jueves 30 de abril de 2009

Antonio Carlos Jobin Biografia

Antonio Carlos Jobin en pianoAntonio Carlos Jobin en piano

Antonio Carlos Jobin con guitarraAntonio Carlos Jobin con guitarra

Antonio Carlos Jobin en 1996Antonio Carlos Jobin en 1996


Tom Jobim (también conocido como Antonio Carlos Jobim) fue un compositor, cantante, guitarrista y pianista brasileño de bossa nova.

Nació con el nombre de Antônio Carlos Brasileiro de Almeida Jobim en Río de Janeiro el 25 de enero de 1927 y falleció en Nueva York el 8 de diciembre de 1994.

Considerado como uno de los grandes exponentes de la música brasileña, Jobim es el artista que internacionaliza la bossa nova y, con la ayuda de importantes artistas estadounidenses, la fusiona con el jazz para crear en los años sesenta un nuevo sonido cuyo éxito popular fue muy destacable. Jobim está considerado como uno de los grandes compositores de música popular del siglo XX.

Las raíces de Jobim en el jazz están en sus admiradas grabaciones de Gerry Mulligan, Chet Baker, Barney Kessel y otros músicos del West Coast jazz o cool de los años cincuenta. Además, el mismo Jobim apuntó que el compositor impresionista francés Claude Debussy tuvo una influencia decisiva en sus armonías, así como el samba brasileño proporcionó a su música un original ritmo exótico siempre presente. Como pianista, su toque es sencillo y melódico, al estilo de un Claude Thornhill, aunque en algunas de sus grabaciones llegase a demostrar que podía ser sumamente inventivo. Su guitarra está limitada principalmente a un acompañamiento apacible a los ritmos sincopados del jazz; su voz, suave, sencilla y ligeramente ronca, subraya los aspectos emocionales de las letras.

Jobim ya estaba encaminado en principio a la carrera de arquitecto. Sin embargo, al cumplir los veinte años, la llamada de la música se hizo tan poderosa que empezó a tocar el piano en los nightclubs y a trabajar en estudios de grabación. Hizo su primera grabación en 1954, acompañando al cantante Bill Farr como líder de «Tom e a sua Banda». Su primer gran éxito le llegó en 1956 cuando, junto con el poeta Vinícius de Moraes, elaboró parte de la música de una obra teatral llamada Orfeo da Conceição (más tarde convertida en película, Orfeo negro). En 1958, Jobim produce un disco, por su particular estilo bossa nova (‘tendencia nueva’ o new wave; del portugués bossa: ‘aptitud, tendencia, vocación’), al guitarrista y cantante João Gilberto, grabando algunas de las canciones de Jobim con arreglos musicales del mismo, dando comienzo al género musical de la bossa nova, siendo Chega de saudade el éxito bossa nova por antonomasia.

El despegue de Jobim fuera de Brasil se produjo en 1962 cuando Stan Getz consiguió un sorprendente éxito con su tema Desafinado; un año después, Jobim y varios músicos brasileños más fueron invitados a participar en un espectáculo en el Carnegie Hall, donde es estrenada Garota de Ipanema (The Girl from Ipanema), y por ende, el éxito de la música brasileña. Empujada por las canciones de Jobim, la bossa nova se convirtió en un éxito internacional, y los músicos de jazz se acercaron a ella, grabándose númerosos discos hasta agotar su tirón comercial a finales de los años sesenta.

Jobim prefirió los estudios de grabación a las giras, grabando varios discos de su música como pianista, guitarrista y cantante para Verve, Warner Bros., Discovery, A&M, CTI y MCA en los sesenta y setenta, volviendo a Verve en los últimos años de su vida. En principio, comenzó a colaborar con el arreglista y director Claus Ogerman. Al agotarse el éxito de la música brasileña en Estados Unidos, Jobim se concentró en el cine y en la televisión brasileña. Pero hacia 1985, con el auge de las llamadas músicas del mundo y de una segunda ola de música brasileña, Jobim comenzó una gira con un grupo en el que estaba su segunda mujer, Ana Lontra, su hijo Paulo, su hija Elizabeth, y varios músicos amigos.Fuente Wikipedia

Antonio Carlos Jobim & Frank Sinatra - Francis Albert Sinatra & Antonio Carlos Jobim




La tapa del LP se coloca a titulo referencial su lanzamiento fue en 1967

Genero: Swing, Bossa Nova, Brazilian Jazz, Traditional Pop, Vocal Jazz
Lanzamiento original en LP en 1967
Llevado a CD en 1998
MP3- CBR-320 Kbps-Lame 3.97-Total Size: 60.3 Mb/Total time: 28:31

Personal:
Frank Sinatra - Voz
Antonio Carlos Jobim - Guitarra, Piano, Voz
Dom Um Romão - Batería
Al Viola - Guitarras
Billy May - Trompeta

  • Biografia de Antonio Carlos Jobin

  • Tracks
    01-The Girl From Ipanema
    02-Dindi
    03-Change Partners
    04-Quiet Nights Of Quiet Stars
    05-Meditation
    06-If You Never Come To Me
    07-How Insensitive
    08-I Concentrate On You
    09-Baubles, Bangles and Beads
    10-Once I Loved

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    miércoles 29 de abril de 2009

    Enrique Telleria Biografia

    Enrique Telleria en 2003 en AlemaniaEnrique Telleria en 2003 en Alemania


    Maite CaparrosMaite Caparros voz del Ensamble de Enrique Telleria


    Concertista y arreglista de bandoneón, Enrique Tellería (Uruguay, 1946) cumple una destacada labor musical en Latinoamérica como intérprete, arreglista y director musical.

    Participa en Festivales de Punta del Este, en la OTI y otros eventos de carácter internacional, realizando grabaciones de diversos géneros.

    Residente desde hace años en Barcelona, este virtuoso del bandoneón es invitado de forma periódica por los más importantes festivales nacionales e internacionales, además de participar en programas de TV de España ("La noche abierta"), Alemania y Suecia.

    Considerado uno de los máximos exponentes de su instrumento ha colaborado con diversas formaciones, entre ellos la Orquesta Sinfónica del Vallés, Jove Sinfónica de Sant Cugat, Banda Sinfónica de Madrid, Sinfónica de Sevilla, Banda Sinfónica de A Coruña, Banda Sinfónica de Valencia, Banda Municipal de Barcelona, Orquesta de Cuerdas de Mainza (Alemania),, Varia-Ensemble Music (Reutlingen-Alemania), New Tango Ensemble (Barcelona), HR Big Band (Francfort), Banda Municipal de Castellón y la Filarmónica de Reutlingen. Fuente musicauruguay.com


    Biografia II
    Enrique Telleria..viene colaborando desde hace muchos años.con grandes Orquestas Sinfonicas y Philarmonicas de Europa..siendo
    en la actualidad un ejecutante de Bandoneon.reconocido Mundialmente..

    Actualmente dirige su propio quinteto MELI TANGO QUINTET..con el cual realiza los temas de Astor Piazzolla..asi como otros autores.incluyendo obras de su autoria...con arreglos personales para el grupo.

    In Inglish
    Enrique Telleria..holds a lengthy trajectori which began in nis native Uruguay.where he began his studies of music at the young of 6,and with his first performance at the age of 9
    PROPOSAL
    Enrique Telleria hails all Artistic Directors of Symphonic Orchestras,Philarmonical Orchestras,Symphony Bands Music Bandas,Chamber Gropus,Chamber Orchestras and all types of groups that would wish tu program a high-level concert,in which the contemporaneous Tango or a Tango Concert would be incorporater.

    ORCHESTRA REFERENCES:
    Banda Sinfonica Municipal de Madrid.Banda Municipal de Valencia,
    Banda Municipal de Castellon,Orchestra de Guitarras de Barcelona.
    Orchestra de Cordas de Caldes de Montbüi,Orchestra Sinfonica de Barcelona National de Catalunya,Philarmonic Orchestra of Reutlinguen,Simphonic Orchestra of Frankfurt in Germany,Jaz Quintet of Wilson de Oliveira(Germany)String Orchestra of Mainz...
    Malmö Tango Group Sweden.Grupo Malevaje(Madrid)New Ensamble Tango(Barcelona)MELI TANGO QUINTET(Barcelona)
    ENRIQUE TELLERIA participates in two CDs,together with the great Chilean concertist Roberto Bravo.
    Enrique Telleria records in the Frankfurt TV an radio studios a spectaular tango jazz CD.under the direction of Fred Strum.director of the jazz catedra of the Music School of Rochester.N York.wwwhomakes some arrangements,while permitting Enrique Telleria full freedom of interpretation in the creation of phrases,improvisations,contours on music written very simply but with very highh quiality,for the highlighting of the BANDONEON
    Fuente web de Enrique Telleria

    Enrique Tellería Ensamble - Evolution & Tango


    Genero: Tango, Newtango, instrumental, vocal
    Nivel:AYVA MUSIC RECORDS
    Año: 2004
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 93.2 Mb/Total time: 63:57

    Personal:
    Bandoneon y Direccion: Enrique Telleria
    Piano: Antoni Olaf Sabater.Tensy Klysman y Gabriel Sivak
    Violin: Manel Porta.Nestor Eidler y Pedro Bursako
    Viola: Santi Burgos
    Violoncello: Rodolfo Zanni
    Contrabass: Tony Cubedo
    Saxo Alto: Tony Molina
    Saxo Tenor: Jose Maria Ricou
    Viola de Roda Marc Egea
    Flauta: Laura Fernandez
    Drums: Cesar Telleria
    Voz: Mayte Caparros
    Produccion Discografica AYVA MUSIC RECORDS.
    Estudios: Albert Moraleda
  • Biografia de Enrique Telleria

  • Tracks
    01-Evolución
    02-Milonga Del Angel
    03-Orientala
    04-LiberTango
    05-18 Y Diagonal
    06-Los Pájaros Perdidos
    07-ModerTango
    08-Adiós Noniño
    09-Chispi
    10-Oblivión
    11-Orbiexpectrus
    12-Invierno Porteño
    13-Atmosfera
    14-Evolución Final

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    martes 28 de abril de 2009

    Jose Feliciano Biografia

    Jose Feliciano

    Jose Feliciano y Gloria EstephanJose Feliciano y Gloria Estephan

    Jose FelicianoJose Feliciano


    José Feliciano es sinónimo de la música, es sinónimo de presencia internacional que ha influenciado la música por mas de dos generaciones. Es igualmente es sinónimo de presencia que ha unido estilos musicales de forma inigualable. José Feliciano es el primer artista latino en introducirse al mercado de la música en ingles, abriendo las puertas a otros artistas quienes representan una parte importante en la industria musical Americana.
    Con la misma importancia, José ha sido reconocido y aclamado por los críticos del mundo como el mejor guitarrista actualmente. La revista, Guitar Player, le otorgó el premio como el mejor guitarrista pop incluyéndolo en su galería de los grandes, "Gallery Of The Greats". Y además ha sido reconocido como el mejor Guitarrista de Jazz y de Pop por la cuesta de los suscritores de la revista, Playboy. Ha sido galardonado con más de cuarenta y cinco discos de oro y platino, ha recibido dieciséis nominaciones al premio Grammy, de las cuales lo ha ganado en seis ocasiones, y ha recibido un sinfín de prestigiosos premios en el ámbito mundial.
    En 1996 fue seleccionado para recibir el premio,"Trayectoria Artística", por la revista, Billboard. Fue honrado por la ciudad de Nueva York en el este de Harlem al modificar el nombre a la escuela, Public School 155, por el de "The José Feliciano Performing Arts School". En el año 2001, José recibió un Doctorado Honorífico en Letras y Humanidades de la institución "Sacred Heart University" en la ciudad de Fairfield, Connecticut por sus contribuciones musicales y humanitarias al mundo.

    José Feliciano es un artista con bastante demanda y con una agenda muy saturada. Se ha presentado junto con otros artistas de renombre y ante muchas personalidades del mundo. Disfruta bastante al ser acompañado por algunas de las orquestas más famosas incluyendo las sinfónicas de Londres, Los Ángeles y de Viena. Se ha presentado en importantes programas de televisión a nivel mundial. Ha producido sus propios programas especiales, y varias de sus composiciones han sido utilizadas en algunos programas de televisión, cine y obras de teatro.

    José nació invidente, de principios humildes el 10 de septiembre de 1945 en Lares, Puerto Rico. Es uno de once hermanos. Su enamoramiento por la música inicio a la edad de tres años, tocando el fondo de una lata de galletas, hacia acompañamiento a su tío que tocaba el cuatro. A la edad de cinco años, su familia se emigró a la ciudad de Nueva York. Aprendió a tocar la concertina a los seis años tomando un grupo de discos como maestro. A los ocho años se presentó ante sus condiscípulos en la escuela Public School 57 y a los nueve años se presentó en el teatro, Puerto Rican Theater, en el Bronx de Nueva York. Su inquietud por la música lo impulsó a aprender a tocar la guitarra y utilizando de igual manera sus discos como maestro y con una férrea determinación, practicando en ocasiones hasta catorce horas al día. Expuesto a la música de los cincuentas se inspiró a cantar. A los diecisiete años José dejó la escuela, ya que su papá se encontraba sin trabajo y él quería aportar ayuda a su familia.

    José tocaba en cafés en Greenwich Village recibiendo como salario lo que en aquella época era costumbre - pasar el sombrero. En ese mismo año tuvo su primer compromiso profesional en detroit, Michigan. Poco tiempo después, un reconocido crítico de la música escribía sobre su participación en Gerde's Folk City refiriéndose a José como "un mago con diez dedos que juguetea, rasguea, reverberea, y corre sus dedos por las seis cuerdas de su guitarra de una forma maravillosa y con estilo incomparable." Agregó, "Si quieren ser testigos del nacimiento de una gran estrella, presencien al Señor Feliciano antes de que parta mañana por la noche." Fuente web de Jose Feliciano

    Jose Feliciano - A spanish portrait vol 01 y 02



    Genero: Boleros, Cantores, vocal, instrumental
    Grabaciones originales en 1972
    Llevadas a CD en 1990
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 82.7 Mb/Total time CD 01:40:41 CD 02: 34:09

  • Biografia de Jose Feliciano

  • Tracks

    CD 01
    01-Que Sera
    02-Luz Y Sombra
    03-Dos Cruces
    04-Corazon De Acerco
    05-Cenizas
    06-María Isabel
    07-Guantanamera
    08-El Jenite
    09-Malagueña
    10-Pegão (Instrumental)
    11-Lagrimas Negras
    12-Un Poco Tarde

    CD 02
    01-En Mi Soledad
    02-Extraños En La Noche
    03-No Soy Feliz
    04-Estoy Perdido
    05-Sin Luz
    06-La copa rota
    07-Moliendo Café
    08-Salud
    09-Nunca Jamas
    10-Sombra
    11-Puedo Vivir Del Amor
    12-Camino Verde

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    lunes 27 de abril de 2009

    Antonio Rodio Biografia

    Antonio Rodio con Libertad LamarqueDe izquierda a derecha: Alfredo Malerba, Libertad Lamarque, Daniel Álvarez y Antonio Rodio. Los tres músicos integraban el acompañamiento de la cantante en 1935 Alvarez había tomado el lugar de Quico Artola.



    RODIO, ANTONIO (D)
    (25 de enero de 1904 – Italia - 1 de junio de 1980) - Violinista - Compositor y Director.
    Antonio Rodio era italiano, había nacido en la localidad de Crispino, provincia de Tarento y llegó a nuestro país siendo muy niño. Aún con muy corta edad inició sus estudios musicales y en 1912 finalizó su ciclo primario de violín. Mas tarde ingresa al conservatorio, obteniendo su diploma de profesor superior de violín en 1918.
    Se inició como músico profesional en la orquesta del teatro Colón. A partir de 1920 comienza a integrar orquestas de tango, entre ellas: Angel Danesi, el Cuarteto de Carlos Marcucci, Osvaldo Fresedo y Pedro Maffia.
    Su ingreso en una sala de grabación data de 1929, grabando a dúo con Enrique Delfino para el sello Odeón.
    Otra de sus importantes labores se produjo en 1930 donde junto a Rodolfo Biagi, acompañaron a Gardel en las siguientes grabaciones: Buenos Aires, Aromas del Cairo, Viejo Smoking y Aquellas farras, además del fox trot, Yo nací para ti, tu serás para mí.
    Con Enrique Delfino en piano y Manuel Parada en guitarra, acompañaron a grandes figuras durante la década del treinta. También formó parte del conjunto Los Poetas del Tango.
    Su primer orquesta la formó en 1941, y estaba integrada por los siguientes músicos: Héctor Stamponi, Carlos Parodi, Antonio Ríos, Titi Rossi, Mario Demarco, Eduardo Rovira, Luis Bonnat, Tomás Cuervo, Juan José Fantin, Máximo Mori, Jaime Gosis y los cantantes Alberto Serna y Mario Corrales. Grabó dieciséis discos entre los años 1943 y 1944. Obtuvo, además, la colaboración de Antonio Rodríguez Lesende. Con la misma debutó en radio Splendid y ocupó el octavo lugar entre las orquestas más solicitadas y mejor pagadas. Actuó también en el café Germinal, El Nacional y en diferentes locales nocturnos de la calle Corrientes.
    En mayo de 1945, integró la orquesta de Miguel Caló en una gira por países de América. Cuando estaban en Chile, Caló regresó a nuestro país y Rodio permaneció en aquel país por un tiempo, a su regreso a la Argentina se incorporó a la orquesta de Francisco Rotundo.
    A partir de 1949, volvió a Chile con la orquesta de Gabriel Clausi, radicándose en ese país de forma definitiva. Radicado en Viña del Mar formó un conjunto de música internacional trabajando por varios años en el Casino Municipal de esa ciudad. Fue fundador de la orquesta Sinfónica de Viña del Mar. Integró, además, la orquesta de Cámara de Valparaíso y Orquesta de Cámara de la Universidad Católica de Chile. Falleció en Viña del mar el 1 de junio de 1980.
    Estas son algunas de las obras que llevan su firma: Y la perdí, Si yo cantara, Igual que Dios, Parece Mentira, Son cosas olvidadas, Angustia, Amor Brujo, Amor, Amor, Yo no puedo comprender, Amor que has hecho.

    Fuente: Gentileza de Héctor Palazzo –Conductor y musicalizador de “Historias de Tango” en la radio “FM Oeste-106.9 MHz”. Fuente foto Libro del Tango de Horacio Ferrer

    Orq.Tipica de Antonio Rodio-1940-1943-Col.Priv.de H. Palazzo y 2 duos de violin, piano con Enrique Delfino


    Genero Tango, Orquestas de Tango, instrumental, vocal
    Sus 16 Grabaciones realizadas en el sello Odeon entre 1943 y 1944
    Y dos de las cuatro realizadas con Enrique Delfino en el mismo sello en 1929
    MP3-CBR 256 kbps-Lame 3.97-Total Size: 77.1 Mb/Total time: 46:29

    Personal de la orquesta desde 1941 hasta 1944
    Antonio Rodi, Héctor Stamponi, Carlos Parodi, Antonio Ríos, Titi Rossi, Mario Demarco, Eduardo Rovira, Luis Bonnat, Tomás Cervo, Juan José Fantín, Máximo Mori, Jaime Gosis y los cantantes Alberto Serna y Mario Corrales

    Los 16 temas de la Orquesta Antonio Rodio nos llegan por gentileza de Hector Palazzo
    Muchas Gracias!!!!!!!
    Se agregan dos temas con Enrique Delfino haciendo duo de violin y piano

    Antonio Rodio realizo 16 grabaciones en Odeon con su orquesta entre 1943 y 1944
    Y Cuatro grabaciones en el mismo sello en duo de piano y violin con Enrique Delfino en 1929

  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 01

  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 02

  • Biografia de Antonio Rodio

  • Tracks
    01-Amor Indio - Stodard (Duo de Piano - Delfino y Violin -Rodio) 1929
    02-Canyengue - Ripu y Medrano - (Mario Corrales) 11-5-43
    03-Cien noches - Rossi y Thompson (Alberto Serna) 8-3-44 -
    04-Corazon que has hecho - Rios y Oscar Rubens - (Alberto Serna) 16-7-43
    05-Cuatro campanadas - Mario Maurano - Lito Bayardo - (Alberto Serna y Daniel Adamo) 04-08-44
    06-Desvelo - Eduardo Bonessi - y E. Cadicamo - (Alberto Serna) 8-3-44
    07-Donde estas corazon -A.P.Berto y Martinez Serrano - (Alberto Serna) 23-5-44
    08-Esta noche en Bs As - D´Agostino, E.Del Piano y A.Attadia (A.Serna) 16-7-44
    09-Haragan - Enrique Delfino (Duo de Piano - Delfino y Violin -Rodio) 1929
    10-La Cumparsita - M.Rodriguez, Contursi y Maroni - 24-7-44
    11-Me voy Bs As - Varela y Sanguinetti (Alberto Serna) 17-9-43
    12-Muñequita - F. Lomuto y A. Herschel (Alberto Serna y Daniel Adamo) 16-7-44
    13-Paloma, Paloma -(M) Donato y Rolla (A.Serna y Daniel Adamo) 4-8-44
    14-Parece mentira - A. Rodio y R. Sciamarella (Alberto Serna) 18-7-44
    15-Rosa Celeste - A.Rodio y H. Sanguinetti - (Alberto Serna) 23-5-44
    16-Tabu -(M) Titi Rossi y Thompson -(Mario Corrales) 11-5-43
    17-Vieja esquina - Pierini y Lambertucci (Alberto Serna) 16-7-43
    18-Viejo arrabal - Carmelo Saponaro 17-9-43

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    domingo 26 de abril de 2009

    Caterina Valente Biografia

    Caterina Valente y Perry Como

    Caterina Valente y Dean MartinCaterina Valente y Dean Martin

    Caterina Valente y Vitorio GassmanCaterina Valente y Vitorio Gassman


    Caterina Valente (nacio 14 de enero de 1931 en París) es cantante, bailarina y actriz. Ella nació en una familia de artistas italiano, Giuseppe su padre era un conocido ejecutante del acordeón, su madre, María Valente, una comediante musical. Tenía tres hermanos, de los cualesSilvio Francesco también actua en el mundo del espectáculo.
    En 1952 se casó con Erik van malabarista Aro (Gerd Eric Horst Scholz). Reconoció su talento y lo acompaño en los primeros años de éxito en todo el mundo, aunque más tarde se divorciaron. En 1953, hizo sus primeras grabaciones con Kurt Edelhagen. Poco después alcanzó un gran éxito con canciones como "Malagueña", "La Brisa y yo", y "Dreh dich nicht um" con la orquesta de Werner Müller. En 1955 fue presentado en la "Comedia Colgate horas", con Gordon MacRae. A mediados de los años 1960, Caterina trabajó con la legendaria Ogerman Claus y material grabado en italiano y que organizó en Inglés / realizadas y / o compuesto de la Decca [1] y en Londres [2] etiquetas. Entre 1966 y 1972 fue un invitada frecuentemente en el Show Dean Martin. En 1972, se casó con la pianista británico Roy Budd, con quien tuvo un hijo, Alexander, pero se divorciaron en 1979.

    En Alemania fue un gran intérprete de la música de Schlager. Allí grabó Cole Porter de París, es decir, I Love Ganz París träumt von der Liebe, que vendió más de 500.000 copias en (1954).

    Con los años, ha grabado con muchas estrellas internacionales, entre ellos Louis Armstrong, Benny Goodman, Ella Fitzgerald, Woody Herman, la orquesta de Tommy Dorsey, Buddy Rich, Sy Oliver, Claus Ogerman, y Chet Baker. En 1959 fue nominada para un premio Grammy.

    Valente fue un corto sobre la vida CBS variedad artistas La serie (1964-65).

    "Un briglia sciolta", el italiano de CD Jazz grabado en 1989 y reeditado en años posteriores con los títulos "fantástica" y "platino de lujo" es el mejor CD Valente vendidos en todo el mundo.

    En 2001, lanzó un nuevo álbum con Girltalk arpista Catherine Michel. También es la madre de la cantante Eric van Aro, Jr. Fuente Wikipedia en ingles

    Caterina Valente - The one and only( En varios idiomas)


    Genero: Pop, rock, musica del mundo
    Grabaciones originales en las decadas del 50/60 y 70'
    Llevado a CD en 1990
    Este CD realiza una recopilacion de los exitos de Caterina Valente en diferente idiomas.

  • Biografia de Caterina Valente

  • Tracks
    01-Ola, Ola Ola (spanish)
    02-Un p'tit Béguine (french)
    03-Tornera (italian)
    04-Das kommt vom Küssen (german)
    05-Bruxeria (portuguese)
    06-Adios Panama (french)
    07-Hamabe no uta (japanese)
    08-Pide (spanish)
    09-Tango Italiano (dutch)
    10-Die Señoritas von San Salvador
    11-En Ukraine (french)
    12-Magica Luna (japanese)
    13-Amo solo te (italian)
    14-When in Rome (english)
    15-Und dann kam der Mondenschein
    16-O Erotas Pou Makousse (greek)
    17-Broadway Conga (french)
    18-La Otra Cara (spanish)
    19-Kumono Nagareni (japanese)
    20-Twist a Napoli (italian)
    21-Zuviel Tequila (german)
    22-Dia de Fiesta (portuguese)
    23-I Melenia I Yiftopoula (greek)
    24-Amor Prohibido (spanish)
    25-Kom laat ons dansen (dutch)
    26-Im Kabarett der Illusionen (ge
    27-Una Sera di Tokyo (japanese)
    28-Cua, Cua, Cua (spanish)
    29-Israeli lullaby (english)

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    sábado 25 de abril de 2009

    Raul Mamone Biografia

    Raul MamoneRaul Mamone dando clase de como se baila el tango

    Raul Monone CantandoRaul Mamone Cantando

    Raul MamoneRaul Mamone "Asi se baila el tango"

    Raul Mamone con Carlos CavaleriRaul Mamone con Carlos Cavaleri

    Raul Mamone bailando tangoRaul Mamone bailando tango


    Raul Mamone por Raul Mamone
    Nací en la ciudad de Buenos Aires, hace ya algunos años. He sido integrante de la Junta Directiva del Circulo Amigos del Tango de Lomas de Zamora, Academia Correspondiente a la Academia Nacional de Tango.
    He realizado diversos estudios en el campo de las artes escénicas (actuación, canto y baile).Tome clases de actuación en TEA Taller Escuela del Actor, también de técnica vocal y canto con Patricia Barone y en la Escuela Popular de Música del Sadem,y en estos momentos continuo mis estudios de canto en la ciudad de Barcelona, con Rodrigo Flores,
    también he estudiado con los maestros de Tango Danza, Natalia Games y Gabriel Angió, Ernesto Carmona, Pepito Avellaneda, Saltos en tango y Tango Nuevo con Cristina Cortés, técnica para bailarines con Gachi Fernandez, entre otros.

    Liz Betancourt del The Florida Tribune ha dicho:

    "Como cantante y bailarín ha cosechado varios éxitos en los espectáculos en que ha intervenido :"Rioba", "Tango que fuiste y serás...", “De tango... un poco", "Tango por Amor", "El Regreso" (Con el tango en el alma) (en el teatro Artenbrut de Barcelona y gira con la Compañia Tango en Europa) y Chamuyando Tangos, Opera tango "María de Buenos Aires" personaje "El Duende" Director Musical: Melani Mestre, Video Clip "Perdoname" de David Civera, Condes de Godó, así como también diversas actuaciones en locales y centros nocturnos de Cataluña y Europa."

