Kerry Stratton Biografia

Kerry Stratton

Kerry Stratton

En el curso de su carrera internacional,Kerry Stratton ha dirigido Kerry Stratton orquestas en Europa, Norteamérica y Asia. Después de haber ganado un nivel en la conducción de la Universidad de McGill en Montreal. Stratton posteriormente completó estudios de postgrado en el Conservatorio de
Viena por Sir Charles Mackerras, la Academia Chigiana en Siena, Italia, y L'Ecole Pierre Monteux con Charles Bruck.

Desde 1988, Kerry Stratton ha sido Director y Director Musical de la Filarmónica de Toronto, la orquesta con residencia en el Toronto Centre for the Arts. Durante su mandato, Stratton ha desarrollado la orquesta de un conjunto de aficionados a una orquesta profesional, con una temporada de la serie principal de conciertos, programas educativos, para recaudar fondos y en toda la provincia un calendario de gira.

Como parte de su programa de desarrollo de la audiencia, Stratton desarrollado con gran éxito un curso de educación de adultos, denominado "Un poco de música nocturna". Su innovador formato incluye conferencias, debates y música en vivo, en una íntima y no intimidante atmósfera. Stratton fundo "Grand Salon" un tribunal de palma orquesta, dedicado a la música de principios del siglo 20, y toca para un público entusiasta en todo el Canadá. Desde 1992, ha sido también Director Musical de la Huntsville Festival de las Artes, de Ontario, con una orquesta en residencia, que acompaña a artistas.

Además, a través de su compañía, Producciones Internacional del Turismo, que ha creado para viajes canadienses orquestas de renombre, como la orquesta de George Solti, Budapest, Viena el Concierto-Verein y de la Filarmónica Checa. Stratton contrataciones han incluido el Concierto de la Orquesta de Budapest, Hungría Cámara Solistas, Sala Filarmónica de Praga, Filarmónica de Cámara de Bohemia, Orquesta de la Radio Eslovaca, Orquesta Filarmónica Eslovaca Estado, Estado de Mexico Symphony Orchestra, Orquesta de Cámara de Lituania, la Filarmónica de Seúl, Orquesta de Londres (Ontario), Kitchener Waterloo Symphony, Calgary Philharmonic Orchestra, Orquesta de Radio Praga, Filarmónica de Zagreb, Filarmónica Janacek. En enero de 2001, se convirtió en el primer canadiense para llevar a cabo la Camerata de San Petersburgo en el Teatro Hermitage en el Palacio de Invierno. En diciembre de 2004 hizo su debut con la Sinfónica de Pekín en un concierto en la Ciudad Prohibida. Por sus servicios a la cultura checa y eslovaca, Stratton 2000 es el ganador del Premio de Masaryk. Kerry Stratton también se ha comprometido a ampliar el repertorio de los conciertos y grabó la música orquestal. Incluido en su discografía es el estreno mundial de grabación de Franz Liszt del De Profundis, con la Orquesta Sinfónica del Estado húngaro en el Hungaroton etiqueta. Su grabación en Dorian Documentos celestes titulado Fantasía, las características de este y otros trabajos del compositor Alan Hovhaness. Un largo tiempo devoto de compositores de Europa del Este, grabó una colección de Serenatas eslavo, con la Sinfónica de Moscú en Dorian Records, que el Washington Post llama "un placer". Dvorak Universal distribuye su programa grabado con la Orquesta de Radio Praga. En 2006 grabó un programa de Brahms-con la famosa Orquesta Sinfónica de Nuremberg. fuente web de Kerry Stratton.

Kerry Stratton también es amada por el público de Toronto como anfitrión y profesor de la popular "Noche de Música" Un poco de música de reconocimiento curso para toda la vida los estudiantes.

Grand Salon Orchestra(Direccion Kerry Stratton) - Tango's

Genero: Tango, Orquestas de tango, instrumental
Año 1999
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 87.5 Mb/Total time: 78:04

Biografia de Kerry Stratton

Tracks
01-Ole Guapa
02-La Cumparsita
03-Bahia Blanca
04-Covadonga
05-Blue Tango
06-Donde estas corazon
07-Con Sentimento
08-La Violetera
09-Derecho viejo
10-Uno
11-Pearlfisher Tango
12-Adios pampa mia
13-Noche de estrellas
14-El Choclo
15-La Rosita
16-Orquideas a la luz de la luna
17-Caminto
18-Isla of Capri
19-Zwei dunkle Augen
20-Jalousie(Celos)
21-Tango des Roses(Tango de las rosas)
22-Mama yo quiero un novio
23-Oh Donna Clara
24-Olvida el pasado
25-Adios muchachos

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Roberto Grela Biografia

Roberto Grela con Leopoldo Federico tocando en Tangonorte de Avenida Alvear en Octubre de 1969.


Roberto Grela y Rodriguez en 1923

GRELA, Roberto. Músico. Guitarrista. Director. Compositor. (28 de junio de 1913 - 6 de septiembre de 1992)
1. Personalidad. El mayor guitarrista del tango en su género. Fue heredero y continuador aventajado de la línea de ejecutantes que animada por Manuel Parada, Oscar Alemán, Rosendo Pesoa, Rafael Iriarte y otros, promovió la jerarquización de la guitarra en la interpretación de la música popular rioplatense. Artista de sensibilidad exquisita y rara capacidad musical asimiló a su instrumento el fraseo brillante y ligado de la tradición bandoneonística, imprimiéndole un sello inconfundible. Pulsando sus cuerdas con púa de carey obtuvo una sonoridad diferente —menos pura acaso que la del timbre natural del instrumento, pero magníficamente musical de todos modos— bien manifiesta en las refinadas versiones de su propio conjunto— El baqueano, Corrales viejos, A San Telmo, Margarita Gauthier —grabadas para el sello T.K. y en sus realizaciones con Aníbal Troilo—. Suponen éstas —sobre la base de un pleno y sustantivo entendimiento mu- sical y temperamental— una desconocida dimensión en el tango de tipo intimista, con la acertada inclusión de guitarrón y de contrabajo como voces de apoyo. Creaciones auténticas son La cachila, A Pedro Maffia, Taconeando, A la Guardia Nueva, El abrojito (discos T.K.) y Madame Ivonne, Maipo, Ivette, Mi noche triste y La maleva (discos Víctor), donde se alternan los pasajes de punteo en las cuerdas tiples con la expresión más apagada, intensa y profunda de los bordoneos. En una tesitura más propensa a la exposición preciosista y más briosa en su tratamiento interpretativo, son por igual bien representativas de su sensibilidad las versiones de Guardia vieja —auténtico "capo lavoro"—, De vuelta al bulín, Griseta, Yo te bendigo, el vals Un Momento, la Selección de tangos de Astor Piazzolla, realizadas con Leopoldo Federico, y Bien nuestro y Ausencia, acompañado por la orquesta de Carlos García. Compositor de repertorio reducido pero muy selecto dio a conocer en sucesivas instancias de su carrera, Las cuarenta —su mayor suceso—, Callejón y Viejo baldío, dos tangos de muy sentida línea melódica, la Canción Triste, de gran belleza, y los tangos de corte milonga Minguito Tinguitella, Bien nuestro y A San Telmo, obras del más genuino clasisismo milonguero.
2. Vida. Nació en el barrio de San Telmo —Cochabamba 773— el 28 de junio de 1913. Miembro de una familia de artistas populares se inició en la música tocando un mandolín, siguiendo las huellas de sus tíos Octavio y Juan, quienes solían celebrar en el patio de su casa natal largas tertulias en compaña del famoso Manuel Parada. Siempre a punta de pura in-tuición, trocó el mandolín por la guitarra; tenía entonces siete años de edad. Durante los diez siguientes, se fue fogueando en el cordal del instrumento al amparo de su admiración por los grandes ejecutantes del tiempo aquel y de su propio talento. En 1930 despuntó su labor de profesional, acompañando al cantor Roberto Maida por LR3. Desde entonces y a través de veinte años, transformando paulatinamente las formas elementales del acompañamiento tradicional imperantes hasta su advenimiento, secundó la tarea vocal de Charlo —con quien actuó también en Montevideo en el cine Justicia—, Fernando Díaz, Alberto Serna, Osvaldo Cordó, Jorge Casal y otras muchas figuras en discos, radiotelefonía, teatros, locales nocturnos y televisión. En 1952, al programarse la puesta en escena de El Patio de la Morocha en el Teatro Enrique Santos Discépolo fue requerido por Troilo para dar marco en escena, a su bandoneón. Con el agregado de "Kicho" Díaz(bajo) y de Edmundo Zaldívar (h.) (guitarrón) quedó constituido el desde entonces popular y calificado cuarteto, con el cual tomó parte en audiciones por Radio Municipal, canales de TV y en el concierto ofrecido durante 1963 en el Estudio Auditorio del SODRE, en Montevideo. Simultáneamente con su labor en dicho conjunto integró en 1953 con Pichuco, Francini, Salgán y Díaz un quinteto de ases para el homenaje recordatorio a Juan Carlos Cobián y creó y dirigió su agrupación de cuerdas, con Ernesto Báez, Roberto Lainez y Eugenio Pro como principales colaboradores grabando para T.K. En 1961 fue llamado por la casa Columbia para poner nuevo acompañamiento a cuatro estilos criollos grabados por Carlos Gardel en 1913, complejo, sutil y delicado cometido que realizó con maestría.
En 1964 encabezó juntamente con Rivero, Salgán, Francini, Berlingieri, Ciríaco Ortiz y otros, el espectáculo Tango representado en el Teatro Colón con Troilo como figura central. Y a partir de 1966 en Caño 14 de la calle Uruguay, y discos Columbia y Music-Hall, prestigió juntamente con Leopoldo Federico el cuarteto San Telmo. En 1974 integró junto a María Cristina Laurenz, Raúl Garello y Horacio Ferrer, La Trova Porteña, en El Gallo Cojo de San Telmo. A más de sus composiciones ya citadas, dio a conocer los tangos Color gris, Amarga despedida, De punta y taco y el vals Bendito, con Horacio Ferrer, Mí zambita rea, y con éste y con Raúl Garella, Celedonio Becquer, Danzón de la chiflada, Tristería y Serenata a mi guitarra, entre otras. Fuente Horacio Ferrer

Marta Sanchez Biografia

Marta Sanchez

Marta Sanchez

Marta Sanchez

Don Antonio Sánchez Camporro, "bajo" en el mundo de la ópera y de nombre artístico Antonio Campó, conoció a Doña María Paz López Pestonit durante la representación de la tragedia "La Orestíada" en la antigua Plaza de Toros de La Coruña. Don Antonio era de Gijón (Asturias) y Doña María Paz era de Santiago de Compostela.

El 16 de Junio de 1965 se casaron y fruto de esa unión, el 8 de Mayo de 1966 nacieron en la maternidad de Santa Cristina en Madrid sus dos únicas hijas: las mellizas Paz y Marta. Al nacer prematuramente tuvieron que estar en la incubadora pero Marta lo hizo durante más tiempo debido a su menor peso.

El bautizo de ambas criaturas tuvo lugar en la Parroquia de San Antonio de la Florida (Madrid), en el verano de 1.966 y bajo un sol resplandeciente. Los padrinos de Marta fueron el gran tenor Don Alfredo Kraus, gran amigo de Don Antonio y la hermana de éste. Como buen asturiano que era Don Antonio, organizaron la fiesta en la popular sidrería "Casa Mingo".


Sus primeras amigas fueron Laura y Patricia, hijas de Don Alfredo Kraus. Casi siempre jugaban juntas y se lo pasaban muy bien representando obras teatrales. A Marta siempre le gustaba destacar y por eso prefería el papel de Reina. También le gustaba mucho pintarse y maquillarse. Solía acompañar a su madre al Rastro con cierta frecuencia y cuando jugaba en casa con sus tiendas, repetía con mucha gracia lo que decían los charlantes del Rastro, aunque era muy pequeña y casi no sabía hablar.


Cuando iban visitas a su casa, siempre salían con regalos que Marta les hacía. Era muy generosa. No podía ver a una niña sin muñecas y como ella siempre tenía dos, regalaba una. También era muy espontánea y sincera. Decía todo lo que se le pasaba por la cabeza. En una ocasión iba con su madre por la calle y se cruzaron con un señor. Marta dijo: "Este señor, ¡qué abrigo más bonito lleva!". El señor, agradecido, les miró, y Marta añadió: "¡Pero qué feo es!". El hombre se quedó sin saber qué decir.


A los tres años ya mostraba mucho interés por el mundo de la música. Le gustaba bailar, cantar y disfrazarse. Jugaba con sus compañeros de colegio a las princesas y se disfrazaba con trajes de ópera. No era tímida y no sentía vergüenza en bailar e interpretar papeles entre familiares y amigos. El primer juguete que tuvo fue un osito que le trajo su padre de Alemania, en una ocasión en que fue a cantar a aquel país.

Con cuatro o cinco años empezó a cantar "Gwendoline" de Julio Iglesias. Luego se lanzó con el flamenco, con "Maria de la O" que le enseñó su abuelo. Mostraba cierto interés por conocer América y cuando le preguntaban su nombre, ella siempre inventaba nombres americanos, que ni se entendían, pero era muy divertido escucharla.




A los cinco años veía en la televisión las películas de "Mari Sol" y siempre quería tener los ojos azules como ella. Se enfadaba con Dios por no habérselos dado. Su madre tenía que contarle la mentira piadosa de que si se portaba bien, los tendría de mayor. Tampoco le gustaba su pelo y se lo estiraba.

Siempre tuvo una relación muy intensa con su hermana Paz. Dormían juntas en la misma habitación y compartían juegos, secretos, ropa y libros. De pequeñas vestían igual y ya de mayores, se cambiaban la ropa. Sin embargo, sus caracteres eran muy diferentes. Mientras Paz era más tranquila y quizás algo más tímida, Marta era todo lo contrario. La relación entre ambas siempre ha sido estupenda y nunca ha habido problemas entre ellas. Se contaban sus cosas y se aconsejaban mutuamente.

Ambas hermanas sentían mucho cariño hacia los animales. Tuvieron de todo tipo: pollitos, patos, perros.. Un día aparecieron en casa con un perro que habían comprado en el Rastro por 200 pesetas, pero lo tuvieron que regalar porque sus padres no querían animales en casa.

Marta era muy inquieta, de las que empezaban montones de cosas y no acababa ninguna. Un día quería tomar clases de castañuelas, y a la semana lo dejaba. Después comenzaba con la guitarra y también se cansaba. Desde los diez años y durante la adolescencia se cansaba enseguida de todo. En una época también le dio por hacer patinaje sobre hielo y ballet. Después quiso aprender solfeo y resulta que casi sabía más que el profesor. Era un torbellino.



El día de su primera comunión le regalaron sus padres una guitarra, y a los 13 años ya componía canciones. Siempre iba con su guitarra y su cuaderno de notas, donde realizaba sus composiciones. Incluso en una ocasión ganó un premio con la canción "María, una amiga más" dedicada a la Virgen María y que interpretó en el colegio acompañada de su guitarra. Con estas canciones dedicadas a la Virgen ganaba muchos concursos en el colegio y es que Marta sentía mucha admiración por la Virgen. Siempre han sido una familia muy católica.

Solía veranear con sus padres y su hermana en la localidad pontevedresa de Sanjenjo. Allí fue donde comenzar a salir en pandilla con sus amigos y amigas. Si estaban en la Coruña solían ir a pasear por la hípica, la plaza de Vigo y La Solana.

A los 14 años hizo su primera aparición televisiva en el programa infantil de los sábados a la mañana, "Sabadabadá" presentado por Torrebruno en televisión española, donde había una sección dedicada a niños que querían demostrar sus dotes artísticos. Marta, acompañada de la guitarra que le habían regalado sus padres, dejó a todos atónitos demostrando su desparpajo ante las cámaras.

Durante doce años estudió en el colegio Veritas de Somosaguas en Madrid, un colegio regido por religiosas y muy estricto en sus costumbres. Siempre que iba al colegio le faltaba algún ejercicio por hacer, por lo que recibía siempre un castigo de las monjas. Marta suspendía casi todas las asignaturas porque se pasaba el día pensando en su futuro, imaginándose a sí misma como una conquistadora a quien le sobraban admiradores y que acabaría casándose con un millonario. No fue estudiosa, aunque cuando se lo proponía conseguía buenas notas. Su habitación estaba llena de libros. Tenía un pupitre blanco en el que pasaba largas horas simulando que estudiaba. Al lado de los pesados libros de Matemáticas e Historia tenía tebeos, inseparables compañeros. Le gustaba matar los ratos de estudio pintándose las uñas, escribiendo poesías y haciendo garabatos sobre las cuartillas. Otra cosa que le gustaba era dibujar novias vestidas de blanco. Cualquier cosa era mejor que estudiar. La relación con los compañeros de clase era muy buena. Se hacía querer. Siempre compartía con el resto de sus compañeros el material escolar.


A los 15 años se había convertido en una bella jovencita que llevaba casi siempre su pelo rizado en una coleta y que hacía estragos entre los chicos del barrio. Le gustaba vestir tanto de negro como de colores vistosos. Le gustaba mucho maquillarse, aparentando más edad de la que tenía. Le atraía mucho bailar y todos los fines de semana se iba a la discoteca Pachá de Tribunal en Madrid a divertirse con sus amigos. Se pasaba horas y horas bailando al son de la música.

Le entusiasmaba diseñar su propio vestuario y según dicen no lo hacía mal. Todos sus diseños se los llevaba a Paquita, una modista que vivía en el mismo barrio. Paquita convertía los bocetos que Marta diseñaba en realidad para que Marta pudiera lucirlos. La ropa le fascinaba desde muy pequeña, al igual que los cambios de 'look' y de peinado.


Pero tal y como ella suponía, su futuro profesional no estaba precisamente en los estudios, sino en el mundo artístico, en el que comenzó muy pronto. De hecho, en el último año escolar se cambió al colegio "Cumbre" de Madrid, pero al final lo dejó, porque ya se metió de lleno en la música.

Sus padres hubiesen preferido ver a su hija prepararse para estudiar una carrera pero no se opusieron a que se dedicara a la música, porque veían que era lo que más le gustaba. Por ese motivo, recibió todo el apoyo por parte de su familia.

Por aquel entonces era una apasionada de Barbara Streisand y Olivia Newton John, y más tarde de Prince, U2, Ilegales, Mecano, Génesis, Fleetwood Mac y Durán-Durán. Entonces soñaba con ser una número uno y luchó por ello. Cuando veía a los artistas firmar autógrafos, se decía a si misma que pronto llegaría su turno.




Cuando cumplió los 18 años (1984), encargó su primer "book", las fotos con las que se dio a conocer, su carta de presentación para los productores de las diferentes casas discográficas. El fotógrafo recuerda perfectamente esa jornada con Marta, entonces una perfecta desconocida, una de las muchas que encargaban un "book" para empezar a moverse en busca de una primera oportunidad. Esa joven le pareció completamente diferente, en todo momento muy segura de sí misma, de cómo quería salir en las fotos, de lo que la favorecía y lo que no. De hecho, ella misma guiaba al fotógrafo, y se mostraba absolutamente convencida de que el éxito la aguardaba no muy lejos.

Su primera oportunidad como cantante le llegó con el grupo "Cristal Oskuro", que en aquél entonces necesitaban vocalista. Era un grupo de chicos que tocaban música pop. Marta estuvo apenas siete meses, llegando a actuar en pequeños círculos. Incluso participó en un concurso organizado por la Comunidad de Madrid en la discoteca "Zodiaco" y en el que consiguieron la tercera plaza. Entre las muchas personas que vieron el espectáculo se encontraba Tino Azores, técnico de sonido del conocido grupo "Olé Olé". Se quedó tan maravillado con la voz de Marta que le propuso incorporarse al grupo, sustituyendo a Vicky Larraz, anterior cantante.

Así, y a la edad de 19 años, comenzó su brillante trayectoria con el grupo español "Olé Olé", que la llevaría a una carrera profesional repleta de éxitos. Con el primer dinero que ganó en el mundo de la canción se compró unos zapatos de tacón alto que le costaron 15.000 pesetas.

En las Navidades de 1985, a nivel de radio, empezó a escucharse "Lilí Marlen", primer éxito con el grupo "Olé Olé". Este single salió a la luz en Enero de 1986, llegando a ser número uno. Su primera actuación televisiva fue en el programa "Tocata", emitido el 15 de Enero de 1986. Aquí se dio a conocer ante los televidentes. El primer elepé "Bailando sin salir de casa" fue editado en Mayo de 1986. Con este álbum se hicieron sus sueños realidad, consiguiendo su primer disco de oro. El éxito continuó con temas como "Déjame Sola" y "Mirame bien" (blues auténtico), aunque su preferido fue la balada "No te necesita".


Su segundo elepé "Los caballeros las prefieren rubias" fue editado en Mayo de 1987, coincidiendo con el lanzamiento del primer single "Sola", llegando al número uno. Las ventas superaron las 150.000 copias. Con el lanzamiento de este disco hizo un cambio radical en su imagen. Abandonó la melena castaña (Abril de 1987) y convirtió su pelo en rubio platino, en homenaje a la admirada y mítica Marilyn Monroe. Recibió una gran cantidad de premios entre los que destacaron "Premio Naranja 87", "Premio Julieta 87" (por su simpatía y atención a la prensa) y "Long-play de oro" por las ventas obtenidas.



A partir de ese momento sus cambios de imagen fueron constantes en su carrera profesional, pero siempre conservando su melena rubio. Su popularidad fue en aumento, convirtiéndose en una de las artistas más famosas de España. Sus apariciones en la prensa y televisión eran constantes, creando un estilo propio y convirtiéndose en la belleza del momento, con toda la prensa volcada en ella.

El año 1988 fue su consagración definitiva como una de las estrellas más carismáticas de la música pop española y la mujer más atractiva de nuestro país. Además grababa con "Olé Olé" un spot televisivo, patrocinado por Coca Cola en el que se podía escuchar el estribillo de "Supernatural", canción que se encontraba en el tercer elepé del grupo, "Cuatro hombres para Eva", editado el 3 de Junio de 1988.

En los primeros meses de 1989 cruzó por primera vez el charco y comenzó una amplia gira por países sudamericanos como México, Chile (donde recibieron el premio "Antorcha de Plata" por la respuesta del público), Ecuador y Colombia.

Pero su "boom" llegó con el lanzamiento en 1990 del grandioso elepé "1990", el cuarto álbum del grupo, que se convirtió en uno de los elepés más escuchados. Las ventas llegaron a las 200.000 copias (doble disco de platino). La producción corrió a cargo de Nile Rodgers, un productor neoyorquino muy conocido integrante del mítico grupo "Chic". Además Marta debutó como compositora con los temas "Canción para mi padre" y "El está muy bien". La canción del álbum por excelencia fue "Soldados del amor". El éxito de este último elepé les hizo grabar cinco temas en inglés.


Los días 24 y 25 de Diciembre de 1990 "Olé Olé" actuó en el Golfo Pérsico para animar las navidades a los marineros españoles destinados allí. Todo salió estupendamente y fue retransmitido por televisión española.

En 1991 "Olé Olé" recibió el premio "Aplauso 92" en Miami por ser el mejor grupo pop latino del año.

En junio de 1991 Marta se vio obligada a posar desnuda para una publicación con lo que se produjo un gran "boom" en todo el país.

Sorprendentemente y tras haber permanecido 6 años en el grupo "Olé Olé", Marta decide abandonar la formación en octubre de 1991 para dar un salto en su carrera profesional. Así se instala en Nueva York para preparar su lanzamiento como solista bajo la producción de la compañía discográfica "PolyGram".

En el año 1992 Marta debuta en el mundo del cine con la película "Supernova" junto a actores y actrices de la talla de Javier Gurruchaga, Gabino Diego, Neus Asensi, Ángel Alcazar, Guillermo Montesinos, David Gil y Chus Lampreave. La película no tuvo demasiado éxito así que su incursión en el mundo del cine pasa totalmente desapercibida. La canción de esta película "Everlasting" significa el lanzamiento como cantante solista, aunque no se publica en ningún disco.

En Noviembre de 1993 lanza al mercado su primer disco como solista con el nombre de "Mujer". Tiene una gran acogida por parte del público, sobre todo su primer single "Desesperada" que logra colocarla en los primeros puestos tanto de España como del resto del mundo.

El éxito alcanzado con este su primer disco queda completado con el éxito personal al contraer matrimonio el 29 de diciembre de 1994 con su novio Jorge Salatti en una ermita en Toledo; pero esta felicidad no dura mucho tiempo ya que un año después anuncian su separación.

El 9 de mayo de 1995 presenta en Madrid su segundo disco en solitario "Mi mundo". Este trabajo es mucho más maduro que el anterior y significa el asentamiento como artista. En él se tocan temas muy actuales en nuestra sociedad como es el SIDA.

En Febrero de 1997 sale a la luz el que será su tercer disco en solitario "Azabache", un disco repleto de grandes temas y con unas colaboraciones muy destacadas como el productor Nile Rodgers y el guitarrista Slash. "Azabache" tiene varios temas compuestos por la propia Marta y que la convierten en una gran compositora. En fin, un disco para quitarse el sombrero.

También en este mismo año colabora en la banda sonora original de una película producida por Tarantino, "Curdled". Interpreta junto al famoso guitarrista Slash y bajo la producción de Nile Rodgers la canción "Obsession", tema principal de la película. Por otro lado colabora con el tenor italiano Andrea Bocelli en su disco "Romanza" con la canción "Vivo por ella". Esta canción tiene un éxito apoteósico sobre todo en América.

En el año 1998 y aprovechando su tirón como cantante la ofrecen colaborar en la banda sonora de la serie de dibujos animados "El nuevo mundo de los gnomos", emitida por televisión. Interpreta un total de 3 canciones, dos de ellas a dúo con el famoso compositor y productor Albert Hammond.

En Septiembre de 1998 y justo antes de lanzar su nuevo trabajo discográfico la vida le da un duro golpe a nuestra Marta, su padre Don Antonio fallece de un paro cardiaco. Desde ese momento su vida sufre un giro de 180º.

En Octubre de 1998 se publica su cuarto disco en solitario "Desconocida". En él expresa sus sentimientos más profundos. Destacan sus bellas baladas que se contraponen con ritmos pegadizos. Un disco muy importante para ella y que dedica a su padre. El público responde muy bien y la premia con unas ventas muy buenas. Una de las canciones que más éxitos le da con este trabajo es "Desconocida". Merece mención especial la colaboración de Carlos Jean en los remixes de esta canción.

El 7 de mayo de 2002 lanza al mercado su quinto disco en solitario "Soy yo", bajo el nuevo sello musical "Muxxic". Casi tres años de silencio en los que Marta ha estado cuidadosamente eligiendo los temas que componen este excelente trabajo. Es un disco con una calidad enorme y donde Marta juega todo lo que quiere con su voz.

El 20 de julio de 2002 se produce un acontecimiento muy importante en la vida de Marta, su boda con el empresario de publicidad Jesús Cabanas en Madrid. Una celebración íntima a la que asistieron amigos y familiares.

Con "Soy yo" comienza a obtener los frutos que nunca había recibido. Comienzan los premios musicales: "Premio Ondas" al "mejor video-clip" por "Soy yo" (28 de diciembre 2002) y el "Premio Amigo" a la "mejor solista femenina española" (13 de enero de 2003).

