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Claudio Villa Biografia

Claudio Villa

Claudio Villa con Peter Piccini

Claudio Villa con Peter Piccini

Claudio Villa traduccion automatica del Italiano al Español

Claudio Villa, alias Claudio Pica (Roma, 1 de enero de 1926 - Padua, 7 de febrero de 1987) fue un cantante y actor italiano. Fue apodado El reccio, por su temperamento fuerte y orgulloso

Trasteverino della Lungara Street (la calle donde la cárcel romana de Regina Coeli) y muy caro ciudades all'anima populares, (en los años 50 vivió en Tittoni Angel (siempre en Trastevere), luego fue capaz de comprar, tan pronto como le permitieron sus finanzas, un nuevo apartamento en Monteverde en Folco Portinari.Di modesta familia, el padre era un cochero, su madre (el "Sora Ulpia") ama de casa, tiene junto con Domenico Modugno récord de victorias en el Festival Sanremo en 1955, con tristeza Buongiorno, 1957, con las cuerdas de mi guitarra, de 1962, con Adiós, adiós ..., y 1967, con No me crees

La primera Canoro en que el ganador con la canción "Chitarratella" un gran éxito de Carlo Buti, Claudio que le siguió. Es el mismo que Claudio se ha declarado en repetidas ocasiones que Buti era su ídolo. El reuccio en su carrera, ha grabado muchas canciones que forman parte del repertorio butiano.

En 1946, participó por primera vez, algunos locales de radio de la RAI de Roma.

En 1947, para el sello Parlophone, teniendo su primer álbum que contiene "Serenatella dulce y amarga" y "Canzoncella". 78 vueltas C-8134 es uno de los más buscados por los coleccionistas.

En 1952 se casó con la actriz Miranda Bonansea que le dará el primer hijo Mauro, el matrimonio no después de 10 años.

En 1952, interpreta "Serenata amara", su primer actuacion en cine, dirigida por Pino Mercanti. En su carrera como actor cuenta con unas treintena de películas: casi todo el mundo, sólo una excusa para cantar o ejecuciones. Las películas van desde la commedia italiano (El agujero de la banda, la Fontana di Trevi) a las historias de amor strappalacrime (canción prohibida, Primera aplausos).

El papel que más le gustaba, era que el artista Mario Valli, jugado en "Adiós Granada" (1966) por Marino Girolami. Las dos últimas películas de Claudio Villa fueron directas, en fin, de Maurizio Costanzo, (la única prueba de su película) y Renzo Arbore.
En 1962 participa con Despedida Despedida all'Eurofestival clasificado como noveno en 1967 con No vaya más lejos llega undécimo en la misma competencia.

También ganó dos ediciones de Canzonissima en 1964 con "O sole mio y con Granada en 1966 y en 1963 el Festival di Napoli con Jammo JA" con María de París, mientras que en 1965 es semifinalista en su segundo año de un disco para el verano con Sifolina , una de sus canciones menos conocidas, sino también para la Exposición Internacional de Música de Venecia luz unos meses más tarde.

En 1966 el nacimiento de una hija, Manuela, de una relación con la bailarína y Noemí Garofalo, de la que tuvo 6 años antes de que otro hijo, también llamado Claudio. El cantante no reconocio jamás a estos niños fuera del matrimonio. Manuela Garofalo, que más tarde se convirtió en la cantante con el nombre de arte Villa Manuela, sólo después de su muerte el nombre de Pica, el verdadero apellido de Claudio Villa despues de una acción legal para actuar y demostrar su paternidad.
Claudio Villa, con una voz de tenor del molde, no se renovará después de esa hora en el registro para cambiar los tiempos y las modas. En particular, seguirá estando para siempre ligada a la canción más melódica del molde típico y popular en la década del'50. Son casi la proverbial amargos enfrentamientos con los que criticó a su repertorio. Cada año el Festival de Sanremo en escena una flagrante cierta polémica con la organización y la prensa, tanto si se encontraban entre los participantes, sean excluidos. Claudio Villa, pero siempre puede contar sull'affetto de la gran opinión pública, que siguieron cada movimiento de su carrera. Sus conciertos siempre tuvo el todos contra todos.

En 1973 fue anfitrión de "Dove sta Zaza", programa presentado por el famoso Enrico Montesano y Gabriella Ferri. Con el cantante romano, su gran admirador y amigo, interpeta a pesar de la Starling, se mantuvo en la historia de la canción y la televisión italiana.

Fundada en 1976 en Roma y su hijo Mauro, una radio privada, Radio Sidney, y lleva a cabo personalmente por varios años un programa denominado Socialmente por Claudio Villa.

En 1980, Rai, tiene un gran programa para el éxito: Concerto Italiano, una serie de actuaciones en directo que recorre la historia de la canción y su éxito. La orquesta está dirigida por el maestro Ciangherotti. El símbolo del programa es "Cuando es el momento para el amor".

En 1981, tras una redada ordenada por el magistrado Gherardo Colombo y Giuliano Turone en "Villa Wanda" de Licio Gelli, se encontró una lista de la P2. Entre los 932 inscritos, estaba el nombre de Claudio Villa.

Es interesante observar que incluso Claudio Villa, además de rivales Tajoli Luciano, interpretado en los años 50 cientos de canciones caído en el olvido, pero un gran interés entre los que cabe destacar: "El Puente" "La luna en el río" y "Fontane Romane "grabado en la etiqueta de Vis Radio.

Claudio Villa inicialmente bajo la dirección del Maestro Vigil Piubeni el acta labrada Carisch varios discos para el sello Parlophone / Carisch y luego, después de algunos años, grabado como otros éxitos "Luna Rossa" o "retorno" a la etiqueta de Vis radio; successivamenteClaudio Villa cortar el disco a su CETRA (que más tarde se convirtió en Fonit-CETRA).

El anuncio de su muerte en Padua, donde había ido a trabajar para llegar al corazón, ya que es en directo por televisión por Pippo Baudo, durante la última noche del Festival de Sanremo en 1987, causando gran conmoción entre los presentes.
Su cuerpo fue cremado y sus cenizas se depositan en el cementerio de San Sebastián Rocca di Papa

En 2007, durante veinte años de su muerte, en Roma, está organizado, un gran evento (Viva Villa), con numerosos invitados, entre ellos, e incluso Gianni Morandi Gigi Proietti. Fuente Wikipedia en Italiano

Claudio Villa - Mamma

Genero: Canciones napolitanas, Cantores, musical, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 70.1 Mb/Total time: 45:41

Tracks

01-Mamma
02-Non Ti Scordar Di Me
03-Valzer Dell 'Allegria
04-Balocchi E Profumi
05-Albaspina
06-Piccola Butterfly
07-Rosso Di Sera
08-Non Pensare A Me
09-Rondinella Forestiera
10-Un Garofano Rosso
11-Madonnella Del Torente
12-La Vita E Bella
13-Letterine Del Soldato
14-Serenate Dei Miei Sogni

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Paulina Fain Biografia

Paulina Fain

Paulina Fain

Egresada de la Escuela de Música Popular de Avellaneda en el año 1996 en la Carrera de Flauta-Tango. En dicha institución, integró la Orquesta de Tango
de la E.M.P.A. como Primera Flauta por 4 años, hasta que egresó.
Estudió armonía, orquestación y composición con Rodolfo Mederos, con Pedro Aguilar y con Laura Baade. Flauta (en forma particular) con Raúl Del Castillo.

Desde el comienzo de su carrera como música, llevó adelantesus propios grupos realizando conciertos en su país y en el exterior.

En 2004 formó el Dúo Fain-Mantega junto al pianista Exequiel Mantega.
Con dicho dúo realiza una intensa actividad de conciertos en el ámbito internacional (100 conciertos en el período de 2 años), y continúa realizando
una o dos giras cada año a Europa.
El Dúo Fain-Mantega ha grabado hasta la fecha dos discos:
"+ Tango" (2006) y "Secretos en Reunión" (2008)
Junto a Exequiel Mantega, compuso la música completa (90 minutos)
y original del espectáculo "Estación: Tango!" que se estrenó en Suiza
y Alemania en 2007.


Anteriormente, formó los grupos:

"Tango Desatado" (2003)
Cuarteto con bandoneón, guitarra, flauta y contrabajo, para el cual escribió y dirigió toda la música, con estilo bailable. Con dicho grupo realizó 2 giras europeas (2004-2005) y grabó el disco "Tango Desatado". Decidió disolver el cuarteto a fines de 2005.

Dúo de Tango "Las Pibas"(1999)
Junto a la pianista Analía Goldberg, con quien grabó en 2001 el Cd titulado "Las Pibas". En 2002 realizó dos giras Europeas. El dúo se disolvió en 2003.

"D'Coté" (cuarteto de saxos)
En 2001 y luego el 2004, realizó dos giras con el cuarteto de Saxos “D´Coté” (tango tocado con saxos) por 15 ciudades de Europa (Alemania, Holanda, Suiza) tocando Saxo Tenor.

"Tangata Rea" (quinteto)
Fundó el Quinteto Tangata Rea en 1994. Dicho grupo fue pionero de la nueva generación de músicos que hoy tocan el nuevo tango. Con dicho grupo realizó dos Giras por USA y una gira de 2 meses en Europa (1998-1999)
El Sello Discográfico Alemán Winter & Winter produjo y editó internacionalmente el CD del grupo llamado "Alla baila", que lleva vendidas mas de 10.000 copias en todo el mundo. El grupo se disolvió en 1999.



