season at the Teatro Astral. It was in 1926, there were his brothers Domingo and Alejandro, two good bandoneonists, also made up the orchestra, Miguel Calo, Sunday PreCon and singer Carlos Dante.
Remember "Chula" that once the guitarist John Caldarella, composer alongside the brothers Scarpino of the famous tango "Canaro in Paris," told him that the melody came from an old mazurka Italian, who brought the Scarpino. The famous variation is itself Caldarella, who was inspired one night playing a comb lined with cellophane in the courtyard of a bowling alley.
After the time and already residing in the neighborhood of Flores and a barbershop where his met several musicians, made contact with Juan Maglio "Pacho", who already knew his brother Pascual, because he had recorded tango "The people calling you" Dedicated to Hipolito Yrigoyen. Immediately the recruits to record with his orchestra, was in mid-1928.
"Pacho" was going home every evening and on Sunday appeared with his Studebaker to go to the racetrack. He recorded several items on the "Chula": "In a coffee corner" with lyrics by Francisco Laino, the chorus sang and Carlos Viván years later "My chirusa nice." With the Trio "Pacho": "Rain of sentences" and "chapel" By then the trio "Pacho" what up Ernesto Di Cicco, Federico Scorticati and Clausi, and directed the Maglio. The teacher had realized that he had been overtaken by younger ones.
One day he appeared Roberto Firpo and offering me play with him in the "Palace". With Firpo was very successful, lamps with their variations. He had a lot of work, recorded at the same time with Minotto, Maglio, Bonavena, Donato and Geroni Flores.
In September 1929 the orchestra joins Pedro Maffia, until 1934. Recording with him in Columbia and in Brunswick.
After Pedro Maffia, arrives Julio De Caro, who serves until 1940. First radio Splendid, a formation composed of: Francisco De Caro (piano), Carlos and Rolando Marcucci, Felix Lipesker and he (bandoneons), Luis del Barrio Guitérrez and Mauritius Saiovich (violins), Francisco De Lorenzo (bass) and John Carlos Otero (singer).
From his orchestra was not so good. Clausi said, not without generating some controversy: "De Caro was a very difficult, once it bothered me because other managers offered more than twice what I earned with him. The real engine of the orchestra was his brother Francisco. July did not have great ability to write music, he was a businessman, a businessman. His tangos "Vina del Mar", "1937", "Ha, ha, ha" and others that are yours, do not have the flight which signed with Francisco or Laurenz and, in fact, are of them. Over the years Laurenz told me: 'Look these tangos that gift. I would do well now! "He was already retired and needed a few pesos more. The commentary deal with "dear Earth", "The Boot" and "Boedo."
In 1940 goes on tour with Juan Canaro at Centre americas. Over time John returned to Buenos Aires and I I took over the orchestra, finished in Chile acting with great success.
Upon his return, in 1942, joined the orchestra of Arturo Bassi acting on Radio Splendid.
Surroundings of these days comes a telegram of the brothers Jose and Alberto De Caro to go back to Chile. I thought doing so for one year and stayed ten. He traveled with the singers Ricardo Ruiz and Hector Insúa.
In Chile recorded nearly 150 entries. They recorded with Clausi, plus the best singers Chileans: Carmen Idal, Roberto Rufino, Andres Falgás, Ricardo Ruiz, Raul Garces.
I came back to the country integrates the orchestra that had formed Pedro Maffia and the singer Alberto Gomez. Following are allowed to burn on their own, in a stamp himself: "Chopin", which among others recorded Jorge Falcon, with his real name Luis Iglesias.
Today we see lights on the stage with the Selected Tango and records "Cafe de los Maestros" Source Web Gabriel Clausi (Web created by her grandson July Mejia in tribute to his Grandfather).

Orquesta Gabriel Clausi - Tango Chile

Genero Tango, Orquesas de tango, Instrumental, vocal
Grabaciones originales realizadas entre 1945 y 1948
Renaterizado a CD 2001
Nivel Chopin
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 94.8 Mb/Total time: 77.45

Biografia de Gabriel Clausi

Tracks
01-Música en tu corazón-Ricardo Ruiz-1945
02-Como el hornero-Sonia y Myrian-1944
03-Amor de fuego-Carlos Moran-1944
04-Amor y tango-Chito Faro-1947
05-Los cien barrios de Santiago-Pepe Aguirre-1946
06-Pajarito viajero-Roberto Rufino-1946
07-Confesión-Roberto Rufino-1946
08-Organito de la tarde-Chito Faro-1946
09-Adios muchachos-Pepe Aguirre-1945
10-Y la perdí-Ricardo Ruiz-1948
11-Como tú-Ricardo Ruiz-1948
12-Mas vale tarde que nunca-Raul Garces-1946
13-Para que te quiero tanto-Raul Garces-1946
14-Vuelves golondrina-Raul Garces-1946
15-Viejo ciego-Chito Faro-1947
16-Lágrimas de amor-Chito Faro y Jorge Abril-1946
17-Noche de pascua-Pepe Aguirre-1946
18-Despacio buey-Ricardo Ruiz-1948
19-Ay aurora-Ricardo Ruiz-1948
20-Barrio reo-Ricardo Ruiz-1948
21-Castillo azul-Ricardo Ruiz-1948
22-Tres amigos-Carmen Idal-1944
23-Temblando-Carmen Idal-1944
24-Bailongo-Armando Arolas-1946
25-Hasta llegar a dios-Carmen Carol-1946
26-En un rincón del café-Chito Fara y Vergara-1946

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Biografia de Blossom Dearie en español and in English

Blossom Dearie

Blossom Dearie

Blossom Dearie (Nacida el 28 de abril de 1926) es una cantante de jazz y pianista norteamericana, se centró en el genero del bebop. Dearie se hizo célebre gracias a su “distinguida voz aniñada”
Los inicios: Dearie nació en East Dirham, Nueva York, Estados Unidos . De niña estudió piano clásico, pero lo cambió por el jazz en la adolescencia. Al acabar los estudios secundarios, Dearie se mudó a Nueva York, para continuar su carrera musical. Aquí comenzó a cantar en grupos como los Blue Flames (con la Woody Herman Orchestra) y los Blue Reys (con Alvino Rey's band), antes de iniciar su carrera en solitario.

En 1952 se muda a París, donde forma un grupo vocal, The Blue Stars. En 1954 el grupo consiguió un hit en Francia con la versión francesa de "Lullaby of Birland". The Blue Stars más tarde se convertirían en los Swingle Singers. Durante su estancia en París, conoció al que sería su marido, el flautista y saxofonista belga Bobby Jaspar. En su primer disco en solitario, publicado dos años más tarde, Dearie toca el piano, pero no canta.

Una de las canciones más conocidas de esta etapa es “The Riviera”, escrita por Cy Coleman y Joseph McCarty Jr. en 1956.
Finales de los 50 y los 60 [editar]En esta etapa, después de regresar de Francia, Dearie grabó sus primeros seis discos en América como cantante solista y pianista para el sello Verve Records la mayoría con un pequeño trío o cuarteto. Dave Garroway, presentador del programa Today, y uno de los primeros seguidores de Dearie, la invitó en varias ocasiones a su programa, facilitando así su difusión al público general. En 1962, graba una canción para un anuncio de radio para la cerveza "Hires Root". Como todo el mundo debe saber, el LP Blossom Dearie Sings Rootin' Songs fue lanzado como un objeto codiciado que podía ser encargado por el precio de un dólar y una prueba de compra.

En 1964, Dearie graba su disco más conocido para el sello Capitol Reccords May I Come In?, grabado, inusualmente en ella, con una orquesta. Durante este mismo periodo Dearie interpretó frecuentemente en clubs donde pulió su estilo característico. En 1966, hizo su primera aparición pública en el londinense club de Ronnie Scout, donde pronto se convirtió en un número muy aclamado por el público. Grabó cuatro discos en Inglaterra, pulicados por el sello Fontana en los años 60.


Desde los 70 en adelante [editar]In 1974, Dearie fundó su propio sello, Daffodil Records, que le permitió controlar totalmente la grabación y distribución de sus discos. Blossom apareció por televisión durante toda su carrera, especialmente con canciones para series educativas para niños, como Schoolhouse Rock! Muchas de sus intervenciones en estas series fueron compuestas por su buen amigo Bob Dorough, compositor y cantante de jazz. Se puede oír su voz en “Mother Necessity”, “Figure Eight” y “Unpach Your Adjectives”

Su voz peculiar y sus canciones han sido incluidas en las bandas sonoras de muchas películas como Kissing Jessica Stein, My Life Without Me,The Squid and the Whale y The Adventures of Felix. También ha grabado con algunos músicos, entre ellos Bob Dorough y Lyle Lovett.

Dearie continuó tocando y cantando en clubs. Como una de las últimas cantantes de clubs que quedan, sigue cantando y tocando en algunos números regulares en Londres y Nueva York.

Blossom Dearie

English
Blossom Dearie (born April 28, 1926) is an American jazz singer and pianist, often performing in the bebop genre. Dearie is known for her "distinctive, girlish voice".

Early career
Dearie was born in East Durham, New York. As a child, she studied classical piano but switched to jazz as a teenager. After high school Dearie moved to New York City to pursue her music career. Here she began singing in groups such as the Blue Flames (with the Woody Herman Orchestra) and the Blue Reys (with Alvino Rey's band) before launching her solo career.

In 1952, she moved to Paris and formed a vocal group, The Blue Stars. In 1954 the group had a hit in France with a French-language version of "Lullaby of Birdland". The Blue Stars would later evolve into the Swingle Singers. While in Paris she met her future husband, the Belgian flautist and saxophonist Bobby Jaspar. On her first solo album, released two years later, she plays the piano but does not sing.

One of her most famous songs from that period is "The Riviera", written and composed by Cy Coleman and Joseph McCarthy Jr. in 1956.

Blossom Dearie - Blossom's Planet

Genero:Jazz, Oldies, Contemporary Blues, Jazz Vocals
Label Daffodil
Orig Year 2000
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 66.2 Mb/Total time: 44:19

Biografia de Blossom Dearie

Tracks
01-Bye-Bye Country Boy
02-Bluesette
03-Lies Of Handsome Men
04-The Ladies Who Lunch
05-Love Dance
06-I'm Not Alone
07-La Belle Dame Sans Regrets
08-Go Away With Me
09-Make Some Magic
10-Wave

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Virginia Luque Biografia

Virginia Luque

Virginia Luque

Virginia Luque con Rubén Juárez en Caño 14 (1976)


LUQUE, Virginia. (Nombre de familia: Violeta Domínguez). Cancionista. Actriz. Se inició en la cinematografía durante 1943, bajo la dirección de Francisco Mujica, con un papel juvenil en La Guerra la Gano yo, que protagonizó Pepe Arias. Afirmó su naciente prestigio como vedette en las representaciones de La Canción de los Barrios, que Francisco Canaro repuso en 1946 en el Teatro Presidente Alvear cantando en esa ocasión, Si tú me quisieras, tango de Canaro y Pelay. Intervino también en el rodaje de Se Rematan Ilusiones (1944), El Tercer Huésped(1946), Un Tropezón Cualquiera da en la Vida (1949), Don Juan Tenorio (1949), La Historia del Tango (1949), El Patio de la Morocha (1951), y otras películas. Más tarde realizó preferentemente su carrera en televisión y en espectáculos musicales en teatros, compartiendo carteleras con Hugo del Carril y Mariano Mores. Intérprete emotiva y de propicio timbre vocal para el tango y estilísticamente enraizada a modalidades tradicionales en su género. Registró sus versiones para el sello Pampa secundada por Argentino Galván; más tarde, para la casa Microfón. Fuente Horacio Ferrer

Biografia II por Lionel Godoy de Todotango
Cancionista(4 de octubre de 1927)
Nació en Buenos Aires, en el Hospital Rivadavia, el mismo lugar donde había nacido Azucena Maizani, quien fuera su madrina artística. De pequeña vivió en Temperley y siendo una niña de doce años, su padre la presentó en un concurso de canto español en Radio Belgrano, y lo ganó. Un año más tarde comienza sus estudios de teatro con Carlos Perelli y Angelina Pagano. Inicia su carrera en radios y teatros, como actriz y cantante de boleros y temas españoles. Siendo adolescente aún la escucha Francisco Canaro y le aconseja que estudie canto. En su carrera teatral interpretó las estilos más diversas, desde Moliere hasta los más destacados autores de nuestros días. En 1943 debuta en el cine haciendo un papel juvenil en la película de Francisco Mujica en la película La guerra la gano yo, cuyo protagonista era el actor Pepe Arias. Luego seguirían: "Se rematan ilusiones" (1944), "Allá en el setenta y tantos..." (1945), "El tercer huésped" (1946), "El hombre del sábado" (1947), "Un tropezón cualquiera da en la vida" (1949) y "Don Juan Tenorio" (1949). Este último año es convocada por Manuel Romero para la película "La historia del tango", con el actor Fernando Lamas, su primer papel importante. A partir de este film el cine le roba gran parte de su vida. El mismo director la dirige en "Arriba el telón" (1951), junto a Juan Carlos Mareco "Pinocho", donde actúan también las cancionistas Sofía Bozán y Jovita Luna. Filmó alrededor de treinta películas, muchas de ellas en el exterior. La última que hizo fue una participación especial en "Los chicos crecen" (1974), con el gran actor Luis Sandrini. Vivió unos años en el Caribe, donde además de hacer cine, actuó en televisión.
En Buenos Aires se convierte en vedette, se incorpora al espectáculo de revistas como cabeza de compañía, contratada por Carlos A. Petit.
En 1946, en la obra "La canción de los barrios", Francisco Canaro la hace cantar su tango "Si tu me quisieras", con letra de Ivo Pelay. Nunca más dejó esta música. Sus primeras grabaciones las registró en el sello Pampa, con el acompañamiento de Argentino Galván, luego continúa para las empresas Microfón y RCA-Victor. Produjo catorce discos de larga duración, acompañada por grandes directores: Atilio Stampone, Omar Valente, Roberto Pansera, Osvaldo Requena. También grabó tres en España y uno en Israel, cantando en iddisch. Tiene grabaciones en gallego, francés y portugués.
Hace giras por Centroamérica, Estados Unidos, Cuba, España, Canadá y Brasil. Realizó más de cien viajes y, en estos días, está por cumplir su noveno viaje a Japón, donde grabó un disco compacto en japonés. La televisión argentina la contó como primera figura en programas de gran popularidad: "La familia Gesa" (auspiciado por la empresa General Electric) y "Grandes valores del tango", entre otros.
Musicalizó, en París, los poemas de Alfonsina Storni en colaboración con el maestro Belloso. Participó en la campaña de ayuda a los niños de la Guerra de los seis días, entre Israel y los países árabes. Actualmente sigue cantando en Buenos Aires y a partir de junio de 2004, como dijimos anteriormente, viajará a Japón donde se quedará durante seis meses. Todavía conserva en su poder un poncho y un libro de letras de Gardel que le regaló la Ñata Gaucha.

Virginia Luque


English
Luque, Virginia. (Family name: Violeta Dominguez). Singer. Actress. It began in 1943 during the film, directed by Francisco Mujica, a youth role in the Game War I, who starred Pepe Arias. It affirmed its emerging reputation as a vedette on the representations of The Song of the Barrios, who replied Francisco Canaro in 1946 at the Teatro Presidente Alvear singing on that occasion, If you would like me, tango Canaro and Pelay. A statement was also made in the shooting was Remate Illusions (1944), The Third Host (1946), A Tropezón Anyone found in Life (1949), Don Juan Tenorio (1949), The Story of Tango (1949), El Patio de la Morocha (1951), and other films. Later preferably made his career in television and musical performances in theaters, billboards sharing with Hugo del Carril and Mariano Mores. Interpreter emotional and vocal timbre conducive to tango and stylistically rooted in traditional patterns of its kind. Recorded versions for stamp Pampa seconded by Argentine Galvan; later, for the house microphone. Source Horacio Ferrer

Biography II by Lionel Godoy of Todotango
Singer (4 October 1927)
Born in Buenos Aires in the Rivadavia Hospital, the same place where he was born Maizani Azucena, who was his artistic godmother. From small lived in Temperley and being a girl of twelve years, her father submitted in a contest singing Spanish on Radio Belgrano, and won. A year later began studying theater with Carlos Perelli and Angelina Pagano. He began his career in radio and theater, as an actress and singer of boleros and Spanish themes. Being a teenager still listening Francisco Canaro and advised him to study singing. In his theatrical career interpreted the most diverse styles, from Moliere to the most prominent authors of our time. In 1943 he debuted in film making a youth role in the film by Francisco Mujica in the film won the War I, whose protagonist was the actor Pepe Arias. Then continue: "It Remate illusions" (1944), "Back in the seventies and many ..." (1945), "The third guest" (1946), "Man on Saturday" (1947), "A tropezón any given in life" (1949) and "Don Juan Tenorio" (1949). This past year was convened by Manuel Romero for the film "The history of tango", with actor Fernando Lamas, her first major role. From this film cinema robs much of his life. The same director directed at the "Top Curtain" (1951), along with Juan Carlos Mareco "Pinocchio", which also serve the female singers Sofia Bozán and Jovita Luna. Film about thirty films, many of them abroad. The last was made by a special "Kids grow" (1974), with the great actor Luis Sandrini. He lived a few years in the Caribbean, where in addition to making films, he appeared on television.
In Buenos Aires becomes vedette, joins the spectacle of magazines as head of company contracted by Carlos A. Petit.
In 1946, in the play "The song of the neighbourhoods", Francisco Canaro makes her singing tango "If you would like me" with lyrics by Ivo Pelay. Never again let this music. His early recordings recorded in the Pampa label, with the accompaniment of Argentine Galvan, then continues for companies Microfón and RCA-Victor. Produced fourteen discs long-term, accompanied by great directors: Atilio Stampone, Omar Valente, Roberto Pansera, Osvaldo Requena. He also recorded three in Spain and one in Israel, singing in iddisch. Have recordings galician, French and Portuguese.
He toured Central America, United States, Cuba, Spain, Canada and Brazil. He made more than a hundred trips, and these days, is to meet its ninth trip to Japan, where he recorded a compact disc in Japanese. Television argentina counted as the leading figure in popular programs: "The family Gesa" (sponsored by the company General Electric) and "Great values of tango," among others.
Musicalized in Paris, the poems of Alfonsina Storni in collaboration with the teacher Belloso. He participated in the campaign helps children of the Six-Day War between Israel and Arab countries. Actual still singing in Buenos Aires since June 2004, as we said earlier, will travel to Japan where he will stay for six months. Still retains its power in a poncho and a book of letters Gardel that gave him the Ñata Gaucha.

Virginia Luque - Virginia Luque

Genero: Tango, cancionistas, vocal, instrumental
Grabado en 1994
Nivel Epsa
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 72 Mb/Total time: 44:05

Biografia Virginia Luque

Tracks
01-Todavia puedo
02-Orillera
03-Mantelito blanco
04-Cafe La humedad
05-Para vivir
06-Quisiera amarte menos
07-Padre nuestro
08-El ultimo escalon
09-Vieja cumparsita
10-Vida de artista
11-Corazon de oro
12-Voy camino a los 50
13-Yo lo se
14-Que tango tengo que cantar

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Biografia de B.B. King en español and in English

B.B. King

B.B. King

Su reinado como rey de los Blues ha sido tan larga como la de cualquier monarca de la tierra. Sin embargo, B. B. King sigue a llevar su corona. A la edad de 76, él sigue siendo luz en sus pies, cantando y tocando el blues con pasión implacable. El tiempo no tiene efecto aparente sobre BB, salvo para hacer lo más popular, más cariño, más pertinente que nunca. No busca de él en una especie de semi-retiro, para él ver a cabo en la carretera, tocando para la gente, saltan en una miríada de comerciales de televisión, o por el que se establecen las vías para su próximo álbum. BB King es tan vivo como el que desempeña la música, y un agradecido mundo no puede tener suficiente de él. Desde hace más de medio siglo, Riley B. King - más conocido como BB King - ha definido el blues para una audiencia mundial. Desde que comenzó la grabación en la década de 1940, ha publicado más de cincuenta discos, muchos de ellos clásicos. Había nacido 16 de septiembre de 1925, en una plantación en el CIMT Bena, Mississippi, cerca de Indianola. En su juventud, tocaba en las esquinas de monedas, y que a veces jugar a nada menos que cuatro ciudades una noche. En 1947, hitchhiked a Memphis, TN, para proseguir su carrera musical. Memphis es importante que cada músico del Sur gravitated, y que apoya una gran comunidad musical donde cada estilo de African American música se puede encontrar. BB se quedó con su primo Bukka White, uno de los más famosos artistas de blues de su época, que más escolarizados BB en el arte del blues. BB el primer gran ruptura llegó en 1948 cuando actuó en Sonny Boy Williamson del programa de radio en KWEM de West Memphis. Esto dio lugar a constantes enfrentamientos en la Decimosexta Avenue Grill en West Memphis, y más tarde a una de diez minutos en terreno negro de personal y Memphis gestionados estación de radio WDIA. "King's Spot", llegó a ser tan popular, se amplió y se convirtió en el "Sepia Swing Club". Poco B.B. necesitaba un nombre pegadizo de radio. Lo que comenzó como Beale Street Blues Boy se acortó a Blues Boy King, y, finalmente, BB King. A mediados de los años 1950, mientras que BB fue a realizar un baile en Twist, Arkansas, algunos fans se convirtió en ingobernable. Dos hombres entraba en una lucha y golpeó más de un estufa de queroseno, el incendio de la sala. BB navegó al aire libre a la seguridad con todos los demás, entonces se dio cuenta de que dejó su amada $ 30 dentro de guitarra acústica, por lo que se apresuraron hacia adentro de la quema de edificio para recuperarlo, en sentido estricto escapar de la muerte. Cuando más tarde descubrió que la lucha ha sido más de una mujer llamada Lucille, decidió dar el nombre a su guitarra para recordar a él nunca a hacer una cosa como loca lucha por una mujer. Desde entonces, cada uno de la marca BB guitarras Gibson ha sido llamada Lucille. Poco después de su hit número uno, "Tres horas Blues", BB comenzaron a recorrer el país. En 1956, BB y su banda tocó un asombroso 342 de una noche en pie. Desde el chitlin circuito con sus pequeños cafés de la ciudad, juke articulaciones, y el país salas de baile para el rock palacios, salas de conciertos sinfónicos, las universidades, los hoteles vacacionales y los anfiteatros, a nivel nacional e internacional, BB se ha convertido en el más famoso músico de blues de los últimos 40 años . Con los años, BB ha desarrollado una de las más identificables estilos de la guitarra. Él tomados en préstamo de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker y otros, la integración de sus precisos y complejos como vocal-cadena curvas y su vibrato de mano izquierda, ambas de las cuales se han convertido en componentes indispensables guitarrista de rock del vocabulario. Su economía, su nota de cada cuenta de fraseo, ha sido un modelo para miles de jugadores, de Eric Clapton y George Harrison a Jeff Beck. BB ha mezclado el blues tradicional, jazz, swing, pop y principal salto en un único sonido. En las palabras de BB, "Cuando canto, toco en mi mente; el minuto he dejado de cantar oralmente, empiezo a cantar tocando Lucille". En 1968, BB jugado en el Newport Folk Festival y en el Bill Graham del Fillmore West sobre los proyectos de ley con el rock más populares artistas contemporáneos del día que idolized BB y ayudó a introducir a un joven blanco de audiencia. En `` 69, BB fue elegida por los Rolling Stones para abrir 18 conciertos por América; Ike y Tina Turner también jugó en 18 muestras. BB fue inducida en el Blues Foundation Hall of Fame en 1984 y en el Rock and Roll Hall of Fame en 1987. Recibió NARAS "Grammy Lifetime Achievement Award en 1987, y ha recibido doctorados honorarios de Tougaloo (MS) College en 1973; Universidad de Yale en 1977; Berklee College of Music en 1982; Rhodes College de Memphis en 1990; Mississippi Valley State University en 2002 y la Universidad Brown en 2007. En 1992, recibió el Premio Nacional de Distinción de la Universidad de Mississippi. En 1991, BB King's Blues Club abrió en la calle Beale en Memphis, y en 1994, un segundo club se puso en marcha en Universal CityWalk en Los Angeles. Un tercer club en la ciudad de Nueva York Times Square abrió en junio de 2000 y, más recientemente, abrió dos clubes en Foxwoods Casino en Connecticut en enero de 2002. En 1996, el CD-Rom en la carretera con BB King: An Interactive Autobiografía fue puesto en libertad a rave comentarios. También en 1996, BB's autobiografía, "Blues Todos a mi alrededor" (escrito con David Ritz para Avon Books) se publicó. En una línea similar, Doubleday publicó "La llegada de BB King" por Charles Sawyer, en 1980. BB continúa gira ampliamente, con un promedio de más de 250 conciertos por año en todo el mundo. Clásicos como "Payin 'The Cost To Be The Boss", "la emoción se ha ido," Blue Cómo puede obtener "," Todos los días tengo el blues "y" ¿Por qué me cantar el blues "son conciertos (y fan) grapas. largo de los años, los Premios Grammy-ganador ha tenido dos # 1 R & B hits, 1951 "Tres horas Blues", y 1952 del "usted no sabe de mí", y cuatro # 2 R & B hits, 1953 "Por favor, Love Me, "1954" Usted disgustado Me Baby ", 1960" Sweet Sixteen, Parte I, "y 1966" no responden a la puerta, Parte I. "BB más populares crossover hit de 1970" la emoción se ha ido, " fue a # 15 pop.Fuente Web de B.B.King

B.B. King


In English

His reign as King of the Blues has been as long as that of any monarch on earth. Yet B.B. King continues to wear his crown well. At age 76, he is still light on his feet, singing and playing the blues with relentless passion. Time has no apparent effect on B.B., other than to make him more popular, more cherished, more relevant than ever. Don't look for him in some kind of semi-retirement; look for him out on the road, playing for people, popping up in a myriad of T.V. commercials, or laying down tracks for his next album. B.B. King is as alive as the music he plays, and a grateful world can't get enough of him.
For more than half a century, Riley B. King - better known as B.B. King - has defined the blues for a worldwide audience. Since he started recording in the 1940s, he has released over fifty albums, many of them classics. He was born September 16, 1925, on a plantation in Itta Bena, Mississippi, near Indianola. In his youth, he played on street corners for dimes, and would sometimes play in as many as four towns a night. In 1947, he hitchhiked to Memphis, TN, to pursue his music career. Memphis was where every important musician of the South gravitated, and which supported a large musical community where every style of African American music could be found. B.B. stayed with his cousin Bukka White, one of the most celebrated blues performers of his time, who schooled B.B. further in the art of the blues.
B.B.'s first big break came in 1948 when he performed on Sonny Boy Williamson's radio program on KWEM out of West Memphis. This led to steady engagements at the Sixteenth Avenue Grill in West Memphis, and later to a ten-minute spot on black-staffed and managed Memphis radio station WDIA. "King's Spot," became so popular, it was expanded and became the "Sepia Swing Club." Soon B.B. needed a catchy radio name. What started out as Beale Street Blues Boy was shortened to Blues Boy King, and eventually B.B. King.
In the mid-1950s, while B.B. was performing at a dance in Twist, Arkansas, a few fans became unruly. Two men got into a fight and knocked over a kerosene stove, setting fire to the hall. B.B. raced outdoors to safety with everyone else, then realized that he left his beloved $30 acoustic guitar inside, so he rushed back inside the burning building to retrieve it, narrowly escaping death. When he later found out that the fight had been over a woman named Lucille, he decided to give the name to his guitar to remind him never to do a crazy thing like fight over a woman. Ever since, each one of B.B.'s trademark Gibson guitars has been called Lucille.
Soon after his number one hit, "Three O'Clock Blues," B.B. began touring nationally. In 1956, B.B. and his band played an astonishing 342 one-night stands. From the chitlin circuit with its small-town cafes, juke joints, and country dance halls to rock palaces, symphony concert halls, universities, resort hotels and amphitheaters, nationally and internationally, B.B. has become the most renowned blues musician of the past 40 years.
Over the years, B.B. has developed one of the world's most identifiable guitar styles. He borrowed from Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker and others, integrating his precise and complex vocal-like string bends and his left hand vibrato, both of which have become indispensable components of rock guitarist's vocabulary. His economy, his every-note-counts phrasing, has been a model for thousands of players, from Eric Clapton and George Harrison to Jeff Beck. B.B. has mixed traditional blues, jazz, swing, mainstream pop and jump into a unique sound. In B.B.'s words, "When I sing, I play in my mind; the minute I stop singing orally, I start to sing by playing Lucille."
In 1968, B.B. played at the Newport Folk Festival and at Bill Graham's Fillmore West on bills with the hottest contemporary rock artists of the day who idolized B.B. and helped to introduce him to a young white audience. In ``69, B.B. was chosen by the Rolling Stones to open 18 American concerts for them; Ike and Tina Turner also played on 18 shows.
B.B. was inducted into the Blues Foundation Hall of Fame in 1984 and into the Rock and Roll Hall of Fame in 1987. He received NARAS' Lifetime Achievement Grammy Award in 1987, and has received honorary doctorates from Tougaloo(MS) College in 1973; Yale University in 1977; Berklee College of Music in 1982; Rhodes College of Memphis in 1990; Mississippi Valley State University in 2002 and Brown University in 2007. In 1992, he received the National Award of Distinction from the University of Mississippi.
In 1991, B.B. King's Blues Club opened on Beale Street in Memphis, and in 1994, a second club was launched at Universal CityWalk in Los Angeles. A third club in New York City's Times Square opened in June 2000 and most recently two clubs opened at Foxwoods Casino in Connecticut in January 2002. In 1996, the CD-Rom On The Road With B.B. King: An Interactive Autobiography was released to rave reviews. Also in 1996, B.B.'s autobiography, "Blues All Around Me" (written with David Ritz for Avon Books) was published. In a similar vein, Doubleday published "The Arrival of B.B. King" by Charles Sawyer, in 1980.
B.B. continues to tour extensively, averaging over 250 concerts per year around the world. Classics such as "Payin' The Cost To Be The Boss," "The Thrill Is Gone," How Blue Can You Get," "Everyday I Have The Blues," and "Why I Sing The Blues" are concert (and fan) staples. Over the years, the Grammy Award-winner has had two #1 R&B hits, 1951's "Three O'Clock Blues," and 1952's "You Don't Know Me," and four #2 R&B hits, 1953's "Please Love Me," 1954's "You Upset Me Baby," 1960's "Sweet Sixteen, Part I," and 1966's "Don't Answer The Door, Part I." B.B.'s most popular crossover hit, 1970's "The Thrill Is Gone," went to #15 pop.Fuente web B.B. King

Biografia de Diane Schuur en español and in English

Diane Schuur


Diane Schuur

La vocalista / pianista Diane Schuur es tan ecléctica brillante. Discípula de Dinah Washington y otros legendarios cantantes de jazz de los años 50 y'40s, Schuur ha construido una estelar carrera que abarca no sólo el jazz de sus pares generación, sino también la música pop de su propia juventud durante los fines del decenio de 1950 y años 60. En una carrera discográfica que abarca casi tres décadas - e incluye dos premios Grammy y tres nominaciones al Grammy - Schuur de la música ha explorado casi todos los rincones del siglo 20 en América panorama musical.

Nacida en Tacoma, Washington, en diciembre de 1953, Schuur era ciega de nacimiento. Ella creció en cerca Auburn, Washington, donde su padre era un capitán de policía. Apodado Deedles a una edad temprana, Schuur descubrió el mundo del jazz a través de su padre, un pianista, y su madre, que mantiene una formidable colección de Duke Ellington y Dinah Washington registros en la casa.