    "Ha grabado varios discos compactos en la ciudad de Barcelona de forma independiente: RAUL MAMONE - TANGOS (1999) Estudio JMR, TANGOS Y BOLEROS Junto al Trio NOSOTROS (2003) en Estudio EQ y RAUL MAMONE - PORTEÑO Y BAILARIN (2004) en Estudio EQ. y CANTOR Y MILONGUERO (2008), grabado en Bs. As. bajo la dirección musical de Cesar Angeleri, con Pablo Maineti, Cristian Zarate y Germán Gómez

    "Raúl Mamone y el grupo Tango Sur Barcelona se perfilan como una de las nuevas figuras de la música rioplantense en Barcelona, inyectando sangre fresca y joven al mundillo del tango en dicha ciudad. Web de Raul Mamone www.tangosurbarcelona.com

    Raul Mamone - Cantor y Milonguero





    Genero: Tango, Cantores, instrumental, vocal
    Grabado en Estudios Cesar Angeleri
    Entre Agosto y Setiembre de 2008
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 65.9 Mb/Total time: 42:00

    Personal de este CD
    Voz: Raul Mamone
    Bandoneón: Pablo Mainetti
    Guitarra, arreglos y dirección musical: Cesar Angeleri
    Piano: Cristian Zarate
    Percusión: Germán Gomez
    Técnico de sonido, mezcla y masterización: Javier Mazzarol

    Este CD llega nos llega por gentileza de Raul Mamone para compartir con todos los amantes del tango. Escuchalo y con seguridad los disfrutaras .
    Gracias Raul!!!!!!!!

    Web de Raul Mamone



  • Biografia de Raul Mamone

  • Tracks
    01-LA ULTIMA CURDA
    02-CHAU, RIOBA
    03-AFICHES
    04-FLOR DE LINO
    05-NARANJO EN FLOR
    06-VENTARRON
    07-PARAULES D'AMOR-EL DIA QUE ME QUIERAS
    08-SOY CANTOR
    09-VOLVER
    10-MILONGA SENTIMENTAL
    11-NADA
    12-TINTA ROJA
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    viernes 24 de abril de 2009

    Johnny Mathis Biografia

    Johnny MathisJohnny Mathis

    Johnny Mathis
    Johnny Mathis


    Johnny Royce Mathis (n. Gilmer, Texas, 30 de septiembre de 1935) es un cantante y compositor estadounidense, ganador de varios premios Grammy.

    Es el último de una larga lista de vocalistas masculinos tradicionales que surgieron antes de que el rock predominara en los años 1960. Mathis se concentró en el jazz y en el pop románticos para la audiencia adulta contemporánea hasta la década de los años 1980. Comenzando su carrera con un aluvión de singles, Mathis se hizo más popular como un artista de álbumes, con varias docenas de discos de oro y de platino, recibiendo el puesto 73 en las listas de Billboard a la fecha.Mathis ha vendido más de 350 millones de discos y álbumes.


    Infancia:Mathis nació en Gilmer, Texas siendo el cuarto de los siete hijos de Clem y Mildred Mathis. La familia se trasladó, cuando él era joven, a San Francisco, California, en la calle Post, en el famoso distrito Fillmore. Su padre trabajó durante un tiempo en el vodevil, y cuando vio el talento en ciernes de su hijo, el anciano Mathis compró un viejo piano vertical de 25 dólares para alentar sus esfuerzos. Mathis comenzó a aprender de su padre las canciones y las rutinas de su primera canción siendo esta "My blue heaven". Mathis comenzó cantando y bailando para las visitas en casa y luego, públicamente, en la escuela y la iglesia.Fuente Wikipedia

    Johnny Mathis - Isn't romantic


    Genero: Rock, Pop, Easy Listening, Vocal
    Nivel: Columbia
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 57.5 Mb/Total time: 39:46

    Personal


    Luis Conte - percussion
    Ray Charles - vocals
    Ray Charles - vocals
    Johnny Mathis - vocals
    Ramon Stagnaro - guitar
    Dave Carpenter
    Mike Lang - piano
    Gregg Field - drums
    Charles Berghofer - bass instrument

  • Biografia de Johnny Mathis

  • Tracks
    01-Isn't It Romantic
    02-Love Is Here To Say
    03-Day By Day
    04-Dindi
    05-There's A Kind Of Hush
    06-This Can't Be Love
    07-Cottage For Sale
    08-Almost Like Being In Love
    09-The Rainbow Connection
    10-Over The Rainbow (With Ray Charles)

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    jueves 23 de abril de 2009

    Joaquin Do Reyes Biografia

    Joaquin Do Reyes y su orquestaJoaquin Do Reyes y su orquesta, Entre ellos: Julio Ahumada, Antonio Marchese, Mario Monteleone, José Nieso, Aquiles Aguilar y los cantores Raúl Fontana y Jorge Fiorentino.


    Elvino Vardaro y Joaquin Do ReyesElvino Vardaro y Joaquin Do Reyes


    Joaquin Do Reyes en una caratula de PerottiJoaquin Do Reyes en una caratula de Perotti


    DO REYES, Joaquín. Músico. Bandoneonista. Director. Compositor.
    Nació en Buenos Aires, en el barrio de Mataderos, el 26 de enero de 1905. Estudió música y bandoneón, debutando en público por los cafés de su barriada. En 1925 comenzó su labor profesional propiamente dicha, integrando la orquesta de Francisco Lomuto, para colaborar más tarde, fugazmente, conlos directores Juan D'Arienzo y Alberto Gambino.
    En 1935 formó su primera agrupación propia para presentarla en el palco del café Royal Keller y en las veladas nocturnas del cabaret Chantecler. Allí, durante cierto tiempo, tocó, sin título, un tango suyo de corte melódico, que alcanzó a obtener suceso singular entre los habitués de ese local. Y fue uno de éstos, Celedonio Flores, quien tuvo la iniciativa de versificarlo bajo el título Yo no sé llorar, que sugirió Pepita Avellaneda.
    Continuó desde su labor en radios y cabarets, hasta que, en torno de 1950, su nombre cobró nueva notoriedad, una vez que la flamante empresa de discos T.K. lo incorporó a su elenco, junto a Troilo, Salgán, Rivero, Galván y Piazzolla, como figuras centrales. Su primera placa: El amanecer y El 13; luego, El ahorcado, Punto y coma, Nobleza de arrabal, Pinta brava, El taita del arrabal, Chiqué, divulgaron entonces su depurado estilo orquestal de raíz netamente decareana e invariablemente enriquecido por la labor de los descollantes solistas y cola-boradores de que ha sabido siempre rodearse: Elvino Vardaro, Roberto Guisado, entre los violinistas; Julio Ahumada, Eduardo Del Piano, Antonio Marchese, Máximo Mori, Mario Demarco, entre los bandoneones, y César Zagnoli, Osvaldo Manzi, Juan José Paz, entre los pianistas, muchos de los cuales han desempeñado también en su conjunto tareas de arreglo orquestal. Durante 1961, siempre por los micrófonos de Radio El Mundo, reestructuró a fondo su repertorio, exhumando, a ese efecto, desconocidas páginas de Cobián, de Bardi, de Francisco y de Julio De Caro. A éste, quien colaboró activamente en la renovación del conjunto, dedicó en esa ocasión, un tango instrumental que denominó Decareando, el cual, juntamente con otras de sus composiciones del mismo carácter, destinada a evocar afectivamente a Rosendo Mendizábal y titulada Don Rosendo, registró para la Victor, en dos calificados trabajos interpretativos de 1962. Otras excelentes realizaciones de su agrupación no llegaron, sin embargo, a la fonografía; entre ellas, las de los tangos El tigre del bandoneón, de Julio De Caro; Pensativo, de Máximo Mori; La catanga, de Juan Carlos Cobián, y En la onda, de Juan José Paz. A través de los años desfilaron por su elenco los vocalistas Hugo Soler, Rubén Danza, Horacio Deval, Ricardo Aguilar, Tito Reyes. Ha actuado en el interior de la Argentina y en locales y radios de Montevideo. Compuso, además, Volver a vivir y No me digas que no, corazón. Fallecio el 9 de Junio de 1977. Fuente Horacio Ferrer

    Joaquin Do Reyes Orquesta-Su obra completa en T.K.(Col. Priv. de El Tango y sus Invitados) y Sel. de temas(Col.Priv de Juan F.Orrego)



    Genero: Tango, Orquestas de Tango, Instrumental, Vocal
    Grabaciones Originales en TK entre 1950 y 1955
    Grabaciones Originales en RCA entre 1960 y 1962
    Tomas radiales y o grabaciones en vivo sin año determinado.
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 160.1 Mb(Dividido en 2 partes)/Total time: 76:39

    En esta publicacion podran encontar en dos carpetas por separado la totalidad de las grabaciones en el sello T.K de las colecciones Privadas de El Tango y sus sus invitados y en la otra por gentileza de Juan Francisco Orrego una seleccion de 10 temas entre los cuales se encuentran 3 grabados en la RCA(son los que tienen año y 7 que son tomas radiales o grabaciones en vivo(estas ultimas son una verdadera reliquia para todos los amantes del tango, ya que nunca llegaron al disco).
    Gracias Juan Francisco Orrego!!!!!

    Nota: en total Joaquin Do Reyes llego al disco solamente en 30 grabaciones (24 en T.K.) y 6 en RCA. (En este ultimo sello aparte de los que estan posteados grabo: Decareando, Seleccion de tango y Yo no se llorar)

    El personal que lo acompaño en la formacion de su orquesta en T.K. con algunas variantes fue el siguiente
    Bandoneon: Julio Ahumada, Eduardo Del Piano, Mario Demarco, Máximo Mori
    Violin: Elvino Vardaro y Roberto Guisado
    Piano: César Zagnoli, Juan José Paz y Osvaldo Manzi

  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 01

  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 02


  • Biografia de Joaquin Do Reyes

  • Tracks de sus grabaciones en T.K.
    01-Ventanita de arrabal-Horacio Deval-1950(Mat.003 Dis S 5019)
    02-Nobleza de arrabal-Instrumental-1950(Mat.004 Dis S 5023)
    03-Lloro como una mujer-Horacio Deval-1950(Mat.009 Dis S 5023)
    04-Argañaras-Enrique Lucero-1950(Mat.010 Dis S 5019)
    05-El trece-Instrumental-1950(Mat.011 Dis S 5002)
    06-Pinta brava-Instrumental-1950(Mat.012 Dis S 5012)
    07-Un tango para mi vieja-Hugo Soler-1950(Mat.041 Dis S 5013)
    08-El amanecer-Instrumental-1950(Mat.042 Dis S 5002)
    09-Taita de arrabal-Instrumental-1951(Mat.139 Dis S 5063)
    10-El ahorcado-Instrumental-1951(Mat.140 Dis S 5064)
    11-Medianoche-Hugo Soler-1951(Mat.141 Dis S 5063)
    12-Por un amor-Instrumental-1951(Mat.154 Dis S 5064)
    13-Gran hotel Victoria-Instrumenta-1951(Mat.155 Dis S 5069)
    14-Yo no se llorar-Hugo Soler-1951(Mat.156 Dis S 5069)
    15-Chique-Instrumental-1953(Mat.458 Dis S 5188)
    16-Rastreando-Instrumental-1953(Mat.459 Dis S 5188)
    17-Punto y coma-Instrumental-1953(Mat.462 Dis S 5189)
    18-Yo soy la milonga del centro-1953(Mat.463 Dis S 5189)
    19-Como quieras que te quiera-Enrique LLaneza-1954(Mat.699 Dis S 5276)
    20-Prohibido-Hugo Soler-1954(Mat.700 Dis S 5276)
    21-La cumparsita-Instrumental-1954(Mat.715 Dis S 5283)
    22-El amanecer-Instrumental-1954(Mat.716 Dis S 5083)
    23-Juan Porteño-Armando Forte-1955(Mat.991 Dis S 5386)
    24-Bem Bom-Hugo Soler-1955(Mat.992 Dis S 5386)

    Tracks en seleccion de temas
    01-Armando Forte & Orquesta de Joaquín Do Reyes****Estampa Tamguera - 0000
    02-Eduardo Morel & Orquesta de Joaquín Do Reyes****Lejos De Buenos Aires - 0000
    03-Héctor Inzúa & Orquesta de Joaquín Do Reyes****El Corazón Me Engañó - 0000
    04-Orquesta de Joaquín Do Reyes****Don Rosendo - 1962
    05-Ricardo Aguilar & Trío Vocal & Orquesta de Joaquín Do Reyes****No Me Digas Que No Corazón - 1962
    06-Rodolfo Lesica & Orquesta de Joaquín Do Reyes****Carita De Luna (En Vivo) - 0000
    07-Rodolfo Lesica & Orquesta de Joaquín Do Reyes****Dame Mi Libertad (En Vivo) - 0000
    08-Tito Reyes & Orquesta De Joaquín Do Reyes****Cuatro Pasos En Las Nubes - 1960
    09-Tito Reyes & Orquesta de Joaquín Do Reyes****Historia De Un Tango - 0000
    10-Tito Reyes & Orquesta de Joaquín Do Reyes****Soy Hijo De Buenos Aires - 0000

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    miércoles 22 de abril de 2009

    Lolita Flores Biografia

    Lolita junto a Rosario en 2006Lolita junto a Rosario en 2006


    Lolita Flores junto a su padre en los 70'Lolita Flores junto a su padre en los 70'


    Lolita Flores o Lolita es el nombre artístico de Dolores González Flores (Madrid, 6 de mayo de 1958) cantante y actriz española.

    Es hija de Lola Flores y de Antonio González, hermana de Antonio Flores y Rosario Flores. Estuvo casada con Guillermo Furiase y tuvieron dos hijos Elena y Guillermo. Actualmente mantiene una relación sentimental con Pablo Durán.

    Su primer éxito musical fue Amor, amor. También son suyos los discos Lola, Lolita, Lola y Atrasar el reloj. Entre sus temas más conocidos destacan Amor, amor, Sarandonga, Mía y Si la vida son dos días, entre otros.

    En 2002 ganó el Goya a la mejor actriz revelación por su interpretación en Rencor de Miguel Albaladejo. Lolita debutó en el teatro con la obra Ana en el trópico que se representó durante 2005 y 2006 por toda España con gran éxito de crítica y público.

    Además de su carrera como cantante y actriz, también ha mostrado su faceta de presentadora de televisión. Debutó en esas labores junto a su madre en el espacio de variedades Sabor a Lolas, emitido en Antena 3 entre 1992 y 1993, y donde madre e hija se iniciaron en el género periodístico de la entrevista. Después vendría Ay Lola, Lolita, Lola (1995), un programa similar en TVE, Con otro aire (1996) en Canal Sur y Grandiosas (2002) en Antena 3, con Rosa Villacastín y Belinda Washington. Posteriormente, tras presentar la Gala de Nochevieja 2008-2009 en TVE, participó en el concurso La batalla de los coros, de Cuatro.Fuente Fotos web Lolita Flores Fuente texto wikipedia

    Lolita - Si la vida son 2 días



    Genero: Pop español / Flamenco / Jazz
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 68.6 Mb/Total time: 47:01

  • Biografia de Lolita Flores

  • Tracks
    01-Si La Vida Son 2 Dias
    02-Mia
    03-Vete De Mi
    04-Dejar De Pensar En Ti
    05-Sarandonga
    06-Mentiroso
    07-Somos Novios (Con Armando Manzanero)
    08-Ay Lola Lolita Lola
    09-Parapapa
    10-Perdoname
    11-Tomasa
    12-Las Elecciones
    13-Mediterraneo

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    martes 21 de abril de 2009

    Gustavo Gancedo Biografia

    Gustavo Gancedo Gustavo Gancedo

    Gustavo Gancedo septetoGustavo Gancedo septeto

    Gustavo Gancedo septetoGustavo Gancedo septeto



    Nacido en Córdoba, Argentina, en 1968.
    Alli realizó estudios de guitarra, armonía y composición, en Collegium, Escuela de Artes de la UNC, y con el Profesor Juan C. Ciallella

    Ha trabajado en diferentes agrupaciones, y acompañado, entre otros,
    al DUO SALTEÑO, con quien grabó en su último album : Vamos cambiando, en 1991.

    En 1991 se radica en Paris, donde continua sus estudios en el Conservatrio de Gennevilliers, y con el compositor PEDRO PALACIOS.

    En Francia ha trabajado con numerosos grupos y artistas argentinos,
    en el Tango y el Folklore :

    Con el guitarrista RICARDO MOYANO, en concierto, y en el CD Anthologie de la guitare sud-americaine, en el que grabó un tema de su propia autoria.
    Con el grupo TIERRA DEL FUEGO, en concierto, y en el CD Viejo, solo y borracho.
    Con el quenista UÑA RAMOS, en concierto en Francia, Alemania y Austria.
    Con la cantante AMELITA BALTAR, en el espectáculo Hommage a Astor Piazzolla, en el Auditorium des Halles, Paris.
    Con Rudi y Nini FLORES, en concierto, y en su CD Por cielos lejanos (Epsa)
    Con la cantante HAYDEE ALBA, en concierto en la Opéra Bastille, Paris

    En 1995 crea el TRIO ARGENTINO, con el cual hizo conciertos y giras por Francia y otros paises de Europa , y realizó espectaculos junto a artistas como la cantante SANDRA RUMOLINO, los cantores ANDRES RAMOS y REYNALDO ANSELMI, y los bailarines GUSTAVO NAVEIRA, PABLO VERON, ESTEBAN MORENO & CLAUDIA CODEGA, JORGE RODRIGUEZ & BIBIANA GUILHAMET.

    En 1998 fué invitado como solista por L’ORCHESTRE PARIS-SORBONNE,
    en ocasión de la 1° Rencontre internationale de Tango à Paris.

    Ha trabajado como arreglador de la orquesta de Tango de
    JUAN JOSÉ MOSALINI, principal referente del Tango en Francia

    En 1998 crea su 2° formación : un Septeto de Tango, con el cual se desempeña en la actualidad, en Francia, y en toda Europa. El 1° CD de este ensamble,
    Tango para ustedes fué grabado en febrero 2001, en Paris.

    En el año 2004 graba su 2° álbum, Aquí y Ahora, en formación de cuarteto junto a la cantante argentina Débora Russ

    En 2006 inicia un proyecto de solista, tras lo cual graba en Paris 2 CD's con solos y trios de guitarra titulados “Guitarra Argentina” y "Alma de guitarra". Ha tocado como solista en Argentina, en diferentes salas y festivales, « guitarras del mundo 2007, entre los más renombrados como así también en la edición 2008 del Festival de Guitarras d’Antony (Francia), o enThéâtre Lucernaire (Paris).
    En septiembre del mismo año es convocado nuevamente por el Duo Salteño, para una gira por las Islas Canarias.

    Luego de esta gira, se presenta nuevamente con el Duo Salteño en el Teatro San Martín, Córdoba, y en Teatro Astengo, de la ciudad de Rosario.

    El cantante y compositor Jorge Marziali lo convoca como acompañante para sus giras por el interior argentino, y se presentan en el ciclo Córdoba de las Campanas,
    en la Facultad de Lenguas de la ciudad de Córdoba, en el Festival de Cosquín 2007, etc...

    Se ha desempeñado como profesor tiutular de guitarra en la Escuela de Música
    LA COLMENA (Córdoba, Argentina). Fuente Web de Gustavo Gancedo

    Gustavo Gancedo Tango Septeto - Tango Para Ustedes



    Genero: Tango, Septeto, Instrumental
    Año 2001
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 85.8 Mb/Total time: 50:22

    Personal:
    Juan Jose Mosalini: Bandoneon
    Stéfhane Rulliéri: 1er.Violon
    Michaël Gneist: 2do. Violon
    Jean Pierre Auclin: Alto
    Lionel Allemand: Violencelle
    Eric Chalan: Contrebasse
    Gustavo Gancedo: Guitarras y arreglos

  • Biografia de Gustavo Gancedo

  • Tracks
    01-Para Ustedes
    02-Independiente Club
    03-Porteña y nada más
    04-Se fue sin decirme adiós
    05-Despertar en Merlo
    06-Cafetín de Buenos Aires
    07-A los amigos
    08-Soledad
    09-Milonga vieja milonga
    10-Salgánico
    11-El flete
    12-Bonita
    13-Barrio de tango
    14-La rayuela
    15-La revancha

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    lunes 20 de abril de 2009

    Ornette Coleman Biografia

    Ornette Coleman Ornette Coleman

    Ornette Coleman Ornette Coleman


    Ornette Coleman (Fort Worth, 9 de marzo de 1930), saxofonista, trompetista, violinista y compositor estadounidense de jazz. Figura fundacional de la vanguardia jazzística con un cuarteto en el que estaba Don Cherry, sus innovaciones en el ámbito del free jazz han sido tan revolucionarias como fuertemente controvertidas.
    Inspirado en sus orígenes por Charlie Parker, comenzó a tocar el saxo alto a los 14 años y el tenor dos años después. Sus primeras experiencias musicales fueron en bandas texanas de R&B, entre las queestaban las de Red Connors y Pee Wee Crayton, pero su tendencia a ser original estilísticamente le granjeó hostilidades entre las audiencias y los músicos. Coleman se trasladó a Los Ángeles a comienzos de los cincuenta, donde trabajó como técnico de ascensores mientras estudiaba libros de música. Conoció a músicos con aspiraciones similares en cuanto a grala originalidad: Don Cherry, Charlie Haden, Ed Blackwell, Bobby Bradford, Charles Moffett y Billy Higgins, pero no fue hasta 1958 (tras numerosos intentos de tocar con los mejores músicos de Los Ángeles) en que Coleman consiguió un núcleo de artistas con los que poder tocar su música. Apareció durante un breve periodo de tiempo como miembro del quinteto de Paul Bley en el Hillcrest Club y grabó dos discos para Contemporary. Con la ayuda de John Lewis, Coleman y Cherry entraron en la Lenox School of Jazz en 1959, y estuvieron durante un largo periodo de tiempo en el Five Spot en Nueva York, etapa que alertó al mundo del jazz acerca de la llegada de una nueva y radical forma de hacer jazz. Desde ese mismo momento, Coleman fue calificado a partes iguales como genio y como fraude.

    Entre 1959 y 1961, Coleman grabó una serie de discos para Atlantic que se han convertido en clásicos; formando un cuarteto con Don Cherry, Charlie Haden, Scott LaFaro o Jimmy Garrison en el bajo y Billy Higgins o Ed Blackwell en la batería, Coleman creó una música que influiría enormemente en muchos de los grandes improvisadores de los sesenta, incluyendo a grandes figuras como John Coltrane, Eric Dolphy y la mayor parte de los intérpretes de free jazz de mediados de los sesenta. Uno de esos discos, una jam session de casi cuarenta minutos llamada Free Jazz, fue realizado con un doble cuarteto con Coleman, Cherry, Haden, LaFaro, Higgins, Blackwell, Dolphy y Freddie Hubbard.

    En 1962, Ornette Coleman, sintiéndose infravalorado por su compañía discográfica y por los clubes donde tocaba, sorprendió al mundo del jazz retirándose durante un periodo. Empezó a tocar la trompeta y el violín (tocando este último como si fuese una batería) y, en 1965, grabó con todos estos instrumentos con un trío formado por el bajo David Izenzon y el batería Charles Moffett. A finales de la década, Coleman formó un cuarteto con el saxo tenor Dewey Redman, Haden y Blackwell o su hijo Denardo Coleman en la batería. Además, Coleman escribió algunas obras atonales y clásicas para grupos de cámara y actuó en unas pocas ocasiones con Don Cherry.

    A comienzos de los setenta, Coleman entró en la segunda mitad de su carrera. Formó un doble cuarteto compuesto por dos guitarras, dos bajos eléctricos, dos baterías y su propio saxo alto. El grupo, llamado "Prime Time", produjo una música densa, ruidosa y frecuentemente ingeniosa; todos sus miembros parecían tener un estatus similar, aunque Coleman tenía un papel más relevante. Coleman llamaba a su música harmolodics, simbolizando con ello la similar importancia que tenía en ella lo armónico, lo melódico y lo rítmico. Técnicamente, se la ha calificado de free funk. Entre sus acompañantes en el grupo estuvieron el batería Ronald Shannon Jackson y el bajo Jamaaladeen Tacuma, además de su hijo Denardo.

    Prime Time fue una gran influencia para la música del grupo M-Base de Steve Coleman y Greg Osby. Pat Metheny (un constante admirador de Coleman) colaboró con él en Song X, Jerry García tocó como tercera guitarra en una grabación y Ornette se reunió ocasionalmente con los miembros de su cuarteto original durante los años ochenta.

    Ornette Coleman ha creado su propio sello discográfico, Sound Grammar.Fuente Wikipedia

    Ornette Coleman - Tone Dialing


    Genero: Jazz, Jazz Fussion, saxophone, blues
    Año 1995
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 69.3 Mb/Total time: 65:42

    Personal
    Ornette Coleman (saxophone, violin,trumpet);
    Dave Bryant (keyboards);
    Ken Wessel, Chris Rosenberg (guitar);
    Bradley Jones (acoustic bass);
    Al MacDowell (electric bass);
    Denardo Coleman(drums, programming);
    Badal Roy (tablas, percussion).
    Additional personnel: Avenda "Khadijah" Ali, Moishe Naim (vocals); Chris Walker (bass, keyboards).
    Recorded at Harmolodic Studios, New York, New York.

  • Biografia de Ornette Coleman

  • Tracks
    01-Street Blues
    02-Search For Life
    03-Guadalupe
    04-Bach Prelude
    05-Sound is Everywhere
    06-Miguels Fortune
    07-La Capella
    08-Oac
    09-If I Knew as Much Abou
    10-When Will I See You Ag
    11-Kathelin Gray
    12-Badal
    13-Tone Dialing
    14-Family Reunion
    15-Local Instinct
    16-Ying Yang

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    domingo 19 de abril de 2009

    Historia del Tango de 1910 a 1925 tomada de El Libro de el Tango (Arte popular de Buenos Aires) De Horacio Ferrer

    Moulin Rouge de Montmartre, Paris"Los intereses eternos de la danza no escogen a sus propulsores entre los virtuosos porque les importan los creadores", escribirá Carlos Vega cuarenta años después de la consagración del Tango en París. Lo mismo pensó antes Henri de Toulouse Lautrec cuando inmortalizó en pinturas a las criaturas del Moulin Rouge de Montmartre, aquí en una fotografía de comienzos de siglo. Con excepciones y hasta después de 1950, los plásticos argentinos pensaron como Lugones y no como Toulouse o como Vega que supo esclarecer al Tango desde siempre: "Nada de lujuria en el abrazo; fueron los críticos del abrazo quienes introdujeron su lujuria en el Tango".


    Eduardo ArolasEduardo Arolas


    Quinteto Pedro Augusto BertoEl quinteto Augusto de actuación en La Oración, Bar Castilla y otros cafés del centro. De derecha a izquierda: Domingo Salerno, guitarra; José Martinez. piano; Augusto Pedro Berto, bandoneón y dirección; Luis Teisseire, flauta y Julio Doutry violín.


    Cafe La BrasileñaUna clásica institución comercial y social europea, el café —con antecedentes en los "divanes" orientales—, consolida en Buenos Aires la tradición cafetinera del Greco de Roma, del Royal londinense, del Madrid y del Procope parisienses, del Pombo y del Gijón madrileños. Éste el ámbito porteño del café La Brasileña, propiedad del francés M. D'Huicque con entrada por Maipú 232 al 36,inaugurado en 1902 En centro y barrios, los palcos de los cafés son escenario natural de los tanguistas a partir del Centenario.

    Orquesta Roberto FirpoMauricio Godard, director de los discos Nacional, dirige la toma de sonido durante una grabación de la orquesta de Roberto Firpo. Los violinistas son Cayetano y Agesilao Ferrazano; el flautista es Alejandro Michetti y Juan Deambroggio "Bachicha" toca el bandoneón.

    ParraviciniGarcia Velloso lee a Parravicini los orginales del tango en Paris en 1913

    Casimiro Ain y Edith Peggy"El Vasquito" Casimiro Aín, con su pareja Edith Peggy llega a París en 1913 para impartir en Europa los "yeites" de la danza del Tango, ilustrando con sus figuras las ejecuciones del terceto que lo acompaña en la aventura: Loduca, bandoneón; Monelos, violín y Celestino Ferrer al piano.

    Cuarteto Juan MaglioCuarteto Juan Maglio: De derecha a izquierda: Carlos Macchi"Hernani", flauta, José Bonano "Pepino", violín corneta o "Stroh"; Juan Maglio "Pacho", bandoneón y director, y Luciano Ríos, guitarra, conjunto con el que Pacho se pone a la cabeza de todos vendiendo discos fonográficos. En 1912 Maglio es el primero que registra un solo de bandoneón "a capella" con La sonámbula de Cardarópoli, y la mazurca de Metallo La Morocha.