El camino con la flauta y el tango

Dado que la flauta traversa tuvo su gran presencia sólo en los principios de la historia del tango (en la época llamada "La guardia vieja"), no existían referencias en cuanto a "cómo tocar la flauta-tango" luego de la evolución del género a través del tiempo.
Para su formación, Paulina Fain fue tomando el modo de articular y de decir de los diferentes instrumentos de la orquesta típica (el bandoneón, los violines, el piano, el contrabajo)

Para poder transferir esta manera de expresión a la flauta traversa, exploró por su propia cuenta y desarrolló luego, una metodología por la cual es posible que la flauta suene con la articulación necesaria para estar en estilo. Luego de varios años, escribió el libro didáctico llamado "La flauta en el tango" que será editado en Europa, USA y Asia por la Editorial "Ricordi" de Alemania en 2010.

Como parte de su labor docente, dicta asiduamente Masterclases de "La Flauta en el Tango" en Buenos Aires y ciudades del interior del país.
Diseñó además el seminario llamado "El Lenguaje del Tango" destinado a los músicos que desean adquirir los principales elementos del lenguaje del Tango: Articulaciones, fraseos, modelos de acompañamiento , funciones en el ensamble, interpretación propia.
Estos seminarios son dictados con asiduidad en el exterior en conservatorios
e instituciones musicales.
Dicho workshop ha sido dictado en Dresden, Schwerin, Grevenmacher, Leipzig (Alemania) y Milán (Italia) En 2007 el seminario fue dictado especialmente para miembros de la Orquesta Filarmónica de Dresden.

Actualmente enseña en su estudio de Buenos Aires, clases de flauta traversa
y especialmente enseña "Flauta -Tango"

Pueden encontrarse referencias de su actividad como flautista
en "El Libro de Oro del Tango" (Horacio Ferrer) Fuente Web de Paulina Fain

Analía Goldberg Biografia

Analía Goldberg

Analía Goldberg

Nacio en Buenos Aires el 17 de octubre de 1974, Analía Goldberg estudió piano con Lolita Lechner, y desde 1988 hasta 1990 estudió en el Conservatorio de Música de Wiesbaden, Alemania. De 1990 a 1993 fue estudiante en el Centro de Estudios Avanzados en Música Contemporánea. Ella esta graduada en la Escuela de Música Popular Nicolás Avellaneda, donde estudió con Rodolfo Mederos (1993 - 1998). También estudió piano con Claudio Espector, Susana Agrest y armonía con Pedro Aguilar.
Ella ha trabajado como intérprete y arreglista en el Cuarteto Almagro, y como parte del dúo de las pibas.
Analía ha sido un miembro de la Orquesta Color Tango desde 1998

Las Pibas - Duo tango

Genero, Tango, Duos, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 48 Mb/Total time: 40:57
Grabado en Estudios Mozart.
Diciembre de 2001
Todos los arreglos pertenecen a "Las Pibas"
Invitado especial / Roberto Álvarez (bandoneón) en "Pilo"

Personal:
Analia Goldberg: Piano
Paulina Fain: Flauta

Duo de tangos Las Pibas se creo en 1999, grabó en 2001 el Cd titulado "Las Pibas". En 2002 realizó dos giras Europeas. El dúo se disolvió en 2003.

Biografia de Analía Goldberg

Biografia de Paulina Fain

Tracks

01-La Última Curda
02-La Última Cita
03-El Pollo Ricardo
04-Palomita Blanca
05-Triunfal
06-Orlando Goñi
07-Tristezas De Un Doble A
08-Pilo(Bandoneon Roberto Alvarez)
09-Milonga De Mis Amores
10-Analia
11-Viento Solo

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Los Teen Tops: Biografia

Los Teen Tops

Los Teen Tops

Los Teen Tops son una agrupación musical mexicana que logró importantes éxitos musicales a principios de los años sesenta en distintas latitudes de Latinoamérica, España y los Estados Unidos, pero principalmente en México, donde es considerada una banda de rock clásica y pionera del movimiento musical rock and roll en español.

Dentro del ámbito social que se gestaba en el mundo a raíz del surgimiento de artistas como Bill Haley, Elvis Presley y figuras como James Dean, México también resultó influenciado por ese movimiento cultural, en el cual la juventud manifestaba su rebeldía a los patrones sociales y de moda impuestos por los adultos. En ese sentido, la necesidad creciente de tener una identidad propia dentro de la sociedad orilló a los jóvenes de aquella época a buscar una imagen con la cual pudieran identificarse (vestimenta diferente y, sobre todo, música que fuera acorde a sus inquietudes y que se convirtiera en un elemento común) La influencia norteamericana era, pues, inevitable, dada la cercanía geográfica de Estados Unidos con México. Los gustos musicales de aquel entonces variaban desde la música ranchera tradicional a los boleros, pasando por la música tropical; por tanto, la juventud estaba limitada a esos géneros. Al conocerse ese movimiento cultural se suscita el comienzo de esta moda en México. Inicialmente, la influencia se hizo patente en artistas clásicos como Gloria Rios, Agustín Lara, Pedro Vargas y Pablo Beltrán Ruiz, pero inmediatamente comenzaron a surgir artistas improvisados, por un lado, y por otro verdaderas agrupaciones de jóvenes deseosos de incursionar en el "nuevo género musical" y no sólo eso, sino también aspirantes a lograr notabilidad y fama a través de interpretar "covers" de la música en inglés que les gustaba.

La historia da comienzo en el Deportivo Chapultepec, en la Ciudad de México, donde practicaban patinaje; entre paseo y paseo en patines surgió la idea de conformar un grupo musical, que quedó integrado inicialmente por:

Enrique Guzmán (voz y guitarra rítmica)
Armando Martínez "El Manny" (batería)
Sergio Martell (piano)
Jesus Martínez "El Tutti" (guitarra solista)
Rogelio Tenorio (bajo, cuyo efímero paso casi se concreta a las fotos del primer LP).
El "Pollo", músico de estudio, es quien toca el contrabajo en este LP.

Sus primeras incursiones en el mundo musical se dieron a través de fiestas familiares y colegiales, sirviendo incluso de acompañamiento a artistas como Sergio Bustamante. De ahí llegó la oportunidad de presentarse ante una casa grabadora que accediera a darles una oportunidad y ésta se logró en la personalidad del señor J. Jesús Hinojosa, de Columbia México, quien accedió a grabarles bajo su cuenta y riesgo, dado que el género no garantizaba ventas a los directivos, en vista de la naturaleza del mismo y a que sólo artistas consagrados eran éxito seguro.

El primer sencillo de 78 rpm (disco de pasta rígida) que grabaron en el mes de mayo de 1960, contenía las canciones La plaga y El rock de la cárcel, que resultaban ser adaptaciones al español de las canciones Good golly Miss Molly, de Little Richard y Jailhouse rock, de Elvis Presley. En ese mismo periodo grabaron su primer Long Play que incluía los éxitos mencionados, además de otros que se formularon bajo la misma tónica de adaptación al español, por mencionar:

Confidente de secundaria (High school confidential de Jerry Lee Lewis)
Buen rock esta noche (Good rockin' tonight de Roy Brown)
Lucila (Lucille de Little Richard)
Muchacho triste y solitario (Lonely blue boy de Conway Twitty)
Quiero ser libre (I want to be free de Elvis Presley)
Rey criollo (King creole de Elvis Presley)
Sigue llamando (Keep a knockin' de Little Richard)
La larguirucha Sally (Long tall Sally de Little Richard)
Tutti frutti (de 'Little Richard)
Me quedé contigo (Stuck on you de Elvis Presley).
El éxito de Cesar Costa como solista, lleva a los ejecutivos de la compañía disquera CBS a tomar prestado de los Teen Tops, a su entonces vocalista Enrique Guzmán, a fin de no dejarse arrebatar el mercado del disco en lo referente a baladas y así es lanzado su primer sencillo "Mi Corazón Canta" (My Heart Sings) de Paul Anka, en abril de 1960 en calidad de solista y acompañado con la orquesta y coros de Chuck Anderson. Pese a esto, no rompería por el momento con los Teen Tops. Fuente Wikipedia.

LP Los Teen Tops - Vuelven los teen tops-1961

Genero; Rock and roll en español, vocal, instrumental
LP año: 1961
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 29.9 Mb/Total time: 27:22

Biografia Los Teen Tops

Tracks

01-Rock nena linda
02-Anoche no dormí
03-Exodo
04-El blues de la mujer cruel
05-Maybelline
06-Voy bien o me regreso
07-Presumida
08-Pensaba en ti
09-Rock del rio rojo
10-Una tormenta es mi amor
11-Ven johnny ven
12-Bailando el twist

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Leo Marini Biografia

Leo Marini y José Castellanos

Leo Marini

Alberto Batet Vitali (*Mendoza, Argentina, 23 de agosto de 1920 – † 15 de octubre de 2000) cantante y actor argentino, más conocido como Leo Marini, también apodado "La voz que acaricia" .