Ella era aún una niña cuando aprendió a cantar la forma Dinah Washington canción, "Qué diferencia hace un día." Armadas con el raro don de la perfecta afinación, Schuur enseñó a sí misma piano de oído y desarrollar una rica, resonante estilo vocal a principios de , Como pone de manifiesto en una grabación de su primera representación pública en un Holiday Inn en Tacoma cuando ella tenía diez años. Ella recibió entrenamiento formal de piano en el Estado de Washington School for the Blind, que asistió hasta la edad de 11 años. Por su temprana adolescencia, que había acumulado su propia colección de registros de Washington y espera que el legendario vocalista como su principal inspiración.

Schuur hizo su primer disco en 1971, un país único titulado "Queridos mamá y papá", producido por Jimmy Wakely. Después de la escuela secundaria, ella se centró en el jazz y gigged en todo el noroeste. En 1975, una audición informal con el trompetista Doc Severinson (entonces el líder de la banda Tonight Show) dio lugar a un concierto Tonight Show con el baterista Ed Shaughnessy del grupo en el Festival de Jazz de Monterrey. Ella cantó un evangelio suite Shaughnessy con la banda de en frente de un festival de audiencia que incluyó jazz el saxofonista tenor Stan Getz, que a su vez la invitó a participar en una vitrina de talentos en la Casa Blanca. Una declaración posterior desempeño en la Casa Blanca dio lugar a una grabación con GRP, que publicó Schuur del álbum debut, Deedles, en 1984.

Durante los próximos 13 años, Schuur registró 11 álbumes en GRP, entre ellos dos ganadores del Grammy: Timeless (1986) y Diane Schuur y la Count Basie Orchestra (1987). La grabación con la orquesta de Basie pasó 33 semanas consecutivas en el n º 1 en el Billboard de jazz gráficos. En 1991, Pure Schuur hizo la número uno en la ranura de Jazz Contemporáneo gráficos, y corazón a corazón - una grabación de 1994 en colaboración con BB King - entró en el Billboard en el N º 1.

Después de un álbum en Atlantic Records en 1999 - La música es mi vida, producido por Ahmet Ertegun - Schuur se sumaron a la etiqueta Concord 2000 con la liberación de amigos para Schuur. El traslado a Concord marcó el comienzo de una serie de gran éxito proyectos de colaboración: Swingin 'Por Schuur (2001), un conjunto de duetos artesanales con el trompetista Maynard Ferguson; Midnight (2003), Schuur la singular interpretación de trece canciones (en su mayoría nuevo material) por escrito o co-escrito por Barry Manilow y Schuur Fire (2005), un decididamente con sabor latino-álbum con el Caribe Jazz Project.

En otro momento, Schuur, de febrero de 2008 Concord liberación, es una grabación de canciones de artistas de jazz quien descubrió por primera vez a través de sus padres durante su infancia y la adolescencia años. El álbum ofrece canciones de George y Ira Gershwin, Irving Berlin, Sammy Cahn, Rogers y Hammerstein y mucho más. El conjunto incluye también una sorprendente madurez de sondeo versión de "septiembre en la Lluvia", registrada en el Holiday Inn de Tacoma en 1964, cuando fue Schuur sólo diez años.

Otro momento es, entre otras cosas, Schuur la celebración de la música de sus padres generación, y un homenaje a su difunto madre en el cuadragésimo aniversario de su muerte a la temprana edad de 31. "Esta es una celebración de la música presenta a mí cuando yo era pequeña," dice Schuur. "Después de bastante tiempo, todo lo que sus padres nunca le dijo a usted, todo lo que nunca trató de enseñarle, comienza a tener sentido. Puede encontrar la manera en la que creció y la forma en que miró el mundo en el contexto de su generación y su tiempo ".

Durante mucho tiempo - y, a veces criticado - como un artista que ha caminado la cuerda floja entre el jazz y el pop, Schuur ve en otro momento como una declaración firme sobre su compromiso con la tradición del jazz y su influencia en su sensibilidad artística. "Este álbum es realmente acerca de volver a los fundamentos de mis raíces jazz", dice. "No es que me dejó completamente, pero hubo algunos desvíos en el camino."


In English
Vocalist/pianist Diane Schuur is as eclectic as she is brilliant. A longtime disciple of Dinah Washington and other legendary jazz singers of the ‘40s and ‘50s, Schuur has built a stellar career by embracing not only the jazz of her parents’ generation, but also the pop music of her own youth during the late 1950s and ‘60s. In a recording career that spans nearly three decades – and includes two Grammy Awards and three Grammy nominations – Schuur’s music has explored nearly every corner of the 20th century American musical landscape.

Born in Tacoma, Washington, in December 1953, Schuur was blind from birth. She grew up in nearby Auburn, Washington, where her father was a police captain. Nicknamed Deedles at a young age, Schuur discovered the world of jazz via her father, a piano player, and her mother, who kept a formidable collection of Duke Ellington and Dinah Washington records in the house.

She was still a toddler when she learned to sing the Dinah Washington signature song, “What a Difference a Day Makes.” Armed with the rare gift of perfect pitch, Schuur taught herself piano by ear and developed a rich, resonant vocal style early on, as evidenced in a recording of her first public performance at a Holiday Inn in Tacoma when she was ten years old. She received formal piano training at the Washington State School for the Blind, which she attended until age 11. By her early teens, she had amassed her own collection of Washington’s records and looked to the legendary vocalist as her primary inspiration.

Schuur made her first record in 1971, a country single entitled “Dear Mommy and Daddy,” produced by Jimmy Wakely. After high school, she focused on jazz and gigged around the northwest. In 1975, an informal audition with trumpeter Doc Severinson (then the leader of the Tonight Show band) led to a gig with Tonight Show drummer Ed Shaughnessy’s group at the Monterey Jazz Festival. She sang a gospel suite with Shaughnessy’s band in front of a festival audience that included jazz tenor saxophonist Stan Getz, who in turn invited her to participate in a talent showcase at the White House. A subsequent return performance at the White House led to a record deal with GRP, which released Schuur’s debut album, Deedles, in 1984.

Over the next 13 years, Schuur recorded 11 albums on GRP, including two Grammy winners: Timeless (1986) and Diane Schuur and the Count Basie Orchestra (1987). The recording with the Basie Orchestra spent 33 consecutive weeks at No. 1 on the Billboard jazz charts. In 1991, Pure Schuur made the number-one slot on the Contemporary Jazz charts, and Heart To Heart – a 1994 collaborative recording with B.B. King – entered the Billboard charts at No. 1.

After one album on Atlantic records in 1999 – Music is My Life, produced by Ahmet Ertegun – Schuur joined the Concord label with the 2000 release of Friends For Schuur. The move to Concord marked the beginning of a series of highly successful collaborative projects: Swingin’ For Schuur (2001), a set of finely crafted duets with trumpeter Maynard Ferguson; Midnight (2003), Schuur’s unique interpretations of thirteen songs (mostly new material) written or co-written by Barry Manilow; and Schuur Fire (2005), a decidedly Latin-flavored album featuring the Caribbean Jazz Project.

Some Other Time, Schuur’s February 2008 Concord release, is a recording of songs by jazz artists whom she first discovered via her parents during her childhood and adolescent years. The album features songs by George and Ira Gershwin, Irving Berlin, Sammy Cahn, Rogers and Hammerstein and more. The set also includes a surprisingly mature-sounding rendition of “September in the Rain,” recorded at the Holiday Inn in Tacoma in 1964 when Schuur was only ten years old.

Some Other Time is, among other things, Schuur’s celebration of the music of her parents’ generation, and a tribute to her late mother on the fortieth anniversary of her death at the young age of 31. “This is a celebration of the music she introduced to me when I was growing up,” says Schuur. “After enough time goes by, everything your parents ever told you, everything they ever tried to teach you, starts to make sense. You find out how they grew up and how they looked at the world in the context of their generation and their times.”

Long regarded – and sometimes criticized – as an artist who has walked a tightrope between jazz and pop, Schuur sees Some Other Time as an unwavering statement about her commitment to the jazz tradition and its influence on her artistic sensibilities. “This album really is about coming back to the basics of my jazz roots,” she says. “Not that I really completely left them, but there were a few detours along the way.”

B. B. King & Diane Schuur - Heart to Heart

Genero: Jazz, Blues, Contemporary Jazz Vocals, Jazz Vocals
Label GRP
Orig Year 1994
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 68 Mb/Total time: 46:28

Personnel
Vinnie Colaiuta - drums
B.B. King - vocals, guitar
Bashiri Johnson - percussion
Randy Waldman - synthesizer
Chuck Berghofer - bass
Diva Gray
Gary Foster
Warren Luening - trumpet
Richard Todd - French horn
Vaneese Thomas
George Roberts - bass trombone
Diane Schuur - vocals, piano
Daniel Higgins - saxophone
Paul Viapiano - guitar
Jill Dell'Abate - background vocals
Karen Kamon
George Graham
Doug Katsaros - piano, synthesizer
Also: Tom Scott

Biografia de B.B. King

Biografia de Diane Schuur

Tracks
01-No One Ever Tells You
02-I Can't Stop Loving You
03-You Don't Know Me
04-It Had To Be You
05-I'm Putting All My Eggs In One Basket
06-Glory Of Love
07-Try A Little Tenderness
08-Spirit In The Dark
09-Freedom
10-At Last

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Rodolfo Biagi biografia

Orquesta Rodolfo Biagi

Rodolfo Biagi

Rodolfo Biagi en la portada de la reedición de 1958 de uno de sus mejores éxitos de compositor, con versos de Homero Manzi

BIAGI, Rodolfo Alberto. Músico. Pianista. Compositor. Director. Nació en el barrio de
San Telmo, el 14 de marzo de 1906. Estudió música en el Conservatorio de "La Prensa" con el maestro Francisco Rivera.
A los trece años hizo sus primeras armas profesionales amenizando
la pantalla muda
del cine Colón de la calle Entre Ríos. En 1920, junto con el violinista Elvino Varda-
ro, hizo su debut en la orquesta de Pacho, en el café Nacional y posteriormente en el bar Domínguez. Luego actuó con Miguel Orlando en el Maipú Pigall, donde conoció a Gardel, a quien acompañó en algunas grabaciones fonográficas con el violinista
Antonio Rodio. Integró luego la orquesta de Juan B. Guido en los cines Real y Sui-
pacha; volvió en 1933 al Maipú Pigall (ahora Casanova) como pianista del conjunto
de Juan Canaro, prolongándose su actuación en esa orquesta a través de una temporada
radioteatral en el cine París y en una gira por Brasil. En 1935 se incorporó a la or-
questa de Juan D'Arienzo, contribuyendo, con su modalidad pianística nerviosa, ar-
mónicamente elemental, monótona en lo rítmico por la invariable repetición de las mismas ideas musicales, a definir el estilo in-
terpretativo del conjunto. El 16 de setiembre de 1938, sobre la base de parecidos su-
puestos orquestales, debutó con su propio conjunto en la boite Marabú de la calle
Maipú y en los programas de Radio Belgrano. Desfilaron por su agrupación solistas de la jerarquía de Alfredo Attadía y los vocalistas Teófilo Ibáñez, Alberto Echagüe, Carlos Heredia, Jorge Ortiz, Alberto Amor, Jorge Saavedra, Jorge Garré, Hugo Duval, entre otros. Grabó sus versiones para la casa Odeón, a partir de El incendio y Golgota, incorporándose luego, en 1956, al elenco de la Columbia, grabando El carre-
rito y Ramona como primer disco. Compositor de los tangos Indiferencia, Humilla-
ción, Tu promesa, Gólgota y Magdala.Fuente Horacio Ferrer

Biografia II
Pianista, director y compositor
Apodo: Manos Brujas
(14 de marzo de 1906 - 24 de septiembre de 1969)
Lograr un estilo y una personalidad inconfundible, dentro de una modalidad musical muy simple, no deja de tener un gran mérito. Es el caso de Rodolfo Biagi, que nació en el porteño barrio de San Telmo.

Una vez terminado la escuela primaria, abandonó sus estudios para dedicarse a la música, en contra del criterio de sus padres, quería estudiar violín y sus padres le propusieron un trato; le compraban el instrumento pero él debía ingresar a la Escuela Normal de Profesores "Mariano Acosta". Rodolfo fue inscripto en el conservatorio del diario "La Prensa", allí descubrió que su verdadera vocación era el piano.

Orquesta Rodolfo Biagi

A los 13 años, y sin que sus padres lo supieran, debutó como pianista poniéndole fondo musical a las películas mudas de un cine de barrio. En una de esas noches, Rodolfo tuvo la suerte que concurriera al cine el maestro Juan Maglio (Pacho), que quedó impactado al escuchar al precoz pianista y lo invita a tocar con él. Tenía sólo quince años.

Luego pasó a integrar la orquesta del bandoneonista Miguel Orlando, en el cabaret "Maipú Pigall".
Una noche de 1930 José Razzano lo fue a ver y le propuso acompañar a Carlos Gardel en algunas grabaciones. Y así fue, el primero de abril de 1930 graba, para el sello Odeon, junto al violinista Antonio Rodio y las guitarras de Aguilar, Barbieri y Riverol, los tangos "Viejo smoking", "Buenos Aires" y "Aquellas farras", el foxtrot "Yo seré para ti, tu serás para mi" y el vals "Aromas de El Cairo".

Gardel lo invita a una gira por España y Biagi no acepta; pasa entonces a integrar la orquesta de Juan Bautista Guido, luego integra la orquesta de Juan Canaro, allí conoce a Juan Carlos Thorry junto a quien compone el tango "Indiferencia".

Siempre cono pianista de Juan Canaro viajó a Brasil. A su regreso dejó la orquesta de Juan Canaro y permaneció inactivo durante un tiempo.

Era asiduo concurrente del cabaret "Chantecler", donde tocaba su amigo Juan D'Arienzo, el pianista de la orquesta era Lidio Fasoli, famoso por su impuntualidad. Una noche D'Arienzo decide reemplazarlo y le propuso a Biagi que integrara su orquesta.

En el transcurso de 1935, D'Arienzo, con el joven y experimentado pianista y su ejecución nerviosa y rítmica, definió para siempre su inconfundible estilo. Durante los casi tres años que estuvo con D'Arienzo, consagró una manera de tocar que luego seguirían Juan Polito y Fulvio Salamanca, los pianistas que le sucedieron.

La orquesta de D'Arienzo se presentaba en el cabaret "Chantecler", en LR1 radio El Mundo, en bailes de clubes, en exitosas giras y actuó en la película "Melodías Porteñas" de Enrique Santos Discépolo. Su actuación con la orquesta dejó 71 registros discográficos.

En 1938, Biagi se separa de D'Arienzo para formar su propia agrupación, debutando el 16 de septiembre de 1938 en el cabaret "Marabú".

Tanto la orquesta de Biagi como la de D'Arienzo consolidaron las posiciones interpretativas tradicionales del tango, centralizando el interés del público adicto al baile, con repertorios especialmente basados en la exhumación de antiguas obras adaptadas a sus modos de expresión musical.

Su actuación en Radio Belgrano le valió su apodo de "Manos Brujas", que era un foxtrot de José María Aguilar que ejecutaba al comienzo de cada presentación de su orquesta

Su primer cantor fue Teófilo Ibáñez, exitoso intérprete de los tangos "Gólgota", "La Novena" y la milonga "Campo afuera". Luego lo sucedió Andrés Falgás que se consagró con "Queja indiana", "Griseta", "La chacarera" y "Cicatrices".

Luego vino tal vez el cantor de mayor éxito en la orquesta; Jorge Ortiz, que luego se fue con Miguel Caló, pero al poco tiempo volvió con Biagi, con quien se sentía mas identificado. Sus grandes impactos fueron "Yuyo verde", "Indiferencia", "Pájaro ciego", "Misa de once" y "Soledad la de Barracas".

También pasaron por su orquesta: Alberto Lago, Alberto Amor y Carlos Acuña. Este último se lució con los tangos "A la luz del candil", "Lonjazos" y con una de las mejores interpretaciones del tango "Uno".

En el año 1942, actuó en Chile con un éxito sin precedentes.

En su orquesta también cantaron Carlos Saavedra, Carlos Heredia, Carlos Almagro y Hugo Duval, quien permaneció en su orquesta hasta su disolución y, junto Jorge Ortiz, fue una de las dos voces emblemáticas de Biagi. Como curiosidad se destaca el hecho de que en su orquesta nunca actuó una mujer.

Al comienzo de la década del cincuenta fue la primera en presentarse por la flamante televisión argentina. Por la misma época fue figura central del famoso programa "Glostora Tango Club" de radio El Mundo.

Durante su trayectoria, Biagi tuvo la colaboración de destacados músicos. Entre los bandoneonistas figuraron: Alfredo Attadía, Miguel Bonano y Ricardo Pedevilla. Como violinistas estuvieron Marcos Larrosa, Claudio González y Oscar de la Fuente, quien además fue su arreglador.

A pesar de ser pianista, también contó con un ejecutante de ese instrumento. Fue Juan Carlos Giampé, quien los domingos lo reemplazaba en la radio para poder asistir al hipódromo.

Durante 17 años grabó para el sello Odeon, luego pasó a Columbia y finalmente a Music Hall.

Su obra como compositor, sin ser extensa, fue muy popular. Compuso el tango instrumental "Cruz diablo"; con letra de Carlos Bahr: los valses "Amor y vals", "Como en un cuento" y el tango "Humillación"; con Francisco Gorrindo los tangos "Gólgota", "Magdala" y "Por tener un corazón"; junto a Homero Manzi las milongas "Campo afuera" y "Por la güella"; en colaboración con Rodolfo Sciammarella el tango "Dejá el mundo como está"; con Carlos Marín "Oh, mama mía" (tango); junto a Juan Carlos Thorry el tango "Indiferencia".

En la televisión tuvo una gran presencia y fue estrella del programa "Casino Philips", por Canal 13.

La última vez que Biagi actuó ante su público fue el 2 de agosto de 1969, en el Hurlingham Club. Cuarenta y un días después, el 24 de septiembre, murió repentinamente a causa de una desmedida baja de presión. Recordémoslo con más "sonrisas que lágrimas", evocando su gran éxito "Lágrimas y sonrisas", hermoso vals de Pascual de Gullo.Fuente: Jorge Palacio de todotango

English
BIAGI, Rodolfo Alberto. Music. Pianist. Composer. Manager. Born in the neighborhood of
San Telmo, March 14, 1906. He studied music at the Conservatory of "La Prensa" with maestro Francisco Rivera.
For the thirteen years made his first professional arms brightened the screen moves
Columbus film of the street Entre Rios. In 1920, along with the violinist Elvino Varda -
ro, made its debut in the orchestra Pacho, in the National coffee at the bar and then Dominguez. Then he appeared with Michael in Maipú Pigall Orlando, where he met Gardel, whom he accompanied in some phonographic recordings with the violinist
Antonio Rodio. He joined the orchestra after Juan B. Guido in cinemas Real and Sui -
pacha; again in 1933 at Pigall Maipú (now Casanova) pianist as a whole
Juan Canaro, extending his performance in that orchestra through a season
radio in the cinema in Paris and a tour of Brazil. In 1935 he joined the or -
questa Juan D'Arienzo, contributing, with its pattern pianística nervous, ar -
Monica elementary, in the monotonous rhythmic unchanged by the repetition of the same musical ideas, to define the style in -
interpretation of the whole. On 16 September 1938, based on their similar -
orchestral posts, debuted with its own set of Marabú boite in the street
Maipú and programmes on Radio Belgrano. Parades by grouping its soloists of the hierarchy of Alfredo Attadía and vocalists Teófilo Ibanez, Alberto Echagüe, Carlos Heredia, Jorge Ortiz, Albert Amor, Jorge Saavedra, Jorge Garrido, Hugo Duval, among others. He recorded their versions for home Odeon, from the fire and Golgotha, then joining in 1956, the cast of Columbia, recording the trolley -
and Ramona rite as the first disc. Composer tangos indifference, humiliation -
tion, Your promise, and Golgotha Magdala.Fuente Horacio Ferrer


Biography II
Pianist, composer and director
Nickname: Hands Bruges
(March 14, 1906 - September 24, 1969)
Achieving a style and an unmistakable personality, within a very simple musical form, not without a great achievement. This is the case of Rodolfo Biagi, who was born in Buenos Aires neighborhood of San Telmo.

Once completed primary school, abandoned his studies to dedicate himself to music, against the criterion of their parents, wanted to study violin and his parents proposed a deal, he bought the instrument but he should enter the Normal School Teachers " Mariano Acosta. " Rodolfo was enrolled at the conservatory of the newspaper "La Prensa", then discovered that his true vocation was the piano.

At 13 years, and without their parents what they knew, debuted as a pianist putting musical background to the silent films of a local cinema. In one of those nights, Rodolfo was fortunate to attend a movie maestro John Maglio (Pacho), which was shocked to hear the precocious pianist and invited him to play with him. He was only fifteen years.

Later he switched to integrate the orchestra's bandoneonist Miguel Orlando, at the cabaret "Maipú Pigall."
One night of the 1930 Joseph Razzano went to see him and proposed to accompany Carlos Gardel in some recordings. And so was the first of April 1930 recorded for the Odeon, next to the violinist Antonio Rodio and the guitarists Aguilar, Barbieri and Riverol, the tangos "Old smoking", "Buenos Aires" and "Those farras", foxtrot "I will be for you, you'll be for me" and the waltz "Aromas of Cairo."

Gardel invited him to a tour of Spain and does not accept Biagi; happens then to integrate the orchestra Juan Bautista Guido, then integrates the orchestra Juan Canaro, there knows next to Juan Carlos Thorry who composed the tango "Indifference".

Always with pianist John Canaro traveled to Brazil. Upon his return he left the orchestra Juan Canaro and remained inactive for a while.

It was the regular concurrent cabaret "Chantecler" where he played his friend John D'Arienzo, the pianist of the orchestra was Lidio Fasoli, famous for its impuntualidad. One night D'Arienzo decides to replace him and proposed to Biagi to integrate his orchestra.

During 1935, D'Arienzo, with young and experienced pianist and execution nervous and rhythmic, forever defined his unmistakable style. During the nearly three years he was with D'Arienzo, devoted a way of playing then continue John Polito and Fulvio Salamanca, the pianists who succeeded him.

The orchestra D'Arienzo was presented at the cabaret "Chantecler," The World LR1 radio, in dance clubs in successful tours and acted in the movie "Real Porteñas" Enrique Santos Discépolo. His performance with the orchestra made 71 recordings.

In 1938, Biagi separates D'Arienzo to form their own group, debuting on September 16, 1938 at the cabaret "Marabú".

Both the orchestra Biagi as the D'Arienzo consolidated positions interpretative traditional tango, centralizing public interest addicted to dance, especially with codes based on the exhumation of ancient works adapted to their modes of musical expression.

His performance on Radio Belgrano earned him his nickname "Hands Bruges", which was a foxtrot of Jose Maria Aguilar who executed at the beginning of each presentation of his orchestra

His first singer was Teófilo Ibanez, successful interpreter of the tangos "Golgotha", "The Ninth" and the milonga "Camp outside." Then what happened Andres Falgás which was devoted to "Indian Complaint", "Griseta", "The chacarera" and "Scars".

Then came perhaps the most successful singer in the orchestra; Jorge Ortiz, who then went with Miguel Calo, but soon returned with Biagi, with whom he was most identified. Its large impacts were "Yuyo green", "Indifference", "Bird blind", "Mass once" and "Loneliness of the Barracks".

It also passed through his orchestra: Lake Albert, Love and Carlos Alberto Acuna. The latter was showcased with the tangos "In light of candil", "Lonjazos" and one of the best interpretations of tango "One".

In 1942, in Chile acted with unprecedented success.

In his orchestra also sang Carlos Saavedra, Carlos Heredia, Carlos Hugo Almagro and Duval, who remained in his orchestra until its dissolution and, together Jorge Ortiz, was one of the two voices emblematic of Biagi. As curiosity highlights the fact that his orchestra was never a woman.

At the beginning of the fifties was the first to appear in the brand-new television argentina. Around the same time was central figure in the famous program "Glostora Tango Club" Radio El Mundo.

During his career, Biagi was the collaboration of outstanding musicians. Among the bandoneonists included: Alfredo Attadía, and Ricardo Miguel Bonano Pedevilla. As violinists were Larrosa Marcos, Claudio Gonzalez and Oscar de la Fuente, who also was his arranger.

Despite being a pianist, also had a player of that instrument. It was Giampé Juan Carlos, who on Sunday replaced the radio in order to attend the races.

During 17 years he recorded for the Odeon, then went to Columbia and finally to Music Hall.

His work as a composer, although not large, was very popular. He composed the tango instrumental "Red Devil", with lyrics by Carlos Bahr: the waltzes "Love and waltz," "Like a story" and the tango "Humillación"; Gorrindo tangos with Francisco "Golgotha", "Magdala" and " By having a heart "; Homero Manzi next to the milongas" Camp outside "and" For the güella ", in collaboration with Rodolfo Sciammarella tango" Stop the world as "Carlos Marin" Oh, my mama "(Tango) ; Alongside Juan Carlos Thorry tango "Indifference".

On television had a great presence and star of the program was "Casino Philips," by Channel 13.

The last time he appeared before his audience Biagi was the August 2, 1969, at the Hurlingham Club. Forty-one days later, on September 24, died suddenly because of an excessive downward pressure. Let us remember with more smiles than tears, "evoking his big hit" Tears and smiles, "beautiful waltz Pascual of Gullo.
Source: Jorge Palace todotango

Rodolfo Biagi - Campo afuera

Genero: Tango, Orquestas de tango, instrumental, vocal
Grabaciones originales realizadas en el sello Odeon entre 1939 y 1941
Remasterizado a CD en 1994
Nivel Bandoneon
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 61 Mb/Total time: 55:20

Rodolfo Biagi debuto en la orquesta de Juan D'Arienzo reemplazando al piano a Lidio Fasoli, siendo su primer registro en esta orquesta, el vals de Juan Maglio "A orillas del Plata" el 31 de diciembre de 1935. Y su ultima grabacion en la orquesta de D'Arienzo fue "Champagne" el 22 de junio de 1938
El 22 de agosto de 1927 grabo su primer doble como solista de piano en el sello RCA
con el tema "Cruz Diablo" y en la otra cara del 78 rpm "El carreton"
Su primer grabacion con su orquesta la realiza con el 78 rpm con los temas "Golgota" cantando Teofilo Ibañez y "El incendio" instrumental e 19 de agosto de 1938 en el sello Odeon. Su ultima grabacion fue realizada en Music Hall con el tema "Con un silbido en los labios" cantando Carlos Almagro en 1962
En total realizo 189 grabaciones, repitiendo un solo tema "La cumparsita"

Biografia Rodolfo Biagi

Tracks
01-La Maleva-Instrumental-1939
02-Campo Afuera-Teofilo Ibañez-1939
03-La Chacarera-Andres Falgas-1940
04-Unión Cívica-Instrumental-1938
05-Romántico Bulincito-Jorge Ortiz-1941
06-Quejas De Bandoneón-Instrumental-1941
07-A Mí No Me Interesa-Andres Falgas-1941
08-Picante-Instrumental-1941
09-Griseta-Andres Falgas-1939
10-El trece-Instrumental-1938
11-Lejos De Ti-Teofilo Ibañez-1938
12-Pájaro Ciego-Jorge Ortiz-1941
13-Pinta Orillera-Jorge Ortiz-1940
14-El Rápido-Instrumental-1939
15-Una Pena-Teofilo Ibañez-1938
16-Zaraza-Jorge Ortiz-1940
17-El Entrerriano-Instrumental-1941
18-La Novena-Teofilo Ibañez-1939
19-Ahora No Me Conocés-Jorge Ortiz-1941
20-Misa De Once-Jorge Ortiz-1940
21-Lágrimas Y Sonrisas-Instrumental-1941
22-Alma De Bohemio-Teofilo Ibañez-1939

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Nat King Cole - Nat King Cole Español and more vol 01 y vol 02

Genero: Pop, Vocal,Instrumental
Grabaciones originales realizadas en 1958
Remasterizado a CD en 1991
Nivel Capitol
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 57.5 Mb/Total time: 38:40

Biografia de Nat King Cole

Tracks CD 01
01-Cachito
02-Maria Elena
03-Quizas, Quizas, Quizas (Perhaps, Perhaps, Perhaps)
04-Las Mananitas (With Mariachis)
05-Acercate Mas (Come Closer To Me)
06-El Bodeguero (Grocer's Cha-Cha)
07-Noche De Ronda
08-Te Quiero, Dijiste (Magic Is The Moonlight)
09-Adelita (With Mariachis)
10-Ay, Cosita Linda
11-Aquellos Ojos Verdes
12-Suas Maos
13-Capullito De Alali
14-Fantastico
15-Nadie Me Ama

Tracks CD 02
01-La Feria De Las Flores
02-Tres Palabras (Without You)
03-Las Chiapaneces (While There's Music Ther's Romance)
04-Adios Mariquita Linda (Adios And Farewell, My Lover)
05-Vaya Con Dios
06-Las Golondrina (The Swallow)
07-No Me Platiques
08-Guadalajara
09-Solomente Una Vez (You Belong To My Heart)
10-Piel Canela
11-Yo Vendo Unos Ojos Negros
12-Perfidia
13-El Choclo
14-Ansiedad
15-Nao Tenho Lagrimas

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Orquesta Tipica Victor Biografia e historia de los 78 rpm

Orquesta Tipica Victor

Orquesta Típica Víctor, en noviembre de 1925. De izquierda a derecha: Humberto Costanzo (bajo); Ciriaco Ortiz (bandoneón); Eugenio Romano (violín); Agesilao Ferrazano (primer violín); Luis Petrucelli (primer bandoneón); Manlio Francia(violín); Nicolás Pnmianí "Pindeca"(bandoneón) y Vicente Gorrese "Kalisay" (paño).

Publicidad de Gramafon

Otra publicidad de Cassels en 1901, con ilustración del Gram-0-Fon y un disco de la Banda De Sousa, excelente agrupación de modelo francés, que grabó numerosos tangos

Publicidad de Gramafon

Aviso de la Casa Cassels y Cía. de la calle Florida 220, publicado en la revista "Caras y Caretas", en 1901.


ORQUESTA TÍPICA VÍCTOR. Agrupación formada por la casa de grabaciones Víctor.
Comenzó su labor en noviembre de 1925. Su finalidad fue exclusivamente, la realización de versiones para el disco*. En su integración original tocaron: Luis Petrucelli, Ciríaco Ortiz y Nicolás Primiani (bandoneones); Elvino Vardaro, Manlio Francia, Antonio Buglione y Nicolás Di Massi (violines); Humberto Constanzo (contrabajo) y Vicente Gorrese "Kalisay" (piano). En su composición alternaron luego otros calificados elementos —Bernardo Germino, Aníbal Troilo, Federico Scorticati— y entre los vocalistas Carlos Lafuente, Alberto Gómez y Francisco Fiorentino. Los tangos Sueno, La guiñada, La pueblera y Dominio se contaron entre los excelentes solos de Vardaro y de Petrucelli. Después de 1931 se denominó también dentro de la misma modalidad, Orquesta Porteña. Posteriormente fue arreglada y dirigida por Federico Scorticati y por Mario Maurano.