El día 1 de agosto de 2003 se produce el día más feliz en la vida de Marta puesto que viene al mundo su hija Paula. Un acontecimiento que la llena de felicidad. Algo que estaba esperando desde hacía ya mucho tiempo. Este feliz alumbramiento tiene lugar a las 23:50 horas. El parto se produce mediante cesárea, pero sin complicaciones. La niña mide 49 centímetros y pesa 2,800 kilogramos. La felicidad invade a toda la familia.

En el año 2004 comienza a preparar un disco de grandes éxitos, con la compañía discográfica "Universal". Pero todo se ve interrumpida de manera trágica ya que el día 9 de julio fallece su hermana melliza Paz a causa de un cáncer contra el que llevaba luchando más de tres años. Una pérdida que esperemos pueda sobrellevar toda su vida.

El día 25 de septiembre bautiza a su hija Paula en Madrid, más en concreto en la iglesia San Pablo, una celebración íntima que reúne a toda la familia.

El día 22 de noviembre de 2004 sale al mercado el disco de grandes éxitos, con tres canciones inéditas, dos nuevas versiones y canciones que han marcado la carrera de Marta. No hace falta decir que el éxito es rotundo.

El día 7 de noviembre de 2005 sale a la venta un DVD de la gira 2005 grabado en La Coruña. Es el primer DVD en directo que sale al mercado. Este trabajo está íntegramente dedicado a su hermana Paz y a su hija Paula. Un trabajo muy recomendable para todos los fans.

El día 23 de abril de 2007 sale al mercado su nuevo y esperado trabajo "Miss Sánchez", bajo la producción excelente de Carlos Jean, un disco muy completo y bailable que llena las pistas de baile de todo el pais y con el que tiene un rotundo éxito. La gente estaba esperando con impaciencia este nuevo trabajo puesto que Marta llevaba muchos años sin editar un disco nuevo íntegro.

Marta ha demostrado ser toda una profesional encima de los escenarios. Tiene una voz muy personal, estilo propio y el magnetismo de una estrella. Más no se puede pedir. Todo un lujo para la música de nuestro país. Esperemos que el futuro le sea más propicio, si cabe. Desde aquí desearle todo lo mejor.Fuente Web de Marta Sanchez

Marta Sanchez - Desconocida

Genero: Pop, rock,cantantes,
Año: 1998
Nivel Polygram
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 64.9 Mb/Total time: 56:43

Biografia de Marta Sanchez

Tracks
01-Desconocida
02-Será
03-Quiero más de ti
04-Los mejores años de nuestra vida (I Migliori anni della nostra vita)
05-Después de ti
06-Estrellas de fuego
07-Corazón que mira al sur
08-Loca de amor
09-Habla el corazón
10-Inocente
11Más de lo que pedí
12-Como tú y yo
13-Desconocida (Bombay Mix)

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Julio Martel Biografia

Julio Martel

Julio Martel: Cantor Nombre real: Julio Pedro Harispe (14 de mayo de 1923)
Fue, junto a Carlos Dante, la otra voz emblemática de la orquesta de Alfredo De Angelis. Él fue el barítono, de voz varonil y fraseo delicado, con estampa de galán y dueño de una
singular bonhomía. Sus versiones de "Pregonera", "Pastora" y "Remolino", a dúo con Dante, son inolvidables. (Comentario de la dirección)
Nació en Baigorrita, un pueblito vecino a Junín en el noroeste de la provincia de Buenos Aires. Su padre declaró en el Registro Civil que había nacido el 6 de agosto, aunque la fecha real fuera el 14 de mayo de 1923. Es el tercero de seis hermanos, sólo uno de ellos sería también cantor, Raúl Oscar más conocido por su seudónimo Lalo Martel.

En 1928 la familia Haripse se traslada a la ciudad de Caseros, pegada a Buenos Aires. Su padre era el responsable del mercado local y, a la madrugada, con un carrito que tiraba Julio, cargaban los corderos que se mandaban al matadero de San Martín.

En 1936 se mudan a la localidad de Munro y Julio comienza a cantar. Aparece en un programa del viejo teatro "Magazine", del 18 de agosto de 1939, donde figura como cantor nacional con su nombre real, acompañado por las guitarras de Hernádez y Vega. Con letras más destacadas, figura en programa del cine "Atalaya", en el del "Salón azul" y en otros concurridos lugares de esparcimiento del Munro de aquellos años.

En 1941, su madre firma el contrato que lo convierte por primera vez en vocalista de orquesta típica, ya que era menor de edad. La orquesta era la del maestro Juan Giordano, que exclusivamente se presentaba en la temporada estival en los salones del hotel Hurlingham de Mar del Plata y en invierno en las reuniones del City Hotel de Buenos Aires. Hacían un repertorio internacional y, según me contó Julio, la pieza más festejada era el pasodoble "El sombrero".

Con el inicio del año 1943 le llega la gran oportunidad. El contrabajista Roberto Vivas, compañero en la orquesta de Giordano, le avisó que en Radio El Mundo estaban seleccionando cantores para la orquesta de Alfredo De Angelis. Se inscribió, hizo la prueba acompañado en piano por Juan Larenza y lo eligieron entre cientos de participantes.

Cuando festejaban su triunfo, en una mesita del bar "Mi refugio" que estaba al lado de la emisora, el glosista Néstor Rodi, a la vez secretario de la orquesta de De Angelis, pidió un coñac. El mozo le trajo un "Martell" y Rodi le dijo al cantor: «Así te vas a llamar desde ahora».

Debutó en el palco del café "Marzzotto", junto al cantor Floreal Ruiz, interpretando el tango "No creas" (de Benjamín Holgado Barrio y Luis Castiñeira).

El 23 de a setiembre de 1943, graba su primer disco, el tango "Que buena es" (de A. Ferreira e Hipólito Oneca) y, hasta su último registro el 12 de diciembre de 1950, "Tus palabras y la noche" (de Emilio Aguirre y Carlos Cacciari), dejó para la historia 63 tomas solo y 17 a dúo con Carlos Dante.

El éxito acompañó a la orquesta y sus cantores. Actuaron en la Federación de Box, de la calle Castro Barros; en mayo del '44 debuta en el dancing "Tibidabo" e inaugura el "Tango Bar". Al año siguiente, en el Club Argentinos Juniors, donde estrenaron "Pregonera" (de Alfredo De Angelis y José Rótulo).

Pero la consagración de Martel junto a Carlos Dante en la orquesta de De Angelis fue, sin duda, cuando en 1946 Oscar Luis Mazza, director de Radio El Mundo, le propone al director un contrato exclusivo en el programa "Glostora Tango Club" para actuar de lunes a viernes de 20:00 a 20:15 horas, precediendo a la exitosa radio comedia "Los Pérez García" en su nuevo ciclo.

Fueron muchas las creaciones personales que realizó Martel con De Angelis. Temas que se estrenaban en el "Glostora" y al día siguiente las cantaba el publico o las silbaba por la calle.

Hubo muchos tangos que cantó y que lamentablemente no llevaron al disco, por ejemplo: "Qué viejo estoy", "Sufra", "Yira yira", "Guapo y varón" y "Violetita", entre otros. Una mención especial para "Por qué te habré conocido", de Rodolfo Scasidi y Carlos Cubría, este último bandoneonista de la orquesta, ya que fuera el último tango que interpretó Martel, con lágrimas en los ojos, al despedirse de la orquesta en los carnavales del Club Gimnasia y Esgrima de La Plata en 1951.

También quedó sin grabar una exitosa milonga del payador Martín Castro, "Presumido", cantada por el dúo Dante-Martel.

Junto con De Angelis incursionó en el cine, cantando a dúo con Dante el tema "Pregonera", en el film "El cantor del pueblo" (1948) y a fines de ese año hace de galán en la película "El ídolo del tango", junto a la actriz Graciela Lecube. En esa película interpreta tres tangos de Rodolfo Sciammarella: "De igual a igual", "Comencé jugando" y "No tiene importancia".

Desvinculado de Alfredo De Angelis, debuta como solista en Santiago de Chile, luego lo hace en Montevideo (Uruguay), donde actúa en radio, televisión y escenarios nocturnos. Allí, en 1952, graba el tango "Nacional", de José Puglia y Edgardo Pedroza, dedicado al club de fútbol de esa ciudad.

De regreso en Buenos Aires, el bandoneonista Oscar Castagniaro, recientemente desvinculado de la orquesta de Osvaldo Pugliese, lo invita a participar de su nueva formación. Debutan en la confitería "La armonía" y tiene como compañero al cantor Roberto Chanel. Actúan también en Radio Belgrano y en muchos bailes y escenarios porteños.

En 1956, vuelve a convertirse en solista, auspiciado por una reconocida marca de pinturas, "Colorín", y debuta en Radio Belgrano con su propia orquesta dirigida por el violinista Américo Podestá. Con ella graba para el sello Odeon 4 temas: "Pobre colombina", "Lechuza", "Por qué no has venido" y "Fueron tres años".

Después hace un exitoso ciclo de audiciones con público por Radio Argentina, al final de la cual realiza una gira por América, con la intención de seguir hasta los Estados Unidos. Pero en Colombia tuvo una acogida tan grande que se quedó un largo tiempo. Allí grabó para el sello Sonolux, de Medellín, 20 temas acompañado por el bandoneonista Enrique Méndez (quien había ido con él desde Buenos Aires), el pianista Armando Lacava (quien se hallaba transitoriamente allí) y músicos locales

Al regresar de Colombia, Julio Martel tenía pensado abandonar el canto y dedicarse a su quinta. Su última actuación fue en el club Santa Elena de la ciudad de Luján (70 kilómetros al oeste de la ciudad de Buenos Aires), el 20 de diciembre de 1959.

El 6 de agosto de 2001 cumplió 78 años. Vive de los derechos de intérprete, lo que comprueba que sus grabaciones siguen teniendo un importante éxito.

En su querido barrio de Munro es un prócer. En el 80º aniversario de esa localidad, en 1992, fue paseado en auto descubierto y los vecinos lo saludaban efusivamente y desde los balcones le arrojaban flores. Le hicieron un festival en su honor y pusieron su nombre a una plaza.
Fuente: Alberto Principe en Todo Tango www.todotango.com
Se agradece a Alberto Principe y Todo tango.

LP Julio Martel - Grandes exitos ( Acomp. Orquesta dirigida por Enrique Mendez)-1957

Genero: Tango, Cantores, instrumental, vocal
Grabacion del LP año 1957 en el sello Sonolux en Medellin, Colombia
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 44.6 Mb/Total time: 32:06

Este LP de Julio Martel acompañado por la orquesta dirigida por Enrique Mendez nos llega por una gentileza de Juan Francisco Orrego de Cali Colombia.
Gracias!!!!!

Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras

Biografia de Julio Martel

Tracks
01-Quema esas cartas
02-Lechuza
03-Te estaba esperando
04-Pocas palabras
05-Esta noche me emborracho
06-Los ejes de mi carreta
07-Y todavia te quiero
08-Por qué no has venido ?
09-Altar sin luz
10-La vida me engañó
11-Pobre colombina
12-Chorra

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Alanis Morissette Biografia

Alanis Morissette

Alanis Morissette

Alanis Morissette (Ottawa, 1 de junio de 1974) es una cantautora, actriz y productora canadiense, nacionalizada estadounidense.

Posee el tipo de voz correspondiente a una Mezzo-Soprano. Está posicionada como una de las artistas de mayores ventas en la historia, debido engran parte a Jagged little pill, el cual es el álbum debut más vendido de toda la historia, el primer álbum más vendido por parte de una artista femenina, y el séptimo álbum más vendido de todos los tiempos.Totalizando todos sus álbumes ha superado la barrera de 65 millones de ediciones vendidas en todo el mundo.

A lo largo de su carrera ha sido galardonada con siete Premios Grammy, incluyendo Álbum del año en 1996 y doce premios Juno. En el 2002 la ONU le otorgó el premio “Global Tolerance Award" por su "gran labor en promoveer la tolerancia.

Alanis Morissette nació en Ottawa, Canadá, el 1 de junio de 1974. Es hija de dos profesores de una escuela militar: Alan Morissette, de origen franco-canadiense, y Georgia Feverstein, de origen húngaro-alemán. Tuvo dos hermanos, uno mellizo, llamado Wade, y otro mayor llamado Chad.

De pequeña le gustaba el ballet y la música, y a los 6 años comenzó a tomar clases de piano. A los 11 años participó en una emisión de televisión para niños llamado You can't do that on television, de Nickelodeon. Ese mismo año escribió su primera canción, posteriormente lanzada como sencillo: «Fate stay with me», producido con el dinero ganado en el programa de TV.

Entre los años 1991 y 1992 Morissette mantuvo una relación sentimental con el actor Dave Coulier, protagonista de la serie televisiva Padres forzosos (Full House). Al mismo se le atribuye informalmente la letra de «You oughta know», si bien Morissette jamás lo ha confirmado.[18]

Durante el año 1996, Morissette fue pareja del cantante Ryan Adams, con quien coescribió la canción «1974». En 1998 Morissette comenzó una relación con Dash Mihok, quien aparece junto a ella en el video de la canción «So pure». Esta relación terminó antes de que ella empezara su gira de verano en 2001.

En el año 2002 Morissette comenzó su noviazgo más duradero con el actor Ryan Reynolds. En junio de 2004, Morissette y Reynolds anunciaron su compromiso, pero en febrero de 2007, luego de idas y venidas, la pareja rompió dicho compromiso.[19] A partir de fines de 2007, Morissette ha sido vista junto a Tom Ballanco.

En febrero de 2005, Morissette obtuvo la nacionalidad estadounidense, manteniendo su nacionalidad canadiense.

Aunque Alanis no lo confima aún, actualmente se encuentra saliendo con el abogado ambientalista del actor Woody Harrelson, Tom Ballanco. Ambos fueron vistos en viajes, conciertos y más recientemente en la boda de Woody.
Entre los meses de Enero y Febrero de 2009 Alanís encarará una gira Latinoamericana que la llevará a Brasil, Argentina y México.
Fuente Wikipedia. Fotos web de Alanis Morisette

Enrique Dumas Biografia

Enrique Dumas

Enrique Dumas en 1961

Enrique Dumas Cantor (8 de mayo de 1935-18 de enero de 2009)
Nombre verdadero: Enrique Rodríguez Acha
Eran los años declinantes de las orquestas típicas por varios motivos de índole muy diversa, —los inicios del rock and roll, los conflictos sindicales y políticos de los artistas, la falta de trabajo que obligaba achicar las formaciones, el estímulo al folclore que diera el regimen militar instaurado a partir del golpe de septiembre de 1955—, lo cierto es que, paulatinamente, la juventud se fue alejando del tango.
En ese contexto aparece la figura paradigmática de Julio Sosa y, con él, una nueva valoración del estilo del cantor de tangos. Ahora debía ser recio, de voz varonil y, preferiblemente, con un registro más grave y expresivo, la antípoda del baritono atenorado de los ‘40, que de la media voz había hecho un culto.

Es en este marco conceptual que debemos entender a los vocalistas surgidos en aquellos años y Enrique es un buen ejemplo de esta definición, por su estampa, su fraseo, el timbre de voz y su estilo interpretativo.

Nació en la ciudad de La Plata, a 60 kilómetros de la ciudad de Buenos Aires. Durante su adolescencia vivió una de las épocas más gloriosas del tango, pero paradójicamente, con apenas 14 años, comenzó su carrera artística cantando jazz, en la orquesta Dixieland, con el seudónimo Hugo Randall.

Pero el tango estaba en su corazón y en abril de 1955 debutó en Radio Splendid con la flamante orquesta típica de Carlos Figari. Con esa formación permaneció varios años, actuando en diferentes escenarios, entre ellos, la confitería Adlon, junto al cantor Héctor Omar, recientemente incorporado.

También, llegó al disco y, entre sus primeras versiones fonográficas para el sello Music Hall podemos destacar, "Bien jaileife" y "El piano del bar". Luego pasaron a Radio del Pueblo y en 1959, Figari agregó la voz de Aldo Fabre. También formaban parte del elenco de la emisora, el Cuarteto Troilo-Grela y el cantor Alberto Marino.

En 1958, Figari decidió transformar su orquesta en una agrupación más pequeña. En 1961, y ya Dumas como solista, formaron rubro y volvieron a grabar, esta vez para el sello Disc Jockey. Luego se desvincularon y Enrique continuó su carrera solo.

Resultaría ímprobo detallar la cantidad de presentaciones que hizo a partir de ese momento y menos, historiar su polifacética trayectoria; pero sí podemos señalar algunos aspectos de ella.

Fue uno de los pioneros del tango en la televisión argentina, participando en muchos programas. En el Canal 7, “Esquina de Tango” (1958) con Figari y “La Familia Gesa” (1958-1960) junto a Virginia Luque; “Yo te canto Buenos Aires” en el Canal 11; “Grandes valores del tango” en Canal 9; “El show de Antonio Prieto” (1963) en el Canal 13, y muchos otros.

Su primera actuación en la comedia fue con Olinda Bozán y Alberto Anchard en “Aquí está la vieja ola y esta vez no viene sola”. Participó además, en la reedición de la obra teatral de Francisco Canaro, “La Muchacha del Centro”, con el capo cómico José Marrone. También actuó con Mariano Mores y con grandes artistas como Mirtha Legrand, Virginia Luque, Susy Leiva y Nestor Fabián, en “Buenos Aires de seda y percal”, en el teatro Coliseo. En el Teatro San Martín encarnó a Santos Vega en “La guitarra del Diablo”. Otro de sus grandes éxitos fue “El Conventillo de la Paloma”, junto a la gran actriz Pepita Muñoz y el recordado Marcos Kaplán. Luego vendrían: “Aplausos”, con Libertad Lamarque y Juan Carlos Thorry; “Tangos en El Dante”, junto a Aníbal Troilo y Tito Lusiardo; “Yo canto a mi Argentina”, con Mores, Lusiardo y Héctor Gagliardi; “Buenos Aires, todo tango”, con Beba Bidart, Horacio Salgán y Ubaldo De Lío, y muchos más.

En el cine tuvo menos relevancia en películas fáciles de olvidar: “Viaje de una noche de verano”, junto a Néstor Fabián y dos excelentes cantantes japoneses: Ikuo Abo y Ranko Fujisawa; “Bicho raro”, donde también participó el conjunto folclórico Los Fronterizos, ambas de 1965; y “Flor de piolas”, estrenada en 1969.

Su producción discográfica es extensa. Registró entre longplays y cassettes alrededor de una docena de volúmenes. Entre ellos se destacan: “Dumas canta a Mores”, “El porteñísimo” e “Historiando tangos”, con Roberto Pansera para el sello Polydor; “El que canta es mi papá” (Polydor); “Alma de bohemio”, con el Sexteto Mayor (Diapasón); “De rompe y raje”, con Osvaldo Requena (Microfón); “El firulete”, con Alberto Di Paulo (Magenta) y “Tangos con sus grandes valores”, con Luis Stazo (Diapasón). En 1966, fue convocado por Ben Molar para su producción fonográfica, “14 con el Tango”, en el que interpretó los temas "Bailate un tango Ricardo" y "En qué esquina te encuentro Buenos Aires", ambos perfectamente representativos de su estilo vocal.

En el año 2003, viajó a Japón como artista invitado, junto a la orquesta del bandoneonista Carlos Galván, con gran repercusión.Fuente en Todo Tango: Ricardo Garcia Blaya y Anibal Marconi www.todotango.com (Se agradece a Todotango, Ricardo Garcia Blaya y Anibal Marconi.

Enrique Dumas - Seleccion de temas-Colecciones privadas de Juan Francisco Orrego

Nuestro homenaje al cantorazo Enrique Dumas
Genero: Tango, Cantores, Vocal, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 83.2 Mb/Total time: 65:41

Esta seleccion de temas del cantante Enrique Dumas nos llega por una gentileza de Juan Francisco Orrego de Cali Colombia.
Gracias!!!!!

Biografia de Enrique Dumas

Tracks
01-Enrique Dumas & Guitarras--Desde El Alma-Sueño De Juventud-Ay Aurora - 0000
02-Enrique Dumas & Guitarras--Sabor De Adiós - 0000
03-Enrique Dumas & Orquesta--Anclao En París - 0000
04+Enrique Dumas & Orquesta--El Firulete - 0000
05-Enrique Dumas & Orquesta--Garúa-Fruta Amarga-Después - 0000
06-Enrique Dumas & Orquesta--Infamia - 0000
07-Enrique Dumas & Orquesta--Llorando La Carta - 0000
08-Enrique Dumas & Orquesta--María - 0000
09-Enrique Dumas & Orquesta--Pequeña - 1975
10-Enrique Dumas & Orquesta--Quedémonos Aquí - 0000
11-Enrique Dumas & Orquesta--Yo Soy El Tango - 0000
12-Enrique Dumas & Orquesta de Alberto Di Paulo--De Puro Curda - 0000
13-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari--Bien Jaleife - 1955
14-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari--Hasta Siempre Amor - 1958
15-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari--Por Limosna... No - 1956
16-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari--Rumbo Perdido - 1958
17-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari--Una Carta - 1955
18-Enrique Dumas & Orquesta de Julián Plaza--La Última Copa - 1996
19-Enrique Dumas & Orquesta de Julián Plaza--Malevaje - 1996
20-Enrique Dumas & Orquesta de Osvaldo Requena--Che Papusa... Oí! - 0000
21-Enrique Dumas & Orquesta de Osvaldo Requena--Corrientes Y Esmeralda - 0000
22-Enrique Dumas & Orquesta de Osvaldo Requena--Naipe Marcado - 0000
23-Enrique Dumas & Orquesta de Osvaldo Requena--Siga El Corso - 0000
24-Enrique Dumas & Orquesta de Osvaldo Requena--Taconeando - 0000
25-Enrique Dumas & su Orquesta--Adiós Muchachos - 0000

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Serge Valentino (Trumpet) & The Strings Of Paris, Conducted By Jean Paul de la Tour-Golden Trumpet Melodies

Genero:Jazz, Instrumental, orquestal, trompeta
Año: 1998
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 58.3 Mb/Total time: 49:19

Tracks
01-Il Silencio
02-Serenade in Blue
03-My funny Valentine
04-South of the border
05-I'm in the mood of Love
06-Blueberry Hill
07-Moon River
08-Improvisamente
09-Estrellita
10-Stardust
11-Ma Sérénade
12-Vilja O Vilja
13-You'll never know
14-Time on my hands
15-Passions
16-Lily Marlene

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Los Solistas de D'Arienzo Biografia

Los Solistas de D'Arienzo
Carlos Lazzari, Alfredo Montoya, Daniel Morgenat, Hector Gury, Walter Gutierrez



En el Salón Consort del Keio Plaza de Tokyo Carlos Lazzari y Los Solistas de D'Arienzo en 1987(el nombre en ese año ya era Los Solistas)

En 1973 por problemas de salud Juan D'Arienzo autoriza a sus musicos y cantores a continuar sus presentaciones y grabaciones bajo el nombre de Los Solistas de D'Arienzo, bajo la direccion de Carlos Lazzari. Cuando el maestro Juan D'Arienzo muere en enero de 1976 siguen realizando sus presentaciones bajo ese nombre hasta 1983. Por razones legales despues de esa fecha el nombre del conjunto quedo como "Los Solistas", sus integrantes fueron cambiando a traves del tiempo, de la misma forma que el nombre del Conjunto. En casi todas las agrupaciones el director fue Carlos Lazzari.

Carlos Lazzari Biografia

Carlos Lazzari

Carlos Lazzari

Carlos Lazzari

LAZZARI, Carlos. Músico. Bandoneonista.Compositor. Arregfador. Nació el 9 de di-
ciembre de 1925. Se inició profesionalmente en filas de Pedro Maffia, compartiendo luego con otros valores de la Generación del 40 el triunfal ascenso de ta orquesta de
Miguel Caló, en una fila de bandoneones en la que alternaron con él Pontier, Cambaren, Rovira, Ricciardí y otros. En 1945 cuando Osmar Maderna se desvinculó de dicho conjunto para debutar con su propia formación lo acompañó en tal iniciativa, pasando más tarde a la orquesta de Francisco Canaro de quien se separó en 1950 para ingresar a la de Juan D'Arienzo. Colaboró con éste desde entonces como ejecutante y también como arreglador, debiéndose en buena parte a su
labor la transformación operada en el clásico estilo del mismo, mediante una escritura de mayor interés melódico y armónico en superación del tradicional esquema interpretativo de ese conjunto. Compositor de un hermoso tango orquestal —Julié— y de
varios cantables intrascendentes: Castigo y pasión, La misma canción, y de un vals de
perdurable suceso en el repertorio de Carlos Di Sarli: De Vuelta.Fuente Horacio Ferrer De 1973 a 1983 fue director de los Solistas de D'Arienzo, despues este conjunto fue cambiando de nombre por razones legales.

Los Solistas de D'Arienzo

Genero: Tango, instrumental, Vocal
Lanzamiento CD 1996
Nivel: Magenta
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 57.1 Mb/Total time: 32:07

Personal de Los Solistas de D'Arienzo

Carlos Lazzari: Bandoneon, direccion y arreglos
Alfredo Montoya: Piano
Daniel: Morgenat: Violin
Hector Gury: Contrabajo
Walter Gutierrez: Voz

Biografia de Los Solistas de D'Arienzo

Biografia de Carlos Lazzari

Tracks
01-Leguizamo solo-Walter Gutierrez
02-El tortazo-Walter Gutierrez
03-Padre mio-Walter Gutierrez
04-Canchero-Walter Gutierrez
05-La Catedral del tango-Instrumental
06-Jaque mate-Instrumental
07-Nuestro Encuentro-Instrumental
08-Don Juan-Instrumental
09-El simpatico-Instrumental
10-Andate por Dios-Walter Gutierrez
11-Don Alfredo-Instrumental
12-Chique-Instrumental
13-Rendido-Walter Gutierrez

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Rocio Durcal Biografia

Rocio Durcal

Rocio Durcal

Rocío Dúrcal (Madrid, 4 de octubre de 1944 – Torrelodones -Comunidad de Madrid-, 25 de marzo de 2006) es el nombre artístico de María de los Ángeles de las Heras Ortiz , una actriz y cantante española, también conocida como "La española más mexicana" y "Marieta"
Dúrcal nació en el barrio obrero de Cuatro Caminos de Madrid. Hija de Tomás de Las Heras y María Ortiz, siendo la primera de una familia de seis hijos. Por ser la hermana mayor y debido a los recursos económicos limitados, en más de una ocasión se desempeñó en las labores domésticas, además de ayudar en la crianza de sus hermanos menores, por lo cual faltó mucho a clases en el colegio.

Desde que inició sus estudios de primaria, ya sentía deseos de hacer carrera como actriz, lo cual mantuvo en secreto durante un tiempo. Entre tanto, en los recreos de su colegio, la futura artista ya contaba con su primer público conformado por sus compañeras de clases, que la hacían cantar, a lo cual no se negaba. Después se hizo común su presencia animando las veladas escolares como cantante. Aunque sus padres apoyaban su talento, no deseaban que hiciera carrera artística. Al terminar la primaria, ya trabajaba como aprendiz en una peluquería de su barrio.