Su padre, Luis Batet, era dueño de un restaurante llamado Los Tres Hermanos y su madre Herminia Vitali despachaba en una bodega de comestibles. A los cinco años Alberto queda huérfano de padre y son su madre con su padrastro quienes se hacen cargo de él. Su interés por la música y en especial por el Bolero, nace al escuchar por la radio a tres cantantes mexicanos que lo influencian y animan a convertirse en cantante, ellos eran; José Mojica, Alfonso Ortiz Tirado y Juan Arvizu.

Su primera actuación fue en la radio local LV 10 Radio Cuyo, invitado por unas vecinas que lo escucharon cantar, la experiencia fue efímera, pero le sirvió para tomar conciencia de sus aún imperfectas condiciones de cantante. Pero surgió un golpe de suerte, el tenor lírico español Juan Díaz Andrés estaba de paso por Mendoza, Alberto lo escucho en la misma radio que debutó y de manera inmediata buscó su asesoría musical. Díaz aceptó enseñarle canto por un año, casi todos los días, esa fue su única escuela musical. Cuando Alberto ya tenía perfeccionado el arte de cantar, el mismo Díaz lo llevo a la emisora local a probar suerte, es aquí donde Juan Díaz Andrés junto a Francisco Fábregas, el presentador del programa, lo bautizaron como Leo Marini su nombre artístico.

En 1941 viaja a Chile, visita las ciudades de Valparaíso y Viña del Mar, en donde es contratado para cantar en vivo en salas de baile y radio. Es en Valparaíso donde conoce al pianista cubano Isidro Benítez, que junto a su conjunto de músicos graban con Leo sus primeros LP's para el sello Odeón; Virgen de media noche (Pedro Galindo), Puedes irte de mí (Agustín Lara), Inútilmente (Luis Aguirre) y Cerca de ti (Luis Aguirre). En 1942 se traslada a Buenos Aires, allí ingresa de planta a L.R.3 Radio Belgrano, donde en esos momentos trabajaba el violinista Américo Belloto Varoni con sus músicos. En 1944, Odeón, debido al auge del Bolero en toda latinoamérica le propone a Leo grabar dos LP's de 78 R.P.M. junto a los ya bautizados Don Américo y sus Caribes, estos fueron; Llanto de luna, Ya lo verás, Caribe soy y Yo contigo me voy. El éxito de estos discos fue sorprendente y elevaron aún más la fama del cantante. En este año graba en Chile su primera película; Sueña mi amor.

Ya convertido en un astro de la canción romántica, Leo Marini inicia una exitosa gira mundial, primero visita Venezuela en 1948, después pasa por Cuba, Puerto Rico, República Dominicana y de nuevo Venezuela. Vuelve a Buenos Aires a grabar, y luego va a Santiago de Chile, en donde se constituye como suceso artístico de la época. Realiza una nueva gira, esta vez por Perú, Ecuador y Colombia, aquí presencia el Bogotazo. Se va a Puerto Rico, allí trabaja en la estación WNEL de San Juan. Contrae matrimonio con la argentina Esther Salandari. Regresa en 1950 a Buenos Aires y trabaja con la orquesta de planta de la Radio El Mundo en el programa Sonrisas y melodías, es en esta estadía donde realiza otra película; Mary tuvo la culpa. Finalizado su contrato con la Odeón argentina, firma con la Seeco. En 1951, Sidney Seegel magnate de esta empresa, le aconseja marchar a La Habana para grabar con la Sonora Matancera. Su primer tema grabado con la agrupación fue Luna yumurina siguiéndole temas como Quiero un trago tabernero, Mi desolación y Desde que te vi. En 1952 nace su primer hijo, ese año también filma su tercera película; ¡Qué rico el mambo!. Cosecha grandes éxitos con la Sonora como; Caribe Soy, Cobardía, Yo vivo mi vida, Amor de Cobre, Dos Almas, Maringá, Tomando té e Historia de un amor, son algunas de las más recordadas. La vida de Leo Marini fue un devenir de giras por toda Latinoamérica, el Caribe y Estados Unidos, es así como en Colombia nace su segundo hijo, además graba nuevos éxitos; Infortunio (Fatalidad), Amor del alma y Prohibido. En 1958 graba Reminiscencias, el disco más vendido de su carrera musical. En 1970 el Bolero ya venia en retirada y para pesar de Marini, se divorcia, pero Leo logra otro éxito, graba en Caracas en 1970 con la Sonora de Arnoldo Nali el tema Señora Bonita.

En 1978 el Presidente de Venezuela, Carlos Andrés Pérez lo condecora por su trayectoria musical junto a otros destacados artistas como Libertad Lamarque, Toña la Negra, Bobby Capó, Dámaso Pérez Prado y Pedro Vargas. Vuelve a contraer matrimonio con la chilena Gloria Solanas, quien murió cinco días después del deceso en Argentina de su marido.".[1] En la década de los ochenta decide radicarse definitivamente en Buenos Aires para estar cerca de sus hijos, viajando periódicamente a los países de la región para presentarse.Fuente Wikipedia

Leo Marini - Interpreta a Gardel

Genero: Tango, Cantores, Instruemental, vocal
Grabacioenes originales a fines de la decada del 50
Llevado a CD en 1990
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Biografia de Leo Marini

Tracks
01-Sus Ojos se Cerraron
02-Melodia de Arrabal
03-Yo No Se que me han Hecho Tus Ojos
04-Tomo y Obligo
05-Volvio Una Noche
06-Mano a Mano
07-Desde el alma
08-El Dia que me Quieras
09-Amargura
10-Cuesta Abajo
11-Flores Negras
12-Sueños de Juventud
13-Amores De Estudiante
14-Por Una Cabeza
15-Ave de Paso
16-Cobardia
17-Maria

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Rondo Veneziano : Biografia

Gian Piero Reverberi Director de Rondo Veneziano

Rondo Veneziano

Rondo Veneziano

Rondo Veneziano

Rondò Veneziano es una orquesta de cámara italiana, especializada en música barroca, toca instrumentos originales, pero la incorporación de una sección de ritmo de rock-estilo de sintetizador, bajo y tambores, dirigido por el Maestro Gian Piero Reverberi. La adición inusual de instrumentos modernos, más adecuados para el Jazz, combinada con del Reverberi régimen y composiciones originales, se han traducido en fastuosos versiones nuevas de obras clásicas en los años. Como regla general en sus giras, los músicos, en su mayoría mujeres, agregar al efecto general barroco llevando atuendos y coiffures.

La primera década de los álbumes eran composiciones originales totalmente en el estilo del barroco rondò "una composición musical basada en la alternancia de un tema recurrente principal y contrastando episodios.".

En una entrevista Reverberi dijo en el sonido de Rondò Veneziano: "música de Rondò Veneziano ante todo es positivo. También cuando parece ser triste, nunca es triste. Siempre es positivo en un sentido de que al final hay siempre es un buen futuro. Así que creo que también la razón del éxito que es música donde no es necesario pensar negativo o sentir negativo o si se siente lo negativo debe ser algo que le ofrece a pensar en positivo".

En años posteriores Rondò Veneziano también señaló su fusión de instrumentos clásicas y contemporáneas a una serie de álbumes dedicados a algunos de los grandes compositores de la tradición clásica y barroca.

Una versión de "La Fish" (tema de Venecia en peligro) fue lanzada en la UK, como un único y alcanzó el número 58 en el Reino Unido Top en octubre de 1983. La pista fue también utilizada en ese momento por BBC Televisión, como el tema sintonizar Hospital Watch. La pista fue posterior a la función en el álbum de Venecia en peligro con éxito a nivel mundial, que fue lanzado como parte de una campaña internacional para salvar a Venecia de hunde en la laguna.

En 1985, prevén la calificación de la película No Quite Jerusalén (conocido como No Quite Paradise en los Estados Unidos). Esta puntuación fue una reformulación de muchas de las piezas originales en los álbumes de Venecia en peligro y El genio de Venecia.

La orquesta ha producido 70 álbumes en los 29 años desde su fundación en 1979.

Rondo Veneziano - Rondo Veneziano-1999

Genero: Clasico, barroco, fusion, Orquestas de camara
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Biografia de Rondo Veneziano

Tracks

01-Stagioni Di Venezia
02-Corteo Dei Dogi
03-Rondó Veneziano
04-Burano
05-Murano
06-Ponte Dei Sospiri
07-La Serenissima
08-Antichi Ricordi
09-Voli E Vele
10-Nuvole A Colori

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Los orígenes del tango en México y sus intérpretes

Forever Tango en Hermosillo, Mexico

Con el disco "Mi noche triste", grabado por Carlos Gardel en 1917, comienza la era del tango canción que influiría definitivamente en la estructura musical, la temática y la literatura del tango. A partir de los versos de Pascual Contursi que salen de su garganta, "El Morocho" inventa el modo de cantar los tangos. Los cantantes que lo sucedieron, Ignacio Corsini, Rosita Quiroga, Charlo, Azucena Maizani y Hugo del Carril, entre muchos otros, se sujetaron por fuerza a este estilo de interpretación.
Mariano Mores y Jorge "Che" Sareli
De este modo, la carta definitiva del tango cantado estaba echada. Había nacido a principios del siglo XX, se consagró en España y en Francia para formar parte de la vida social europea, cruzó el océano y se introdujo en el medio cinematográfico de Estados Unidos. En los países iberoamericanos despertó un extraordinario interés a partir de sus letras dramáticas y de elocuente espíritu carcelario. En suma, eran pasajes de la vida cotidiana que transcurrían en ambas márgenes del Río de la Plata, pero que eran transmisibles, por su universalidad, al resto de los pueblos hispanoparlantes.