Historia de l 78rpm de La Victor y otras casas grabadoras
La Victor Talking Machine Co. Fundada en Norteamérica el 22 de setiembre de 1903 —con sus placas caracterizadas por el célebre perrito "Nipper"—esta empresa había compartido desde entonces los azares del disco en Buenos Aires. Hacia 1917, con el propósito de neutralizar el éxito de Firpo en Nacional-Odeón, contrató, sin lograr igualar a aquél, a los conjuntos de Vicente Loduca, Celestino Ferrer, Alonso-Minotto y Eduardo Arolas. Y en 1919, intentando contrarrestar el campanazo que Glucksmann daba al fabricar íntegramente sus discos en la Argentina, envió a Delfino, Fresedo y Roccatagliata a grabar a Nueva York. Pero aquella conquista sólo la alcanzó la Victor el 25 de agosto de 1924. Ese día, en el estudio de la calle Cerviño 4545, Osvaldo Fresedo grabó con su orquesta los tangos Sueño de amor y Oscarcito, primera cera de esta firma totalmente realizada en Buenos Aires. Acaso, para conservar sus ventajas frente a ese capital avance de la competencia, Odeón inició sus grandes certámenes de tangos en el Teatro Splendid, iniciativa a la que la Victor contestó con la creación de su propia orquesta típica —la Típica Victor— para la grabación inmediata de cuanto éxito surgiera. 8. La grabación eléctrica. Nace el disco 78 r.p.m. A principios de 1926, comenzó a emplearse en Buenos Aires—en sustitución del "acústico" o "mecánico"— el sistema de registro del sonido por impulsos eléctricos ("grabación eléctrica"), iniciado por Gardel en Nacional Odeón con unas pruebas muy imperfectas, el paso-doble Puñadito de Sal y los tangos Mi diosa y Del barrio de las latas (inéditas), el 8 de noviembre. Las versiones "princeps", con el flamante procedimiento, las hizo también Carlos Gardel a fines de aquel mes con los tangos Corrientes y El pibe. En 1927 se reajustó la velocidad de rotación, fijándose la norma (ochenta revoluciones por minuto hasta entonces) en 78 r.p.m. (diferencia auditivamente imperceptible tratándose de altas velocidades. Continuaba a la sazón la hegemonía que desde 1916 habían impuesto la casa Odeón (con Firpo, Canaro, Gardel, Maglio, Corsini, Lomuto, Maizani, Fresedo, progresivamente incorporados a su elenco)
y la casa Victor (con Fresedo, Cobián, Catán, De Caro, Roberto Díaz, Flores, Rosita Quiroga, Magaldi, Mercedes Simone, Ferrazano, Petrucelli, Di Sarli, Pollero y sus propios conjuntos —Orquesta, Cuarteto y Trío Victor—). Desde 1924 hasta 1932, no obstante, hubo varios intentos destinados a quebrar ese dominio: de Ideal que se llamó luego Electra (en el cual grabaron Charlo, Servidio, Dante, Pracánico, Sofía Bozán, D'Arienzo y Cobián); Brunswick (con un ambicioso catálogo, en el que figuraron De Caro, Maizani, Maffia, Magaldi-Noda, Donato-Zerrillo, Brignolo y la agrupación orquestal de la propia empresa alternativamente conducida por sus principales directores contratados) y Columbia (Columbia, Viva-Tonal ahora), que reapareció con Tania, Roberto Maida, Maffia, Aieta, Virginia Vera, Joaquín Mora, Minotto, Castellanos y otros. Sin em-bargo, el tango en discos siguió polarizado por Odeón (la que en forma progresiva se aseguró a Filiberto, Caló, Simone, Buzón, Charlo, Tinelli, Pugliese, Rodio, Tanturi, De Caro, Alonso) y por Victor su competidora—posteriormente asociada en amalgama de capitales a la Radio Corporation of América— que enriqueció su staff artístico con Fresedo, Lomuto, Cobián, Lamarque, Maizani, Gardel, Donato, D'Arienzo, D'Agostino, Tanturi, Troilo, Maderna, Francini-Pontier, Federico, Stamponi y otros, en tanto se iban perfeccionando las técnicas de toma de sonido, de matrizado y de reproducción fonográfica: Fuente Horacio Ferrer

English
Victor tango orchestra. Groupings in the home of Victor recordings.
It began its work in November 1925. Its purpose was solely for the performance versions of the disc *. In its original integration played: Luis Petrucelli, Ciriaco Ortiz and Nicolas Primiani (bandoneon); Elvino Vardaro, Manlio France, Antonio Di Buglione and Nicolas Massi (violins); Humberto Constanzo (double bass) and Vincent Gorrese "Kalisay" (piano). In its composition alternated then another qualified elements-Bernardo Germino, Anibal Troilo, Federico Scorticati-and among the vocalists Carlos Lafuente, Alberto Gomez and Francisco Fiorentino. The tangos Sleep, The winks, The Dominion pueblera and were among the excellent solos Vardaro and Petrucelli. After 1931 was also named in the same mode, Porteña Orchestra. He was subsequently arranged and directed by Federico Scorticati and Mario Maurano.

Story l 78rpm of The Victor recorders and other houses
The Victor Talking Machine Co.. Founded in North America on 22 September 1903-with their plates characterized by celebrity dog "Nipper"-this company had shared since the azares disk in Buenos Aires. By 1917, with the aim of neutralizing the success of a National Firpo-Odeon, hired without achieving one match, to the combined Vincent Loduca, Celestino Ferrer, Alonso-Minotto and Eduardo Arolas. And in 1919, trying to counter the campanazo that Glucksmann gave his records to fully manufacture in Argentina, sent to Delfino, Roccatagliata Fresedo and recording to New York. But the only conquest that reached the Victor on August 25, 1924. That day, in studying the street Cerviño 4545, Osvaldo Fresedo recorded with his orchestra tangos dream of love and Oscarcito first wax signing this totally held in Buenos Aires. Perhaps, to preserve their advantages over this capital advance of competition, Odeon started its big tango competitions at the Teatro Splendid, an initiative to which Victor replied with creating their own tango orchestra-the-Victor Typical for recording As immediate success arose. 8. The electrical recording. Born on 78 r.p.m. disc In early 1926, began to be used in Buenos Aires in place of "noise" or "mechanical" - the sound recording system by electrical impulses ( "burning power"), initiated by National Gardel in evidence too Odeón with imperfect The step-double handful of salt and tangos My God and neighborhood cans (unpublished), November 8. Versions "princeps," with the brand new procedure, also made Carlos Gardel at the end of that month with the tangos The kid and Corrientes. In 1927 was readjusted the speed of rotation, setting the standard (eighty revolutions per minute until then) at 78 rpm (aurally imperceptible difference in the case of high speeds. continued hegemony at the time that since 1916 had imposed the house Odeon (Firpo, Canaro, Gardel, Maglio, Corsini, Lomuto, Maizani, Fresedo gradually incorporated into its cast)
and the house Victor (Fresedo Cobián, Catán, De Caro, Roberto Diaz, Flores, Rosita Quiroga, Magaldi, Mercedes Simone, Ferrazano, Petrucelli, Di Sarli, Pollero and their own joint-Orchestra, Trio and Quartet-Victor). From 1924 to 1932, however, there were several attempts to break this domain: Ideal was called after Electra (in which they recorded Charlo, Servidio, Dante, Pracánico, Sofia Bozán, D'Arienzo and Cobián); Brunswick (with an ambitious catalogue, which included De Caro, Maizani, Maffia, Magaldi-Noda, Donato-Zerrillo, Brignolo and orchestral grouping of the company itself alternately led by its principal directors hired) and Columbia (Columbia, Viva Tonal-now) , Which reappeared with Tania, Roberto Maida, Maffia, Aieta, Virginia Vera, Joaquin Mora, Minotto, Castellanos and others. However, the tango in polarized discs followed by Odeon (which gradually be assured Filiberto, Calo, Simone, Mailbox, Charlo, Tinelli, Pugliese, Rodio, Tanturi, De Caro, Alonso) and his rival Victor Then-partner amalgam of capital to the Radio Corporation of americas-that enriched his artistic staff with Fresedo Lomuto, Cobián, Lamarque, Maizani, Gardel, Donato D'Arienzo, D'Agostino, Tanturi, Troilo, Maderna, Francini - Pontier, Federico, Stamponi and others, while iban refine the techniques of making sound, parent of recording and reproduction

Orquesta Tipica Victor - 1926 al 1940

Genero Tango, Orquestas de tango, Instrumental, vocal
Grabaciones originales realizadas en RCA Victor entre 1926 y 1940
Remasterizado a CD en 1994
Nivel: Bandoneon
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 62.7 Mb/Total time: 55:20

Biografia de Orquesta Tipica Victor e historia de los 78 rpm

Tracks
01-Negro - Intrumental - 1926
02-Retintin - Intrumental - 1926
03-Pato - Instrumental - 1926
04-Hilos de Plata - 1926
05-La payanca - Instrumental - 1926
06-Puente Alsina - Instrumental - 1927
07-Chuzazos - Intrumental - 1927
08-Re Fa Si - Instrumental - 1927
09-De mi barrio - Instrumental - 1927
10-Fumando espero - Instrumental - 1927
11-Julienne - Instrumental - 1927
12-Adios Muchachos - Instrumental - 1927
13-Carta Brava - Instrumental - 1927
14-Che papusa oi - Instrumental - 1927
15-Ensueño - Instrumental - 1927
16-Dominio - Instrumental - 1928
17-Viento norte - Instrumental - 1929
18-Cardos - Instrumental - 1931
19-Como tigre cebao - Instrumental - 1938
20-Tango Milonguero - Instrumental - 1940

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Biografia de Charlie Musselwhite en español and in english

Charlie Musselwhite

Charlie Musselwhite


Charlie Musselwhite (nacido el 31 de enero de 1944 en Kosciusko, Mississippi) es un blues americano y orquesta, uno de los no-negro bluesmen que llegó a la prominencia a principios del decenio de 1960, junto con Mike Bloomfield y Paul Butterfield. Aunque a menudo ha sido identificado como un "bluesman blanco", afirman nativos americanos y tailandés su patrimonio.

Infancia
Musselwhite nació en la colina de país rural de Mississippi. Él ha dicho que él es de ascendencia choctaw, y él nació en una región poblada originalmente por los choctaw. Sin embargo, en una entrevista 2005, dijo que su madre le había dicho que era realmente cherokee.

Su familia consideró que era normal para reproducir música, con su padre tocar la guitarra y la armónica, su madre tocando el piano, y un pariente que era un hombre de banda. A la edad de tres, Musselwhite se trasladó a Memphis, Tennessee. Cuando era un adolescente, Memphis experimentado el período de rockabilly, western swing, blues eléctrico, y algunas formas de African American combina la música fueron a dar a luz a rock and roll. El plazo ofrecido figuras legendarias como Elvis Presley, Jerry Lee Lewis y Johnny Cash, así como menor leyendas como Gus Cannon peludas Lewis, Will Shade, Real Bell, Memphis Willie B., Johnny Burnette, Red Roby, Abe McNeal , Slim y Rodas. Musselwhite apoya a sí mismo por la excavación de zanjas, por la que se concreta en funcionamiento moonshine en un Lincoln 1950. Este entorno se Musselwhite para la escuela de música, así como la vida, y adquirió el apodo de "Charlie Memphis
Carrera
En cierto bluesman moda, Musselwhite luego despegó en busca de la rumorea "gran fábrica de pago de puestos de trabajo" hasta la "autopista hillbilly", legendario Highway 51 a Chicago, donde continuó su educación en el lado sur, con lo que el conocimiento de aún más leyendas incluidas Lew Soloff, Muddy Waters, Junior Wells, Sonny Boy Williamson, Buddy Guy, Howlin 'Wolf, Little Walter y Big Walter Horton. Musselwhite a sí mismo completamente inmerso en la vida musical, que viven en el sótano de, y de vez en cuando trabajo en Jazz Record Mart (la tienda registro operado por Delmark Records fundador Bob Koester) con Big Joe Williams y trabajó como conductor de un exterminador, que le permitió para observar lo que estaba sucediendo alrededor de la ciudad, clubes y bares. Pasó su tiempo a andar en el Jazz Record Mart en la esquina de Estado y de Grand y el cercano bar, señor Joe's, con la ciudad de músicos de blues, y en sesión con Big Joe Williams y otros en los clubes, consejos para jugar. Allí se forjó una amistad que dura toda la vida con John Lee Hooker; Hooker aunque vivía en Detroit, Michigan, los dos a menudo visitan unos a otros, Hooker y que actúa como mejor hombre a Musselwhite la boda. Poco a poco se convirtió en Musselwhite bien conocida en la ciudad.

Con el tiempo, Musselwhite condujo a su propia banda de blues, y, después de Elektra Records éxito con Paul Butterfield, dio a conocer el clásico [editar] Stand Back! Aquí viene Charley Musselwhite's Band Southside álbum en 1966 en Vanguard Records (como "Charley Musselwhite"), para su inmediata y gran éxito. Él aprovechó la influencia de este álbum le dio a trasladarse a San Francisco, donde, en lugar de ser uno de los muchos actos que compiten blues, ocupó tribunal como el rey del blues en la explosión de countercultural escena musical, un país exótico y áspero a la figura la flor niños. Musselwhite incluso convencido de Hooker a mudarse a California.

Desde entonces, Musselwhite ha publicado más de 20 álbumes, así como guesting en álbumes de muchos otros músicos, como Bonnie Raitt's Longing en sus corazones y The Blind Boys of Alabama del Espíritu del Siglo, ambos ganadores de premios Grammy. También apareció en Tom Waits "Mule y Variaciones INXS 'Suicidio Blonde. Él mismo ha ganado 14 premios WC Handy y seis nominaciones al Grammy, así como Lifetime Achievement Awards de la Monterey Blues Festival y el San Javier Festival de Jazz de San Javier, España, y el Gobernador de Mississippi del Premio a la Excelencia en las Artes.

En 1979, Musselwhite registrados El Harmonica Según Charlie Musselwhite en Londres para Kicking Mule Records, la intención de ir con un libro de instrucción, el álbum se convirtió en tan popular que ha sido puesto en libertad el CD.

Por desgracia, Musselwhite, al igual que con muchos de sus compañeros, fueron víctimas de alcoholismo; por su propia admisión , nunca había estado en el escenario sobrio hasta después de haber dejado de beber en su totalidad en 1987.

En 1990 firmó con Musselwhite Alligator Records, un paso dado lugar a un resurgimiento de su carrera.

Con los años, Musselwhite ha ramificado en el estilo. Su grabación de 1999, Continental Drifter, está acompañado por Quarteto Patria, de Santiago de Cuba región, la música cubana analógica de la delta del Mississippi. Debido a las diferencias políticas entre Cuba y los Estados Unidos, el álbum fue grabado en Bergen, Noruega, Musselwhite con la esposa de planchado a cabo todos los detalles.

Musselwhite cree que la clave de su éxito musical fue encontrar un estilo donde se pueden expresar por sí mismo. Él ha dicho: "Sólo sé una canción, y me juego lo más rápido o más lento, o cambiar la clave, pero es sólo una canción que he jugado en mi vida. Es todo lo que sabe."

Sus dos últimos álbumes, Santuario de hardware y Delta han sido puestos en libertad por Real World Records.

En 2002, que figuran en el Bo Diddley homenaje álbum Hey Bo Diddley - A Tribute!, El desempeño de la canción "Hey Bo Diddley".

Charlie Musselwhite


English
Charlie Musselwhite (born January 31, 1944 in Kosciusko, Mississippi) is an American blues-harp player and bandleader, one of the non-black bluesmen who came to prominence in the early 1960s, along with Mike Bloomfield and Paul Butterfield. Though he has often been identified as a "white bluesman"[citation needed], he claims Native American and Thai[citation needed] heritage.

Childhood
Musselwhite was born in the rural hill country of Mississippi. He has said that he is of Choctaw descent, and he was born in a region originally inhabited by the Choctaw. However, in a 2005 interview, he said his mother had told him he was actually Cherokee.

His family considered it normal to play music, with his father playing guitar and harmonica, his mother playing piano, and a relative who was a one-man band. At the age of three, Musselwhite moved to Memphis, Tennessee. When he was a teenager, Memphis experienced the period when rockabilly, western swing, electric blues, and some forms of African American music were combining to give birth to rock and roll. The period featured legendary figures such as Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, and Johnny Cash, as well as minor legends such as Gus Cannon, Furry Lewis, Will Shade, Royal Bell, Memphis Willie B., Johnny Burnette, Red Roby, Abe McNeal, and Slim Rhodes. Musselwhite supported himself by digging ditches, laying concrete and running moonshine in a 1950 Lincoln. This environment was Musselwhite's school for music as well as life, and he acquired the nickname "Memphis Charlie
Career
In true bluesman fashion, Musselwhite then took off in search of the rumored "big-paying factory jobs" up the "Hillbilly Highway", legendary Highway 51 to Chicago, where he continued his education on the South Side, making the acquaintance of even more legends including Lew Soloff, Muddy Waters, Junior Wells, Sonny Boy Williamson, Buddy Guy, Howlin' Wolf, Little Walter, and Big Walter Horton. Musselwhite immersed himself completely in the musical life, living in the basement of, and occasionally working at Jazz Record Mart (the record store operated by Delmark Records founder Bob Koester) with Big Joe Williams and working as a driver for an exterminator, which allowed him to observe what was happening around the city's clubs and bars. He spent his time hanging out at the Jazz Record Mart at the corner of State and Grand and the nearby bar, Mr. Joe's, with the city's blues musicians, and sitting in with Big Joe Williams and others in the clubs, playing for tips. There he forged a lifelong friendship with John Lee Hooker; though Hooker lived in Detroit, Michigan, the two often visiting each other, and Hooker serving as best man at Musselwhite's wedding. Gradually Musselwhite became well known around town.

In time, Musselwhite led his own blues band, and, after Elektra Records' success with Paul Butterfield, he released the classic[citation needed] Stand Back! Here Comes Charley Musselwhite's Southside Band album in 1966 on Vanguard Records (as "Charley Musselwhite"), to immediate and great success. He took advantage of the clout this album gave him to move to San Francisco, where, instead of being one of many competing blues acts, he held court as the king of the blues in the exploding countercultural music scene, an exotic and gritty figure to the flower children. Musselwhite even convinced Hooker to move out to California.

Since then, Musselwhite has released over 20 albums, as well as guesting on albums by many other musicians, such as Bonnie Raitt's Longing in Their Hearts and The Blind Boys of Alabama's Spirit of the Century, both winners of Grammy awards. He also appeared on Tom Waits' Mule Variations and INXS' Suicide Blonde. He himself has won 14 W. C. Handy Awards and six Grammy nominations, as well as Lifetime Achievement Awards from the Monterey Blues Festival and the San Javier Jazz Festival in San Javier, Spain, and the Mississippi Governor's Award for Excellence in the Arts.

In 1979, Musselwhite recorded The Harmonica According to Charlie Musselwhite in London for Kicking Mule Records, intended to go with an instructional book; the album itself became so popular that it has been released on CD.

Unfortunately, Musselwhite, as with many of his peers, fell victim to alcoholism; by his own admission[citation needed], he had never been on stage sober until after he stopped drinking entirely in 1987.

In 1990 Musselwhite signed with Alligator Records, a step led to a resurgence of his career.

Over the years, Musselwhite has branched out in style. His 1999 recording, Continental Drifter, is accompanied by Quarteto Patria, from Cuba's Santiago region, the Cuban music analog of the Mississippi Delta. Because of the political differences between Cuba and the United States, the album was recorded in Bergen, Norway, with Musselwhite's wife ironing out all the details.

Musselwhite believes the key to his musical success was finding a style where he could express himself. He has said, "I only know one tune, and I play it faster or slower, or I change the key, but it’s just the one tune I’ve ever played in my life. It’s all I know."[1]

His past two albums, Sanctuary and Delta Hardware have both been released on Real World Records.

In 2002, he featured on the Bo Diddley tribute album Hey Bo Diddley - A Tribute!, performing the song "Hey Bo Diddley".Fuente Wikipedia

Silvana Gregori Biografia

Silvana Gregori

Silvana Gregori en el Cafe Tortoni

Nació en Buenos Aires , Argentina . Es musicoterapeuta y docente de canto e interpretación. Estudió técnica vocal a lo largo de 14 años con la Prof. Lucy Saborido .
Cantante profesional de tango desde su debut en enero de 1979, en la Bodega del Café Tortoni, de Buenos Aires.

Co-fundadora de "Grupo de Tango" , formó parte de su elenco estable durante los 18 años de su funcionamiento. Dicho grupo se dedicó a la investigación de temáticas, autores y compositores de nuestra música ciudadana.

Es pionera en el re-descubrimiento de tangos humorísticos, dado que luego del auge de este tipo de temática (en los años 20' y 30', en los sainetes y teatros de revista), fueron dejados de lado y hasta descalificados. Silvana Gregori, les pone su sello personal, y elabora sus Shows de Tango-Humor, que son secuencias de rancheras, milongas y tangos humorísticos, unidos por frases que relatan una historia.

Escribió para la revista Tango XXI .

En diciembre de 1995, grabó su primer CD titulado "TANGOLERO" .
En 1996, 1997 y 2001 fue convocada para participar en el Festival "Viva el Tango" , realizado en la ciudad de Montevideo , R.O.U. (Uruguay) .

En 1998 realizó una gira por Europa, participando en el 10° Festival de Tango en GRANADA , la 4ª Cumbre Mundial del Tango en LISBOA , y en varias ciudades de ALEMANIA, invitada y acompañada por conjuntos de músicos alemanes. A su regreso realizó presentaciones en PORTO ALEGRE.

Desde abril de 1997 a marzo de 2001 presentó su Show de Tango-Humor, titulado "Una Arrabalera de Hoy" en la Sala Alfonsina del Café Tortoni , junto a Julio Domínguez (Piano, Arreglos y Dirección Musical), Rafael Del Pino (Guitarra), Ricardo Luna (Flauta) y Martina Iñíguez (Co-Guionista).

En junio de 2000, sobre la base de dicho espectáculo, editó su segundo CD titulado también "Una Arrabalera de Hoy" .

Desde setiembre de 1998 coordina "CantoAbierto", canto-bar con el acompañamiento musical de las guitarras de Rafael Del Pino y Silvana Gregori, en el Café Montserrat de Buenos Aires.

Ha compuesto (junto a Martina Iñiguez) e interpretado dos tangos para la Banda de Sonido del Cortometraje titulado "Futbolhadas" , con la actuación de Mariana Arias, estrenado en el Centro Cultural Recoleta, en mayo de 2002. Los tangos son: " Futbolhadas" y "Tiro libre al corazón".

Desde abril de 2001 hasta el presente realiza recitales en diversos sitios de Bs.As. (Biblioteca Nacional, Academia Porteña del Lunfardo, Academia Nacional del Tango, Centro Cultural de la Cooperación, Centro York de Olivos, Fandango, Taconeando, Café Montserrat, etc.), con diferentes músicos y/o acompañándose con su guitarra.

En noviembre de 2004 editó su nuevo CD "Tango en Esencia" con repertorio de tangos clásicos y románticos.

Entre mayo y julio de 2005 presentó su CD "Tango en Esencia" en Europa
En los meses de mayo y junio de 2005, realizó una gira por Europa, cantando en distintos teatros, milongas y festivales de España (Madrid, Barcelona, Málaga y Palma de Mallorca), Italia (Roma) y Francia (París).
(ver detalle de presentaciones 2005)

En enero de 2006 se presentó en el Café Massaveu 55, Oviedo, España. En febrero , en el 4º Festival de Tango de la Costa del Sol , en Benalmádena, España .

En mayo de 2006 realizó una gira por Francia, invitada por la Maison de la Culture de Bourges, presentándose junto al dúo Marcelli-Romero en Ourouër-les-Bourdelins, La Borne y Bourges. (ver)

A fines de mayo , retorna a España para presentarse en Madrid y en la localidad de Móstoles .

En octubre de 2006 se presentó nuevamente en la sala Tinta Roja de Barcelona , España.Fuente Web de Silvan Gregori

Silvana Gregori con Martina Iñiguez


In English
She was born in Buenos Aires (Argentina) in April, 1956. She studied piano-playing and guitar-playing and, presently, she achieves activities as musical therapist and singing and performing teacher. She first started her professional activities as an argentine folklore singer.

In January 1979, she made her debut as a tango performer in La Bodega in Café Tortoni (Buenos Aires), when she was summoned by the journalist and investigator Roberto Selles.
In that very year she started studying vocal technique with Lucy Saborido (up to 1993) and entered Grupo de tango (open musical group devoted to the research of tango subjects, authors and composers) and became part of the stable staff as singing, co-ordination and musical management assistant.
She also participated in the organisation staff.

She has performed in La Bodega and Sala Alfonsina in Café Tortoni, Café Homero, Café Literario, Bar Latino, Sheraton Hotel, Café de los Angelitos, El Viejo Almacén, Café La Poesía, La Trastienda, Sala Pablo Picasso del Paseo La Plaza, Presidente Alvear Theatre, Club del Vino and Galerías Pacífico, among others places.

All along 1994, she introduced her Show de Tango-Humor II "La Morocha" (Humor-Tango Show), in Café Mozart , Buenos Aires, together with Pascual Mamone (bandoneon) and Rafael Del Pino (guitar).
She has taken part of the Cosquín '94 Festival , in which she performed the unpublished song which was awarded the first prize: "El Polaco" , by G. Meres and E. Pierro. This song was an homage in life to Roberto Goyeneche .

She writes for the "Tango XXI" magazine.

In December 1995, she recorded her first CD called " TANGOLERO ".

She has been summoned (November 1996) to introduce her Tango-Humor Show "La Morocha" in the Third World Tango Summit, which has taken place in Montevideo, Uruguay . Then (November 1997) she introduced her Tango-Humor Show "Una Arrabalera de Hoy", in that city.
She has taken part of the ExpoFair TANGOMUNDO '96 in December '96 and performed activities in the Buenos Aires Academy of Lunfardo . In that occasion, she introduced a show together with poet Martina Iñíguez and participated as lecturer in a round table about "Women and Tango" .

In 1998, she has taken part of the "10th Granada Tango Festival" (Spain) and "4th. World Tango Summit" (Lisboa) . Then she has performed in Germany with German musicians.

Since April 1997, she has introduced her last SHOW in Café Tortoni: "An Arrabalera of These Days" . This Tango-Humor SHOW is a journey through old tangos, milongas, and rancheras which somehow show the development of women's role in Argentine society. All songs are intertwined with Martina Iñíguez. and Silvana Gregori's texts, thus achieving a corollary not only related to women but also to men's role in present-day society.
Arrabalera: An Argentinean word with no proper translation in English. It refers to an uptown irreverent merry lady who strongly identifies herself with tango music.

In September 2000, she recorded her second CD called "Una Arrabalera de Hoy" (An Arrabalera of These Days) , together with Julio Domínguez (piano), Ricardo Luna (flute), Rafael Del Pino (guitar), Osvaldo Cabrera (bandoneon), Daniel Buono (bass) and Martina Iñíguez (poetry).
Silvana Gregori devotes herself to study tango history and is a tango repertory and show performing consultant.

Since September 1998 she coordinates, at the Montserrat Café, B.A ., "CantoAbierto", a place for people to sing with Rafael Del Pino and Silvana Gregori accompanying them with guitars.

She has composed (together with Martina Iñiguez) and sung two tangos for the Soundtrack of the short animated movie called "Futbolhadas", with the performance of Mariana Arias. The premiere was on May of 2002 at the Centro Cultural Recoleta (Recoleta Cultural Center). The tangos she sang are: "Futbolhadas" and "Tiro libre al corazón".

Since April 2001 to now she's been giving recitals in deferent places of B.A. ( Biblioteca Nacional, Academia Porteña del Lunfardo, Academia Nacional de Tango, Centro Cultural de la Cooperación, Centro York de Olivos, Fandango, Taconeando, Café Montserrat, etc.) with different musicians or just herself with her guitar.

In November 2004 she recorded a new CD called "Tango en Esencia" with classic and romantic tangos.

Between May and June of 2005 she presented her new CD "Tango en Esencia " in Europe.Fuente Web de Silvana Gregori

Silvana Gregori - Una arrabalera de hoy

Genero: Tango, Cantantes, Instrumental, vocal
Nivel: DDD
Direccion musical Julio Dominguez
Lanzado a la venta: 2000
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 67.4 Mb/Total time: 38:03

Biografia Silvana Gregori

Tracks
01-Silvana Gregori-Arrabalera
02-Silvana Gregori-Se dice de mi
03-Silvana Gregori-Mama...yo quiero un novio
04-Martina Iñiguez-Consejo de Madre e Hija(Soneto)
05-Silvana Gregori-Atenti Pebeta
06-Martina Iñiguez-Sanatero(Soneto)
07-Silvana Gregori-Pipistrela
08-Martina Iñiguez-Promesas(Soneto)
09-Silvana Gregori-Que vachache
10-Silvana Gregori-Que queres con ese loro
11-Martina Iñiguez-Amor eterno(Soneto)
12-Silvana Gregori-De contramano
13-Silvana Gregori-Haragan
14-Martina Iñiguez-R.I.P(Soneto)
15-Silvana Gregori-Cobrate y dame el vuelto
16-Silvana Gregori-Atajate
17-Martina Iñiguez-Certidumbre(Soneto)
18-Silvana Gregori-La milonga y yo
19-Silvana Gregori-Introducion a una arrabalera de hoy
20-Silvana Gregori-Una arrabalera de hoy

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Pass: eltangoysusinvitados

Nestor Soler - 15 Grandes exitos(Recomendado)

Genero: Tango, Cantores, vocal, instrumental
Grabacion del año 1996
Nivel Almali
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 77.8 Mb/Total time: 43:44

No dispongo de material para realizar una biografia de este excelente cantor,
que sigue el estilo de Hector Maure, y en algunos temas tiene un aire Gardeliano,
pero sin imitar a ninguno de los dos, y marca su propio estilo.
Se luce con orquesta y está en esa lista de privilegiados que nacieron al compas de una guitarra, ya que acompañado por estas resalta todo el color y temperamento viril de su vos.
Lo descubri por el 91 en Grandes valores del tango y de esa fecha tengo el CD, vale la pena compartilo con ustedes.
Lo unico que puedo comentarles de este cantorazo es lo que encotre en Efemerides Tanguera:
Nestor Soler: Nació el 11 de noviembre de 1925;en Parque de los Patricios (Buenos Aires) Debuto cantando en el Club Deportivo Riestra en 1940. Más tarde actuó en Canal
11, Radio Splendid y en "Grandes valores del tango" por Canal 9.


Tracks
01-Amar y callar(Con la Orquesta de Jorge Dragone)
02-Buenos Aires mi ciudad(Con la Orquesta de Jorge Dragone)
03-Y dicen que no te quiero(Con guitarras)
04-Tarde(Con guitarras)
05-Grisel(Con la Orquesta de Jorge Dragone)
06-Vivir como he vivido(Sexteto Eduardo del Piano)
07-Rosas de otoño(Con guitarras)
08-El ultimo escalon(Con la Orquesta de Jorge Dragone)
09-Acquaforte(Con guitarras)
10-Caprichosa(Con guitarras)
11-Porque la quise tanto(Con la Orquesta de Jorge Dragone)
12-Caminito(Con guitarras)
13-A mi padre(Con guitarras)
14-Ciego(Con la Orquesta de Jorge Dragone)
15-Se llama Mujer(Con guitarras)

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Pass: eltangoysusinvitados

Biografia de Eliane Elias en español and in English

Eliane Elias

Eliane Elias

Pianista / cantante / compositora, Eliane Elias es conocida por su distintivo y reconocible de inmediato estilo musical que combina sus raíces brasileñas, su sensualidad, seductora con su voz impresionante instrumental jazz, música clásica y habilidades de composición. Nacida en Sao Paulo, Brasil, Eliane Elias sus talentos musicales comenzaron a mostrar a una edad temprana. Ella empezó a estudiar piano a la edad de siete y doce años de edad fue transcribir solos de los grandes maestros del jazz. En el momento en que ella tenía quince ella estaba enseñando piano y la improvisación en una de las más prestigiosas escuelas de música de Brasil 's . Su carrera comenzó a realizar en Brasil a la edad de diecisiete años, en colaboración con Brasileño cantautor Toquinho y el gran poeta Vinicius de Moraes que también fue Antonio Carlos Jobim's co-writer/lyricist. En 1981 ella se dirigió a Nueva York y en 1982 aterrizó un lugar en el aclamado grupo Steps Ahead.