Comenzó su carrera artística participando en diversos festivales y concursos radiales de canto, apoyada en secreto por su abuelo paterno que creyó siempre en su talento y fue su primer admirador. A los 15 años de edad (1959), con aprobación de sus padres, participó en el espacio televisivo, hoy desaparecido, Primer Aplauso que emitía el ente público Televisión Española. El tema que escogió era la canción tradicional La Sombra Vendo. Cerca de la estación televisora, Luis Sanz, un "buscatalentos" madrileño, quien veía el programa, quedó impactado por su talento y personalidad. Tanto fue así, que Sanz se puso en contacto con la realización del programa para pedir el nombre y la dirección de la joven concursante. La conversación entre Luis Sanz, quien era ya representante de varios artistas españoles famosos, y sus padres, fue decisiva en su futuro. Por primera vez en su vida, la futura estrella habló de sus aspiraciones artísticas y de sus deseos de ponerse en manos del señor Sanz, que quería lanzarla al estrellato.

Los padres de María de Los Ángeles estaban indecisos sobre qué debían hacer. Al cabo de una semana, dieron su aprobación al empresario. Aunque la futura artista insistía, sus padres temían el fracaso de su hija. Esto, desde luego, no ocurrió. Sanz decidió que la muchacha fuera puesta al cuidado de profesores particulares para terminar sus estudios de secundaria e iniciar los de canto, baile y actuación. Todo ello ocurrió, cuidando de que la futura Rocío Dúrcal, no perdiera su personalidad, que había encantado al empresario. Al mismo tiempo que le revela los secretos de la profesión artística, Sanz la pone en contacto en diversos eventos sociales con los artistas famosos de su época e incluso, algunos debutantes en el medio artístico como Raphael y la hoy fallecida y contemporánea, Rocío Jurado, y del famoso de la época Camilo Sesto amigo y además vecino de quien sería muy amiga.

Como su nombre era poco adecuado para lanzarla al estrellato, Sanz ideó llamarla Rocío. En una entrevista televisada antes de su muerte Rocío contó que ese sobrenombre se lo puso su abuelo pues le recordaba el rocío matutino. Así, Sanz debe haber recogido el sobrenombre de aquella costumbre familiar. Pero, pensando que le haría falta un "apellido", él y la joven buscaron un mapa de España en el que ella señaló al azar la población de Dúrcal, en la provincia de Granada. Había nacido el sobrenombre con el cual logró su paso a la posteridad. Más tarde, fue declarada Hija Adoptiva de esta población y fue bautizada una calle en su honor. Actualmente, existe un proyecto de crear un museo sobre la artista, así como un busto, en el municipio granadino (en el que dio hace unos años el pregón de fiestas).


Una vida de cine
Su inicio en el cine, después de unas pruebas fotogénicas, se dio con la película Canción de Juventud del director Luis Lucia Mingarro, cuya historia, escrita con ella en mente, retrataba a una adolescente con su misma personalidad. La película obtuvo enorme éxito de taquilla y de la crítica especializada. Este éxito se repitió en los países hispanoparlantes donde se exhibió la cinta. Sanz, a raíz de este éxito, obtuvo permiso para internar a Dúrcal en un colegio donde mejoraría sus modales y cursaría materias que le servirían para ampliar su cultura. Inmediatamente, Dúrcal se convierte en la protagonista de Rocío de la Mancha cinta que obtiene también el favor del público. A raíz de esto, la joven intérprete obtiene su primer contrato discográfico con la transnacional Phonogram (hoy Universal Music). Las canciones que interpretó la artista en ambas cintas sirvieron para realizar su primer álbum titulado Las Películas de Rocío Dúrcal (1962). Este primer álbum, constituyó el inicio de su exitosa carrera discográfica. En estas circunstancias, viajó por primera vez a México, Venezuela, Puerto Rico y Estados Unidos donde participó en el célebre programa del presentador Ed Sullivan (The Ed Sullivan Show).

En su cuarta película Tengo 17 años (1964), Rocío Dúrcal manifiesta mayor madurez y hace a un lado su rol de "niña prodigio". En este año realizó su primera obra de teatro titulada "Un domingo en Nueva York" en la cual se reveló como una excelente actriz teatral. En 1966, acorde con esta madurez, Dúrcal comparte protagonismo con el entonces joven actor y cantante mexicano Enrique Guzmán en la cinta Acompáñame. Se ha constituido la costumbre de editar un álbum por cada película que protagoniza y en este álbum comienza a realizar dúos con distintos cantantes, que en este caso fueron Jaime Morey y Amalia de Isaura. Cuando interviene en Amor en el Aire (1967) comparte roles con el joven cantante y compositor argentino Ramón Palito Ortega. Pero no será sino al año siguiente, cuando filma Cristina Guzmán que es la primera de sus cintas destinada a público mayor de 18 años. En esta cinta rompe definitivamente con la imagen, hasta entonces ligera y despreocupada, de sus cintas iniciales.

Familia
En 1969, Dúrcal conoce a los integrantes del dúo Juan y Junior integrado por los cantantes Juan Pardo y Antonio Morales. Se enamora de este último y 9 meses después contraen matrimonio con el cantante filipino. Once meses después, nace la primera hija de ambos llamada Carmen María Guadalupe. Rechaza contratos para atender a su hija, pero retoma la carrera del cine y participa en montajes teatrales. En 1972, Antonio Morales inicia una serie de espectáculos en televisión cantando a dúo con su esposa tanto en España como en Latinoamérica. Morales decide después del nacimiento de su segundo hijo en Abril de 1974 (Antonio Fernando) renunciar a su carrera para dedicarse a los hijos. Dúrcal continúa su carrera cinematográfica pero se aleja durante 5 años del medio discográfico. En el 1979 llega su tercera hija: Shaila Morales, quien ahora triunfa internacionalmente como cantante con el nombre artístico de "Shaila Dúrcal".
Reina de la ranchera y señora de la canción
Cumplido este lapso, Dúrcal firma contrato con Ariola Eurodisc en donde Camilo Blanes (Camilo Sesto) es productor y director el cual guía y apoya en sus proyectos (que hoy forma parte de Sony BMG Entertainment) y graba en 1977 su álbum Una Vez Más, dedicándose definitivamente a la música. Ese año, estando en México, conoce al compositor y cantante Juan Gabriel y decide arriesgarse a grabar un álbum entero con sus éxitos en ritmo de ranchera, sin saber que podría ocurrir. Pero, sin mayor publicidad, esta grabación obtiene tan altos niveles de venta, que Dúrcal y Juan Gabriel consideraron la posibilidad de realizar una nueva grabación, tan exitosa como la anterior hasta realizar juntos 5 LPs, lo que marca la revitalización de la carrera de la cantante. Nace en 1979, su hija Shaila de los Ángeles, pero Dúrcal continua su actividad y en 1981 graba el álbum de baladas Confidencias (La Gata, en España) bajo la dirección y producción de su compatriota Rafael Pérez Botija, lo cual le hace merecedora de amplias ventas y reconocimientos artísticos. Su colaboración con Juan Gabriel se ve interrumpida por desavenencias y continúa grabando álbumes con otros compositores como Marco Antonio Solís. Se incorpora a la era del CD con el álbum Si te pudiera mentir (1990). Los álbumes Desaires y Hay Amores y Amores los realiza con producción y canciones de los compositores Joan Sebastián y Roberto Livi. En 1997 el álbum doble Juntos Otra Vez reúne por última vez a Dúrcal y Juan Gabriel. Aunque no vuelven a realizar proyectos, las canciones de éste último que le proporcionaron la fama las siguió incluyendo en sus presentaciones. En 1998, con la dirección de su descubridor Luis Sanz, realizó la serie "Los negocios de mamá" transmitida exitosamente por Televisión Española.

En su haber se cuentan más de 30 producciones discográficas entre el 1961 y el 2004 con las que logró vender más de 40 millones de discos (solista femenina española más vendedora de todos los tiempos)

Todos discos tuvieron éxitos rotundos y obtuvo inmensidad de discos de oro y platino por sus ventas en países que la adoraron como México, USA, Venezuela, Colombia, España, etc. Se consolidó como la intérprete femenina estrella de la música ranchera a partir de 1977, siendo la principal embajadora de la música mexicana en el extranjero. La crítica la considera entre las 4 reinas de este género, última de las principales exponentes, constituyendo el cuarteto de ases junto a Lola Beltrán, Lucha Villa y Amalia Mendoza.

Compartió escena con los más importantes de su generación y las posteriores. Entre ellos se encuentran Camilo Sesto, Roberto Carlos, Armando Manzanero, Joaquín Sabina, Rocío Jurado, Juan Gabriel, Enrique Guzmán, Dyango, Guadalupe Pineda, Julio Preciado, Daniela Romo, José Luis Rodríguez, Pepe Aguilar, Vicente Fernández, entre otros. Entre sus mayores éxitos musicales cuentan: Costumbres, Amor Eterno, Como tu mujer, La gata bajo la lluvia, Me gustas mucho, La guirnalda, Te sigo amando, Vestida de Blanco, Fue tan poco tu cariño, No lastimes más, Si piensas...si quieres, Como han pasado los años, Tarde, Quédate conmigo esta noche y muchas otras canciones que enamoraron e hicieron época. Durante toda su carrerra permaneció en los hit parades internacionales, ocupando las principales posiciones. Entre otros atributos por su belleza, encanto y su voz potente, tierna y misteriosa fue llamada La Novia de la Juventud, La Novia de América, La Embajadora de la Ranchera, La Señora de la Canción, La Española más Mexicana, La Diva de Divas y La Reina de la Ranchera.
Enfermedad y muerte
En el año 2001, después de la grabación de su álbum "Entre Tangos y Mariachi" le es diagnosticado un cáncer en la matriz. A la vez que se sometió a tratamientos médicos, Dúrcal continuó con sus giras. Antes de grabar su último álbum en 2004, en otro examen, se descubrió una pequeña mancha en uno de sus pulmones, lo que indicaba que el cáncer se había difundido hacia estos. La artista volvió a someterse a quimioterapia. Grabó "Alma Ranchera" pero no hubo gira para promocionar este trabajo. Rocío Dúrcal luchó hasta el último momento. Murió el 25 de marzo de 2006 en su casa de Torrelodones (Madrid), pasando sus últimos días en compañía de su familia; su cuerpo fue trasladado al tanatorio de Tres Cantos en Madrid. Allí se congregaron multitud de artistas y admiradores de la cantante. Una de la más emotivas manifestaciones de cariño fue la del Mariachi Real de Jalisco, residente en España, que despidió a Dúrcal con la ranchera Las Golondrinas interpretada en el Parque Cementerio de La Paz, de la localidad madrileña de Tres Cantos. Al día siguiente de su fallecimiento, su cadáver fue incinerado por deseo de su familia, posteriormente parte de sus cenizas fueron distribuidas en México, España y EE. UU. (Miami) país donde Rocío Dúrcal fue muy querida y respetada.Fuente Wikipedia

Rocio Durcal - Concierto inolvidable

Genero: Pop, romanticas, cantantes
Año: 2002 En vivo
Nivel BMG
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 89.9 Mb/Total time: 61:19

Biografia de Rocio Durcal

Tracks
01-Obertura y popurri
02-Como han pasado los años
03-Jamas te prometi un jardin de
04-Luz de luna
05-Si nos dejan
06-De que manera te olvido
07-Me gustas mucho
08-Desaires
09-Infiel
10-Como tu mujer
11-Porque te quiero
12-Sombras, nada más
13-Costumbres
14-Amor eterno
15-Eres unico
16-Hasta que vuelvas

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Los Payadores en el tango

Los Payadores

Los PAYADORES salen del olvido. (Reportaje de Julio Nudler a Hector Lorenzo Lucci)
Se reproduce la nota de tapa publicada en el Suplemento RADAR del diario PAGINA/12 del 22/2/1998
DIALOGO CON RIMA
Podían durar varias noches y dar pie a fuertes apuestas, pero los payadores casi nunca llegaron a escuchar los registros grabados de sus
propias creaciones. Fueron protagonistas de un tiempo ido que ahora se empieza a reconstruir con la edición de veintidós incunables, a cargo de HÉCTOR LORENZO LUCCI, presidente del grupo Los Coleccionistas de Tango.
"El campesino argentino, como observa Sarmiento, rara vez bebe si los versos y la música no lo excitan. Por esto toda pulpería tiene su guitarra." Así escribía el español Vicente Blasco Ibáñez en 1910, llamando al payador "errante bardo de la pampa, que bebe gratuitamente por derecho propio en todas las pulperías". Y contaba, también, que las payadas de contrapunto entre estos poetas de facón algunas veces terminaban mal, "con un vivo menos y un gaucho malo más". Estas citas están tomadas de uno de los textos eruditos incluidos en el folleto que acompaña al primer volumen de Los payadores, un cassette que contiene veintidós grabaciones incunables que pertenecen a la colección privada de HÉCTOR LORENZO LUCCI, presidente del grupo Los Coleccionistas de Tango, y que él mismo procesó y editó. "Hay unos treinta y cinco libros sobre payadores - dice Lucci a Radar-, pero sus autores no escucharon las antologías grabadas. La mayoría de los propios payadores escucharon, a lo sumo, alguno de estos registros."
El cassette comienza con "El payador", del legendario Gabino Ezeiza, grabado en 1909 por el gran José María Silva. Sigue con "El taita", de y por Higinio Cazón en 1905. Más adelante incluye "El pimpollo", un tango inédito de Angel Villoldo que el compositor de "El choclo" grabó en 1910, y algo después "Cívica Radical", de y por José Betinoti en 1913. El célebre "La payanca", de Augusto Berto, figura en la versión de Francisco Bianco, cantando con la orquesta de Eduardo Arolas en 1917. Entre otros payadores incluidos se encuentran Evaristo Barrios, el crédito uruguayo Juan Pedro López, que canta su "Agradecimiento" a la Argentina, y el anarquista Sócrates Fígoli, con su "Canción proletaria" de 1906.
En 1934, Francisco Pi y Suñer se dolía de que todo hubiese cambiado: "No recorre ya las pampas el trovador; acaso veréis aún vagar por las orillas de los pueblos algún cantor criollo recorriendo las pulperías, pero no es ya el payador de antes, sino un tipo degenerado, el milonguero, que lleva a todas partes sus vicios y su haraganería, pendenciero y borracho... De gaucho errante, (el payador) se ha convertido en artista vestido a la moderna que recorre los pueblos, cantando en los circos, en los clubes, en los teatros, haciéndose pagar su arte".
Como recuerda B. González Arrili en una obra de 1951, todo asistente a una payada de contrapunto tenía que armarse de paciencia, sabiendo que debería sobrellevar "tres horas de arpegios y hora y media de canto, pues la mitad del tiempo era para rasguear, templar, carraspear, acomodarse y exclamar: ¡No! ¡Sí! ¡Oh! ¡Ya! ¡Ta güeno! ¡No está mal! ¡Noool ¡Sí!" Según González, el payador se convirtió en caricatura, actuando "en salones alquilados,cobrando entrada y pagando impuestos… El payador final vestía saco de confección y botines de elástico". Quedó arrinconado entre gramófonos, fonógrafos, victrolas, luego la radio le asestó el golpe definitivo.
Pero en los tiempos gloriosos, como recuerda Ismael Moya, los payadores fueron admirados por personajes como Bartolomé Mitre, Julio Argentino Roca, Ricardo Rojas, Leopoldo Lugones y Rubén Darío. "No era aquí un milagro -consigna Moya- el que José Ingenieros penetrara al Café de Los Inmortales, tomado del brazo de Federico Curlando, eximio payador, y que Antonio Lamberti gallardeara en los cenáculos su afición canto alterno, o que Mario Bravo, poeta y parlamentario, asistiera a una payada en el café La Pelada, gozando como criollo genuino del contrapunto."
Beatriz Seibel da su versión de una payada: "El contrapunto entre dos payadores famosos pasó a constituir un espectáculo en sí mismo, durando una, dos o más noches. Es el tiempo de las payadas memorables, cuando los seguidores de cada artista forman bandos opuestos y hacen fuertes apuestas por dinero. En un marco de formalidad se nombran jurados y hasta puede suceder que se firme un documento por representantes de ambas partes, como se hizo en la payada sostenida por Gabino Ezeiza y Pablo Vázquez en 1894 en Pergamino. Ahí se establecieron las reglas a seguir y se determinó el premio: un diploma de honor que ganó Gabino". Lucci, que se propone lanzar en total tres cassettes con grabaciones originales, que él transfiere desde aparatos igualmente originales cuyos íntimos secretos conoce como nadie, aclara en el folleto que se trata de una "edición puramente didáctica, sin fines de lucro". De hecho, la tirada consta de apenas doscientos ejemplares, con los que sólo pretende recuperar el costo. Apasionado de la ópera, el canto nativo y el tango, dialogó en su departamento de Mansilla y Salguero con Radar
_ ¿Cuándo comenzó a armar su colección?
_ Hace cerca de sesenta años que estoy comprando discos y cilindros de payadores argentinos y uruguayos, y de cantantes criollos. Los primeros dos discos de payadores me los regaló en 1941 un botellero de aquí cerca, en la calle Charcas. Eran de 1912. Los botelleros pasaban con sus carritos llenos de discos para moler en la fábrica Odeón, de Montañeses 2150, y así recuperar la goma laca para producir nuevas placas, porque la guerra había interrumpido la importación desde la India. Luego comencé a colocar cartelitos en las tiendas del barrio, sobre todo aquéllas a las que iban las viejas, que solían tener la discoteca de algún finado. Ponía "Señor Héctor compra discos antiguos, cilindros". Y las mujeres me llamaban. Yo no elegía: si veía algunos discos interesantes, les compraba todo el lote. Allí encontraba grabaciones líricas, de comediantes, recitadores, poetas, payadores. Casi todo Sara Bernhardt lo conseguí así. _ ¿No hubiera sido mejor seleccionar lo que compraba?
_ Lo que importa de una colección no son las obras interesantes, tomadas puntualmente, sino el cuerpo. Y esto también vale para la colección de payadores que tengo, que abarca unos doscientos discos, que entre los de una faz y los de dos faces abarcan unas trescientas grabaciones. Tengo además unos veinticinco cilindros, que son muchísimos considerando que hubo muy pocos de payadores.
_ ¿Qué época cubre el cilindro?
_ En la Argentina aparecen los primeros en 1902. Entre ellos hay registros de Andrée Vivianne, una actriz y cantante francoargentina que fue la primera mujer que grabó tangos. El cilindro, que se reproduce en el fonógrafo, tuvo vigencia hasta 1929, porque Edison seguía insistiendo en competir con el disco. El había inventado el fonógrafo en 1877, once años antes del gramófono, reproductor para discos creado por Emilio Berliner.
_ Si la payada es, básicamente, improvisación, ¿qué grababan los payadores?
_ Diversos géneros populares y criollos. Los primeros cantores de tango fueron payadores y actores teatrales.
_ ¿Qué tangos cantaban? _ Gabino Ezeiza grabó en 1905 el tango "Patagones". Sócrates Fígoli registró "La morocha" en 1906.
_ ¿Y las payadas?
_ No podían grabarlas porque los primeros cilindros o discos no duraban más de dos minutos. Eso no alcanzaba más que para una pregunta y una respuesta. A partir de 1908 los cilindros abarcaron ya unos cuatro minutos. Por lo tanto, sólo hay registros de algunos breves contrapuntos, como los que hicieron Evaristo Barrios o Alfredo Gobbi padre.
_ Aparte de la extensión,¿Qué diferencia hay con la payada?
_ En ésta solía haber un jurado, que recibía los temas que el público proponía, eligiendo uno y planteándoselo a los contrincantes. El jurado determinaba luego el ganador, Joaquín Víctor González, entre otras grandes personalidades de la época, fue miembro de jurados.
_ ¿Dónde se celebraban las payadas?
_ Por lo general, en los almacenes o las canchas de pelota. La clásica payada de Gabino con el padre de Arturo de Nava, Juan, tuvo lugar en 1884 en una cancha de pelota en Montevideo. Allí nació el famoso "Saludo a Paysandú". Como Gabino venció, el público estaba furioso con él. Entonces, rápido de reflejos, improvisó esa loa y terminó cosechando una ovación.
_ ¿Cuánto duraba una payada?
_ Un día, tal vez un día y medio. Una payada corta insumía cuatro o cinco horas.
_ ¿Cuándo se daba por concluida?
_ Cuando uno de los dos payadores reconocía que había sido superado, o el jurado la interrumpía porque consideraba abrumadora la superioridad de uno sobre el otro.
_ ¿En función de qué elemento se establecía esa superioridad?
_ De los conocimientos y la prontitud en las respuestas. Hay una payada en la que Gabino le responde a Vázquez, su contrincante: "La diferencia está en que yo contesto ligero y usted se pone a pensar".
_ ¿Alguien tomaba nota de lo que iban inventando uno y otro payador?
_ Sí, los estenógrafos. Carlos Vega, que fue el primero que efectuó grabaciones autóctonas e indígenas, comenzó a grabar recién en 1931 con discos de cartón parafinado. Luego pasó al acetato.
_ ¿Se ganaba dinero payando?
_ Sí, porque el público apostaba. Hubo desafíos por mucho dinero, hasta 3000 pesos de entonces en el caso de José María Silva. Cada payador tenía sus partidarios, y éstos engrosaban un pozo. Una vez alcanzada cierta suma, desafiarían a otro payador por esa cifra, que sus seguidores debían reunir. El pozo se repartía luego entre el vencedor y sus partidarios. Otras payadas se celebraban para conquistar público para el circo criollo. Algunos prosperaron tanto que recibieron críticas. Evaristo Barrios habla en 1920 de los payadores de bota lustrada, que alquilaban un local para payar. Este arte, como todo, terminó mercantilizándose.
_ ¿Quiénes eran los payadores? ¿Qué extracción social tenían?
_ La mayoría eran semianalfabetos, salvo los cultos como José Betinoti, Andrés Cepeda, José María Silva y el propio Gabino. El iletrado suele poseer mucho sentido común y ser muy desconfiado. Sabe cuándo le mienten y puede poseer vastos conocimientos empíricos sobre muchos asuntos. Víctor Di Santo dice que los payadores fueron los primeros periodistas, porque difundían los bandos, informando a la gente sobre toda clase de sucesos. Lo hacían cantando rimas. Gran parte de los payadores eran anarquistas.
_ ¿Todos payaban en décimas?
_ Gabino les aconsejaba a los payadores noveles que no payaran en décimas, porque resultan muy complicadas, sino en cuartetas.
_ ¿Siempre se acompañaban con su guitarra?
_ Exactamente, pero sus conocimientos musicales solían ser elementales.
_ ¿Se enseñaba y aprendía a payar?
_ No, es imposible. Para payar hay que tener reflejos rápidos y saber responder con rapidez y precisión.
_ ¿Cuáles eran los temas de las payadas?
_ El amor, la mujer, la flora, la geografía, los astros, la historia, las batallas, la religión, la política. En fin, todo lo imaginable.
_ ¿Hubo mujeres que payaran?
_ Sí, pero no primitivamente. Es un fenómeno más reciente, tal vez desde los años 30, pero ninguna de ellas grabó.
_ ¿Y payadores que se convirtieran luego en cantores nativos o de tango?
_ Está Pancho Cueva, que era Francisco Bianco. Después cantó con Eduardo Arolas y grabó "La payanca" en 1917. Luego siguió cantando solo, y grabó "El desalojo" ("Flor de fango") en el sello Telephone poco después de que Gardel registrara "Mi noche triste".
_ ¿Cómo pudieron grabar tantos artistas populares?
_ Eso se lo debemos a Carl Lindström, un escandinavo establecido en Alemania, que competía mundialmente con la Victor y la Columbia. Lindström ofrecía a los dueños de casas de música, bazares u otras tiendas, a cambio de que le compraran 2000 discos por adelantado, lanzarlos con sus propios sellos y con los músicos que erigiesen. Esta modalidad prosperó especialmente en los años previos al Centenario, cuando arreciaba la demanda de gramófonos y discos. Así fue como muchos músicos, incluyendo payadores, pudieron grabar y llegaron hasta nosotros.
_ ¿Qué técnica utilizaban para grabar?
_ En aquellas épocas se grababa y reproducía sin intervención de la electricidad, y alumbrándose a kerosén. El aparato grabador funcionaba a pesas, que mantenían la velocidad constante. Y el fonógrafo era a manija. Los aparatos eran construidos por mecánicos, herreros y carpinteros. Todo era puramente acústico y genuino: el intérprete se paraba frente a la bocina y no podía interrumpir la grabación hasta haberla terminado. Es decir, no había medios artificiales para hermosear su versión: debía bastar con la propia voz.Fuente www.fracturaexpuesta.foroactivo.com

Angel Villoldo Biografia

Angel Villoldo

VILLOLDO, Ángel Gregorio. Músico. Guitarrista. Armonista. Cantor. Actor, Compositor.
1. Semblanza. El más completo, fecundo, interesante y representativo de los artistas de tango de la generación de 1895. Se le llamó "El papá del tango criollo", en mérito a su larga y talentosa consagración a la canción popular ciudadana de la que fue precursor primero, anima-dor más tarde y figura consular por último. Compositor de prodigalidad excepcional e inagotable imaginación, combinó en su arte las influencias de la payada y de la milonga improvisadora que aprendió en los almacenes del extramuro, con el colorido y la intención de los cantables del teatro lírico popular español de gran divulgación en su época. Esa amalgama inesperadamente integrada en su imaginación y en su temperamento, alcanzó a caracterizar también su labor de intérprete vocal. Tal pues, el carácter de sus tangos—La morocha, con música de Saborido, El choclo, El presumido, Cuidado con los cincuenta, Yunta brava, Petit Salón— llenos del encanto, de la gracia y de la melancolía que fueron también las suyas pro-pias. Fue auténtico pionero en la edición de sus obras, en la grabación de discos fonográficos, en los escenarios del varieté y en la popularización del tango en Europa, aventura ésta que compartió con el dueto formado por Flora y Alfredo Gobbi.
2. Vida. Nació en Buenos Aires en 1868. Estudió algo de guitarra. Fue payador, artista circence y autor teatral con Fosforito, El Mayordomo y Los Nocheros. Compuso sus primeros tangos poco después de 1890: El pechador, Las tocayas, El fogonazo. En los cafetines de La Boca eje-cutó el piano, el vioiín, la guitarra y la armónica dirigiendo además una pequeña orquesta en el Café de las Flores. Compuso en 1903 El porteñito, página que le reportó su primer éxito de monta. Poco más tarde dio a conocer El choclo, y en 1905 versificó para la actriz Lola Cánda-les, La morocha de Saborido, logrando que sus versitos sorprendentes y pueriles penetraran el cerco cernido alrededor del tango por todos los sectores sociales. Alrededor de 1907, por encargo de la casa Gath y Chaves realizó su excursión europea, grabando tangos en estudios fonográficos franceses. Cuando a su regreso, ya en descenso los géneros escénicos que lo lle-varan a la fama, se consagró al periodismo escribiendo crónicas costumbristas y en diálogo para "Caras y Caretas" y "Fray Mocho". Posteriormente puso un conservatorio en la calle Defensa, con el que ganó su vida hasta su fallecimiento, el 14 de octubre de 1919. Otros tangos suyos entre cien editados en papel o grabados en discos son: Sácame una película gordito, El esquinazo, Bolada de aficionado, Soy tremendo, El cachorrito, Ricotona, Vas a vivir mucho, Como le parezca. En 1964 José Gobello prologó y seleccionó un puñado de sus diá-logos en un volumen editado por Freeland. Fuente Horacio Ferrer

Gabino Ezeiza Biografia

Gabino Ezeiza

EZEIZA, Gabino. Payador. Milonguero. Nació en Buenos Aires, barriada de San Telmo, el 3 de febrero de 1858. Artista de color, principió en los ingenios de la guitarra y de la rima inesperada cuando no tenía sino quince años de edad. Y del almacén del también moreno Pancho Luna, en su barrio natal, arranca la fama que lo vinculó a Leandro Alem y a Hipólito Yrigoyen. Casado con una nieta del Chacho, tuvo su propio circo: el Pabellón Argentino. En las arenas de éste y en otros escenarios rioplatenses, hizo sus célebres tenidas de contrapunto: con el uruguayo Fuerte, en 1885, en una pulpería montevideana de San José y Florida; con el igualmente oriental Juan de Nava, en 1884 —ocasión en la cual improvisó su popular Heroico Paysandú. Se confrontó más tarde con Nemesio Trejo, con el entrerriano Vieytes, con el negro Cazón, con Santillán y con Pablo Vázquez, en la legendaria trenzada de tres días y tres noches, en Pergamino, durante junio de 1891. Alcanzó también a grabar discos para la casa Columbia. Fue hombre de la noche por la cortada Carabelas. Payando en cifra y especialmente en milonga, como otros trovadores que trajeron un soplo del alma de la frontera al empedrado y al asfalto de la ciudad, vino a ser precursor, sobremanera en lenguaje y modo poético, de los primeros letristas de tango. Murió en Buenos Aires el 12 de octubre de 1916.Fuente Horacio Ferrer

Los Payadores en el tango - Colecciones privadas de Francisco Orrego

Grabaciones Realizadas entre 1904 y 1930
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 67.- Mb/Total time: 53:14

Esta seleccion de payadadas referidas al tango, nos llega por una gentileza de Juan Francisco Orrego de Cali Colombia. Por los años en que fueron realizadas las grabaciones se puede considerar un documento historico.
Gracias!!!!!

Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras

Biografia de Los payadores en el tango

Biografia de Angel Villoldo

Biografia de Gabino Ezeiza

Tracks
Ambrosio Rio & Guitarra***Obsequio De Atlanta - 1914 (Inédito)
Ángel G. Villoldo & Guitarra***El Negro Alegre - 1909
Ángel G. Villoldo & Guitarra***El Pimpollo - 1904
Ángel Greco & Guiitarra***El Alma Del Payador - 1914
Antonio Gaggiano & Guitarra***La Imagen Del Payador - 1914
Arturo A. Mathon & su Conjunto***La Chirimoya Argentina - 1912
Arturo De Nava & Guitarra***Ensalada Criolla - 1910
Arturo De Nava & Guitarra***Tango De Los Negros - 1907
Evaristo Barrios (Recitado) & Guitarra***Canto Al Gringo - 1930
Florencio Constantino & Conjunto***Vidalita - 1909
Florio Silva & Guitarra***A La Guardia Nacional - 1908
Francisco Bianco 'Pancho Cuevas' & Orquesta de Eduardo Arolas***La Payanca - 1917
Gabino Ezeiza & Guitarra***El Tango Patagones - 1905
Gabino Ezeiza & Guitarras***Saludo A Paysandú - 1913
José Betinoti & Guitarra***Cívica Radical - 1913
Jose Madriaga & Guitarra***Memorias A Vásquez - 1905
José María Silva & Guitarra***El Payador - 1909
José María Silva & Guitarra***La Otra Noche En Los Corrales - 1914
Juan Pedro López & Guitarra***Agradecimiento - 1922

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Domenico Modugno Biografia

Domenico Modugno

Domenico Modugno

Domenico Modugno (Polignano a Mare, Bari 9 de enero de 1928 - Lampedusa 6 de agosto de 1994) fue un cantante y actor italiano muy famoso y apreciado en la Italia de la segunda posguerra.

Desde muy joven, Domenico quería ser actor. En 1951, después de terminar el servicio militar y gracias a una beca, accedió al Centro Experimental de Cinematografía de Roma, apareciendo más tarde en unas cuantas películas. Después de protagonizar Il mantello rosso (La capa roja), inició su carrera de cantante.

En la década de los 50 se hizo muy popular en los Estados Unidos. Se convirtió en uno de los protagonistas de la música melódica internacional cuando, con Nel blu dipinto di blu (más conocida como Volare), triunfó en el Festival de San Remo de 1958 junto a Johnny Dorelli. Con esta misma canción, participó también el Festival de la Canción de Eurovisión de ese mismo año, quedando en tercera posición (de diez). En 1960 se le acusó de plagiar la canción de un compositor de ópera, aunque se le declaró inocente. Ganó tres veces más el Festival de San Remo con Piove (1959, nuevamente con Johny Dorelli), Addio, addio (1962, en compañía de Claudio Villa) y Dio, come ti amo (1966, juntamente con Gigliola Cinquetti). En Eurovisión volvió a participar en 1959 y 1966.

Actor teatral y cinematográfico, apareció en la comedia musical Rinaldo in campo (1961), de Garinei e Giovannini, y en Liolà, adaptación de la célebre ópera de Luigi Pirandello. En el cine interpretó Il giudizio universale de Vittorio De Sica, mientras que de 1973 a 1976 fue Mackie Messer en la Opera da tre soldi de Kurt Weill y Bertolt Brecht, dirigida por Giorgio Strehler. Pier Paolo Pasolini usó canciones de Modugno para la banda sonora de Pajaritos y Pajarracos, una de sus películas fundamentales.
Artista conocidísimo y de gran presencia escénica, se recuerdan, entre otras canciones, La lontananza (La distancia es como el viento), Piove (Ciao, ciao bambina) (Llueve), Vecchio frack (Viejo frack), Resta cu' mme (Quédate Conmigo) (en idioma napolitano), Dio, come ti amo (Dios, cómo te amo), Piange il telefono (Llora el teléfono / Le telephone pleure), Un calcio alla città (Un puntapié a la ciudad), Lu pisci spada (El pez espada) (en idioma siciliano) y Come hai fatto (Como has hecho). Domenico Modugno sufrió un ictus en 1984 y fue forzado a dejar la actividad artística. Se dedicó a la política y fue elegido parlamentario en la lista del Partido Radical Italiano de 1987 a 1992.

Entre algunos de sus reconocimientos post-morten, en el 50º Aniversario del Festival de Eurovisión, celebrado en 2005, se nombró a Volare como la mejor canción de la Historia del concurso tras Waterloo de ABBA. Además esta valoración venía a hacer "justicia" con el cero que Domenico obtuvo en el Festival de Eurovisión de 1966 con Dio come ti amo, con el cual se sintió profundamente dolido. En 2008 además, el Ministerio de Comunicación de Italia distribuirá sellos en conmemoración de Volare y Domenico.Fuente Wikipedia

Domenico Modugno - Los mágicos 60

Genero: Pop, Baladas romanticas, Italia, Cantores
Nivel: Mandarin recors
Grabaciones originales en la decada del 60'
Año CD 1997
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 67.8 Mb/Total time: 40:28

Biografia de Domenico Modugno

Tracks
01-Vecchio Frac
02-Nel Blu Dipinto Di Blu
03-Piove (Ciao, Ciao, Bambina)
04-Musetto
05-Resta Cu Me
06-Adio... Adio
07-Strada 'fosa
08-Libero
09-Tu Si `na Cosa Grande
10-O Caffe
11-Io
12-Stasera Pago Io

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Hector Stamponi Biografia

Hector Stamponi en Mexico en 1943


Aníbal Troilo, Argentino Galván, Héctor Stamponi, Roberto Grela y Enrique Mario Francini en 1953


Hector Stamponi con Enrique Mario Francini en 1964

STAMPONI, Héctor. (24 de diciembre de 1916 - 3 de diciembre de 1997)
Nombre completo: Héctor Luciano Stamponi Apodo: Chupita
Músico. Pianista. Director. Compositor. Arregiador. Valor de los más representativos de la Generación del Cuarenta, proyectó su carrera musical en todos los aspectos de la evolución estética del tango. Compositor, produjo un repertorio importante en todas las variedades formales: inquietud, Perdóname, Yo quería ser feliz, Junto a tu corazón, Qué me van a hablar de amor, El trompo azul, Aquí nomás, La intriga, entre los cantables, y entre los instrumentales Festejando, Parisién, Romance y tango, páginas que definen inequívocamente su estilo. Juntamente con Eduardo Pereyra, Osvaldo Pugliese, Horacio Salgan, Lucio Demare, ha sido uno de los mayores solistas de piano individualizado por su peculiar fraseo, su inconfundible ma-nera de "decir" en el piano y de armonizar los temas. En este aspecto alcanzaron relevante ubicación cuatro versiones grabadas en 1961 para el sello Gente de Tango sobre la base de tangos de Adolfo Ábalos.
Arreglador y concertador de orquestas a lo largo de veinte años puso de manifiesto en todas sus actuaciones y trabajos como tal, sus ideas musicales de invariable buen gusto y honda raigambre tanguera. Nació" en Campana, provincia de Buenos Aires, el 24 de diciembre de 1916. Comenzó a estudiar piano en 1932 bajo la orientación de la maestra Esther Cultelli, cursando simultáneamente para maestro normal, título con el que se graduó a los dieciocho años de edad. Sus principios como profesional datan de 1936 en las recordadas Matines de Juan Manuel, como pianista de la orquesta de Juan Elhert. Posteriormente integró los conjuntos de Federico Scorticati, en 1938; de Miguel Caló, en 1939; y de Antonio Ródio, en 1941. En 1943 se radicó en México, secundando musicalmente la actuación de la actriz Amanda Ledesma y escribiendo música para películas. A su regreso formó su orquesta propia grabando discos Víctor hasta 1949, con el vocalista Guillermo Arbós. Posteriormente dirigió y arregló los acompañamientos de Hugo del Carril, de Alberto Marino, de Roberto Rufino y de Charlo; a éste, luego del viaje a los Estados Unidos en 1952. Retomó a la sazón sus estudios musicales, perfeccionándose en armonía con Alberto Ginastera, y con Julián Bautista en composición, constituyéndose en uno de los más firmes paladines de las nuevas ideas orquestales, las cuales divulgó a través de sus arreglos para la Editorial Korn y para Les Editions Universelles de Francia. En 1953 formó con Enrique Francini un dúo de piano y violín, cuyas realizaciones ofreció desde entonces en recitales públicos y radiales, en programas de televisión y en Caño 14 y registró para discos del sello Víctor. En 1959 con "Kicho" Díaz como contrabajista y Mario Demarco como primer bandoneón, rehizo su orquesta para secundar a Edmundo Rivero compartiendo luego con aquellos mismos solistas y con Raúl Lavié sus actuaciones por Radio Belgrano, cabaret Casanova y discos Philips.
En 1963 fue contratado para musicalizar la película Carlos Gardel. Historia de un ídolo, en tanto volvió a actuar por Radio Belgrano esta vez con un sexteto y en diversas actuaciones, conduciendo los acompañamientos de la cancionista Rosita Quintana. Simultáneamente tocó como solista y como director en Caño 14, de la calle Uruguay; colaboró en la escritura de la orquesta de Aníbal Troüo y musicalizó la comedia de Cátulo Castillo, Cielo de Barrilete. Fue du-rante ocho años vicepresidente de SADAIC, cumpliendo una destacada tarea gremial.
Además de los tangos ya citados, compuso Mi cantar, Es mejor olvidar, Pueblito de provincia, En la hueila dei adiós, Perro'e sulky, Alguien, Zamba, Canción de Ave María, No, no matarás, habiendo incursionado también como letrista en dos composiciones propias: los tangos Cuando cuentes (a historia de tu vida, Yo Quería ser feliz y el vals Un Momento. Fuente Horacio Ferrer.

LP Edmundo Rivero con la Orquesta de Hector Stamponi - Canta a Discepolo

Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantores
LP grabado en 1959 en el sello Philips
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 56.5 Mb/Total time: 36:21

Principales integrantes de la orquesta de Hector Stamponi en esta grabacion
Voz: Edmundo Rivero(va como solista)
Hector Stamponi: Piano y Direccion
Bandoneon: Mario Demarco
Violin: Raul Marcelli
Contrabajo: Kicho Diaz
Viola: Mario Lalli
Cello: Jose Bragato

Biografia de Hector Stamponi

Biografia de Edmundo Rivero

Tracks
A1-Cafetín De Buenos Aires
A2-Confesión
A3-Uno
A4-Chorra
A5-Cambalache
A6-Sin Palabras

B1-Infamia
B2-Malevaje
B3-Carrillón De La Merced
B4-Secreto
B5-Martirio
B6-Fangal

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Julie Andrews Biografia

Julie Andrews


Julie Andrews


Julie Andrews

Dame Julie Elizabeth Andrews DBE, (nacida en Walton-on-Thames, Surrey, Inglaterra, 1 de octubre de 1935) es una actriz y cantante británica
De nombre real Julia Elisabeth Wells, Julie Andrews nació en Walton-on-Thames, en el condado de Surrey, del matrimonio entre un actor y una pianista. Ya desde muy joven, la pequeña Julie dio muestra de su talento y de una gran voz, llegando a tener un rango vocal de entre cuatro y cinco octavas, por lo que sus padres hicieron que recibiera clases de canto para que desarrollara sus habilidades vocales. Su primer contacto con la industria del espectáculo se dio con sus padres con un show de vaudeville,

Sus primeras actuaciones tuvieron lugar durante la Segunda Guerra Mundial, entreteniendo a las tropas británicas por todo el Reino Unido junto a la también joven artista Petula Clark.

Su primera interpretación en el teatro fue en el Teatro West End de Londres, en el año 1947 en el hipódromo de Londres con la obra Starlight roof, posteriormente con una versión de Cinderella . Su debut en los Estados Unidos de América se produjo en 1954, en la producción de Broadway The Boy friend.

En 1956, los compositores Frederick Loewe y Alan Jay Lerner contratan a Andrews para que protagonice junto a Rex Harrison la versión teatral de la obra de George Bernard Shaw "Pygmalion", a la que llamaron "My fair lady". Esta obra fue un éxito tanto de taquilla como de público, y años después fue llevada al cine, esta vez protagonizada por Audrey Hepburn.

En 1961, los mismos productores vuelven a contratar a Julie Andrews para que protagonice su nueva obra teatral. Esta vez se trata de una adaptación de la leyenda del Rey Arturo, a la que llaman "Camelot". La representación vuelve a ser un éxito y empieza a dar fama a la actriz dentro del mundo artístico.

Después de perder el papel en "My fair lady", Julie Andrews consigue el papel protagonista en una de las películas que con el tiempo se convertiría en un clásico de Disney: "Mary Poppins". Por su papel en esta película, en la que interpreta a una niñera muy especial, cuyo trabajo es educar a los dos hijos de un matrimonio londinense, la actriz ganó el Globo de Oro a la mejor actriz de comedia o musical, el Oscar a la mejor actriz y junto a los otros protagonistas de la película, el Grammy al mejor álbum para niños en 1965. No es menor el recuerdo de Julie en la película ""La Americanización de Emily""

Al año siguiente, la actriz volvió a ser candidata al Oscar a la mejor actriz, esta vez por su interpretación de una novicia convertida en institutriz en la película "The Sound of Music" (conocida en América Latina como "La novicia rebelde" y en España como "Sonrisas y lágrimas"). Ese año el premio se los llevó Julie Christie por su papel en "Darling". Pero esta película fue la que la elevó al estrellato dentro de Hollywood. Muestra de ello es que en los dos años siguientes protagonizó "Hawaii", junto a Max von Sydow, la película de Alfred Hitchcock "Cortina rasgada", junto a Paul Newman, y "Millie, una chica moderna", junto a Mary Tyler Moore y Carol Channing.

A partir de ese momento, y después de protagonizar Star! y Darling Lili comienza un pequeño declive en la carrera cinematográfica de Andrews, a pesar de que todavía aparece an algunas películas dirigidas por su segundo marido, Blake Edwards, como 10, la mujer perfecta, (S.O.B.) Sois hOnrados bandidos o Victor Victoria(película que fue un gran éxito y aparte de darle un globo de oro a mejor actriz de comedia/musical, y una nueva nominación al Premio Oscar en 1982, siendo para muchos su mejor actuación). A pesar de este éxito, no tuvo mucha suerte en las siguientes películas, por lo que durante las décadas de 1980 y 1990, apenas aparezca en películas.

Con el cambio de siglo, la actriz protagoniza junto a Anne Hathaway la película The Princess Diaries (2001) y su secuela. Las películas se convierten en grandes éxitos de taquilla y vuelven a relanzar la carrera de Andrews. Así en 2004, presta su voz para el personaje de la reina Lillian en la película Shrek 2, secuela del gran éxito comercial en 2001.

En el año 2000, recibió el título de Dama del Imperio Británico de manos de la reina Isabel II de Inglaterra. Además, posee una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood, concretamente en el 6901 de Hollywood Blvd.

Según el Selecciones del Reader´s Diggest en una entrevista ella comentó que no volvía a los escenarios para cantar debido a una enfermedad en su laringe, siendo operada en 1998.Fuente Wikipedia

Julie Andrews - Julie Andrews Sings

Genero: Pop, Instrumental, vocal
Lanzamiento en LP en 1959 en RCA
LLevado a CD en 1999 en Japon por RCA
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 44.5 Mb/Total time: 30:31

Biografia de Julie Andrews

Tracks
01-It Might As Well Be Spring
02-Falling In Love With Love
03-We'll Gather Lilacs In The Spring
04-He Loves And She Loves
05-I'm Old-Fashioned
06-You're A Builder-Upper
07-Little Old Lady
08-My Ship
09-Cheek To Cheek
10-Come To Me-Bend To Me
11-So In Love
12-Matelot

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Juan Cambareri Biografia

Juan Cambareri


Juan Cambareri con el Cuaterto Roberto Firpo(a la izquierda)

Cuarteto Juan Cambareri

Bandoneonista, director y compositor
(15 de abril de 1916 - 18 de febrero de 1992)
Nació en la ciudad de Viedma, capital de la provincia de Río Negro. Al comienzo de la década del veinte, su familia se trasladó a la Capital Federal y se estableció en el barrio de Balvanera.

Al poco tiempo, su padre lo llevó a estudiar bandoneón con un profesor de la zona del Mercado Spinetto. A los diez años ingresó a un conservatorio y logró tal virtuosismo y perfección que, al pasar los años y a modo de reconocimiento, fue conocido como "El Mago del Bandoneón".

Apenas 6 años después, en plena adolescencia, fue requerido por el maestro Roberto Firpo para integrar su orquesta, junto al joven pianista Carlos García.

Su capacidad musical y la adaptación a las exigencias de Firpo le permitieron escalar rápidamente en la consideración del director y, al año siguiente, cuando éste creó su cuarteto "Los de Antes", lo invita a participar. No se trató de una formación más, fue el más importante de los cuartetos de la historia del tango, tanto en permanencia como en popularidad.

A partir del cuarteto, Cambareri va adquiriendo un estilo musical, en el que se destacaba su gran digitación y su particular sentido rítmico. Fue el puntal de la formación durante los 14 años que permaneció junto al maestro.

También fue requerido por Jaime Yankelevich -titular y director general de Radio Belgrano, para participar con un cuarteto propio en el programa más escuchado en Argentina y en varios países limítrofes, "La Audición de Jabón Federal", que se transmitía los días jueves a las 21 horas y los domingos de 12:30 a 14 horas.

Lo notable fue que actuó en dicho ciclo durante 18 años, junto a un elenco de grandes estrellas como Alberto Castillo, Pedro Maffia, Hugo del Carril, Antonio Tormo, los cantantes españoles Angelillo y Miguel de Molina, el tenor italiano Carlos Butti, y el cantor ítalo-estadounidense Nicola Paone, entre otros.

Al mismo tiempo, era requerido, permanentemente, por empresarios del espectáculo para actuar en los grandes bailes y escenarios, no sólo en el país, también en el extranjero. En Uruguay permanecía largas temporadas, viajando a Buenos Aires, únicamente, para participar en el programa de Radio Belgrano.

Su exitoso cuarteto estaba integrado por José Fernández en violín, Fernando Porcelli en contrabajo, Juan Rizzo en piano y la voz de Américo Podestá, a quien luego continuó Alberto Casares.

En 1948, otra vez en el Uruguay, fue convocado por el sello Sondor, donde realizó sus primeras grabaciones: "La puñalada" de Pintín Castellanos y "El amanecer" de Roberto Firpo. Dos años más tarde, repitió en la Argentina para el sello Pampa -subsidiario del sello Odeon-, empresa en la que permaneció hasta 1955. Los primeros registros fueron "El choclo", de Ángel Villoldo, y el vals "Corazón de oro", de Francisco Canaro.

En 1955, dirigió la orquesta estable de la emisora, continuó con los espacios de "Jabón Federal" y con sus grabaciones en Pampa, hasta que, como todos los artistas del tango, comenzó a sufrir el avance de la llamada "nueva ola musical". Ya se había alejado el cantor Alberto Casares y su lugar fue cubierto hasta el final, por el vocalista Héctor Berardi. Además de Radio Belgrano también realizó presentaciones en otras emisoras.

En 1968, reapareció en el sello Music-Hall, con algunas reediciones y, al año siguiente, lo contrataron para realizar una extensa y exitosa gira por Japón. El cuarteto estaba formado por Juan Rizzo en el piano, Juan Gandolfo y Felipe Escomabache en los violines y, por supuesto, Cambareri en el bandoneón.

En 1971 participó en el programa televisivo "El tango del millón" y continuó, durante algunos años, con extensas giras por el Uruguay y el Brasil.

En 1981, Music-Hall editó una cassette llamada "Tangos compadres", con los instrumentales "A su memoria", "Bien de arrabal", "Color de rosa", "Lluvia de estrellas", "Papas calientes" y "Para siempre este tango" (composición propia), entre otros. En algunos temas participa el cantor Héctor Berardi.

En este, su último trabajo discográfico, demuestra toda su experiencia, capacidad y virtuosismo, todo lo cual se comprueba, simplemente, con escuchar ese clásico de Osmar Maderna, "Lluvia de estrellas".Fuente Abel Palermo de Todotango www.todotango.com
Se agradece a Abel Palermo y a Todotango

Orquesta Juan Cambareri - Seleccion de temas-Colecciones privadas Juan Francisco Orrero

Genero Tango, Orquestas de tango, instrumental, vocal
Grabaciones realizadas entre 1948 y 1951
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 99.4 Mb/Total time: 64:06

Esta seleccion de temas de la Orquesta de Juan Cambareri nos llega por una gentileza de Juan Francisco Orrego de Cali Colombia.
Gracias!!!!!

Las grabaciones fueron realizadas en el sello Pampa, a excepcion de los temas cantados por Hector Berardi que se realizaron en Music-Hall

Biografia Juan Cambareri

Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras

Tracks
01-El Choclo - Instrumental-1950
02-Cicatrices - Alberto Casares-1948
03-Corazón De Oro - Instrumental-1950
04-Desde El Alma - Instrumental-1948
05-Desesperanza Negra - Hector Beradi-1968
06-Dime Que No Me Olvidas - Alberto Casares & Roberto Taibo-1949
07-Don Juan - Instrumental-1948
08-El Aeroplano - Instrumental-1951
09-El Amanecer - Instrumental-1948
10-El Llorón - Instrumental-1950
11-El Pañuelito - Instrumental-1949
12-El Porteñito - Instrumental-1949
13-El Trovero - Hector Beradi-1968
14-Felicia - Instrumental-1951
15-Gran Hotel Victoria - Instrumental-1951
16-Intimas - Alberto Casares-1949
17-La Cumparsita - Instrumental-1950
18-La Morocha - Instrumental-1949
19-Malevaje - Alberto Casares-1949
20-Mi Linda Santa Rosa - Hector Beradi-1968
21-Pena Mulata - Instrumental-1951
22-Rodríguez Peña - Instrumental-1950
23-Saludos - Instrumental-1950
24-Te Aconsejo Que Me Olvides - Alberto Casares-1951
25-Vieja Milonga - Instrumental-1948

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Connie Francis Biografia

Connie Francis

Connie Francis

Concetta Rosa Maria Franconero (12 de diciembre, 1938 Newark, New Jersey- ), nombre real de Connie Francis, es una cantante de música popular estadunidense. A mediados del siglo XX llegó a ser todo un ícono juvenil. En su repertorio figuran temas de muchos géneros musicales y en distintos idiomas. Algunas interpretaciones suyas de temas tradicionales en español son verdaderos clásicos en América Latina.
Acaso a instancias de sus padres, inmigrantes italianos, Concetta aprendió a tocar el acordeón siendo todavía una niña. Interpretaba acompañándose con su propia voz. Pronto se presentaría en programas de radio y televisión para noveles, a saber, Children’s Hour, The Ted Mack Amateur Hour y Arthur Godfrey Talent Scout Show. Con doce años de edad debutó en The Startime Kids, un canal de televisión neoyorquino de la NBC. Allí la querían para que cantara y no para que tocara el acordeón, por lo cual dejó el instrumento. También se le sugirió que cambiara su nombre y apellido por otros más fáciles de pronunciar en inglés, de ahí Connie Francis.

A los dieciséis años grabó, con dinero que reunieron ella y su agente musical, su primer disco, el cual contenía las canciones “Didn’t I Love Enough”, “Freddy”, “(Oh Please) Make Him Jealous” y “Goody Goodbye”. No obstante el débil impacto comercial de estas grabaciones, la multinacional MGM contrató a Connie y lanzó su segundo disco: un sencillo con “Are You Satisfied?” y “My Treasure”. Estos temas y los que grabó luego tampoco se impusieron en el mercado, razón por la cual la MGM iba a cancelarle el contrato. Tan sólo para cumplir con este, Connie, desahuciada ya de su carrera musical, grabó una versión de “Who’s Sorry Now”, una canción que había sido popular bastantes años antes. El padre de la artista fue el que, debido a su mucha influencia sobre ella, le mandó cantar dicha composición, a la que se le hicieron algunos arreglos para modernizarla. La sinigual voz de Connie se oye en la grabación con el acompañamiento vocal masculino y el fondo pianístico típicos de la época. Esta versión de “Who’s Sorry Now” llegó al cuarto puesto de la lista Billboard y al primero en las listas musicales inglesas en el año 1958. Fue por sus ventas disco de oro. Y mucho después, en el 2000, sería nombrada como una de las trescientas sesenta y cinco canciones más importantes del siglo XX.

Adquirió fama interpretando baladas ligeras, algunas de las cuales ya eran en ese entonces temas viejos. Aparte de la ya nombrada “Who’s Sorry Now”, entran en este lote “I'm Sorry I Made You Cry”, “My Happiness”, “If I Didn’t Care” y “Among My Souvenirs”. Connie les añadía los discretos sollozos que fueron la marca de su estilo musical. Combinaba su potente voz con inflexiones deliciosamente lloronas. Tal vez por eso quedó encantada al oír “Stupid Cupid”, una canción rockera que requiere una como onomatopeya. Compuesta por Neil Sedaka y Howard Greenfield, se la presentaron ellos mismos a una Connie que en una sola audición había desdeñado todas las otras canciones del tándem por considerarlas “demasiado intelectuales para los jóvenes”. Por no dejar y para buena sorpresa de Connie, los compositores interpretaron al final la pieza. Por la buena estrella de “Stupid Cupid” en las carteleras, Connie grabó “Fallin’” y “Frankie”, otras no menos espléndidas piezas de Sedaka y Greenfield, quienes más adelante escribirían para la cantante “Where the Boys Are”, tema de la película homónima.