México no fue la excepción, gracias al apogeo de la radiodifusión y los avances fonográficos, en un país que estaba en plena modernización y recuperándose de una guerra civil. Su majestad el tango invadió las estaciones de radio, las casas de discos, los gramófonos, los altavoces de ferias y la mayoría de los hogares mexicanos.

Los Gauchos de los Ponchos Verdes
Comenta Jorge Sareli en su libro "El tango a través del tiempo": «En la década de los treinta, el tango se situaba en la ciudad de México, por su calidad, su ritmo, su cadencia, su languidez, su temática, su drama, su tragedia, su ternura, su breve filosofía de la vida, su mensaje, sus situaciones humorísticas y su coreografía diferente a otros ritmos musicales; cobró miles de aficionados a este género que apasionó y cautivó a todas las clases sociales tanto suburbanas como a la elite capitalina».

Continúa diciendo: «Era la música que más se difundía y se escuchaba con mucho interés y entusiasmo, se cantaba y se bailaba con la alegría clara de la novedad, que el pueblo de la ciudad de México asimiló insospechadamente y se adaptó a tal grado, que compositores y cantantes mexicanos se dedicaron de lleno a interpretarlo y a sentirlo tanto como cualquier artista argentino o uruguayo».

Juan Arvizu
En XEB "La estación del buen tono" y en XEQ "Cadena Radio Continental", se crearon grupos de cantantes que cultivaban el tango. Allí estaban Maruca Pérez "La Mocosita", quien fuera la primera intérprete de la obra de Agustín Lara, Carlos de Nava "El Gardel Mexicano", Blanca Reducindo, los hermanos Américo y Abdón Alak , "El Trío Argentino", grupo mexicano que tomaba como modelo el trío homónimo de Irusta, Fugazot, Demare, Blanca de la Fuente, Raquel Moreno y "El Che" Sareli, entre muchos otros.

Por supuesto que tendríamos que considerar en esta lista a los anteriormente consagrados: Emilio Tuero, barítono español radicado en México, el tenor Juan Arvizu, que fue primer cantante de tangos, el tenor Alfonso Ortiz Tirado, con su gran recreación del tango "Clavel del aire", el popular Tito Guizar, Fernando Fernández, luego director de cine y gran amigo de Discépolo, "Los gauchos de los ponchos verdes" y el famoso bolerista Pedro Vargas, quienes además tuvieron la osadía de llevar al mundo, un repertorio con tangos compuestos por autores mexicanos como el inspiradísimo Agustín Lara con su tango "Arráncame la vida" o Belisario de Jesús García, creador de "Tango negro".


Belisario de Jsús García
Nos relata Sereli que: «en esa época, procedentes de Argentina, llegaban artistas de todas categorías y diferentes cualidades histriónicas; por ejemplo, actores, cantores, cancionistas, declamadores, poetas, compositores, autores, cómicos, bailarines, coreógrafos, escritores y directores de cine».

La estrella argentina Libertad Lamarque conoció a Pedro Vargas y a Ortiz Tirado en el ambiente de radio de Buenos Aires, iniciándose una amistad que luego se acrecentaría con su llegada a México. El éxito que tuvo la cantante argentina fue contundente, no tenía competencia en el país azteca donde había muy pocas cancionistas de tango. Su extraordinaria repercusión popular la transformó en una diva, no sólo de la canción, también de la cinematografía y, a partir de la repercusión de sus películas, sus admiradores la distinguieron con la frase: "La novia de América".

Antes que ella en 1938, había estado la bella Mercedes Simone que fue la primera artista extranjera contratada por el mítico local nocturno "El patio", propiedad del empresario Vicente Miranda. En 1932 estuvo el famoso Trío Argentino integrado por Irusta, Fugazot y Demare, aunque este último no viajó y en su reemplazo lo hizo Rafael Iriarte.

Otros que llegaron entre 1937 y 1945, fueron: Azucena Maizani, Agustín Irusta, Alberto Gómez, el dueto Llamas-Barroso, que hacían tango, folclore y humor, Rosita Quintana y el gran Hugo del Carril. También triunfaron en sus escenarios: Ignacio Corsini, Charlo, Ángel Vargas y Amanda Ledesma "El angel rubio del tango", quien tuvo una breve pero interesante carrera artística en el cine azteca.


Agustín Lara
Agustín Lara, sin duda el máximo autor popular que tuvo México, tampoco pudo evitar la influencia de la música ciudadana en su obra. Compuso varios tangos, la mayoría de ellos fueron grabados por Libertad Lamarque y entre los que sobresalen "Arráncame la vida", posiblemente el más conocido, "Carita de cielo", "Mentira", "Reproche", " No tengo la culpa", "Canalla", "El cofre", "Lejos", "Adiós", "Como te extraño", "Consejo", "Lo de siempre", todos de gran calidad y difusión.

El eximio creador de tantos boleros y canciones inolvidables como "Granada" o "María bonita", nació en la ciudad de México el 30 de octubre de 1896 y falleció el 6 de noviembre de 1970. Fuente: Jesús Orosco en Todotango www.todotango.com

LP Carlitos De Nava(El Gardel Mexicano) - Añoranzas del tango

MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 36.7 Mb/Total time: 33:46
enero: Tango, Cantores, Tango en Mexico
LP editado en Mexico aproximadamente en el 60

El Tango en Mexico

Tracks

01-Añoranzas del tango
02-El boyero
03-Zaraza
04-Milonga del 900
05-Cama vacía
06-Tabernero
07-La mariposa
08-El vino triste
09-Ajena
10-Arrabla amargo
11-Canción desesperada
12-Sentimiento gaucho

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Clara Nunes : Biografia

Clara Nunes


Clara Nunes


Clara Nunes

Francisca Clara Nunes Pinheiro, más conocida simplemente como Clara Nunes (Caetanópolis - 12 de agosto de 1943; Río de Janeiro - 2 de abril de 1983) , fue una cantante de samba brasileña, considerada uno de los más grandes intérpretes de su país. Investigadora de la música popular brasileña, los ritmos y el folclore, también viajó varias veces a África. Conocedora de las danzas y las tradiciones afro-brasileñas, que se ha convertido en la Umbanda. Clara Nunes fue una de los cantantes más graves de las canciones Portela, su escuela de samba favorita. Fue la primera cantante brasileña a vender más de 100 mil copias, pasando un tabú según el cual las mujeres no venden discos. Ella sigue siendo una de las más populares y querida interprete musical en Brasil.

Clara fue una talentosa cuando decidió competir en un concurso de música, que se ubico en el tercer lugar en la final celebrada en São Paulo en 1959. Ella tiene un día de trabajo en una estación de radio en Belo Horizonte y cantó en clubes nocturnos. En 1965, Clara se mudó a Río de Janeiro, grabando una mezcla de boleros y canciones de samba en su primer álbum.
Después de unos discos con una variedad de estilos, firmó su nombre como cantante de samba en el decenio de 1970 y se hizo más conocido. En 1974, Clara tuvo un éxito con la samba "Conto de Areia" y su álbum vendió alrededor de 300 mil copias. Se trata de un notable número, entonces, esto ayudo y estimulando a las empresas a invertir en otras mujeres que interpretaban de samba, como Alcione y Beth Carvalho. En 1975, recorrió Europa.

Los siguientes álbumes de su transformado en uno de los "tres reinas de samba" de su tiempo, junto con los dos mencionados músicos. En la segunda mitad de la década, se pondría en venta un álbum cada año, todas ellos se venden bien histórico y con temas como "Juízo Final", "Corazón Leviano" y "Morena de Angola". Otros éxitos de su calle se "Você Passa E Eu Acho Graça", "E Baiana", "Ilu Aye - Terra da Vida", "Tristeza, Pé no Chão", "A Deusa dos Orixás", "Macunaíma", "O marzo Serenou "," Como Fuerzas da Natureza "," Guerreira "," Feira de Mangaio "," Portela na Avenida "y" Nação ".

Clara fue también famosa por canciones elaborado a los ritmos de la Umbanda, la religión afro-brasileña, y por su trajes típicos, como siempre vestidos de blanco y llevaba un montón de collares de perlas de África

Después de una mal-lograda cirugía para corregir las venas varicosas, Clara murió prematuramente en abril de 1983, causando conmoción popular Fuente Wikipedia en Ingles.

CD Clara Nunes - A Voz Adorável de Clara Nunes (LP)-1966

Genero: Samba, Fado, Bolero, vocal
LP grabado en 1966
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 58.1 Mb/Total time: 37:55

Biografia de Clara Nunes

Tracks

01-Amor Quando é Amor
02-Ai de Quem
03-Poema do desencontro
04-Convite
05-Encontro
06-Adeus Rio
07-De Vez em Quando
08-Tempo Perdido
09-Sonata de Quem é feliz
10-Canção de Sorrrir e Chorar
11-Enredo
12-Dia de esperança
13-Estranho Amor
14-Adeus la Noite

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Flores Carlos Vicente Geroni: Biografia

Flores Carlos Vicente Geroni

Partitura de A la luz del Candil de Flores Carlos V. G.