    Conjunto Vicente GrecoConjunto de Vicente Greco en 1911 al grabar su disco inicial, Don Juan y Rosendo para la Casa Columbia; de derecha a izquierda: "Palito" Abate, violín; Lorenzo Labissier, segundo bandoneón; Domingo Greco,guitarra —luego, piano—, Vicente Pecci "El Tano",flauta; Vicente Greco, primer bandoneón y director, con 23 años de edad, y Francisco Canaro,violín.

    Discos CriollosEn torno del Centenario la exaltación de lo nacional alcanza a los discos de fonógrafo: en primer lugar la lírica pampeana, luego el Tango tocado por bandas, rondallas y solistas, poco después por sus insustituibles orquestas típicas criollas, que son destinatarios naturales del fervor porteño y argentino.



    El Libro de el Tango (Arte popular de Buenos Aires) De Horacio Ferrer
    LIBRO CUARTO 1910 -1925 (primera parte) Con otras grabaciones de esa época se presentara la segunda parte,

    C'EST LE TANGO
    MUY NACIONAL, TAN CRIOLLO( Capitulo 56)
    El Hotel de Inmigrantes está allá abajo. En el barrancón de Retiro, sobre el río. ¿Hotel? ¿Llamar hotel a esa pajarera feroz? Eso es un hormi-guero a donde van a parar con su documento y su atado de ropas los que recién desembarcan y aún no tienen conventillo conseguido.
    Pero aunque así de fiero, así de penitenciario, así de triste, algo hubo que hacer para albergarlos. Porque, ¿sabés cuántos son los inmigrantes que llegan solamente entre 1906 y 1910? Es inimaginable. Tantos como para poblar una enorme ciudad: 850.000 llegan! Muchos, al campo. Muchos, más de lo posible quedan de nuevo en Buenos Aires. Y hacen hijos y hacen más hijos todavía. Es de asombro: en 1909, la Capital Federal alberga a un millón y cuarto de seres. Otra vez, hay aquí más extranjeros que nativos.
    Cuando los festejos del Centenario de Mayo 1910, preside Figueroa Alcorta. Ya se siente "en el aire", cierta complacencia oficial para todo lo que importe exaltación de las tradiciones. Para ese difuso pero creciente sentimiento nacional que es nuestra silvestre y más o menos eficaz línea Maginot frente al cambalache de dialectos, a la "melange" de filosofías.
    Los centros nativistas, las publicaciones gauchescas, el libro —es de 1909 la Restauración Nacional, de Ricardo Rojas—, el auge de payadores y de milongueros, la ola de cifras, estilos, gatos, pericones y canciones criollas son los como anticuerpos que suscita la inmigración. Vocación nacional alienta en el teatro, y hasta en el incipiente cine que produce Episodios de San Martín, Alma de Criolla, Por mi Bandera. Tierra Argentina, Dios te Bendiga, El Gaucho, Romance Argentino. El culto religioso por el pequeño príncipe pampa Ceferino Namuncurá —muerto en Roma en 1905—, también es una devoción nacional. Criollo y Nacional ascienden a rango de divisa identificadora: autor nacional, cantor nacional, dúo criollo, tenor nacional, son etiquetas de uso corriente. Los catálogos de discos fonográficos, en pleno primer apogeo de producción y de ventas, se llenan con tiradas de Gabino Ezeiza, de Arturo de Navas, de José Betinotti, de José Razzano, de Carlos Guido Spano, de Florencio Parravicini, de Roberto Casaux.
    Dos sellos impresores de la fonografía se apropian de esos distintivos: discos Criollo, y discos Nacional. Y en el mismo año del Centenario otra empresa —Columbia— anuncia la edición del primer fonograma de dos fases de un conjunto instrumental de tangos, de un cuarteto del Tango arrabalero.
    Ahora que ya sabemos cómo es el clima de la época; ahora que el Tango ya va siendo protagonista socializado de Buenos Aires y música nacional por excelencia, ¿qué otra denominación iba a adoptar su congregación instrumental más típica que no fuera ésta?: Orquesta Típica Criolla.

    TANGO PARA CASI TODOS (Capitulo 57)
    El rótulo es una pegada en toda la línea. Ha sido ocurrencia feliz de ese gordito bandoneonista del barrio de La Concepción, con espaldarazo en los bares de La Boca y veintitrés años recién cumplidos: Vicente "Garrote" Greco.
    Acaba de popularizar un tango dedicado a la visitante ilustre, Isabel de Borbón —lo titula La infanta—, cuando se aparece con su Orquesta Típica Criolla (bandoneón, guitarra, flauta, violín) en el estudio de la Columbia Phonograph Company General of New York - London. Graba dos tangos: Don Juan y Rosendo.
    Diez años en números redondos, ha tardado la más genuina de las manifestaciones interpretativas del Tango de arrabal en llegar al disco! Ahora, roto el muro de contención se vuelca torrentosamente. Otras dos estrellas del bandoneón con sus respectivas formaciones lo siguen a Greco, también en la Columbia de Tagini: Juan "Pacho" Maglio y Genaro "El Tano" Spósito. Y en otras marcas, graban Berto, Bernstein, Loduca, Bolognini, el Cuarteto La Armonía, Firpo, Santa Cruz.
    El score comparativo de ventas es de basketball. En guarismos de recaudación y de discos vendidos, la Orquesta Típica Criolla le tira el chico lejos a cualquier otra cosa que se imprima. Venden todos bien, pero lo de Maglio linda en el delirio. Va, cuando alguien va a una casa de música no pide un disco, reclama directamente: "Deme un Pacho".
    La divulgación en altísima escala de los cuartetos por la vía fonográfica genera un crecimiento equivalente en la edición de temas en partes para piano. Y hasta en arreglos para violín y piano, o para pequeña orquesta de salón que escriben algunos maestros italianos.
    Este empujón alcanza también a la danza, en menor medida, y sobre la base de una versión estimablemente más simple y menos violenta que la original arrabalera, algunos salones, en especial los que frecuenta el proletariado, los que patrocinan las colectividades extranjeras (Italia Unita, Unione e Benevolenza, El Prado Español), los patios de las casas humildes, acogen a las orquestitas de cuatro músicos para encabezar sus bailes; cuadrillas, chotis, mazurcas, se van lentamente al mazo con sus vueltas anacrónicas y bostezadas.

    No pasa igual en las clases alta y media: aquí el Tango no es si quiera nombrado. Pero estos "cien gramos que faltan para el kilo" del triunfo total, los pone un acontecimiento inesperado. París, que admite cualquier cosa menos el tedio, se hastía de las viejas danzas. Necesita re-novarse. El Tango, intacto, atrayente, exótico, diferenciado, rarísimo, es el perfecto candidato. París va a bailar Tango.

    ARACA, PARÍS (Capitulo 58)
    Es flaco pero espaldón, porteño, pintón, entrador de puro simpático, un poco poeta y muy cajetilla. Ricardo Güiraldes Guerrico tiene 24 años.
    Es también el arquetipo de señorito argentino: ha sido educado medio a la francesa. En el "cartier" de Saint Cloud, en las riberas del Sena, vive su extrema niñez. Medio a la paisana, en la estancia "La Porteña" de San Antonio de Areco, transcurre el resto de su infancia. Y entre Europa y el campo nuestro, entre un "s'il vous plaít" y un ¡ahijuna! se ha topado con la noche de Buenos Aires.
    Es que Ricardo, como tantos otros muchachos farristas de su misma condición, ama y ejerce los ritos nocturnos del arrabal. Esta especie de ritual porteño, de cante-jondo canyengue con melísmas de bandoneones, en la que malandras y niños bien de varias generaciones han venido compartiendo —y creando— una ceremonia coreográfica nueva.
    Cuando su padre —don Manuel Güiraldes, intendente de este Buenos Aires de 1910— recibe en el puerto a la infanta Isabel, Ricardo ya se ha marchado a París otra vez.
    Viaja con su amigo Roberto Leviller. Y una vez allá, hace barra con otros dos argentinos, Hermenegildo Anglada Camarassa y Alberto López Buchardo. Cuatro mosqueteros que se lanzan a la noche con todo: bistró, concierto, francesitas tan locas, cabaret, camembert y panes largos, ópera, pommeri, francesitas más locas todavía. Bohemia científica.
    Se hace muy amigote del célebre cantante Jean de Reské. Suele frecuentar la casa de éste del brazo de sus compinches. Esa sala donde Madame de Reské sabe constituirse para darle a unas tertulias de superonda. Allí se le saca punta muy fina a todas las novedades.
    Esta noche, un invitado y otro y otro y otro, han ejecutado la danza o la canción más representativa de diez países. Alguien reclama la porción argentina. Buchardo —pianista de primera— y Güiraldes —¡qué bailarín!—se miran en el acto, Y no hay vacilación: ¡Dale Tango, pibe! Alberto se manda a las teclas. Y cargando la zurda —¡asi se toca!—arranca con El entrerriano. Ricardo toma de la mano a Ivette Gueté. La estrecha a ella contra su cuerpo —un poco de asombro—. La abraza —más asombro—. Y así, como si un cuerpo fuera el negativo del otro, y lo imposible quedara apretado entre los dos, empieza la revelación —asombro entero—. ¡Adentro! Ricardo marcha en la caminata rimada, ensimismada, sutil, brutal, que nunca se repite.—¡Arriba, Ricardo!—¡Con cuatro manos, Albertito! Meta y meta.
    Doble ocho, corrida garabito, boleada, molinete, asentada, final por toda la compañía: "Tango trágico, cuya melodía juega con un tema de pelea. / Ritmo lento, / armonía complicada de contratiempos hostiles. . . / Tangosincero y triste. / Tango de amenaza. / Baile de Amor y Muerte".

    ESE LIBERTINO (Capitulo 59)
    Al año siguiente Ricardo Güiraldes redacta ese poema —El Tango—que compondrá su libro El Cencerro de Cristal, cinco años después. En este 1911 París ha entrado a fagocitarse la música y la danza de los arrabales de Buenos Aires. Triunfan en Francia, en toda Europa a la sazón, las tendencias nacionalistas de la música y el Tango es —por añadidura de inesperado, de incitante— el envío nacional por excelencia, de un pueblo que, precisamente, vive casi con apremio de ahogo la necesidad de su definición.
    No todos los argentinos —en verdad sólo unos pocos— aceptan sin rezongar que sea justo esa manifestación de los atorrantes de la noche la que reclame para sí algún atributo de representación nacional, tan luego en Europa.
    Pero hay que tratar de comprender la bronca de estos protestones de la intelectualidad antitanguera de la preguerra. Si recién en los últimos tiempos, cuando hace mucho que el gobierno norteamericano reconoce en Duke Ellington, por ejemplo, su irreprochable embajador; cuando Brasil se representa orgullosamente en los talentos de Baden Powell, de Vinicius de Moraes, de Dorival Caimy; cuando la Reina Isabel ha distinguido a sus Beatles y Chevalier hace veinte años que es De Gaulle con rancho de paja, si recién, recién cuando todo esto ha ocurrido empezamos a ver hoy aquello que no ven nuestros inteligentes de cincuenta años atrás, ¡qué vamos a reprocharles!
    El que se despacha con tutti, es don Carlos Ibarguren: «Un producto ilegítimo —acusa— que no tiene la fragancia ni la gracia natural de la tierra sino el corte sensual del suburbio, ha corrido por todo el mundo deleitando a la clientela abigarrada de los hoteles europeos y de los cafés cantantes de las grandes capitales: el Tango, al que el mundo ha dado patente de argentino, otorgándole una filiación que en realidad no tiene.
    El tango no es propiamente argentino sino un producto híbrido o mestizo nacido en los arrabales y consiste en una mezcla de habanera tropical y de milonga falsificada».

    ATORRANTE EN LA SORBONNE (Capitulo 60)
    Cuando Ibarguren se tira así contra el Tango, Jean Richepin en la reunión de las cinco academias de Francia, ya ha interpuesto esta otra opinión:
    «Sin razón —afirma— se reprocha al Tango su carácter popular, su origen extranjero y su inconveniencia. El carácter inconveniente de una danza no puede imputarse sino a los bailarines, y es indudable que todas las danzas que bailan las princesas, son de origen muy humilde. En este París hospitalario —concluye— desde el vals alemán, la polka polonesa hasta el boston americano, han florecido todas las danzas de origen extranjero; no se puede ser severo con el Tango».
    Está bien. Pero ¿de qué severidad me hablás querido Jean? ¡Si esto es una apoteosis! Imagine lector, que esta bomba del Tango desde 1912 en más, es algo por el estilo del imperio de los Beatles en los sesentas. Y no hay metáfora: ¡tangos hasta en la sopa! Y es así: en el exclusivísimo Savoy londinense de 1914, se perpetran las Cenas-Tango. En París, donde Saborido y Carlos Geroni Flores enseñan a bailar de marquesas para abajo, el tono anaranjado potente que tiñe las telas de moda tiene nombre, color Tangó. La T de las claves telegráficas, es T de Tango. Y rematando la cosa, una pareja joven de la nobleza romana debidamente aleccionada por un experto de arrabal que también cumple su campaña de maestro "a la gur-da" en Europa —Casimiro "El Vasco" Aín— danza Tango en una salita del Vaticano. Pío X, mira a esos bailarines y le borda a la danza en el orillo la grifa famosa y absolutoria: Inocente.
    Y a todo esto, en Buenos Aires ¿qué? Una revista de circulación muy restringida —"El Hogar"— da la temperatura del deshielo con aproximación de décimas de grado: «Como se ve —dice el articulista— los salones aristocráticos de la gran capital francesa acogen con entusiasmo un baile que aquí, por su pésima tradición, no es ni siquiera nombrado en los salones, donde los bailes nacionales no han gozado nunca de favor alguno. París, que todo lo impone, ¿acabará por hacer aceptar en nuestra buena sociedad el tango argentino? No es de esperarse, aunque París, tan caprichoso en sus modas hará todo lo posible por ello. Y por cierto que no tendrá poca gracia esa aclimatación del Tango en su propia patria».
    Y Juan Pablo Echagüe: «Casi no se puede abrir un diario o una revista de París, de Londres, de Berlín, hasta Nueva York, sin encontrarse con referencias al Tango argentino».

    EL LUGONAZO DEL 13 (Capitulo 61)
    A veces, no es cuestión de simples referencias. En octubre de 1913 se publica en París el brillante anatema que Leopoldo Lugones destina al Tango:
    «Desusada por su muchedumbre era la concurrencia que llenaba el otro día la sala de recepciones del Instituto de Francia, donde las cinco academias que lo componen celebraban su plenaria reunión anual; y me atrevería a decir que aquel cupulado anfiteatro semejaba sin exageración un barril de arenques, a no estar compuesto en su mayoría el público de mi relato por elegantes mujeres cuyo afinamiento remedaba con mayor propiedad la corona de un inmenso ramillete.
    «La sesión anual de las cinco academias es una solemnidad bastante aburrida, como que la constituyen seis discursos pronunciados generalmente por académicos viejos, a quienes es difícil oír. Así lo demuestra entre otras cosas, la escasa concurrencia de inmortales, empezando por los más autorizados en la materia, o sea aquellos que pertenecen a la corporación llamada por antonomasia la Academia Francesa.
    «Pero, si en la mencionada reunión aquella regla no se había alterado, siendo escasa como nunca la asistencia de fraques verdes, el público, más numeroso, revelaba un especial interés. Era que Mr. Jean Richepin debía hablar "a propósito del Tango". «Esta audacia, más sobreentendida que expresa, lo cual aumentaba su pimentado sabor, provenía de que aquí, como allá, nadie ignora el carácter obsceno del referido baile; bien que el exotismo ofrezca pertinente salvoconducto a la indecencia, autorizando posturas y movimientos bajo los cuales el cuerpo de la más honesta mujer, publica la infamia. Sería entonces de ver cómo iba a lucirse el ingenio del ilustre poeta para albergar sin mengua bajo la cúpula donde Zola no halló abrigo por deshonesto, aquella estética del lupanar.
    «Apresúrome a decir, pues me apenaría mucho si las pasadas consideraciones redundaran, siquiera por instante, en sospechas para aquel escritor, que su composición careció de interés, porque no intentó la escandalosa aventura. Ello no significa que careciera de talento. Tratándose de Richepin, este don ni siquiera se nota, siéndole tan natural como la claridad al agua. Al contrario, estuvo muy bien escrito y muy bien dicho, aunque fue de notar que como toda verdadera elocuencia, la de Richepin pierde con la lectura. Pero tanto se equivocaron los que esperaban una defensa audaz, como los que habíamos anticipado un deslumbrante chis-porroteo de ingenio. Es que hay temas imposibles, dada su bajeza, y el tango es uno de ellos. El talento, como el diamante, requiere la colaboracin de la luz, y con poner rosas en el muladar no se limpia ni se perfuma. «Tampoco incurriré en el extremo de solemnizarme a propósito de una conversión deliberadamente ligera y evasiva. Solo diré que salió recargada la demostración ingeniosa de cómo el tango incumbía igualmente a la Academia de Ciencias Físicas, a la de Ciencias Morales y a la de Bellas Artes, al haber en el ritmo de todo baile matemática, disciplina y estética; que resultaron forzados y pobres los hallazgos históricos referentes a la danza en cuestión, inadecuado en absoluto el recuerdo de la "pirriquia" que era propiamente un paso militar sin concurso de mujeres, y contraproducentes para la danza prostituta los argumentos justificativos de su adopción. En suma, un fracaso del cual me alegro por nosotros y por el poeta, pues nada más peligroso en la materia que un acierto de Richepin, cuyo arte habría puesto así su cuño superior al triunfo insolente de aquella indecencia; mientras con no hacerlo, probó una vez más cómo el talento, a despecho de su propio dueño y señor, es incompatible con los necios, los degenerados, los advenedizos que forman fa clientela danzante de toda macaquería "dernier cri".
    «Dijo, en efecto, M. Richepin, y éste fue su ameno prólogo, que el tango, por las razones antes mencionadas correspondía, como tema de estudio a todas y cada una de las academias reunidas; señaló su origen histórico, revelado por una pintura egipcia del British Museum, las danzas litúrgicas de David y el tan citado verso de Marcial sobre las gloriosas bailarinas gaditanas; y cómo lo obsceno de una danza no está en la danza misma, sino en el modo de bailarla, ya no quedaba como argumento contra el tango sino su origen plebeyo. Pero la mayor parte de las más finas danzas de corte, como la gavota y el minué; de los más aceptados pasos de salón, como el vals, tienen análoga procedencia. Una vez educado y afrancesado el tango conviértese en un entretenimiento decente y he aquí su justificación».

    LA COREOGRAFÍA DEL BURDEL(Capitulo 62)
    «Lástima que en su paseo histórico —prosigue Lugones—, el poeta prefiera a su propia erudición las citas del Rey David y de Marcial, que figuran en el prefacio de todo manual de baile. Richepin, que es latinista, habría encontrado citas ingeniosas y hasta sorprendentes, en los escritores clásicos, puesto que el verbo "tango", precisamente, érales de uso común y significaba, entre otras cosas, tocar instrumentos musicales: "tango chordas".
    Pero lo más elocuente, consiste en esta comprobación: para que el tango resulte tolerable, es menester desnaturalizarlo.
    «Los otros bailes citados, minué, gavota, pavana, contradanza, contenían un elemento alegre y entusiasta que predominó, transformando en gracia urbana la primitiva grosería rural. Pero el objeto del tango es describir la obscenidad. Aquellas otras fueron danzas de rústicos, brutales, pataleadas, reídas a boca llena como faramallas; ésta rezuma la coreografía del burdel, siendo su objeto fundamental el espectáculo pornográfico. Si se le quita este aspecto, conviértese en una monótona habanera, que resultaría insípida hasta la necedad, para sus actuales devotos. Pues repito que su éxito proviene de ser en ella lo exótico el salvoconducto de lo indecente. Así es, por otra parte, como la ejecutan en París, en Londres, en todos los sitios donde la he visto bailar; y así es, me dicen los entendidos, como la enseñan los "profesores argentinos" importados al efecto por numerosas "Academias". Fácil es inferir cómo serán esos profesores, elogiados en profusos carteles que dan las tarifas de las academias aquellas; así como la idea que su cultura sugerirá a los parisienses sobre nuestro estado intelectual y moral. Semejante manera de estar a la moda, no es ciertamente agradable para el patrimonio argentino. A pesar de esto, hay tantos que se regocijan con ello y jovencitos sin vergüenza que andan por los bailes públicos exhibiendo en tal forma su nacionalidad de "singes des Andes", como dicen por ahí; sin contar lo que nos toca en esta denominación a todos los argentinos. Pues, naturalmente, los ingeniosos autores del gracejo ponen sobre nuestro país la opinión que le inspiran tan coreográficos ciudadanos. Nación que tiene semejantes danzantes nacionales, debe ser, positivamente, una colectividad de monos. Y sobre que ya en Europa se hallan dispuestos a concebirnos trepando al cocotero, o hablando el papagayo, o gesticulando con esa cola que Dios nos dio. Así, pues, no solamente es honesta y distinguida la proscripción de esa indecencia que nos atribuyen, sino patriótica en grado muy apreciable.
    No puede el hombre argentino servir de rótulo al lupanar. Porque, en el caso, no es digno ni es cierto.
    «El tango no es un baile nacional, como tampoco la prostitución que lo engendra. No son, en efecto, criollas, sino por excepción, las pensionistas de los burdeles donde ha nacido. Aceptarlo como nuestro, porque así lo rotularon en París, fuera caer en el servilismo más despreciable. Pero es que hasta la infamia de ese origen nos resulta disminuida. Hablando, en efecto, M. Richepin sobre la procedencia del tango y su transformación parisiense, decía que esta "danza de boyeros, de palafreneros, de gauchos semisalvajes, de negros", se ha convertido en fina diversión sólo porque hubo de afrancesarse. Así, pues, somos nosotros los palafreneros, los gauchos, los negros del tango; mientras su pretendida estética, su gracia, su intención, su encanto resultan, naturalmente, de París. He aquí el juicio que merecemos al propio M. Richepin».

    NI GITANO NI MENDIGO (Capitulo 63)
    Sólo que el tango, insisto en ello, se baila aquí como allá. No hay tal gracia, tal encanto ni tal estética. Es la misma obscenidad descarada y estúpida, la misma "música" africana sin sentimiento, sin espíritu, sin otra determinación ni expresión viables que el meneo más soez. Como las damas de los siglos XVII y XVIII bailaban el minué o la gavota, parecíanse a paisanos porque ésas fueron danzas de paisanos. Era aquel un modo de hacer las "bergeries" a la moda. Cuando las del siglo XX bailan el tango, saben o deben saber que parecen prostitutas, porque esa es una danza de rameras.
    He aquí la diferencia fundamental. Sin contar con que existe una disparidad enorme entre aquellos bailes y este otro. Distinguíanse ellos por su gracia ligera que, desde luego, evita el contacto corporal, mientras que el pesado mamarracho lo exagera cuanto puede, haciendo de la pareja una masa tan innoble, que sólo el temperamento de un negro puede aguantar su espectáculo sin repugnancia. Eso será estimulante, sin duda, pero estético no, por la misma razón. Allá donde predomina el instinto bestial, las facultades superiores desaparecen, comenzando por la más delicada de todas, que es la apreciación de la belleza.
    Dado el poeta que es M. Richepin, no puede caber duda sobre su opinión al respecto. La tentación de lo exótico, tan fuerte en el francés, lo ha extraviado sin duda. Y para apreciar cuán inferior, cuán innoble, cuán fea, en una palabra, es nuestra sedicente danza nacional, basta saber que su talento no ha logrado justificarla. El magnífico poeta de los vagabundos y de los míseros, había demostrado que humilde o altiva, floribunda o espinosa, no es la rama donde el ruiseñor canta lo que importa, es el canto del ruiseñor. Pero el tango no es un gitano ni un mendigo de camino real, hecho a la miseria rebelde del que tiene por espulgadero el sol y por perro aullador el viento, sino un miserable "souteneur" de esos a quienes la vista de unafresca doncella, arranca un escupitajo».

    SAKURA, ¡AL ARMENONVILLE! (Capitulo 64)
    Aquel loco —locazo, ¡pero qué talento en una escena!— cada vez que sonríe, por esa separación diabólica que tiene entre los dientes, le pasa de un saque toda la gracia del mundo. ¡Hay que ver!
    Porque Florencio Parravicini, millonario en París, menesteroso en Berlín, tuerca de la primera hora, casi seminarista, pirata, marino, funcionario público y loco, loco, loco, también ha jugado a precursor del "play-boy" con un pie en el Jockey Club y otro, el izquierdo, en las bataholas conyengueras del arrabal. Como Güiraldes. Como ese Jorge Newbery que un día se le dio por embromar con globos y otros líos del aire, y ahora hace proezas.
    En este 1913, Parra ya es el cómico consumado. El ídolo de la "boutade" criolla. Sus temporadas en el Argentino son el barómetro infalible para cualquier punteo de borderós. ¡Es Boca Juniors hecho teatro, este tipo! Samuel Castriota le ha dedicado un tango: El Loco de los Inventos. Roberto Firpo le tributará otro: Alma de bohemio. Y así y todo, hace dos meses que lo tiene poco menos que acorralado a García Velloso para que le concluya una obra. Una comedia ligera, cernida sobre la base de un tema que él —Flo El Astuto— sabe que está "en el aire": esa cuestión de "Le Tangó Argentén".
    Velloso concluye la pieza y Parravicini convierte a El Tango en París en un éxito de agarrarse.
    Después de las funciones, y ahora que empieza el verano, el actor trepa a su automóvil —con chófer japonés, por supuesto— y ordena calzándose tos guantes:—Sakura, ¡al Armenonville! Y Sakura mete primera —como a treinta kilómetros horarios—: Mitre, Callao, Las Heras hasta Avenida Alvear y Tagle. Allí donde celebra sus veladas el Armenonville. El "Armenon" —para sus habituales— es el primer cabaret porteño. A la parisiense, como cuadra por lo que hace al nombre, a la ornamentada cargazón de su arquitectura, a sus alrededores enjardinados —donde, en verano, se almuerza—, al estilo de su servicio y a las primorosas carradas de champaña que marchan al muere cada noche. Pero completamente porteño por su concurrencia, por su bailada, por los números de su varieté. Fue inaugurado hace un tiempo por la orquesta típica criolla de Vicente Greco. —Salute, Tito. —¿Cómo va ese Tango en el teatro, don Florencio?—Muy de la banana, che. Y Parra, atravesando la sala, le cuenta el último "verde" a ese muchacho de veinticinco años —Tito Roccagliata— que toca violín en la típica de Firpo. También ese mozo Arolas, bandoneón de la orquesta, se ríe del cuento. —A ver si se callan, che. Un dueto ha entrado a cantar en el escenario; Los Gardel-Razzano. Y mientras una cifra silencia al Armenonville, calaverones y cocotas fundan este paisito desvelado y a contramano del sol, que muy pronto se continuará en una institución para tres generaciones de tangueros: el cabaret criollo.
    Afuera un cochero, de plantón y semidormido en su victoria, pita el "Vuelta Abajo" y lee su prensa. Se me antoja, don —le espeta a un mendigo— que pronto vamos a tener podridita en Europa.—Dejemé apoliyar, dejemé.