Eliane Elias

Su primer álbum fue una libre colaboración con Randy Brecker titulado Amanda en 1984. Poco después su carrera como solista comenzó, de más de dieciocho álbumes hasta la fecha; quince por Blue Note Records y tres en RCA Victor Group. En su trabajo Elias ha documentado docenas de sus propias composiciones, su excelente piano y la organización, y hermosa la interpretación vocal. Todas sus grabaciones han recibido una gran cantidad de elogios de los críticos y todos tienen la cabeza de la Billboard y Jazz Radio gráficos.

En 1988 fue votado Mejor Nuevo Talento por los críticos de jazz JAZZIZ encuesta de la revista.

Junto con Herbie Hancock en su dúo, fue nominado para un Grammy por "Mejor Solo de Jazz Performance" por su categoría 1995, "Solos y duetos". Esta grabación fue aclamado por la revista musical como "un hito en la historia dúo de piano. "

En 1997 la Encuesta downbeat lectores, su grabación de "Las Tres Américas" fue votado Mejor Album de Jazz. Eliane Elias fue nombrado en otras cinco categorías: Más allá de Músico, Mejor Compositor, pianista de jazz, vocalista femenina, y Músico del Año.

Considerada uno de los grandes intérpretes de música de Jobim s, Ms.Elias' ha sido destacado en muchos conciertos homenajes a Jobim y grabó dos álbumes dedicados exclusivamente a las obras del compositor, Plays Jobim y canta Jobim. El despacho 1998 "Eliane Elias Sings Jobim" ganó "Mejor Álbum Vocal" en Japón y fue otorgado al "Mejor álbum brasileño" en Jazziz Critics Poll de 1999.

Por otra parte, como un testimonio de la calidad de su escritura, el famoso danés Radio Big Band ha realizado y registrado Elias' con arreglos y composiciones realizadas por el legendario Bob Brookmeyer. La grabación de CD de este proyecto se llama "Impulsivo" y fue puesto en libertad el Acrobacias Records. Impulsivo recibió una nominación al Grammy por "Best Large Jazz Ensemble Album" en 2001. Ella realiza esta música en vivo en varias giras y se presentó con el Carnegie Hall y la BBC Jazz Orchestra y la Frankfurt Radio Big Band Orchestra por nombrar algunos.

En el mismo año, "Calle 54", el muy aclamado documental ganador de Oscar director español Fernando Trueba, con Elias Sra «rendimiento de Samba Triste también recibió una nominación al Grammy al Mejor Álbum de Jazz Latino.

En 2002, Elias Sra grabado con la sensación de ópera Denyce Graves. Para esta grabación, "The Lost Days", Eliane organizó dos piezas clásicas de Brasil y escribió una composición original especialmente para Sra Graves titulado Haabia Tupi.

En 2002, Elias Sra firmado a RCA Music Group / Bluebird etiqueta besó y puesto en libertad por la Naturaleza. Su segunda grabación para el sello, soñador, dado a conocer en 2004, es una nueva mezcla de melodías de la América Cancionero, Brasil Bossa Novas dos nuevos y originales, todos cantados en Inglés y portugués, con el apoyo de una orquesta completa.

Soñador recibió el "Premio Disco de Oro" y ganó "Mejor Álbum Vocal en Japón" en 2004. Alcanzó # 1 en los Charts de Jazz de EE.UU. y Francia, el # 3 en el Pop Gráficas en Francia y # 4 en las listas de Billboard en los EE.UU..

Sra Elias' "alrededor de la ciudad" cd fue publicado en el sello RCA Victor en agosto de 2006. Se fusiona bits de Bossa Nova, con tonos de pop, jazz, latín, y rock and roll. ALREDEDOR DE LA CIUDAD características Sra Elias' voz y cantar en colaboración con los productores Andrés Levin y Lester Méndez, así como en fresco toma pop clásicos como Tito Puente "Oye Como Va" y Bob Marley "Jammin". Su canción "Running" fue destacado en la serie ABC "hermanos y hermanas". Alrededor de la Ciudad ganó "Mejor Álbum Vocal del Año" y "Disco de Oro" 2006 premios en Japón. Alcanzó # 1 en los World Music Charts EE.UU. y debutó en el Jazz Gráficas francés como # 1.

En 2007, la Sra Elías volvió a Blue Note Records. Su puesta en libertad 2007, "algo para usted", Eliane Elias Sings Reproduce y Bill Evans recibió "Mejor Álbum Vocal del Año" y el "Disco de Oro Award" en Japón. Esta es la 3 ª consecutiva Eliane grabación que recibe estos premios y su 4 º todos juntos.
"Algo para ti" alcanzó el número 1 en los EE.UU. Jazz Radio gráficos, # 8 en Billboard y # 2 en el francés Jazz Gráficas.

Sra Elías que acaba de finalizar una nueva grabación para Blue Note registros. "Bossa Nova Stories" es una celebración para el 50 º aniversario de la Bossa Nova y las características de su voz acompañada de una sección rítmica estelar y cuerdas registrada en el Abbey Road Studios en Londres.

Como artista invitada que ha aparecido en actuaciones y grabaciones con Joe Henderson, James Taylor, Michael Franks, Mingus Dynasty, Andy Summers, el ganador del Grammy Brecker Bros'. Fuera del bucle, Earl Klugh, Toots Thielemans Proyecto Brasil, Ivan Lins, Denyce Graves, Steps Ahead, Calle 54, y Marc Johnson's "Shades de Jade" en la ECM Records, una grabación instrumental que co-produjo y contribuyó con muchas de sus propias composiciones originales. "Shades de Jade" recibió el danés Music Award como Mejor Lanzamiento de Relaciones Exteriores en marzo de 2006.

Ms.Elias fue destacado en el Thelonious Monk Institute's Second Annual televisado "Celebration of America's Music" en el Kennedy Center en Washington DC, Los Angeles Philharmonic en el Hollywood Bowl, el Carnegie Hall Jazz Orchestra, cuatro veces en Marion McPartland NPR's "Piano Jazz"; el Festival JVC con Sting, Gilberto Gil, Gal Costa, Caetano Veloso y en el Lincoln Center de Nueva York, la televisión Piano Grand, una celebración de gala para el 300o aniversario del piano en Washington DC. organizada por Billy Joel, y el BBC Jazz Orchestra por nombrar algunos.

Eliane Elias


In English
Pianist / singer / songwriter, Eliane Elias is known for her distinctive and immediately recognizable musical style which blends her Brazilian roots, her sensuous, alluring voice with her impressive instrumental jazz, classical and compositional skills. Born in Sao Paulo, Brazil, Eliane Elias’ musical talents began to show at an early age. She started studying piano at age seven and at age twelve was transcribing solos from the great jazz masters. By the time she was fifteen she was teaching piano and improvisation at one of Brazil’ s most prestigious schools of music. Her performing career began in Brazil at age seventeen, working with Brazilian singer/songwriter Toquinho and the great poet Vinicius de Moraes who was also Antonio Carlos Jobim’s co-writer/lyricist. In 1981 she headed for New York and in 1982 landed a spot in the acclaimed group Steps Ahead.

Her first album release was a collaboration with Randy Brecker entitled Amanda in 1984. Shortly thereafter her solo career began, spanning over eighteen albums to date; fifteen on Blue Note Records and three on RCA Victor Group. In her work Elias has documented dozens of her own compositions, her outstanding piano playing and arranging, and beautiful vocal interpretations. All of her recordings have garnered a great deal of praise from the critics and all have topped the Billboard and Jazz Radio charts.

In 1988 she was voted Best New Talent by the jazz critics poll of JAZZIZ magazine.

Together with Herbie Hancock in their duet, she was nominated for a Grammy in the “Best Jazz Solo Performance” category for her 1995 release, “Solos and Duets” .This recording was hailed by Musician Magazine as “a landmark in piano duo history.”

In the 1997 Downbeat Readers Poll, her recording “The Three Americas” was voted Best Jazz Album. Eliane Elias was named in five other categories: Beyond Musician, Best Composer, Jazz Pianist, Female Vocalist, and Musician of the Year.

Considered one of the great interpreters of Jobim s music, Ms.Elias’ has been featured on many concert tributes to Jobim and recorded two albums solely dedicated to the works of the composer, Plays Jobim and Sings Jobim. The 1998 release “Eliane Elias Sings Jobim” won “Best Vocal Album” in Japan and was awarded ” Best Brazilian Album” in Jazziz Critics Poll of 1999.

Moreover, as a testament to the quality of her writing, the renowned Danish Radio Big Band has performed and recorded Elias’ compositions arranged and conducted by the legendary Bob Brookmeyer. The CD recording of this project is called “Impulsive” and was released on Stunt Records. IMPULSIVE received a Grammy nomination for “Best Large Jazz Ensemble Album” in 2001. She performed this music live in several tours and was featured with the Carnegie Hall and the BBC Jazz Orchestra and the Frankfurt Radio Big Band Orchestra to name a few.

In the same year, “Calle 54?, the highly acclaimed documentary film by Oscar winning Spanish director Fernando Trueba, featuring Ms. Elias’ performance of Samba Triste also received a Grammy nomination for Best Latin Jazz Album.

In 2002 Ms. Elias recorded with opera sensation Denyce Graves. For this recording, “The Lost Days”, Eliane arranged two Brazilian classical pieces and wrote an original composition especially for Ms. Graves entitled Haabia Tupi.

In 2002 Ms. Elias signed to RCA Music Group/Bluebird label and released Kissed by Nature . Her second recording for the label, DREAMER, released in 2004 , is a fresh mix of tunes from the American Songbook, Brazilian Bossa Novas and two new originals, all sung in English and Portuguese, supported by a full orchestra .

DREAMER received the “Gold Disc Award “and won ‘Best Vocal Album in Japan” in 2004. It reached #1 on the Jazz Charts USA and France, #3 on the Pop Charts in France and #4 on the Billboard charts in the USA.

Ms. Elias’ “AROUND THE CITY” cd was released on RCA Victor in August 2006 . It merges bits of Bossa Nova, with shades of pop, jazz, latin, and rock’n roll. AROUND THE CITY features Ms. Elias’ vocals and songwriting in collaborations with producers Andres Levin and Lester Mendez as well as fresh takes on pop classics such as Tito Puente’s “Oye Como Va” and Bob Marley’s “Jammin”. Her song “Running” was featured on the ABC series “brothers and Sisters”. Around the City won “Best Vocal Album of the Year”and “Gold Disc” 2006 awards in Japan. It reached #1 on the World Music Charts USA and debuted on the French Jazz Charts as #1.

In 2007, Ms Elias returned to Blue Note Records. Her 2007 release, “SOMETHING FOR YOU”, Eliane Elias Sings and Plays Bill Evans received “Best Vocal Album of the Year” and the “Gold Disc Award” in Japan . This is the 3rd consecutive recording that Eliane receives these awards and her 4th all together.
“Something for You” reached #1 on the USA Jazz Radio charts, #8 on Billboard and #2 on the French Jazz Charts.

Ms. Elias just completed a new recording for Blue Note records. “Bossa Nova Stories” is a celebration to the 50th Anniversary of the Bossa Nova and features her vocals accompanied by a stellar rhythm section and strings recorded at Abbey Road Studios in London.

As a guest artist she has appeared on performances and recordings with Joe Henderson, James Taylor, Michael Franks, Mingus Dynasty, Andy Summers, the Grammy winning Brecker Bros’. Out of the Loop, Earl Klugh, Toots Thielemans Brazil Project , Ivan Lins, Denyce Graves, Steps Ahead, Calle 54, and Marc Johnson’s “Shades of Jade” on ECM Records, an instrumental recording she co-produced and contributed many of her own original compositions. “Shades of Jade” received the Danish Music Award as Best Foreign Release in March 2006.

Ms.Elias was featured in the Thelonious Monk Institute’s televised Second Annual “Celebration of America’s Music” at the Kennedy Center in Washington DC, the Los Angeles Philharmonic at the Hollywood Bowl, the Carnegie Hall Jazz Orchestra, four times on Marion McPartland’s NPR ‘Piano Jazz”; the JVC Festival with Sting, Gilberto Gil, Gal Costa, and Caetano Veloso at Lincoln Center in New York, the televised Piano Grand, a Gala celebration for the 300th Anniversary of the piano in Washington DC. hosted by Billy Joel, and the BBC Jazz Orchestra to name a few.Fuente web de Eliane Elias

Pedro Laurenz Biografia

Pedro Laurenz

Pedro Laurenz con la pequeña María Cristina en su casa de la calle Comentes 922. casi Suipacha (1944)

Pedro Laurenz

Pedro Laurenz en 1925, con Julio De Caro, Manlio Francia y Francisco De Caro.


LAURENZ, Pedro. (Nombre de familia: Pedro Blanco Acosta). Músico. Bandoneonista. Director. Compositor.
1. Semblanza. Creador absoluto de una capital escuela de interpretación bandoneonística nacida de su inconfundible temperamento de artista. A diferencia de la modalidad dulce, apagada y, por así decir, musicalmente introvertida de Pedro Maffia, la suya se perfiló desde el pique como una forma de ejecución vibrante, de enorme tensión emocional. La brillantez del sonido, la fuerza de ataque, fueron otros dos rasgos de primer orden en sus trabajos. Perduran como ejemplos, sus solos fraseados y magníficamente dibujados en Qué noche, Sollozos, Semametón, Vayan saliendo, Chinche bonete, Maula (con el sexteto de Julio De Caro), La beba y Milonga de mis amores (con su propia orquesta), De puro guapo (con el Quinteto Real); sus solos "a cappella" en Gaucha, Boedo, Flores negras y De antaño (con el sexteto de Julio De Caro) y sus variaciones corridas o fraseadas en Parlamento, Farolito de mi barrio, Risa loca (con el sexteto De Caro), Orgullo criollo y Poca suerte (con su propia orquesta), realizaciones suyas que han quedado como verdaderas pruebas de la imaginación musical y de la maestría interpretativa, que fueron pilares de la corriente que él promovió en el bandoneón y en la cual se nutrieron de algún modo, dos de los mayores valores que lo sucedieron en el tiempo: Aníbal Troilo y Osvaldo Ruggiero. De esas mismas facultades surgió su obra de compositor proyectada con idéntica jerarquía y originalidad de concepción en todas las variedades formales y temperamentales de la especie: La revan cha, Sin tacha, Mal de amores, De antaño,

Pedro Laurenz

Pedro Laurenz con su orquesta en Los 36 Billares(1934), Osvaldo Pugliese (piano); Armando y Alejandro (bandoneones); Vicente Sciarreta (bajo); Sammy Friedenthal y José Nieso (violines)


Mala junta, Esquinero, Orgullo chollo, entre los tangos de corte milonga para orquesta; Risa loca, Berret'm, Gaucha. Tuve un sueño, Coqueta, entre los tangos de línea romántica y gran vuelo melódico; Como dos extraños, Vieja amiga, 24 de agosto, entre los canta -bles de refinado lirismo. En conjunto esta obra, cuya calidad de invención y cuya variedad de ideas lo ubica en primerísima linea de compositores sin distinción de épocas o de estilos, debe estimarse además como precursora de las avanzadas tendencias posteriores a 1940. 2. Vida. Nació en Buenos Aires el 10 de octubre de 1902. Vivió la infancia en Villa Crespo. Primero estudió violín. Posteriormente, sus hermanos mayores —hijos del primer matrimonio de su madre— le despertaron el interés por el bandoneón. En este instrumento se perfeccionó en Montevideo ciudad en la que estuvo radicado desde 1917, donde debutó profesionalmente tocando junto al pianista Luis Casanovas en el café Au Bon Jour, junto a Eduardo Arólas en el cabaret Moulin Rouge y en el ambiente de las "pensiones". Luego de 1920 regresó a Buenos Aires donde integró la orquesta de Roberto Goyheneche(el pianista), actuando con éste en las emisiones de Radio Cultura, y en La Glorieta de la calle Las Heras. En 1925, al desvincularse Luis Petrucelli del sexteto de Julio De Caro, fue requerido por éste para hacer pareja con Pedro Maffia —su ídolo—. A la par de la actuación de ambos en el referido sexteto, llevaron al disco una serie de versiones en dúo de bandoneones para la casa Víctor con ios tangos Mocosita, Pura maña, La cumparsita y otros. A partir de 1926 quedó como primer bandoneón de De Caro, ingresando a su lado Armando Blasco con quien formó una de las "yuntas" de mayor entendimiento, más completas, virtuosas e importantes de todos los tiempos, registrando con la misma además algunos arreglos a dos bandoneones como Lazos de seda y Guardia vieja para la casa Brunswick.

Pedro Laurenz

Pedro Laurenz en 1930, integrando el sexteto de Julio De Caro, es el primero de la derecha. Con él, los hermanos De Caro, Vicente Sciarreta, Armando
Blasco y José Nieso.


Integrando el conjunto de Julio De Caro participó de las célebres temporadas de los cines Real, Renacimiento, Select Lavalle (época en que por su iniciativa se cambió el tipo de afinación a su instrumento), en las giras por Brasil —1927— y por centros artísticos de Europa —1931— tomando parte en el rodaje de la película Luces de Buenos Aires. En 1934, justamente con Blasco, Nieso y Sciarreta se desvinculó del compositor de Buen Amigo, para formar su propia orquesta debutando en el palco del café Los 36 Billares de la Calle Corrientes. Además de los músicos nombrados, Sammy Friedhental como segundo violín, Alejandro Blasco completando la fila de bandoneones y Osvaldo Pugliese (piano y arreglos) integraron esa formación inicial suya, que en tarea paralela a la del sexteto de Elvino Vardaro —que actuaba enfrente, en el café Germinal —mantuvo con convicción, con sentido romántico de la música y con auténtico coraje artístico el culto por las manifestaciones mejor calificadas del tango, en un momento adverso, desalentador y en permanente cuesta arriba dentro del mundo del espectáculo. Alfredo Gobbi, Héctor Grané, Pedro Terrón, Mauricio Mise, César Zagnoli, José Colángelo, Fernando Suárez Paz, Rolando Gavioli, entre otros músicos de prestigio y los vocalistas Juan Carlos Casas, Héctor Farrel, Alberto Podestá, Alfredo Bermúdez y Jorge Linares, fueron algunos de sus colaboradores más destacados en su trayectoria de veinticinco años de director. Desde 1937 tocó en Radio Stentor y registró sus versiones para el sello Víctor, su primer disco —julio de 1937—: Milonga de mis amores y Enamorao. Luego fue contratado por Odeón. De las muchas excelentes interpretaciones alcanzadas en ese ciclo de su trayectoria, han de recordarse las logradas con los instrumentales Arrabal, La beba, De antaño, Boedo, Orgullo criollo, Poca suerte y con los cantables Recién, 24 de agosto, Nunca tuvo novio (vocales por Alberto Podestá), Firuietear de bandoneón (vocales por Juan Carlos Casas), Trenzas (vocales por Jorge Linares), La madrugada (vocales por Alfredo Bermúdez). En 1960, juntamente con Horacio Salgan, Enrique Mario Francini, Ubaldo De Lío y Rafael Ferro pasó a integrar en carácter de figura solista el Quinteto Real. Con el mismo grabó sus trabajos para Columbia y para Philips, y viajó tres veces al Japón donde tomó parte en la serie de conciertos ofrecidos por dicho quinteto. En 1966, fue elegido juntamente con Pedro Maffia, Ciríaco Ortiz y Aníbal Troilo, para ¡lustrar las secuencias del corto Fueye Querido que dirigió Mauricio Berú y en el cual ejecutó su tango Esquinero, incluido en un disco Microfón de 1966

Pedro Laurenz en 1922

con otras versiones de su quinteto. Además de los ya nombrados com-puso, en sucesivas instancias de su carrera, los tangos El rebelde (el primero, de 1924), Rechiflao, Patria mía, Siete colores, A Belisario Roldan, Es mejor perdonar, Marinera, Hoguera, Ei fueye de Arolas. I ntegró la Comisión Directiva de la Asociación Argentina de Directores de Orquesta y el directorio de SADAIC. Falleció el 7 de julio de 1972.

Pedro Laurenz

Pedro Laurenz, con su bandoneón, cuando vivía en Montevideo. Tenía 14 años. Foto de 1916



In English
Laurenz, Pedro. (Family name: Pedro Acosta Blanco). Music. Bandoneonist. Manager. Composer.
1. A portrait. Creator absolute capital of a school of interpretation bandoneonística born of his unmistakable temperament of an artist. Unlike the sweet mode, and off, so to speak, musically introverted Pedro Maffia, yours is emerged from the pique as a form of execution vibrant, enormous emotional strain. The brilliance of sound, the strike force, were two other features of the first order in their work. Persist as examples, his single sentence and beautifully drawn in Which night, Sollozos, Semametón, go out, Chincha bonete, Maula (with the sextet Julio De Caro), La Milonga drink and my love (with his own orchestra), De pure handsome (with the Royal Quintet); their own "a cappella" Gaucha, Boedo, flowers and black of yesteryear (with the sextet Julio De Caro) and its variations runs or phrase in Parliament, Farolito my neighborhood, Risa crazy (with the sextet De Caro), Pride and Creole Little luck (with his own orchestra), achievements that have been endorsed as true tests of musical imagination and interpretative mastery, who were pillars of the current which he promoted on bandoneon and in which they nurtured somehow, two of the biggest values that what happened over time: Anibal Troilo and Osvaldo Ruggiero. Of those same powers emerged from his work with composer projected identical hierarchy and originality of design in all formal and temperamental varieties of the species: The Rev cha, unblemished, Mal of love, of yesteryear, Mala board, Corner, Pride Cholla, Cutting between the tangos milonga for orchestra; Risa crazy, Berret'm, Gaucha. I had a dream, Coqueta, tangos line between romantic and melodic great flight; As two strangers, old friends, August 24, between sing-able refining lyricism. Overall this book, whose quality of invention and variety of ideas which places him first in line composers without distinction of eras or styles, should also upheld as a precursor for the advanced trends beyond 1940. 2. Life. Born in Buenos Aires on October 10, 1902. He lived childhood in Villa Crespo. First studied violin. Later, his older brothers-sons of the first marriage of his mother-he awakened interest in the bandoneon. This instrument was upgraded in Montevideo city where he was based since 1917, where professional debut playing alongside the pianist Luis Casanovas in the cafe Au Bon Jour, along with Eduardo Arolas in the cabaret Moulin Rouge and in the environment of the "pension" . After 1920 he returned to Buenos Aires where he joined the orchestra Roberto Goyheneche (pianist), acting with him in emissions of Radio Culture, and in La Glorieta de Las Heras street. In 1925, to opt out of Luis Petrucelli sextet Julio De Caro, he was summoned by him to partner with Pedro Maffia-your-idol. Together with the performance of both in that sextet, led to record a series of versions of bandoneons duo for the house with Victor ios Mocosita tangos, Pure maña, La cumparsita and others. Beginning in 1926 became the first bandoneon De Caro, entering his side Armando Blasco with whom he formed one of the "yuntas" greater understanding, more complete, virtuous and important of all time, recording with the same arrangements in addition to some Ties two bandoneons as silk and Watchkeeping for the old house Brunswick. Integrating all Julio De Caro participated in the famous Royal seasons cinemas, Renaissance, Select Lavalle (in that era for his initiative was changed to the kind of tuning his instrument), in tours of Brazil -1,927 - and centres artistic -1931 Europe - taking part in the filming of the movie lights of Buenos Aires. In 1934, with just Blasco, NIES and Sciarreta split of the composer Good Friend, to form his own orchestra debuting on the stage of coffee The 36 Billiards de la Calle Corrientes. In addition to the nominated musicians, Sammy Friedhental as second violin, Alejandro Blasco completing the bandoneon section and Osvaldo Pugliese (piano and arrangements) that included his initial training, in parallel with the task of the sextet of Elvino Vardaro-acting front, Germinal coffee-maintained with conviction, with a sense of romantic music with real courage and artistic worship at the manifestations of tango better qualified, at a time side, disheartening and permanent uphill into the world of entertainment. Alfredo Gobbi, Hector Grané, Pedro Terrón, Mauritius Mise, Cesar Zagnoli, Jose Colangelo, Fernando Suarez Paz, Rolando Gavioli, among other renowned musicians and vocalists Juan Carlos Casas, Hector Farrel, Alberto Podesta, Alfredo Bermudez and Jorge Linares, were some of its most prominent partners in twenty-five years of his career director. Since 1937 he played on Radio Stentor and recorded their versions for the Victor label, his first record-July 1937 -: Milonga of my love and LOVE. Then he was hired by Odeon. Of the many excellent interpretations reached in this round of his career, they remembered those achieved with the instrumentals Arrabal, drink, De yesteryear, Boedo, Creole Pride, Little luck and with vocalist Baru, August 24, had never boyfriend ( vocal by Alberto Podesta), Firuietear bandoneon (voice by Juan Carlos Casas), Braids (voice by Jorge Linares), Morning (voice by Alfredo Bermudez). In 1960, together with Horacio Salgan, Mario Enrique Francini, Ubaldo De Lío and Rafael Ferro became integrated into the character appears soloist Quinteto Real. With the same recorded for Columbia and its work for Philips, and traveled three times to Japan where he took part in the concert series offered by this quintet. In 1966, he was elected together with Pedro Maffia, Ciriaco Ortiz and Anibal Troilo, for sequences of short lustrar Fueye Dear who led Mauritius Beru and executed in which his tango Corner, including a Hard microphone 1966 with other versions of its quintet. In addition to those already appointed com-put, on several instances in his career, the tangos The rebel (the first from 1924), Rechiflao, Patria mine, seven colors, Belisario A Roldan, It's better to forgive, Sailor, Bonfire, Ei bandoneon Arolas. I ntegrate the Steering Committee of the Association of Directors of Argentina Orchestra and the directory of SADAIC. He died on July 7, 1972.Fuente Horacio Ferrer

Pedro Láurenz - Milonga de mis amores-1937-1944

Genero: Tango, Orquestas de tango, Instrumental, vocal
Grabaciones originales realizadas en RCA Victor entre 1937 y 1944
Remasterizado a CD en 2002
Nivel Bandoneon
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 63.3 Mb/Total time: 56:22

Biografia de Pedro Laurenz

Tracks
01-Instrumental-Arrabal-1937
02-Héctor Farrel-Abandono-1937
03-Juan Carlos Casas-Vieja Amiga-1938
04-Juan Carlos Casas - Milonga Compadre-1938
05-Juan Carlos Casas-De Puro Guapo-1940
06-Juan Carlos Casas-No Me Extraña-1940
07-Juan Carlos Casas -Mascarita-1940
08-Juan Carlos Casas-Como Dos Exrtraños-1940
09-Juan Carlos Casas-Milonga De Mi Flor-1940
10-Juan Carlos Casas-Amurado-1940
11-Instrumental-Orgullo criollo-1941
12-Martin Podesta-Al verla pasar-1942
13-Alma de bohemio-Alberto Podesta-1943
14-Alberto Podesta-Paisaje-1943
15-Alberto Podesta-Nunca tuvo novio-1943
16-Alberto Podestá-Yo Soy De San Telmo-1943
17-Alberto Podesta-Garua-1943
18-Jorge Linares-Naranjo En Flor-1944
19-Mendocina-Carlos Bermudez y Jorge Linares-1944
20-Héctor Farrel-Milonga De Mis Amores-1937

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Biografia de Buddy Rich en español and in English

Buddy Rich


Buddy Rich

Posiblemente el mayor baterista de jazz de todos los tiempos, el legendario Buddy Rich exhibido su amor por la música a través de la dedicación de su vida al arte. La suya fue una carrera que abarcó siete décadas, a partir del momento que Rich tenia 18 meses de edad y continua hasta su muerte en 1987. Inmensamente dotado, Rich podría jugar con notable rapidez y destreza, a pesar de que él nunca recibió una lección formal y se negó a practicar fuera de sus interpretaciones o ejecuciones.

Nacido Bernard Rich vaudevillians a Robert Rich y Bess a 30 de septiembre de 1917, el famoso baterista se introdujo a las audiencias a una edad muy temprana. En 1921, él era un avezado intérprete solista con su acto de vodevil, "las trampas Drum Wonder". Con su natural sentido del ritmo, Rich actúa regularmente en Broadway a la edad de cuatro años. En el pico de Rich's al inicio de su carrera, fue el segundo más alto pagado animador infantil en el mundo.

Rich's jazz carrera comenzó en 1937 cuando él comenzó a tocar con Joe Marsala en Nueva York Hickory House. En 1939, se ha unido a Tommy Dorsey de la banda, y más tarde pasó a jugar con esos grandes del jazz como Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong y Gene Krupa. Rich fue regularmente en Jazz en la Filarmónica durante los fines del decenio de 1940. También apareció en películas de Hollywood tales como la Sinfonía de Swing (1939), Ship Ahoy (1942) y ¿Cómo es todo (1943).

A lo largo de los años 1960 y 1970, una gira con Rich sus propios grupos y abrió dos clubes nocturnos, Buddy's Place y Buddy's Place II. Ambos clubes se llena periódicamente a la capacidad de fans del gran maestro baterista. Después de abrir Buddy's Place II, Rich introducido nuevos temas con elementos de rock en su repertorio, lo que demuestra su capacidad para adaptarse a su público la evolución de los gustos y el establecimiento de sí mismo como un gran baterista de rock.

Conocido por su humor cáustico, Rich fue un favorito de televisión en varios programas de entrevistas entre ellos el Tonight Show con Johnny Carson, el Mike Douglas Show, el Dick Cavett Show y el Merv Griffin Show. Durante estas comparecencias, audiencias fueron entretenidos por la constante Rich sparring con los anfitriones y su slights de distintos cantantes pop.

Este afamado músico recibió el reconocimiento pendiente a lo largo de su carrera. La Revista de downbeat Hall of Fame Award, la revista Modern Drummer Hall of Fame y el Premio de Jazz Unlimited Inmortales de Jazz Award son sólo algunos de sus numerosos honores. Rich ganó la atención internacional para tal maestro como su composición de 10 minutos West Side Story popurrí. Durante su larga carrera, Rich gira por todo el mundo, realizando para millones de fans y varios líderes del mundo incluido el Rey de Tailandia, el rey Hussein de Jordania, la Reina de Inglaterra, EE.UU. y los presidentes Franklin Roosevelt, John F. Kennedy y Ronald Reagan.

El 2 de abril de 1987, Rich falleció de insuficiencia cardíaca después de la cirugía por un tumor cerebral maligno. Por mucho tiempo amigo, Frank Sinatra, habló de tocar un elogio en el funeral de Rich. Hoy en día, Buddy Rich es recordado como uno de la historia del mayor músicos. De acuerdo con la leyenda de jazz Gene Krupa, Rich es "el mayor baterista nunca han llamado la respiración".

Buddy Rich


In English

Arguably the greatest jazz drummer of all time, the legendary Buddy Rich exhibited his love for music through the dedication of his life to the art. His was a career that spanned seven decades, beginning when Rich was 18 months old and continuing until his death in 1987. Immensely gifted, Rich could play with remarkable speed and dexterity despite the fact that he never received a formal lesson and refused to practice outside of his performances.