FLORES, Carlos V. G. (Nombre de familia: Alejandro Carlos Vicente Geroni).
Músico. Pianista. Director. Compositor. Nació en Buenos Aires, en Corrientes y Esmeralda, el 22 de marzo de 1895. A los cinco años de edad inició sus estudios musicales, cursando piano con Ernesto Dragonsch y en el Conserservatorio Real de Lisboa del que egresó con una beca al Brasil para estudiar contrapunto y armonía en la filial brasileña del Conservatorio Real de Lisboa del que egresó con títulos de profesor superior de piano y de violín, en 1911. Sus primeras presentaciones en público las realizó en Buenos Aires, interpretando a compositores europeos, en el Prince George's Hall y en el Salón La Argentina.
Actuó luego como violín concertino de la orquesta del elenco de operetas Cittá di Milano. Sin embargo, su pasión por el tango lo unió poco después a Enrique Saborido en un atrevido proyecto de viajeros: seguir las huellas pioneras de Ángel Villoldo y de Alfredo y Flora Gobbi por Europa.
Así lo hicieron, actuando con marcado suceso en Roma, Amberes, Londres y París, donde él tocó el piano y Enrique Saborido ofreció exhibiciones de la danza del tango.
Y al estallar la Primera Guerra Mundial regresaron a Buenos Aires. A partir de 1915, ya en los umbrales de su madurez de artista, contribuyó a la par de Eduardo Pereyra, de Juan Carlos Cobián, de Enrique Delfino—todos ellos ejecutantes de buena formación técnica para la época— a la rápida evolución pianística que se verificó a la sazón y la cual fue el cimiento de toda una corriente de estilos, en orquesta o en solo, llevada a su primer apogeo por José M. Rizzuti, Francisco De Caro, Osvaldo Pugliese y otros. Una de sus más señaladas actuaciones tuvo lugar en el foyer del Teatro de la Ópera, donde reemplazó a Delfino en un dúo de piano y violín con Agesilao Ferrazano, cuya refinada modalidad marcó una época; Alhambra, tango romanza suyo, de rica melodía, grabado para la casa Víctor, es una muestra perfectamente representativa de esa labor. Se presentó, en carácter de solista de piano, en el café Colón, de la Avenida de Mayo, formando asimismo su sexteto en el que alternaron entre otros, Manlio Francia, Agesilao Ferrazano, Bernardo Germino, Arturo Bettoni (violines) y Carlos Marcucci, Juan B. Guido y Ricardo Brignolo (bandoneones), registrando siempre para Víctor versiones como El secante, de Brignolo, en estilo próximo, aunque valorativamente por debajo, a los de Cobián o Fresedo. Obtuvo a la sazón un augural suceso de compositor con el tango Melenita de oro, que, llevó letra de Samuel Linnig y estrenó la actriz Manolita Poli el 25 de agosto de 1922 durante las representaciones del saínete Milonguíta, ofrecido en el Teatro Nacional. Re-frendó la calidad melódica de esta composición con otro tango de 1923: La cautiva, consagrado en el disco ese mismo año por una memorable realización vocal de Carlos Gardel. A éstos siguieron, entre otros, Maniquí, Campana de piafa, La traición, Pajarraco, Melancólica casita, Andate con la otra, Virgen del perdón, Sólo se quiere una vez y la música para el romance de Reta y Viale La Sangre de las Guitarras, estrenado en 1929. En 1931 resolvió volver a Europa. Le acompañaron en esa ocasión los bandoneonistas Moresco, Gino y Presas y los vio-linistas Marcy y Canfrance, así como el "chansonnier" Alfredo Marino. Actuó con su conjunto sucesivamente, en locales, teatros y emisoras de Río de Janeiro, Islas Canarias, África del Norte, Italia y ciudades diversas de España. Una creciente racha de circunstancias adversas le llevó a la disolución de su orquesta. Y, anclado en Lisboa, ganó para su vida con lecciones de piano y de canto. Poco a poco, sin embargo, fue rehaciéndose, y ya en plena recuperación es-piritual fue llamado para musicalizar la película Pan Nuestro, rodada en Portugal y en la cual participó también como actor.
Una vez terminada esa actuación, retornó a España, donde luego nació su vocación por la pintura, a la que se entregó con idéntica pasión que a la música y en la cual alcanzó a descollar con exposiciones altamente cotizadas en distintos centros artísticos de Europa. Falleció en Madrid a los cincuenta y ocho años de edad, en casa del conde de Arcentales, el 22 de junio de1953. Fuente Horacio Ferrer

Carlos Vicente Geroni Flores y su orquesta Tipica - 1922-1923

Genero: Tango, Orquestas de Tango, Instrumental
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Grabaciones originales realizadas en la Victor entre 1922 y 1923
Reconstruccion tecnica y restauracion Jorge Finkielman
Este CD nos llega por gentileza de Alessandro de Roma, Italia
Muchas gracias!!!!!!

Biografia de Carlos Vicente Geroni Flores

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Tracks
01-A TIEMPO DE TANGO, tango (J. Tarantino)-1922
02-TU SOMBRA, tango (N. López)-1922
03-TINIEBLAS, tango (Luis D'Abraccio)-1922
04-BUENA MANO, tango (C. Flores)-1922
05-MELENITA DE ORO, tango (C. Flores)-1922
06-EL SECANTE, tango (R. L. Brignolo)-1922
07-EL AMULETO, tango (Matías Naya)-1923
08-LA MISTERIOSA, tango (M. Dorly)-1923
09-CRITICA 5a, tango (Antonio Scatasso)-1923
10-MI TORDILLO, tango (Luis Bernstein)-1923
11-IRMA, tango (P. N. Córdoba)-1923
12-CIELO AZUL, tango (B. Germino)-1923
13-GAUCHO MALO, tango (Luis. S. Campos)-1923
14-¡QUE MARAVILLA!, tango (C. Marcucci-A. Lacueva)-1923
15-CARTA BLANCA, tango (C. Nava)-1923
16-EN EL LLANO, tango (J. R. Marmón)-1923
17-POMONA, tango (C. Flores)-1923
18-DE TODO CORAZON, tango (José Di Clemente)-1923
19-LUZ AL ALBA, vals (J. Bonano)-1923
20-PUNTO ALTO, tango (C. Flores)-1923

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Daniela Romo Biografia

Daniela Romo

Daniela Romo

Daniela Romo (nacida el 27 de agosto de 1959, Ciudad de México) es una primera actriz, cantante y presentadora mexicana.

Teresa Presmanes Corona nació el 27 de agosto de 1959. A los 11 años ingresó al coro del grupo mexicano de los Hermanos Zavala donde debutó con la obra Contigo pan y cebolla. Posteriormente estudió teatro en la Academia Andrés Soler y luego viajó a Los Ángeles para estudiar canto con Seth Riggs. Sus inicios se dieron en el terreno del teatro, actuando en obras de diversos géneros, desde tragedias griegas hasta comedias musicales.

De entre otras obras en las que actuó destacan El soldadito de plomo, Pastoral navideño, Ifigenia en Áulide (de Eurípides), Gypsy y El diluvio que viene.

En 1978, el productor Ernesto Alonso decide darle una oportunidad estelar en la telenovela Ardiente secreto.

Como intérprete, Daniela grabó su primer disco en 1979 con canciones de Lolita de la Colina bajo el sello CBS, sin obtener éxito.

En 1983 firmó con Hispavox un contrato para grabar su disco Daniela Romo homónimo, del cual también grabó un maxisingle en idioma italiano, con los temas Buggíe (Mentiras) y Dammi, dammi, dammi (La ocasión para amarnos).

Su éxito más recordado fue un tema del Festival de San Remo 1984, de Albertelli y Malepasso: "Yo no te pido la luna" dentro del disco Amor prohibido del mismo año.

En 1985 participó en el Festival Mundial de la Canción Popular (en Tokio (Japón) representando a México con una canción de Denise de Kalafe: "Es nuestro amor", con la cual llega a la final. En 15 años como cantante ha grabado más de 12 discos.

A nivel mundial ha vendido más de 15 millones de discos
Como actriz ha aparecido en telenovelas como No temas al amor (1980) y Déjame vivir (1982), hasta que llegó el reconocimiento del público y la crítica en El camino secreto (1986), donde además interpreta el tema musical llamado De mí enamórate, lo que se convertiría en un clásico en la carrera musical de Daniela.

Después siguieron Balada por un amor (1990) y Si Dios me quita la vida (1995), cuando terminó ésta última dio una pausa a su carrera actoral para continuar con su trayectoria como cantante. Fue hasta 2001 que regresaría a las telenovelas con El manantial, junto a Adela Noriega y Mauricio Islas, bajo la producción de Carla Estrada. Por su actuación, ganó el Premio TVyNovelas a la mejor primera actriz.