    INTERMEDIO PARA LA MANO IZQUIERDA (Capitulo 65)
    El discretísimo bisoñé le acomoda un poco la pinta —bastante adusta—; hace rato que es calvo Roberto Firpo. Cumple 29 años el 10 de mayo de este 1913. Lleva como doce de vivir de la música. Tiene lindos tangos, bien para bailar. ¿Buen pianista? Más o menos, la verdad. Ese solo que ha grabado para Columbia con su tema Argañaraz, es flojito.
    Pero ha sido de los primeros que metió piano en los grupitos tangueros de Palermo y de La Boca. Y se las ingenió para resolver aunque toscamente, un problema técnico aparentemente insoluble, a saber: darle al piano la presencia conductora que por naturaleza, tradición y volumen sonoro tiene, de hecho, en toda pequeña orquesta, sin herir la suceptibilidad casi blasonal del bandoneón.
    Aun asi, en ocasión de registrar sus placas iniciales para la Era Grand Record, se ha suplantado él mismo por un guitarrista. El público no está maduro todavía, para esta fundamental variante de instrumentos.- De todos modos, Roberto sigue en sus trece. Y poco a poco, los demás le siguen la huella: Greco pone piano, Berto pone piano, Loduca pone piano.
    "Crítica", recién aparecido como vespertino, da noticias del atentado de Sarajevo. Ese oriental audaz, su director, Natalio Félix Botana Millares, saldrá al frente sacando admirable partido periodístico de la Primera Guerra Mundial. Entre el fárrago de la información bélica, va el aviso: los discos Nacional anuncian la puesta en vidriera del ramo de la primera pasta grabada por la Orquesta Típica de Roberto Firpo con piano. Son dos obras del director: Madrugada e Indiecita.
    Pocos meses después, aparecen discos de Vicente Greco, también con piano; se transforma este conjunto de cuarteto en quinteto. El ejecutante elegido es su hermano Domingo que se ha hecho pianista, como lo hacen ahora o lo harán después muchos violeros. No hay ya lugar para la guitarra en las congregaciones instrumentales de Tango. ¿Por qué? ----Bueno, punteadores de clase —como para intentar solos de guitarra en la orquesta— no hay. Y para dar la base de ritmo y hacer el acompañamiento, tal como en este momento se concibe el Tango, un piano es mejor toda la vida.
    Pero esta recomposición de la planta tímbrica ortodoxa de la típica criolla no es gratuita sino entrañable. Y deja esta marca: de un modo sutil, la guitarra seguirá presente en el organismo instrumental tanguero. El origen guitarrístico de su arquitectura inicial y de muchos de sus primeros pianistas, acuñará el acompañamiento pianístico para mano izquierda con estética bordonera. Se apoyará, se conducirá, se harán los rellenos armónicos, los adornos contrapuntísticos en imitación de cuerdas graves de guitarras.
    Para siempre, en el basamento orquestal verdaderamente hondo —a lo Pugliese, a lo Goñi, a lo Gosis con Piazzolla, a lo Di Sarli— habrá un rezongo fantasma de guitarras en el exilio.


    QUE SEAN SEIS ESOS CAFESES (Capitulo 66)
    —¿Vio don? Newbery se hizo bolsa en Los Tamarindos de Córdoba. ¡Qué injusticia!
    —¡¡Que sean seis esos cafases Y rápido que se viene la jerra . . .
    Mientras el mozo vocifera de punta a punta del salón como un poseso, "El Tano" Vicente Pecci (bigotazo, moño, flauta traversera) caza una pizarrita que hay colgada a un lado del palco y anota con tiza y horrible letra: La payanca. Aplauso cerrado. —¿Y esos cafeses? ¡Coño, que ahora ya son ocho!
    Pero a este grito lo tapa la orquesta de Augusto Berto. Al piano, un moreno que supera a sus colegas: José Martínez, Julio "El Francés" Doutry, al violín. Despunta Pecci el tema con su instrumento tan sentenciado: sí, el bandoneón, con su magnética voracidad, con su absorbente imperio, se ha ido masticando, uno por uno, los adornitos —la fioritura, como dice "El Tano" Vicente— que hasta dos o tres años atrás, corre 1915, soplaba el infaltable flautista.
    Ahora casi todos los grupos se ajustan al flamante figurín instrumental: fueye, piano, un violín —mejor dos, si no, no se oye—, y si se consigue quien lo toque —¡ésa es la cuestión!— un contrabajo. Si no, aunque no "cae" muy bien, una batería.
    —Dominjitu, ¿y ese pidido?
    Tanto en éste —que se llama La Oración y está en Corrientes entre Artes y Cerrito —como en otros cafés, se integran así las orquestas típicas (lo de "criolla" casi no se usa ya, era muy largo). Digo la de Enrique Pollet que tocará en El Parque, la de Graciano De Leone que está actuando en el Domínguez, la de Roberto Goyeneche en el A.B.C. y otras que hacen Tango en el Los Andes, en el Guarany, en el Iglesias, o la de Luis Casanova en el Au Bon Jules, la de Alfonso Minotto que se presentará en el Nuevo, la de Roberto Firpo en La Giralda —estos cuatro en Montevideo—. En dos cafés cordobeses, El Plata y Bar Victoria, se aplaude a Ciriaco Ortiz, a Arturo Bernstein, a Casiano López, a Juan Carlos Cobián. La derrota de los instrumentos ágiles —guitarra y flauta, y clarinete, a expensas de otros más pausados —bandoneón, contrabajo, piano— es un índice. El arte interpretativo del Tango va encontrando su centro de gravedad estética. Este modo lentón en el que ahora se hornea a las ejecuciones, ya ha sido anticipado por un flamante menú de obras que domina en casi todos los repertorios y exige— con el respaldo del público y la complacencia de los ejecutantes— el moroso y tenso fraseo que empieza a estilarse.
    ¿Cómo son estos nuevos tangos?
    —Por Dios, ¡que marchen esos cafeses de una buena vez! Si el mozo se calla, te lo cuento.


    DE LA NUEVA GENERACIÓN (Capitulo 67)
    Es un lindo muchacho —dicen las pibas, seguro—. Pero, ¡mirá qué traza perpetrada por algún sastrecillo demente!: botín encharolado, polaina de nueve brochecitos; medias fantasía; pantalón rayado con trencillas dobles de cordoné; camisa de seda japonesa al tornasol, de 18 momes, y moño grandísimo, corte italiano; saco cenizo, cuatro botones nacarados; y, ¡faltaba más!, chambergo negro.
    Este porteño, de Barracas, "arbitrum elegantorum" del arrabal, se llama, en el documento, Lorenzo Arola. En el seudónimo, ya con buena fama, Eduardo Arolas. En el apodo de sus hinchas: "El Tigre del Bandoneón". Buen mozo y bastante compadre —se cuenta por ahí que juega un poco al macró, si cuadra— es espectacular desperezando su fueye. No es un ejecutante excepcional. Tiene la aptitud del fraseo "con duende".
    Es inteligente y no carece de instinto armónico para meter ese acorde que llega. Sabe bastante y lo ayuda, más que nada, una poco común intuición de melodista. No, no tiene los dedos de un Bernstein. Ahora, comparado con Maglio o con Greco es un paso adelante. Y tiene personalidad, no hay duda.
    Hace poco, cuando dejó de colaborar con Firpo y formó su quinteto se rasuró un enorme bigote; la guerra viene obrando también, en las modas de la cara. Y en la inspiración de los tangos: El Marne ha intitulado Arolas al más reciente de los suyos.
    Se aprecia en la clase de esta música que ha compuesto, estimables diferencias, por ejemplo, con El choclo de más de diez años atrás. Ha desaparecido aquí el deleite por los racimos de notitas surtidas, picantes. "El Tigre" sabe densificar una melodía; bordear la pirotecnia y salir por esa penumbra encadenando ideas melódicas con espesor. Transitar con sentido dramático de los tonos mayores a los menores. Eso está en El Marne y está también en Maipo, en Catamarca, en Suipacha, en La cabrera y estará, en absoluta síntesis de buen estilo, en su obra maestra: La cachila.
    Son tangos bien desarrollados. Tangos con frente y fondo son los tangos de Eduardo Arolas.
    Otros tres compositores —no bandoneones sino pianistas— comparten esa línea enriquecedora con "El Tigre". Son: Agustín Bardi, El taura; Enrique Delfino, Sans Soucí y Juan Carlos Cobián, El motivo.
    En este 1917 en que los sorprendemos, Arolas tiene 25 años; Delfino, 22; Cobián, 21, y Bardi —que es el mayor— 33. Pero los cuatro, por hondas afinidades de sensibilidad musical y por fecha de advenimiento de sus obras pertenecen a la nueva generación. La más completa acaso, que haya dado el Tango. Alternarán en ella con imaginación, coraje, conducta y persistencia artística, músicos, bailarines, letristas, cantantes, en nutrido número y con elevada calidad de creación. Se ha presentado la generación de 1910. Fuente El Libro de el Tango (Arte popular de Buenos Aires) De Horacio Ferrer

    Antologia del Tango Rioplatense-Colecciones privadas de Alessandro de Roma Italia



    Tapa del libro Antologia del tango Rioplatense


    Partituras de tango entre 1815 y 1826Partituras de tango entre 1815 y 1826


    Esta coleccion como podran leer en el detalle de pistas esta compuesta por tres LP
    Dentro de los archivos a bajar hay un resumen de cada tema con sus autores y otros
    datos.

    Genero: Tango, Orquestas, Conjuntos, la vieja guardia
    Grabaciones originales realizadas en distintos sellos entre 1907 y 1920
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size:221 Mb(Divididas en 3 partes)/Total time: 128:04

    Gentileza de Alessandro, Roma, Italia
    Gracias!!!!!!!
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  • Historia del Tango de 1910 a 1925 tomada de El Libro de el Tango De Horacio Ferrer



  • Tracks
    01-Banda de la Guardia Republicana de Paris****El Sargento Cabral-1907
    02-Banda Española****Mordeme la oreja izquierda-1908
    03-Orquesta Del Teatro Apolo****Z Club-1908
    04-Arturo De Siano y Linda Thelma****El pechador-1909
    05-Banda De La Policia De Bs As****El purrete-1909
    06-Manuel O. Campoamor y Angel Villoldo****La bicicleta-1909
    07-Andree Vivianne y orquesta****El porteñito-1909
    08-Estudiantina Centenario****Gran Hotel Victoria-1910
    10-Manuel O. Campoamor****Joaquina-1911
    11-Orquesta Greco****Rosendo-1911
    12-Alfredo Gobbi(padre) con orquesta****Don Juan-1911
    13-Orquesta Greco****El Incendio-1911
    14-Flora Gobbi(Madre) con orquesta****Minguito-1911
    15-Banda Municipal De La Ciudad De Bs As****A mí...manís!-1911
    16-Orquesta Tipica Juan Pacho Maglio****Armenonville-1912
    17-Orquesta Tipica Juan Pacho Maglio****Venus-1912
    18-Orquesta Greco****El estribo-1912
    19-Orquesta Tipica Tano Genaro****La montura-1912
    20-Rondalla Del Gaucho Relampago****Una noche de garufa-1913
    21-Quinteto Criollo Augusto****El fulero-1913
    22-Arturo A . Mathon y Orquesta Tipica****El apache argentino-1913-1914
    23-Orquesta Tipica Porteña****El choclo-1913
    24-Vicente Loduca****El argentino-1913
    25-Orquesta Tipica Tano Genaro****Recuerdos de Zambonini-1913
    26-Quinteto Criollo Garrote****¡Pura uva!-1913
    27-Orquesta De Alfredo Gobbi****Argañaraz-1913
    28-Orquesta Tipica Criolla Domingo Biggeri****Mi preferido -1913
    29-Rollo F.I.R.S.T. en autopiano****El perverso-1913
    30-Quinteto Criollo El Aleman****Región campera-1913
    31-Orquesta Tipica Criolla La Armonia****El jagüel-1913
    32-Orquesta de Roberto Firpo****Champagne tangó-1914
    33-Roberto Firpo****El gallito -1914
    34-Quinteto Criollo Atlanta****El pollito-1916
    35-Orquesta De Roberto Firpo****9 de julio-1916
    36-Orquesta Tipica Alonso-Minotto****La Cumparsita-1917
    37-Carlos Gardel****Mi noche triste(Lita)-1917
    38-Orquesta De Eduardo Arolas****Moñito(Marrón glacé)-1917
    39-Carlos Gardel y Jose Razzano con orquesta Firpo****El moro-1917
    40-Orquesta Tipica De Juan Pacho Maglio****El tío soltero-1917
    41-Orquesta Ferrer-Filipotto****Pampa-1918
    42-Orquesta Tipica De Francisco Canaro****El africano-1919-20
    43-Orquesta Tipica Select****Don Esteban-1920
    44-Orquesta Tipica Select****El taura-1920
    45-Osvaldo Fresedo(solo de bandoneon)****Bélgica-1920


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    sábado 18 de abril de 2009

    Johnny Cash Biografia

    Johnny CashJohnny Cash


    Johnny Cash and June CarterJohnny Cash and June Carter


    Johnny Cash, nacido J.R Cash (26 de febrero de 1932 - 12 de septiembre de 2003) fue un cantautor estadounidense de country, gospel, rock and roll y rockabilly. Fue uno de los máximos representantes de la música country, aunque creó su propio subgénero musical.

    Cash fue conocido por su profunda voz, por elcaracterístico sonido boom-chick-a-boom de su banda de acompañamiento, los Tennessee Three y, por vestir ropa oscura, lo que le valió el apodo de «El Hombre de Negro» («The Man in Black»). Empezaba todos sus conciertos con la sencilla frase: «Hola, soy Johnny Cash» («Hello, I'm Johnny Cash»).

    Muchas de las canciones de Cash, como en «I Walk The Line», «Folsom Prison Blues», «Ring of Fire» o «Man in Black», tratan de temas como la pena, la culpa, tribulaciones morales y redención, una tendencia que se acentuó en la última etapa de su carrera. También compuso canciones humorísticas (como «One Piece At A Time», «The One On The Right Is On The Left» o «A Boy Named Sue»), llenas de vitalidad («Get Rhythm») o con otras temáticas típicas del country, como el ferrocarril («The Rock Island Line»).

    Vendió cerca de noventa millones de álbumes en sus casi cincuenta años de carrera. Es presentado habitualmente como uno de los músicos más importantes en la historia de la música country. Es uno de los tres únicos músicos que han sido admitidos en más de un «Salón de la Fama»: en el Salón de la Fama del Rock, del Country y de Compositores de Nashville.

    En plena Guerra de Corea se alistó en las fuerzas armadas, recibiendo su instrucción en las bases de la Fuerza Aérea de Lackland y de Brooks, ambas localizadas en San Antonio (Texas). Cash fue destinado como operador de radio al Servicio de Seguridad de la Fuerza Aérea Estadounidense (USAFSS, de U.S. Air Force Security Service). Su unidad fue destinada en la base aérea de Landsberg, en Alemania. Allí fundó su primer grupo musical, The Landsberg Barbarians.

    Cuando terminó el servicio, Cash se casó con Vivian Liberto, a la que conoció durante su entrenamiento en la base de Brooks. En 1954, se trasladó a Memphis (Tennessee), donde trabajó como vendedor de electrodomésticos mientras estudiaba para ser locutor de radio. Por las noches, tocaba con el guitarrista Luther Perkins y el bajista Marshall Grant, a quienes se conocía como The Tennessee Three. Cash se decidió a obtener un contrato de grabación y visitó el Estudio Sun, propiedad de Sam Phillips el dueño de Sun Records. Después de una audición con Phillips, en la que cantó algunas canciones gospel, este le dijo «ve a casa y vuelve con una canción que pueda vender». Cash volvió con nuevas canciones y consiguió un contrato. Sus primeras grabaciones para Sun fueron «Hey Porter» y «Cry Cry Cry», editadas en 1955 y que consiguieron cierto éxito en las listas de country.

    El siguiente single de Cash, «Folsom Prison Blues» llegó al Top 5 las listas de country. «I Walk the Line» consiguió el número 1, además de llegar al Top 20 de las listas de pop. A «I Walk the Line» le siguió «Home of the Blues», grabada en julio de 1957. Ese mismo año, Cash fue el primer artista de Sun en editar un LP. A pesar de ser uno de los artistas más prolíficos y con mayor número de ventas de su época, Cash estaba atado a la pequeña Sun. Elvis Presley había abandonado Sun y Phillips mantenía su atención en la promoción de Jerry Lee Lewis. En 1958, Cash dejó el sello para firmar una suculenta oferta de Columbia Records, donde su single «Don't Take Your Guns to Town» se convertiría en uno de sus mayores éxitos.

    Su primera hija, Rosanne Cash, nació en 1955. De su matrimonio con Vivian Liberto, Cash tuvo otras tres hijas: Kathleen en 1956, Cindy en 1959 y Tara en 1961. Pero sus frecuentes giras sus también habituales con las droga terminaron su relación con Vivian. En 1968 se casó con la cantante June Carter, con quien realizaba giras cantando a dúo y mantenía una azarosa relación desde hacía años, tras pedirle el enlace públicamente en un concierto.

    Ya a finales de los 50 Cash tomaba anfetaminas, pero fue durante los primeros años de la década de los 60 cuando Cash comenzó a beber compulsivamente y a tomar muchas anfetaminas, a las que acabó siendo adicto. Durante una temporada, Cash alquiló un apartamento con Waylon Jennings, quien también estaba enganchado a las anfetaminas. Cash ocultaba a menudo las pastillas y cuando olvidaba dónde las había puesto acusaba a Jennings de robárselas. Cash las tomaba para mantenerse despierto y activo durante sus giras. Sus amigos bromeaban a menudo sobre su comportamiento «nervioso», ignorando muchos de ellos la fuerte adicción que sufría por entonces.

    Durante su estancia en el ejército, Cash vio la película Inside the Walls of Folsom Prison (1951), que le inspiró para escribir el borrador de una de sus más célebres canciones: «Folsom Prison Blues».

    Cash sentía una gran compasión por los presos, lo que le impulsó a realizar una serie de conciertos en varias cárceles. Resultado de estos conciertos son dos de sus álbumes más aclamados, Johnny Cash at Folsom Prison (1968) Johnny Cash at San Quentin (1969).

    El álbum at Folsom Prison comienza con una interpretación llena de fuerza de su clásico "Folsom Prisom Blues", mientras que at San Quentin incluye el single "A Boy Named Sue", que se puede clasificar como crossover (se dice de las canciones que mezclan estilos), un tema nuevo compuesto por Shel Silverstein que alcanzó el número 1 en las listas nacionales y el número 2 en el US Top Ten pop charts. Las anteriores versiones de este último single contenían palabras malsonantes que fueron eliminadas en esta época más sensible de su carrera. Las versiones modernas en CD aparecen sin editar ni censurar y, por lo tanto, son más largas que las originales en vinilo, dando así una clara idea de cómo eran los conciertos, con un público muy receptivo compuesto por presos.

    Además de sus presentaciones en la Penitenciaría de Folsom, en San Quentin y otras prisiones de los Estados Unidos (no de América, porque América es todo el continente, como decía él mismo), Johnny Cash también actuó en la Prision de Österåker en Suecia en 1972. El álbum en vivo På Österåker ("At Österåker") salió a la venta en 1973. Entre las canciones de Cash se pueden oír frases en sueco, hecho que fue apreciado por los internos.

    Cash dejo de usar drogas a principios de 1970, después de una epifanía espiritual en la cueva de Nickjack. Cash redescubrió la religión cristiana, tomando la hostia en Templo Evangélico, una pequeña capilla en el área de Nashville. Cash eligió esta capilla de entre tantas grandes e importantes iglesias de Nashville porque él decía que era un hombre más ahí, y no una celebridad.

    Cuando el contrato con Columbia Records llegó a su fin, Johnny Cash firmó con Mercury Records. Editó varios álbumes entre 1987 y 1991, con escaso éxito o reconocimiento. Cash estaba en su momento más bajo de popularidad y en Mercury se despreocuparon de su carrera.

    Su carrera tomó un nuevo rumbo hacia mediados de los 90, cuando Cash conoció al productor Rick Rubin. A principios de la década, Cash empezaba a ser reconocido como un icono de la música popular estadounidense por un público más joven aficionado a otros géneros musicales como el indie o el rap. Por ejemplo, en 1991 participó en la versión de «Man in Black» que el grupo de punk One Bad Pig's incluyó en su álbum I Sream Sunday. En 1993 cantó en la canción «The Wanderer», incluido en Zooropa de U2.

    Así, en 1993 apareció Rick Rubin, fundador del sello American Recordings especializado en rap y hard rock, quien le ofreció a Cash un contrato para varios álbumes en su sello. Bajo la atenta supervisión de Rubin, Cash grabó su primer álbum para éste, American Recordings. La producción del álbum era muy austera: sólo aparecían Cash y su guitarra. Las canciones fueron grabadas en el salón de la casa del propio Rubin. El álbum fue un éxito total, tanto a nivel de crítica como de público, consiguiendo un Grammy al «Mejor álbum de folk contemporáneo». Cash no sólo gustó a sus fans de siempre, sino que se hizo hueco en una audiencia más joven. Fue aclamado en el Festival de Glastonbury; el propio Cash escribió que tal recibimiento fue uno de los mejores momentos de su carrera. American Recordings fue el comienzo de una carrera repleta éxitos a nivel creativo y comercial.

    Johnny Cash y June Carter Cash aparecieron en varios episodios de la serie televisiva La Doctora Quinn, protagonizada por Jane Seymour. La actriz quedó tan contenta con Cash que llamó John a uno de sus hijos. Además, Johnny apareció en Los Simpson poniendo la voz a un coyote que guía a Homer en un viaje espiritual.

    En 1996 apareció Unchained, su segunda referencia para American. Esta vez fue acompañado por Tom Petty and the Heartbreakers. Con este álbum volvió a ganar un Grammy como «Mejor álbum de country». Ese año comenzó una nueva autobiografía, que apareció en 1997 como Cash: The Autobiography.

    En 1997, a Cash le fue diagnosticada una enfermedad neurodegenerativa conocida como Síndrome de Shy-Drager. El diagnóstico fue cambiado más adelante por el de neuropatía autónoma asociada a la diabetes. La enfermedad forzó a Cash a acortar su gira. Fue hospitalizado en 1998 con neumonía severa con daños en los pulmones. Debido a su enfermedad, las canciones de sus álbumes American III: Solitary Man (2000) y American IV: The Man Comes Around (2002) se tornaron ligeramente más sombrías que las de sus dos anteriores álbumes para American. El vídeo de «Hurt» de American IV, una versión de Nine Inch Nails fue aclamado tanto por crítica como por el público. Incluso el mismo compositor de la canción, Trent Reznor, afirmó que no ha vuelto a escuchar su propia versión desde que escuchó la de Cash

    June Carter Cash murió en mayo de 2003 a la edad de 71 años. La causa fueron complicaciones posteriores a una operación de corazón. Le había dicho a Johnny que siguiese trabajando y grabando canciones, incluso que diese algún concierto sorpresa en el «Liberto Family Fold», Virginia. Durante un concierto, antes de cantar «Ring of Fire», Cash leyó una declaración sobre June que había escrito rápidamente antes de subir al escenario. Habló sobre cómo el espíritu de su mujer le guardaba y cómo éste le había visitado antes de comenzar el concierto. A pesar de sus problemas de corazón, habló sobre las ganas que tenía de que llegase el día en que pudiese volver a caminar para lanzar su silla de ruedas al lago que había cerca de su casa.

    El 12 de septiembre, cuando no habían pasado ni cuatro meses desde la muerte de su mujer, Johnny Cash murió, también a los a los 71 años, debido a complicaciones de su diabetes, con resultado de fallo respiratorio, mientras estaba hospitalizado en el Hospital Bautista de Nashville (Tennessee). Fue enterrado al lado de su mujer en el cementerio "Memphis Memory Gardens", cerca de su casa de Memphis, Tennessee.

    En junio de 2005, su casa de Caudill Drive, en Memphis fue puesta en venta. En enero de 2006 fue vendida por 2,5 millones de dólares a una corporación propiedad de Barry Gibb (cantante de Bee Gees). Menos de un año después se declaró un incendio que la destruyó por completo.

    El 25 de noviembre de 2004 apareció el cofre de cinco CDs Unearthed: contenía cuatro CDs de música no editada y un quinto CD recopilatorio de su etapa en American. El álbum había sido ideado por el propio Cash antes de su muerte. El 4 de julio de 2006 apareció un quinto volumen de American Recordings: American V: A Hundred Highways. Las partes vocales fueron grabadas antes de la muerte de Cash, pero las instrumentales no fueron grabadas hasta 2005.

    Desde sus primeros años como pionero del rockabilly y el rock and roll en los años 50, en las décadas en las que fue un representante internacional de la música country y hasta su resurgimiento como icono del country alternativo en los años 90, Cash ha influenciado a incontables artistas y ha sido reverenciado por los más grandes músicos populares de la historia.

    Cash ha sido muy valorado incluso por artistas lejanos a su género musical. Como se puede leer en las notas de Unearthed, Bob Johnston (productor y amigo de Cash) contaba como, hablando con un grupo de rap éstos le declaraban «el padrino del Gangsta rap», ya que habían crecido escuchando cómo Johnny Cash cantaba «maté a un hombre en Reno simplemente por verle morir». En su álbum Ego Trippin', Snoop Dogg dedica su canción "My Medicine" a Johnny Cash, a real American gangsta. La banda de punk rock Social Distortion cierra sus conciertos interpretando Ring Of Fire, la cual aparece en su disco Social Distortion.

    Cash apadrinó y defendió a artistas de las críticas sobre lo que era o no aceptable en el country, incluso en las épocas en las que él era uno de los símbolos más visibles del establishment country. En 1999 se le ofreció un concierto-tributo en el que tocaron artistas de la talla de Bob Dylan, Chris Isaak, Wyclef Jean, Norah Jones, Kris Kristofferson, Willie Nelson o U2.

    Justo después de su muerte fueron editados dos álbumes-tributo; Kindred Spirits y Dressed In Black. En el primero participaron músicos con cierto prestigio, mientras que el segundo era de artistas menos conocidos.

    En reconocimiento por el apoyo que prestó a la ONG SOS Children's Villages, su familia lanzó un llamamiento a amigos y fans a que realizasen donaciones a esta ONG en memoria del fallecido. Cash tenía un vínculo personal con el SOS village de Diessen, en el sur de Alemania, cerca de donde estuvo destinado como militar. También estaba involucrado en la SOS village de Barrett Town, cerca de la casa que poseía en Jamaica.

    Durante un breve periodo, hubo un museo llamado «House of Cash». La autopista 31E, que pasa por la calle principal de Memphis , es conocida como «Johnny Cash Parkway».

    La canción «Ring Of Fire» aparece un episodio de Los Simpson, en el videojuego Tony Hawk's Underground 2 y en la película Silent Hill. En el ultimo concierto de la banda Screamo ,Orchid (9/7/2002) empezaron con una cinta con la canción "Ring on fire"

    Películas
    En 2005 se estrenó la película En la cuerda floja. Johnny y June: pasión y locura (Walk the Line, su título original), dirigida por James Mangold, que narra la vida del cantante. El actor Joaquín Phoenix, quién lo encarnó, estuvo nominado al Oscar al mejor actor. La actriz Reese Witherspoon ganó el Oscar a la mejor actriz por su interpretación de June Carter. Ambos actores ganaron el Globo de Oro en la categoría de «mejor actor de comedia o musical» y «mejor actriz de comedia o musical».

    El 12 marzo 2006 se estrenó en el «Ethel Barrymore Theatre» Broadway el musical Ring of Fire, basado en la obra de Johnny.