Born Bernard Rich to vaudevillians Robert and Bess Rich on September 30, 1917, the famed drummer was introduced to audiences at a very young age. By 1921, he was a seasoned solo performer with his vaudeville act, "Traps the Drum Wonder." With his natural sense of rhythm, Rich performed regularly on Broadway at the age of four. At the peak of Rich's early career, he was the second-highest paid child entertainer in the world.

Rich's jazz career began in 1937 when he began playing with Joe Marsala at New York's Hickory House. By 1939, he had joined Tommy Dorsey's band, and he later went on to play with such jazz greats as Dizzy Gillespie, Charlie Ventura, Louis Armstrong and Gene Krupa. Rich was regularly featured in Jazz at the Philharmonic during the late 1940s. He also appeared in such Hollywood films as Symphony of Swing (1939), Ship Ahoy (1942) and How's About It (1943).

Throughout the 1960s and 1970s, Rich toured with his own bands and opened two nightclubs, Buddy's Place and Buddy's Place II. Both clubs were regularly filled to capacity by fans of the great master drummer. After opening Buddy's Place II, Rich introduced new tunes with elements of rock into his repertoire, demonstrating his ability to adapt to his audience's changing tastes and establishing himself as a great rock drummer.

Known for his caustic humor, Rich was a favorite on several television talk shows including the Tonight Show with Johnny Carson, the Mike Douglas Show, the Dick Cavett Show and the Merv Griffin Show. During these appearances, audiences were entertained by Rich's constant sparring with the hosts and his slights of various pop singers.

This famed musician received outstanding recognition throughout his career. The Downbeat Magazine Hall of Fame Award, the Modern Drummer Magazine Hall of Fame Award and the Jazz Unlimited Immortals of Jazz Award are just a few of his numerous honors. Rich gained international attention for such master compositions as his 10-minute West Side Story medley. During his lengthy career, Rich toured around the globe, performing for millions of fans and several world leaders including the King of Thailand, King Hussein of Jordan the Queen of England, and U.S. presidents Franklin Roosevelt, John F. Kennedy and Ronald Reagan.

On April 2, 1987, Rich died of heart failure following surgery for a malignant brain tumor. Longtime friend, Frank Sinatra, spoke a touching eulogy at Rich's funeral. Today, Buddy Rich is remembered as one of history's greatest musicians. According to jazz legend Gene Krupa, Rich was "The greatest drummer ever to have drawn breath."
Fuente wewb de Buddy Rich

Biografia de Max Roach en español and in English

Max Roach

Max Roach

Maxwell Lemuel Roach (New Land, 1925) verdadero nombre del gran baterista, Max Roach, se interesó por el jazz desde muy temprana edad, tocando en una marching band, cuando solo tenia 8 años. Su madre, cantante de gospel, le aconseja abandonar el fliscornio para dedicarse a la percusión, y a renglón seguido se matricula en el Manhattan Conservatory of Music, del que se graduó en 1942 diplomado en percusión. A los dieciséis años sustituye a Sonny Greer en un concierto de la orquesta de Duke Ellington, proeza que repite bajo circunstancias similares en la orquesta de Count Basie. En 1942 los clubes de la Calle 52, hervían musicalmente gracias al sonido nuevo que Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk y Kenny Clarke, estaban inventando en esos momentos y que denominaban bebop. Max Roach, y su amigo, Bud Powell, se sumergieron en ese ambiente y se impregnaron de las concepciones modernas. Cuando el baterista, Kenny Clarke, fue movilizado por el ejercito en 1943, y trasladado al frente de Europa, Max Roach, que actuaba regularmente en el club "Kelly's Stables" acompañando a Coleman Hawkins, fue elegido por Parker y compañía para formar parte de esas jam session en el Minton's Playhouse y el Monroe's, principalmente.

Fue Coleman Hawkins, quien le proporcionó su primera sesión de grabación en febrero de 1945, grabando para la casa "Apollo" la primera versión de "Woody'n You". En 1945, Max Roach, no pudo participar en los discos que Parker y Gillespie grabaron juntos, por haberse marchado de gira con la orquesta de Benny Carter. En otoño de 1945, de vuelta Parker, a New York pasó, ahora sí, a formar parte del histórico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie con el que actuaban regularmente en el club "Three Deuces". A finales de Noviembre de 1945, graba con ellos los famosísimos temas emblemáticos del bebop: "Billie's Bounce" y "Now's The Time", e inmediatamente se integró en el primer y efímero proyecto de bigband intentado por Dizzy Gillespie. Tras la gira de Parker y Dizzy por California, Max Roach se queda en New York, tocando en la Calle 52 junto a Jay Jay Johnson, Dexter Gordon y otros músicos y a la salida de Parker de Camarillo se unió a su quinteto, paradigma del bebop, con el trompetista, Miles Davis, y él mismo como miembros fijos con Duke Jordan, sustituido en ocasiones por Bud Powell o John Lewis, y los contrabajistas: Tommy Potter, Curly Russell y Nelson Boyd sucesivamente. Los extraordinarios discos de Savoy y Dial de 1947 y 1948 recogen esos innovadores patrones rítmicos.

En 1949, viaja con Parker a Europa para participar en el Primer Festival de Jazz de Paris, y también en el histórico concierto del "Massey Hall" de Toronto en 1953 que edita el sello "Debut", fundado por Charles Mingus. En mayo de 1954, codirige con Clifford Brown, un quinteto de hardbop que en poco mas de dos años, pasó a ser uno de los grupos fundamentales del hardbop y de la década, grabando para el sello "Emarcy" toda una serie de discos excepcionales. Tras el trágico accidente de Clifford Brown, que le costó la vida, en 1956, y tras un tiempo tocando sólo en trío con el contrabajista, George Morrow y el tenor, Sonny Rollins, reconstruye el quinteto con el trompetista, Kenny Dorham. Continua colaborando con otros músicos y en julio de 1958 reemplaza a Dorham por el joven trompetista, Booker Little. Muy sensibilizado con la lucha de los negros, intensificadas a lo largo de ese mismo período, introduce en su arte una dimensión deliberadamente política y abre las puertas a la voz de Abbey Lincoln, quien, mas tarde, se convertiría en su esposa. En 1960, ese discurso se radicaliza y pasa de las palabras a los hechos organizando un festival paralelo y alternativo al oficial de Newport de ese año como forma de protesta contra la segregación racial y graba el extraordinario disco "We Insist! para el sello Candid, un alegato contra el racismo manifestado desde la misma portada del álbum, donde se ve a un camarero blanco en la barra de un bar con gesto amenazante hacía sus dos clientes negros.

En septiembre de 1962, graba junto a Duke Ellington y Charles Mingus, un disco extraordinario titulado "Money Jungle" y liderado por el "Duke" donde expresan, en forma de trío, todos los conceptos del nuevo sonido del jazz y donde Ellington, demuestra que su arte no se limita a la éra del swing. Max Roach, tampoco desdeñó enfrentarse a dúo con algunos de los mas significativos vanguardistas del jazz. Así graba entre 1976 y 1984 con Archie Shepp, Dollar Brand, Anthony Braxton, Cecil Taylor y otros. Max Roach, es, no sólo uno de los mejores solistas de la historia de la batería, técnicamente formidable, solista exquisito utilizando la batería de forma análoga a cualquier otro isntrmneto solista, sino que su curiosidad musical le ha llevado a explorar con gran originalidad la tradición afroamericana para convertirla en referencia obligada en el jazz moderno.Fallecio el 17 de agosto de 2007

Max Roach


In English
Max Roach is a renowned American percussionist and composer. He was born in the year of 1925 in New Land, North Carolina, but he began his extensive career at the age of ten when he began playing drums in Brooklyn, New York for gospel music groups. These gospel groups proved to contribute the most significant influence to his musical style. He also studied at the Manhattan School of Music.

At Monroe's Uptown House, a nightclub in Harlem, New York, Max Roach began working with a group of American jazz musicians (including pianist Thelonius Monk and alto saxophonist Charlie Parker) in 1942. These talented musicians were experimenting with a musical style that was to become known as bebop jazz, or bop. At the time, drummer Kenny Clarke was introducing stylistic innovations and was performing with many of the top bebop musicians. These innovations included utilizing the cymbals rather than the bass drum for the primary rhythmic pulse of the music. Roach was the first to fully realize the potential of these innovations and quickly developed his own style to become the leading drummer of the bop movement (early 1940s to mid-1950s). He played and recorded with most of the major jazz musicians of the period, including American tenor saxophonist Coleman Hawkins and American trumpeter Dizzy Gillespie. From 1947 to 1949 he was a member of Charlie Parker's historic bebop quintet. From 1954 to 1956 Roach led a jazz quintet with American trumpeter Clifford Brown. Through such albums as Study in Brown (1955) and At Basin Street (1956), the Brown/Roach Quintet came to exemplify the aggressive style of jazz known as hard bop.

Throughout the 1960s, the struggle for black racial equality rose to the forefront of societal awareness and Roach recorded a number of albums centering on these issues, including the album We Insist! Freedom Now Suite (1960). He also focused on the black-American cultural arts movement. In 1970 he formed M' Boom Re: Percussion, a ten-member ensemble representing diverse percussion traditions from around the world. In addition to ensemble work, Roach has been a frequent solo percussion performer and has composed music for Broadway musicals, motion pictures, television, and symphony orchestras. He then went on to join the music faculty at the University of Massachusetts at Amherst in 1972.Fuente Apolybaco y Vervemusicgroup

Alfredo De Angelis biografia

Alfredo De Angelis

Alfredo De Angelis en pleno apogeo de su orquesta, con su más exitosa pareja de voces: Carlos Dante y Julio Martel. 1946.


Alfredo De Angelis


DE ANGELIS, Alfredo: Pianista, director y compositor(2 de noviembre de 1910 – 31 de marzo de 1992) Apodo: El colorado
Nació en la localidad de Adrogué —provincia de Buenos Aires—el 2 de noviembre de 1912Hijo del violinista Virgilio De Angelis. En 1922 inició sus estudios musicales al cuidado del maestro Guillermo Olson, consagrando sus inquietudes artísticas al bandoneón, instrumento con el cual debutó en público durante un festival escolar. Se dedicó más tarde al piano, despuntando su carrera como ejecutante de una academia de baile de Suipacha al 300 y en torno de 1930. Poco después —corría 1932— Anselmo Aieta requirió sus servicios para la orquesta que dirigía en el café Germinal, abando- nando, por la música, las perspectivas de su ya obtenido título de perito mercantil.
Continuó su trayectoria como pianista solista en salas cienematográficas de barrio, colaborando, en 1934, con Graciano De Leone, cuando el veterano bandoneón presentaba uno de sus conjuntos por la desaparecida Radio Ultra. Pasó, luego, a la agrupación de Daniel Álvarez, con el cual, en 1936, compartió el cartel como orquesta Álvarez-De Angelis. Hacia 1939, formó como pianista de la orquesta Los Mendocinos, conducida por Francisco Lauro, última instancia antes de la integración de su propio conjunto. Debutó con éste el 20 de marzo de 1941, en el palco del café Marzotto y ante los micrófonos de Radio Splendid primero, luego en El Mundo, con Héctor Morea y Floreal Ruiz como vocalistas, sucediéndolo poco más tarde a aquél, Julio Martel. Su primer disco para Odeón —casa que lo ha contado en su elenco artístico desde entonces— tuvo en sus fases los tangos Marioneta y Qué buena es, con el estilo orquestal y perfectamente definido en su escasa ambición musical, su elemental concepción armónica y la constitutiva limitación de ideas, propia de la modalidad exclusivamente destinada a servir a la danza. La atracción de las voces que desfilaron, a través de veinticinco años largos de actuación ininterrumpida, fue también uno de los pilares de su permanente suceso: a las figuras iniciales se sucedieron Carlos Dante, Oscar Larroca, Roberto Florio, Lalo Martel y otros, cultores del repertorio preferentemente estructurado sobre la base de páginas cantables que impuso a su labor. Sus versiones de Mocosita, Alelí, Gloria, Pastora, Bajo el cono azul y Cómo nos cambia la vida, son bien representativas de su modo interpretativo, extendido sin variantes sustanciales a composiciones instrumentales de excelente elección como El pial y Flores negras. Tomó parte en la realización de varias películas, entre ellas Al Compás de tu Mentira (1950), en la cual ejecutó a dos pianos, con Osmar Maderna, un tema de tango romanza. Su primer suceso de compositor fue Pregonera, en 1945, al cual siguieron Pastora, Alelí, Pimpollo roto. Mi cariñito, Mañanita linda, Qué lento corre el tren, entre las piezas para canto, y el instrumental El taladro.Fuente Horacio Ferrer
Alfredo De Angelis

De Angelis con los cantores Godoy y Florio


Biografia 2 por Ricardo Garcia Blaya de Todotango
En la segunda mitad de la década del treinta las músicas internacionales prevalecían sobre el tango, a tal punto, que nuestras orquestas típicas más tradicionales incluían en su repertorio foxtrots, polcas, corridos, pasodobles, congas y rumbas. Desde Canaro, Lomuto y la Típica Víctor, hasta De Caro y Fresedo, mixturaron los tangos con las músicas más extravagantes. Pero la irrupción del ritmo audaz y vertiginoso de Juan D'Arienzo, coloca nuevamente al tango en la preferencia de los jóvenes, que no sólo recuperaron el gusto por su danza, sino que también se lanzaron a recrearlo.

Alfredo De Angelis

Alfredo De Angelis, c. 1930, cuando ya había dejado el bandoneón por el piano y tocaba con Anselmo Aieta.

Aparecieron entonces, cientos de orquestas y vocalistas, produciéndose el renacimiento del “dos por cuatro” y así, la maravillosa década del cuarenta.
Alfredo De Angelis se inscribe dentro del grupo de orquestas que pusieron el acento en el baile. Esto sin embargo no significa que carecieran de valor artístico, por el contrario, eran afiatadas, muy bien orquestadas y contaban con grandes músicos y vocalistas.
Nuestra elite intelectual siempre peyorizó lo popular, lo que prendía rápidamente en el gusto de la gente, porque no valorizaba, ni valoriza, el fenómeno sociocultural que significa la danza.
Siempre escuché decir sobre De Angelis que era una orquesta “calesita”, que sólo servía en el salón, que le faltaba creatividad. Supongo que el adjetivo hacía alusión, a la curiosa modalidad de los bailarines de recorrer el terreno girando ordenadamente alrededor del perímetro de la pista. Desde otra óptica, la crítica podía apuntar a la música fácil, elemental y rutinaria de las calesitas (carruseles). A estas definiciones las encuentro dasafortunadas.
De Angelis tuvo la belleza de un trabajo armonioso y sincronizado, del que resultaba un tango prolijo y sencillo, logrado con un eficaz manejo del ritmo y muy respetuoso de la melodía y del lucimiento del cantante.
Se dirá que el estilo era simple y la fórmula poco ambiciosa se repetía, pero hoy, a la distancia, me deleito escuchando sus grabaciones algunas de ellas antológicas. "Al pie de la Santa Cruz", "La brisa", "Ya estamos iguales" (con la voz de Carlos Dante), "Marioneta" (a cargo de Floreal Ruiz), "Atenti pebeta", "Un tango y nada más", "De igual a igual" (con Julio Martel).
Nació en la localidad de Adrogué (sur del gran Buenos Aires) y de muy chico comenzó a aprender solfeo y armonía. Sus primeras actuaciones fueron acompañando al cantor Juan Giliberti, que anunciaba sus presentaciones con carteles que afirmaban que el propio Gardel lo había reconocido como su sucesor.
Al poco tiempo pasa a la orquesta de Anselmo Aieta reemplazando al pianista Juan Polito. Como dato curioso, en aquella formación participaba como violinista Juan D'Arienzo.
Conjuntamente con el bandoneonista Ernesto de la Cruz, acompaña al cantor Félix Gutiérrez, exitoso estribillista de varias orquestas de la época. Fugazmente, allá por 1934, pasa por la orquesta de Graciano de Leone. Después arma un binomio con Daniel Álvarez y más tarde, integra la orquesta Los Mendocinos dirigida por Francisco Lauro.

Orquesta Alfredo De Angelis Es recién a partir de 1940 que forma su propia orquesta, debutando el 20 de marzo de 1941 en el café Marzotto de la calle Corrientes, con los vocalista Héctor Morea, quien es el único de sus cantores que no llega al disco.
Actúa en radio El Mundo, con las voces del referido Morea y de su nueva incorporación, Floreal Ruiz. Así llegamos al “Glostora Tango Club”, mítico programa radial que se emitía diariamente y que estaba un ratito antes del más popular de los radioteatros: “Los Pérez García”.
Así, De Angelis adquirió fama y popularidad y no resultó extraño que el sello Odeon lo incorporara en su elenco artístico, donde grabó 486 temas, desde el 23 de julio de 1943 al 21 de enero de 1977.
De Angelis se caracterizó por haber elegido muy buenos cantores, basten como ejemplo: Floreal Ruiz, Carlos Dante, Julio Martel, Oscar Larroca, Juan Carlos Godoy, Roberto Florio, Roberto Mancini, Lalo Martel, entre otros.
El caso de Carlos Dante es muy especial porque ya había sido un consagrado estribillista y llega a la orquesta en su plenitud, convirtiéndose en su mejor cantor, su sello distintivo.
Alfredo De Angelis fue en el cuarenta el propulsor de los dúos vocales. Recorriendo su discografía se destacan en primer lugar el binomio Dante-Martel con sus “perlas” "Pregonera", "Remolino" y "Pastora", entre otros. Luego el dúo Dante-Larroca, después Juan Carlos Godoy con Lalo Martel y Roberto Mancini.
Es autor de "El taladro", en homenaje al club de fútbol Banfield, de "Pregonera", "Pastora" (ambos con letra de José Rótulo), "Qué lento corre el tren" (letra de Carmelo Volpe) y de esa maravilla melódica que es "Remolino" (también con Rótulo).
De Angelis no tuvo la impronta de Troilo ni de Pugliese, pero fue un director honesto que se refugió en un tango tradicional que llegaba fácilmente al reconocimiento popular. La prueba está en la cantidad de discos que grabó y que tuvieron un impresionante éxito comercial.



In English
De Angelis, Alfredo: Pianist, director and composer (November 2, 1910 - March 31, 1992) Nickname: The colorado
Born in the town of Adrogué-province of Buenos Aires on November 2, the violinist 1912Hijo Virgilio De Angelis. In 1922 began his musical studies in the care of teacher William Olson, devoting his artistic concerns the bandoneon, an instrument with which debuted during a festival in public school. It later spent at the piano, tipping his career as a performing a dance academy at Suipacha 300 and around 1930. Shortly after-ran 1932 - Anselmo Aieta required its services for the orchestra led in coffee Germinal, left-ing, music, the prospects for its already obtained an expert commercial.
He continued his career as a solo pianist in theaters cienematográficas neighborhood, working in 1934, with Graciano De Leone, where the veteran bandoneon presented one of their sets by the defunct Radio Ultra. He, then, a grouping of Daniel Alvarez, with whom, in 1936, shared the cartel-like orchestra Alvarez De Angelis. By 1939, trained as a pianist of Mendocinos The orchestra, conducted by Francisco Lauro, before ultimately integrating its own set. He made his debut with him on March 20, 1941, at the stage of coffee and Marzotto before the microphones of Radio Splendid first, then in El Mundo, with Hector Ruiz Morea and Floreal as vocalists and succeeded by bit later than, Julio Martel. His first record for Odeon-house which has counted on its artistic cast since then-took the stage and puppet tangos Which is good, with orchestral style and clearly defined limited ambition in his music, his elementary harmonic conception and the constitutive limitation of ideas, typical of the pattern exclusively designed to serve the dance. The attraction of the voices who marched, through long twenty-five years of uninterrupted action, was also one of the pillars of its ongoing success: the initial figures succeeded Carlos Dante, Oscar Larroca, Robert Florio, Lalo Martel and others, cultores repertoire preferably structured on the basis of pages vocalist who imposed their work. His renditions of Mocosita, Alelí, Gloria, Pastora, Under the blue cone and do we change the life, are well representative of their mode of interpretation, extended without substantial variations of instrumental compositions excellent choice as The pial and black flowers. Took part in the realization of several films, among them Al Compás your Lie (1950), which ran for two pianos, Osmar Maderna, a subject of tango romanza. His first event was Pregonera composer in 1945, which followed Pastora, Alelí, Pimpollo broken. My cariñito, Mañanita nice, do slow the train runs between the pieces for singing, and instrumentation The taladro.Fuente Horacio Ferrer


Biography 2 by Ricardo Garcia Blaya of Todotango
In the second half of the thirties music took precedence over international tango, to the point that our more traditional tango orchestras included in his repertoire foxtrots, polkas, corridos, pasodobles, congas and rumbas. Since Canaro Typical Lomuto and Victor, until De Caro and Fresedo mixture tangos with the most extravagant music. But the emergence of bold and dizzying pace of John D'Arienzo, positioned again to tango in the preference of young people, who not only regained his taste for dance, but also took to recreate it.
Then, hundreds of orchestras and vocalists, leading the rebirth of "two by four" and so, the wonderful forties.
Alfredo De Angelis is part of the group of orchestras that put the emphasis on dancing. This however does not mean that lacked artistic value, by contrast, were afiatadas well-orchestrated and had great musicians and vocalists.
Our intellectual elite peyorizó always popular, Prendes quickly that the taste of people, because no recovery, nor valued, the sociocultural phenomenon that means dance.
Always heard that De Angelis was an orchestra "Carousel," which only served in the lounge, which lacked creativity. I suppose the adjective referring to the curious form of the dancers to tour the ground orderly turning around the perimeter of the track. From another perspective, critics could point to the music easy, elementary and routine of calesita (carousels). These definitions dasafortunadas the meeting.
De Angelis was the beauty of a harmonious and synchronized work of a tango that was neat and simple, achieved with an efficient handling of pace and very respectful of the melody and the showcasing of the singer.
It will say that the style was simple and unambitious formula was repeated, but today, at the distance, I am delighted listening to his recordings some of them anthological. "At the foot of the Holy Cross," "breeze", "We are already equal" (with the voice of Carlos Dante), "puppet" (by Floreal Ruiz), "Atenti pebeta", "One tango and nothing else "," Equal footing "(with Julio Martel).
Born in the town of Adrogué (south of Buenos Aires great) and very boy began to learn music theory and harmony. His first performances were accompanying the singer John Giliberti, announcing their presentations with posters claiming that he had Gardel himself recognized as his successor.
Soon thereafter becomes the orchestra Anselmo Aieta replacing the pianist John Polito. As curious information, participated in that training as a violinist John D'Arienzo.
Together with the bandoneonist Ernesto de la Cruz, accompanied the singer Felix Gutierrez, successful refrain from several orchestras of the time. Fleeting, back in 1934, passing through the orchestra Graciano de Leone. After a gun team with Daniel Alvarez and later integrates Mendocinos The orchestra led by Francisco Lauro.

Orchestra Alfredo De Angelis is just after 1940 forming his own orchestra, debuting on March 20, 1941 in coffee Marzotto on Corrientes Street, with vocalist Hector Morea, who is the only one of their singers who do not reach the record .
It acts on radio El Mundo, with the voices of that Morea and its new addition, Floreal Ruiz. Thus we come to "Glostora Tango Club", legendary radio program that is broadcast daily and that it was un ratito before the most popular radio: "Perez Garcia."
Thus, De Angelis gained fame and popularity and it was not strange that the Odeon incorporate into their artistic cast, where he recorded 486 items, from July 23, 1943 to January 21, 1977.
De Angelis was characterized by having chosen very good singers, suffice as an example: Floreal Ruiz, Carlos Dante, Julio Martel, Oscar Larroca, Juan Carlos Godoy, Robert Florio, Roberto Mancini, Lalo Martel, among others.
The case of Carlos Dante is very special because it had been a devoted and refrain comes to the orchestra in its fullness, becoming its best singer, his hallmark.
Alfredo De Angelis was in the forties the propellant of vocal duets. Walking his discography highlights the first-team Dante Martel with his "pearls" "Pregonera", "Whirlpool" and "Pastora," among others. Then the duo Dante-Larroca, after Juan Carlos Godoy with Lalo Martel and Roberto Mancini.
He is the author of "The drill", in homage to the football club Banfield, "Pregonera", "Pastora" (both with lyrics by Joseph Banner), "What is the slow train" (lyrics by Caramel Volpe) and marvel that that is melodic "Whirlpool" (also with Banner).
De Angelis did not have the imprint of Troilus nor Pugliese, but he was an honest leader who took refuge in a traditional tango that came easily to popular recognition. The proof is in the amount of records and that they had recorded an impressive commercial success

Orquesta Alfredo De Angelis - The Argentina to the world

Genero:Tango,orquestas de tango,instrumental,vocal
Grabaciones originales realizadas entre 1944 y 1961 en Odeon
Remasterizado a CD en 1995
Nivel: Bandoneon
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 63.7 Mb/Total time: 57:47

El maestro Alfredo De Angelis realizo 550 grabaciones la gran mayoria en el sello Odeon, y las restantes en Columbia, Fuentes, Epic y Microfon.
Su primer grabacion fue "Que buena es" cantada por Julio Martel el 23 de Julio de 1943 y la ultima "Gricel" cantada por Marcelo Biondini en el año 1985
Hay dos grabaciones que no fueron editadas "Mamita, mama" y "Chile Lindo"

Biografia AlFredo De Angelis

Tracks
01-El Pial - Instrumental - 1945
02-La Brisa - Carlos Dante - 1946
03-Jiron Porteño - Julio Martel - 1946
04-Soñar y nada mas - Julio Martel y Carlos Dante 1944
05-Como Se Muere De Amor - Floreal Ruiz - 1943
06-La Cumparsita - Instrumental - 1961
07-Para Qué Te Quíero Tanto - Carlos Dante - 1945
08-Mísa De Once - Julio Martel - 1949
09-Marioneta - Floreal Ruiz - 1943
10-Pastora - Carlos Dante y Julio Martel - 1948
11-Pavadita - Instrumental - 1958
12-Ya Estamos Iguales - Carlos Dante - 1945
13-Altar Sin Lúz - Julio Martel - 1945
14-Pobre Flor - Julio Martel y Carlos Dante - 1946
15-Mi Novia De Ayer - Floreal Ruiz - 1944
16-Guardia Vieja - Carlos Dante - 1954
17-Carnaval - Carlos Dante - 1946
18-Bajo Belgrano - Julio Martel - 1949
19-Bajo El Cono Azúl - Floreal Ruiz - 1944
20-Pregonera - Carlos Dante y Julio Martel - 1945

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Biografia de Count Basie en español and in English

Count Basie

Count Basie
Count Basie and you Big Band


El hombre que iba a ser líder de una de las mas extraordinarias orquestas de jazz de toda la historia y haría de ella el paradigma absoluto de "swing band" a imitar, empieza a recibir sus primeras clases de piano de su madre, una lavandera enamorada de la música. En 1923 se marcha a New York y escucha a los grandes pianistas del estilo "stride" imperante en la época: Fats Waller, James P. Johnson y Willie "The Lión" Smith, principalmente. Su primer trabajo profesional importante llega en 1925 cuando le contratan en el grupo que acompaña a la cantante y bailarina, Katie Krippen. Poco después participa en el "vaudeville", un género de música con letras picantes, que realiza el famoso "circuito TOBA" siglas del "Theatre Owners Booking Association", sindicato de empresarios especializados en espectáculos para negros en los EE.UU.

En 1929, en Kansas City, entra a formar parte de una de las mejores bandas de la ciudad, la del pianista, Bennie Moten, de la que al poco tiempo es su pianista titular y desde donde graba sus primeros solos en discos. Cuando la banda se disuelve tras el fallecimiento de Bennie, le contratan en el Reno Club de la ciudad desde donde empieza a exportar el sonido que le haría famoso en el mundo entero y en esa orquesta ya estaba en la cuerda de saxos, un músico que revolucionaría la forma de tocar el instrumento: el gran Lester Young. El club Reno, tenía un acuerdo con una radio local que varios días a la semana conectaba en directo con el club y dado que esa emisora estaba conectada a una cadena de programas que se oían por todo el país, el promotor neoyorquino, John Hammond, escucha una noche de 1935 en el radio de su coche aquélla orquesta y se queda impresionado por el swing que generaba la banda de Count Basie.

Apenas unas semanas después, Count Basie firma un contrato discográfico con la compañía DECCA, y comienza así una fulgurante carrera musical que le hizo famoso y popular. La II Guerra mundial apareció en el escenario y aquélla banda con solistas espléndidos como el ya citado saxofonista, Lester Young o Hershel Evans, los trompetistas, Buck Clayton o Harry Edison, tuvo una época de transición que una vez terminado el conflicto bélico explotó de nuevo. Norman Granz, el famoso productor lo contrata para su sello Verve en 1952 y Basie resurge como el Ave Fénix de sus cenizas con un concepto de música ya muy maduro y en la que introduce cambios importantes en su orquesta. Amplía la banda con cuatro trompetas, tres trombones, cinco saxos y cuatro de rítmica. El volumen sonoro aumenta y el sonido está mas trabajado. Incorpora grandes solistas, entre ellos el magnifico, Freddie Green y también al cantante, Joe Williams.

Así a partir de aquellos años, y durante toda la década de los sesenta y durante los últimos veinte años de su vida, Count Basie se va a transformar junto con su orquesta en toda una institución y ya no pasará un año en que no realice giras por todo el mundo e incluso participe en algunas películas. Count Basie fallece mientras dormía el 26 de abril de 1984, y con el se fue el más grande, junto con Duke Ellington, líder de bigband de toda la historia del jazz.

Count Basie

Count Basie and band, with vocalist Ethel Waters, from the film Stage Door Canteen (1943)


In English
William "Count" Basie (August 21, 1904 – April 26, 1984) was an American jazz pianist, organist, bandleader, and composer. Widely regarded as one of the most important jazz bandleaders of his time, Basie led his popular Count Basie Orchestra for almost 50 years. Many notable musicians came to prominence under his direction, including tenor saxophonists Lester Young and Herschel Evans, trumpeters Buck Clayton and Harry "Sweets" Edison and singers Jimmy Rushing and Joe Williams. Basie's theme songs were "One O'Clock Jump" and "April In Paris".

Early life
William James Basie was born in Red Bank, New Jersey to Harvey Lee Basie and Lillian Ann Childs, who lived on Mechanic Street.[1] His father worked as a coachman and caretaker for a wealthy judge. After automobiles replaced horses, his father became a groundskeeper and handyman for several families in the area.[2] His mother took in laundry and baked cakes for sale and paid 25 cents a lesson for piano instruction for him.[3]

Basie was not much of a student and instead dreamed of a traveling life, inspired by the carnivals which came to town. He only got as far as junior high school.[4] He would hang out at the Palace theater in Red Bank and did occasional chores for the management, which got him free admission to the shows. He also learned to operate the spotlights for the vaudeville shows. One day, when the pianist didn’t arrive by show time, Basie took his place. Playing by ear, he quickly learned to improvise music appropriate to silent movies.[5]

Though a natural at the piano, Basie preferred drums. However, the obvious talents of another young Red Bank drummer, Sonny Greer (who was Duke Ellington's drummer from 1919 to 1951), discouraged Basie and he switched to piano exclusively by age 15.[6] They played together in venues until Greer set out on his professional career. By then Basie was playing with pick up groups for dances, resorts, and amateur shows, including Harry Richardson’s “Kings of Syncopation”.[7] When not playing a gig, he hung out at the local pool hall with other musicians where he picked up on upcoming play dates and gossip. He got some jobs in Asbury Park, playing at the Hongkong Inn, until a better player took his place.[8]


Early career
Around 1924, he went to Harlem, a hotbed of jazz, living down the block from the Alhambra Theater. Early after his arrival, he bumped into Sonny Greer, who was then the drummer for the Washingtonians, Duke Ellington’s early band.[9] Soon, Basie met many of the Harlem musicians who were making the scene, including Willie “the Lion” Smith and James P. Johnson.