Connie grabó en 9 idiomas durante su carrera incluyendo: inglés, italiano, francés, alemán, japonés, yiddish, portugués y español, en este último cabe destacar la interpretación que Connie hace del legendario tema de Ernesto Lecuona "Malagueña" y de las inolvidables "Solamente una vez" y "Granada" de Agustín Lara. "Mi tonto amor" es su éxito más popular en México. Es preciso sin embargo señalar que también adaptó algunos de sus éxitos en el mercado estadounidense al español. Es el caso de "Donde hay chicos". Su primer álbum fue precisamente en italiano, siguiéndole posteriormente diversas interpretaciones en el idioma italiano. "Wher the Boys Are" y "Stupid Cupid" son algunos de los éxitos de Neil Sedaka y Howard Greenfield que más versiones han tenido. "Everybody's Somebody Fool" logró fama al aparecer en el filme del mismo nombre. Ahí Francis actuó un personaje interpretando el tema. Actuó en 1960 en la película "Where the Boys Are". En la primera mitad de los 60 estelarizó 3 filmes más: "Follow the Boys"(1963), "Looking for Love"(1964) y "When the Boy's Meet the Girls"(1965). Llegó a ser la más joven anfitriona en cantar en Las Vegas, en donde cantó durante 28 días anuales durante 9 años. En 1961 tuvo éxito al estelarizar su propia emisión televisiva patrocinada por Brylcreem titulada Kicking Sound Around actuando al lado de Tab Hunter, Eddie Foy Jr. y Art Carney. Apareció en el Show de Ed Sullivan el 1 de Julio de 1962 con el cantante frances Johnny Hallyday en una emisión que fue escenificada en el famoso Moulin Rouge (Molino Rojo) de París. En 1963 actuó frente a la Reina Elizabeth II en el Teatro Alhambra en Glasgow Escocia. Ya en 1967 había colocado 35 hits dentro de los Top 40 y 3 números uno en su historial. Por ser Connie amante de la música Country grabó también algunos álbumes del género. En 1969 hizo un modesto regreso a la cartelera musical con su rema "The Wedding Cake". Volvió a las listas de popularidad con el tema country "There's Still a Few Good Love Songs Left in Me". También sus éxitos iniciales fueron llevados a este estilo musical en las voces de Marie Osmond, Susan Raye, Margo Smith y Debby Boone. Durante la guerra de Vietnam Connie cantó temas para las tropas americanas. Francis concluyó su carrera de grabaciones en 1969. En 1973 regresó con "The Answer", una canción escrita para ella. Su hijo Joey nació en 1974. La tragedia le alcanzaría cuando en 1974 sufrió una violación en un hotel luego de una presentación en Westbury, Nueva York. Una cirugía nasal fue necesaria para corregir su sensibilidad al aire acondicionado lo que limitó severamente sus aptitudes para cantar durante 4 años. Su hermano sería asesinado en 1981.

La autobiografía de Francis, "Who's sorry Now?" fue publicada en 1984. Connie fue diagnosticada con Trastorno Bipolar, un padecimiento que implica severas depresiones y periodos de gran euforia, usa la droga Lithium para equilibrar sus estados anímicos. Connie sigue activa en la actualidad cantando y actuando por todo el mundo con el mismo atractivo que se le ha conocido, sus actuaciones siempre tienen localidades agotada.Fuente Wikipedia

Juan Polito Biografia

Juan Polito en la portada de la edición de su tango en 1927


Juan Polito y su orquesta

POLITO, Juan. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arregiador.
Hermano menor de Antonio y Pedro Polito. Nació en Buenos Aires el 11 de julio de 1909. Inició su carrera hacia 1925 integrando sucesivamente las formaciones de Juan Maglio, de Anselmo Aieta y de Juan D'Arienzo, ésta en varias ocasiones. Dirigió la Orquesta Típica Brunswick y la propia en 1930 en el café Guarany, y de 1941 a 1951 luego, etapa ésta durante la cual el suyo fue el último conjunto que actuó en el famoso café Nacional de la calle Corrientes. En 1937 formó en el conjunto Los magos del tango. Fui —excelente obra—, Entre sueños, La bruja, y Se mira y no se toca, son algunos de sus tangos más salientes. Compuso además: Bueno, derecho y varón, Digan lo que digan, El duende, Año nuevo, Un chispazo, ¡Nene!, Quedó en venir a las nueve, El desquite, Campanita, Me tiro a muerto, Volvé hermanita, Entre tango y zamba.Fuente Horacio Ferrer.

Juan Polito Biografia II
Pianista, compositor y director (11 de julio de 1908 - 25 de octubre de 1981)
Seudónimo: Juan Vellejos Apodos: Manos brujas
Nació en el porteño barrio del Once. Fueron sus padres Saverio Polito e Isabel Romano. Sus hermanos, Antonio, que dominaba piano, bandoneón y guitarra y Pedro, bandoneonista de larga actuación, especialmente en Europa y Salvador, violinista, integraron una familia de destacados músicos.
De niño, ingresó en el Conservatorio Fracassi como estudiante de violonchelo instrumento que luego trocó por el piano. Abandonó el curso en 1925, con motivo de la desaparición de sus padres. Un año más tarde debutaba en el Bar Domínguez en la famosa orquesta de Juan Maglio, donde permanece casi tres años. Sus compañeros de entonces, Juan Maglio, Rafael Rossi y Nicolás Primiani (bandoneones); E. Bonis y Emilio Puglisi (violines) y Francisco De Lorenzo (contrabajo). El conjunto se reforzaba con la presencia de Elvino Vardaro como destacado primer violín.
Promediando marzo de 1928, graba en Odeon cinco tangos como solista, donde sólo un tema le correspondía como autor: "Se mira y no se toca". Todo ello no tuvo circulación comercial quedando inédito. Forma parte de la orquesta de Anselmo Aieta, con presencia en los cafés Germinal y Guaraní, también en Radio Prieto. Era un sexteto que formaban Anselmo Aieta y Luis Moresco (bandoneones); Dimas Lurbes, Zendra y Menéndez (violines)y Juan Polito (piano).
Sobre el final de 1928, forma su primera orquesta, presentándose en el "Salón Imperio", Lavalle 708, con Juan G. Bracco y Luis Moresco (bandoneones), siendo el primero reemplazado enseguida por Alberto Benito Cima; Dimas Lurbes y S. Menéndez (violines).
Disuelto este conjunto, se forma para la temporada de carnaval de 1929 en el Palais de Glace, la orquesta Polito-D'Arienzo, que trabaja en diversos locales durante seis meses, formada con Juan Polito (piano); Ciriaco Ortiz, Nicolás Primiani y Florentino Ottaviano (bandoneones); Alfredo Mazzeo, Juan D'Arienzo y Luis Álvarez Cuervo (violines) y José Puglisi (contrabajo). Actuaba como estribillista Carlos Dante. Fuente Horacio Loriente en Todotango www.todotango.com
En 1930, reaparece nuevamente como director de orquesta encabezando un sexteto que se presenta en el "Salón Imperio", formado por Luis Moresco y Anselmo Esmella (bandoneones); Alberto Mercy y Remo Bernasconi (violines); Francisco Vitali (contrabajo) y él en el piano.
Promediando 1931, la Compañía de los discos Brunswick confía a Juan Polito la dirección de la Orquesta Típica Brunswick, labor que había desempeñado anteriormente Pedro Maffia. Bajo este rubro no registró actuaciones públicas, limitándose su labor a las grabaciones. Era un excelente elenco, integrado por Juan Polito (piano); Fernando y Ángel Martín, Armando Blasco y Félix Verdi (bandoneones); Salvador Polito, N. Salvador y Eugenio Nóbile (violines) y Francisco De Lorenzo (contrabajo).
En 1937 formaba en un conjunto llamado "Los magos del tango", con Daniel Álvarez y Nicolás Pepe en bandoneones, Bernardo Sevilla único violín y, el cantor Pedro Arrieta.
En julio de 1938, se incorpora a la orquesta de Juan D'Arienzo, sustituyendo a Rodolfo Biagi, prolongando su labor hasta los carnavales de 1940, cuando se aleja con todos los músicos y el cantor Alberto Echagüe. En ese período había logrado rotundos éxitos con el tango "La bruja" y el vals "Castigo". Debuta, con el elenco que antes fuera de D'Arienzo, en Radio Argentina, encabezándolo. En enero de 1943, pasa al horario central de Radio Belgrano.
En 1950, con su orquesta graba unos discos para el sello Pampa, conteniendo todos ellos temas tradicionales y, unos años más tarde, es convocado nuevamente por Juan D'Arienzo para suplir a Fulvio Salamanca, pianista que lo había reemplazado cuando se alejó de la orquesta en 1940. El 8 de mayo de 1957, con la grabación del tango "Llegando a puerto", de Mario Demarco y Enrique Lary, se produjo su nuevo debut junto al autor de "El vino triste", labor que se prolongaría hasta su retiro definitivo.
Como músico de D'Arienzo se registraron muchas presencias en Montevideo, que permitieron apreciar sus condiciones artísticas y sus dotes de excelente persona. Tuvimos con Juan Polito una linda amistad, que nos permite dar forma a esta nota en su recuerdo, con sus datos de primera mano.
Su primer tango data de 1924 y fue titulado "Mano larga". Sucesos de su fecundo acerbo autoral fueron: "Gurrumina", con versos de Enrique Dizeo, "Volvé hermanita", con letra de Salvador Polito, "Entre sueños", compartido en música con Anselmo Aieta y letra de Francisco García Jiménez, los instrumentales "Se mira y no se toca" y "Responso malevo", la milonga "Serenata" con letra de Luis Rubistein, "Quedó en venir a las nueve", con letra de Luis Caruso y "Fui", con Juan Alberto Leiva.
Con menos repercusión popular quedan sin mencionar muchos títulos creados en su última etapa con D'Arienzo, entre ellos: "La pista está que arde" (1968) y "Que cante Ignacio" (1971), que tuvieron originales versos de nuestro recordado amigo Avlis.
Merece, por todo lo expuesto, este recuerdo a Juan Polito, importante figura del tango.
Fuente de esa Biografia, Horacio Loriente de Todotango al igual que la imagen de la Orquesta. www.todotango.com (Se agradece a Horacio Ferrer y Todotango)

Orquesta Juan Polito - Colecciones privadas de El Tango y sus invitados

Genero: Tango, Orquestas de tango, instrumental, vocal
Grabaciones realizadas en el sello Pampa en los 78 rpm entre 1952 y 1953
No fueron llevadas a LP, ni CD
MP3-320kbps-Lame 3.97-Total Size: 69.8 Mb/Total time: 33:51

Estas colecciones(aproximadamente 100) nunca fueron remasterizadas a CDS, en su gran mayoria estan tomadas sobre discos 78 rpm y en otras sobre LP.
Algunas de ellas las he compartido con un pequeño grupo de amigos, pero considero que para poder perservar la obra de estos maestros las tengo que compartir en el blog y de esta forma seran muchos los que las tengan y perduraran en el tiempo. Espero que las disfruten. Todas las semanas seran posteadas algunas de estas colecciones.

Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras

Biografia de Juan Polito

Tracks
01-Trago amargo-Raul Figueroa(27-05-52)
02-Quejas de Bandoneon-Instrumental(27-05-52)
03-El aristocrata-Instrumental(25-07-52)
04-Medianoche-Jose Torres-(25-07-52)
05-El internado-Instrumental-(10-10-52)
06-Serenata-Raul Figueroa((10-10-52)
07-El taita del arrabal-Raul Figueroa(26-12-52)
08-Que noche-Instrumental-(26-12-52)
09-Un copetin-Instrumental(06-03-53)
10-Margarita Gauthier-Raul Figueroa(06-03-53
11-Una carta-Raul Figueroa(23-04-53)
12-La doma-Instrumental(23-04-53)
13-Un silbido en la noche-Instrumental(11-08-53)
14-La bruja-Raul Figueroa-(11-08-53)

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Adrian Iaies Biografia

Adrian Iaies


Adrian Iaies trio

Pianista, compositor y arreglador, nacido en Buenos Aires, Argentina, el 4 de noviembre de 1960.
La combinación de una prolífica tarea y su particular acercamiento al tango y a otras formas de la música popular argentina desde una estética claramente jazzística le ha valido numerosos halagos, dentro y fuera de la Argentina.

Nominado tres veces a los premios GRAMMY latinos por sus discos “Las Tardecitas de Minton´s” (2000), “Tango reflections” (2002) y “Las cosas tienen movimiento” (2003).

Acreedor al premio CLARÍN al “mejor músico de jazz del 2002”

Los críticos de la revista española CUADERNOS DE JAZZ votaron a “Las tardecitas de Minton´s” y “Tango Reflections” entre los discos del año. El primero de los nombrados representó, además, un suceso en ventas para un disco de jazz en La Argentina.


Recientemente recibiò el premio KONEX DE PLATINO por su tarea artística en la década comprendida entre 1995 y el 2005.

Las mùltiples facetas de este ecléctico artista se pueden ver reflejadas en su variada agenda de conciertos y grabaciones. Por un lado, IAIES acaba de editar una caja triple “UnoDosTres/Solo y bien acompañado”, con una casi totalidad de material propio que contiene solopianos, duos y trios, acompañado por algunos de los mas exquisitos músicos de jazz argentinos y en la que incluye una suite dedicada a su admirado John Lewis.
Por otro lado, su faceta mas ligada al tango se expresa a travès del TANGO REFLECTIONS TRIO, grupo que dirige junto al gran contrabajista HORACIO FUMERO.

El grupo debutò en el festival de jazz de Madrid del 2004, compartiendo la noche con el trio de Brad Mehldau, ya se ha presentado en distintos escenarios de Europa y Argentina y cuenta con un CD y DVD grabado en vivo en Buenos Aires (“Astor changes”)

Pero además, IAIES disfruta de los encuentros con artistas provenientes de otras tradiciones y géneros. Pueden mencionarse, en este sentido, su Duo casi estable con la cantante LILIANA HERRERO o el concierto multitudinario que ofreció junto al acordeonista RAUL BARBOZA en el marco del Festival de Tango de Buenos del 2006.

La revista DOWN BEAT le dedicó una página completa, algo que solo había sucedido antes con Astor Piazzolla o el Gato Barbieri, entre los músicos argentinos. Los críticos de esta misma revista lo han votado en la categoría “rising stars” en la encuesta del 2003.

También las revistas francesas JAZZMAN y JAZZ MAGAZINE han sido unánimemente elogiosas con su trabajo.
Y en su nùmero de mayo del 2005 JAZZIZ tambièn se concentrò en su trabajo con el jazz y el tango.


En diferentes formatos y con muy variados repertorios IAIES se ha presentado en innumerables escenarios alrededor del mundo entre los que merecen destacarse sus conciertos de solopiano en el Lincoln Center de Nueva York, el performing art center de Miami, el concierto de presentación de su disco “Round midnight y otros tangos” en el prestigioso Auditorio kuursal, durante el Festival de San Sebastián, el Oslo World music Festival de 2004, la semana del jazz Latino de Madrid o los conciertos junto a su cuarteto en el Auditorio Ibirapuera de San Pablo.

Ha compartido escenario con Brad Mehldau, Ron Carter, Stanley Jordan, Bebo Valdes, Yellowjackets, Lee Konitz, Richard Bona, Dino Saluzzi, Kenny Werner, Toots Thielemans y Pedro Aznar, entre otros,

Adrián Iaies ha incursionado en el cine, otra de sus pasiones. Compuso la música de “Regresados” (Bernard-Nardini) y“Tres de corazones”(Sergio Renàn), y hay inclusiones de música suya en “Música nocturna” (Rafael Filippelli). Y tambièn tiene una participación en “Lifting de corazón”de Eliseo Subiela, y “Tango, un giro extraño” de Mercedes Guevara, ambas ya exhibidas.


Ha estudiado con algunos de los más importantes músicos de la Argentina, entre los cuales merece destacarse su estrecha relación con Manolo Juárez, su maestro de composición y orquestación durante varios años. Desde el 85' se dedica a la enseñanza de música, tanto en forma particular como dirigiendo talleres de perfeccionamiento docente o dando clínicas y workshops.

Por otro lado, y sumado a sus múltiples actividades, Iaies es el creador y director artístico de SJAZZ. Un sello discográfico originalmente desarrollado dentro de EMI ODEON pero actualmente independiente que se ha dedicado a la edición de discos de músicos de jazz argentinos. (www.sjazz.com.ar).Fuente biografia y fotos web de Adrian Iaies (www.adrianiaies.com.ar)

Adrián Iaies - Las Cosas Tienen Movimiento

Genero: Tango, Instrumental, piano
Nivel:Estudios Sound - Rec
Lanzamiento CD: Enero 2002
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 72.3 Mb/Total time: 67:22

Performers
Adrián Iaies: piano
Horacio Fumero: contrabajo
Fernando Martínez: batería
Invitados: Liliana Herrero: voz (4,8) / Martín González: cajón peruano (3)

Biografia Adrian Iaies

Tracks

01-a don agustin bardi
02-arrabal amargo
03-caminito
04-maria
05-decarisimo
06-las cosas tienen movimiento
07-seminare
08-naranjo en flor
09-organito de la tarde
10-zamba del isoca
11-mediterraneo
12-eriskateando

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Al Di Meola Biografa

Al Di Meola en Budapest 2003 "Carmen"


Al Di Meola

Al DiMeola (Jersey City, 22 de julio de 1954), guitarrista estadounidense de jazz. DiMeola es uno de los grandes representantes de la fusión jazzística, en su caso tanto con el rock como con las llamadas músicas del mundo, fruto de su interés por otras tradiciones musicales extrañas al ámbito occidental. Es un virtuoso tanto con la guitarra eléctrica como con la acústica.

DiMeola estudió durante un breve periodo de tiempo en la Berklee School of Music en Boston a comienzos de los años setenta, antes de aceptar en 1974 reemplazar al guitarrista Bill Connors en el grupo de fusión Return to Forever (un grupo que incluía instrumentalistas como el tecladista Chick Corea y el bajista Stanley Clarke). Con su presencia, el grupo obtuvo un gran éxito comercial, con discos como Where Have I Known Before, de 1974; No Mystery, de 1975, y Romantic Warrior de 1976, que llevó a que DiMeola iniciase carrera en solitario.

Su carrera está jalonada brillantes ejemplos de discos de jazz fusión basados en la guitarra: 1976: Land of the Midnight Sun, 1977: Elegant Gypsy y Casino, 1979: Splendido Hotel. Obtuvo gran repercusión musical el trío que formó con otros dos gigantes de la guitarra, John McLaughlin y Paco de Lucía, para grabar en 1980 Friday Night in San Francisco. A lo largo de los años 80 y 90, Di Meola aumentó su prestigio, tocando con artistas como Paul Simon, Jean Luc Ponty,Stanley Jordan, Corea, Clarke, de Lucía, y McLaughlin. Durante los 90, Di Meola se concentró en la guitarra acústica para abordar las llamadas músicas del mundo (World Music).Fuente Wikipedia. Fotos web de Al Di Meola

Al Di Meola - Orange and blue

Genero: Jazz,guitarra, instrumental
Nivel: Wounded Bird
Año: 1994
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 63.5 Mb/Total time: 59:17

Performers:
Pino Palladino - electric & fretless basses
Manu Katche Drums
Al DiMeola - acoustic, electric, classical & 12-string guitars, Kurzweil piccolo flute, pipes, violin, Hawaiian string harp, santour, piano, synthesizer, drums, tablas, cymbals, shakers, percussion, finger snaps
Conrad Herwig - trombone
Gumbi Ortiz - congas, bongos
Simon Shaheen - violin
Andres Boyarski - saxophone
George Dalaras
Mike Pinella - trumpet
Also: Steve Gadd, Peter Erskine, Marc Johnson, Mario Parmisano, Hernan Romero, Noa

Biografia de Al Di Meola

Tracks
01-Casmir
02-Clean Pipe Song
03-Cyprus
04-If we meet Again (part 1)
05-If we meet Again (part 2)
06-On My Own
07-Orange and Blue
08-Paradiso
09-Precious Little You
10-Summer Country Song
11-Taalina Chant
12-Theme of the Mother Ship
13-This Way Before

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Orquestas Varias - Tangos... A toda orquesta

Genero: Tango, Orquestas de tango, Instrumental
Grabaciones originales entre 1950 y 1980
LLevado a CD en 1993
Nivel: Emi
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 96.8 Mb/Total time: 59:05

Tracks
01-Orquesta Osvaldo Pulgiese*****Gallo Ciego-Instrumental-1959
02-Orquesta Mariano Mores*****El Irresitible-Instrumental-1957
03-Orquesta Francisco Canaro*****El entrerriano-Instrumental-1953
04-Orquesta Anibal Troilo*****Inspiracion-Instrumental-1957
05-Orquesta Osvaldo Fresedo*****El once(A divertirse)-Instrumental-1953
06-Orquesta Hector Varela*****Ojos Negros-Instrumental-1967
07-Orquesta Jose Basso*****Amurado-Instrumental-1959
08-Orquesta Raul Garello*****Alma en pena-Instrumental-1977
09-Orquesta Alfredo De Angelis*****El huracan-Instrumental-1948
10-Orquesta Miguel Calo*****Sans Souci-Instrumental-1964
11-Orquesta Osvaldo Pugliese*****Zum-Instrumental-1973
12-Orquesta Mariano Mores*****El monito-Instrumental-1960
13-Orquesta Francisco Canaro*****Lorenzo-Instrumental-1950
14-Orquesta Anibal Troilo*****La bordona-Instrumental-1958
15-Orquesta Osvaldo Fresedo*****El espiante-Instrumental-1955
16-Orquesta Hector Varela*****La viruta-Instrumental-1967
17-Orquesta Jose Basso*****Don Juan-Instrumental-1955
18-Orquesta Raul Garello*****Canaro en Paris-Instrumental-1980
19-Orquesta Alfredo De Angelis*****Pavadita-Instrumental-1958
20-Orquesta Miguel Calo*****El amanecer-Instrumental-1969

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Nicola Di Bari Biografia

Nicola Di Bari

Nicola Di Bari

Nicola di Bari, cantante italiano. Nace en (Zapponeta, el 29 de septiembre de 1940), con el nombre de Michele Scommegna. Ganó el Festival de San Remo en los años 1971 y 1972.

En la década de los sesenta comenzó su carrera musical; pero el tono de su voz no le permitió lograr el éxito conrapidez. En 1963 apareció su primer sencillo y al siguiente año logró cierta popularidad con el tema "Amor, Regresa a Casa". En 1965 fue invitado a participar en el Festival de San Remo, logrando llegar a la ronda final.

En 1966 y 1967 se presentó en el festival, pero no logró llegar a la final. Su carrera continuó sin grandes sucesos, hasta que repentinamente en 1970, también en San Remo, logró reconocimiento al alcanzar el segundo lugar con el tema "La Prima Cosa Bella".

La consagración definitiva le llegó en el año 1971, y en 1972 repitó su éxito. En 1974 se presentó una vez más en San Remo y llegó a finalista. En 1972 participó en el Festival de la Canción de Eurovisión. Por sus canciones en castellano goza de gran popularidad en Latinoamérica, entre ellas, "Los días del Arco Iris", "Lisa de los Ojos Azules" , "Trotamundo" , "Rosa" , "La Primera Cosa Bella" , "Mi Corazón es un Gitano", y "Como Violetas". Sus éxitos lograron llegar a Argentina y otros países de Latinoamérica, donde realizó giras y presentaciones entre los años 70 y 80. En su época de oro grabó y cantó muchos temas, incluso en español; y sus temas "Vagabundo" y "Guitarra Suena más Bajo", junto a otros más, recorrieron Latinoamérica y lograron situarse entre los primeros en los hit-parades. Su estilo tan personal y romántico sirvió para que se le comenzara a llamar el Ultimo Romántico, gracias a un tema con ese nombre, el cual popularizó y también sirvió para darle mayor fama.


Anécdota [editar]Cuando niño, cantaba de una manera muy particular. Nicola Di Bari contaba la siguiente anécdota en un medio de prensa: "sus compañeros de colegio lo persuadieron para que ayudara a vender a un heladero que no tenía pregonero. No solo se acabaron los helados, sino que se formó un tumulto para escucharlo; fue entonces cuando él decidió: Seré un Cantante Popular. Y su deseo se cumplió. Fuente Wikipedia

Nicola Di Bari - 21 Grandes exitos en español

Genero: Pop, canciones romanticos, Italian songs
Grabaciones orginales realizadas en la decada del 70
Llevado a CD en 1995
Nivel: RCA
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 92.5 Mb/Total time: 92:08

Biografia de Nicola Di Bari

Tracks
01-Los Días Del Arco Iris
02-El Corazón Es Un Gitano
03-Ojos Claros
04-Trotamundo
05-Guitarra Suena Más Bajo
06-Lisa de Los Ojos Azules
07-Lejos, Lejos
08-Por Ejemplo
09-El Último Romantico
10-La Primera Cosa Bella
11-Si quieres dejarme
12-Un Gran Amor Y Nada Más
13-Como Violetas
14-Mi Pueblo
15-Permite Señora
16-Zíngara
17-Amiga Mía
18-Hierba de Mi Casa
19-Quien No Trabaja No Tiene Amor
20-Juro
21-Tiempo

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Carlos Acuña Biografia

Carlos Acuña

Carlos Acuña: Cantor Nombre real: Carlos Ernesto Di Loreto
(4 de noviembre de 1915 - 19 de febrero de 1999)
Su recia estampa en la que se funde la más auténtica personalidad del cantor de tango. Esa voz profunda y alta, respetuosa del giro natural de la canción porteña. El espíritu de zorzal que lo empuja a llevar su canto a todos los rumbos. Por todas estas cosas, Carlos fue y será uno de nuestros cantores más expresivos.
Estudió canto con el maestro Ricardo Domínguez, ex tenor del teatro Colón y con el maestro Eduardo Bonessi, quien, como se sabe, había sido el profesor del gran Zorzal Criollo.

Debutó en Radio París, en 1933, usando el seudónimo Carlos Dillon, compartiendo las audiciones con Ignacio Corsini y Tita Galatro, entre otros. A los tres meses pasó a LR9 Radio Fénix.

Cierta vez, un carnicero amigo le critica el seudónimo: ¿cómo un cantor nacional iba a tener un nombre inglés? A partir de entonces, adopta su nombre artístico definitivo, Carlos Acuña, apellido que tomó de su crítico amigo.

Gracias a su éxito, en 1939 actúa en cinco de las principales radios porteñas, siempre acompañado por las guitarras de Canataro y Pedretti.

Sin dejar su condición de solista Acuña actuó en las orquestas de Tito Ribero, Mario Rocha y Jerónimo Bongioni, hasta que, en 1940, fue contratado por Ernesto de la Cruz para integrar su sexteto.

En junio de 1941, es escuchado por Carlos Di Sarli, quien lo llama para invitarlo a tomarle una prueba con su orquesta. El cantor es aceptado y debuta formando rubro vocal con Roberto Rufino. Actúan en Radio El Mundo, realizan giras por el interior del país y fueron una gran atracción en el cabaret "Marabú".

El 2 de agosto de 1941, graba, para el sello Victor, su único registro con Di Sarli: el tango "Cuando el amor muere" (de Alfredo Malerba y Héctor Marcó).

Desvinculado de Di Sarli, a fines de 1942, vuelve al sexteto de Ernesto de la Cruz, para debutar por Radio El Mundo junto con la cancionista Alba Sabino. A fines de ese año fue convocado por Rodolfo Biagi, debuta en Radio Splendid, junto al cantor Alberto Amor y logran un éxito tan grande que la propia emisora les programó una gira por el interior del país. Hacen, también, una exitosa gira por todo Chile. Su trayectoria con Biagi finaliza en 1944, dejando en el disco doce obras.