En el 2005 interpretó a Juana Arellano, la villana de Alborada (otra producción de Carla Estrada), compartiendo escenas con Lucero y Fernando Colunga; donde, posteriormente, ganaría de nuevo el Premio TVyNovelas, esta vez a la Mejor actriz antagónica

En el 2008 protagoniza el episodio Cristina, Rebelde de la serie Mujeres asesinas y en el 2009 participó en Sortilegio, el "remake" de la telenovela Tú o nadie que en el pasado protagonizó Lucía Méndez, donde nuevamente trabajó al lado de la productora Carla Estrada Fuente Wikipedia

Daniela Romo - Me vuelves loca

Genero: Boleros, romanticas, Cantantes
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Biografia de Daniela Romo

Tracks

01-Mienteme
02-Tu eres mi destino
03-Alma, corazón y vida
04-Y hablame
05-Poquito a poquito
06-Me vuelves loca a duo con Joan Manuel Serrat
07-Otra vez
08-Caminito
09-Imagenes
10-Mio siempre mio
11-Una noche contigo
12-Quisiera decir tu nombre

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José Tinelli Biografia

Linea de Bandoneones de la Orquesta Jose Tinelli(Mejias, Villy, Leocata y Perry)


José Tinelli en 1934

TINELLI, José. Músico. Pianista. Director. Compositor.
Figura de intensa actuación de cuarenta años de tango. Creador de una serie de composiciones destacadas por su valor melódico como Por la vuelta, La lluvia y yo, Un buen recuerdo y Tango de antes.
Nació en Buenos Aires el 13 de abril de 1911. Realizó estudios de piano con el maestro Vicente Scaramuzza. Se inició profesionalmente en el cine Londres de Palermo actuando luego en el Bijou, en la orquesta de salón del maestro Zani y en LOV Radio Brusa como pianista acompañante de "Príncipe Azul" y de Fernando Ochoa. En 1925 fue contratado por Max Glucksmann para integrar todas las orquestas del sello Odeón. Desde entonces tocó con Juan Maglio, Juan Cañara, Carlos Marcucci y Minotto Di Cico, secundando la labor vocal de Ada Falcón, Ernesto Fama, Amanda Ledesma, Tania y Roberto Maida. Por Radio Belgrano formó parte de un trío que completaron Minotto y Puglisi. En 1932 formó su primera orquesta actuando con la misma en los bailes de carnaval del Teatro Solís, de Montevideo y en Radio Stentor, de Buenos Aires. Tomó parte en la filmación de las películas La Virgencita de Madera y El Sobretodo de Céspedes, grabando sus versiones para el sello Odeón; su primer disco, El embrujo de tu violín y Milonga nueva (1941). Posteriormente se presentó con pequeños conjuntos por Radio Belgrano, y por Radio Carve y en el Teatro 18 de Julio, de Montevideo, en compañía de su esposa, la cancionista Chola Bosch. En 1951 grabó en Víctor versiones a dos pianos con César Zagnoli, Racíng Ciub de Greco, entre ellas. Además de los tangos ya mencionados, compuso estos otros: Será una noche, Si llegaras a olvidarme, Amor que se hace llanto, Se marchita un clavel, Música de ensueño, Cigarra, Mi vida por tu amor, Quién te quiso más, Todavía. Falleció en Buenos Aires, el 27 de julio de 1960.Fuente Horacio Ferrer

Chola Bosch Biografia

Chola Bosch en 1934

BOSCH, Chola. (Nombre de familia: Irene Berreta). Cancionista. Nació en Buenos Aires, barriada de Palermo. Se inició integrando el Cuarteto Ferri y en 1936 en los programas de Radio Splendid. Pasó luego a Stentor, siempre como solista hasta 1941. Durante dicha actuación conoció a José Tinelli, compositor y director con el cual contrajo enlace y a quien estuvo unida desde entonces, su labor artística. A partir de 1941, juntamente con Tinelli fue contratada por Radio Belgrano. En la película Un Muchacho de Buenos Aires, dirigida por Julio Irigoyen, tuvo una fugaz intervención junto a Héctor Palacios, actuando también en La Virgencita de Madera. Fuente Horacio Ferrer

Orquesta Jose Tinelli-1938-1942

Genero: Tango, Orquestas de Tango, Instrumental, Vocal
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Grabaciones realizadas entre 1938 y 1942
Del Track 1 al 6 fueron realizadas como grabaciones comerciales
Del Track 7 al 12 fueron realizadas como grabaciones privadas

Nota: El cantor Luis Bottini cuando se desvinculo de José Tinelli, paso a actuar durante el resto de la decada del 40 y principios de la del 50 con la Orquesta de Sanchez Gorio con el nombre de Luis Mendoza, siendo el cantor mas emblematico de esta orquesta, sobresaliendo con el tema "Gitana Rusa" grabado en 1952.

Se agradece a quien realizo la reconstruccion tecnica de estas grabaciones originales en los 78 rpm.

Biografia de Chola Bosch

Biografia José Tinelli
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Tracks
01-El embrujo de tu violin-Luis Bottini y Chola Bosch-1938
02-Milonga nueva-Luis Bottini-1938
03-Sensemaya-Horacio Acosta-1942
04-Amor que se hace llanto-Horacio Acosta-1942
05-Bandoneon amigo-Horacio Acosta-1942
06-Muñequita rubia-Horacio Acosta-1942
07-A media luz-Chola Bosch(inedita)-1942
08-Esta noche de luna-Chola Bosch(inedita)-1942
09-Bien criolla y bien porteña-Chola Bosch(inedita)-1942
10-Si Ud. quisiera-Chola Bosch(inedita)-1942
11-Sera una noche-Chola Bosch(inedita)-1942
12-Pampero-Luis Bottini(inedita)-1942

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José Merce Biografia

José Merce

José Merce

José Soto Soto, de nombre artístico José Mercé, es un reconocidísimo cantaor de flamenco nacido en Jerez de la Frontera (España), el 19 de abril de 1955, en el flamenco barrio de Santiago. Miembro de una saga de cantaores gitanos, bisnieto de Paco de la Luz y sobrino de Manuel Soto. De niño cantó en la Escolanía de la Basílica de la Merced de Jerez, de donde toma su nombre artístico.Durante seis meses, trabajó en "el Tablao", en Cádiz ,en la calle Santa María de la Cabeza,con Rancapino, Pepa de Utrera, Juanito Villar y la Perla de Cádiz.A los trece años de edad, se marchó a Madrid para grabar su primer disco,acompañado a la guitara por Manolo Sanlucar. Cantó en el tablao de Torres Bermejas junto a Mario Maya, Carmen Mora y Guito. Posteriormente y hasta 1983 trabaja en la compañía de Antonio Gades. En esta etapa participa en las películas "Bodas de sangre" y "Flamenco" de Carlos Saura.

El disco "Del Amanecer..." supone un salto en su carrera, pasando a ser el cantaor flamenco más conocido por el gran público. Ha vendido hasta la fecha un millón de discos. Actualmente, le acompaña a la guitarra [[Moraito Chico].

Ha versionado canciones como Clandestino, de Manu Chao, Al Alba, de Luis Eduardo Aute, Te recuerdo Amanda, de Victor Jara, Que bonito es vivir, de Louis Armstrong.

También, ha grabado una versión del himno del Real Madrid, del que se declara seguidor.

El 24 de septiembre de 2009, José Mercé presentó su nuevo disco, titulado genéricamente 'Ruido' en los Jardines de La Atalaya de su ciudad natal. Fuente Wikipedia

Jose Merce - Del Amanecer

Genero: Flamenco, Musica de España, Cantores
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Biografia de José Merce

Tracks

01-Del amanecer
02-En tu silencio
03-Pueblecitomio
04-Primavera
05-La mancha de la mora
06-Te roza y te quema
07-Espejo del rio
08-Sendero
09-Luna de la victoria

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Hugo Del Carril Biografia

Hugo Del Carril y Tito Lusiardo

Hugo Del Carril y Ubaldo De Lio en 1948

Hugo Del Carril y Lito Bayardo

Hugo Del Carril


Hugo Del Carril

Hugo Del Carril y Amanda Ledesma

Hugo Del Carril en Afiche de La Cabalgata del Circo

DEL CARRIL, Hugo. (Nombre de familia: Piero Bruno Hugo Fontana). Cantor. Actor.
Director de cine. Cultivó, desde su juvenil advenimiento un estilo de inspiración gardeliana, particularizado por su timbre vocal, de propicia naturaleza para el tango, y por sus dotes de intérprete emotivo y genuinamente porteño. Sus versiones de los tangos Tiempos viejos, Nostalgias, Como aquella princesa, Garúa, Bélgica, El porteñito, grabadas en discos Odeón, o Victor, o registradas en las bandas de sonido de numerosas películas, son bien representativas de su modalidad. La cinematografía fue su gran trampolín hacia la fama y hacia la plenitud artística. Actor sobrio, varonil, de gran estampa y definido criollismo, alcanzó su espaldarazo en 1937, bajo la dirección de Manuel Romero, en la película Los Muchachos de Antes no Usaban Gomina, en la que compartió créditos con Florencio Parravicini, Santiago Arrieta, Mecha Ortiz y otros. Posteriormente, reveló su talento para la realización cinematográfica; a partir de Historia del 900 (1949), películas como Las Aguas Bajan Turbias (1953), La Quintrala (1955), Más Allá del Olvido, Una Cita con la Vida (1957), mostraron su calidad y su profundo sentido nacional del arte. Nació en Buenos Aires, en el barrio de Flores, el 30 de noviembre de 1912. Vivió su niñez en Francia, de donde regresó en 1920. Se inició muy joven como locutor radial y en el canto, integrando un cuarteto vocal con Emilio Castaing y Martín y Mario Podestá, el trio París y el dúo Acuña-Del Carril. Sus comienzos de solista datan de 1934, cuando lo descubrió Héctor Quesada y lo presentó por Radio La Nación. En 1936 grabó su primer disco en Victor: Yo soy aquel muchacho y Me besó y se fue. Cantó luego en Radio El Mundo y en la emisora Municipal, acompañado en ésta por Tito Ribero que fue, desde entonces —1937— su colaborador musical permanente en radio, discos y películas. En 1937 registró su placa inicial en Odeón: Como aquella princesa y Te vi partir. Integró, después de ese año, el reparto de Madreselva, Gente Bien, La Vida de Carlos Gardel, El Astro del Tango, La Cabalgata del Circo, El Último Payador. Posteriormente alternó en su actividad artística el canto, el cine y diversas temporadas teatrales, en las que prestigió carteleras que encabezaron con él Mariano Mores y Virginia Luque, animando distintos ciclos de televisión, algunos notablemente mediocres y muy por debajo de su jerarquía; otros muy valiosos como la serial La Calesita, que dirigió y protagonizó sobre libro de Rodolfo M. Taboada. Compuso los tangos Como la mariposa y Viejo Camarada. Fallecio el 13 de agosto de 1989. Fuente Horacio Ferrer