Basie toured in several acts between 1925 and 1927, including Katie Krippen and Her Kiddies as part of the Hippity Hop show, on the Keith, the Columbia Burlesque, and the Theater Owners Bookers Association (T.O.B.A.) vaudeville circuits, as a soloist and accompanist to blues singers Katie Krippen and Gonzelle White.[10][11] His touring took him to Kansas City, St. Louis, New Orleans, and Chicago. Throughout his tours, Basie met many great jazz musicians, including Louis Armstrong.[12]

Back in Harlem in 1925, Basie got his first steady job at Leroy’s, a place known for its piano players and its “cutting contests”, The place catered to “uptown celebrities”, and typically the band winged every number without sheet music (using “head” arrangements).[13] He met Fats Waller, who was playing organ at the Lincoln Theater accompanying silent movies, and Waller taught him how to play that instrument (Basie later played organ at the Eblon Theater in Kansas City).[14] As he did with Duke Ellington, Willie “the Lion” Smith helped Basie out during the lean times arranging gigs at house-rent parties, introducing him to other top musicians, and teaching him some piano technique.[15]

In 1928 Basie was in Tulsa and heard Walter Page and his Famous Blue Devils, one of the first big bands, which featured Jimmy Rushing on vocals.[16] A few months later, he was invited to join the band, which played mostly in Texas and Oklahoma. It was at this time that he began to be known as "Count" Basie (see Jazz royalty).[17]


Kansas City years
The following year, Basie became the pianist with the Bennie Moten band based in Kansas City, inspired by Moten’s ambition to raise his band to the level of Duke Ellington’s or Fletcher Henderson’s.[18] Where the Blue Devils were ”snappier” and more “bluesy”, the Moten band was classier and more respected, and played in the “Kansas City stomp” style.[19] In addition to playing piano, Basie was co-arranger with Eddie Durham, who actually did the notating.[20] During a stay in Chicago, Basie recorded with the band. He occasionally played four-hand piano and dual pianos with Moten, who also conducted.[21] The band improved with several personnel changes, including the addition of sax man Ben Webster.

When the band voted Moten out, Basie took over for several months as Count Basie and his Cherry Blossoms until the band folded, when he returned to Moten's newly re-organized band.[22] When Moten died in 1935 after a surgical procedure, the band unsuccessfully attempted to stay together. Then Basie formed a new band, which included many Moten alumni, with the important addition of tenor saxophone player Lester Young. They played at the Reno Club and sometimes were broadcast on local radio. Late one night with time to fill, the band started improvising. Basie liked the results and named the piece "One O'Clock Jump".[23] According to Basie, “we hit it with the rhythm section and went into the riffs, and the riffs just stuck. We set the thing up front in D-flat, and then we just went on playing in F”. It became his signature tune.[24]


[edit] Hammond and first recordings

Basie and band, with vocalist Ethel Waters, from the film Stage Door Canteen (1943)At the end of 1936, Basie and his band, now billed as Count Basie and His Barons of Rhythm, moved from Kansas City and honed their repertoire at a long engagement at the Grand Terrace Ballroom in Chicago.[25] Right from the start, Basie’s band was noted for its rhythm section. Another Basie innovation was the use of two tenor saxophone players; at the time, most bands had just one. When Lester Young complained of Herschel Evans' vibrato, the two were split apart and placed one on each side of the alto players, and soon Basie had the tenor players engaged in “duels”. Many other bands later adapted the split tenor arrangement.[26]

In that city in October 1936, members of the band participated in a recording session which producer John Hammond later described as "the only perfect, completely perfect recording session I've ever had anything to do with".[27] Hammond, according to Basie, had heard Basie’s band over short-wave radio, then he went to Kansas City to check them out.[28] It was Lester Young’s earliest recordings. Those four sides were released under the name Jones-Smith Incorporated because Basie had already signed with Decca Records but had not started recording for them (his first Decca session was January 1937). The sides included: "Shoe Shine Boy", "Evening", "Boogie Woogie", and "Oh, Lady Be Good".[29]

By now, Basie's sound was characterized by his trademark "jumping" beat and the contrapuntal accents of his own piano. His personnel around 1937 included: Lester Young and Herschel Evans (tenor sax), Freddie Green (guitar), Jo Jones (drums), Walter Page (bass), Earle Warren (alto sax), Buck Clayton and Harry Edison (trumpet), Benny Morton and Dickie Wells (trombone).[30] Lester Young, known as “Prez” by the band, came up with nicknames for all the other band members. Basie became known as “Holy Man”, “Holy Main”, and just plain “Holy”.[31]

Basie favored blues, and he showcased some of the most notable blues singers of the era: Billie Holiday, Jimmy Rushing, Big Joe Turner, Helen Humes, and Joe Williams. He also hired arrangers who knew how to maximize the band's abilities, such as Eddie Durham and Jimmy Mundy.


[edit] New York City and the Swing years
When they arrived in New York, they made the Woodside Hotel their base (where they often rehearsed in the basement). Soon, they were booked at the famed Roseland Ballroom for the Christmas show. Basie recalled a review, which in his words was something like, “We caught the great Count Basie band which is supposed to be so hot he was going to come in here and set the Roseland on fire. Well, the Roseland is still standing”.[32] Compared to the reigning band of Fletcher Henderson, Basie’s band lacked polish and presentation.[33] Hammond advised and encouraged them, and they soon came up with some adjustments, including softer playing, more solos, more standards, and saving their hottest numbers for later in the show to give the audience a chance to warm up.[34] His first official recordings for Decca followed, under contract to agent MCA, including Pennies from Heaven and Honeysuckle Rose.[35]

Hammond introduced Basie to Billie Holiday and soon she sang with the band. (Holiday didn’t record with Basie, however, as she had her own record contract and preferred working with small combos).[36] The band’s first appearance at the Apollo Theater followed, with vocalists Holiday and Rushing getting the most attention.[37] Eddie Durham came back to help with arranging and composing, but for the most part their numbers were worked out in rehearsal, with Basie guiding the proceedings, and the results written out little if at all. Once they found what they liked, they usually were able to repeat it using their collective memory.[38]

Next, Basie played at the Savoy, which was noted more for jitterbugging while the Roseland was more of a place for fox-trots and congas.[39] In early 1938, the Savoy was the meeting ground for a “battle of the bands” with Chick Webb’s group. Basie had Holiday and Webb countered with Ella Fitzgerald. As Metronome magazine proclaimed, “Basie’s Brilliant Band Conquers Chick’s”, then it went on in detail, “Throughout the fight, which never let down in its intensity during the whole fray, Chick took the aggressive, with the Count playing along easily and, on the whole, more musically scientifically. Undismayed by Chick’s forceful drum beating, which sent the audience into shouts of encouragement and appreciation and casual beads of perspiration to drop from Chick’s brow onto the brass cymbals, the Count maintained an attitude of poise and self-assurance. He constantly parried Chick’s thundering haymakers with tantalizing runs and arpeggios which teased more and more force from his adversary”.[40] The publicity over the battle, before and after, gave the Basie band a big boost and they gained wider recognition, as evidenced by Benny Goodman’s recording of One O’Clock Jump shortly thereafter.[41]

A few months later, Holiday left for Artie Shaw’s band, and was replaced by Helen Humes; she was also ushered in by John Hammond, and stayed with Basie for four years.[42] Co-arranger and trombone player Eddie Durham left for Glenn Miller’s orchestra and was replaced by Dicky Wells. Basie’s 14-man band began playing at the Famous Door, a mid-town nightspot, with a CBS network feed and air conditioning. Their fame took a huge leap.[43] Adding to their play book, Basie received arrangements from Jimmy Mundy (who had also worked with Benny Goodman and Earl Hines) particularly for "Cherokee", "Easy Does It", and "Super Chief".[44] In 1939, Basie and his band made a major cross-country tour, including their first West Coast dates. A few months later, Basie quit MCA and signed with the William Morris Agency, who got them better fees.[45]

In 1942, Basie moved to Queens with Catherine Morgan, after being married to her for a few years. On the West Coast, the band did a spot in Reveille With Beverly, a musical starring Ann Miller, and also a "Command Performance" for Armed Forces Radio with Hollywood stars Clark Gable, Bette Davis, Carmen Miranda, Jerry Colonna, and singer Dinah Shore.[46] Other minor movie spots followed including Choo Choo Swing, Crazy House, Top Man, and Hit Parade of 1943.[47] They also started to record with RCA.[48] The war years caused a lot of turn over and the band worked many play dates with lower pay. Dance hall bookings were down sharply as swing began to fade, the bebop revolution began, and the era of the pop singer was about to take hold.


[edit] Post war and later years
The big band era appeared to be over after the war, and Basie disbanded the group. For awhile, he performed in combos, sometimes stretched to an orchestra, until he re-formed his group as a 16-piece orchestra in 1952. Basie credits Billy Eckstine, a top male vocalist of the time, for prompting his return to Big Band and Norman Granz for getting him into the Birdland club and promoting the new band through recordings on the Mercury, Clef, and Verve labels.[49] The jukebox era had begun and Basie shared the exposure along with early rock'n'roll and rhythm and blues artists. Basie's new band was more of an ensemble group, with fewer solo turns, and relying less on “head” and more on written arrangements.


Count Basie Theatre in Red Bank, New JerseyBasie added touches of bop “so long as it made sense”, and he required that “it all had to have feeling”. Basie’s band was sharing Birdland with bop greats Charlie Parker, Dizzy Gillespie, and Miles Davis. Behind the occasional bop solos, though, he always kept his strict rhythmic pulse, “so it doesn’t matter what they do up front; the audience gets the beat”.[50] Basie also added flute to some numbers, a novelty at the time that became widely copied.[51] Soon, they were touring and recording again. The new band included: Paul Campbell, Tommy Turrentine, Johnny Letman, and Idris Sulieman (later Joe Newman) (trumpet); Jimmy Wilkins, Benny Powell, Matthew Gee (trombone); Paul Quinchette and Floyd Johnson (tenor sax); Marshall Royal and Ernie Wilkins (alto sax); and Charlie Fowlkes (baritone sax).[52] Downbeat said, Basie “has managed to assemble an ensemble that can thrill both the listener who remembers 1938 and the youngster who has never before heard a big band like this”.[53]

In 1954, the band made its first European tour. Jazz was especially strong in France, Holland, and Germany in the 1950’s; These countries were the stomping grounds for many ex-patriate jazz stars who were either resurrecting their careers or sitting out the years of racial divide in the United States. Neal Hefti began to provide arrangements, notably "Li’l Darlin’". By the mid-1950s, Basie's band had become one of the pre-eminent backing big bands for some of the most prominent jazz vocalists of the time. They also toured with the “Birdland Stars of 1955”, whose lineup included Sarah Vaughan, Erroll Garner, Lester Young, George Shearing, and Stan Getz.[54]

In 1957, Basie released the live album At Newport. April in Paris (arrangement by Wild Bill Davis) was a best-selling instrumental and the title song for the hit album.[55] The Basie band made two tours in the British Isles and on the second, they put on a ”Command Performance” for Queen Elizabeth II, along with Judy Garland, Vera Lynn, and Mario Lanza.[56] In 1959, Basie’s band recorded a “greatest hits” double album The Count Basie Story (Frank Foster, arranger). Later that year, Basie appeared on a television special with Fred Astaire, featuring a dance solo to Sweet Georgia Brown, followed in January 1960 by Basie performing at one of the five John F. Kennedy Inaugural Balls.[57] That summer, Basie and Duke Ellington combined forces for the recording First Time! The Count Meets the Duke, each providing four numbers from their play books.


Count Basie in concert (Cologne 1975)During the balance of the 1960s, the band kept busy with tours, recordings, television appearances, festivals, Las Vegas shows, and travel abroad, including cruises. Some time around 1964, Basie adopted his trademark yachting cap.[59] Through steady changes in personnel, Basie led the band into the 1970s. Basie made a few more movie appearances, such as the Jerry Lewis film Cinderfella (1960) and the Mel Brooks movie Blazing Saddles (1974), playing his arrangement of "April in Paris".

Basie died of pancreatic cancer in Hollywood, Florida on April 26, 1984 at the age of 79.[60] Basie was a member of the Omega Psi Phi fraternity.


The Singers
Basie hitched his star to some of the most famous vocalists of the 1950’s and 1960’s, which helped keep the Big Band sound alive and added greatly to his recording catalog. Joe Williams toured with the band and was featured on the 1957 album One O'Clock Jump, and 1956's Count Basie Swings, Joe Williams Sings, with Every Day (I have the Blues) becoming a huge hit. Ella Fitzgerald made some memorable recordings with Basie, including the 1963 album Ella and Basie!. With the 'New Testament' Basie band in full swing, and arrangements written by a youthful Quincy Jones, this album proved a swinging respite from her Songbook recordings and constant touring she did during this period. She even toured with the Basie Orchestra in the mid-1970s, and Fitzgerald and Basie also met on the 1979 albums Digital III at Montreux, A Classy Pair, and A Perfect Match, the last two also recorded live at Montreux. In addition to Quincy Jones Basie was using arrangers such as Benny Carter (Kansas City Suite), Neal Hefti ( The Atomic Mr Basie), and Sammy Nestico (Basie-Straight Ahead).

Frank Sinatra recorded for the first time with Basie on 1962's Sinatra-Basie and for a second studio album on 1964's It Might as Well Be Swing, which was arranged by Quincy Jones. Jones also arranged and conducted 1966's live Sinatra at the Sands. In November 1970, Sinatra performed in London's Royal Festival Hall with the Basie orchestra, in a charity benefit for the National Society for the Prevention of Cruelty to Children. The shows were taped for a BBC special, Sinatra: In Concert at The Royal Festival Hall. Sinatra later said of this concert "I have a funny feeling that those two nights could have been my finest hour, really. It went so well; it was so thrilling and exciting".

Basie also recorded with Tony Bennett in the early 1960s — their albums together included the live recording at Las Vegas and Strike Up the Band, a studio album. Basie also toured with Bennett, including a date at Carnegie Hall. Other notable recordings were with Sammy Davis, Jr., Bing Crosby, and Sarah Vaughn. One of Basie’s biggest regrets was never recording with Louis Armstrong, though they shared the same bill several times.[62]


Legacy
Count Basie introduced several generations of listeners to the Big Band sound and left an influential catalogue. Basie is remembered by many who worked for him as being considerate of musicians and their opinions, modest, relaxed, fun-loving, drily witty, and always enthusiastic about his music. As he summed up the key to his understated style, in his autobiography, “I think the band can really swing when it swings easy, when it can just play along like you are cutting butter”.

Other cultural connections include Jerry Lewis using "Blues in Hoss' Flat" from Basie's Chairman of the Board album, as the basis for his own "Chairman of the Board" routine in the movie The Errand Boy, in which Lewis pantomimed the movements of a corporate executive holding a board meeting. (In the early 1980s, Lewis revived the routine during the live broadcast of one of his Muscular Dystrophy Association telethons). Blues in Hoss' Flat, composed by Basie band member Frank Foster, was also the longtime theme song of San Francisco and New York radio DJ Al "Jazzbeaux" Collins. In addition, Basie is one of the producers of the "world's greatest music" that Brenda Fricker's "Pigeon Lady" character claims to have heard in Carnegie Hall in 1992's Home Alone 2: Lost in New York. Drummer Neil Peart of the Canadian rock band Rush recorded a version of "One O'Clock Jump" with the Buddy Rich Big Band, and has used it at the end of his drum solos on the 2002 Vapor Trails Tour and Rush's 30th Anniversary Tour.
The Count Basie Theatre in his hometown of Red Bank, New Jersey was named in his honor.Fuente wikipedia

Atilio Stamponi biografia

Atilio Stamponi

La orquesta de Atiho Stampone en televisión con Eduardo Rovira (bandoneón) y Reynaldo Nichele (violín) como primeros atriles.

Atilio Stamponi

Atilio Stampone en 1974.

Atilio Stampone: Nombre real:Antonio Atilio Stampone. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arreglador. Nació en Buenos Aires —barrio de San Cristóbal—el 1 de julio de 1926. Tenía diez años de edad cuando comenzó sus estudios músicales cursando piano con Pedro Rubione. Las primeras actuaciones en público las complió en orquestas de su barrio continuando luego ya como profesional, en los conjuntos de Roberto Dimas Lourbes, en 1941, y Pedro Maffia, en 1942, cuando las presentaciones de éste en el cabaret Tibidabo de la calle Corrientes. En 1946 integró la agrupación de acompañamiento del vocalista Roberto Rufino. Identificado por sensibilidad y por convicciones estéticas a las tendencias de vanguardia surgidas entre los músicos de la Generación del Cuarenta, actuó desde 1946 —hasta su disolución—en la orquesta de Astor Piazzolla, con quien grabó buena parte de las realizaciones para el sello Odeón, destacándose en particular su gran labor en Taconeando, Se armó y Orgullo criollo. En 1949 juntamente con Julián Plaza, Alfredo Marcucci y otros jóvenes elementos viajó a Europa. Continuando los cursos de perfeccionamiento que había seguido en Buenos


Aires con Vicente Scaramuza, estudió en el Conservatorio de Santa Cecilia en Italia, con el maestro Carlos Zecchi. Compartió después con Eduardo Bianco una gira artística por países del Cercano Oriente. A su regreso formó su primer conjunto propio con Leopoldo Federico, presentándose en Tibidabo, Radio Belgrano y registrando dos refinadas versiones —Cholla linda y Tierrita—, ésta con Antonio Rodríguez Lesende en vocales y ambas con Simón Bajour como primer violín y arreglos de Argentino Galván. En 1956 ya como director independiente presentó su orquesta, estilísticamente volcada a la gran corriente de nuevos intérpretes que consagraron en torno de 1955 los postulados del tango de avanzada. Grabó sus realizaciones para el sello Odeón, destacándose la versión de El marne de Arólas, registrando más tarde su trabajo orquestal para la empresa Audio Fidelity, que difundió su labor en Estados Unidos y en Brasil. Simultáneamente desde su fundación hasta 1958 integró el Octeto Buenos Aires, en recitales en Montevideo y en Buenos Aires, y en discos con lucidos desempeños de conducción y de solos en Arrabal, La revancha y Tierra querida. Retomó sus estudios desde 1955 con Julián Bautista y Teodoro Fuchs, ofreciendo luego de 1960 conciertos en el aula Magna de la Facultad de Medicina, bajo los auspicios del Círculo de Amigos del Buen Tango y grabando para el sello Microfón. En 1965 contribuyó decisivamente a la apertura, al mantenimiento, al gran éxito de Caño 14, sala nocturna de la calle Uruguay —luego en Talcahuano—, convertida en centro obligado de calificadas manifestaciones de tango.
Pianísticamente formado bajo el influjo de Salgan y de Maderna, se realizó como personal ejecutante. Excelente sonido y gran fuerza conductora son características de su labor. Colaboró como solista destacado —sin abandonar su actividad de director— con otrosconjuntos, entre ellos los de Aníbal Troilo, Eduardo Rovira, Héctor Artola, Argentino Galván, formando parte también del cuarteto evocativo Palais de Glace. Escribió música para cine, perteneciéndole los temas cantables e incidentales de La Mano en la Trampa (1959) y Un Guapo del 900 (1960).
Sus tangos: Afiches y Mocosa, ambos cantables y Ciudadano y Romance de tango, instrumentales. Verano porteño, La rayuela, Cabulero, Mi refugio, Tango dei eco, El recodo, El arranque, se cuentan entre las creaciones interpretativas de su orquesta, grabadas para los sellos Audio Fidelity y Microfón entre 1958 y 1966. Dirigió y arregló luego los acompañamientos de Virginia Luque, de Néstor Fabián y de Roberto Goyeneche, y en 1973 viajó a Brasil con su octeto que integraron: Osvaldo Montes (bandoneón); Tito Besprobán y Eduardo Walzac (violines); Alberto Seleson (viola); José Luis Bragato (cello); Juan Antonio Vasallo (bajo); Rubén "Chocho" Ruiz (guitarra eléctrica) y él (piano, arreglos y dirección). Actuó en Río de Janeiro —cuatro recitales en televisión, en el programa Fantástico— y en Porto Alegre. Con la misma formación, con las voces de Gloria Vélez y de Néstor Fabián volvió a representar a la música de Buenos Aires en el exterior; realizó en 1974 una gira de sesenta días por la Unión Soviética, ofreciendo recitales de tango en teatros de Moscú, Volvogrado, Astrakán, Ulianov y otras ciudades de la región asiática de Rusia. A su regreso em-prendió la grabación orgánica de una serie de discos de larga duración para la casa Microfón, en la que expuso sus nuevas orientaciones musicales: Concepto, Imágenes, Jaque mate y Mis maestros. Y alternando sus giras con presentaciones en Buenos Aires, hizo música en Caño 14 (1972 a 1974); en La Bola Loca (1975); en Michelángelo y en el Teatro del Carmen (1976); en Lagar del Virrey, y nuevamente Michelángelo (1977). En 1978 acompañó la actuación de Susana Rinaldi en París.

Atilio Stamponi

De izquierda a derecha: Di Filippo, Insúa, Molo, Astor Piazzolla, Stampone, Campoamor y Baralis, cuando Atilio era pianista de la orquesta de Astor Piazzolla

In Inglish
Antonio Atilio Stampone). Music. Pianist. Manager. Composer. Settlement. Born in Buenos Aires neighborhood of San Cristobal-the-July 1, 1926. I was ten years old when he began his musical studies studying piano with Peter Rubione. The first public performances in the comples orchestras in his neighborhood and then continuing as a professional in the joint Lourbes Roberto Dimas, in 1941, and Pedro Maffia, in 1942, when his presentations at the cabaret Tibidabo on Corrientes Street. In 1946 he joined the group accompanying the vocalist Roberto Rufino. Identified by sensitivity and aesthetic convictions of trends have emerged among the leading musicians of the Generation of Forty, served from 1946 until its dissolution in the orchestra of Astor Piazzolla, with whom he recorded much of achievements for Odeon, stressing in particular his great work in Taconeando, was armed and Pride Creole. In 1949 together with Julian Plaza, Alfredo Marcucci and other youth elements traveled to Europe. Continuing upgrading courses that had continued in Buenos Aires with Vincent Scaramuza, studied at the Conservatory of Santa Cecilia in Italy, with maestro Carlos Zecchi. He shared with Eduardo Bianco after a tour of art by countries in the Near East. Upon his return he formed his own first set with Leopoldo Federico, appearing in Tibidabo, Radio Belgrano and recording two versions-refined and beautiful Cholla-Tierrita it with Antonio Rodriguez Lesende in both vocal and Simon Bajour as the first violin and arrangements Argentine Galvan . In 1956 and as a freelance director presented his orchestra, stylistically geared to the large influx of new performers who devoted around 1955 the tenets of tango advance. He recorded his achievements for Odeon, highlighting version of The marne Arola, recording his latest orchestral work for the company Audio Fidelity, which spread its work in the United States and Brazil. Simultaneously since its founding until 1958 he joined the Octet Buenos Aires, Montevideo and in recitals in Buenos Aires, and discs with lucid performances and driving alone in Arrabal, revenge and beloved Earth. Resume his studies since 1955 with Bautista and Julian Teodoro Fuchs, offering concerts in 1960 after the Magna classroom at the Faculty of Medicine, under the auspices of the Circle of Friends of the Good Tango and recording for the label microphone. In 1965 he was instrumental in opening, maintenance, to great success Caño 14, room night street Uruguay-then-in Talcahuano, converted into centre of qualified demonstrations forced tango. Pianist formed under the influence of Salgan and Maderna, was conducted as performing staff. Excellent sound and great driving force are characteristic of his work. He worked as soloist prominent without abandoning its activity with director-otrosconjuntos, including those of Anibal Troilo, Eduardo Rovira, Hector Artola, Argentine Galvan, forming part of the quartet also evocative Palais de Glace. He wrote music for films, belongs vocalist and incidental items of La Mano Trap (1959) and A Guapo's 900 (1960).
His tangos: Posters and punk, both vocalist and Citizen and Romance of tango instrumental. Summer Buenos Aires, hopscotch, Cabulero, my refuge, Tango dei echo, bend, boot, are among the creations of interpretative his orchestra recorded for the stamps Audio Fidelity and microphones between 1958 and 1966. He then arranged and the accompaniments of Virginia Luque, Nestor Fabian and Roberto Goyeneche, and in 1973 he traveled to Brazil with his octet that included: Osvaldo Montes (bandoneon); Besprobán Tito and Eduardo Walzac (violins); Alberto Seleson (viola) ; Jose Luis Bragato (cello); Juan Antonio Vasallo (bass); Ruben "Chocho" Ruiz (electric guitar) and he (piano, arranger and conductor). Served in Rio de Janeiro-four performances on television, in the program's fantastic-and in Porto Alegre. With the same formation, with the voices of Gloria Velez and Nestor Fabian returned to represent the music of Buenos Aires abroad; undertook in 1974 a tour of sixty days by the Soviet Union, offering tango concerts in theatres in Moscow, Volvogrado, Astrakán, Ulianova and other cities in the Asian region of Russia. Upon his return em-prendió organic recording a series of long-term records for home Microfón, which presented its new musical directions: Concept, Images, Checkmate and my teachers. And alternating tours with their presentations in Buenos Aires, made music Caño 14 (1972 to 1974) in The Mad Ball (1975); Michelángelo and at the Teatro del Carmen (1976); Lagar in the Viceroy, and again Michelángelo ( 1977). In 1978 he accompanied the performance of Susana Rinaldi in Paris.Fuente Horacio Ferrer

Atilio Stampone - Tango

Genero, Tango, Instrumental,piano
Nivel: Sony-Microfon
Lanzamiento:2000
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 54.7 Mb/Total time: 31:05

Biografia de Atilio Stamponi

Tracks

01-Uno
02-Adios muchachos
03-El irresistible
04-El marne
05-Mal de amores
06-El chupete
07-El motivo
08-El arranque
09-Despues del carnaval
10-Verano porteño

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Eladia Blazquez Biografia

Eladia Blazquez

Eladia Blazquez con Astor Piazzolla

Nací artista. A los ochos años, ya era profesional. Cantaba, tocaba la guitarra y el piano de oído. Al poco tiempo comencé a componer, sin darle todavía demasiada importancia.
Llegando a mi juventud, se perfiló la creación de una manera más contundente.
Grabé en diferentes épocas y en diferentes géneros, pero no tanto, considerando que tengo alrededor de 300 temas propios. Pero sí, he contado con una gama diversa de intérpretes de primera línea.
Como compuse canciones de muchos estilos, los intérpretes también lo fueron. Primero la canción española, luego fue la melódica y sudamericana; más tarde el folklore y finalmente el tango y la balada. Muchas veces me preguntaron, cómo se produce el hecho de la creación, en mi caso, o si tengo alguna fórmula para componer. No!. En absoluto. La creación es un estado mágico, una fuga de la realidad. Hay momentos en que la inspiración puede darse sin buscarla, pero no es lo más frecuente; lo común es sentarse a trabajar para obtener mejores resultados. Solo en dos oportunidades recuerdo que los temas brotaron como si me los dictaran, uno fue mi blues “Humo y alcohol” y el otro el tango “Sin piel”.
En una carrera larga como la mía, es normal que haya conocido a muchas figuras, desde los comienzos. Cuando era niña no podía medir lo que ellos iban a llegar a ser, ni siquiera yo misma soñaba con llegar al 2000 actuando. Recuerdo el viejo patio de la casona donde funcionaba Radio Argentina, mis escapadas a la sala de ensayo para buscar melodías en el piano con mis dedos pequeños y recuerdo a un guapísimo jóven que me alzaba a cococho, porque le hacía gracia que siendo tan niña mostrara tanta vocación por la música; era Hugo del Carril.
Pero seguirá quedando en el misterio, mi vuelco al tango, siendo hija de inmigrantes, criada en las costumbres españolas, y nacida en el barrio sur de Avellaneda. Tal vez sea por todo ello. Nunca fui artista de grandes “booms”, ni de éxito fácil. Más bien todo lo contrario. Mi carrera se amasó en el esfuerzo. Pero me di cuenta que en el tiempo, es una condición para perdurar.
Desde hace 25 años, vengo recibiendo premios y distinciones que mas allá del halago que me producen, marcan inexorablemente un largo camino recorrido.

Eladia Blazquez

In English
I was born artist. For the eight years since it was professional. He sang, played guitar and piano by ear. Soon I began to compose, still without giving too much importance.
Arriving in my youth, were outlined the creation of a more forceful.
I burned at different times and in different genres, but not much, considering that I have about 300 items themselves. But yes, he enjoyed a diverse range of performers frontline.
As I composed songs in many styles, so too were the interpreters. First Spanish song, then was melodic and South American; later folklore and finally tango and the ballad. Many times I wondered, how is the fact of creation, in my case, or if I have any formula to compose. No!. Not at all. The creation is a magical state, a flight from reality. There are times when that inspiration can occur without look, but not more often, what is common to sit down to work for better results. Only twice remember that items brotaron dictate to me as if one was my blues "Smoke and alcohol" and another tango "Without skin."
In a long career like mine, it is normal that there are many known figures, from the beginning. When I was a little girl could not measure what they iban to become, not even myself dreamed of reaching the 2000 act. I remember the old courtyard of the house where he worked Radio Argentina, my trips to the trial chamber to find melodies on the piano with my small fingers and I remember a beautiful young man that I alzaba to cococho, because he was being so that grace girl show so vocation for music; was Hugo del Carril.
But will being in the mystery, my turnaround to tango, being the daughter of immigrants, raised in the Spanish customs, and born in the southern district of Avellaneda. Perhaps for these reasons. Never went to great artist "booms", or easy success. Quite the contrary. My career is kneaded in the effort. But I realized that in time, is a condition to endure.
For 25 years, I come to receive awards and distinctions beyond the flattery that I produce, inexorably marked a long way. Fuente web de Eladia Blazquez

Eladia Blazquez - Grandes exitos

Genero: Musica argentina, instrumental, vocal
Nivel: Odeon
Original compilacion 1991
Lanzado en 2004
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 66.5 Mb/Total time: 37:50

Ver Biografia de Eladia Blazquez

Tracks
01-Honrar la vida
02-Adios Nonino
03-Gracias a pesar de todo
04-Viejo Tortoni
05-La voz de Buenos Aires
06-Ese muchacho Tony
07-Si te viera Garay
08-Invierno porteño
09-El corazon de tu violin
10-Fiesta y milonga
11-Y somos la gente
12-Vivir en Buenos Aires

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Roberto Firpo Biografia

Roberto Firpo

La orquesta de Roberto Firpo en el Ambassadeurs del barrio Parque, en 1936.De izquierda a derecha: Carlitos García (piano); sentados: Vicente Toppi, Calixto Sallago, Rafael Margaruccio y el "torito" Marino (bandoneones); de pie: Enrique Forte, Raúl Bera, Antonio Rossi (primer violín), Angel Corlelo (bajo)y Claudio González.