    En 2007 en la película, El amanecer de los muertos, la introducción es la canción de The man comes around Fuente Wikipedia

    Johnny Cash - At San Quentin-1969





    Copia de la Tapa del LP original del año 1969 (a titulo informativo)

    En este LP por razones de capacidad solo venian 10 temas del concierto que dio Johnny Cash en la carcel San Quentin de acuerdo al siguiente detalle:
    Lado 1:
    Wanted Man
    Wreck of the Old 97
    I Walk the Line
    Darling Companion
    Starkville City Jail

    Lado 2:
    San Quentin
    San Quentin
    A Boy Named Sue
    Peace in the Valley
    Folsom Prison Blues

    Genero: Country, Folk, vocal, instrumental, vivo
    Grabaciones originales el 24 de febrero 1968 en la prision estatal de San Quentin
    Lanzamiento del LP Junio de 1969
    Lanzamiento de este CD año 2000
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 88.1 Mb/Total time: 59:04

    Nota sobre esta grabacion en vivo:
    At San Quentin es un álbum del cantante country Johnny Cash, es de un concierto en vivo para los prisioneros en la prisión estatal San Quentin también fue televisado por Granada Television.
    En el disco original muchas canciones fueron sacadas o cortadas por razones de espacio aun así en la reedición de este álbum en el 2000 no contiene todo el concierto pero le agregaron canciones y mantuvo su éxito comercial olvidaron poner canciones como "Jackson" y "Orange Blossom Special" las cuales fueron interpretadas por Cash ese día, las pusieron después al sacar un DVD con la presentación entera.
    En el 2006 el sello disquero Legacy lanzo una version de lujo titulada: "At San Quentin - Legacy Edition" esta edición incluye un total de 3 CDs de los cuales 2 de ellos contienen 31 canciones (13 de ellas no habían salido antes) y un DVD llamado: "Johnny Cash In San Quentin" que es un documental filmado en 1969 hecho por Granada Television para la televisión Britanica, en este documental se entrevisto a guardias, prisioneros y gente cercana a Cash quienes estuvieron con el el día del evento. Fuente Wikipedia


  • Biografia de Johnny Cash

  • Tracks
    01-Big River
    02-I Still Miss Someone
    03-Wreck Of The Old 97
    04-I Walk The Line
    05-Darlin' Companion
    06-I Don't Know Where I'm Bound
    07-Starkville City Jail
    08-San Quentin
    09-San Quentin
    10-Wanted Man
    11-A Boy Named Sue
    12-(There'll Be) Peace In The Valley
    13-Folsom Prison Blues
    14-Ring Of Fire
    15-He Turned Water Into Wine
    16-Daddy Sang Bass
    17-The Old Account Was Settled Long Ago
    18Closing Medley:Folsom Prison BluesI Walk the LineRing of FireThe Rebel-Johnny Yuma

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    viernes 17 de abril de 2009

    Quinteto Pirincho y Quinteto Don Pancho Biografia

    Francisco Canaro en 1936Francisco Canaro en 1936


    QUINTETO PIRINCHO Y QUINTENTO DON PANCHO Conjuntos formados por Francisco Canaro para rememorar las modalidades interpretativas anteriores a 1920. Estuvo siempre integrado por bandoneón, dos violines, piano y bajo, con exclusión de vocalistas. Sus dos primeras versiones para el disco —al cual estuvo destinada íntegramente su labor—fueron realizadas en 1937: el tango Viento en popa y la polka Amelia. En su personal de la primera época figuró Luis Ricardl como pianista; posteriormente su plaza fue tomada por Mariano Mores y años más tarde por Oscar Sabino; en todo momento el bandoneón fue Minotto.
    En los violines entre otros, alternaron Octavio Scaglione y Juan José Gallastegui. Cultivó con raras excepciones un repertorio de tangos acordes con su estilo. Para la versión de algunas composiciones correspondientes a la película He Nacido en Buenos Aires una guitarra tomó el lugar del piano, añadiéndose una flauta; con esta fórmula registró tres excelentes versiones: Hotel Victoria, La cara de la luna y El choclo. Fuente Horacio Ferrer.

    Desde el 20 de setiembre de 1937 con las grabaciones de los temas “No cantes victoria” y “Muñeca de cristal” , hasta el 14 de octubrede 1940 con las grabaciones de los temas “Queca” y “La sonámbula” el Quinteto grabo con el nombre de Don Pancho y a partir del 28 de octubre de 1940 con el tema “Canaro en Paris” su nombre fue Quinteto Pirincho. Los quintetos alternaban las grabaciones con la Orquesta de Francisco Canaro. Fuente Nicolás Lefcovich
    En la mayoría de las remasterizaciones como en este CD se los titula en su totalidad como Quinteto Pirincho.

    Francisco Canaro(Quintetos Don Pancho y Pirincho)-Nobleza de arrabal-1937-1941



    Genero: Tango, Quintetos, Instrumental
    Grabaciones originales realizadas en Odeon entre 1937 y 1941
    Nivel: Bandoneon
    Remasterizado en 1994
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 77.2 Mb/Total time: 53:52

  • Biografia Quinteto Pirincho y Quinteto Don Pancha(Francisco Canaro)

  • Tracks
    01-Francisco Canaro(Quintento Don Pancho)****Viento En Popa - Instrumental - 1937
    02-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****El Choclo - Instrumental - 1938
    03-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****La Clavada - Instrumental - 1938
    04-Francisco Canaro(Quintento Don Pancho)****Don Esteban - Instrumental - 1938
    05-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****Rodriquez Pena
    06-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****Champagne Tango - Instrumental - 1938
    07-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****Alma En Pena - Instrumental - 1938
    08-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****Loca - Instrumental - 1938
    09-Francisco Canaro(Quintento Don Pancho)****El Garrón - Instrumental - 1938
    10-Francisco Canaro(Quintento Don Pancho)****Sufra - Instrumental - 1938
    11-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****La Viruta - Instrumental - 1938
    12-Francisco Canaro(Quintento Don Pancho)****Duelo Criollo - Instrumental - 1939
    13-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****El Ciruja - Instrumental - 1939
    14-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****Cuando Llora La Milonga - Instrumental - 1939
    15-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****Quejas De Bandoneón - Instrumental - 1940
    16-Francisco Canaro(Quinteto Don Pancho)****Nobleza De Arrabal - Instrumental - 1940
    17-Francisco Canaro(Quinteto Pirincho)****La Galarcita - Instrumeantal - 1941
    18-Francisco Canaro(Quinteto Pirincho)****El Otario - Instrumental - 1941
    19-Francisco Canaro(Quinteto Pirincho)****Reina De Saba - Instrumental - 1941
    20-Francisco Canaro(Quinteto Pirincho)****La Cara De La Luna - Instrumental - 1941

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    jueves 16 de abril de 2009

    Lola Flores Biografia

    Lola Flores y 'El Pescailla' en 1960Lola Flores y 'El Pescailla' en 1960


    Lola FloresLola Flores


    María Dolores Flores Ruiz (21 de enero de 1923, Jerez de la Frontera - 16 de mayo de 1995, Madrid), más conocida por el nombre artístico de Lola Flores, cantante de copla, bailaora y actriz española reconocida por su temperamento y personalidad artística como «La Faraona».

    Lola Flores nació en el barrio flamenco de San Miguel, en Jerez de la Frontera, en la provincia de Cádiz, cuna del flamenco, el vino y los caballos. concretamente en el número 45 de la calle Sol, calle muy conocida en la capital del flamenco, como buena Jerezana era una enamorada del flamenco y el baile, siendo del barrio de San Miguel no le faltaron noches flamencas en las que sus ojos de arte captaban los mejores cantes y bailes, lo que hizo que desde niña bailara y cantara en la taberna que tenía su padre, Pedro Flores, conocido como «el Comino», y antes de los doce años ya era reconocida como bailaora en los ambientes artísticos jerezanos. Entonces cantaba canciones de Concha Piquer y de Estrellita Castro, siendo esta última un gran ídolo de Lola.

    Gran amiga de Alejandro Avila y Tamara Mariscal, con los que compartía escenario cantando "La chochomora". Su relación se rompió temporalmente debido a envidias profesionales, pero en los últimos años Lola y Alejandro volvieron a ser amigos, hasta la muerte. Actualmente Alejandro dedica parte de su vida a difundir sus canciones junto a su comadre Dolores Vargas.

    En 1939, con 16 años, debutó en el Teatro Villamarta de Jerez en el espectáculo Luces de España que encabezaba la pareja de baile formada por Rafael Ortega y Custodia Marchena y el guitarrista Melchor de Marchena. Lola Flores cantaba Bautizá con manzanilla.

    Tuvo sus mayores éxitos como pareja artística de Manolo Caracol, con quien trabajó hasta 1951. En 1958 se casó con el guitarrista Antonio González Batista, El Pescaílla, con quien tendría tres hijos: Dolores, más conocida como Lolita, Antonio y Rosario. Los tres se dedicarían al mundo de la canción, así como su hermana Carmen Flores. Tuvo relaciones también con el futbolista del F.C. Barcelona Gustavo Biosca.

    De fuerte temperamento y presencia, entre 1939 y 1992 apareció en diversas películas, en las que solía hacer el papel de gitana. Entre ellas resalta todo un clásico del cine español de los 40: Embrujo (1947, Carlos Serrano de Osma), drama musical donde acompaña a su pareja sentimental y artística de aquel momento, Manolo Caracol. Entre sus films folclóricos de los años 50 destacan el exitoso Morena clara (1954, Luis Lucia) versionando el célebre film de 1934, y en compañía de Fernando Fernán Gómez, El duende de Jerez (1953) y Maria de la O (1959), que supone su primera película con Antonio González «El Pescaílla». Otras películas recordadas son La hermana San Sulpicio (1962) y sus populares dramones mexicanos tipo La faraona (1955) o Sueños de oro (1958).

    Casa Flora (1972, Ramón Fernández) y Una señora estupenda (1972, Julio Coll) son sus dos cintas más salvables en plena época de la comedia española pre-destape; su papelito haciendo casi de sí misma en la reseñable pero algo sobrevalorada comedia Truhanes (1983, Miguel Hermoso) o su participación en la cinta documental rodada para la Expo de Sevilla Sevillanas (1992, Carlos Saura), junto a algunos de los grandes nombres del flamenco en general.

    De entre su profesión, es muy conocida su amistad con dos artistas folclóricas y actrices cinematográficas también famosas y compañeras de generación, con las que compartió giras musicales por Hispanoamerica: Carmen Sevilla y Paquita Rico, con las que actuó en un film no muy brillante: El balcón de la luna (1952, Luis Saslavsky).

    Su extraordinario temperamento venció las reticencias de los críticos más puristas, que cuestionaban su voz y la ortodoxia de su baile. Actuó en el Madison Square Garden de Nueva York, y se recuerda una famosa crítica tras el estreno: «No sabe cantar, no sabe bailar, no se la pierdan».

    En 1962 recibió el Lazo de Dama de Isabel la Católica y en 1967 fue premiada con la medalla de oro del Círculo de Bellas Artes.

    Murió en su residencia de El Lerele el 16 de mayo de 1995 a los 72 años. La causa fue un cáncer de mama que le había sido diagnosticado en 1972. Su capilla ardiente quedó instalada en el Centro Cultural de la Villa, actual Teatro Fernán Gómez de Madrid, en la plaza de Colón. En un ataúd abierto y amortajada con una mantilla blanca, fue conducida hasta el Cementerio de la Almudena en Madrid donde sería sepultada. Catorce días después de su muerte, su hijo Antonio fue encontrado muerto en la residencia familiar de El Lerele. Presumiblemente, la causa de su muerte fue una sobredosis de narcóticos. Fue enterrado junto a su madre

    Lola Flores - La inimitable



    Genero: Copla, pasadoble, cancionistas, instrumental
    Año 1990
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  • Biografia de Lola Flores

  • Tracks
    01-Pena, penita, pena
    02-Lola de España
    03-El lerele
    04-Tengo miedo
    05-Como me las maravillaría yo
    06-Torbellino de colores
    07-A tu vera
    08-La luna y el toro
    09-Quiero
    10-Tengo miedo torero
    11-Que me coma el tigre
    12-Mi sangre mora
    13-Lola ... sí
    14-La flor del temperamento
    15-Gloria de Cádiz
    16-Los metales
    17-La bomba gitana
    18-Amanecí en tus brazos
    19-Tanguillo de la guapa de Cádiz
    20-Mojamachis


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    miércoles 15 de abril de 2009

    El tango en Italia Biografia

    Partitura Tango d'AutunnoPartitura Tango d'Autunno


    Inmigrantes ItalianosInmigrantes Italianos

    Legislatura de Italia en 1921Legislatura de Italia en 1921

    Llegada de inmigrantes italianos a ArgentinaLlegada de inmigrantes italianos a Argentina


    ORIGENES DEL TANGO RIOPLATENSE

    El conocimiento de los fenómenos sociales y musicales que dieron origen a la gestación del tango en tierras rioplatense es un auxiliar importante para comprender las derivaciones del género en otros países. Para lograrlo el lector cuenta con una nutrida y heterogénea bibliografía que le guiará a través de dichos procesos: desde el tan discutido aporte de los habitantes de ascendencia africana al naciente género hasta su paulatino ascenso social a través de la práctica coreográfica en patios de conventillo, esquinas de barrio, peringundines, academias, "casitas", restaurantes y teatros, pasando por la configuración de sus primeros rasgos musicales y coreográficos sobre la base del candombe, la habanera y el llamado tango americano de las zarzuelas. La creciente difusión de textos sobre el tema en el mercado internacional permite a quien los consulte conocer verdades -reales o simbólicas- acerca de los primeros protagonistas del tango -cafishos, chinas cuarteleras, compadritos y propietarias de locales- que pueblan la mitología porteña, los títulos obcenos de ciertas piezas, los alegres contenidos de algunos textos (tan distintos en forma y semántica de los que producirían los autores con posterioridad a 1917), los instrumentos que se fueron sucediendo en la ejecución musical (organito callejero, flauta, arpa, piano, guitarra, banda de metales, contrabajo, bandoneón...), el papel desempeñado por las partituras en la interacción entre práctica oral y escrita, las primeras grabaciones en cilindros y discos y otros fenómenos vinculados a la difusión rioplatense de los productos de la Guardia Vieja, hasta llegar a la formidable eclosión del tango como moda bailable entre las sociedades urbanas del hemisferio norte a comienzos de la segunda década del siglo.
    Durante el período inicial del tango rioplatense algunas esquinas de barrio fueron escenario del baile entre compadritos . Según Carlos Vega, estos hombres bailaban para demostrar su habilidad y, en algunas ocasiones, para obligar al compañero a retroceder. La intención de improvisar permanentemente nuevos y complejos pasos y figuras obligaba a los bailarines a aferrarse con fuerza para concentrarse en el juego coreográfico.

    TANGO EN ITALIA EN LOS AÑOS '13-'14

    En 1913 comenzó lo que podemos considerar como la primera etapa de la historia del tango italiano, durante la cual se verificó el proceso de recepción del género rioplatense en este país. Las fuentes -principalmente hemerográficas- nos proporcionan una viva pintura de las reacciones que despertó en las instituciones sociales italianas la llegada de un baile ultramarino denso de connotaciones transgresivas para las convenciones dictadas hasta entonces por la moral privada y pública.


    La primera de dichas reacciones es la adhesión entusiasta de un sector de la sociedad al nuevo baile. En la prensa se habla de "un éxito inmediato, clamoroso, un furor, una manía, una locura, una popularidad sin confines, todo el mundo conquistado y entangado en un momento: el paroxismo" (Giuseppe Zucca, Rassegna Contemporanea, 10/2/1914).


    El mundo de las letras no es ajeno al furor despertado por la novedad. D'Annunzio declara "su viva admiración por las danzas modernísimas tango argentino, maxixe brasilienne [sic] y rag-time". En la prensa italiana se comenta la célebre defensa pronunciada por el escritor Richepin en la Academia de Francia ante las tres acusaciones que se dirigen al tango (origen popular, procedencia extranjera, carácter indecente) y se señala también, como causa que le motiva a ello, la intención de representar en un teatro de París su comedia titulada "El tango" (cuyo argumento aparece en el último número publicado por Il Teatro Illustrato en 1913). Otros artículos y anuncios de la prensa italiana vinculan al tango con un color, con una moda y hasta con anuncios de zapatos ... adecuados para afrontar el nuevo baile. La imaginación iconogrífica se expande en los centenares de postales, "innumerables como las gotas del mar" que inundan el mercado. El reconocimiento del origen argentino del tango es asociado a prejuicios xenófobos (se comenta su práctica durante el ritual denominado "velorio del angelito" en áreas rurales de Latinoamérica como "repugnantre visión de una humanidad abrasada y embrutecida") y a su resistecia a abandonar "los bodegones y en los bailes de baja calaña". Se publican minuciosas descripciones de una coreografía que todos consideran compleja y atractiva, lo cual comienza provocando la proliferación de academias de danza, la publicación de manuales ilustrados y hasta la convocatoria de un congreso de maestros de baile con el objeto de unificar pasos y figuras, para terminar produciendo lo que los rioplatenses llamaron "tango al estilo europeo".

    EL VENTENIO FASCISTA

    Canciones de entreguerras.
    Lo que no había conseguido la furlana lo produjo, en cambio, el estallido de la Gran Guerra, volcando gélidas aguas sobre el fuego del tango. Pero las cenizas permanecieron encendidas, como podemos constatar a través de datos de esporádica aparición (una foto de soldados bailando en el frente, algunas partituras de tangos compuestos en Italia durante esos a–os y estrenados en el festival de la canción napolitana de Piedigrotta...). Y, tras el paréntesis bílico, nuevos estímulos reavivaron el interés de los italianos por el tango: al entusiasmo despertado por Rodolfo Valentino bailándolo a la europea en Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921) siguió una serie de visitas de intérpretes sudamericanos que incluían ciudades como Milán o Roma en sus giras (Fioravanti Di Cico, Enrique Delfino, Carlos Geroni Flores y otros). Algunos italianos comenzaron a incluir tangos en su repertorio (por ejemplo, el tenor Gino Franzi estrenó Acquaforte, creado en Milán por los argentinos Horacio Pettorossi y Marambio Catán). Eduardo Bianco fue escuchado y aplaudido tanto por la familia real como por Musolini y éste evit— que sus funcionarios impusieran al tango las limitaciones que sufrió el jazz; por el contrario, el régimen fascista favoreció la creación y difusión de tangos por parte de artistas italianos, lo que propició la impresionante mole de piezas que vieron la luz en el país durante esos años. A este período histórico corresponden las piezas incluidas en la presente antología y por lo tanto se incluyen comentarios más adelante.

    ESTILEMAS MUSICALES
    Entre los estilemas propios de los tangos compuestos por italianos durante este período, algunos proceden del área rioplatense y son propios del género, otros se filtran desde los conjuntos instrumentales más influyentes –las jazz band, por ejemplo- y son características de la época, mientras que otros proceden de las tradiciones italianas (ya sea locales –canción napolitana- o internacionalizadas –bel canto-).

    La fórmula melódica formada por la sucesión descendente de los grados V-V descendido-IV-III, procede de la tradición musical académica europea (nacida más de un siglo atrás probablemente como contracanto al ascenso cadencial desde la dominante hasta la tónica) y fue adoptada en algunos géneros populares (el blues, por ejemplo). Los compositores rioplatenses de tango la aplicaron a menudo (cfr. Ejs. Sonoros Nos. 1 y 2) y los italianos la adoptaron sin reservas (cfr. Ej. Sonoro Nº 3). En el tango italiano esta fórmula melódica en descenso cromático se instaló con tal prepotencia que pasó a convertirse en uno de sus principales rasgos musicales caracterizadores. Es así como la oímos como recurso de identificación del género en distintos lugares de la estructura y vestida con toda suerte de variaciones ornamentales. Sin embargo, la fórmula prefiere algunos sitios en los que predomina sobre cualquier otro procedimiento. Tal es el caso del inciso de clausura que precede a la cadencia auténtica final de las piezas (lo cual aumenta la expectativa sobre la aparición de dicha cadencia). (cfr. Ej. Sonoro Nº 4). También puede aparecer en la dominante que precede a la entrada del cantor. (cfr. Ej. Sonoro Nº 5) o en función de enlace (cfr. Ej. Sonoro Nº 6). En el final, suele exponerse con rallentando (cfr. Ej. Sonoro Nº 7). También puede aparecer en distintos sitios de la escala, en relación con la armonía. (cfr. Ej. Sonoro Nº 8). En el Ej. Sonoro Nº 9 aparece con pie de habanera decapitado. y en el Ej. Sonoro Nº 10 ocupa la subdivisión binaria del pulso (aquí, en el piano). En los enlaces correspondientes a la última repetición del estribillo, puede ocupar valores de dos pulsos de duración. (cfr. Ej. Sonoro Nº 11).


    Variantes rítmicas y caracteristicas armonicas

    Entre otras posibles variantes rítmicas, citamos: la articulación de valores semicorchea - fusa - fusa (si se escribe en compás de 4/8) (cfr. Ej. Sonoro Nº 12) y la subdivisión binaria del pulso (aquí precedida del pie sincopado: semicorchea - corchea – semicorchea, cfr. Ej. Sonoro Nº 13 ).
    Otro de los principales rasgos caracterizadores del tango italiano de entreguerras es de carácter armónico y deriva del tango rioplatense de la Guardia Vieja. Se trata de la acentuación del levare o arsis en la cadencia auténtica final con el objeto de prolongar la tensión sobre la dominante. El acento puede ser de tipo dinámico (cfr. Ej. Sonoro Nº 14) o agógico (cfr. Ej. Sonoro Nº 15). En el Ej. Sonoro Nº 16 aparece precedido por el descenso cromático antes señalado y con fuerte rallentando. El acento cuenta casi siempre con una expresión tímbrica (por ej.: platillos en el Ej. Sonoro Nº 17) y a veces es de varios tipos combinados. (cfr. Ej. Sonoro Nº 18). La exageración de esta fórmula sudamericana llevó en muchos casos a la supresión del acorde de tónica (cfr. Ej. Sonoro Nº 19). Otro elemento armónico frecuente en estos tangos y propio de la canción popular urbana de esos años es el uso del acorde de quinta aumentada producido por el ascenso de la 5a de la tríada de dominante (cfr. Ejs. Sonoros Nos. 20- 21). Se trata de una herencia del Romanticismo musical y puede aparecer en el compás que precede a la entrada del cantor (cfr. Ej. Sonoro Nº 22) o reiterado sobre fórmulas rítmicas. (cfr. Ej. Sonoro Nº 23).
    Algunas de las fórmulas rítmicas que caracterizaron a los tangos rioplatenses desde sus comienzos y que llegaron a ser oídas en Europa durante los años que estamos considerando, llegaron a convertirse en cliché en estas canciones italianas. Es el caso de la subdivisión binaria de la porción débil del pulso, seguida de subdivisiones binarias de pulsos completos (en 4/8: fusa + fusa + 6 semicorcheas ; es decir: ff ss ss ss, cfr. Ej. Sonoro Nº 24 en el piano). La acumulación de varias fórmulas acompañantes típicas del tango rioplatense puede oírse en el Ej. Sonoro Nº 25 . Todas tienen en común el principio rítmico contramétrico –articulación de los sonidos en partes débiles de tiempo o de compás-, cuyo talante se acentúa al ser superpuesto a una base marcada de cuatro pulsos por compás. Típica es la acentuación de los tiempos débiles. (cfr. Ej. Sonoro Nº 26), a veces con un carácter de anticipación rítmico-armónica. (cfr. Ej. Sonoro Nº 27).
    Pero esta transferencia de acentos sobre pulsos -o porciones de pulso- débiles no consigue impedir la sensación de monotonía o pobreza rítmica que producen estos tangos italianos si se los compara con sus homónimos rioplatenses, sensación que deriva del exceso de uniformidad en el mantenimiento de las fórmulas. Reflejos de la práctica rioplatense son, en cambio, las disminuciones melódicas articuladas sobre la subdivisión cuaternaria del pulso (sucesiones de fusas en 4/8), que en el área de origen se desarrollan en forma de variaciones temáticas (generalmente, a cargo del bandoneón), mientras que en Italia se reducen por lo general a cumplir una función de enlaces entre incisos y frases musicales. (cfr. Ej. Sonoro Nº 28 en el acordeón)
    De carácter "conmétrico" (es decir, en coincidencia con los acentos) es la articulación de los acordes exclusivamente en los tiempos impares, lo cual provoca una impresión de suspensión del movimiento rítmico. (cfr. Ej. Sonoro Nº 29). Este rasgo se presenta siempre en el mismo punto de la pieza -la repetición instrumental del estribillo en la segunda parte- y suele incluir algunas subdivisiones binarias del pulso que agregan una sensación de balbuceo a la detención motriz. Se trata de un recurso de alto valor expresivo que se aplica siempre a la última aparición del tema principal de la canción -colocado en el comienzo del estribillo- con el objetivo de proponerlo nuevamente a la atención del oyente con mayor intensidad dramática y persuasiva. (cfr. Ej. Sonoro Nº 30). Otro ejemplo de esta fórmula –típica, al parecer, de los tangos italianos-, nos introducirá en el orden tímbrico. (cfr. Ej. Sonoro Nº 31, en el que suenan dos instrumentos típicos del género durante esos años: clarinete y violín).



    Instrumentos musicales típicos del tango

    En el parámetro del timbre la detección de elementos estilísticos comienza por la predilección de los compositores e intérpretes por ciertos instrumentos, que en unos casos caracterizan al tango y en otros a la canción de esos años. Entre los primeros, observamos el uso de bandoneón, a menudo reemplazado por acordeón, a falta de aquel instrumento (cfr. Ej. Sonoro Nº 32). La guitarra, importante en los tangos de la Guardia Vieja rioplatense, puede cumplir varias funciones en una misma pieza; en el Ej. Sonoro Nº 33 desarrolla la melodía de la introducción (función melódica principal), a continuación acompaña con acordes la exposición del tema (función rítmico-armónica) y alterna la ejecución de bordoneos -contratemas en el registro grave en función de enlace entre frases- con contracantos y variaciones temáticas basadas en notas repetidas (subdivisión cuaternaria del pulso).
    Entre los instrumentos propios de la época, se cuentan la trompeta con sordina y el violín solo (cfr. Ej. Sonoro Nº 34), así como el saxofón y los efectos de vibrafón (cfr. Ej. Sonoro Nº 35). El toque de platillo o látigo en los comienzos o finales de pieza (cfr. Ejs. Sonoros Nº 36 y 37 respectivamente) procede del área argentina y es adoptado por los músicos italianos. En el Ej. Sonoro Nº 38 detectamos una trompeta con sordina, seguida de violín, sobre base rítmica de habanera (rasgo éste procedente de los tangos de la Guardia Vieja rioplatense).



    El estilo ejecutivo

    El parámetro tímbrico incluye, por supuesto, el tipo de impostación vocal empleado por los cantores de ambos sexos. Durante el período de entreguerras aún no se había insinuado en la canción ligera italiana la emisión vocal enronquecida que habría de caracterizar a la expresividad de cantantes y cantautores en épocas posteriores y para cuya adopción tal vez hayan confluido diversos modelos (desde el propuesto por el verismo operístico hasta el que aportaría el rock anglosajón). Tampoco el tango rioplatense era cantado por las voces roncas y graves que conocemos ahora (basta con escuchar grabaciones procedentes de aquellas décadas de Manolita Poli, Libertad Lamarque o Manuel Bianco). En Italia el predominio de los ámbitos agudos y ciertos ornamentos heredados del bel canto fueron el arma de batalla de intérpretes de tango como Ada Neri, Inés Talamo, Milly, Emilia Vidali (todas sopranos); Anacleto Rossi, Daniele Serra, Crivel, Giglio, Franco Lary, Benassati, Fiorentini, Rico Bardi, Aldo Ardinghi, Aldo Masseglia (casi todos tenores); algunos procedentes del ambiente lírico, como el célebre Carlo Buti, a quien muchos recuerdan no solo en Italia sino también en Argentina. La "voce tenera e dolce" campea en los tangos italianos de entreguerras, provocando finales como el del siguiente ejemplo, en dominante aguda (cfr. Ej. Sonoro Nº 39) o en filato pp (cfr. Ej. Sonoro Nº 40). Los escasos barítonos de la época ascienden en falsete, como en este final sobre la tónica aguda. (cfr. Ej. Sonoro Nº 41) Algunos intérpretes desarrollan ornamentos típicos de la canzonetta napolitana. (cfr. Ej. Sonoro Nº 42).



    El estilo napolitano

    El estilo napolitano emerge con fuerza en algunos tangos -la prolongada tradición de los festivales de Piedigrotta no es ajena a ello- y se caracteriza por el canto en dúo con frecuentes paralelismos de tercera, el uso de mandolinas y guitarras en los acompañamientos. (cfr. Ej. Sonoro Nº 43) y una ambientación localista en los textos. Súmese a ello la mención de lugares emblemáticos de la canción partenopea (el mar y la luna de Sorrento en el. Ej. Sonoro Nº 44). Estos rasgos se superponen en algunos tangos. (cfr. Ej. Sonoro Nº 45). En el título y el estribillo del ejemplo anterior se menciona una localidad típica de la zona - Santa Lucia- y el siguiente es paráfrasis de la famosa creación de Enrico Cossovich y Teodoro Cottrau con el mismo título y que en 1848 diera comienzo a la historia de la canción italiana según Borgna (1992:13); el comienzo presenta el cu-cu imitado por la trompeta con sordina (cfr. Ej. Sonoro Nº 46).