Vuelve a su condición de solista con las guitarras de Alfredo y Antonio Parisi, Orlando y Calabró, contando con la presentación del poeta Celedonio Flores. Estuvieron tres años presentándose en clubs, confiterías y lugares bailables.

El 28 de julio de 1947, a los 50 años, muere su gran amigo Celedonio Flores, quien es reemplazado por el animador Ricardo Barcelona.

Es contratado para actuar en el Uruguay, donde es recibido como un ídolo. De regreso en Buenos Aires, firmó contrato con Radio Argentina, para el programa "Corrientes y Esmeralda". Actúa también en Mar del Plata y ameniza veladas en la boite del Casino Provincial. En 1952, graba dos temas con la orquesta de Nicolás D'Allessandro

En 1955, el director y arreglador Martín Darré lo presentó a Mariano Mores, quien lo escuchó y lo contrató para actuar en el Teatro Nacional, junto a Tita Merello, Tito Lusiardo y Beba Bidart. Luego hacen una gira por las más importantes ciudades del país, con el espectáculo musical "Buenos Aires canta", donde el otro cantor era Jorge Sobral. También actuaron en Chile y en Uruguay con gran éxito.

Con las diferentes formaciones de Mariano Mores graba quince temas, el primero de ellos, en 1956, "La calesita" para el sello Odeon.

En 1960, integró una embajada musical a México, con Mariano Mores y los cantantes Susy Leiva y Sergio Cansino. Estando allí, Acuña fue llamado por la compañía grabadora Peerless para grabar un disco larga duración conteniendo 12 obras de Carlos Gardel. En esas grabaciones fue acompañado por una orquesta dirigida por Martín Darré.

En 1961, viaja a Italia para participar en el Festival de la Canción Argentina, junto a Argentino Ledesma, Chola Luna, Antonio Maida y el pianista Miguel Nijensohn. Luego de un breve regreso a Buenos Aires, viaja a Berlín y después a España, donde cambia su vida y se radica a raíz de su gran éxito.

Entabla una profunda amistad con el Gereral Juan Perón, quien se encontraba exilado en Madrid, y se convierte en su delegado personal. En esa condición, hace algunos viajes a la Argentina.

Entre los años 1962 y 1978 graba 2 temas para el sello Iberofón y 104 para el sello Zafiro. Finalmente, en 1983 y 1984, graba una serie de 48 temas, los primeros 12 con las guitarras de Adolfo Carné y los subsiguientes con las guitarras de Juan José Domínguez, entre los que podemos destacar: "Virgencita de Pompeya", "Un boliche" e "Isla de Flores".

En 1978, Carlos volvió a la Argentina y comenzó a intervenir en programas de televisión, radio y a presentarse en locales nocturnos.

En 1990 regresa a España, volviendo a actuar en espectáculos y en televisión.

Si bien su obra de autor y compositor no es muy extensa, tiene calidad y originalidad. "Un boliche", su tango más famoso, con letra de Tito Cabano; "Al poeta del suburbio", dedicado a Celedonio Flores, con Juan Paradiso; "Che Madrid" y "Ramona Barcelona", con Cátulo Castillo; "Viví el momento" y "Para ti Isabel", con Héctor Polito y Alberto Lago; "Amor y milonga", con José Rizzo; "Dios lo quiso", con Ricardo Martínez y Alberto Lago; "El nombre de usted es Ninón", con Oneca; y "Tiempo del Abasto", con Ricardo Martínez y Ángel Di Rosa y algún otro más.

Los últimos años de su vida, los pasa en Buenos Aires, pero ya su voz y su salud habían declinado.

Murió en Buenos Aires, luego de una prolongada enfermedad, dejando en el tango el recuerdo de su hombría de bien y su talento.Fuente Jorge Palacio(Faruk) En Todotango www.todotango.com

LP Carlos Acuña- Tangos de oro-1961

Genero: Tango, Cantores, orquestas de tango
Año LP 1960
Grabado en Peerless en Mexico Con la orquesta dirigida por Martín Darré
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 80.3 Mb/Total time: 39:08
Los doce temas pertenecen a Carlos Gardel

Biografia Carlos Acuña

Tracks

01-MI BUENOS AIRES QUERIDO-1960
02-VOLVER-1960
03-GUITARRA MIA-1960
04-SILENCIO-1960
05-AMORES DE ESTUDIANTE-1960
06-AMARGURA-1960
07-EL DIA QUE ME QUIERAS-1960
08-MANO AMANO-1960
09-CUESTA ABAJO-1960
10-POR UNA CABEZA-1960
11-VOLVIO UNA NOCHE-1960
12-ARRABAL AMARGO-1960

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Jeanne Lee Biografia

Jeanne Lee

Jeanne Lee

JEANNE LEEE (29de enero de 1939) (25 de octubre de 2000)
El free jazz, fue un movimiento casi prohibitivo para las cantantes de jazz. Sin embargo, Jeanne Lee, fue sin duda la vocalista mas próxima a este movimiento y dejó claro en su primer disco en 1961 para la RCA titulado "The Newest Sound Around" que se adelantaba a su época convirtiéndolo en uno de los grandes registros de jazz vocal de la década.

Sus primeros comienzos fueron acompañando al pianista, Ran Blake y compaginó ese trabajo con los estudios de danza y música en el Bard College de New York. Con Blake, se presentó en el Festival de jazz de Monterey en 1962 y también realizó una gira europea en 1963. En 1967 se instala en Europa donde la música de vanguardia y casi marginal que ella asumió era mas aceptada que en los Estados Unidos. En el viejo continente estableció una duradera asociación musical con el multiinstrumentista, Gunther Hampel, su marido, con quien grabó varios discos juntos y también por separado para su sello independiente: Birth.

Jeanne Lee, fue para los músicos del freejazz su cantante mas solicitada y así actuó junto con Archie Shepp en 1969, grabando el disco: "Blasé" con el sello Byg; con Marion Brown en 1970 participó en el disco "Afternoon of a Georgia Faun" para ECM; con Anthony Braxton en 1972 editando el disco "Town Hall" para el sello "Trío", etc. Su estilo de vocalizar sin palabras se inscriben en la vía iniciada por Adelaide Hall en la orquesta de Duke Ellington. Otros discos posteriores son aún mas radicales, por ejemplo el álbum titulado "Nuba" con el baterista, Andrew Crille y el saxo Jimmy Lyons, dos socios del pianista, Cecil Taylor. En cambio, con los discos grabados a su nombre, Jeanne Lee, ofrecía una perspectiva distinta, mas cálida en su interpretación del solo como se ve en el disco "Natural Affinities" de 1993 para el sello OWL o el extraordinario, "After Hours" de 1994 para el mismo sello y con el acompañamiento al piano de Mal Waldron.

Jeanne Lee, fue una extraordinaria cantante de jazz con un talento portentoso que solo era apreciado por una gran minoría de aficionados. La dificultad de escucharla en nuestro país, se acrecentaba por el hecho de estar representada por una distribuidora mediocre.


El free jazz, fue un movimiento casi prohibitivo para las cantantes de jazz. Sin embargo, Jeanne Lee, fue sin duda la vocalista mas próxima a este movimiento y dejó claro en su primer disco en 1961 para la RCA titulado "The Newest Sound Around" que se adelantaba a su época convirtiéndolo en uno de los grandes registros de jazz vocal de la década.

Sus primeros comienzos fueron acompañando al pianista, Ran Blake y compaginó ese trabajo con los estudios de danza y música en el Bard College de New York. Con Blake, se presentó en el Festival de jazz de Monterey en 1962 y también realizó una gira europea en 1963. En 1967 se instala en Europa donde la música de vanguardia y casi marginal que ella asumió era mas aceptada que en los Estados Unidos. En el viejo continente estableció una duradera asociación musical con el multiinstrumentista, Gunther Hampel, su marido, con quien grabó varios discos juntos y también por separado para su sello independiente: Birth.

Jeanne Lee, fue para los músicos del freejazz su cantante mas solicitada y así actuó junto con Archie Shepp en 1969, grabando el disco: "Blasé" con el sello Byg; con Marion Brown en 1970 participó en el disco "Afternoon of a Georgia Faun" para ECM; con Anthony Braxton en 1972 editando el disco "Town Hall" para el sello "Trío", etc. Su estilo de vocalizar sin palabras se inscriben en la vía iniciada por Adelaide Hall en la orquesta de Duke Ellington. Otros discos posteriores son aún mas radicales, por ejemplo el álbum titulado "Nuba" con el baterista, Andrew Crille y el saxo Jimmy Lyons, dos socios del pianista, Cecil Taylor. En cambio, con los discos grabados a su nombre, Jeanne Lee, ofrecía una perspectiva distinta, mas cálida en su interpretación del solo como se ve en el disco "Natural Affinities" de 1993 para el sello OWL o el extraordinario, "After Hours" de 1994 para el mismo sello y con el acompañamiento al piano de Mal Waldron.

Jeanne Lee, fue una extraordinaria cantante de jazz con un talento portentoso que solo era apreciado por una gran minoría de aficionados. La dificultad de escucharla en nuestro país, se acrecentaba por el hecho de estar representada por una distribuidora mediocre.

El free jazz, fue un movimiento casi prohibitivo para las cantantes de jazz. Sin embargo, Jeanne Lee, fue sin duda la vocalista mas próxima a este movimiento y dejó claro en su primer disco en 1961 para la RCA titulado "The Newest Sound Around" que se adelantaba a su época convirtiéndolo en uno de los grandes registros de jazz vocal de la década. Fuente Apolybaco

Sus primeros comienzos fueron acompañando al pianista, Ran Blake y compaginó ese trabajo con los estudios de danza y música en el Bard College de New York. Con Blake, se presentó en el Festival de jazz de Monterey en 1962 y también realizó una gira europea en 1963. En 1967 se instala en Europa donde la música de vanguardia y casi marginal que ella asumió era mas aceptada que en los Estados Unidos. En el viejo continente estableció una duradera asociación musical con el multiinstrumentista, Gunther Hampel, su marido, con quien grabó varios discos juntos y también por separado para su sello independiente: Birth.

Jeanne Lee, fue para los músicos del freejazz su cantante mas solicitada y así actuó junto con Archie Shepp en 1969, grabando el disco: "Blasé" con el sello Byg; con Marion Brown en 1970 participó en el disco "Afternoon of a Georgia Faun" para ECM; con Anthony Braxton en 1972 editando el disco "Town Hall" para el sello "Trío", etc. Su estilo de vocalizar sin palabras se inscriben en la vía iniciada por Adelaide Hall en la orquesta de Duke Ellington. Otros discos posteriores son aún mas radicales, por ejemplo el álbum titulado "Nuba" con el baterista, Andrew Crille y el saxo Jimmy Lyons, dos socios del pianista, Cecil Taylor. En cambio, con los discos grabados a su nombre, Jeanne Lee, ofrecía una perspectiva distinta, mas cálida en su interpretación del solo como se ve en el disco "Natural Affinities" de 1993 para el sello OWL o el extraordinario, "After Hours" de 1994 para el mismo sello y con el acompañamiento al piano de Mal Waldron.

Jeanne Lee, fue una extraordinaria cantante de jazz con un talento portentoso que solo era apreciado por una gran minoría de aficionados. La dificultad de escucharla en nuestro país, se acrecentaba por el hecho de estar representada por una distribuidora mediocre.

Jeanne Lee & Ran Blake - newest sound around

Genero: Jazz, vocal, instrumental
Grabaciones originales de 1961
Lanzamiento CD 2000
Nivel:RCA Victor Europe
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 86.6 Mb/Total time: 52:24

Biografia de Jeanne Lee

Tracks
01-Laura
02-Blue Monk
03-Church On Russel Street
04-Where Flammings Fly
05-Season In The Sun
06-Summertime
07-Lover Man
08-Evil Blues
09-Sometimes I Feel Like A M
10-When Sunny Gets Blue
11-Love Isn't Everything
12-Vanguard
13-Left Alone
14-He's Got The Whole World
15-Straight Ahead

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Osvaldo Piro Biografia

Osvaldo Piro


Osvaldo Piro y Amelita Baltar


Osvaldo Piro


Osvaldo Piro

PIRO, Osvaldo. (Nombre de familia: Osvaldo Carlos Piro). Músico. Bandoneon/sta. Di-
rector. Arreglador. Compositor. Nació en Buenos Aires, barrio de La Paternal el 1 de enero de 1937. "Sí, hubo músicos en mi familia—cuenta—. Mi padre, Fernando Piro era
violinista de orquestas típicas y los hermanos de mi madre tocaban bandoneón. Desde muy chico el tango y el fueye fueron mi locura. Así empecé a estudiar con el clásico maestro de barrio cuando cumplí los diez años de edad". Estudió hasta 1952 con Domingo Matío; cursó armonía con Pedro Rubione y Julio Nistal, y con Juan Francisco Giacobbe, Filosofía de la Música. Su debut profesional tuvo lugar en la orquesta de Ricardo Pedevilla pasando en 1953 a la de Alfredo Gobbi; colaboró después con diversos directores: Ángel D'Agostino, Víctor D'Amario, Roberto Caló. Durante cinco años(1958-1963) integró la fila de bandoneones en la agrupación de su admirado Alfredo Gobbi. Tocó luego durante corto período con Fulvio Salamanca hasta que resolvió la formación de su propia orquesta, a la que presentó por primera vez, el 16 de febrero de 1965 con el vocalista Carlos Nogués, en la confitería Patio de Tango de la calle Corrientes. En setiembre del mismo año, lo contrató Radio Belgrano y en enero de 1966
fue ganador del Festival Nacional de Tango, de la ciudad de La Falda, en Córdoba. En la confitería nocturna Relieve, de Diagonal y Florida le es entregado el Trébol de Oro, mientras que —con el padrinazgo de Aníbal Troilo la casa Alanicky presenta su primer L.P. en el cual quedan documentadas las calidades de su estilo; el gran milonguerismo de Gobbi, la renovación musical de Piazzolla y el gran sonido orquestal de Troilo, concurren a cimentar sus realizaciones bajo una manera crecientemente personal, con delicadas preocupaciones de expresión y devoción por el matiz y los valores esenciales de lo tanguístico. En 1967 ofrece recitales destacados por cuatro canales: Séptima Noche, con Hugo Guerrero Martinheitz, en Ca-
nal 7; Domingos de mi Ciudad, en Canal 11; Sábados Circulares, por Canal 13 y
Todo Argentina por Canal 2 de La Plata.
Estas actuaciones le valieron que APTRA le otorgara el Martín Fierro a la revelación
musical del año. Radio El Mundo lo llamó entonces para presentarse en Glostora Tan-
go Club, ciclo que él cerró cuando dicho programa cumplía sus veinte años en dicha
emisora; en 1968 lo contrató Philips para la cual realizó tres discos de larga duración. En 1970 se casó con Susana Rinaldi con quien estableció en Mar del Plata durante ese verano, el café-concert Magoya en que ambos fueron figuras centrales. Compuso en 1972 la música para la pieza de Alberto Rodríguez Muñoz, Biógrafo, estrenada en el Teatro Enrique Santos Discépolo (Alvear) con Norberto Aroldi como protagonista. Dos años después, cuando la Comedia Nacional repuso en el Teatro Nacional Cervantes el clásico de Samuel Eichelbaum Un Tal Servando Gómez, también le fue encargada la musicalización realizada con el Coral San Isidro. En 1975 actuó durante varios meses en el Brasil como figura del espectáculo Una Noche en Buenos Aires, y esa misma temporada Zita de Troilo le hizo entrega de uno de los bandoneones que fueron de Pichuco como distinción por su trayectoria.
Posteriormente ha tocado en Buenos Aires, grabando desde 1977 para la RCA Victor.
Sus obras de compositor: Azul noche (instrumental, 1968); la milonga Manuel Flores,
(sobre poema de Jorge Luis Borges) y en 1978 otro tango instrumental grabado por
la agrupación de Juan Carlos Cuacci Octubre.Fuente Horacio Ferrer

Biografia II
Bandoneonista ,compositor y arreglador Osvaldo Piro es uno de los referentes más importantes del Tango . Ahijado artístico de Aníbal Troilo, (quien le dejó en herencia su bandoneón) y del poeta Cátulo Castillo, Osvaldo Piro se convirtió en uno de los más jóvenes directores de orquesta de tango y el público lo consagró entre sus favoritos cuando ganó el Festival de la Falda, Córdoba, en 1965. Ha sido declarado “Ciudadano Ilustre de Buenos Aires” (1995), premiado por sus pares con el Premio SADAIC “Mejor Intérprete” (1992 y 1999) y con el “Martín Fierro” (APTRA) por su actuación en TV (1966), entre muchas otras distinciones recibidas. A una esquina de Buenos Aires le fue impuesto su nombre. Se trata de la intersección de la calle Florida con la avenida Corrientes, (1996). En Japón, una edición especial de tarjetas telefónicas con una foto que lo muestra al frente de su orquesta recuerda su primera gira por 44 ciudades (1997) Fue Director Titular de la Orquesta Nacional de Música Argentina, desde mayo 1994 hasta mayo de 2.000, y justamente con este organismo ganó en forma compartida el Premio SADAIC al mejor intérprete de Música Ciudadana 1999 (lo había ganado en forma individual en 1992) Ha actuado en las más importantes salas teatrales del país, incluyendo el Teatro Colón de Buenos Aires, el Teatro Nacional Cervantes, el Teatro General San Martín, el Teatro Presidente Alvear, el Stadium Luna Park, la Biblioteca Nacional, Universidades, Centros Culturales, el Estadio Mundialista de Mar del Plata y ciudades del interior de Argentina Durante los años 1980 y 1990 realizó al frente de su quinteto (cinco solistas) y su noneto (nueve integrantes) presentaciones artísticas en Brasil, Chile, Paraguay, Bolivia, Finlandia Suecia, Holanda, Bélgica y Francia –país en que estuvo radicado algunos años- y también realizó en 1997 una exitosa gira por el territorio del Japón 53 conciertos organizados por la Asociación Min-On. Con Orquesta Nacional, también se presentó en París, Estocolmo y Tokyo, y en Chile y Paraguay y en 15 provincias argentinas, En 1998 fue el Director Artístico del Encuentro Nacional de Tango que reunió a 200 artistas de todas las provincias del país. A través de su carrera ha compartido escenario con las más destacadas figuras del medio (Maximiliano Guerra, Osvaldo Pugliese, Lalo Schifrin, Horacio Salgán, Aníbal Troilo, Leopoldo Federico, Pedro Vargas, Juan Carlos Copes, Jairo, (entre otros) y actuó con importantes artistas (Julio Bocca, Alberto Cortez, Susana Rinaldi, Roberto Goyeneche, Eladia Blázquez, Adriana Varela, Eleonora Cassano, Armando Manzanero, Joaquín Sabina, Raúl Lavié, Hugo Marcel, Julián Plaza, Patricia Sosa, Alejandro Lerner, entre muchos otros). Compuso música para obras teatrales como es el caso de “Un tal Servendo Gómez” de Samuel Eichelbaum, programas especiales de TV, cortometrajes de cine y video argentinos y europeos, entre los que se destaca “Maradonna il Napoli”. Con su orquesta de nueve integrantes durante el año 2.000 y el 2001 y realizó diversas presentaciones, entre las que se destacan su participación en el "III Festival Buenos Aires Tango" (organizado por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires), el programa "Cultura para todos" (organizado por la Provincia de Buenos Aires) y La Feria del Libro en La Rural y la presentación de su Quinteto en televisión (Canal 7). En mayo de 2001 actuó como director invitado de la Orquesta Nacional de Música Argentina en dos conciertos y, en el Teatro Nacional Cervantes, recibió una plaqueta entregrada por la Dirección de Música de la Secretaría de Cultura y los integrantes de la orquesta, en reconociento por su tarea cuando fue Director Titular de ese organismo. Respecto del año 2002 se destaca su participación en el IV Festival Buenos Aires Tango con su Quinteto y también en el marco de la programación de la MBA (Música de Buenos Aires) en el Teatro Alvear. También actuó como director invitado de la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires, en los meses de julio y diciembre. Otras actuaciones que cabe destacar fuerion las realizadas con su Quinteto con motivo del aniversario de la ciudad de Rosario y en octubre en la Semana Musical Llao-Llao, en Bariloche con gran éxito y repercusión. Como broche de oro, en el mes de diciembre, durante la celebración de la Semana del Tango Justamente en el marco de ese evento, participó con la Orquesta del Tango de Buenos Aires en la grabación de un Cd en vivo en el Teatro Colón. En abril de 2003 asumió como como Director Titular de la Orquesta Provincial de Música Ciudadana de Córdoba, organismo con el que ya se ha presentado en muchas ciudades del interior de esa provincia y en el Teatro del Libertador, en la ciudad capital. Durante el 2003 se presentó en grandes galas con su Quinteto, incluyendo el Teatro Municipal de Bahía Blanca, la Sala AB del Centro Cultural General San Martín, entre otros destacados escenarios. Tiene editados en paises como Argentina , Francia , Japón ,Finlandia ,Suecia, Holanda, Bélgica parte de su amplia discografia . En el año 2007 con el auspicio de la Fundación del Teatro del Libertador (Córdoba,Argentina) y la producción del músico Juan Carlos Ingaramo , editó su último registro discográfico hasta el presente "Eclipse" acompañado por los jovenes músicos que integran la Orquesta de Música Ciudadana fuente web Osvaldo Piro

Osvaldo Piro con Diego Solis - The story of tango vol 05

Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantores
Año: 1999
Nivel: Mariposa (Germ.)
MP3-VBR(Extreme)(estimado 220 Kbps)-Lame 3.97-Total Size: 92.7 Mb/Total time: 63:31

Biografia de Osvaldo Piro

Tracks
01-Historia de un amor-Diego Solis
02-Si me hablaras corazon-Diego Solis
03-Seleccion de candombes-Cadombe Para Jose-Siga el Baile-Tamboriles-Diego Solis
04-Y dame mas amor-Diego Solis
05-Que tarde que has venido-Diego Solis
06-Fumando espero-Diego Solis
07-Fueron tres años-Diego Solis
08-Seleccion de milongas-Silueta Portena-Tentadota-Azucar,Pimienta y Sal-Diego Solis
09-Como volver a vivir-Diego Solis
10-Te quedaras en mi vida-Diego Solis
11-Azul Noche-Instrumental
12-Los Mareados-Diego Solis
13-Milonguero Triste-Instrumental
14-La Cumparsita-Diego Solis
15-Danzarin-Instrumental
16-Trasnoche-Instrumental
17-La Soledad-Diego Solis
18-Camandulaje-Instrumental
19-El Ultimo Cafe-Diego Solis
20-Nostalgico-Instrumental

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Elvis Costello Biografia

Elvis Costello

Elvis Costello con la Filarmonica de Berlin

Declan Patrick MacManus nacido en Londres el 25 de agosto de 1954, conocido como Elvis Costello, es un músico, cantante y compositor británico.

Se inició en la escena pub-rock londinense a mitad de los 70 desde donde vio llegar como observador privilegiado la New Wave y el punk, movimientos con los que se asoció.

En 1975 McManus llevaba una aparente vida convencional, casado y con hijo, y empleándose en diferentes trabajos administrativos. No obstante, componía y movía sus maquetas hasta que la independiente Stiff Records le contrató; Jack Riviera, director del sello, le propuso una identificación artística más sugerente, combinando el nombre de Elvis Presley y su segundo apellido materno: Elvis Costello ya era una realidad.

El disruptivo 1977 marca la carrera de Costello: a su fichaje por Stiff a inicios de año, le sigue la edición de su primer single Less than zero en abril, y de Alison en marzo, debutando en larga duración en verano con My aim is true, con un significativo éxito de críticas y un moderado éxito comercial (puesto 14 en el Reino Unido, entrando el el Top40 en Estados Unidos). La portada con un Costello con Fender Jazzmaster en ristre, enormes gafas de pasta, piernas en cuña embutidas en pantalón pitillo, ecos estéticos al punk y a Buddy Holly y pose desafiante era una declaración de intenciones. La banda que acompañó la grabación fueron los americanos Clover, conjunto que en aquella época practicaba el country/root y que con el tiempo se convertiría en Huey Lewis and The News: ese mismo verano, Costello reclutó a lo que sería su banda estable, The Attractions, formadada por Steve Nieve al piano, Bruce Thomas al bajo y Pete Thomas a la batería. El otoño participaría en la Stiff Live Package, con otros grupos del sello como Ian Dury, Wreckless Eric y Nick Lowe. A final de año Jack Riviera deja Stiff para fundar Radar Records a donde se llevaría a Lowe y Costello, publicando su último single Watching the detectives (grabado con el bajista y batería de Graham Parker and The Rumours) a final de año.


Elvis Costello en conciertoEn los dos años siguientes publicó con el nuevo sello y la nueva banda This year's model', otra colección de singles como fue el su debut, con un estilo igual de urgente e intenso pero más crudo y directo, acaso fruto de la escena punk vigente y desligado del pub-rock setentero y músicos de country-rock con los que grabó My aim is true y Armed Forces. Con este último álbum pretendería y alcanzaría un reconocimiento comercial más amplio (el álbum y primer single Oliver's Army lograría el número dos de las listas británicas, mientras que el albúm entraría en el Top10 Estados Unidos, no así ninguno de sus singles). Armed Forces es un disco más complejo y variado musicalmente, tanto en tiempos, estilos y orquestación, igual de irónico y quizá más trabajado en cuanto a letras, y deja entrever lo que será la carrera posterior del Costello maduro de las siguientes décadas.

Costello cierra los setentas como productor, dejando su impronta en el disco debut y homónimo de The Specials.

Elvis Costello y Diana Krall se casaron en diciembre de 2003. Tuvieron sus primeros hijos, gemelos, el 6 de diciembre de 2006 en Nueva York, Dexter Henry Lorcan y Frank Harlan James.

En 2008 presentó un programa de televisión llamado Elvis Costello With... (Elvis Costello con...) co producido por CTV (Canadá), Channel 4 (Inglaterra) y Sundance Channel (Estados Unidos). Consistía en un programa de entrevistas en profundidad a miembros destacados del negocio musical, y que contó con Elton John como primer invitado. El espacio televisivo tenía fines benéficos, recaudar dinero para luchar contra el sida en África. Fuente wikipedia en español

Elvis Costello & Burt Bacharach - Painted from Memory

Genero: Pop, rock, instrumental, vocal
Año: 1998
Nivel: Island / Mercury
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 75.3 Mb/Total time: 51:24

Biografia de Elvis Costello

Tracks
01-In the Darkest Place
02-Toledo
03-I Still Have That Other Girl
04-This House Is Empty Now
05-Tears At the Birthday Party
06-Such Unlikely Lovers
07-My Thief
08-The Long Division
09-Painted From Memory
10-The Sweetest Punch
11-What's Her Name Today
12-God Give Me Strength

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Selecion de Tangos por artistas Santafecinos-Colec.Privadas de Juan Francisco Orrego

Genero: Tango, Orquestas de tango, cantores
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 66.8 Mb/Total time: 56:37

Esta seleccion de temas de Arstistas Santafecinos nos llega por una gentileza de Juan Francisco Orrego de Cali Colombia.
Gracias!!!!!

Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras

Tracks
01-Aldo Maidal & Orquesta de José Sala *****rañando Los Cincuenta - 1972
02-Aldo Maidal & Orquesta de José Sala*****Dale Ñuls - 1972
03-Aldo Maidal & Orquesta de José Sala*****Que Confusión - 1972
04-Alfredo Belusi & Orquesta de José Sala*****Desde El Alma - 1954
05-Argentino Ledesma & Orquesta de Cayetano Conti*****Rosario Como Has Cambiado - 1972
06-Argentino Ledesma & Orquesta de Cayetano Conti*****Taxi Libre - 1972
07-Ariel Campos & Coros & Orquesta de José Sala*****Feliz Cumpleaños - 1972
08-Carlos Paiva & Gotán Trío (Dir. Mingo Scalenghe)*****Total Pa' Que Sirvo - 1982
09-Fernando Medina & Orquesta de Héctor Lincoln Garret*****Arriba Central - 1932
10-Los Poetas Del tango*****Griseta - 1956
11-Los Poetas Del Tango******Mal De Amores - 1956
12-Luis Correa & Orquesta de Cholo Montironi*****Cinco Lucas - 1972
13-Orquesta de Ronald Valentino Chiqué - 1958
14-Osvaldo Bor & Gotán Trío (Dir. Mingo Scalenghe)*****Más Sólo Que Nunca - 1982
15-Osvaldo Bor & Ricardo Rosas & Gotán Trío (Dir. Mingo Scalenghe)*****Taco Y Bastón - 1982
16-Ricardo Gullino & Orquesta de Ronald Valentino*****Galleguita - 1958
17-Roberto Florio & Gotán Trío (Dir. Mingo Scalenghe)*****Déjame - 1982
18-Rosa Alcazar & Ricardo Rosas & Gotán Trío (Dir. Mingo Scalenghe)*****La Flor De La Canela - 1982
19-Rubén Sánchez & Orquesta de Chet Contillo*****Hacia La Luna - 1972
20-Rubén Sánchez & Orquesta de Chet Contillo*****Trinchera De Tangos - 1972

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Pat Boone Biografia

Pat Boone

Pat Boone

Charles Eugene "Pat" Boone (nacido el 1 de junio de 1934) es un cantante, actor y escritor que fue una de las más grandes estrellas en los Estados Unidos y el mundo durante el decenio de 1950. Vendió más de 45 millones de álbumes, y participó en más de 12 populares películas de Hollywood. Boone es el talento como
cantante y actor, su todo-americano buena apariencia, su carisma y su anticuados valores a contribuido a su condición de un icono Americano. Fue una superestrella internacional durante los años 1950 y 1960 y sigue a la fecha siendo una superestrella.

Boone fue un gran éxito en múltiples formas. Se organizó una red muy popular de televisión, El Pat Boone Mostrar Chevy de 1957-1959. Ha escrito muchos libros y había un Bestseller No. 1 en la década de 1950 ( "Twixt doce y veinte", Prentice-Hall). Sus versiones de ritmo afro-americano y el blues ha encontrado un notable impacto en el desarrollo de la amplia popularidad del rock and roll. Durante sus giras en la década de 1950, Elvis Presley fue uno de sus actos de apertura.

En la década de 1960, se centró en la música Gospel y es miembro del Evangelio Music Hall de la Fama. Muchos hoy creen firmemente que debe ser miembro del Rock and Roll Hall of Fame, incluyendo encintado Mike, un ex teniente gobernador de California y fundador de encintado Records. Boone todavía mantiene el récord de del rankin de Billboard 220 semanas consecutivas en las listas con más de una canción.

Boone es también una orador motivacional, una personalidad de televisión, un comentarista político conservador y cristiano popular activista, escritor y predicador.

Principios de la vida / carrera
Boone se planteó en primer lugar en Nashville, Tennessee, un lugar que aún visita con frecuencia. El hijo del Sr. y la Sra. A.A. Boone, su familia se mudó a Nashville desde Florida cuando Boone fue de dos años. Asistió y se graduó de la Escuela Secundaria de Hillsboro en Nashville en 1952. A continuación, asistió a Lipscomb College, ahora Lipscomb University, en Nashville. Boone se crió como cristiano en la Iglesia de Cristo, la denominación y Lipscomb es muy popular la Iglesia de Cristo universidad. Boone nació en Jacksonville, Florida.

Pat Boone ha afirmado ser un descendiente directo de la American pionero Daniel Boone. Él es también un primo de dos estrellas de series de televisión occidental: el difunto Richard Boone de la CBS tienen armas de fuego, Will Travel y Randy Boone, uno de los co-estrellas de la NBC y CBS The Virginian del Cimarrón Franja.

En la universidad, que asistieron principalmente Lipscomb College en Nashville. Se graduó de la Universidad de Columbia magna cum laude en 1958 , y también asistió a la Universidad Estatal del Norte de Texas (actualmente la Universidad de North Texas). Durante su carrera universitaria, fue miembro de Kappa Alpha Orden .

Boone comenzó la grabación en 1954 para República Records. Su versión de 1955 de Fats Domino "no es que uno la Vergüenza" fue un gran éxito. Esto sentó las bases para la primera parte de la carrera de Boone, que se centró en R & B, que abarca canciones de artistas de African American blanco mercado americano.

Randy de madera, el propietario de Dot, ha emitido un R & B por el único Griffin Hermanos en 1960 llamado "Tra La La-uno" - una canción diferente que la última LaVern un Baker - y estaba dispuesta a poner otra versión después de el original no había. Este se convirtió en el lado B de la primera Boone único "Dos corazones Dos Besos", originalmente por los encantos - cuya "Corazones de Piedra" ha sido cubierto por la etiqueta de Fontane Hermanas. Una vez que la versión Boone estaba en las tiendas, que abarca más generado por la Crewcuts, Doris Day y Frank Sinatra. En el Reino Unido, la canción fue cubierto por Lita Roza, cantante de una banda con Ted Heath y su versión en las tiendas en primer lugar.

A # 1 solo en 1956 por Boone no era tanto una portada como la reactivación de siete años después una vieja canción "Casi me Perdí mi Mente", una canción que había sido cubierto en su momento por otro negro estrella, Nat King Cole, a partir del original de Joe Hunter de Marfil, que fue a beneficio de Boone versión del éxito no sólo en las regalías, pero en la situación en que estaba de vuelta en las noticias. Boone en 1957 cortar un álbum llamado simplemente "Pat", que estaba lleno de R & B se refiere.

A fines de 1950, Boone vivía en una modesta casa en Teaneck, Nueva Jersey, a pesar de su ingreso anual de $ 750.000 en el momento . Hizo apariciones regulares en ABC-TV Ozark Jubileo, auspiciada por su suegro.

Muchos de los afectados Boone individuales fueron de R & B se refiere. Entre ellas: "¿No es una vergüenza", de Fats Domino, "Tutti Frutti" y "Long tall Sally" de Little Richard, "A mi la puerta frontal (Poco Crazy Mama)" por el de El Dorados, y el blues baladas " Casi he perdido mi mente "de marfil y Joe Hunter" No Prohibir Me "de Charles Singleton. Pat también escribió la letra de la canción tema instrumental de la película Éxodo, letras que tituló "Esta Tierra es mía". (Ernest Oro había compuesto la música.)

Un devoto cristiano nacido de nuevo, que se planteó en el conservador de la Iglesia de Cristo, pero unido a una iglesia pentecostal en finales del decenio de 1960. Boone se ha negado tanto las canciones y funciones de cine que, en su opinión podría comprometer su normas, incluyendo un papel al lado de la década del sexo reinante símbolo, Marilyn Monroe. En su primera película, abril de amor (película), se negó a dar amor co-star/film interés Shirley Jones un beso en pantalla, ya que la actriz se casó en la vida real. Esta posición se contradice con lo que la revista Hustler alegó en sus enero 1984 a ser cuestión de una verdadera fotografía de una joven Pat Boone exponer sus genitales a través de un agujero en una caja de cartón. Entre sus otros logros, se organizó una serie de televisión en el fines del decenio de 1950 y comenzó a escribir una serie de libros de autoayuda para los adolescentes, incluso Twixt Doce y veinte, en la década de 1960.

La British Invasion Boone terminó la carrera como hitmaker, aunque continuó la grabación en todo el decenio de 1960. En la década de 1970, pasó al evangelio y el país, y continuó actuando en otros medios de comunicación también. Actualmente está trabajando como disc jockey de un popular show de radio oldies y dirige su propia compañía, que ofrece una salida para las nuevas grabaciones de los grandes de 1950 que ya no pueden encontrar un lugar con las principales casas discográficas.

Boone en 1953 se casó Shirley Lee Foley, hija de la música country Red Foley y gran cantante Judy Martin. Tuvieron cuatro hijas: Cheryl Lynn Boone, Boone Linda Lee, Deborah Ann alias "Debby" Boone, y Laura Gene Boone. En los años 1960 y 1970 la familia Boone gira como cantantes Evangelio y del Evangelio álbumes, tales como Pat Boone La Familia y La Familia que reza.

En la década de 1970, Pat fundó el sello discográfico y León Cordero Records. Que artistas como Pat, Pat Boone La Familia, Debby Boone, Dan Peek, DeGarmo y clave, y Dogwood .

En 1978, Boone se convirtió en el primer objetivo de la Comisión Federal de Comercio de la represión de reclamación falsa producto anotaciones por celebridades. Había aparecido con su hija Debby en televisión para reclamar que los cuatro de sus hijas había encontrado un preparado llamado Acné estatinas-una "ayuda real" para mantener su piel clara. La FTC presentó una demanda contra el fabricante, sosteniendo que el producto no es realmente mantener la piel libre de manchas. Boone firmó una orden de consentimiento en el que prometió no sólo para detener los anuncios que aparecen en el pago, pero alrededor del 2,5% de cualquier dinero que la Comisión Federal de Comercio o los tribunales podrían ordenar la restitución a los fabricantes a los consumidores. Boone dice, a través de un abogado, que sus hijas en realidad hizo uso de estatinas-Acné, y que estaba "consternado al enterarse de que la eficacia del producto no se ha establecido científicamente que a su juicio" .


Religión
Pat Boone fue criado en la Iglesia de Cristo denominación. Eventualmente, se convirtió en una parte del movimiento carismático. Se dice que Pat Boone fue testigo de una profecía dada a continuación, el Gobernador Ronald Reagan de que sería presidente de los Estados Unidos [cita necesaria]. Pat Boone asiste a la Iglesia del Camino en Van Nuys, California, y ha servido como anfitrión de programas de televisión cristiana de Trinity Broadcasting Network.


Reciente carrera
En 1997, Boone liberados en un metal Humór: No Mas Sr. Guy de Niza, una colección de metales pesados se refiere. Para promocionar el álbum, se presentó en los American Music Awards en cuero negro, escandaloso público y perder su respetabilidad entre sus más grandes circunscripción, los cristianos conservadores.

Luego fue despedido de América del Evangelio, un programa de televisión sobre la Trinity Broadcasting Network. Alrededor de un año después, murió en la controversia y muchos aficionados, incluidos Jack Hayford, aceptó su explicación de la de ser un traje de cuero "la parodia de sí mismo." Trinity Broadcasting luego reintegrados él, y América del Evangelio fue traído de vuelta.

En 2003, la Asociación de Música Evangelio Nashville, Tennessee reconocido su evangelio grabación inducir el trabajo de él en su Evangelio Music Hall de la Fama. En septiembre de 2006, publicado Boone Pat Boone R & B Clásicos - Estamos Åre Familia, con versiones de 11 éxitos de R & B, incluyendo el título de pista, además de "Papa's Got A New Bag," Soul Man "" Get Down Tonight, "" Una mujer necesita amor ", y otros seis clásicos.

En 2007, Pat Boone fue investido en el Hit Parade del Salón de la Fama, así como la Christian Music Hall of Fame.

Boone y su esposa viven en Los Ángeles. Son miembros de La Iglesia del Camino en el Valle de San Fernando. Su tiempo de un vecino fue Ozzy Osbourne y su familia. Boone la portada de la canción de Osbourne "Crazy Train" se convirtió en el tema de El Osbournes. (Aparece en la banda sonora Osbournes.) Ozzy Osbourne Boone dijo una vez que "nunca se quejó de una vez" sobre la vida junto a su menor a la familia tradicional.


Política
En 2006, Boone escribió un artículo de WorldNetDaily, en el que sostenía que los Demócratas y otros que estaban en contra de la guerra de Iraq no puede, bajo ninguna circunstancia, ser considerados patrióticos. [8] Él fue entrevistado por Neil Cavuto en Fox News, donde expresó su indignación contra los opositores de George W. Bush (a saber, las Dixie Chicks), que sus críticas de la Presidenta no mostró "el respeto a sus mayores." Otro artículo defendido Mel Gibson después de que el actor se registró que un anti - semitas Rant .

A principios de 2007, Boone escribió dos artículos afirmando que la teoría de la evolución es un "absurdo", "absurdo" "quiebra religión falsa". Más tarde, escribió un editorial en forma de un cuento de hadas donde un joven príncipe encantado fue seducido por un enano, tiene SIDA y, a continuación, sobredosis

En el 2007 las elecciones para gobernador de Kentucky, Pat Boone campaña de titular republicano Ernie Fletcher pregrabados automatizado con un mensaje telefónico que se indica que el candidato del Partido Demócrata Steve Beshear apoyará "todos los homosexuales causa". Como parte de la campaña, Boone le preguntó: "Ahora, ¿quiere un gobernador de Kentucky que desea ser otro de San Francisco?" Esto causó una gran controversia y la reacción de Boone.

Más recientemente, él John McCain ayudó a la campaña presidencial de 2008, prestando su voz a la campaña de llamadas automatizado.

El 06 de diciembre de 2008 Pat Boone escribió un artículo para WorldNetDaily que señala las analogías entre los derechos de los homosexuales recientes protestas (algunas de las cuales se han convertido violentos como el bombardeo de una misionera evangélica en la Columbia Británica, el vandalismo de una Iglesia en Lansing, MI gay activista, y las amenazas de violencia contra los que apoyan la Prop. 8 en California), y los recientes ataques terroristas en Mumbai, India. Se recuerda a los lectores de la toma de rehenes, la explosión de bombas y el asesinato sistemático de las condiciones caóticas de matanza. En él se afirma que el matrimonio es una institución bíblicamente ordenado, que el gobierno no tiene parte en la definición. A continuación, se establece que la igualdad de derechos para las mujeres, los negros y la esclavitud no eran "obtenidos por las amenazas y manifestaciones violentas y los disturbios civiles", sino más bien a través de un debido proceso. Concluye advirtiendo que si no está marcada, el "hedonista, irresponsable, egoísta ciegamente objetivos y tácticas de relaciones sexuales en casa, los jihadistas se degeneren en actos vil, violenta y destructiva."

La Campaña de Derechos Humanos (una organización activista de la igualdad de derechos) responde a este artículo: "Pat Boone normalmente no justifican un segundo pensamiento, aun cuando su única reclamación a la fama en estos días es su valiente homofobia, pero su inquietante comentario a este derecho - ala sitio no puede quedar sin respuesta ", dijo Campaña de Derechos Humanos Presidente Joe Solmonese. "Su comentario marca una nueva baja en la retórica anti-gay. Y sin embargo, también demuestra la profundidad del odio de estos demagogos hacia la comunidad LGBT. La mayoría de los estadounidenses se asombró al ver este nivel de vitriolo viene de alguien que se presentó como la America's sweetheart ".


[editar] Como portavoz Chevrolet
Pat Boone bien cuidadas, limpias, cortadas, muchacho ganó una imagen a largo plazo producto de la aprobación del contrato de General Motors durante finales del decenio de 1950, con una duración a través de los años 60.

Boone logró Dinah Shore cantando las alabanzas de los productos modificados genéticamente: "Ver los EE.UU. en su ... Chevrolet Chevrolet a través de su unidad los EE.UU., América es la mayor de toda la tierra!" En 1989 el documental Roger & Me, Boone dijo que primero fue un Chevrolet Corvette de la línea de productos, pero después de que él y su esposa comenzó a tener hijos, a un niño de un año, GM le suministra una camioneta también.

Boone, quien ha apoyado a un número indeterminado de productos y servicios en el transcurso de su carrera, dijo que más gente lo identificaba con el Chevrolet que cualquier otro producto.


[editar] Baloncesto intereses
Boone fue un fanático del baloncesto y había intereses de propiedad en dos equipos. Era dueño de un equipo en la Liga de Hollywood Studio denominado "Cooga Moogas". El Cooga Moogas incluido Bill Cosby, Rafer Johnson, Gardner McKay, Don Murray, y Denny "Tarzán" de Miller [16].

Con la fundación de la American Basketball Association Boone el 2 de febrero de 1967, se convirtió en el propietario mayoritario de la liga del equipo de Oakland, California. [16] El equipo fue nombrado el Oakland americanos pero más tarde fue rebautizado como los Oakland Oaks, el nombre en las que desempeñó de 1967 a 1969. [16] El Oaks ABA 1969 ganó el campeonato [17].

A pesar de los Oaks éxito en la cancha, el equipo tuvo graves problemas financieros. Una de las razones era que el Oaks fueron el único equipo en la ABA de juego en un mercado local con la competencia directa de un equipo de la NBA, los Golden State Warriors. En agosto de 1969 el Bank of America amenaza con excluir a $ 1,2 millones a la Oaks, [18] y el equipo fue vendido a un grupo de empresarios en Washington, DC, y Washington se convirtió en el Gorros [19].

Terry Plutón en el libro de la ABA, Balones sueltos, Boone relató sus días como un propietario y señaló que había una oportunidad de comprar en el entonces expansión Dallas Mavericks de la NBA en 1981, pero se negó.Fuente Wikipedia en ingles (traduccion automatica)

Osvaldo Tarantino Biografia

Osvaldo Tarantino en 1978

Osvaldo Tarantino, Roberto Calo, Ernestro Franco y Enrique Campos en 1957

El Conjunto 9 toca en Roma, 1972 De izquierda a derecha: Tarantino, Piazzolla, Agri, Díaz, Baralis, Panik, Bragato y Corríale.

En Japón, 1954, de izquierda a derecha: Arturo Peñón, Osvaldo Tarantino, Alfredo Marcucci, Héctor Insúa, Hugo Baralis y Rufino Arrióla, integrantes de la orquesta de Juan Canaro

Osvaldo Tarantino, Ernesto Baez y Juan Miguel Rodriguez cuando integraban Los tres de Buenos Aires

TARANTINO, Osvaldo. Músico. Pianista. Arreglador. Compositor. Director. Uno de los mayores pianistas del tango, sin distinción de épocas o de tendencias. Dueño de un sonido profundo y parejo, la gran inventiva y el invariable buen gusto hacen a su personalidad. Idénticamente capaz en su creación solista como en la conducción orquestal, en su estilo pianístico se anudan la magia y la sobriedad de lo milonguero y el vuelo musical decantados en su fraseo inconfundible. Talento de raíces gobbianas y troileanas es arreglador de ideas exquisitas y también un compositor de bellísimas melodías en las que se escucha su enorme corazón de porteño.
Nació el 6 de junio de 1927 en Loria 1969 casi Chiclana, descendiente de italianos y de vascos. Su padre, José Tarantino tenía conservatorio, era director de orquesta y tocaba varios instru-mentos. Criado en una familia de músicos, viviendo desde los tres años de edad en Puente Alsina, al cumplir los ocho tocaba ya el piano de oído y con facilidad asombrosa en la orquesta de su padre. "Yo era una especie de Pierino Gamba de la típica" —recuerda—, evocando su niñez de músico, en la que también aprendió a ejecutar el bandoneón y la guitarra por su propia cuenta.
Poco después su tía Margarita Tarantino lo encauzó en el aprendizaje académico cursando armonía y contrapunto con el maestro Bianchi. Los ídolos que lo rumbearon al encuentro de su propia manera pianística, fueron Art Tatum y Teddy Wilson, en el jazz, y en el tango fundamentalmente, Orlando Goñi a quien escuchó tocar en el teatro Boedo en 1943, cuando el gran Orlando desvinculado de Troilo formó su propia orquesta. "Su dinámica pianística fue totalmente nueva en el tango: la mano izquierda de Goñi fue una revolución". Durante la década del cuarenta actuó con el conjunto Los Pregoneros de América, que integraban Amílcar Neyra, Castel y su suegro, el desaparecido y recordado Tito Vila; y, posteriormente, se sentó al piano de las orquestas de Pedro Maffia (en el Babilonia del Parque Japonés), de Edgardo Donato, y de otro de sus admirados: Argentino Galván: "Con el Indio aprendí una barbaridad", dice. En 1953, tras de integrar la agrupación de Héctor Várela, fue llamado por Bernardo Salas para formar en la primera embajada argentina de tango que viajó a Japón: la orquesta de Juan Canaro con arreglos de Galván, de Piazzolla y también suyos. Luego de actuar nueve meses en Japón con varios de los músicos de Canaro, actuó en Estados Unidos, para radicarse finalmente en Caracas, con presentaciones suyas en toda Venezuela y en Colombia. Regresó a la Argentina. Integró la orquesta de Roberto Caló en la que dio a conocer dos tangos instrumentales suyos: En Fa Menor y Sacale chispa, componiendo, también dos cantables: Este fiel corazón y Si yo pudiera olvidarla. Fue llamado después por Alfredo Gobbi, a quien lo unió además de la amistad, la recíproca admiración, y, en julio de 1962 tocando en El Bandoneón de la calle Maipú, frente a Marabú, formó con Ernesto Báez (guitarra) y Toto Rodríguez (bandoneón), el conjunto Los Tres de Buenos Aires, que debutó en la sala de actos del diario "Crítica" y grabó sus versiones para Record en una orientación musical y tanguística que reveló su capacidad renovadora; con este grupo registró otros tangos suyos: Del bajo fondo (compuesto con su padre) y Del otro lado (dedicado a Montevideo). Poco más tarde, Astor Piazzolla con su nuevo octeto estrenaba otro instrumental, Ciudad triste. Tras de integrar el quinteto de Piazzolla volvió a los Estados Unidos, esta vez como director acompañante del cantor Alberto Marino; actuaron en 1968 y 1969, en Hollywood y otras ciudades de California. Dirigió en años siguientes los marcos orquestales de Jorge Sobral y de Alba Solís. Desde principios de 1972 tomó el lugar de Osvaldo Manzi en el Conjunto 9 de Astor Piazzolla, con el que actuó en casi todas las capitales del interior argentino, en Venezuela, en Brasil, en Roma, y nuevamente reducido el grupo de Astor a quinteto, en Buenos Aires, en Brasil y en París, grabando en RCA los dos volúmenes L.P., Música Popular Contemporánea de la Ciudad de Buenos Aires. Cacho Tirao a su vez, registró en CBS su Suite Tanguera en tres movimientos (Canyengón-Tristoneando-Jailaifeado), la cual, juntamente con Diagonales, y Mar y Amar —también instrumentales— lo distinguieron, ya, con el conjunto de su obra estrenada entre los compositores de mayor clase e inspiración del tango de nuestro tiempo. En 1974 integró el sexteto de Raúl Garello en El Viejo Almacén y en 1975 fue designado director musical del sello fonográfico Caval, en el que realizó sus nuevas propuestas musicales. En 1976 compuso con Horacio Ferrer la partita callejera A la ciudad perdida, que incluye entre otros temas cantables Canción de mi adolescencia, Credo de amor, Un tranvía llamado recuerdo, El hombrecito blanco, Francois y Margot, y Llanto del amanecer.Fallecio el 10 de setiembre de 1991. Fuente Horacio Ferrer

Jorge Sobral Biografia

Jorge Sobral

Jorge Sobral

SOBRAL, Jorge. (Nombre de familia: Edelmiro Sobredo). Cantor. Se inició en 1952
integrando la orquesta de Mario Demarco con la cual grabó una serie de versiones
—los tangos Pan y Cuando yo me vaya, entre ellos— para el desaparecido sello Pathé. En 1953 cantó con la orquesta de Lorenzo Barbero, y en 1954 con la de Mariano
Mores. Desde 1955 actuó como solista de la orquesta de cuerdas de Astor Piazzolla
registrando sus interpretaciones para los sellos Antar Telefunken y Music-Hall (Siempre París, La tarde de/ adiós, Fuimos). Al viajar Piazzolla a Nueva York se vinculó a la compañía teatral de Francisco Petrone para la puesta de La Leyenda de Juan Moreíra. Intervino luego en la filmación de distintas películas, entre ellas, El Dinero de Dios (1959), Don Frutos Gómez (1960), Buenas Noches, Buenos Aires (1963). En 1961 viajó a Chile, y en 1962 debutó en el programa de televisión Yo soy Porteño, difundido por Canal 13. Grabó discos como solista, acompañado por las orquestas dirigidas y arregladas respectivamente, por Osvaldo Tarantino, Mario Demarco y Armando Calderaro, y repertorio criollo con marco de guitarra en discos T.K. (Ver: Una noche en Buenos Aires).Fallecio el 10 de abril de 2005. Fuente Horacio Ferrer


Biografia 2

Cantor
(25 de agosto de 1931 - 10 de abril de 2005)
Nombre real: Edelmiro Sobredo
Dotado de un estupendo registro de bajo barítono, Jorge Sobral fue uno de los más altos exponentes de la generación de cantores inmediatamente posterior a la del cuarenta. Afinado, de buen gusto y luciendo una técnica vocal que delata su estudio lírico con el maestro Fermín Favero, fue, sin duda, un excelente intérprete.
En plena juventud y con la dirección de su profesor, actuó en la Orquesta Infantil Favero, luego en la de Jorge Lavaller, después en el conjunto "Los Ases" y en la formación de Forti-Parodi, donde también estaban los cantores Luis Tolosa y Juan Carlos Cobos.

Su imagen está ligada a la televisión argentina, donde a sus dotes de cantor sumó una interesante labor de actor. Ejemplo de ello es su participación en el exitoso ciclo "Yo soy porteño", que se mantuvo por varios años consecutivos en la pantalla de Canal 13.

Se inició en 1952 con la orquesta de Mario Demarco, grabando para el sello Pathe el tango "Mañana zarpa un barco", que en el acople tiene el instrumental "Bienvenida". Luego de "Pan", de Eduardo Pereyra y Celedonio Flores, "Astilla" de Mario Demarco y Jacinto Alí, y el tango de Jaime Vila y Antonio Cantó, "Cuando yo me vaya", entre otros.

En 1953 pasó a integrar la orquesta dirigida por Lorenzo Barbero, compartiendo los cantables con Roberto Florio. Al año siguiente actuó con la orquesta de Mariano Mores.

A partir de 1955 se incorporó a la orquesta de cuerdas de Astor Piazzolla, en la que permaneció cuatro años, dejando impresa su voz en los siguientes temas: "Azabache", "Siempre París", "Fuimos", "Yo soy el negro" y "La tarde del adiós".

En 1959 integró la compañía teatral dirigida por el actor Francisco Petrone participando en la obra "La leyenda de Juan Moreira".

En 1961 partió de gira a Chile y Perú. Luego hizo varios temas, para la televisión, acompañado por las orquestas de Osvaldo Tarantino y Armando Calderaro y también repertorio criollo, acompañado por un conjunto de guitarras "Los platenses". Además del ya mencionado programa "Yo soy porteño", protagonizó junto a las actrices Marilina Ross y Selva Alemán "Buenos Aires 2040" y los principales programas musicales del Canal 13.