Roberto Firpo

Roberto Firpo en su casa (1928)


FIRPO, Roberto. Músico. Pianista. Director. Compositor. Nació en la localidad de Las Flores —provincia de Buenos Aires—el 10 de mayo de 1884. Vivió la infancia en la capital, en el barrio de los Corrales Viejos, donde su padre instaló almacén. Desde su extrema juventud ganó para su vida con sucesivos trabajos: pintor, empleado, obrero del calzado, y en la fundición de Vasena, en Bahía Blanca, funcionario aduanero en Ing. White. Alternó estas ocupaciones de sustento con unos incipientes estudios autodidácticos de violín, primero; de piano, después. A comienzos de siglo, ya resuelta su vocación, inició su carrera de músico como pianista de locales para baile, perfeccionando su formación técnica al cuidado de Alfredo Bevilacqua. Éste, además, lo vinculó a ejecutantes populares de la época, con dos de los cuales, Juan Carlos Bazán(clarinete) y Francisco Postiglione (violín), integró en el recreo El Velódromo. Pasó, con ellos mismos, poco después a tocar en el Hansen, tomando, sucesivamente, el lugar de Postiglione, los arcos de Lafémina, Palavecino y Roccatagliata. Juntamente con Agustín Bardi, Luis Suárez Campos, Prudencio Aragón y Enrique Saborido, se contó entre los primeros ejecutantes que dieron estabilidad a la presencia del piano en las arcaicas formaciones de la especie. Por aquel entonces dio a conocer su primera hornada de tangos, La Chola, La gaucha Manuela y El compinche, editados ese mismo año, en 1909, por Medina. Introducido siempre por Bevilacqua, actuó, durante 1910, en los cafés de La Boca y en el café Taka Taka, de
Roberto Firpo

Roberto Firpo con los integrantes de su cuarteto,1936. Sentado, junto a él, su bandoneonista Juan Cambaren.


la Avenida de Mayo, donde, con Bachicha como bandoneón, alternó el repertorio "de salón" con los tangos, en la confitería El Centenario, también de la avenida y frente al pasaje Barolo. Durante 1912, fue requerido por Genaro Spósito, con quien actuó en el bar Iglesias, de Corrientes; en 1913 comenzó la grabación de discos con su rondalla para el sello Era. Se independizó a esa altura, ventajosamente contratado para tocar en las elegantes veladas del cabaret Armenonville, de la Avenida Alvear y Tagle, en Palermo. Tocó, simultáneamente en el bar Iglesias, grabando sus primeros discos como figura: su labor inicial en este aspecto fue la ejecución en solo de piano de su tango Argañaraz, registrado para Columbia y editado con un solo de bandoneón por Arolas como acople. Posteriormente, grabó con su conjunto para Era, aunque sustituyendo, en las primeras series, su piano por una guitarra, en razón de la resistencia que aún el público ofrecía a su instrumento dentro de las orquestas típicas criollas. A su constancia se debió, precisamente, la definitiva implantación del mismo como elemento de base y de conducción de la Orquesta Típica. Eduardo Arolas y Tito Roccatagliata, desde el comienzo de su agrupación; luego Agesilao Ferrazano, José Servidio, Juan Deambroggio, Alejandro Michetti y Juan Carlos Bazán, fueron algunos de sus importantes colaboradores, entre 1913 y 1917. Va en este período, grabó para los discos Nacional Odeón, de Max Glucksmann. Entre estas versiones fonográficas se contaron, en especial, las logradas con sus propios éxitos de compositor —editados en papel por Medina, Breyer o Balerío—: De madrugada e Indiecita (su primer disco, 1914), Sentimiento criollo, La marejada, El talento—uno de sus tangos más hermosos, con una primera de corte bardiano—, Toda la vida, En la brecha, El amanecer, El solita-rio, Vea vea, Didí, Curda completa, El rápido y otros que ofrecieron detalles curiosos: los "tangos dialogados" como Al gran bonete o La murra; los que distinguió genéricamente como "tangos sentimentales", Viviani y Benguria; como "tangos de concierto", Alma de bohemio; como "tango campechano", Lo que ta bien ta bien. Tocó luego en el cabaret L'Abbaye; allí estrenó Fuegos artificíales, compuesto a medias con Arolas; en los teatros del varieté: Porteño, Majestic, Soleil y Casino y en los escenarios consagrados al saínete. En 1917 colaboró con el director cinematográfico José A. Ferreyra, sonorizando, con discos, la película La Muchacha del Arrabal. Ese mismo año, fusionando su orquesta con la de Francisco Canaro, animó los bailes de carnaval del Teatro Colón, de Rosario, cumpliendo luego una afortunada temporada en Montevideo, en el palco del café La Giralda, durante la cual le correspondió estrenar La cumparsita, de Matos Rodríguez. De regreso a la capital porteña, además de su habitual labor en el Palais de Glace fue contratado por el cabaret Pigall, y en 1918 en el Teatro Buenos Aires, fue presentado por Alippi y Muiño, a pleno escenario para acompañar a la actriz Manolita Poli que estrenó esa vez, durante las representaciones de Los Dientes del Perro, de González Castillo y Weisbach, el tango

Roberto Firpo

Roberto Firpo dirige una orquesta típica de 100 músicos en el escenario del Teatro Colón (setiembre de 1933).

de Castriota y Contursi, Mi noche triste. Nuevos elementos fueron llegando para integrar lúcidamente su orquesta: Pedro Maffia, Rafael Tuegols, Cayetano Puglisi, Elvino Vardaro, Octavio Scaglione, Enrique Cantore, Juan B. Guido y el pianista Luis Cosenza, cuando él empuñó la batuta y su estilo alcanzó definitiva madurez interpretativa y musical. Versiones como Buenos Aires, Organito de la tarde, Ciudad de San Fernando, son bien representativas de ese auspicioso momento de su ca-rrera. Aunque sus mejores trabajos orquestales corresponden al período 1926-1935, cuando por su conjunto desfiló la flor y nata de la nueva hornada de ejecutantes: los pianistas Osvaldo Pugliese, Rafael Giovinazzi, Armando Federico, Carlos García; los violinistas Antonio Rossi y José Nieso; El pajuerano, Río de oro, Honda tristeza, Noche de amor, fueron realizaciones de gran calidad entre las que logró entonces, dentro de una modalidad sensible a los tiempos de ejecu-ción más bien lerdos, prevalentemente melódica con su agradable y como nebuloso y asordinado empleo de la cuerda. Aunque hacia 1940 volvió transitoriamente a la formación orquestal numerosa, desde 1935, retrocediendo estilísticamente veinte años, actuó con su cuarteto, sin duda una de las más populares formaciones que dirigiera.
En 1933 actuó en la película Dancing. Posteriormente grabó dúos de piano con su hijo, actuando y concurriendo a estudios fonográficos hasta 1960, en la más extensa carrera que haya cumplido músico de tango alguno. El bisturí, Cero a cero, El apronte, La carcajada, La bordadora, El ahorcado, Eco melodioso, Hilacha, Ave sin rumbo, La muchacha del arrabal, son otros de sus tangos.

Roberto Firpo

Mayo de 1935. Roberto Firpo con su hijo Roberto a los 8 años de edad, posteriormente pianista como su padre.


Roberto Firpo


In English
Firpo, Roberto. Music. Pianist. Manager. Composer. Born in the town of Las Flores-Buenos Aires province-the May 10, 1884. He lived childhood in the capital, in the neighborhood of Old Corrales, where his father installed warehouse. Since its extreme youth won for his life with successive work: painter, employee, worker shoes, and casting Vasena, in Bahia Blanca, a customs officer Ing. White. Alternative livelihoods for these occupations with some emerging studies of self violin, first; piano later. At the beginning of the century, and settled his vocation, he began his career as pianist for local musician to dance, perfecting their technical training in the care of Alfredo Bevilacqua. This also linked to the popular performers of the era, two of whom, Juan Carlos Bazan (clarinet) and Francisco Postiglione (violin), integrated into recess The Velodrome. He spent with them, shortly after playing in Hansen, taking successively site Postiglione, arches Lafémina, Palavecino and Roccatagliata. Along with Agustin Bardi, Luis Suarez Campos, Prudencio Aragon and Enrique Saborido, was among the first performers who gave stability to the presence of the piano in the archaic formations of the species. By then released its first batch of tangos, La Chola, The Rio Grande do Sul and Manuela The buddy, released that same year, in 1909, in Medina. Introduced by always Bevilacqua, served during 1910, in the cafes of La Boca and coffee Taka Taka, the Avenida de Mayo, where, as with Bachicha bandoneon, alternated the "salon" with tangos, in the tearoom The Centennial, also of the avenue in front of the passenger and Barolo. During 1912, he was summoned by Genaro Spósito, who served in the bar Churches, Corrientes, in 1913 began recording with his rondalla discs for the label was. It is independent to that height advantage recruited to play at the elegant evenings of cabaret Armenonville, Avenida Alvear and Tagle, in Palermo. He played simultaneously at the bar Churches, recording his first albums like figure: his initial work on this aspect was carrying in his piano solo tango Argañaraz, recorded for Columbia and edited with a bandoneon solo by Arolas as coupling. Subsequently, he recorded with a whole was for, although replacing, in the first series, his piano for a guitar, because of resistance that have offered to the public within its instrument of the tango orchestras Creole. His record was precisely the final implementation of the same element as the foundation and driving Typical Orchestra. Eduardo Arolas and Tito Roccatagliata, since the start of his group, then Agesilao Ferrazano, Joseph Servidio, John Deambroggio, Alejandro Michetti and Juan Carlos Bazan, were among its major partners, between 1913 and 1917. It is in this period, he recorded for the disks National Odeon, Max Glucksmann. Among these versions Phonographic were counted, particularly those achieved with their own successes as composer-edited paper by Medina, Breyer-or Balerio: From dawn and Indiecita (his first album, 1914), Feeling Creole, swell, Talent - One of its most beautiful tangos, with an initial cut-bardiano, whole life, in the gap, The Dawn, The river-alone, see View, Dido, Kurdish complete, Rapid and others who offered curious details: "tangos dialogue" as Al big or bonete The murra; those who distinguished himself generically as "sentimental tangos," Viviani and Benguria; as "tango concert," Soul of bohemian; as "tango campechano" What good ta ta well. He played later in the cabaret L'Abbaye; premiered there fireworks, composed half with Arolas in theatres variety: Porteño, Majestic, Soleil and Casino and scenarios enshrined in the sketches. In 1917 collaborated with film director Jose A. Ferreyra, sound, with discs, the movie The Girl Arrabal. That same year, merging with his orchestra Francisco Canaro, encouraged the carnival balls at the Teatro Colon, Rosario, meeting then a fortunate season in Montevideo, on the stage of coffee La Giralda, during which accounted for brand-La cumparsita, de Matos Rodriguez. Back in the capital Buenos Aires, in addition to his usual work at the Palais de Glace was hired by the cabaret Pigall, and in 1918 at the Teatro Buenos Aires, was introduced by Alippi and Muiño in full stage to accompany the actress Manolita Poli which premiered this time, during the representations The Teeth of the Dog, Gonzalez Castillo and Weisbach, the tango and Castriota Contursi, My sad night. New elements were coming to integrate his orchestra lucidly: Pedro Maffia, Rafael Tuegols, Cayetano Puglisi, Elvino Vardaro, Octavio Scaglione, Enrique Cantore, John B. Guido and the pianist Luis Cosenza, wielding the baton when he and his style reached final maturity and musical interpretation. Versions like Buenos Aires, Organ of the afternoon, City of San Fernando, are well representative of this auspicious occasion of their ca-rrera. Although his best orchestral works cover the period 1926-1935, when a whole paraded the cream of the new batch of performers: the pianists Osvaldo Pugliese, Rafael Giovinazzi, Armando Federico Carlos Garcia; violinists and Jose Antonio Rossi Nieso; The pajuerano, Gold River, Honda sadness, Night of love, achievements were of high quality among those that succeeded then, within a modality sensitive times implemen-tation rather Lerdo, mainly with his pleasant and melodic as nebulous and asordinado use of the rope. Although 1940 returned temporarily to the large orchestral training, since 1935, retreating stylistically twenty years, he performed with his quartet, undoubtedly one of the most popular formations to lead. In 1933 he appeared in the film Dancing. Subsequently recorded piano duets with his son, acting and concurring studies phonographic until 1960, the longest race on musician who has completed a tango. The scalpel, Zero to zero, apronte, laughter, The bordadora, Hangman, Eco melodious, lint, Ave aimlessly, The girl's outskirts, others are of his tangos.Fuente Horacio Ferrer

Cuarteto Roberto Firpo -Tangos y Valsecitos

Genero: Tango, Instrumental
Grabaciones originales realizadas entre 1936 y 1942 en Emi Odeon
LLevado al CD en 2003
Nivel: EMI
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 46.7 Mb/Total time: 50:22

Ver Biografia Roberto Firpo

Tracks
01-El Apronte-Instrumental-1937
02-El Moro-Instrumental-1937
03-Estoy Penando-Instrumental-1938
04-El Bisturi-Instrumental-1941
05-El Tio Soltero-Instrumental-1938
06-Montevideo-Instrumental-1939
07-Zarate Club-Instrumental-1942
08-Lo Qué Esta Bién...Esta Bién-Instrumental-1937
09-Va A Dar Qué Hablar-Instrumental-1939
10-El Once-Instrumental-1946
11-Siempre Te Recuerdo-Instrumental-1937
12-Noches De Frio-Instrumental-1937
13-Hacia Ti Va Mi Alma-Instrumental-1938
14-Ondas Sonoras-Instrumental-1938
15-Sueño Florido-Instrumental-1939
16-Recordando Lo Pasado-Instrumental-1939
17-Recordandote-Instrumental-1939
18-Para Las Chicas-Instrumental-1942
19-Entre Los Ceibos-Instrumental-1942
20-Eternamente-Instrumental-1936

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Informacion sobre el Rat Pack en español and in English

The Rat Pack

Frank Sinatra

Dean Martin


Rat Pack (Pandilla de ratas) fue el nombre con el que se conoció a un grupo de artistas estadounidenses que, reunidos alrededor de Frank Sinatra, prolongaron sus actividades privadas como amigos a la realización de determinadas actividades artísticas, tales como películas, conciertos, espectáculos, etc. Activo entre mediados de los 1950s y mediados de los 1960s, sus miembros más conocidos fueron, aparte de Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford y Joey Bishop, como núcleo principal; además, formaron parte ocasional del mismo
artistas como Shirley MacLaine, Lauren Bacall, Angie Dickinson, Marilyn Monroe y Judy Garland.
El nombre "Rat Pack" fue usado en un principio para referirse a un grupo de amigos de Hollywood quienes en un principio estaban organizados alrededor de Humphrey Bogart, un grupo que incluía a un joven Frank Sinatra. El termino "Rat Pack" fue supuestamente asignado al grupo original de Bogart por "Den Mother" Lauren Bacall, luego de verlos regresar de una noche en Las Vegas, ella siendo la más joven del grupo y viéndolos cansados y descompuestos, al decir: “Ustedes se ven como una maldita pandilla de ratas” ("You look like a goddamn rat pack"), refiriéndose a la apariencia de cansancio de los otros miembros del grupo. De acuerdo a otra explicación, el termino, "Rat Pack" no fue idea de Bacall, sino que se inició con Humphrey Bogart, el entonces marido de Bacall y co-estrella de ella y de su amigo Sinatra, quien nombro al grupo de sus amigos de tragos los “Holmby Hills Rat Pack”, luego de una noche en la casa de Judy Garland y su marido Sid Luft (un lugar
frecuente de estos encuentros). Otra explicación era que el referido grupo de ratas rechazaba a cualquier Nuevo miembro que tratara de unirse al mismo.

De acuerdo con Stephen Bogart, los miembros del 'Holmby Hills Rat Pack eran Sinatra (el jefe de la pandilla), Garland (primer vice-presidente), Bacall (la madre den), Luft (el jefe de la jaula), Bogart (la rata encargada de las relaciones públicas), Swifty Lazar (el secretario de las grabaciones), Nathaniel Benchley (el historiador), David Niven, Katharine Hepburn, Spencer Tracy, George Cukor, Michael
Romanoff y James Van Heusen. De acuerdo con esta explicación, confirmada en la autobiografía de David Niven The Moon's a Balloon, el Rat Pack contenía originalmente a David Niven y no así a Sammy Davis o Dean Martin.

Sammy Davis Jr.

El Rat Pack de los sesenta;La versión de la década de 1960 estaba integrada por Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis, Jr., Joey Bishop, y Peter Lawford (cuñado de John F. Kennedy). Angie Dickinson, Juliet Prowse, y Shirley MacLaine usualmente fueron mencionadas como las "Rat Pack Mascots" (Mascotas del Rat Pack), un título que hizo sentir a estas mujeres como "uno de los muchachos". La versión posterior a
Bogart del grupo nunca fue llamada como Rat Pack por parte de sus miembros.
Shirley MacLaine era considerada como una miembro de honor del Rat Pack y fue la única chica a la que se consideró como "uno de los chicos".
La nueva versión del grupo no se autodenominaba "rat pack", sino "Summit" o "the Clan". "The Rat Pack" fue el nombre que les daban los periodistas, de forma que este fue el nombre por el que el grupo fue conocido. Cuando se habla del rat pack, normalmente se refieren a esta versión.
Por la relación de Lawford con John F. Kennedy y tal vez por las conexiones de Sinatra con la mafia, así como por el papel que representaron en las campañas de Kennedy y los Demócratas, el grupo adquirió relevancia e influencia no sólo en el mundo del espectáculo, sino también en círculos políticos. Sin embargo, aunque Sinatra esperaba formar parte de de la camarilla de Kennedy tras su elección, no fue así, lo cual hizo que dejaran a Peter Lawford fuera del grupo después de 1962: su papel en Robin and the Seven Hoods se le dio a Bing Crosby. (No era la primera vez que Sinatra actuaba así, el papel de Sammy Davis en Never So Few se lo dieron a Steve McQueen cuando Sinatra y Davis se pelearon temporalmente.)
El Rat Pack actuó a menudo en Las Vegas, y fueron claves en el crecimiento de esta ciudad como destino para un turismo que buscaba espectáulos. Tuvieron además mucha importancia en la integración de las personas negras en los hoteles y casinos a principio de los 60:
Sinatra y los otros no actuaron o patrocinaron a aquellos establecimientos que no admitieran a Sammy Davis (afro-americano). Los casinos se vieron obligados a tener políticas no segregacionistas.
El grupo se hizo famosos por su estilo de música, sus espectáculos cómicos y sus películas. A menudo, cuando uno de los miembros era contratado para un espectáculo, el resto de los miembros hacían cameos, lo cual agradaba mucho a su público y hacía que la expectación fuera mayor, con lo que a menudo las localidades para sus espectáculos se agotaban. En los hoteles que les contrataban se podían ver carteles del tipo "DEAN MARTIN - MAYBE FRANK - MAYBE SAMMY" (DEAN MARTIN - tal vez FRANK - tal vez SAMMY).
Pese a que los miembros del Rat Pack permanecieron juntos (a excepción de Peter Lawford), la popularidad del Rat Pack comenzó a caer a finales de los 60. Sin embargo, individualmente siguieron gozando de gran popularidad.

Joey Bishop

Peter Lawford


In English
Rat Pack (Gang of rats) was the name under which she met a group of American artists who gathered around Frank Sinatra, continued their activities as private friends to the realization of certain artistic activities, such as movies,concerts, shows, etc.. Active between the mid-1950s and the mid-1960s, its members were best known, apart from Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford and Joey Bishop, as core, as well as occasional part of it artists such as Shirley MacLaine, Lauren Bacall, Angie Dickinson, Marilyn Monroe and Judy Garland.
The name "Rat Pack" was used at first to refer to a group of friends in Hollywood who were initially organized about Humphrey Bogart, a group that included a young Frank Sinatra. The term "Rat Pack" was allegedly assigned to group original Bogart in "Den Mother" Lauren Bacall, after seeing them return from a night in Las Vegas, she was the youngest of the group and viéndolos tired and decomposed, saying: "You are an evil gang of rats" ( "You look like a goddamn rat pack") referring to the appearance of tiredness in the other group members. According to another explanation, the term, "Rat Pack" idea was not Bacall, but started with Humphrey Bogart, Bacall and then husband of her co-star and his friend Sinatra, who appointed the group of his friends drinks "Holmby Hills Rat Pack", after a night at the home of Judy Garland and her husband Sid Luft (a place frequent these meetings). Another explanation was that the aforementioned group of rats rejecting any new member who tried to join
At the same.

According to Stephen Bogart, members' Holmby Hills Rat Pack was Sinatra (the head of the gang), Garland (first vice-chairman), Bacall (den mother), Luft (the head of the cage), Bogart (rats responsible for public relations), Swifty Lazar (secretary of recordings), Nathaniel Benchley (historian), David Niven, Katharine Hepburn, Spencer Tracy, George Cukor, Michael Romanoff and James Van Heusen. According to this explanation, confirmed in the autobiography of David Niven The Moon's a Balloon, the Rat Pack originally contained a David Niven and not to Dean Martin or Sammy Davis.
The Rat Pack of the sixties: The version of the 1960's was composed by Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis, Jr.., Joey

Bishop and Peter Lawford (brother-in-law of John F. Kennedy). Angie Dickinson, Juliet Prowse, and Shirley MacLaine were usually referred to as "Mascots Rat Pack" (Pets of the Rat Pack), a title that made these women feel like "one of the boys." The later version to Bogart group was never called as Rat Pack by its members.
Shirley MacLaine was considered an honorary member of the Rat Pack and was the only girl to be considered as "one of the boys."
The new version of the group not call themselves "pack rat", but "Summit" or "the Clan." "The Rat Pack" was the name they gave the journalists, so this was the name by which the group was known. When speaking of the rat pack, usually refer to this
version.
For Lawford's relationship with John F. Kennedy and perhaps by Sinatra connections with the Mafia, as well as the role that accounted in the campaigns of Kennedy and Democrats, the group acquired relevance and influence not only in show business, but also in political circles. But while Sinatra expected to be part of the clique Kennedy after his election, was not well, which made to stop Peter Lawford outside the group after 1962: his role in Robin and the Seven Hoods was given to Bing Crosby. (There was first time that Sinatra was performing well, the role of Sammy Davis in Never So Few is what gave Steve McQueen when Sinatra and Davis are fought
temporarily.)

The Rat Pack often acted in Las Vegas, and were key in the growth of this city as a tourism destination for his basketball espectáulos. They were also very important in the integration of black people in hotels and casinos at the beginning of the 60:
Sinatra and others failed to act or sponsored those establishments which do not admit to Sammy Davis (African American). The casinos are forced to take non-segregationist policies.Fuente Wikipedia

Frank Sinatra, Dean Martin, Sammy Davis jr. - The Rat Pack (2 CDS)

Genero: Jazz,Brodway,instrumental, vocal
Grabaciones originales realizadas entre 1958 y 1962
Nivel Windsong International
Lanzamiento a CD 2004
CD 01 : MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 63.8 Mb/Total time: 49:59
CD 02 : MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 61.2 Mb/Total time: 50.47

Informacion de El Rat Pack

Tracks CD 01
01-Sammy Davis Jnr-I've Got You Under My Skin
02-Frank Sinatra-Birth Of The Blues
03-Frank Sinatra-Nature Boy
04-Dean Martin-Some Enchanted Evening0
05-Sammy Davis Jnr-Hey,Ther0e
06-Frank Sinatra-Goodnigh0t Irene
07-Dean Martin-I'll Always Love You
08-Dean Martin-September Song
09-Frank Sinatra-I'm A Fool To Want You
10-Frank Sinatra-Nevertheless (I'm In Love With You)
11-Sammy Davis Jnr-Chicago
12-Sammy Davis Jnr-On A Clear Day You Can See Forever
13-Dean Martin-Ghost Riders In The Sky
14-Frank Sinatra-Mam'selle
15-Sammy Davis Jnr-Spinning Wheel
16-Deam Martin-Just For Fun
17-Sammy Davis Jnr-The Good Life
18-Dean Martin-Heart And Soul

Tracks CD 02
01-Sammy Davis Jr.-One For My Baby
02-Dean Martin-You Belong To Me
03-Frank Sinatra-Day By Day
04-Dean Martin-Don't Let The Stars Get In Your Eyes
05-Frank Sinatra-Stella By Starlight
06-Sammy Davis Jr.-Bye,Bye,Blackbird
07-Dean Martin Everybody Loves Somebody
08-Frank Sinatra-That's How Much I love You
09-Dean Martin-Far Away places
10-Frank Sinatra-All Of Me
11-Sammy Davis Jr.-Lonely Is The Name
12-Dean Martin-Someone like You
13-Frank Sinatra-Saturday Night (Is The lonliest Night Of The Week)
14-Dean Martin-How It Lies,How it Lies,How it lies
15-Frank Sinatra-So far
16-Dean Martin-I Got the Sun In The Morning
17-Frank Sinatra-They Say It's Wonderful
18-Dean Martin-Oh Marie

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Pass: eltangoysusinvitados

Alberto Podesta biografia y reportaje

Alberto Podesta y Roberto Mancini


Alberto Podesta (Alejandro Washington Alé Podestá nació el 22 de setiembre de 1924)
SU INFANCIA
Alejandro Washington Alé Podestá nació el 22 de septiembre de 1924 en San Juan. Era muy niño cuando falleció su padre y pasaron privaciones con su madre y sus cinco hermanos. Ello le obligó a trabajar desde muy pequeño, para ayudar a su hermano mayor que se había constituido en el sostén de la familia que, además se completaba con su abuela.

SUS ESTUDIOS
"Yo llegué hasta sexto grado. Llegué a las trompadas, pero llegué" –diría en un reportaje–. En la escuela empezó cantar y simultáneamente en un programa de radio que dirigía una maestra. Era un recreación infantil y se llamaba "Rayito de sol" Cada alumno aportaba alguna canción de moda y el pequeño Albertito, a quien ya le había llegado la admiración por Carlos Gardel, aprendía rápidamente
las letras del Zorzal y las vertía en esas audiciones. Por ese motivo comenzaron a llamarlo Gardelito.
GANARSE UNAS CHIROLAS
Fue chocolatinero en el cine de una familia amiga, donde obtenía unos pesitos diarios que contribuían a la economía hogareña.
EL EMPUJONCITO
De gira, por el interior del país, llegaron para actuar en San Juan, el dúo cómico Buono-Striano, quienes luego de escucharlo cantar, lo invitan a viajar a Buenos Aires y le prometen darle una mano y conectarlo con las principales figuras tangueras de ese momento. También Hugo del Carril –"…un tipo maravilloso. No creo que haya otro hombre tan correcto y derecho como Hugo del Carril. Un hombre de una condición inigualable como ser humano", define Alberto Podestá– lo aconseja en el sentido que todo se cuece en la Capital Federal y le pide que lo vaya a ver, ofreciéndole sus buenos oficios para desarrollar su carrera.

PRIMAVERA EN BUENOS AIRES
Por fin en la primavera de 1939, se decide y junto con uno de sus hermanos se instala en Buenos Aires.
En la confitería "Paradise", local bailable que tenía habilitadas dos secciones, desde las siete de la tarde hasta las nueve y desde las once de la noche a las cuatro de la mañana, conoce a Roberto Caló. Por supuesto el encuentro fue por la tarde ya que Podestá era menor de edad y los edictos policiales, muy estrictos, tenían prohibida la presencia de menores en esos locales luego de las diez de la noche.
Hizo una prueba con Roberto Caló, cantando varios temas: "La mariposa", "Cosas olvidadas", "Martirio" y "La que murió en París". Como la prueba fue satisfactoria, Roberto Caló le prometió que hablaría con Miguel Caló, a quien le faltaba un vocalista ante la deserción de Mario Corrales (Mario Pomar).
Quedó en la orquesta, donde coincidió con grandes músicos como Osmar Maderna, Domingo Federico, Armando Portier, Raúl Kaplún, Enrique Mario Francini.
""Roberto Caló me hizo el puente para que cante en la orquesta de su hermano Miguel, en la cual estaban las más promisorias figuras de la nueva camada de nuestra música ciudadana. Pero de ellos hubo dos que destacaré, ya que con el correr del tiempo se transformarían en mis hermanos de vida: Armando Pontier y Enrique Mario Francini" –cuenta recordando sus inicios–.

PUDO SER JUAN D´ARIENZO
Previamente, recorriendo las posibilidades que se presentaban, se entera de que D´Arienzo estaba buscando un cantor. Con sus mejores pilchas, se presenta hacia las diez de la noche en el cabaret Chantecler. Pero D´Arienzo no estaba, y Héctor Varela, le informó que sin el "Rey del compás" no podía decidir nada. Después se supo que ya habían designado a Héctor Mauré. Y se frustró la prueba y su probable vinculación con D´Arienzo.

LAS TIRITAS
Suele recordar Alberto Podestá que cuando comenzó a trabajar con Miguel Caló lo hizo en el cabaret Singapur, en la calle Montevideo entre Sarmiento y Corrientes. Añade que luego el local fue ocupado por un teatro y también por una academia de tango. Para bailar con una chica, había que comprar una entrada para diez bailes. Las chicas cada vez que bailaban cortaban una tirita. La orquesta de turno no tocaba los tangos enteros. Y de esa forma las chicas, con menos baile, recaudaban un poco más.

PRIMERA GRABACIÓN
Cantando con Miguel Caló, además de los grandes músicos ya nombrados, conoce a Homero Expósito, que llegaba todas las tardes desde Zárate. Su familia tenía una confitería que se llamaba "Mimo", precisamente el apodo familiar de Homero. Con esta orquesta graba su primer tango, que firmaban Domingo Federico y Homero Expósito.
Luego registró dos preciosos valses, "Pedacito de cielo" y "Bajo un cielo de estrellas" de Enrique Mario Francini y Héctor Luciano Stamponi como compositores, y la poesía de Homero Aldo Expósito y José María Contursi.

LA CAMISA QUE NO COMPRÓ
Se encontraba a menudo con Francisco Fiorentino, siempre hecho un dandy, y en una charla, café de por medio, se animó a preguntarle donde podía comprar una camisa con la que vestía Fiore. Solícito, el cantor de Troilo le indicó la sastrería de la calle Maipú donde la había comprado. Podestá, aun no consolidado económicamente, se desilusionó cuando supo el precio de esa prenda, pero Fiorentino le aseguró que seguramente le iban a hacer una rebaja. Pero el joven cantor de Miguel Caló, con sus diez y seis años, en principio pensó que por ahora no estaba para semejante gasto.

CARLOS DI SARLI
Al poco tiempo se decidió por la compra de la camisa, pero en el trayecto coincidió con el representante de Carlos Di Sarli, quien a boca de jarro le preguntó si quería incorporarse a la orquesta del maestro bahiense, que actuaría en Radio El Mundo, en bailes y sobre todo en los inminentes bailes de carnaval.
Con Miguel Caló solo actuaban en el cabaret y de cuando en cuando en radio. Aún no era la gran orquesta de las estrellas que tanto trabajo dio a lo músicos y vocalistas que lo acompañaban.
Di Sarli, en la casa de él, en la calle Sarmiento, lo escucha cantando varios temas y lo bautiza artísticamente como Alberto Podestá, tomando su apellido materno y reemplazando el seudónimo que usaba hasta entonces: Juan Carlos Morel.
"Miguel Caló me pagaba 250 pesos por mes –cuenta Alberto Podestá–. Cuando el representante de Di Sarli me informó que ganaría 350 pesos por la actuación en el cabaret; 250 en la radio y entre 30 y 35 pesos por cada baile, me volví loco. Eran como 10.000 dólares…"

DERECHO DE PISO
Cuando se anunciaba la orquesta el presentador decía: "Carlos Di Sarli, con sus cantores, Roberto Rufino y Alberto Podestá", pero cobraba la plata casi sin cantar. Iban cinco temas de Rufino y por ahí ligaba uno Podestá.
Rumiaba su bronca, en parte porque Rufino era un fenómeno y lo pedía toda la gente tanto en los bailes como en el Marabú o en el Príncipe Georges y a él mismo le complacía escucharlo.
A pesar de las cifras importantes de su remuneración, le planteó a Di Sarli su incomodidad de cobrar por no cantar. Ya había conversado con Pedro Láurenz e incorporado a su orquesta, pudo grabar dentro de lo poco que el mercado discográfico le ofrecía a Láurenz. Registra entonces, para el sello Víctor, el tango "Nunca tuvo novio".