    Contenidos literarios y transposiciones melódicas


    Los contenidos literarios del tango italiano encuentran a menudo expresión musical por medio de su transposición a rasgos melódicos cuya asociación semántica pertenece a la tradición europea. Véase la predilección de numerosas melodías de tango por el perfil melódico descendente en los segmentos musicales asociados a textos literarios que hacen referencia a la tristeza del varón por un amor imposible, o torturador, o generador de celos, o fuente de traición, cuando no irremediablemente perdido. (cfr. Ej. Sonoro Nº 47). A menudo la frase musical comienza con un salto ascendente de cuarta (desde la dominante hasta la tónica superior), para ir después descendiendo paulatinamente (cfr. Ej. Sonoro Nº 48). Dicho rasgo aparece vinculado a una pasión amorosa con altibajos en la que predomina la frustración y la renuncia. Esta es la razón de ser del incipit ascendente de la frase en cuestión y también de los ascensos centrales del estribillo, ya que el todo se asocia a la forma ternaria reexpositiva que presentan frecuentemente los mismos: tras el ansioso ascenso melódico vuelve la caída con la repetición de la frase inicial. De este modo, el perfil melódico de los tangos refleja el fatalismo del hombre que se detiene en el placer morboso de la propia angustia y que parece no encontrar una solución positiva a su desesperada situación. Como el Tristán wagneriano que se arranca las vendas cuando llega su salvadora para desangrarse en sus brazos, el varón de los tangos italianos de entreguerras -y ésta es una característica heredada del género rioplatense- sólo desea encerrarse en su llanto sin esperanza.
    El ejemplo anterior nos permite mencionar una característica de este repertorio. Se trata de la macroforma, que en la mayoría de los tangos italianos de los años veinte y treinta presenta la estructura biseccional propia de muchos géneros cantados de la música ligera de la época (tendencia a la que no escapó el tango rioplatense), es decir, la presencia de dos grandes "partes", articuladas a su vez en dos secciones cada una. En los tangos cantados la música de la primera sección corresponde a los versos de las estrofas, mientras la de la segunda está destinada al estribillo. Este rasgo se combina con un juego de modos del sistema tonal: primera parte en menor para las estrofas y segunda en mayor para el estribillo. También existen tangos escritos totalmente en modo mayor o menor. Sin embargo, los tangos italianos difieren de los sudamericanos en cuanto a que el estribillo presenta una forma reexpositiva que coincide en número de compases y organización temática con lo que señala Adorno como propio de la canción ligera europea de esos años.: "Treinta y dos compases con un bridge en el centro (es decir, una parte que conduce a la repetición)". (Ej. Sonoro Nº 48)
    Fuente web: http://www.dds.it/mostre/passione_argentina/es/index_es.html

    Passione Argentina - Tangos Italianos de los años 30' - vol 01 y 02



    Genero: Tango, Orquestas de tango, vocal, tangos en otros idiomas
    Grabaciones originales realizadas durante la decada del 30'
    Remasterizado y recuperado el material por La Universidad de Vallodolid en 1999 con el trabajo de investigacion de Enrique Camara.
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    Ver mas tangos en otros idiomas

    Historia de el Tango en Ialia

    Tracks

    CD 01
    01-Tenor Crivel, Orchestra Ferruzzi****Un tango per te
    02-Tenor Carlo Buti****Tango d'autunno
    03-Tenor Fusco, Orchestra Chesi****Tangolita
    04-Tenor Giulio Benassati, orchestra diretta dal Mº Mariotti****Domani
    05-Tenor Carlo Buti, orchestra Ferruzzi****Passione argentina
    06-Tenor Miscel, Orchestra Italiana Durium diretta da P.Abel****A Santa Lucia
    07-Comm. Mº Rodolfo De Angelis, orchestra diretta da Mario Consiglio****Ritornano le rose
    08-Soprano-Dora Menichelli Migliari, orchestra Cetra dir dal Maestro Tito Petraglia****Sei tu
    09-Tenor Lago Spino, Orchestra Blue Star, diretta da Pippo Barzizza****Non credo più al mio cuore
    10-(Tenor xx. con orchestra xx****Sul lago Tana
    11-Tenor Cestari****Chitarra romana
    12-Interpreta Daniele Serra, Orchestra Ripa diretta da Dino Olivieri****Resta con me
    13-Tenor Fernando Orlandis, Orchestra Blue Star, diretta da Pippo Barzizza****Violino Tzigano
    14-Tenor Fusco****Tango della banana
    15-Tenor Carlo Buti ****Ricordati di me
    16-Soprano Nada Villefleur, orchestra dir dal Mº Giannini****Lo conosco un bar
    17-Tenor cav. E. Fusco****Samaka Liù
    18-Tenor Carlo Buti, Orch. Ferruzzi****Ultimo tango

    CD 02
    19-Tenor Crivel, Orchestra Ferruzzi****Le tue carezze
    20-Tenor Franco Larry****Tango del ritorno
    21-Soprano Ada Neri, Orchestra Blue Star, diretta da Pippo Barzizza****Portami tante rose
    22-Tenor Tito Leardi****Questa notte ti dirò
    23-Tenor Fernando Borghetti, Orchestra Dino Olivieri****Signora
    24-Interpreta Oscar Carboni, Orchestra Blue Star, diretta da Pippo Barzizza****Tango del mare 25-Soprano Milly****Tango del cuore
    26-Tenor Fiorentini ****Tango dell'abbandono
    27-Tenor Mori, Orch Mº Mignone****Giù la maschera
    28-Tenor G. Serpelloni****Il minatore
    29-Tenor Rico Bardi, orchestra diretta dal Mº Mariotti****Scrivimi
    30-Tenor Anacleto Rossi, Orchestra Pierotti****L'altro amore
    31-Tenor Carlo Buti****Chitarra stanca
    32-Tenor Franco Lary****Dopo di me
    33-Tenores Mori e Taliani, Orchestra diretta dal Mº Dino Olivieri****Fammi sognar !
    34-Tenores Ugo Cantelmo, Orchesta Semprini****Zigani
    35-Tenor Enzo Di Mola, Orchestra Gino Dover****Ricciolina
    36-Tenor Fiorentini****Per tutte e per nessuna

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    martes 14 de abril de 2009

    Dennis Chambers Biografia

    Dennis ChambersDennis Chambers

    Dennis ChambersDennis Chambers


    Dennis Chambers (nacido en 9 de mayo de 1959) es un estadounidense baterista que ha grabado y actuado con John Scofield, Carl Filipiak, Steely Dan, Carlos Santana, Parliament / Funkadelic, John McLaughlin, Niacin, Mike Stern, Victor Wooten & Greg Howe (con los que editó el CD "Extraction") y muchos otros. A pesar de una total falta de entrenamiento formal, Chambers ha pasado a ser notoriamente conocido entre los bateristas por su impresionante técnica, velocidad y solidez. Chambers es especialmente considerado por su capacidad de tocar "en el bolsillo", pero también puede estirar muy lejos de los de bolsillo que también es un sello distintivo de su técnica. Chambers exhibe un estilo poderoso que es técnicamente competente, pero muy musical y orientada hacia la improvisación. Él puede tocar en una amplia variedad de géneros musicales, pero es tal vez más notable dentro del Jazz Fusion, Funk y Música Latina

    Actualmente, está de gira con Carlos Santana y hace presentaciones con su banda Niacina.Fuente wikipedia

    Dennis Chambers - Outbreak



    Genero: Jazz, Jazz Instrument, Drums
    Año 2000
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 85.5 Mb/Total time: 57:17

  • Biografia de Dennis Chambers

  • Personal

    Will Lee - bass guitar
    Dennis Chambers - drums
    Michael Davis - trombone
    Bob Malach - tenor saxophone, bass saxophone
    Aaron Heick - saxophone
    Gary Willis
    Jim Hynes - trumpet
    Nick Moroch - guitar
    Arto Tuncboyaciyan - shaker
    Matthew Garrison
    Jim Beard - keyboards
    Bobby Malach
    Rodney "Skeet" Curtis
    Jon Herington - guitar
    Danny Sadownick - congas
    Also: Michael Brecker, Randy Brecker, John Sco

    Tracks
    01-Roll Call
    02-Otay
    03-Groovus Interruptus
    04-Paris On Mine
    05-In Time
    06-Plan B
    07-Outbreak
    08-Baltimore
    09-Talkin' Loud And Sayin' Nothin'

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    lunes 13 de abril de 2009

    Stanley Black Biografia

    Stanley BlackStanley Black


    Stanley Black OBE (de 1913 14 de junio - 27 de noviembre de 2002) fue un conductor inglés de música ligera, arreglador y pianista. Escribió y organizo musica para peliculas y grabo mucho para el sello Decca(incluyendo Londres y fase4)Empezando por el jazz en colaboracion con músicos de Estados Unidos como Coleman Hawkins y Benny Carter durante la década de 1930, tambien grabo en el estilo de América Latina y también ganó premios para su realización clásica.

    Stanley Black (Solomon Schwartz) nació en 1913 en Whitechapel, Inglaterra. Sus padres eran Polocos y Rumanos judíos. Comenzó a las lecciones de piano a los siete años. A solo los 12 años de edad su primera composición fue transmitido por la Orquesta Sinfónica BBC y continuó su temprano éxito por ganar un Maker Melody en la la competencia de los 18 años.
    En la década de 1930 temprana él fue empleado como un musico de jazz y compositor y había trabajado con Howard Jacobs, Joe Orlando, Lew Stone, Maurice Winnick y Teddy Joyce en el momento en que se unió a Harry Roy en 1936. También había transmitido y grabado con varias bandas de jazz estadounidenses, incluyendo a Coleman Hawkins, que tuvieron Ceratogymna oído primera en la noche radio muestra con banda Lew Stone. Cuando los dos se reunieron finalmente en Londres, el revisor Edgar Jackson sugirió grabar juntos, en una notable colaboración en una versión de dúo de Lonicera rosa.
    Durante la segunda guerra mundial, se incorporó a la Real Fuerza aérea y se involucró en la gestión de personal en Wolverhampton el entretenimiento. En 1944 fue nombrado Director de la orquesta de danza de la BBC y permaneció en el trabajo durante casi nueve años, radiodifusión como máximo de seis noches por semana.
    En este momento él también había comenzado grabación bajo su propio nombre para Decca. Ahora bien participar con la industria cinematográfica, salió en componer, organizar y dirigir música para películas más cerca de 200, en particular después de ser nombrado director de la música en estudios de Elstree en 1958. Fue también director principal de la orquesta de Corporation asociada británico imagen y el compositor de director musical de esa organización desde 1958-1963.
    Radio trabajo de Stanley Ceratogymna le mantiene en contacto con una gran audiencia escucha a través de su música incidental para espectáculos como enlace mucho en la Marsh y the Goon show. Más tarde fue a presentar sus propios programas sobre la radio y televisión, incluyendo Black Magic y los maravillosos mundial de Stanley Black (Solomon Schwartz) . Esto sin duda contribuyó al éxito de sus grabaciones comerciales y conciertos con su propia orquesta.
    En la primera década de 1950 regularmente encabezaron las listas de "Melody Maker" de los músicos más-escuchado en la radio. Fue elegido que se incluirá en la primera versión de Decca de registros de larga duración en el Reino Unido en junio de 1950. Esto le continuar su realización, organizar y realizar permitió y resultó en un gran número de álbumes que él uno de los artistas más prolíficas de la grabación en el mundo. Fue particularmente popular en América, como lo demuestra su inclusión en las listas de best-sellers "Billboard".
    Durante su vida, dirigió muchas de las principales orquestas de Gran Bretaña, y hasta el decenio de 1990 aún él fue dirigir sesiones ordinarias de difusión en los estudios de BBC, a pesar de la aparición de sordera en la vida posterior.
    Stanley Black (Solomon Schwartz) había recibido numerosos premios, incluyendo el área. Se hizo un miembro de la vida del Instituto de Artes y letras y Presidente de la vida de las celebridades Guild de Gran Bretaña. Él murió en Londres en 2002, 89 de años de edad.
    Fuente Wikipedia en Ingles (Traduccion automatica)

    Stanley Black & His Orchestra and Danny Malando & His Orchestra- Best of The Tango



    Genero: Tango, Tango danza, Instrumental
    Grabaciones realizadas en 1990 y 1996
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 97.1 Mb/Total time: 58:50

  • Biografia Stanley Black

  • Tracks
    01-Malando & His Orchestra****Noche De Primavera
    02-Malando & His Orchestra****Isabel
    03-Stanley Black & His Orchestra****Amargura
    04-Malando & His Orchestra****Pedrita
    05-Malando & His Orchestra****Nunca Jamás
    06-Stanley Black & His Orchestra****Mama, Yo Quiero Un Novio
    07-Malando & His Orchestra****Repetido
    08-Stanley Black & His Orchestra****Tango Notturno
    09-Malando & His Orchestra****Por Que Te Vas
    10-Malando & His Orchestra****Michael
    11-Stanley Black & His Orchestra****Nightfall
    12-Malando & His Orchestra****Noche D´estrellas
    13-Malando & His Orchestra****Come Te Quiero
    14-Stanley Black & His Orchestra****Adios Muchachos
    15-Malando & His Orchestra****Luz De Luna
    16-Stanley Black & His Orchestra****Dark Eyes
    17-Malando & His Orchestra****A Don Antonio
    18-Malando & His Orchestra****Rodriguez Peña
    19-Stanley Black & His Orchestra****La Rosita
    20-Malando & His Orchestra****Verano Porteño
    Nota se respetan los titulos de la caratula sin
    hacer correcciones con excepcion de remplazar
    la n por la ñ

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    domingo 12 de abril de 2009

    Nestor Chayres Biografia

    Nestor Chayres Nestor Chayres


    Nombre artístico: Néstor Chayres
    Nombre completo: Néstor Mesta Chayres
    Fecha de Nacimiento: 26-02-1908
    Lugar de nacimiento: Lerdo localidad del estado de Durango, México
    Desde muy niño mostró su aptitud y vocación por el canto. A los 17 años obtuvo una beca e hizo estudios de cantante de ópera en el Conservatorio Nacional de Música de México, bajo la tutela del tenor Lamberto Castañares, ex cantante de la Scala de Milán. Completó su formación musical en los Estados Unidos, bajo la dirección del famoso cantante Emilio de Gorgoza.
    A los 21 años inició su carrera profesional y cantó en la radio mexicana. Su primer disco lo grabó con los pasodobles "Morena" y "Rocío". Su gran salto a la fama fue en 1943 cuando lo descubrió el famoso director de orquesta André Kostelanetz quien lo invitó a trasladarse a Nueva York haciéndolo debutar con su orquesta, en la radiodifusora CBS, con gran éxito. Allí comenzó su fama y en 1945 se presentó en el Town Hall de Nueva York.
    Viajó por Canadá como solista de las orquestas sinfónicas de Toronto y Montreal. Hizo giras triunfales por Centro y Sur América. En Argentina conoció a Manuel de Falla (1876-1946) célebre compositor español quien le dió "Siete canciones populares españolas" (para canto y piano) que a su regreso a Estados Unidos, las interpretó en el Carnegie Hall de Nueva York.
    En 1949 Chayres fué a Europa y se presentó en Holanda, Noruega, Francia y España, donde grabó para el sello "La voz de su Amo" discos en 78 rpm, entre ellos el pasodoble Silverio de Agustin Lara: Con esta interpretación se ganó el sobrenombre de "El Gitano de México".
    Néstor Chayres fue gran amigo de la compositora María Grever (1885-1951) quie lo consideró el mejor intérprete de sus composiciones, entre ellas Cuando vuelva a tu lado, Por si no te vuelvo a ver,Te quiero dijiste, Volveré,Cuando me vaya, Así (una de las mas bellas) etc. etc.
    Su brillante carrera se vió truncada en 1953, por un accidente automovilístico, en el que perdió temporalmente su voz, que si bien logró recuperar, ya nunca mas volvió a ser la de sus grandes éxitos. Chayres murió el 29 de junio de 1971.
    Fue considerado por la crítica como el número uno de los tenores románticos mexicanos.
    Biografía escrita por Josep Perramón Baqué
    Alma Latina 2001.

    Nestor Chayres - Seleccion de temas por Juan F. Orrego


    Genero: Boleros, Romanticas, clasica, vocal
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 83 Mb/Total time: 64:26

  • Biografia de Nestor Chayres


  • Tracks
    01-Celos
    02-Cuando Vuelva A Tu Lado
    03-No Espero Nada De Ti
    04-Cobardía
    05-Cuerdas De Mi guitarra
    06-Somos Diferentes
    07-Cariño
    08-Así
    09-Inconsolable
    10-Júrame
    11-La Vida Castiga
    12-Tus Lindos Ojos
    13-Negra Consentida
    14-Tengo Celos
    15-Rocío
    16-Lo Morena De Mi Copla
    17-Lo Siento Por Tí
    18-Secreto Sublime
    19-Campanitas De Mi Alma
    20-Granada
    21-Rayito De Luna
    22-Alma Mía

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    sábado 11 de abril de 2009

    Armando Caló Biografia

    CALÓ, Armando. Músico. Contrabajista.Director
    Nació el 25 de junio de 1922. Integró, desde 1940 distintas orquestas típicas, la de
    Argentino Galván y la de su hermano Miguel, entre ellas. Posteriormente se consagró a la música internacional,compartiendo la conducción del conjunto Tony-Armand, con su hermano Antonio Caló.
    Hermano de Juan,Salvador, Antonio, Roberto y Miguel Caló
    Dirigio la orquesta Tango Revue(This is tango) durante el año 1986 realizando giras por Estados Unidos y Centroamerica.

    Orquesta Armando Caló(Hermano menor de Miguel)-This is the tango en Texas U.S.A




    Armando Calo en U.S.AFolleto de presentacion del espectaculo en Santiago, República Dominicana

    Genero:Tango, orquestas de tango, instrumental, vocal
    Grabacion en vivo en Texas U.S.A en 1986
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 73.8 Mb/Total time: 50:05

  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 01

  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 02

  • Biografia de Armando Caló

  • Tracks
    01-Baldosa Floja - Patricia Lasala
    02-Canaro En Paris - Instrumental
    03-Canción De Buenos Aires - Patricia Lasala
    04-Cantanodo - Patricia Lasala
    05-Cuesta Abajo - Gabriel Reynal
    06-Danzarin - Instrumental
    07-Derecho Viejo - Instrumental
    08-Don Juan - Instrumental
    09-El Choclo - Instrumental
    10-El Dia Que Me Quieras - Patricia Lasala
    11-Halcon Negro - Instrumental
    12-Inspiración - Instrumental
    13-La Cumparsita - Instrumental
    14-La Puñalada - Instrumental
    15-Organito De La Tarde - Instrumental
    16-Que Me Van A Hablar De Amor - Gabriel Reynal
    17-Quejas De Bandoneón - Instrumental
    18-Re Fa si - Instrumental
    19-Silbando - Instrumental
    20-Tanguera - Instrumental
    21-Taquito Militar - Instrumental
    22-Uno - Gabriel Reynal

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    viernes 10 de abril de 2009

    Demis Roussos Biografia

    Demis Roussos
    Demis Roussos

    Demis RoussosDemis Roussos

    Demis RoussosDemis Roussos


    Nació en Egipto hijo de una familia griega expatriada. Sus padres, George y Olga, también nacieron en Egipto y crecieron en Alejandría. Tras perderlo todo debido a las políticas del gobierno de Gamal Abdel Nasser, regresaron a Grecia después de la Guerra de Suez. Su madre, Olga, es más conocida con el nombre artístico de Nelly Mazloum.


    Primeros éxitos: Después de regresar a Grecia, Demis se integró en diversos grupos musicales comenzando por The Idols cuando tenia 17 años; después paso a We five y a otras bandas relativamente destacadas y decierto éxito en Grecia.

    Logró cierta notoriedad en 1968 cuando se unió a la banda de Rock progresivo Aphrodite's Child (El hijo de Afrodita) inicialmente como cantante y después como bajista. Su distintiva voz operística dio impulso a la banda hasta colocarla con éxito en el ámbito internacional, notablemente en su álbum final 666, el cual vino a convertirse en un clásico de culto para los melómanos.

    Tras la disolución de Aphrodite's Child, Demis continuó grabando esporádicamente con su compañero de banda, el también destacado músico Vangelis. En 1970 ambos realizaron Sex Power (aunque el álbum se lo adjudicaron discutidamente Aphrodite's Child). También grabaron juntos en 1977 el álbum Magic, cuyo mayor éxito fue Race to the End, una adaptación vocal del tema musical del filme ganador del Oscar Carros de Fuego mientras Roussos también aparece en el soundtrack de la película Blade Runner (1982).


    Éxitos en solitario : Demis inició una carrera como cantante en solitario al desintegrarse la banda, comenzando con la canción We Shall Dance. Inicialmente sin éxito, emigró a Europa y pronto se convirtió en un cantante notable. Su carrera alcanzó la cima en la década de 1970 con una considerable cantidad de álbumes. Destacando su sencillo Forever and Ever (Siempre y para Siempre), que se colocó en las listas de popularidad de una gran cantidad de países en 1973.

    Otros éxitos fueron My Friend the Wind (Mi amigo el viento), My Reason (Mi razón), Velvet Mornings (Mañanas de Terciopelo), Goodbye, My love, Goodbye (Adiós amor mío, adiós), Some day (Algún Día) y Lovely Lady of Arcadia (Preciosa Señorita de Arcadia). Fue mencionado como destacado en el programa Abigail's Party e hizo su primera aparición en una televisión de habla inglesa en el programa Basil Brush Show. También es destacada su interpretación del éxito del grupo Air Supply titulado Lost in Love.

    Recopiló sus canciones en un gran número de idiomas. Su hit número uno el Roussos Phenomenon EP fue el primero de su tipo de un artista de origen africano en la historia de las listas de popularidad del Reino Unido. Fue igualmente exitoso en Europa y Latinoamérica; en Estados Unidos logró lo mismo con el álbum Demis que permaneció como su único éxito.


    Depresión y secuestro aéreo: En 1982 fue co-autor del libro A Question of Weight junto con su amiga íntima Veronique Skawinska en el cual narra sinceramente su lucha contra la obesidad. Durante la década de 1980 atravesó un período improductivo debido a su batalla contra la depresión.

    Fue uno de los pasajeros del vuelo TWA 847, que fue secuestrado el 14 de junio de 1985. En su momento fue muy conocido el hecho de que los secuestradores celebraron su cumpleaños con él, al quedar impresionados por tener como rehén a una de las celebridades de Oriente y Europa.


    Retorno y última etapa: Sensible a su nueva etapa de vida, Demis se embarcó en su retorno con el álbum Time, que le otorgó numerosos reconocimientos y ser aclamado por su éxito muy popular en las discotecas Dance of Love.

    Los años 1990 vieron un número sustancial de trabajos de Demis. Realizó Insight (también llamado Morning has Broken) siendo aclamado, mientras que su intento de canción bajo la modalidad de rap, Spleen fue considerado una idea lamentable. Antes de ello hizo equipo con BR Music en Holanda para producir Inmortel Serenade e In Holland, utilizando una variedad de estilos desde el étnico al electrónico.

    Demis ha continuado grabando y de gira. Su Tour Millenium conoció el éxito en Inglaterra. Como ferviente seguidor de la Iglesia Ortodoxa Griega, canta como invitado en diversos templos en Grecia y en todo el mundo.

    Recientemente confirmó que efectuaría una gira por Australia junto con la ídolo de aquellas latitudes, Cosima de Vito, actuando como dueto.

    Demis Roussos - Lo mejor de Demis Roussos en Español vol 01



    Genero: Vocal, pop, oldies, romanticas
    Remasterizado en CD en 1999
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 83 Mb/Total time: 67:02

  • Biografia de Demis Roussos

  • Tracks
    01-Mañanas De Terciopelo
    02-Bailare Bailaras
    03-Morir Al Lado De Mi Amor
    04-Adios Mi Amor Adios
    05-Quisiera Bailar Esta Cancion
    06-Por Siempre Y Para Siempre
    07-Un Dia Igual A Los Demas
    08-Musique
    09-Bambina
    10-Romantica
    11-Bahias Blue
    12-Un Himno Al Amor
    13-Tu Libertad
    14-Cancion De Boda
    15-Un Mundo De Hombres Niños
    16-Ojos Que No Ven
    17-Una Fabula Para Mayores
    18-Rozando Nuestra Piel
    19-Maria
    20-Rio Salvaje

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    jueves 9 de abril de 2009

    Orquesta Matos Rodriguez - La cumparsita




    Genero: Orquestas de Tango, Instrumental, vocal
    Nivel Sondor
    Grabacion realizado en 2001
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 37.1 Mb/Total time: 26:48



    Ficha Tecnica de la Orquesta Matos Rodriguez



    Orquesta  Matos RodriguezOrquesta Matos Rodriguez
    La Matos Rodriguez es una excelente orquesta de Uruguay, este CD fue su primer grabacion por el año 2001
    En el 2008 lanzo un DVD de nombre Tango. Ha realizado giras por varios paises de latinoamerica, incluida la Argentina siempre con gran exito.

    Agradesco a Valerio de Uruguay hoy viviendo por Europa, quien me regalo el CD ni bien salio a la Venta del otro lado del Plata.

    Tracks
    01-La Cumparsita-Instrumental
    02-Dale celos-Instrumental
    03-Botija linda-Instrumental
    04-Mocosita - Ernesto Camino
    05-San Telmo-Instrumental
    06-Adiós Argentina-Instrumental
    07-Son grupos-Instrumental
    08-Yo soy la milonguera-Instrumental
    09-Canto por no llorar-Instrumental
    10-Che papusa oí - Juan C.Alonso

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    miércoles 8 de abril de 2009

    Billy Vaughn Biografia

    Billy Vaughn
    Billy Vaughn


    Richard "Billy" Vaughn (12 de abril de 1919 - 26 de septiembre de 1991) fue un cantante, multi-instrumentista y director de orquesta.

    Él nació en Glasgow, Kentucky, donde su padre era un peluquero que amaba la música y la inspiración de Billy para enseñarse a sí mismo a tocar la mandolina en la edad de 3 años, mientras que sufren un caso de sarampión. Él fue a aprender una serie de otros instrumentos.

    Vaughn en 1941 se unió a la Guardia Nacional de Estados Unidos para lo que se había previsto como un año de cesión, pero cuando la Segunda Guerra Mundial, fue enviado en el extranjero hasta que la guerra terminó en 1945. Él decidió hacer una carrera musical, cuando fue dado de alta del ejército al final de la guerra, y asistió a la Universidad Estatal de Kentucky Occidental, que ahora se conoce como la Universidad de Kentucky Occidental, especializándose en la composición musical. Él había aprendido aparentemente barbería de su padre, porque él ha hecho durante sus estudios en la Western Kentucky para apoyar financieramente a sí mismo, cuando no pudo conseguir trabajo tocando el piano en clubes nocturnos locales y salones. Aunque él era un estudiante allí, otros tres estudiantes, Jimmy Sacca, Donald McGuire, y Seymour Spiegelman, que había formado un trío vocal, La Hilltoppers, contratado Vaughn a tocar el piano con ellos. Pronto añadido su voz a la suya, convirtiendo el trío a un cuarteto. Como miembro del grupo, también escribió su primer hit, "Tratando", que trazó en 1952.

    En 1954 dejó el grupo para unirse a Punto Records en Gallatin, Tennessee, como director musical. Posteriormente formó su propia orquesta, que tuvo un gran éxito en ese mismo año con "Melodía de Amor". Pasó a tener muchos más éxitos en la próxima década y media, y se basa puramente en el gráfico éxitos, fue el más exitoso director de orquesta de todos los tiempos.

    La orquesta de Billy Vaughn comenzó sus giras en 1965 con numerosas venta a cabo de ellas, por Japón, Brasil y Corea.