Hugo Del Carril - Seleccion de temas

Genero: Tango,Cantores, Instrumental, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 125 Mb/Total time: 93:23

Esta Seleccion de temas nos llega por gentileza de dos amigos del tango
Gracias!!!!!

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Tracks de grabaciones

01-Hugo Del Carril & Guitarras*****Adiós, te vas-1943
02-Hugo Del Carril & Guitarras*****Cobrate y dame el vuelto-1946
03-Hugo Del Carril & Guitarras****Esta noche me emborracho-1946
04-Hugo Del Carril & Guitarras****Si soy así-1964
05-Hugo Del Carril & Guitarras*****Tres esquinas-1942
06-Hugo Del Carril & Guitarras*****Yira, yira-1941
07-Hugo Del Carríl & Guitarras y Piano*****Gajito de cedrón-1964
08-Hugo Del Carril & Orq.*****Cuando tu no estás-1964
09-Hugo Del Carril & Orq.*****El día que me quieras-1964
10-Hugo Del Carril & Orq.*****Niño bien-1964
11-Hugo Del Carril (Glosa J. Centeya) & Guitarras****Secreto-1941
12-Hugo Del Carril (Glosa J. Centeya) & Guitarras-Bandoneón*****Pa' que bailen los muchachos-1942
13-Orq. Armando Pontier & Hugo Del Carril*****El último café-1964
14-Orq. Armando Pontier & Hugo Del Carril*****Silbando-1971
15-Orq. Atilio Bruni & Hugo Del Carril****Jugando... jugando-1946
16-Orq. Atilio Bruni & Hugo Del Carril*****Sí soy así-1945
17-Orq. Domingo Maraffiotti & Hugo Del Carril-Coro Fanny Day*****Los muchachos peronistas-1949
18-Orq. Joaquín Mora & Hugo Del Carril*****Como aquella princesa-1937
19-Orq. Osvaldo Requena & Hugo Del Carril-Coro*****Cada vez que me recuerdes-1976
20-Orq. Tito Ribero & Hugo Del Carril*****Amores de estudiante-1968
21-Orq. Tito Ribero & Hugo Del Carril****El llorón-1961
22-Orq. Tito Ribero & Hugo Del Carril*****Nubes de humo-1939
23-Orq. Tito Ribero & Hugo Del Carril (Glosa H. Del Carril)*****Barrio reo-1941
24-Orq. Waldo De Los Ríos & Hugo Del Carril*****Ahora te llaman Lulú-1961
25-Trío Ciriaco Ortiz & Hugo Del Carril*****Luna de arrabal-1936

Tracks tomados de peliculas de Hugo Del Carril y toma radial

01-Hugo Del Carril Caminito*****Toma radial TV Mejicana (1973)
02-Hugo Del Carril*****Clavel del aire---del film El astro del tango (1940)
03-Hugo Del Carril****El lloronCon piano---Del film Historia del 900 (1948)
04-Hugo Del Carril*****Porque la quise tanto---Del film Buenas noches Buenos Aires (1964)
05-Hugo Del Carril*****Yo no se porque te quiero tanto---Del film La cancion de los barrios (1941)
06-Hugo Del Carril y Amanda Ledesma*****Aquella noche---Del film El astro del tango (1940)
07-Hugo Del Carril y Sabina Olmos & Orq.*****Rosas De Abril---Del Film Una historia del 900 (1949)
08-Hugo Del Carril y Virginia Luque*****El patio de la morocha---Del Film Buenas Noches BsAs (1964)

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Donna Fargo - The Best of Donna Fargo

Genero: Pop, Country, Cantantes, Instrumental, Vocal
Recopilacion llevada a CD en 1995
Grabaciones originales en la decada del 70
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 58 Mb/Total time: 51:21

Biografia de Donna Fargo

Tracks

01-The Happiest Girl in the Whole USA
02-Funny Face
03-Manhattan, Kansas
04-Superman
05-You were Always There
06-Little Girl Gone
07-Just Call Me
08-I'll Try a Little Bit Harder
09-You Can't Be a Beacon (If Your Light Don't Shine)
10-U. S. A. of A.
11-It Do Feel Good
12-Hello Little Blue Bird
13-Whatever I Say
14-What Will the New Year Bring
15-You're Not Charlie brown (And I'm Not Raggedy Ann)
16-Don't Be Angry
17-Heartbreak Hotel
18-Say I Do

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Donna Fargo Biografia

Donna Fargo

Donna Fargo

Donna Fargo (Yvonne Vaughan, 10 de noviembre de 1945, nacio en Mount Airy, Carolina del Norte) es una cantautor americana, siendo famosa por sus de Top 10 hits en el decenio de 1970. Estas incluyen "The Happiest Girl en todo Estados Unidos" y "Rostro divertidos," que ambos se convirtió en cruzado de grandes éxitos pop en 1972.

Fargo ha ganado importantes premios desde su debut a finales de la década de 1960, incluyendo un Premio Grammy, cinco premios de la Academia de música Country y un premio de la Asociación de música Country.
Fargo canto desde sus primeros años, pero nunca pensó en hacerlo profesionalmente. Fargo asistió al High Point College y, a continuación, estudio en la Universidad del sur de California. Después de obtener su graduacion, se convirtió en maestra en la escuela secundaria de Northview en Covina, California, pasando finalmente a la cabeza de la Departamento de inglés. Mientras que en California, se reunió con Stan Silver, quien se convirtió en su administrador cuando Fargo actuaba en clubes de California En este momento, aún estaba enseñando Fargo. Fargo y Silver se casaron en 1968.
Pronto comenzó a aparecer alrededor de Los Angeles, California. Iba a Phoenix en 1966, adoptó el nombre Donna Fargo y grabó su primer único. Su primer gran concierto fue con Ray Price, y comenzó tocando en el sur de California. Fargo grabada para unas pequeñas discograficas a principios Fargo registró una única grabacion para el sello Decca antes de lograr su avance en ese mismo año.

En 1972, una de las canciones de Fargo, "The Happiest Girl en los Estados Unidos toda" fue tomado por Dot Records. Fargo, a continuación, se firmó la etiqueta, y el sencillo fue lanzado el mismo año. Fue uno de los pocas cantantantes de país en escribir su propio material en ese momento y uno de los pocos cantores del país para cruzar el pop Billboard Hot 100 gráfico en una gran forma, que lo hizo en 1972 con "The Happiest Girl en the Whole U.S.A." (number 11). La canción llegó al # 1 en el gráfico de música country. Un álbum del mismo nombre fue liberado tras el éxito de la canción. El álbum fue certificado oro por la R.I.A.A. en 1973, vendiendo más de 500.000 copias. El seguimiento single, "Funny Face," también alcanzó su máxima intensidad en # 1 en el gráfico del país y se convirtió en un emergente más grande éxito de su anterior single, Ambos singles fueron certificados oro a finales del año

Fargo nunca hizo el Top 40 en la música pop nuevo, pero ella coloca más de una docena de sencillos en el país entre los 10 mejores en los años setenta, más escrito por ella misma.

Fargo, en última instancia, se convirtió en la quinta más exitosa artista femenina del país de la década de 1970, informacion de la Revista Billboard, detrás de Loretta Lynn, Dolly Parton, Tammy Wynette y Lynn Anderson.

En 1976 grabo en Warner Bros Records. Fargo salió con el álbum En el lanzamiento, que genera dos Top 20 hits. El próximo año se publicó su siguiente álbum, el País de Fargo. El álbum genera como su primer # 1 que país golpeado desde 1974, "That Was Yesterday ", seguido por otro hit Top 10 países, "Mockingbird Hill", que llegó al número 9 en el ranking Billboard en 1977. Álbum de 1978 de Fargo, vergüenza on me también tuvo dos hits de Top 10, la vía de título, y de "Do I Love You", que alcanzó su máxima intensidad en # 2.