ALMA DE BOHEMIO
Este tango de Roberto Firpo tuvo para Alberto Podestá una primera vez ingrata. La estrella de la orquesta de Carlos Di Sarli era Roberto Rufino. En determinado momento de una reunión bailable, en que la gente dejaba de bailar para escucharlo, Rufino, pidió que el tango "Alma de bohemio" que siempre hacía él, lo cantara Alberto Podestá. (En realidad Roberto Rufino, profundo conocedor de la interpretación, sentía que con su compañero, peligraba su estrellato y preparó esta trastada para desacreditarlo). Pequeño conciliábulo, le preguntan si lo conocía, y al ser afirmativa la respuesta se inició el tango, con los cantables a cargo del sanjuanino. Pobre Podestá, sin ensayo previo y "a lo toro", la intervención no pudo ser peor. Casi inmediatamente la gente, en disconformidad con la actuación de Podestá, se empezó a alejar del escenario. De no haber sido por Pedro Láurenz, que lo convenció de su calidad interpretativa, no lo hubiera cantando jamás.

CAMBIO DE SELLO
Láurenz es contratado por el sello Odeón y entonces llega su tiempo de grabar y de que su nombre figurara en las etiquetas de los discos. Las grabaciones hechas con Caló no indicaban su intervención, salvo con la frase "con estribillo", a efectos de no pagar gravámenes por la intervención del cantor. Graba su caballito de batalla, "Alma de Bohemio", y en el reverso del disco "Patria mía", a los que siguen "Garúa", "Como el hornero" y el vals "Paisaje".

ANÍBAL TROILO QUE NO FUE
Conjuntamente con Láurenz vuelve a la orquesta de Miguel Caló para completar la dupla de cantores con Raúl Berón. Entabla una relación amistosa con la mayoría de las grandes figuras, especialmente con Aníbal Troilo (lo llamaba Gordurita), pero también con Francini, Pontier y otros, con quienes compartía partidos de fútbol como excusa para compartir un asado. Actuaba de árbitro el "charro" José Manuel Moreno, célebre jugador..
En dos oportunidades estuvo a punto de cantar en la orquesta de Pichuco, la primera reemplazando a Alberto Marino, pero tuvo que realizar una gira previa con Di Sarli al Uruguay, y al regresar ya estaban ensayando en la orquesta Edmundo Rivero y Floreal Ruiz. Y la segunda vez, cuando Podestá estaba actuando en Chile, se desvincula de Troilo Raúl Berón, y aunque el interés de Pichuco era que el "Turco" llegara de una vez a su conjunto, las urgencias empresariales le exigieron a Troilo no esperarlo y contratar a Carlos Olmedo y Pablo Lozano, con lo que el sanjuanino otra vez quedó afuera de la orquesta.

FRANCINI–PONTIER
Corre el año 1945 y se forma una gran orquesta, dirigida por el binomio Francini-Pontier, y Alberto Podestá es el cantor, a quien pronto acompañaría Julio Sosa.
Julio Sosa fue tal vez el mejor amigo que tuvo Podestá, un muchacho decidido pero escuchador de los consejos de los más experimentados. Era una persona ávida de conocimientos, a los que trataba de acceder siempre, y de la mejor mesa. Aunque era de físico pequeño, no había comida que le resultara suficiente y devoraba con fruición los postres.

LAS ACTUACIONES
Actuaban en el Sans Souci, en Montecarlo y Picadilly, alternando con Osvaldo Puglese, y el en Tibidabo, cubriendo la ausencia de Aníbal Troilo, que durante los seis meses de primavera y verano dejaba de actuar.

LOS POETAS
Para Podestá los poetas más destacados eran Homero Manzi, Enrique Santos Discépolo, Héctor Pedro Blomberg, Francisco García Jiménez y otros muchos más.

LOS BAILES
Había muchos clubes bailables que reunían entre quinientas y dos mil personas. Desde Independiente, a Villa Malcolm; estaban los bailes del "Apolo", "Flores que surgen", el "Príncipe Georges", "Boca Juniors", "Comunicaciones" por nombrar algunos, ya que en toda la provincia de Buenos Aires y en la Capital se renovaban 350 bailes semanales, y cada orquesta tenía músicos estables y exclusivos que pecibían un importante sueldo, lo que les permitía una situación eonómicamente desahogada..

LAS GRABACIONES
"Con Caló, en las distintas épocas: ´Percal´, ´Bajo un cielo de estrellas´; con Di Sarli, ´Al compás del corazón´, ´Nada, , ´La capilla blanca´. Pedro Laurenz marcó otra etapa de mi vida artística. Con ese gran hombre y excelente músico, director y compositor, grabé por primera vez: ´Alma de bohemio´, ´Garúa´, ´Recién´, ´Paisaje´... Con Francini-Pontier, ´Margo´, ´Qué me van a hablar de amor´, ´El milagro´; el vals de Francini y Sanguinetti ´El hijo triste´ –que lo hice a dúo con otro gran amigo: Julio Sosa–, ´Calesita de mi barrio´, ´La cumparsita´, ´Sin palabras´; con Enrique Francini: ´Bailemos´, ´Fueron tres años´, ´Un tango para el recuerdo´. Con Armando Pontier en 1963 estrené el último gran éxito de nuestro tango: ´Qué falta que me hacés´. También "Pecado", "Es nuestra despedida", entre muchos otros. Asimismo grabé en Colombia con Cristóbal Ramos, Ramón Ozán y Joaquín Mauricio Mora, que lo hizo como bandoneonista y no como pianista. En Venezuela con ´Los caballeros del tango´. En Uruguay con ´El potrillo´ César Zagnoli. También la hice en Chile con Lucho Ibarra. Como solista en nuestro medio con Juan José Paz, Leopoldo Federico, Alberto Di Paulo, Luis Stazo, Jorge Dragone, Tití Rossi y Roberto Grela y sus guitarras."

RONDA DE ASES
Dos veces semanales se transmitía desde el teatro Casino un programa de tangos denominado "Ronda de Ases", por la onda de Radio El Mundo. El auspiciante era aceite Cocinero. Las orquestas que se sucedían eran Osvaldo Fresedo, Aníbal Troilo, Carlos Di Sarli y Ricardo Tanturi., que ejecutaban un tango cada una. Y luego un "grupo soporte", como se dice ahora: tocaba la orquesta de Alberto Soifer con el cantor Roberto Quiroga; y en la segunda media hora, las cuatro orquestas con temas cantables, y de acuerdo al aplauso del público, se determinaba qué tango u orquesta había gustado más. Alberto Podestá ganó, en una de las audiciones, con el tango "Al compás del corazón".

ALBERTO PODESTÁ SOLISTA
En el año 1951 comienza su carrera como solista, debutando en Radio Splendid, locales y cabaret Maipú Pigall, el recordado Tronio, lugar de variedades donde desfilaron las grandes figuras internacionales, y confiterías de Buenos Aires.
Fue nombrado Académico de Honor por la Academia Nacional del Tango de la Argentina.

GIRAS POR AMÉRICA
Ha recorrido con el tango países como Colombia, Chile, Perú, Venezuela, Ecuador, México, República Dominicana, EEUU, actuando en Nueva York, Chicago, Los Ángeles, Boston, Filadelfia.

SUS GRABACIONES Y ACOMPAÑAMIENTOS
Grabó en los sellos RCA Victor, Odeón, Music Hall, Magenta y recientemente en Vaivén.
En sus grabaciones contó con acompañamientos de Alberto Di Paulo, Leopoldo Federico, Luis Stazo y Jorge Dragone.
En Colombia grabó con el gran compositor Joaquín Mauricio Mora, en Venezuela con Los Caballeros del Tango; en Chile con Luis Ibarra, y en este país fue galardonado con el Disco de Oro por el gran éxito del tango "Qué falta que me hacés".
También grabó con guitarras, con el acompañamiento de Roberto Grela.
Ha grabado casi quinientas versiones, entre las que se encuentran: "Alma de bohemio", "Nada", "Percal", "Al compás del corazón", "Nido gaucho", "La capilla blanca", "El milagro", "Margo", "Qué falta que me hacés", "Qué me van hablar de amor" entre otras, y un sinfín de tangos que fueron jalones inolvidables y creaciones en su voz, como el éxito que le pertenece junto a Roberto Rufino "El bazar de los juguetes".
También en su momento, durante mucho tiempo, su actuación en Caño 14, y al lado de Edmundo Rivero en El Viejo Almacén.
En teatro lo hizo junto a Juan Carlos Copes y su ballet.
Últimamente realizó una gira por los estados de Brasil con el espectáculo "Una noche en Buenos Aires", con el acompañamiento orquestal de Carlos Buono.

DECLINACIÓN
Según su pensamiento, la caída del tango ha tenido varias motivaciones internas y externas. Los conjuntos se sindicalizaron y los representantes, en el afán de sostener situaciones especiales, comenzaron a intervenir en las contrataciones de los conjuntos con los empresarios exigiendo igual tratamiento: para todos igual retribución, lo que obligó a las salas, cabarets y clubes a plantearse la necesidad de efectuar las reuniones bailables con registros grabados de las principales orquestas, debido a lo oneroso que resultaba contar con orquesta en vivo.
Por el lado de las empresas discográficas se produjo una invasión de música importada, que llevó a los sellos grabadores no sólo a reemplazar el tango por otros ritmos, sino como en el caso del sello del "perrito", donde el señor Ricardo Mejía borró parte del acervo cultural al destruir las matrices de todas la orquesta de tango.

Alberto Podesta

ES OPTIMISTA
Cree que la gente joven está retomando el tango, aprendiendo a bailarlo, y aspira a que se siga tocando tango ("No Piazzolla", acota). Refundar a Troilo, a Tanturi, a la raíz misma del tango.

PIAZZOLLA
Expresa sobre Piazzolla: " …sabía mucho de tango. Estuvo al lado de Troilo. Y al lado de Troilo se tocaba tango. Pero hay un motivo muy especial que nosotros decíamos: "¿Pero cómo puede ser esa orquesta?" Todos, Francini, Pontier, lo admiraban a él, cómo tocaba, como orquestador. La orquesta que él tenía en el '46 era netamente tanguera. Yo compré dos CD de él con tangos que grabó en el '46. Después él hizo el Octeto Buenos Aires, que todavía era tango. Estaban Francini, Federico, Bragato, Stampone… Y se fue cambiando, cambiando. La orquesta de él trabajaba, pero no le llegó a gustar al público. No entró en el público nuestro, de tango.
Después fue buscando su línea y encontró su bache, su "música de Buenos Aires", como él la llamaba. Indiscutiblemente no se le puede negar nada. Es un musicazo bárbaro y admirado por todos los músicos de este país y de afuera. Hay obras que él habrá hecho en la cocina de su casa y las sacó. Pero hay obras como "Verano porteño", "Invierno porteño", "Otoño porteño", "Adiós Nonino", que son magníficas. Una obra sublime." 1

"EL TANGO ME DIÓ LA VIDA …"
Acota como conclusión: "Al tango le debo mucho, le debo mis hijos, mi familia, mi bienestar. Nunca sobresalí, pero nunca faltó trabajo, el cariño de ustedes, el público argentino. A mí nunca me han hecho sentir menos. El tango me dio la vida, es adoración que siento por mi música, por mi país y por la gente de mi país." 2
"Estoy en una nube. Los cantores pibes me hablan, me tocan, me piden consejos; Gustavo Santaolalla, que es un fenómeno de muchacho, me hace grabar para Café de los Maestros; en octubre voy a empezar a filmar como protagonista la película El cantor de tango, con dirección de Eduardo Calcagno; vos que venís hasta mi casa y me hacés esta nota... Escuchame: yo ví cantar a Gardel a los nueve años y me cambió la vida. Después estuve en las mejores orquestas. Viajé por todo el mundo. Pero estas caricias... nunca". Fuente: Florentino Tino Diez de tangomias

Alberto Podesta

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Reportaje de Mariano del Mazo a Alberto Podesta para Clarin 14/07/2005
mdelmazo@clarin.com

"Parece que me están descubriendo"

Es una gloria del tango. Cantor de Miguel Caló y Carlos Di Sarli, sigue actuando. Y va a protagonizar una película sobre su vida. Aquí habla de lo bien qué se siente, crítica a D'Arrienzo y Roberto Rufino, elogia a Di Sarli y Salgán y cuenta, a los 80 años, cuáles son sus sueños.


A los 80 años Alberto Podestá está viendo cosas raras. Observa, por ejemplo, su cara multiplicada por miles en los afiches callejeros que lo anuncian como la figura central del ciclo que se realiza los jueves en el Tasso. Observa orquestas jóvenes que no lo convencen. "Me gusta El Arranque, sí. Pero la otra vez vi una, la Fernández Fierro, que suben a tocar en zapatillas y con la camiseta de Chacarita... ¡Eso no está bien! Si al menos se pusieran la de River....".

Alberto Podestá observa también, atónito, una especie de tardía reivindicación. "Estoy en una nube. Los cantores pibes me hablan, me tocan, me piden consejos; Gustavo Santaolalla, que es un fenómeno de muchacho, me hace grabar para Café de los Maestros; en octubre voy a empezar a filmar como protagonista la película El cantor de tango, con dirección de Eduardo Calcagno; vos que venís hasta mi casa y me hacés está nota... Escuchame: yo vi cantar a Gardel a los 9 años y me cambió la vida. Después estuve en las mejores orquestas. Viajé por todo el mundo. Pero estas caricias... nunca".

Alejandro Washington Alé Podestá nació el 22 de setiembre de 1924 en San Juan. De chico lo llamaban "Gardelito" y cantaba serenatas para los "filitos" de los amigos más grandes. A pesar de que ya se escuchaban tonadas y cuecas, y Antonio Tormo empezaba a cambiar la historia de la música popular cuyana, Podestá ancló sin dudarlo en el tango mirándose en el espejo de Carlos Gardel. "El fue mi maestro de tango. Aprendía escuchándolo. Después me pulió Di Sarli". De pantalones cortos actuaba en LV5 Radio Los Andes y gracias a un convite del dúo Buono-Striano y a un onda que le tiró Hugo del Carril de paso por San Juan, se animó a tomarse un tren a Buenos Aires junto con su hermano mayor.

En una pensión del Centro, un verano, empezaba la historia grande. "Había una chica jovencita en la pensión, de unos 20, 21 años, que era la mantenida de otro tipo de una de las piezas. Ella andaba por la noche y un día me dice: Te voy a llevar donde toca Roberto Caló. Claro, era la orquesta de Juan y Roberto Caló, que actuaba en el Paradise, ahí, donde estaba La Armonía, que ahora es el Consejo de Abogados. Y fui, y logré que Roberto me tomara una prueba en el cabaret. Al final canté y le gusté. Me dijo que me iba a presentar a su hermano, Miguel. ¡Esa era la posta! ¡Un orquestón, con mucho cartel! Me palmeó y me dijo: Pibe, mañana te llamo a las 12 a la pensión. Yo pensé que era un modo de despacharme. Pero me llamó. Y tuve una audición con Miguel Caló en el cabaret Singapur, Montevideo entre Sarmiento y Corrientes".



¿Y qué pasó? Usted era menor...

Dieciséis años. Miguel Caló era el dueño del cabaret... Bueno, me tuvo dos horas por reloj cantando con un pianista. Con micrófono, sin micrófono...



¿Qué repertorio hacía?

Lo que sabía. Hacía Gardel, te cantaba Martirio, te cantaba Cosas olvidadas, te cantaba Charlemos, La que murió en París, El día que me quieras. Yo sabía todo Gardel, pero "todo" en serio. Era de tarde. Había algunos tipos por ahí, tomando un vermucito. Las chicas del cabaret pasaban y me alentaban por lo bajo: "Muy bien, muy bien". Miguel Caló se alejó y se reunió con algunos miembros de la orquesta que también me habían escuchado. A los veinte minutos viene Enrique Francini, solo, y me dice: "Bien, pibe". Atrás, Armando Pontier. Igual. Finalmente Caló, que me dijo secamente: "Va a quedar en la orquesta y va a ganar 250 pesos por mes". Un vagón de guita. El 13 de diciembre de 1939 empecé a cantar con él.

Dos años estuvo Podestá con la "orquesta de las estrellas" (título ganado por la cantidad de talentos que integraron sus filas: además de Francini y Pontier, Julio Ahumada, Domingo Federico, Eduardo Rovira, Héctor Stamponi). Pero la consagración y la fama vendrían con el gran Carlos Di Sarli. La década del 40 estallaba y El Tuerto lo convocó, a pesar de que tenía un cantor ganador como Roberto Rufino. "La gente lo amaba a Rufino. Era un ídolo. Cuando yo entré me volvió loco. Créame. Las noches del 42 en el Marabú eran un martirio para mí. Rufino me avasallaba, me humillaba. Yo ganaba mucha plata, pero no era feliz. He llorado de tristeza en esa etapa. Un día no aguanté más y me fui. Al poco tiempo Rufino se fue de la orquesta y Di Sarli me llamó de nuevo. Volví y empecé a grabar.



¿No cree que la orquesta de Di Sarli está poco valorada?

Totalmente. Lo que ocurrió es que alguien le puso eso de que era mufa y fue muy perjudicada. Pero la gente lo amaba. En los carnavales llenaba que daba calambre. Pero pasó eso de la mufa. Una injusticia tremenda. En SADAIC hay fotos de todos los directores menos de él. Le dije el otro día a Atilio Stampone... "Viejo, no puede ser...". El que hablaba muy mal de Di Sarli era D'Arienzo. Decía cosas como: "No, no lo contratés que trae mala suerte. Se te va a caer la lámpara..." Le tenía rabia porque Di Sarli siempre le ponía la tapa en los bailes. Aparte no vas a comparar... ¡Por favor! Por algo a Di Sarli lo llamaban El señor del tango. Me enseñó muchísimo.



Por ejemplo...

Era severísimo. Me insistía por ejemplo que no gritara, que fuera cuidadoso con el tratamiento de mi voz. Me decía: "Cantá con el interés"



¿Cómo sería eso?

Claro, que no cantara con toda la voz que tenía. Que cantara con el interés, no con el capital.

La casa de Alberto Podestá queda a dos cuadras de Puente Pacífico sobre la avenida Juan B. Justo. Es un departamento austero, algo oscuro, con una decoración muy años 50, dominado por algunos premios y fotografías de sus dos hijos: Alberto y Betina. Alberto trabaja en el free shop del Aeroparque Jorge Newbery; Betina también canta, de hecho comparte algunos tangos con su padre durante los jueves del Tasso. La esposa de Podestá ofrece café y desaparece por una puerta. Hay una radio encendida, AM.



¿No ganó buen dinero en aquellos años del apogeo del tango?

Sí gané. Lo que pasó es que en San Juan mi familia perdió todo con el terremoto de 1944. Tuve que traerlos a vivir a Buenos Aires, a mi mamá, a mis hermanos, a todos. Vivíamos en Concepción Arenal y Libertador, un barrio que ahora se puso de moda. ¿Las Cañitas?



¿Cómo vivió la decadencia del género a partir de los años 60?

Viajé mucho. Hasta me radiqué en Chile entre 1967 y 1970. Y anduve por todos lados: América latina, Centroamérica, los Estados Unidos, Europa, Japón, Asia. En Colombia me ha ido muy pero muy bien.



¿Y ahora? ¿Sigue viajando?

Sí, estuve con Lisandro Adrover en Chile, Brasil. Igual quiero parar. A algunos lugares no da. A Japón no voy más. Demasiado traqueteo. Voy para los ochenta y uno...

Podestá habla de su amistad con Homero Expósito, de los tangos que él mismo escribió y del suceso de El bazar de los juguetes y recuerda también los años en que los jugadores de fútbol iban a escuchar tango. "A Carlos Di Sarli venían a escucharlo el Charro Moreno, Adolfo Pedernera, Tucho Méndez; de Racing también venía el maestro Rubén Bravo".



¿Es cierto que el Charro Moreno se acostaba a las seis de la mañana y el domingo se despertaba como si nada y la rompía?

Es cierto.

Dice que hablaba mucho de fútbol con Troilo. "Los dos éramos de River. Había una linda relación. Dos veces estuve a punto de entrar a su orquesta y no pudo ser. Y bueno, ya está."



¿Le hubiese gustado?

Sí, sí. Pero más me hubiese gustado cantar con Salgán. Hace poco se lo pude decir. ¿Sabe qué me respondió? Así, todo movedizo como es él, me dijo como si nada: "Hubiese sido lindo".



¿Y por qué no lo intenta?

No, bueno, ya está, él ya medio se retiró. Me gustaría grabar un nuevo disco, pero no con guitarrita. Con una orquesta. Como antes. Pero ya no quedan. Quedan, sí, la de Leopoldo Federico, el Sexteto Mayor... Pero no típicas, típicas.



¿Como sería ese disco?

Algunos tangos nuevos, clásicos y una buena orquesta dirigida por el maestro Atilio Stampone. Sería un sueño. Igual no me quejo. Estoy bárbaro: a los 80 años parece que me están descubriendo.































Es una gloria del tango. Cantor de Miguel Caló y Carlos Di Sarli, sigue actuando. Y va a protagonizar una película sobre su vida. Aquí habla de lo bien qué se siente, crítica a D'Arrienzo y Roberto Rufino, elogia a Di Sarli y Salgán y cuenta, a los 80 años, cuáles son sus sueños.
Un cantor de los años 40 en el siglo XXI
Alberto Podestá no sólo está en el proyecto Café de los Maestros que producen Gustavo Santaolalla y Gustavo Mozzi, sino también en La Selección del Tango, una especie de dream team orquestal que cuenta con músicos como Leopoldo Federico, Rodolfo Mederos, Ernesto Baffa y Nicolás Ledesma. Con Café de los Maestros va a cantar en diciembre en el Teatro Colón, en el Argentino de La Plata y en Luna Park y con La Selección... va a hacer una serie de recitales en agosto en la sala del N/D Ateneo.

Paralelamente actúa en el circuito for export de San Telmo, en locales como La esquina de tango y La Cumparsita. Y hoy, jueves, sigue con el espectáculo que lleva a cabo junto con el guitarrista Hugo Rivas y la dupla de voz y guitarra de Ariel Ardit y Jorge Giuliano. "Para mi Ardit es uno de los mejores cantores de la nueva generación. No hay tantos como dicen...", observa. Y sigue con su presente febril. "Tengo mucho trabajo. Me hace realmente bien mantenerme en actividad. Y me gusta estar en contacto con la juventud. También me da placer cantar con mi hija. Es buena, eh. No lo digo porque sea mi hija. Primero larga Ardit y después yo. Ahí se me suma la Beti y hacemos un vals. Y al final, como bis, cantamos a dos voces El día que me quieras. Para mí es muy emocionante".

Alberto Podesta - Grandes exitos (Con las Orquestas de Miguel Calo y Alberto De Paulo)

Genero: Tango, Cantores, Orquestas de tango
Nivel Magenta
Remasterizado a CD en 2000
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 60.6 Mb/Total time: 34:15

Las grabaciones con Miguel Calo fueron realizadas en su segunda etapa como cantor de esta orquesta en el año 1972. Algunas de los temas que figuran como grabados con Miguel Calo en el CD fueron realizados con Alberto De Paulo. Las grabaciones con esta orquesta fueron realizadas aproximadamente en el año 1975.

Biografia Alberto Podesta

Tracks
01-Un alma buena(Con la Orquesta de Miguel Calo)
02-Cobrate y dame el vuelto(Con la Orquesta de Miguel Calo)
03-Quiero verte una vez mas(Con la Orquesta de Miguel Calo)
04-Señor que no me mira(Con la Orquesta de Miguel Calo)
05-Alma de bohemio(Con la Orquesta de Miguel Calo)
06-El bazar de los juguetes(Con la Orquesta De Paulo)
07-Ave de paso(Con la Orquesta De Paulo)
08-Nada(Con la Orquesta De Paulo)
09-Tu, el cielo y tu(Con la Orquesta De Paulo)
10-Mañana zarpa un barco(Con la Orquesta De Paulo)
11-Motivo sentimental(Con la Orquesta De Paulo)
12-Mientras vuelve el amor(Con la Orquesta de Miguel Calo)

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Biografia de Cassandra Wilson en español and English

Cassandra Wilson

Cassandra Wilson (nacida el 4 de diciembre de 1955) es una música de jazz americano, cantor, compositor, y productor de Jackson, Mississippi.
Familia y adolecencia
Cassandra Wilson es la tercera y más joven hija de Herman Fowlkes, Jr, guitarrista, bajista y profesor de música, y Mary McDaniel, un profesor de escuela primaria que finalmente obtuvo su Ph.D. en la educación. Entre su madre por el amor de Motown y de su padre dedicación al jazz, los padres de Wilson despertado su interés temprano en la música.

Inicios musicales
Al igual que muchos músicos de jazz de Wilson formal la educación musical clásica consistió en lecciones; estudió piano desde la edad de seis a trece y desempeñó clarinete en la escuela media de concierto y bandas de marcha. Cuando ella cansada de esta formación, pregunta a su padre para enseñarle la guitarra. Por el contrario, le dio una lección de autosuficiencia de algunos Mel Bay libros método. Ella exploró el instrumento en su propio, el desarrollo de lo que ella ha descrito como un "intuitivo". Durante este tiempo ella comenzó a escribir sus propias canciones, la adopción de un estilo folk. Ella cantaba y tocaba la guitarra en un trío folk con compañeros de estudios y David Clark, Jack Ritter durante la escuela secundaria. Ella también apareció en las producciones de teatro musical, incluyendo El Mago de Oz, Dorothy, cruce de líneas raciales en una reciente desglosados sistema escolar.

Para la universidad, asistieron a Wilson Millsaps College y la Universidad Estatal de Jackson. Se graduó con una licenciatura en comunicación de masas. Fuera del aula, los estudiantes ocupados pasó su noche de trabajo con R & B, funk, pop y cubrir las bandas, también cantando en cafés locales. El Negro Music Arts Society, fundada por John Reese y Alvin Fielder, siempre con ella sus primeras oportunidades para llevar a cabo bebop.

En 1981, se mudó a Nueva Orleans para un puesto como asistente de director de asuntos públicos para la estación local de televisión, WDSU. Ella no se quedaron mucho tiempo. El trabajo con mentores que incluyen mayores estadistas Earl Turbinton, Alvin Batiste, y Ellis Marsalis, Wilson encontró aliento a proseguir seriamente el rendimiento de jazz y se trasladó a la ciudad de Nueva York zona el año siguiente.

Cassandra Wilson

Asociación Musical con M-Base
Existe su enfoque orientado hacia la improvisación. Fuertemente influenciado por cantantes Abbey Lincoln y Betty Carter, afinado su fraseo vocal y dispersa, mientras que el estudio de la formación del oído con trombonista Grachan Moncur, III. Mermelada frecuentan sesiones bajo la tutela del pianista Sadik Hakim, un alumno Charlie Parker, se reunió alto saxofonista Steve Coleman, que alentó a mirar más allá del repertorio estándar de jazz en favor del desarrollo material original. Ella se convertiría en el vocalista y uno de los miembros fundadores del M-Base colectivo en el que Coleman fue la primera cifra, un estilo fruto de la Asociación para la Promoción de Creative Músicos (AACM) y el Grupo de Artistas Negro (BAG), que re - imaginar las ranuras de funk y soul en el contexto de la tradicional y vanguardista del jazz.

Aunque la voz - normalmente tratada como el punto focal de cualquier acuerdo en el que se incluye - no era una opción obvia para que M-base de texturas complejas o disonantes melodías gratis, Wilson tejió a sí misma en el tejido de estos ajustes con palabras y mejorar letra. Ella puede ser escuchado en la Madre Patria Coleman Pulse (1985); En la periferia del mañana (1986); Mundo Expansión (1986), y Sine Die (1987).

Al mismo tiempo, Wilson y registró una gira con el saxofonista alto Henry Threadgill en la avant-garde trío Nueva Air. Una década de su superior y un miembro AACM, Threadgill ha sido encomiado como compositor por su capacidad de trascender los límites estilísticos, un rasgo que él y Wilson comparten.


Carrera como solista
Cassandra WilsonLike compañeros de M-base de los artistas, Wilson firmado a la sede en Munich, sello independiente JMT. Ella lanzó su primera grabación como líder Punto de Vista en 1986. Al igual que la mayoría de sus JMT álbumes que siguieron, los originales de Wilson en consonancia con M-base dominado estos períodos de sesiones; ella también material de registro y co-escrita con Coleman, Jean-Paul Bourelly, y James Weidman, así como unos estándares . Su garganta contralto surge gradualmente en el transcurso de estas grabaciones, haciendo su camino hacia el primer plano. Ella desarrolló una notable capacidad para estirar y doblar parcelas, alargar las sílabas, manipular y tono de timbre oscuro a hueco.

Si bien estas grabaciones establecido como un músico serio, Wilson recibió su primera gran aclamación crítica para el álbum de las normas registradas en el centro de este período, Blue Skies (1988). Su firma Blue Note con los registros en 1993 marcó un punto de inflexión crucial en su carrera y el gran avance a un público más allá de jazz con la venta de álbumes en los cientos de miles de copias.

A partir de Blue Light 'Til Dawn (1993) su repertorio avanzado hacia una amplia síntesis de blues, pop, jazz, músicas del mundo, y el país. A pesar de que ella siguió para llevar a cabo los originales y las normas, aprobó canciones tan diversos como Robert Johnson's "Vamos a Mi Cocina", Joni Mitchell's "Negro Crow", The Monkees "" Last Train to Clarksville ", y Hank Williams' "Estoy tan Solitario pude Cry".

No sólo Wilson manera efectiva reconectar el jazz vocal con sus raíces de blues, fue posiblemente el primero en forma convincente la moda después de la invasión británica del pop en jazz, trailblazing un camino que muchos ya han seguido. Por otra parte, el productor Craig Street pop sacó de las técnicas de producción para crear un ambiente rico en torno a su voz, ampliarla y dar profundidad al sonido Brandon Ross' escasa pero increíblemente vívido acuerdos, que utilizan acero guitarra, violín, acordeón y percusión.

Wilson de 1996 álbum Luna Nueva Hija ganó el Grammy al Mejor Jazz Vocal Performance. En 1997, graba y gira como un destacado cantor con Wynton Marsalis' galardonados con el premio Pulitzer composición, la sangre en los campos.

El fallecido Miles Davis fue uno de los mayores Wilson influencias. En 1989 Wilson realizó como acto de la apertura de Davis en el JVC Jazz Festival en Chicago. En 1999 se produjo Viajando Miles como un homenaje a Davis. El álbum desarrollado a partir de una serie de conciertos de jazz que actuó en el Lincoln Center en noviembre de 1997 en Davis "honor e incluye tres selecciones basadas en Davis' propias composiciones, en la que Wilson adaptado los temas originales.

Vida personal
Wilson estaba casada con Anthony Wilson de 1981 a 1983 [1].
Ella tiene un hijo, Jeris, nacido a fines del 1980. Su canción "Out Loud (Jeris' Blues)" es el álbum de ella la que llora. Durante muchos años ella y su hijo viven en Harlem,