En 1973 fue contratado para actuar en Porto Alegre, Brasil, en el "Festival de Tango en el mar", junto a Roberto Goyeneche, Alba Solis, Horacio Deval, Baffa-Berlingieri, Osvaldo Piro, Gloria y Eduardo, entre otros. Fue tanto el reconocimiento dispensado por el público que regresa en 1975 por una semana con Juan Carlos Copes, María Graña y el Sexteto Mayor. En el 76 recorre ese país con el espectáculo "Una noche en Buenos Aires", por él dirigido, con la participación del Sexteto Mayor, luego del Sexteto Tango y la orquesta de Osvaldo Piro, junto a Roberto Achával, Las voces Blancas y Víctor y Mónica Ayos.

Como ya se dijo, su carrera de actor corre en paralelo con su labor vocal y es importante destacar su participación en una docena de películas en el país y en el exterior, compartiendo el cartel con figuras notables del cine. Entre otras destacamos: "El dinero de Dios" (1959), "Don Frutos Gómez"(1960), "Buenas noches Buenos Aires" (1963), "María y la otra", hecha en España, allá por el 67.

Durante su trayectoria obtuvo varios galardones como: ganador del Festival de la Canción de 1965, finalista del Festival de Benidorm de 1967 (Valencia, España), Disco de oro en 1968 (Caracas, Venezuela). Gana el premio "Florencio Sánchez", al mejor director de espectáculos musicales, temporada 1973-1974 en Mar del Plata. Como cantor y cantante obtiene el "Quinquela Martín de Oro en 1991 y al año siguiente el "Premio Goya" en Madrid.

En noviembre de 1969 resultó ganador del Primer Festival Buenos Aires de la Canción y la Danza, con el tango "Hasta el último tren", de Julio Ahumada y letra de Julio Camilloni, relegando al segundo puesto la famosa "Balada para un loco", de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer.

En 1993 grabó un disco compacto interpretando el papel de Juan Perón, en la ópera "Evita", del maestro Andrés Pedro Risso, y encarnó exitosamente papeles protagónicos en las óperas "Amalia", "Lola Mora" y "Alfonsina", del mismo autor. La soprano Marcela Ríos fue la figura principal femenina en las tres.

En 1995, durante cinco meses, se presentó en el teatro "On the Square", con el espectáculo "Forever" tango de la ciudad de San Francisco, California, Junto a los bailarines Mayoral y Elsa María y la cantante Marcela Ríos.

A su regreso y hasta el 2005, actuó en diferentes escenarios porteños, como: El Viejo Almacén, en su reapertura, el Café Malher, el Café Orión de Mar del Plata, y en el nuevo Caño 14 en el barrio de la Recoleta de Buenos Aires.

El 25 de mayo de 2000, actuó en el Festival de Tango de Alcantarillas, en Murcia, y, aprovechando su estadía en España, grabó en Madrid dos compactos, con el maestro Dioni Velázquez.

En su dilatada carrera llevó al disco más de trescientos temas, de los que destacamos las grabaciones realizadas con la orquesta del pianista Juan José Paz, donde entre otros, registra el premiado "Hasta el último tren", su tema "Che Caracas" y una curiosa versión de la milonga de José Larralde "El porqué".Fuente Anibal Marconi en Todo tango www.todotango.com

LP Jorge Sobral con Orq.Osvaldo Tarantino- Destellos

Genero; Tango, Orquestas de tango, cantores
Año LP entre 1961 y 1962 en Chile
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 45.0 Mb/Total time: 28:54

Biografia de Osvaldo Tarantino

Biografia de Jorge Sobral

Tracks
01-Confesión
02-Griseta
03-Cristal
04-La Canción de Bs. As.
05-Caminito
06-Sentimiento Gaucho
07-La Ultima
08-Adios
09-Cuartito Azul
10-Destellos
11-Los Mareados
12-Margarita Gauthier

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Roberto Pansera Biografia

Roberto Pansera en 1955, cuando integraba el Octeto Buenos Aires. Con él,Piazzolla y Malvicino.

PANSERA, Roberto.(25 de mayo de 1932-06 de marzo de 2005). Músico. Bandoneonista. Organista. Director. Compositor. Arreglador. Nació en Mar del Plata Se inició en la orquesta de Juan Carlos Cobián durante las actuaciones de éste en 1944 en el Automóvil Club. Tocó luego en la de Francini-Pontier y en las temporadas veraniegas de Punta del Este, en la de Lalo Scalise. En 1950 se vinculó a Osvaldo Fresedo como bandoneón y arreglador de novedosas e interesantes ideas musicales. Adiós muchachos, La copa del olvido, Preludio N° 3, Solo de bandoneón, Del tiempo de Gardel, son algunos de sus valiosos trabajos correspondientes a este período.
Fue en 1955 miembro fundador del Octeto Buenos Aires para el que arregló su tango
Renacimiento y en el que actuó fugazmente, dejando su lugar a Leopoldo Federico.
Realizó más tarde una gira por países del Pacífico, volviendo a colaborar hacia 1959
con Fresedo en arreglos como los de Todo corazón, Milonguero viejo, Soledad y otros.
En 1961 formó un conjunto experimental con inclusión de bronces y maderas y la actuación de la cancionista Gloria Wilson, para los recitales que en el Aula Magna de
la Facultad de Medicina auspiciara el Círculo de Amigos del Buen Tango. En 1964
compuso Réquiem para John F. Kennedy.
Compositor de tangos de inspirada línea melódica, como Sombra de humo, Trenza
de ocho, Desconocida, Qué lelos mi Buenos Aires, Mi canción de ausencia, y numerosas
obras con Acho Manzi, entre los cantables, y Preludio N° 3 y Naturaleza muerta entre los instrumentales. Compuso la música de fondo para la película Se Necesita un Hom-
bre con Cara de Infeliz (1954) y participó en el programa de televisión Vida de Tango
con libro del poeta Juan Carlos Lamadrid.
En 1968 colaborando en la música con Fresedo sobre letras de Lambertucci, compuso
y arregló los doce tangos que forman el volumen fonográfico Los 10 Mandamientos. Se
radicó en Venezuela, colaborando luego con Mariano Mores en la ejecución de diversos
instrumentos. Fuente Horacio Ferrer.

Andres Falgás Biografia

Andrés Falgás (izquierda), en abril de 1935

FALGÁS, Andrés. Cantor. Compositor. Nació el 15 de enero de 1914. En 1926, hizo
un viaje a España con sus padres, al regreso del cual, despertó su vocación artís-
tica. Surgió a los primeros planos de la consideración en un certamen organizado en 1932 por Radio Splendid. En 1935 ganó, juntamente con Carmen Duval, el concurso de nuevas voces celebrado en Radio Belgrano, con los auspicios de la empresa Puloil. Cantó en dicha emisora, en Radio Stentor y, en 1936, hizo su primer disco Odeón,con Pena y amor y el vals Cofrecito. Integró, más tarde, la orquesta de Rodolfo Biagi, registrando sus interpretaciones para los discos Odeón. Cielo, Griseta y Dejá el mundo como está, son versiones que reflejan su modalidad y su voz de tenor caracterizada por un vibrato apretado. En 1934, cantó como solista en LR3 acompañado por Tití Rossi. Compositor de tangos de línea ro-
mántica, próximos en su temperamento y en su desarrollo a los de Pichuco o a los
de Joaquín Mora, como En el olvidao, actuó largo tiempo en México.Fuente Horacio Ferrer

Andres Falgas con la Orquesta de Roberto Pansera-Seleccion de temas

Genero: Tango, Orquestas de tango, cantores
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 70.2 Mb/Total time: 70:06

Esta seleccion de temas nos llega por gentileza de Juan Francisco Orrego de Cali, Colombia. Muchas gracias!!!!!

Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras

Biografia de Andrés Falgas

Biografia Roberto Pansera

Tracks
01-Alma En Pena
02-Alondra
03-Caricias Perdidas
04-Carta De Amor
05-Cielo
06-El Abrojito
07-El Triunfo De Tus Ojos
08-Eras Como La Flor
09-Jamás Te Olvidaré
10-La Brisa
11-La Madrugada
12-La Noche Que Me Esperes
13-La Novia Ausente
14-Mi Noche Triste
15-No Me Pregunten Por Qué
16-No Te Quiero Besar
17-Pena De Amor
18-Poema De Despedida
19-Por Qué Regresas Tu
20-Por Qué Te Conocí
21-Sin Lágrimas
22-Tu Olvido
23-Tu Piel De Jazmín
24-Tu, El Cielo Y Tu

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Los cinco Latinos Biografia

Estela Raval

Estela Raval y los cinco latinos

Los Cinco Latinos es un grupo vocal-instrumental de rock and roll de Argentina aún activo, creado en 1957. Considerados por muchos como el grupo vocal de habla hispana más famoso de todos los tiempos, fue uno de los primeros antecedentes del rock latino y uno de los primeros grupos en cantar rock en español, así como en en obtener fama mundial, replicando el estilo doo wop de Los Plateros (The Platters). Está liderado por una mujer, Estela Raval, algo fuera de lo común en la época de su origen, y su esposo el trompetista Ricardo Romero, junto con Héctor Buonsanti, Mariano Crisiglione y Jorge Francisco Pataro, éste último reemplazado en 1960 por Carlos Antimori. En 1957 grabaron su primer simple con Columbia ("Amor joven", "Abran las ventanas") y en 1958 su primer álbum, (Maravilloso, Maravilloso, Columbia, 1958), acompañados por la orquesta de Waldo de los Ríos, con grandes éxitos como "Recordándote" (que alcanzó el segundo lugar en el ránking del programa Discomanía Mundial que transmitía para toda America la WRUL de Nueva York), "Amor joven", "Abran las ventanas" y el cover en español del ultrafamoso "Only You" (Solamente tú). Alcanzaron inmediatamente una extraordinaria difusión internacional que se mantuvo por muchos años. Realizaron conciertos en todo el mundo, llegando a tocar en el Show de Ed Sullivan y compartir escenario con Los Plateros (The Platters), siendo su mayor éxito "Balada de la trompeta".

Estela Raval (Palma Ravallo) se destacó como cantante desde chica. A comienzos de la década del 50 integraba el grupo Las Alondras cuando conoció a Ricardo Romero trompetista de la orquesta de jazz Los Colegiales, dirigida por Eddie Pequenino. Ambos se casaron a comienzos de 1954 e integraron diversas orquestas. En 1955 Estela recibió el premio a la mejor cantante de jazz del año, por sus interpretaciones en la orquesta de Raúl Fortunato.

En 1956 formaron un cuarteto vocal, Los 4 Bemoles, que se organizó como parte de la Orquesta de Tullio Gallo, junto con el propio Gallo y Jorge Pataro. Allí estuvo la base de los Cinco Latinos.

Inicio: Al regresar una gira por países limítrofes Estela, Romero y Pataro se separaron de Tullio Gallo para formar Los Cinco Latinos, junto a Mariano 'Pichón' Grisiglione (saxo barítono) y Oscar López Ruiz (guitarra, quien se retiró en seguida para ser reemplazado por Héctor Buonsanti (saxo tenor y clarinete). Con esta última formación debutaron el 22 de mayo de 1957 en el Teatro Tabarís de Buenos Aires.

Ese año fue el de estallido del rock and roll en Argentina, junto con el estreno en enero de la primera película de Bill Haley y sus Cometas "Rock Around the Clock" y la aparición de la primera banda: Mr. Roll y sus Rocks liderada por Eddie Pequenino, ex compañero de Romero en su banda de Colegiales.


Primeros pasos del rock latino y éxito: Como quedó claro desde la elección del nombre, desde un primer momento Los Cinco Latinos buscaron replicar en español el estilo y el sonido de The Platters (conocidos en en mundo latino como Los Plateros), constituyéndose en uno de los primeros antecedentes del llamado rock latino y en cantar rock en español, al mismo tiempo que el chicano Ritchie Valens grababa La Bamba desde California.

En 1957 grabaron su primer simple conteniendo el cover en español del ultrafamoso Only You (Solamente tú), acompañados por la orquesta de Waldo de los Ríos, que se convirtió en un éxito de inmediato. El grupó se consagró en Rosario, durante el carnaval de 1958, donde actuaron ante 30.000 personas, una cantidad impensable para la época.

En 1958 grabaron su primer álbum, Maravilloso, Maravilloso, que se volvió un hit internacional vendiendo más de un millón de copias. De esa primera época se destacaron temas como Quiereme siempre, Maravilloso Maravilloso, La Violetera y "Recordandote". Este último tuvo un notable éxito en Estados Unidos, alcanzando el segundo lugar en el ranking de Discomania Mundial, un programa radial de la emisora WRUL de Nueva York que se transmitía a toda América.


La conquista del mundo: A comienzos de 1959 lanzaron su segundo álbum, "Dimelo tu" (Columbia), elegido como primer corte por haber sido el primer tema de rock and roll compuesto por autores sudamericanos que se convirtió en éxito internacional. Ese mismo año realizaron su primera gira internacional a Uruguay, Chile, Colombia, Ecuador, Venezuela, Chile, México (donde permanecieron seis meses), Costa Rica y Puerto Rico. En Venezuela tuvieron su propio show. En México se mantuvieron en el primer lugar durante cuatro meses como figuras centrales del por entonces famoso programa de TV Siempre en Domingo, conducido por Raúl Velazco, presentándose en plazas de toros, para dar cabida al úblico que asistía a sus presentaciones.

En 1960 se dirigieron a España donde su llegada fue un acontecimiento nacional, presentándose en el Florida Park. Recorrieron todo el país durante un año y medio, incluyendo una histórica actuación conjunta con Los Plateros (The Platters) el 29 de junio de 1960 en la plaza de toros de Valencia ante 35.000 personas. En 1961 se resentaron en el Olympia de Paris junto a Gilbert Becaud, encontrándose entre el público artistas como Judy Garland, Charles Aznavour y Edith Piaf. La gira continuó por Portugal, Italia, Grecia, Egipto, Israel, Líbano, Inglaterra, y nuevamente en España para actuar junto a Frank Sinatra en un programa especial de Eurovision. Luego de recorrer Europa recorrieron Estados Unidos, actuando en California, Los Angeles, San Francisco, Holywood y Las Vegas.


Retorno triunfal y el Show de Ed Sullivan. A fines de 1961 Los Cinco Latinos volvieron a la Argentina luego de tres años de ausencia, siendo recibidos como ídolos populares por miles de personas en el aeropuerto de Ezeiza.

En 1962 grabaron su séptimo álbum Los Fabulosos Cinco Latinos (Columbia), donde se incluye el que sería el máximo hit histórico del grupo, Balada de la trompeta. Realizaron nuevas giras, incluyendo Japón, y el 8 de mayo de 1964 se presentaron en el Show de Ed Sullivan, probablemente el programa musical de televisión más famoso del mundo, ante una audiencia de 85 millones de personas. La fama alcanzada por Los Cinco Latinos y en especial la voz de Estela Raval se expresó en ese momento con una declaración del destacado actor mexicano Cantinflas, quien acababa de asistir a una presentación durante la feria mundial de Nueva York:

En el Chateau Madrid he escuchado una voz como hace 20 anos no oía... la de Estela Raval.
En 1965 el presidente del Perú, Fernando Belaunde Terry les entrega una placa en nombre del pueblo peruano que dice:

A los 5 latinos, incluyendo una latina habilísima, mi efusiva felicitación como dignos exponentes de la raza.
Por entonces, los éxitos de la banda incluían La Bamba, Si yo canto, Volverás, Un payaso en el paraiso, Venecia sin ti, Mi mamá, En cambio no, Pueblito de España, entre otros. En 1966 se independizan y crean su propio sello discográfico con el nombre de Discos Quinto, bajo el cual grabarían cinco álbumes, que incluyen temas como En un rincón del alma, Quiero llenarme de ti, La Rosa negra, y Esta es mi canción.

En 1967 Los Cinco Latinos festejaron su 10º aniversario con un show en el masivo programa de TV "Casino" conducido por Juan Carlos Mareco "Pinocho", que repasó toda su historia.

Por entonces, la reconocida cadena mundial "Billboard" de Nueva York incluyó a Los Cinco Latinos entre los cincuenta músicos más populares del mundo en las decadas del 50 y del 60, siendo uno de los pocos músicos hispanoamericanos que lograron penetrar el mercado anglosajón en aquel entonces. Tuvieron su propio programa de televisión, El Show de los Cinco Latinos que fue transmitido por Canal 4 de Peru, Canal 5 de Puerto Rico, Canal 4 de México, así como en Uruguay y Chile.

En 1968 estrenaron en Miami y masificaron mundialmente el gran éxito de Luis Aguilé, "Cuando salí de Cuba", lo que llevó los llevó a recibir las llaves de la ciudad.


Primera separación: En 1969, cuando su éxito no daba muestras de descender, anunciaron la disolución de la banda y el lanzamiento de la carrera solista de Estela Raval. La despedida se realizó en el lujoso Hotel Hermitage de Mar del Plata, cerrando la actuación con una inolvidable y emotiva interpretación de "Tu eres mi destino", en la que Estela Raval no pudo evitar el llanto, al punto de ahogar la canción.

Luego de la separación Estela Raval desarrolló una importante carrera de solista acompanada por su esposo Ricardo Romero, pero sin alcanzar el reconocimiento que obtuvo la banda. Mariano Crisiglione creó su propio conjunto vocal, Carlos Antinori fundó su propia orquesta y Hector Buonsanti se dedicó a los arreglos de sonidos.


El regreso: En 1982 los organizadores de la Copa Mundial de Fútbol de 1982 en España ofrecieron contratar a Los Cinco Latinos si ellos decidían volver a reunirse, algo que aceptaron hacer bajo el nombre de "Estela Raval y Los Cinco Latinos", con los mismos miembros que integraron el grupo entre 1961-1970, con excepción de Héctor Buonsanti, quien fue reemlazado por Augusto Granatta.

El regreso de "Estela Raval y Los Cinco Latinos" se concretó el 30 de junio en un espectáculo denominado "El Reencuentro con Los 5 Latinos" en el mismo lugar en el que se presentaron en España por primera vez en 1960, "El Florida Park". El concierto fue uno de los acontecimientos más significativos durante las celebraciones de la copa mundial. Uno de los críticos españoles que cubrieron la presentación expresó su sentir de este modo:

"El tiempo ha pasado y las modas cambiaron, pero los temas románticos y la calidad de este maravilloso grupo quedaron grabados para siempre en los corazones de la gente y hoy todos aquellos que amamos aquellas hermosas canciones y la inolvidable voz que las puso en nuestros corazones estamos aquí... Fue como si una avalancha de nostalgia se apoderara de todos los presentes al escuchar aquellas melodias que los llenaran de éxitos, la piel se tornaba fría, los poros delataron las emociones y todo fue una explosión de momentos vividos que surgian del pasado dentro de los corazones de hombres y mujeres llenos de sensibilidad... Entonces Estela Raval con oportunas palabras dijo... "Hemos vuelto porque la epoca nos necesita y porque ustedes lo han querido..."[8]
Luego realizaron una gira por Europa, Puerto Rico, Venezuela, República Dominicana y Cuba. En éste último país realizaron cuatro funciones con entradas agotadas en el teatro "Carlos Marx" (ex Tropicana) de La Habana que luego fueron editadas en ún álbum, "Encuentro en la Habana".

Los años siguientes Los Cinco Latinos continuaron realizando emotivas presentaciones en América y Europa, incluyendo destacadas actuaciones junto a Alberto Cortez y Paloma San Basilio, grabando 16 álbumes hasta 2003. En el 2005 lanzaron un nuevo álbum, Vivir con todo. Raval interpreta aquí una gama de ritmos y estilos, interpretando 15 temas. El disco volvió a ser nominado para el Premio Gardel 2006 (Mejor Álbum Romántico).

En 2007 celebraron sus 50 años. Su disco Adelante!, ganó el Premio Gardel al mejor Album Romántico de 2003, y un disco de oro por superar las 30.000 unidades vendidas. El espectáculo del mismo nombre convocó a más de 300.000 espectadores. En 2006 salió a la venta un DVD que recoge los mejores momentos de Adelante! en el Teatro Astros de Buenos Aires. La presentación en vivo se realizó en el Luna Park y dos teatros Gran Rex, en un espectáculo llamado "Maravillosos 50", que fue luego llevado al resto de la Argentina y el mundo.


Curiosidades:En Cuba se transmite por radio diariamente desde la década del 60 "El show de Los Cinco Latinos", algo jamás logrado por otro artista en ese país.
En la película Garage Olimpo sobre los campos de concentración durante la dictadura militar argentina 1976-1983, hay una escena terrible en la que los torturadores elevan el volúmen de la radio para que no se escuchen los gritos de las víctimas, cuando está trasmitiendo a Los Cincos Latinos cantando Dímelo tú, resignificando macabramente su letra: «Dímelo tú, no me atormentes, quiero saber».

Integrantes
Primera integración 1957-1961 Estela Raval (voz), Ricardo Romero (voz y trompeta), Hector Buonsanti (voz, clarinete y saxo), Mariano Crisiglione (voz y saxo),y Jorge Francisco Pataro (voz y trombón).


Segunda integración 1961-1970 Estela Raval (voz), Ricardo Romero (voz y trompeta), Mariano Crisiglione (voz y saxo), Carlos Antinori (voz y trombón) y Hector Buonsanti (voz, clarinete y saxo).


Tercera integración 1982 en adelante Estela Raval (voz), Ricardo Romero (voz y trompeta), Mariano Crisiglione (voz y saxo), Carlos Antinori (voz y trombón) y Augusto Granatta.Fuente Wikipedia

Los Cinco Latinos - 20 grandes canciones

Genero: Pop, Rock, Instrumental, Vocal
Año 1991
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 79.9 Mb/Total time: 52:52

Personal
Estela Raval (voz),
Ricardo Romero (voz y trompeta),
Mariano Crisiglione (voz y saxo),
Carlos Antinori (voz y trombón)
Augusto Granatta

Biografia de Los cinco latinos

Tracks
01-Quiereme siempre
02-Solo tu
03-El dia que me quieras
04-Como antes
05-Pequeña flor
06-La tierra
07-Don Quijote
08-Mi oracion
09-Eres diferente
10-Para Vigo me voy
11-Balada de la trompeta
12-Las hojas verdes
13-El gran simulador
14-Nunca en domingo
15-Hay humo en tus ojos
16-Tu eres mi destino
17-La hora del crepusculo
18-La montaña de Imittos
19-Maravilloso, maravilloso
20-Dimelo tu

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Alicia Petronilli Biografia

Alicia Petronilli

Alicia Petronilli, Soren Elbaek y Pepe Ferrer

Alicia Petronilli
Estudió bandoneón con el Maestro Marcelo Bomprezzi y Maestro Omar Torres. En 1993 comenzó su carrera en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Rosario, estudiando con el maestro Domingo Federico y se graduo en 1998 con las más altas calificaciones. Desde el año 2000, que trabaja en la Escuela como profesora Bandoneón.

Ella integró como bandoneonista varios grupos como el cuarteto Tangata femenina, la de Rodolfo "Cholo" Montironi del Sexteto, la Orquesta Juvenil de Tango de la Universidad Nacional de Rosario, fundada por el Maestro Domingo Federico, etc

Fuera de tango, también desempeña la música contemporánea a través de las obras del compositor Jorge Horst. Dio varios conciertos en Dinamarca y la Argentina, como solista y junto con Storstrøms Kammerensemble (danés Cámara jugadores) en el marco del proyecto de intercambio cultural celebrado por ambos países, concretaron la realización de obras musicales en carácter de estreno mundial.

Desde 1998 integra un dúo con el violinista danés Søren Elbæk, con quien grabó el CD "Tango Intimo" publicado por el sello danés Kontrapunkt. Junto con este artista, que realizó varios conciertos en Dinamarca desde 2000 y participó con el Tango Trío Intimo (Alicia Petronilli, Søren Elbæk y Pepe Ferrer) en la Sala de Música de personal de P & O Cruises.

Desde 1999, integra Dúo Al Sur con el guitarrista Pepe Ferrer y desde el año 2000, Cité Tango Quinteto con notables músicos de Rosario.

En 2005 dio conciertos en Japón con el trío Flores Negras.
En noviembre de 2007 realizó junto con Alicia Corona Guitarra Cuarteto en Maribo (Dinamarca) el estreno de "Tres postales música para bandoneón y cuarteto de guitarras" de Pepe Ferrer y dio conciertos con el Tango Trío Intimo.Fuente duo al sur

Soren Elbaek Biografia

Soren Elbaek

SØREN ELBÆK, violin
Estudió en la Royal Danish Academy of Music en Copenhague, con el profesor Milán Vitek.

Debutó como solista en 1990. Ha actuado como solista con varias orquestas nacionales e internacionales.

Realizó numerosas grabaciones en la etiqueta de Kontrapunkt solo por las sonatas y obras clásicas así como de compositores contemporáneos. También como miembro del famoso Trío de Copenhague, que ha recorrido Europa, EE.UU. y Sudamérica y grabó para el sello Kontrapunkt la mayoría de los principales trío de piano repertorio.

En 1991 Elbæk realizo en gthe la UER (Unión Europea de Radiodifusión) concierto en Atenas como el representante nacional.

Él es el destinatario de numerosos premios, entre ellos La Música Crítica Premio, Los Músicos' y el Premio El Premio Jacob Gade.

En 1995 debutó con el Trío de Copenhague en el Wigmore Hall de Londres.

Desde el 1998, integra un dueto con Alicia Petronilli bandoneonista, con quien grabó el CD "Tango Intimo", publicado por el sello danés Kontrapunkt. Junto con este artista, ha realizado varios conciertos en Dinamarca y la Argentina desde el año 2000.
Es miembro de Storstrøms Kammerensemble (danés Cámara jugadores) y el Tango Trío Intimo desde 2003.Fuente Duo al sur

Alicia Petronilli & Soren Elbaek - Tango Intimo

Genero: Tango, instrumental, violin y bandoneon
Nivel:Kontrapunkt
Año1999-2000
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 77.8 Mb/Total time: 53:00

Personal
Alicia Petronilli: Bandoneon
Soren Elbaek: Violin

Informacion Tecnica
Alicia Petronilli (Rosario, Santa Fe):
Bandoneón
Adaptación en 2,3
Adaptación sobre arreglo de Omar Torres en 6, 15, 16
Arreglos en 10, 11, 12, 13, 14
Soren Elbaek (Dinamarca): Violin
Demas arreglos: 4 y 5, Pepe Ferrer (Guitarrista)
6, Alicia Petronilli y Pepe Ferrer
Grabado entre Septiembre del 99 y mayo del 2000

Biografia de Alicia Petronilli

Biografia de Soren Elbaek

Tracks
01 La Felure (Astor Piazzolla).
02 Café 1930 (Astor Piazzolla).
03 Nightclub 1960 (Astor Piazzolla).
04 Ave de Paso (Charlo-Enrique Cadicamo).
05 Celos - Tango Jealousy (Jacob Gade).
06 Soledad (Carlos Gardel-Alfredo Le Pera).
07 Bruno y Sarah (Astor Piazzolla).
08 Nunca Tuvo Novio (Agustín Bardi).
09 Tanti Anni Prima (Astor Piazzolla).
10 Yuyo Verde (Domingo Federico-Homero Exposito).
11 Naranjo en Flor (Homero & Virgilio Expósito).
12 Los Mareados (Enrique Cadicamo-Juan Carlos Cobián).
13 Percal (Domingo Federico-Homero Expósito).
14 Nostalgias (Enrique Cadicamo-Juan Carlos Cobian).
15 Che Bandoneón (Anibal Troilo-Homero Manzi).
16 Los Pájaros Perdidos (Astor Piazzolla / Mario Trejo).
Los que figuran entre parentesis son los autores de la musica

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