    Vaughn falleció de mesotelioma en el Hospital Palomar en Escondido, California, el 26 de septiembre de 1991 - que era de 72 años de edad.Fuente Wikipedia Traduccion automatica

    LP Billy Vaughn - La Paloma-1968



    Genero: Big Band, Saxo, Instrumental
    LP Grabado en Brasil en 1968
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 37.2 Mb/Total time: 25:13
  • Biografia de Billy Vaughn

  • Tracks
    01-La Paloma
    02-Duerme
    03-Para vigo me voy
    04-Mexicale Rose
    05-El Choclo
    06-La Golondrina
    07-Aquarela do Brasil
    08-Estrelita
    09-La Cumparsita
    10-Perfidia
    11-Quiereme mucho
    12-El Manisero

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    martes 7 de abril de 2009

    Andreas Blüm Biografia

    Andreas Blüm


    Andreas Blüml nacido en Nuremberg 29/9/1966
    Guitarra (clásica, jazz, rock)
    Educación / Enseñanza
    desde los 13 años de edad klass. guitarra, desde los 15 años de guitarra eléctrica .. Más tarde otros Saiteninstr.
    1988-1992 Estudios de música en el EWF Nuremberg, la experiencia con Peter O `Mara Klaus Jäckle, Chuck Loeb
    Desde octubre de 1988 en la Enseñanza de canto y música Fürth para guitarra clásica, el jazz y el rock de guitarra, armonía y
    Desde septiembre de 2006 Profesor en el ámbito de la guitarra
    Pop Rock Jazz en la Berufsfachschule Nuremberg,
    diversas actividades en talleres
    Incluyen actuaciones con:
    Till Brönner, Dianne Schuur, Sabine Meyer, Bill Ramsey, Thilo Wolf, Wolfgang Haffner, BR Radio Orchestra, Orquesta de Domingo Noche, Kevin Coyne, New York Voices, Nana Mouskuri, Ingo Metzmacher
    Benny Bailey, Jörg Reiter, Jutta Czurda, David Friedman, Max Greger, Frankfurter Museumsorchster, Paul Kuhn, John Pizarelli, Ensemble Contrastes, Joan Falkner, Barbara Dennerlein, Bamberger Symphoniker, Tony Lakatos, John Davis, Allan Harris, Max Kienastl, Olga Neuwirth , Maria Schneider, Nippy Noya, Frank Möbus, Thomas Zoller, Oskar Klein, Viento Bacher Chicos Coro, romanos Schwaller, Patrick Lindner, Ernst Stroer, Jürgen Seefelder, Chris Speed, Peter Tiehuis, HR Big Band, Münchner Symphoniker, Rodgau Monotone ...
    Televisión Producciones
    para 3SAT, WDR, SWR, ZDF, BR y
    Producciones de radio
    para BR, AR, ZDF, 3SAT
    Teatro Música / Músicos
    Escenarios urbanos Nuremberg, Czurda la danza, el teatro Coburgo, Schauspiel Hof, Ratisbona, Erlangen, Fürth
    Festivales
    East West Nuremberg Jazz, Festival de Jazz de Thann castillo, 3sat Carpa del Festival, Festival de Jazz de Hürth, Festival de Música de Rheingau, MDR Música de Verano, Kultursommer Nordhessen, Festival Internacional de Música de Lucerna Fuente web de
    Andreas Blüml www.andreasblueml.de traduccion automatica del aleman

    Norbert Gabla Biografia

    Norbert Gabla



    Norbert Gabla: Nacido en 1964 en Nuremberg
    1986 - 90 Estudios en acordeón y el saxofón en el Nuremberg-Augsburg Escuela de Música (antes Meistersinger Konservatorium)
    1991 Comienzo de la enseñanza en la Escuela de Música en Fürth (Sing-und Musikschule Fürth)
    1992 Adquisición de los primeros híbridos Bandonion
    Viaje de estudios a la Argentina
    1995 Miembro de la Klezmer Ensemble "HULJET"
    Teatro músico en el Teatro de Núremberg (Nürnberg Schauspielhaus), de Shakespeare "Como gustéis"
    1996 CD de producción "Tanguera" en el Teatro Municipal con Fürth "Lunfardo TRIO"
    Músico de teatro en la Ciudad Teatro Fürth, "Titanic", con Jutta Czurda
    2000 CD de producción "TANGO EN VIVO MI Kulturforum Schlachthof Fürth" con Andreas Blüml
    2001 CD de producción "motivos" de Gregor Hiltner con los músicos Takaaki Masuko y Johannes Ammon
    2002 CD de producción "WUNSCHBILD, WIE Schmal doch DU BIST - CANTOS", con Giorgio Hupfer
    Producciones de radio y televisión con Ralf Huwendiek para la Compañía de Radiodifusión de Baviera (Bayerischer Rundfunk)
    Ballet de la Opera músico en Núremberg (Nürnberg Opernhaus) "Una furtiva LÁGRIMA"
    Kontakte 2004 - Concierto de Bayerischer Rundfunk
    "Serenading de Budapest a América del Sur"
    2005 "Dido y Eneas" - ópera barroca de Henry Purcell - Prinzregententheater, Munich (Prinzregententheater, München)
    "Misa Tango", de Luis Bacalov, con Hans Sachs-y el Coro
    Orquesta Sinfónica de Nuremberg bajo la conducción de Julián Christoph Tolle
    2006 CD de producción "TANGOJAZZTRIO" - propias. Fuente web de Gabla http://www.gabla.de Traduccion automatica del aleman

    Norbert Gabla- Andreas Blüml - Tango LiveLive im Kulturforum-2000


    Genero: Tango, bandoneon,guitarra,instrumental
    Lanzamiento del CD año 2000
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 91.4 Mb/Total time: 62:22

  • Biografia de Andreas Blüm

  • Biografia de Norbert Gabla

  • Tracks
    01-Milonga De Mis Amores
    02-Volver
    03-Palomita Blanca
    04-Prepárense
    05-Nocturna
    06-Oblivion
    07-Descubriendo La Ribera
    08-Maria
    09-Kein Hunger
    10-Mano A Mano
    11-Desde El Alma
    12-Los Mareados
    13-El Último Café
    14-Dreieck
    15-Heizung
    16-Achtung Diebstahl

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    lunes 6 de abril de 2009

    Buena Vista Social Club Biografia

    Buena Vista Social Club con Ibrahim Ferrer
    Buena Vista Social Club con Ibrahim Ferrer

    Buena Vista Social ClubBuena Vista Social Club


    En 1996, el compositor, productor y guitarrista Ry Cooder viajó hasta los Estudios Egrem, en La Habana, interesado en cierta música con ritmos provenientes de África. Si bien su búsqueda resultó infructuosa, esto no le impidió conocer a un grupo de legendarios músicos cubanos, que habían pasado prácticamente al olvido, cuyas edades fluctuaban entre los 60 y 70 años. El resultado fue Buena Vista Social Club, un álbum ganador de un Grammy cuyo éxito fue aclamado internacionalmente.

    Filmado en 1998, este documental registra el regreso de Cooder a Cuba, ocasión en la que se reúne con el vocalista Ibrahim Ferrer y el resto de los músicos con la intención de grabar un nuevo álbum. El director de cine Wim Wenders, junto a un reducido grupo de filmación, observó a los músicos en el estudio y rastreó sus vidas en La Habana. Así se dio inicio a este documental, que registra el viaje de los ancianos desde su país natal hasta la ciudad de Ámsterdam -donde ofrecieron dos conciertos-, y que finaliza en Nueva York, con una presentación en el Carnegie Hall.

    Compay Segundo (Francisco Repilado) Su apodo viene del término cubano usado para designar a los amigos y conocidos, compadre, compay, y de su suave “segunda voz” (de tono armónico bajo). Creció en Santiago, capital provincial del Este de Cuba y cuna de lo que se conoce como la Canción cubana. En su juventud se ganó la vida en los campos de tabaco. A la edad de quince años compone su primera canción, “Yo vengo aquí”, demostrando ser desde ya un excelente guitarrista y clarinetista. Inventó su propio instrumento, el armónico, un instrumento de siete cuerdas semejante a la guitarra. Durante los años veinte y treinta toca junto a las mejores banda cubanas de ese entonces, incluyendo la Banda Municipal de La Habana, Conjunto Matamoros y Justa Garcia´s Cuarteto Hatuey, entre otras. En los años cuarenta gana fama como miembro del dúo Los Compadres, junto a Lorenzo Hierrezuelo. En los años cincuenta forma la banda con la que tocó hasta su muerte, acaecida en el año 2003: Compay Segundo y sus Muchachos. Falleció en su país, rodeado de toda la admiración de su pueblo cubano.


    Eliades Ochoa Guitarrista y cantante, Eliades Ochoa comienza a tocar a la edad de seis años. Proveniente de una familia de músicos en Santiago, Cuba. En su adolescencia forma parte del circuito musical underground de la localidad. En 1978 pasa a liderar el Cuarteto Patria, un grupo que ha mantenido viva la tradición Folk cubana desde 1940. Bajo su dirección la banda realiza giras internacionales. Al igual que Compay Segundo, Ochoa crea su propio tipo de guitarra para adaptarla a su estilo de interpretación.


    Joachim Cooder Nació en 1978 en Santa Mónica, California. Inspirado por el baterista jim Keltner, comienza a tocar la batería a la edad de cinco años. Desde entonces ha participado en una cantidad considerable de presentaciones en vivo y músicas de películas, a menudo junto a su padre Ry Cooder, y en numerosas grabaciones de estudio, como Buena Vista Social Club en 1996 y BVSC presents Ibrahim Ferrer en 1998. Joachim estudió percusión en el Instituto de Arte de California, donde formó RadioBemba, banda que mezcla música clásica y latina.


    Ibrahim Ferrer Nació en Santiago, Cuba, en 1927-2005, se quedó huérfano a los 12 años y para ganarse la vida hizo de lustra botas hasta vendedor de periódicos. En un club de danza. Dio comienzo a su carrera al inicio de la década del cuarenta tocando en grupos oriundos de Santiago. En la década del cincuenta fue la voz principal de la banda de Pancho Alonso y también cantó para el legendario Beny Moré. Para la época de las sesiones en el club Buena Vista, Ferrer vivía en un deteriorado departamento en la antigua Habana, como muchos de los ancianos participantes en Buena Vista, vivía semi retirado, ocasionalmente lustrando zapatos por dinero.Fuente Wikipedia

    Ibrahim Ferrer biografia

    Ibrahim FerrerIbrahim Ferrer

    Ibrahim FerrerIbrahim Ferrer


    Ibrahim Ferrer Planas (*Santiago de Cuba, 20 de febrero de 1927- † La Habana, 6 de agosto de 2005) fue un cantante de son cubano, de voz pura y suave. Vivió en el casco viejo de La Habana. Era un hombre tímido y sencillo, imbuido en una intensa fe. Alcanzó fama mundial en 1998 con el éxito del proyecto musical Buena Vista Social Club, donde grabó doce de los catorcetemas del disco y tuvo el placer de colaborar con muchos de los intérpretes que siempre admiró, como Omara Portuondo, Rubén González, Compay Segundo, Eliades Ochoa, Barbarito Torres y Guajiro Mirabal. Este disco obtendría un Grammy y un año más tarde grabaría su primer álbum en solitario, Buena Vista Social Club Presents Ibrahim Ferrer. Su segundo disco en solitario, Buenos Hermanos, obtuvo en el 2004 otro Grammy.

    Ferrer nació en Santiago de Cuba, en un baile que se celebraba en un club social, allá por 1927. Su vida fue difícil, casi muere del tétanos y a los 12 años de edad quedó huérfano de madre y padre. Con la necesidad de trabajar, frecuentó más la calle que la escuela, vendiendo caramelos y palomitas de maíz. Sin embargo, Ibrahim Ferrer se aferró a la música como su aliada y a los 14 años formó un grupo junto a su primo para amenizar las fiestas del barrio. Se llamaron los Jóvenes del Son.

    Durante más de dos décadas fue el cantante principal de la orquesta cubana de Pacho Alonso en los años cincuenta. En 1955 participó en un exitoso disco, “El Platanar de Bartola” con la Orquesta de Chepín-Chovén. Se trasladó a La Habana en 1957 y trabajó con la legendaria Orquesta Ritmo Oriental y con el gran Beny Moré, antes de reunirse de nuevo con el grupo Los Bocucos de Pacho Alonso. Hizo giras mundiales con esta banda y con los años, fue ganando seguidores.

    Sin embargo, su nombre siempre quedaba en la sombra, era amado por la audiencia pero no por sus colegas. Perdió el entusiasmo por la música y se retiró en 1991. Se le vio lustrando zapatos en las calles y su antigua casa la cambió por una pequeña pensión donde se encerró retirado del mundo y tristemente de la música.

    Pero en 1997, sus amigos lo convencieron de salir de su retiro y regresar a la música para grabar su debut con la orquesta Afro Cuban All Stars, el álbum A toda Cuba Le Gusta, seguido ese mismo año por su aparición en el Buena Vista Social Club, un álbum fruto del trabajo de Ry Cooder, un reconocido productor musical que viajó a Cuba y le apostó al talento de notables figuras conocidas sólo en la isla como Compay Segundo, Rubén González, e Ibrahim Ferrer.

    Sus discos han sido ganadores de toda suerte de premios -entre ellos dos Grammy-, y sus conciertos han llenado el Carnegie Hall de Nueva York, los estadios europeos y hasta los muy exigentes auditorios japoneses. Esto sin contar la película sobre su historia de 1998.

    Ibrahim Ferrer falleció a los 78 años, en la tarde (hora local) del 6 de agosto del 2005, en un hospital de La Habana.Fuente Wikipedia

    Buena Vista Social Club-Ibrahim Ferrer - Que Bueno Esta!


    Genero: Musica de Cuba, Vocal, Instrumental
    Lanzamiento del CD 2000
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 66.6 Mb/Total time: 39:45

  • Biografia Buena Vista Social Club

  • Biografia Ibrahim Ferrer


  • Tracks
    01-El Platanal de Bartolo
    02-Que Bueno Esta!
    03-Fomento
    04-El Botellero
    05-Rossana
    06-Como la Piel de Canela
    07-Monte Adentro
    08-Un Granito de Arena
    09-Pero Que Suegro
    10-Habana Camilo
    11-El Mecanico
    12-Bodas de Oro
    13-Mi Oriente
    14-El Platanal de Bartolo

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    domingo 5 de abril de 2009

    Carlos Figari Biografia

    Carlos Figari, Raul Beron, Jorge Casal y Anibal Troilo Carlos Figari, Raul Beron, Jorge Casal y Anibal Troilo en 1952

    Carlos Figari(1º de izq. a der.) con el Conjunto Antonio SuredaCarlos Figari(1º de izq. a der.) con el Conjunto Antonio Sureda

    Carlos Figari con el primer Violin: Carlos Arnaiz en 1956Carlos Figari con el primer Violin: Carlos Arnaiz en 1956


    FIGARI, Carlos Alberto. (3 de agosto de 1913 - 22 de octubre de 1994)
    Músico. Pianista.Director. Compositor.
    Nació en el barrio de San Telmo— el 3 de agosto de 1917. Estudió en el Conservatorio Troiani. Se inició profesionalmente muy joven integrando el trío Sureda. Prestó luego su concurso a la orquesta Los Zorros Grises, que dirigía José García y con la cual dejó grabados, para Odeón, algunos trabajos —como el solo de Esta noche de luna— que anunciaban a un intérprete sensible. Colaboró después —en 1943— con Francisco Canaro, ingresando en 1944 a la flamante agrupación de Astor Piazzolla. A partir de 1947, tomó el lugar de José Basso junto a Troilo.
    Pianista de excelente estilo conductor, madura sonoridad y buena pulsación, evidenció su temperamento en versiones como Seíección de tangos de Julio De Caro, Bien milonga, De muy adentro, Cenizas, El Mame, Triunfal, todas grabadas para Víctor y para T.K., con la orquesta de Pichuco. En 1955 se presentó como solista en Radio Spiendid, ofreciendo algunas interpretaciones plenamente logradas como Griseta, de Enrique Delfino. Poco después, desvinculado del conjunto al que había pertenecido por ocho intensos años, formó su propia orquesta. La base de su estilo fue troíliana y quedó expresada en varios trabajos de buena fac- tura instrumental, registrados para la casa Music-Hall, como El buey solo, A la parrilla y Estaño. Posteriormente grabó en Víctor, alternando en esta etapa Enrique Dumas como vocalista de sus versiones cantables.
    Desde 1960 actuó con un cuarteto en radio, discos Víctor, televisión y temporadas teatrales, en Cambalache y en El Viejo Almacén. Compositor de tangos orquestales, ofreció, dentro de una tesitura de corte milonga, A la parrilla y, en un modo más melódico e igualmente logrado, Tecleando. En el plano cantable compuso El piano del bar, Burbujas, Escríbeme, La jauría, Nadie ha de saber. Fuente Horacio Ferrer

    Orquesta Carlos Figari-Selecion de Temas de 1955-1968-Col.Priv.J.F.Orrego


    Genero: Tango, Orquestas de Tango, instrumental, vocal
    Grabaciones originales realizadas entre 1955 y 1968
    MP3-CBR 128kbps-Lame 3.97-Total Size: 83.1 Mb/Total time: 67:43

    Gentileza de Juan Francisco Orrego de Cali, Colombia
    Gracias!!!!!!

  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 01

  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 02

  • Biografia de Carlos Figari

  • Tracks
    01-Edmundo Rivero & Orquesta de Carlos Figari - Escríbeme - 1957
    02-Edmundo Rivero & Orquesta de Carlos Figari - Imperdonable - 1958
    03-Edmundo Rivero & Orquesta de Carlos Figari - Muriéndome De Amor - 1956
    04-Edmundo Rivero & Orquesta de Carlos Figari - Tessa - 1957
    05-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari - Bien Jaleife - 1955
    06-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari - Hasta Siempre Amor - 1958
    07-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari - Por Limosna... No - 1956
    08-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari - Sabrá Dios - 1957
    09-Enrique Dumas & Orquesta de Carlos Figari - Una Carta - 1955
    10-Héctor Omar & Orquesta de Carlos Figari - Jamás Me Olvidarás - 1957
    11-Hector Omar & Orquesta de Carlos Figari - Madre - 1956
    12-Orquesta de Carlos Figari - A La Parrilla - 1955
    13-Orquesta de Carlos Figari - El Buey Solo - 1955
    14-Orquesta de Carlos Figari - Estaño - 1955
    15-Orquesta de Carlos Figari - Fiorentino - 1959
    16-Orquesta de Carlos Figari - Para El Recuerdo - 1959
    17-Orquesta de Carlos Figari - Tanguera - 1957
    18-Ricardo Argentino & Orquesta de Carlos Figari - Amores De Marinero - 1958
    19-Ricardo Argentino & Orquesta de Carlos Figari - Yo Tengo Un Pecado Nuevo - 1958
    20-Tita Merello & Orquesta de Carlos Figari - Apología Del Tango - 1969
    21-Tita Merello & Orquesta de Carlos Figari - Con El Tango En El Alma - 1964
    22-Tita Merello & Orquesta de Carlos Figari - El Que Atrasó El Reloj - 1969
    23-Tita Merello & Orquesta de Carlos Figari - Las doce menos cinco - 1965
    24-Tita Merello & Orquesta de Carlos Figari - Soledad...La De Barracas - 1968
    25-Tita Merello & Orquesta de Carlos Figari - Yo Soy Graciela Oscura - 1964

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    sábado 4 de abril de 2009

    Bill Halley y sus Cometas Biografia

    Bill Haley & His CometsBill Haley & His Comets


    Bill Haley & His CometsBill Haley & His Comets 1974


    Bill Haley (William John Clifton Haley) (pronunciado IPA:[ˈheɪliː], aprox. hey-lii) fue un músico estadounidense, uno de los fundadores del rock and roll. Nació en Highland Park, un barrio de Detroit, el 6 de julio de 1925 y murió en Texas el 9 de febrero de 1981

    Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo "Bill Haley and the Comets", evolucionando desde el country y el rockabilly, así como desde el rithm and blues, especialmente con Crazy Man Crazy (1954) y su gran éxito Rock Around The Clock (1955), una reinterpretación del clásico de Jimmy Myers y Max Freedman, y que ya había sido grabado en 1952 por Sunny Dae & His Nights.

    A diferencia de la mayoría de las grandes estrellas del rock and roll, Bill Haley realizó importantes giras por América Latina que tuvieron una gran influencia en la difusión del nuevo estilo. En 1958 debutó en Buenos Aires (Argentina) y en 1960 en Ciudad de México (Teatro Follies) y el interior, donde fue todo un éxito.

    Grabó varios discos en español durante su estancia en México, con los que comenzó a promover un nuevo ritmo que finalmente desplazaría al Rock & Roll, el Twist, estilo musical que entró pisando fuerte en 1962. Entre sus discos de Twist se encuentran La Paloma y Florida Twist. El Twist, vino a marcar el fin de la era del Rock & Roll original e inalterado (1955 a 1961). En 1964 el grupo británico los Beatles (más la gran ola inglesa que les siguió), vino a desplazar al Twist, o sea que el Twist reinó únicamente por dos años.

    El gran mérito de Bill Haley y sus Cometas[1] es que comenzaron a tocar música de rock unos tres años antes que Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Paul Anka, Fats Domino, Buddy Holly, Chuck Berry, Bo Diddley o The Platters. Resulta difícil determinar quien fue el "Padre" o fundador del Rock & Roll, lo que si se puede asegurar, es que Bill Haley y su banda fueron auténticos pioneros del género.



    Bill Haley y sus Cometas (nombre original Bill Haley & His Comets) fue una banda estadounidense de rock and roll creada en 1952 que continuó hasta la muerte de Haley en 1981. La banda, también fue conocida como Bill Haley and The Comets y Bill Haley's Comets u otras variaciones similares, fue uno de los primeros grupos de músicos blancos en tocar rock and roll atrayendo la atención del público de su país y de todo el mundo hacia ese nuevo estilo musical, de origen afroamericano. El líder del grupo, Bill Haley, había sido previamente un intérprete de música country & western (folklore blanco). Después de grabar en 1951 una versión country del tema "Rocket 88" (una de las canciones consideradas como iniciadoras del rock and roll), cambió su estilo para adoptar el nuevo sonido que terminaría llamándose unos años después rock and roll.

    Si bien varios de los Cometas se volvieron famosos, Bill Haley permaneció como la estrella. Con su rulo sobre la frente y la banda con trajes de etiqueta y su comportamiento enérgico sobre el escenario, fueron considerados en su tiempo tan revolucionarios como Los Beatles o Los Rolling Stones en la década del 60.

    Luego de la muerte de Haley, no menos de seis grupos diferentes se han formado bajo el nombre de Cometas, todos ellos reclamando para sí ser la histórica continuación de aquel que dirigía Haley.

    La banda se inició con el nombre de Bill Haley and the Saddlemen (trad: Bill Haley y los Hombres Montados) (c.1949-1950) y realizaba música country, ocasionalmente con algún aire de blues. Muchas de las grabaciones originales de la banda no fueron lanzadas hasta los años 1970 y 1980, destacándose entre ellas "Rose of My Heart" y "Yodel Your Blues Away".

    Los miembros originales fueron:

    Bill Haley,
    Johnny Grande, piano y acordeón
    Billy Williamson, guitarra acústica.
    A ellos se sumó poco después un bajista, inicialmente [[Al Thompson, puesto que luego fue ocupado sucesivamente por Al Rex y Marshall Lytle.

    En los primeros años grabaron bajo distintos nombres, como Johnny Clifton and His String Band y Reno Browne and Her Buckaroos (pero Reno Browne, una estrella de la época nunca participó del grupo).

    Haley adoptó el naciente estilo del rock and roll al grabar en 1951 una versión del tema "Rocket 88" de Ike Turner, previamente grabado por Jackie Brenston. Al año siguiente grabaron un tema rhythm and blues de los años 40, "Rock the Joint". Ambas canciones (la primera tanto en la versión de Haley como de Brenston) están entre las candidatas a ser consideradas como la primera grabación de rock and roll.

    El nuevo estilo llevó a cambiar el nombre de la banda en 1952, adoptando Bill Haley y sus Cometas debido a la similitud entre el apellido del líder del grupo y el famoso cometa Halley[1]

    Con el nuevo nombre la composición del grupo era: Haley, Grande, Williamson y Lytle. Grande usualmente tocaba el piano en los discos pero en los conciertos optaba por el acordeón, debido a la mayor facilidad para transportarlo. Poco después de renombrar la banda, Haley contrató su primer baterista, Charlie Higler, pronto reemplazado por Dick Boccelli (AKA Dick Richards). Durante este tiempo, la banda no tuvo una primera guitarra permanente, contratando a veces músicos para las grabaciones, o tocando a veces él mismo o Williamson.

    En 1953, Haley tuvo su primer éxito nacional con una canción de su coautoría (con Marshall Lytle) titulada "Crazy Man, Crazy", una frase que Haley dijo oía decir a su público adolescente. "Crazy Man, Crazy" fue la primera canción de rock and roll en ser televisada por una cadena nacional cuando fue utilizada ese mismo año como banda de sonido de un programa de televisión protagonizado por James Dean.

    A comienzos de 1954, Haley sumó a Joey Ambrose como saxo tenor y poco después dejó el sello Essex por el más importante Decca Records de Nueva York. El 12 de abril de 1954, en su primera sesión para el nuevo sello, acompañados por Danny Cedrone en guitarra eléctrica y Billy Gussak en batería (reemplazando a Boccelli), Bill Haley y sus Comets grabaron "Rock Around the Clock". Se trata de el más grande éxito de Haley y una de las canciones más importantes de la historia del rock and roll. Aunque su éxito inicial fue moderado, se estima que se vendieron 25 millones de copias según el Libro Guinness de los récords.

    Inicialmente "Rock Around the Clock" fue un éxito modesto. En su momento fue mucho más importante fue "Shake, Rattle and Roll", grabado a comienzos de 1954, con el que vendieron un millón de copias, anticipando el estallido que la banda protagonizaría al año siguiente.

    A fines de 1954, Haley grabó un nuevo hit, "Dim, Dim The Lights". Estos éxitos impulsaron a algunos DJs, entre ellos Alan Freed, a redescubrir y difundir anteriores grabaciones de la banda, entre ellas "Rock Around the Clock".[2]

    El 25 de marzo de 1955 se estrenó la película Semilla de maldad ("Blackboard Jungle", cuya traducción textual es Jungla de Pizarrones), en la que Bill Haley y sus Cometas interpretan Rock Around the Clock como primera escena. El impacto fue masivo en todo el país: el tema se convirtió en Nº1 en los charts estadounidenses y se mantuvo en ese lugar por ocho semanas. Era la primera canción de rock and roll en hacerlo.

    Los movimientos acrobáticos de Ambrose al tocar el saxo y Lytle montando el contrabajo como si fuera un potro, fueron marcas personales de la banda en sus presentaciones en vivo. A fines de 1954, Haley y sus Cometas aparecieron en un film corto titulado Round Up of Rhythm, tocando tres temas. Se trata de la primera película de rock and roll.

    En 1955, Lytle, Richards y Ambrose abandonaron la banda debido a una disputa salarial y formaron su propio grupo, The Jodimars. Haley contrató nuevos músicos para reemplazarlos: Rudy Pompilli en saxo, Al Rex (quien había estado en los Saddlemen) en contrabajo, y Ralph Jones en batería. Además Franny Beecher, quien había venido siendo primera guitarra en las grabaciones se convirtió en miembro permanente de la banda. Esta integración del grupo se volvió aún más popular y es la que aparece en las películas que se filmaron en esos años.

    Otros éxitos de Los Cometas fueron "See You Later, Alligator", "Don't Knock the Rock", "Rock-a-Beatin' Boogie", "Rudy's Rock" (el primer éxito totalmente instrumental del rock and roll) y "Skinny Minnie".

    En 1956, Bill Haley y sus Cometas tienen importantes roles en dos de las primeras películas de largometraje de rock and roll: Rock Around the Clock y Don't Knock the Rock.

    Bill Haley y sus Cometas comenzaron a ver cierta pérdida de popularidad entre 1956 y 1957, desplazados por la imagen más sexual y salvaje de músicos como Elvis Presley y Little Richard, que comenzaron a dominar las listas de difusión (de todos modos el cover de Haley de "Rip It Up" de Little Richard, superó en ventas a la original).

    Después del éxito de "Skinny Minnie" en 1958 Haley comenzó a encontrar dificultades para alcanzar nuevos éxitos. Ello contrastaba con el éxito internacional de la banda. En la gira por Gran Bretaña de 1957 la banda fue virtualmente asaltada por miles de fans en la Estación Waterloo de Londres, hecho que los medios titularon como La Segunda Batalla de Waterloo. Manifestaciones similares se produjeron en las giras de 1958 por Australia y Argentina.

    En 1960 la banda tuvo su último hit en Estados Unidos, con la versión instrumental de "Skokiaan". A partir de entonces fracasan varios intentos del grupo para reactualizar su presencia, debido a lo cual se volcaron hacia el mercado internacional, donde continuaban siendo una banda líder en las preferencias juveniles.

    En 1961-1962, Bill Haley y sus Cometas (así, con el nombre español que utilizaban en América Latina) firmaron con el sello mexicano Orfeon Records y obtuvieron un inesperado hit con "Twist Español", un tema cantado por la banda en español en ritmo de twist, que se encontraba de moda en ese momento. El single se convirtió en el más vendido de la historia mexicana con "Florida Twist".

    Aunque Chubby Checker y Hank Ballard fueron los creadores de twist, en México y América Latina, Bill Haley y sus Cometas fueron proclamados los Reyes del Twist. Gracias al éxito de "Twist Español" y "Florida Twist", entre otros, la banda se mantuvo al tope de las listas en México y América Latina durante los años siguientes, difundiendo rock and roll en español y con sonoridad latina. Fueron los animadores de una serie de TV llamada 'Orfeon a Go-Go'. Haley, quien hablaba con fluidez el español, grabó varias canciones en español. Incluso hubo cierta experimentación para fusionar ritmos latinos como la balada, "Jimmy Martinez", grabada sin los Cometas.

    En 1966, los Cometas (sin Bill Haley) grabaron un álbum para Orfeon como músicos de sesión de Big Joe Turner, quien siempre fue un ídolo de Haley; sin embargo no realizaron ninguna interpretación conjunta de "Shake, Rattle and Roll".

    En 1967 Haley, sin los Cometas, grabó en Phoenix, Arizona un demo de una canción country llamada "Jealous Heart" acompañado por una banda de mariachis, en un estilo similar a "Jimmy Martinez" y el posterior "Rock on Baby". Ninguna grabación sería lanzada en los siguientes treinta años.

    Para fines de la década del 60 Haley y los Cometas eran considerados viejos. Pese a ello, la popularidad de la banda nunca decayó en Europa, por lo cual el grupo firmó un lucrativo contrato con Sonet Records de Suecia en 1968, donde grabaron una nueva versión del "Rock Around the table" convirtiéndose nuevamente en hit.

    En 1969 en los Estados Unidos, el promotor Richard Nader lanzó una serie de conciertos de revival de rock and roll, con bandas de los años 50 y 60. Uno de los primeros fue Bill Haley, en el Madison Square Garden de Nueva York, donde recibió una ovación de ocho minutos y medio con el público de pie. Unas semanas después grabaron el álbum en vivo Bill Haley's Scrapbook, en el club Bitter End de Nueva York.

    Después de 1974 Haley tuvo problemas de impuestos en Estados Unidos, que lo llevaron a actuar sólo en Europa y a realizar una gira por America del Sur en 1975. En 1974, la versión original del "Rock Around the Clock" volvió a ser hit en Estados Unidos debido a su inclusión en las películas American Graffiti y Happy Days.

    En febrero de 1976, el saxofonista de Haley y su mejor amigo, Rudy Pompilli, murió de cancer después de dos décadas de carrera con los Cometas. Haley continó realizando giras durante el año siguiente pero su popularidad comenzó a decaer nuevamente y su presentación en Londres de 1976 performance recibió malas críticas de los medios. Ese año el grupo grabó un nuevo álbum, R-O-C-K. En 1977 Haley anunció su retiro y se radicó en México. De acuerdo con su biógrafo John Swenson, Haley tenía un pacto con Pompilli por el que si uno moría el otro se retiraría.

    Los Cometas por su parte continuaron con sus presentaciones. En 1979, Haley fue persuadidol para volver a tocar en una gira europea, y para ello renovó casi completamente a los Cometas, la mayoría británicos. Haley apareció en muchos shows de TV y en la elícula 'Blue Suede Shoes', filmada durante uno de sus conciertos en Londres en marzo de 1979. Durante la gira Haley grabó varios tracks que se incluirían a fin de año en el álbum Everyone Can Rock & Roll, el último suyo con grabaciones originales antes de morir.

    En noviembre de 1979, Haley y los Cometas tocaron para la reina Isabel II, momento que él consideró de de mayor orgullo de su vida. Fue su última presentación en Europa.

    En 1980 la banda realizó una gira por Sudáfrica pero la salud de Haley ya era débil y le fue diagnosticado un tumor cerebral. La gira fue muy cuestionada por los medios pero sus grabaciones en Johannesburg lo muestran animado y con una buena voz.

    Haley canceló varias presentaciones y volvió a su casa de Harlingen, Texas donde murió mientras dormía como consecuencia de un infarto el 9 de febrero de 1981.

    Dos meses después Bill Haley & sus Cometas volvieron a ubicarse en los charts británicos con "Haley's Golden Medley", un single en 45 con un compilado de sus éxitos, que llegó al puesto 50 pero no fue lanzado en Estados Unidos.

    En 1987, Bill Haley fue incluido en el Salón de la Fama del Rock. En aquella época las bandas de soporte no eran incluidas. Esa política cambió luego y también se ha solicitado la inclusión de los Cometas. Bill Haley y sus Cometas han sido incluidos también en el Salón de la Fama del Rockabilly. En julio de 2005 los miembros sobrevivientes de los Cometas originales representaron a Haley cuando Bill Haley y sus Cometas fueron incluidos en el Hollywood RockWalk, una ceremonia en la que también estuvieron presentes su segunda esposa y su hija menor. Los Cometas grabaron las palmas de sus manos en cemento y se dejó un espacio en blanco para Haley.

    Los Cometas [editar]Más de 100 músicos tocaron con Bill Haley & sus Cometas entre 1952 y la muerte de Haley en 1981. Muchos de ellos se hicieron favoritos de los fans.[3] Varias intentos de reorganizar a los Cometas fueron intentadas en la década del 80, incluyendo una organizada por Joey Welz, quien formó parte de la banda brevemente en los años 60 y otra organizada por un imitador de Elvis Presley llamado Joey Rand (este grupo perdió luego un juicio sobre el derecho a usar el nombre de Cometas).

    En 1987, músicos que tocaron con Haley en 1954-1955 formaron Los Cometas y aún siguen realizando presentaciones. Han grabado media docena de álbums para pequeños sellos en Europa y Estados Unidos. Este grupo se ha presentado también como Bill Haley's Original Comets (Los Cometas Originales de Bill Haley), y en algunos casos, cuando el uso de la denominación "Cometas" se encuentra en disputa, como A Tribute to Bill Haley (Un Tributo a Bill Halley) y The Original Band (La Banda Original). La integración básica de este grupo desde 1987 a mayo de 2006 es Marshall Lytle (bajo), Joey Ambrose (saxo), Johnny Grande (piano), Dick Richards (batería) y Franny Beecher (guitarra). El cantante británico Jacko Buddin acompaña al grupo durante las giras europeas, mientras que Lytle se encarga de cantar en Norteamérica.

    Otros dos grupos reclaman para sí el nombre de Bill Haley's Comets y han realizado extensas giras por Estados Unidos de los años 80. Uno de ellos está liderado or John "Bam-Bam" Lane, baterista de la banda entre 1965-68. El otro está encabezado por Al Rappa, quien tocó el bajo con Haley intermitentemente entre 1959 y 1969. Ambos reclaman el mismo nombre. Este conflicto se remonta a la época en la que ambos estaban juntos y ganaron el juicio contra Joey Rand en 1989.

    En marzo y julio de 2005, el ya mencionado grupo Los Cometas, integrado por miembros de la banda de 1954-55, realizarn importantes conciertos en Nueva York y Los Ángeles organizados por Martin Lewis como parte de las celebraciones por el 50º aniversario del rock and roll con motivo respectivamente de la proyección de la película Blackboard Jungle (Semilla de maldad), y del éxito de "Rock Around the Clock" llegando asl top del ranking. El 6 de julio de 2005, durante un concierto en Hollywood, The Comets fueron acompañados en el escenario en una canción por Gina Haley, la hija menor de Bill Haley y en marzo fueron acompañados por John W. Haley, el hijo mayor de Haley.

    El 2 de junio de 2006 murió Johnny Grande, teclista de los Cometas originales (1954-55) y fundador de la banda. Poco después Franny Beecher, el guitarrista, con 85 años, anunció su retiro. Los tres Cometas restantes (Lytle, Richards y Ambrose) continuan con la banda.

    El 18 de febrero de 2007 murió John "Bam-Bam" Lane pero su grupo los Bill Haley's Comets se espera que seguirán actuando. Fuente Wikipedia

    Bill Haley & His Comets - The Decca Years vol 01 - 1954-1956



    Genero: Rock,oldies,vocal instrumental
    Grabaciones originales entre los años 1954-1956
    Llevado a CD en 1990
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 73.4 Mb/Total time: 72:34

  • Biografia de Bill Halley y sus Cometas

  • Tracks
    01-Rock Around The Clock
    02-Thriteen Women
    03-Shake, Rattle And Roll
    04-A.B.C. Boogie
    05-Happy Baby
    06-Dim, Dim The Lights
    07-Birth Of The Boogie
    08-Mambo Rock
    09-Two Hound Dogs
    10-Razzle Dazzle
    11-R-O-C-K
    12-Rock-A-Beatin' Boogie
    13-The Saints Rock And Roll
    14-Burh That Candle
    15-See You Later, Alligator
    16-The Paper Boy (On Main Street
    17-Goofin' Around
    18-Rudy's Rock
    19-Hide The Seek
    20-Hey Then, There Now
    21-Tonight's The Night
    22-Hook, Line And Sinker
    23-Blue Home Blues
    24-Calling All Comets
    25-Choo Choo Ch' Boogie
    26-A Rockin' Little Tune
    27-Hot Dog Buddy Buddy
    28-Rockin' Through The Rye

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    viernes 3 de abril de 2009

    Azucena Maizani. Biografia

    Azucena Maizani en 1936Azucena Maizani en 1936 en la pieza Boite Rusa en el Teatro Liceo, reemplazando a Libertad Lamarque


    Azucena Maizani en 1925Azucena Maizani en 1925 en los primeros de años de la radiotelefonia

    Azucena Maizani en 1923Azucena Maizani en 1923 cuando la llamaban Azabache

    Azucena MaizaniAzucena Maizani en los ultimos año de su carrera en Patio de Tango


    MAIZANI, Azucena. Cancionista. Compositora. Acaso la más popular de las intérpretes femeninas del tango. Dueña de una voz sensitiva, de equilibrado vibrato y de un rico temperamento demarcó una época, creó un estilo vocal inconfundible que acompañó con la emoción propia de su presencia, capaz de llenar —por sí sola— un espectáculo.
    Nació en Buenos Aires, en el hospital Rivadavia del barrio de Palermo el 17 de noviembre de 1902. Desde 1907 hasta 1917 residió junto a suspadres en la Isla de Martín García. Trabajó luego en un taller de modas, siendo llamada por su atractiva belleza, morena y criolla para el rodaje de algunas películas mudas. Debutó en 1920 como cancionista acompañada por la or-questa de Francisco Canaro en la sala del cabaret Pigall. Allí el mencionado director la bautizó "Azabache", recogiendo en el seudónimo el llamativo rasgo físico de su renegrida cabellera. Poco después intervino como partiquina en las representaciones que la compañía de César Ratti realizaba en el Teatro Apolo en el saínete con cantables de Manuel Romero El Rey del Cabaret. Y ya presentada como figura alcanzó su espaldarazo el 23 de junio de 1923 cantando el tango de Vaccarezza y Delfino Padre nuestro en la pieza A Mí no me Hablen de Penas, estrenada en el escenario del Nacional. Casi simultáneamente fue presentada en las transmisiones que Radio Cultura realizaba desde sus estudios en Palermo. En 1924 grabó su primer disco para Odeón, Padre nuestro y Yo tuve un cariñito. Continuó su trayectoria como figura del teatro revisteril desde cuyos escenarios alcanzó a imponer muchos tangos confiados a su voz para el estreno, entre ellos Esta noche me emborracho y Malevaje de Discepolín, quien encontró en la cancionista el comienzo de su triunfo como compositor y como letrista de nueva sensibilidad. En 1931 realizó una larga gira artística por España acompañada por Roberto Zerrillo, Oreste Cúffaro y Joaquín Mora. A su regreso tomó parte en el rodaje de las películas argentinas Tango(1933), Monte Criollo (1935) y Nativa(1939). Hacia 1938 secundada esta vez por los músicos Francisco Tróppoli, Domingo Várela Conté y Enrique Del Puerto, emprendió otra extensa actuación en el exterior, abarcando todos los países del Pacífico hasta llegar a Cuba y a Norteamérica. Su clásico "slogan" "La Ñata Gaucha", fue idea de Libertad Lamarque en 1935. Grabó sus versiones en los sellos Victor, Brunswick y Odeón. Le pertenece además la música de los tangos Déjame entrar, hermano; Aguas tristes; En esta soledad; Por qué se fue; Volvé negro, y dos de extendido suceso a través de los años: La canción de Buenos Aires y Pero yo sé. Fuente Horacio Ferrer

    Azucena Maizani - La Ñata Gaucha-1928-1931Remasterizado en Suiza en1991


    Genero: Tango, Cantantes, Vocal Instrumental
    Grabaciones originales entre 1928 y 1931
    Llevado a CD en 1991
    Nivel: Bandoneon
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 58.7 Mb/Total time: 49:51

    Personal
    Piano: Orestes Cufaro
    Violin: Roberto Zerrillo
    Guitarra: Manuel Parada
    Voz: Azucena Maizani

  • Biografia de Azucena Maizani

  • Tracks
    01-Marioneta
    02-Pero Yo Sé
    03-Portero Suba y Dígale
    04-Alma en Pena
    05-Malevaje
    06-Amigazo
    07-Copa de Ajenjo
    08-Pensalo Mucho
    09-En esta Soledad
    10-Lejos de mi Tierra
    11-No sé por que te Quiero Tanto
    12-Nuestra Cita
    13-Descreída
    14-Liberata
    15-Usted Sabe Señor Juez
    16-Amanece
    17-No Salgas de tu Barrio
    18-Llévatelo Todo
    19-Monte Criollo
    20-Pero Yo Sé

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    jueves 2 de abril de 2009

    Antonello Venditti Biografia

    Antonello VendittiAntonello Venditti

    Antonello VendittiAntonello Venditti


    Nacido en Roma ( bajo el signo de Piscis ) el 8 de Marzo de 1949, Antonello Venditti se introduce en el mundo musical de muy joven, por la influencia de su madre. En su primer periodo musical, se dedica basicamente a aprender piano. Al poco tiempo empieza ya a escibir canciones, la primera de la cual es "Sora Rosa",
    se la presenta a sus amigos del Folkstudio - el prestigioso encuentro romano del entonces naciente circuito " folk-impegnato giovanile " - Giorgio Lo Cascio y Francesco De Gregori. Con ellos Venditti empieza a actuar en público y hace su primera gira en concieto y con Francesco De Gregori, da una idea al discografico Vincenzo Micocci, con el que firma un contrato estable y realiza el album THRORIUS CAMPUS (1971). Tras las primeras canciones de Venditti presenta su nuevo album con dos clasicas como "Ciao Uomo" y "Roma Capoccia", otra naturalmente es " Sora Rosa", esta últimas dos escritas en dialecto romanesco.

    Con el exito de "Roma Capoccia", Antonello Venditti se traslada a Milan para componer su primer album como solista, L'ORSO BRUNO (1973). Realizado con la colaboración de Vince Tempera, el disco contiene ahora una canción en dialecto ("E Li Ponti So' ") por el resto denota una fuerte atención a lo social. Efectua el primer cambio de sello de su carrera, que lo lleva de IT a RCA, en aquellos momentos sede de todos los cantoautores más innovadores de la escena musical italiana. En la RCA Venditti realiza en dos dias y dos noches uno de sus mejores albums, LE COSE DELLA VITA(1973, RCA), que toma el titulo de una de sus más bellas canciones. Es un album intimista por su contenido, gracias a canciones como "Mio Padre Ha Un Buco In Gola" y "Brucia Roma"), un ejemplo apasionado y sincero del modo de ser del cantoautor. A este disco sigue otro mucho más dificil y poco reconocido como QUANDO VERRA' NATALE (1974, RCA), a pesar de la presencia de buenas canciones como"Campo De' Fiori", "A Cristo ", "Marta".

    En este año Venditti publica otra canción que sera crucial para su carrera, se trata de "Roma". Para su nuevo album, intenta introducir nuevos aspectos al igual que en el año sucesivo, cuando Venditti compone LILLY(1975, RCA), disco muy afortunado que llega a número uno y que toca el tema de las drogas en una canción, y en otras temas de contenido clasico como "Compagno Di Scuola" y "Lo Stambecco Ferito ", esta última con una compleja y arriesgada y ambiciosa parte instrumental.

    Era un año politicamente hablando muy activo y Antonello Venditti, con una de sus canciones "Lilly" que es una canción que habla de las drogas, volverá a ser un motivo de acusación social, cuando en 1976, el ICMESA de Seveso reconoce una fuga de un gas altamente toxico, el desastre ecológico y la tragedia humana provoca en Venditti una reacción que finalmente plasma en ULLALLA', en un album que toca estos temas con canciones desesperadas como "Canzone Per Seveso", "Maria Maddalena"," Nostra Signora Di Lourdes", "Jodi E La Scimmietta", "Una Stupida e Lurida Storia d'Amore". El album citado, lo desplaza de la RCA e inagura un periodo de replanteamineto artístico y de silencio tras muchas críticas y problemas.

    El retorno a la escena discografica llega con un nuevo contrato discografico y un nuevo album SOTTO IL SEGNO DEI PESCI (1978, Philips), que lo lleva a volver a vender mucho. Fruto de este periodo de transición se gesta una nueva fase artistica para Venditti, herido por la crítica política vuelve intencionadamente a realizar canciones de tono más personal y laico. El album contien canciones como "Sara", "Giulia" y " Bomba o Non Bomba", una metafora polemica sobre el dificil proceso hecho a los nuevos cantoautores a la conquista de la propia credibilidad y sobretodo a la " title-track ". El éxito de este último album hace entrar a Venditti en una fase delicadamente super romantica que se acabará con la separación de Antonello Venditti y de Simona Izzo y de su hijo Francesco Saverio, que se ira con su madre.

    BUONA DOMENICA (1979, Philips) es un album que repecta este momento de trabajo personal con canciones de amor como "Donna In Bottiglia" y "Stai Con Me", con canciones que daran nombre al album y "Modena", una de las mejores de siempre. En 1982, todavia pensando en su hijo Francesco Saverio ( como en todo el album de ULLALLA' ), llega su album SOTTO LA PIOGGIA (1982, Heinz), album que será debut del sello discografico de su propiedad, la Heinz Music, con una buena relación con el productor Alessandro Colombini que dura hasta ahora. Es un album oscuro, amargo y refleja el pensamiento de la crisis de valores y el presagio incierto que será el inicio del nuevo decenio, canciones como "Le Ragazze Di Monaco","Torino", "Sotto la Pioggia", "Stukas " son solo algunas canciones de un album que convoca un gran exito de público, como una estupenda balada "Dimmelo Tu Cos'è". Albumes como SOTTO IL SEGNO DEL PESCI , BUONA DOMENICA, SOTTO LA PIOGGIA hacen que Venditti goce de una popularidad como nunca había tenido, aumentada ahún más en 1.983, cuando La Roma gana el campeonato de liga y toda la ciudad festeja el acontecimiento en el concieto gratuito que Venditti da en el Circo Massimo. De esta increible exibición hace conseguir un record italiano en un concieto en vivo. Aqui nace su primer " live " importante de su carrera. CIRCO MASSIMO (1983, Heinz), contiene un espléndido inedito, "Grazie Roma", canción a su equipo del corazón, que acabará adoptandolo como himno oficial.

    Al siguiente año llega para los fans de Venditti CUORE(1984, Heinz) , album precedido del acontecimiento "Ci Vorrebbe Un Amico" y " Notte Prima Degli Esami", "L'Ottimista" y "Non è La Cocaina". A este prosigue SOTTO LA PIOGGIA, con arreglos modernos, ritmicos y canciones apasionadas e instintivas. Festejando este periodo de gran exito de su directo, realiza otro directo, CENTOCITTA'(1985, Heinz), registrado de nuevo en el Circo Massimo y con un solo de piano.

    Después una colaboración en un film de Carlo Verdone "Troppo Forte"y un nuevo album de estudio. VENDITTI E SEGRETI (1986, Heinz), un disco con recopilación de sonidos más orientales electrónicos y rockeros como la canción "Rocky, Rambo e Sting" y "Questa Insostenibile Leggerezza Dell'Essere" no falto de recuerdos escolares "Giulio Cesare") con precedente de "Compagno Di Scuola" y "Notte Prima Degli Esami"), además de canciones de amor como "Settembre" y " C'è Un Cuore Che Batte (Nel Cuore Di Roma)".Este es globalmente uno de sus mejore albums de toda su carrera. El discurso musical sigue con un album muy afortunado,IN QUESTO MONDO DI LADRI (1988, Heinz), que contiene, otro title-track, otro clásico de Venditti, " Ricordati Di Me", "21 Modi Per Dirti Ti Amo" y "Correndo Correndo ".El afortunado decenio se cierra con una recopilación GLI ANNI '80 (1990, Heinz).

    Venditti no para y vuelve a escena con BENVENUTI IN PARADISO (1991, Heinz), album que prolonga su ya largo éxito de sus albumes precedentes, vendiendo otro millón de copias, con singles como "Dolce Enrico", ( en recuerdo a Enrico Berlinguer ) "Dimmi Che Credi", "Alta Marea" (cover di "Don't Dream It 's Over" dei Crowded House) e "Amici Mai", otra estupenda canción de amor.

    DA SANSIRO A SAMARCANDA - L'AMORE INSEGNA AGLI UOMINI(1992, Heinz) es un nuevo "live" en donde aparece el nombre de Samarcanda ( título del programa de TV de Michele Santoro en el que Venditti interviene con gran participación ). Otra muestra de celebración de un decenio de tours y conciertos."L'Amore Insegna Agli Uomini" es el título del único tema inedito del album doble. Una balada de amor y esperanza para el futuro.
    Pasan tres años de silencio artistico, la más larga temporada de descanso para Antonello. Un nuevo album de estudio PRENDILO TU QUESTO FRUTTO AMARO(1995, Heinz) con la consiguiente gira. Se editan varios singles como "Ogni Volta", su mejor canción de amor ( extraordinaria ), "Eroi Minori", "1000 Figli" y la potente "Tutti All'Inferno ".
    Para Antonello es ora de reaalizar un sueño de hace mucho tiempo, tocar acompañado de la orquesta sinfónica, nace asi ANTONELLO NEL PAESE DELLE MERAVIGLIE (1997, Heinz) , la orchesta no es otra que la " Bulgarian Simphony Orchestra de Sofia ", dirigida por el maestro Renato Serio.
    Se abre un periodo de profunda reflexión e intuición para el artista romano, en el que escribe con gran velocidad nuevas canciones para su nuevo album, grabado y mezclado con un nuevo equipo de trabajo pero con Alessandro Colombini.
    El 24 de Septiembre de 1.999 aparece el último de los discos publicados de Antonello GOODBYE N9VECENTO, un album que afronta la principal temática de fines del milenio. En 1.996 publicado por la discográfica EDEL MUSIC, S.A. aparece su primer CD ediatado en España y con 11 canciones interpretadas en castellano. Un disco extraordinario donde se encuentran algunas de sus mejores canciones entre las cuales destaca " Cada Instante " ( Ogli volta ), " Bienvenido al paraiso ", " Necesito un amigo ", " El cumpleaños de Cristina ", etc.. Fuente www.racocatala.cat/feelingsoft/antonello/biogr.html

    Antonello Venditti - Gli anni '80



    Genero: Musica italiana, pop, cantores
    Lanzamiento CD 1990
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 74.9 Mb/Total time: 51:15


  • Biografia de Antonello Venditti


  • Tracks
    01-Notte prima degli esami
    02-Dimmelo tu cos'é
    03-Qui
    04-Ci vorrebbe un amico
    05-Giulio Cesare
    06-Peppino
    07-Ricordati di me
    08-Segreti
    09-C'é un cuore che batte nel cuo
    10-Settembre
    11-Piero e Cinzia
    12-Stella

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    miércoles 1 de abril de 2009

    Juan Carlos Caviello: Biografia

    Juan Carlos CavielloJuan Carlos Caviello

    Juan Carlos CavielloJuan Carlos Caviello

    Juan Carlos CavielloJuan Carlos Caviello


    Juan Carlos Caviello, nació en Quilmes, Provincia de Buenos Aires y creció en Capital Federal, donde vive hasta la fecha. Comenzó sus estudiós de bandoneón a los siete años y a los pocos meses ya tocaba en público. Es de esa época el origen de su apodo que entre muchos conocidos conserva hasta hoy. Fue llamado "el pibe del bandoneón" y de allí simplemente "el pibe".
    Integró la Orquesta de Roberto Firpo y luego el famoso Cuarteto. Cuando Firpo deja definitivamente la actividad profesional forma su propia agrupación: el "Cuarteto de Oro" y es con este grupo que desarrolla una actividad muy importante.
    Es autor de numerosas composiciónes y tiene en su haber gran cantidad de grabaciones, El vals de los pajaros, De hacha y tiza, Un baile a beneficio (La podrida)
    En los últimos años realizó grabaciones a dúo con el mismo a dos bandoneones asi como grabaciones en conjuntos instrumentales
    En el año 2003 la familia fue declarada ilustre del Barrio de Nueva Pompeya.
    Fuente biografica y fotos: web de Mirta Caviello en homenaje a su padre. www.mirtacaviello.com.ar
    Año 2003

    Cassette Juan Cambareri y Juan Carlos Caviello - Yo soy de Mataderos-1984



    Genero: Tango, Orquestas de tango, Cuartetos, duo de bandoneones
    Cassette grabado en Music Hall en 1984
    MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size:54.3 Mb/Total time: 32:24

    Gentileza de Alessandro, Roma, Italia
    Gracias!!!!!!!

  • Biografia Juan Cambareri

  • Biografia Juan Carlos Caviello


  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 01

  • Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 02

  • Tracks
    01-Orquesta Cambareri y Caviello****Terron de cemento-Hector Berardi
    02-Juan Cambareri y su cuarteto****Ivette-Instrumental
    03-Duo de Bandoneones Cambareri y Caviello****El Choclo-Instrumental
    04-Orquesta Cambareri y Caviello****La puse parda-Gomez Soler
    05-Juan Cambareri y su Cuarteto****Bar Exposicion-Instrumental
    06-Orquesta Cambareri y Caviello****Con la luna frente al mar-Beatriz Alonso y Alberto Fontalba
    07-Orquesta Cambareri y Caviello****La cruz del pecado-Rodolfo Benitez
    08-Juan Cambareri y su Cuarteto****Buen Amigo -Instrumental
    09-Duo de bandoneones Cambareri y Caviello****Recuerdo-Instrumental
    10-Orquesta Cambareri y Caviello****Yo soy de Mataderos-Hector Berardi
    11-Juan Cambareri y su Cuarteto****Epoca de Oro-Instrumental
    12-Orquesta Cambareri y Caviello****Gracias, gracias amor mio-Canto y guitarras Hnos. Rivas

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