Reconocido como una de las compositores de país líder de la época, se han registrado canciones de Fargo por Tammy Wynette, Sonny James, Kitty Wells, Tanya Tucker, Jody Miller, Marty Robbins, Dottie occidental y otros artistas. Fuente Wikipedia en Ingles

Constantin Florescu - Tangouri Celebre(Rumano)

Genero: Tango, Cantores,Tango en Rumano, Instrumental, Vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 95.4 Mb/Total time: 60:29

Ver mas tangos en otros idiomas

Tracks

01-A plecat un tren din gara
02-Adio doamna
03-Astazi e ziua ta
04-Ce cauti tu in viata mea
05-Cel mai frumos tangou din lume
06-Doi oci albastri
07-Doua viori
08-Firicel de floare albastra
09-Hai acasa puisor
10-Iubesc femeia
11-Mai spune-mi ca nu ma-i uitat
12-Nu ma uita
13-Nu te pot uita
14-Sa nu ne despartim
15-Sa nu te superi daca pling
16-Sub balcon eu ti-am cintat oserenada
17-Tangoul de demult
18-Vrei sa ne intilnim simbata seara
19-Zaraza

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Bruno Venturini Biografia

Bruno Venturini

Bruno Venturini

Venturini Bruno es el cantante Napolitano, que ha vendido más discos en el mundo. Aproximadamente 80 millones entre 78 rpm, 45 rpm, esta cifra se amplia al reproducir, LP , estéreo 8, musicassette, cd y dvd. Llevo a que los teatros internacionales mas famosos el mundo a contratarlo en América, Australia y Europa del Norte. La demanda mas amplia de los años de la antología discográfica de la canción napolitana publicada por SAAR Records srl de Milán. Su disco más raro es un 78 rpm realizado en el sello Phonotype de la F.lli Esposito de Nápoles, cuando era todavía muy joven. Este disco es, evidentemente, muy buscado por coleccionistas que para tenerlo pagarían cifras impresionantes. Después de esta primera experiencia intento la ruta de la modernidad, aventurandose en canciones modernas. Esto lo hizo entender el camino a seguir y lo que el Señor le ha marcado: la interpretacion de las canciones clásicas napolitanas que habían creado un vacío después de Gabriel Vanorio de quien 'hereda' su música. Fue así, que a principios de los años sesenta grabo un LP de canciones clásicas de etiqueta Davide Matalon Italdisc napoletane. Esta matriz a sugerencia de los firmantes se vuelve a publicar por Butterfly música de Milán y está todavía en catálogo. La orquesta para el registro, fue dirigida por el maestro Angelo Giacomazzi. A continuación, llegamos a nuestros días con la antología de la canción napolitana en SAAR Records. Fuente wikipedia en Italiano

Bruno Venturini - L'Oro Di Napoli

Genero: Canzonetta Napolitana, Musica de italia, Vocal, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 93.01 Mb/Total time: 58:19

Grabaciones originales realizadas entre 1973 y 1974

Biografia de Bruno Venturini
Tracks

01-O Sole Mio!
02-O Surdato 'Nnamurato
03-Voce E' Notte
04-Dicitencello Vuje
05-Santa Lucia Luntana
06-'O Paese D' 'O Sole
07-Funiculi' Funicula'
08-Te Voglio Bene Assaie
09-Piscatore 'E Pusilleco
10-I' Te Vurria Vasa'!
11-Maria Mari'!
12-Come Facette Mammeta
13-'O Maremariello
14-Munasterio 'E Santa Chiara
15-Torna 'A Surriento
16-Marechiare

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A.V - Los tangos del siglo vol. 06

Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantantes, Cantores, Instrumental
Llevado a CD en 1994
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 38.7 Mb/Total time: 35:59

Este CD nos llega por gentileza del Cantor y milonguero Raul Mamone quien esta actuando y enseñando a bailar el tango en Barcelona, España
Gracias Raul!!!!!!!

Ver Volumen 1 al 6 Col. Tangos del siglo

Tracks
01-Orquesta Alfredo Malerba canta Libertad Lamarque*****Desconsuelo
02-Orquesta Juan D'Arienzo canta Mario Bustos*****Justo el 31
03-Orquesta Domingo Federico canta Carlos Vidal *****Yuyo Verde
04-Orquesta Edgardo Donato canta Felix Gutierrez*****El Huracan
05-Orquesta Francini Pontier canta Julio Sosa*****Por seguidora y por fiel
06-Orquesta Juan Maglio Instrumental*****Union Civica
07-Orquesta Anibal Troilo canta Floreal Ruiz*****Equipaje
08-Orquesta Eduardo Del Piano canta Angel Vargas*****Milonga para Gardel
09-Conjunto de Susy Leiva canta Susy Leiva*****Cancion desesperada
10-Orquesta Cayetano Puglisi Instrumental*****Criolla linda
11-Quinteto Astor Piazzolla canta Roberto Goyeneche*****Cambalache(En vivo en el Regina en 1982)
12-Orquesa Osmar Maderna Instrumental*****LLuvia de estrellas
13-Carlos Bahr*****Habla Carlos Bahr

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Edith Marquez Biografia

Edith Marquez


Edith Marquez

Edith Márquez es una cantante y actriz mexicana. Nació el 27 de enero de 1973 en la Ciudad de México, su voz cálida e íntima, su sencillez y un reconocido talento ha cautivado a la gente desde el inicio de su carrera.

Desde el principio de su carrera Edith se caracterizo por mantenerse alejada del escándalo público, hoy en día es considerada como una de las voces más bellas de Hispanoamérica y como una de las principales representantes del pop mexicano, género que empieza a ser considerado como la mezcla de balada, bolero y ranchero.

La fuerza y pasión con que interpreta cada canción se han convertido en su sello característico, de tal modo que Edith Márquez encontró su propio estilo para distinguirse de entre las demás intérpretes.

Desde muy pequeña mostró facultades de ser una buena cantante por su peculiar estilo de timbre. Gano varios concursos infantiles y de ahí comenzó su larga y solida trayectoria siendo hoy en día una de las mejores cantantes de Hispanoamérica.

A principios del año 2008 Edith Márquez supera las dos millones de copias vendidas desde 1998, siendo una de las pocas cantantes que logran ese número elevado sin una públicidad agresiva, ni un sencillo fuerte en la radio.

Sus inicios en el medio artístico se remontan a los 9 años de edad, en 1982, cuando participa en el festival infantil "Juguemos a cantar" con el nombre de Heidi, en dicho programa ganó el primer lugar. En el año de 1984 en el programa XETU ganando el primer lugar del concurso "Canta, Canta" al lado de Pedro Fernández. Luego de esta participación comienza a aparecer como invitada en varios programas musicales y en distintos festivales. Su carrera continúa al ingresar en el centro de educación artística de Televisa y poco después forma parte de las audiciones para la obra de teatro Vaselina, entrando a la misma aunque sin un personaje definido.

En 1987 Edith inicia las grabaciones en Televisa para el programa "Papá Soltero" al lado de César Costa, que saldría al aire en ese mismo año y se mantendría por más de siete años.

En diciembre de 1987, es llamada para formar parte del grupo Timbiriche en el cual fue compañera de Erick Rubín, Diego Schoening, Alix Bauer, Thalía, Paulina Rubio, Bibi Gaytán, Eduardo Capetillo, Patty Tanuz, Claudio Bermudez y Silvia Campos, cubriendo el lugar que la salida de Mariana Garza dejaba. El primer año en el grupo fue muy difícil para la cantante puesto que no fue muy aceptada por los integrantes del grupo, pero después del año todo fue diferente la cantante se ganó el respeto de todos sus compañeros.

Su permanencia en el grupo incluye el material doble "Timbiriche VIII - IX" y "Timbiriche 10" con temas como "Pasos", "Lo quiero" y "Yo no soy una más", entre otros

Al salir del grupo, Márquez se mantiene con su carrera como actriz con pequeñas participaciones en telenovelas como Agujetas de color de rosa, Sentimientos Ajenos y El Privilegio de Amar y en algunos capítulos de Mujer Casos de la Vida Real.

En vista del éxito, Edith Márquez graba su segundo disco "Caricias del Cielo" en 1999, los sencillos a promocionar son "Acostúmbrame al cielo", Esta Vez" y "Nubes Negras", sin un sencillo agresivo ni una campaña fuerte de publicidad el disco logra alcanzar la cifra de 120 mil copias en 2 meses de haber sido lanzado, en total el disco logro vender más de 200 mil copias tan solo en México.

La presentación del disco fue en el Teatro Metropólitan, siendo esta la primera vez que Edith se presentaba en dicho recinto, con una capacidad de más de 2,500 personas logrando un lleno absoluto.

Este disco logro un disco de oro y un disco de platino por las altas ventas que sobrepasaron las 200 mil unidades

En febrero de 2001 es invitada al Festival de Viña del Mar como parte del jurado, además de cantar dos temas de su primer disco: Mi Error, Mi Fantasía, Mirame y un tema de este álbum; Acostúmbrame al Cielo, estos temas fueron un gran éxito en América del Sur.

Edith Márquez es poseedora de un peculiar timbre de voz. Considerada una Mezzosoprano dramática que se ha destacado por sus graves increíblemente bajos que logra alcanzar. Poseedora de un registro vocal de 4 octavas.Fuente Wikipedia

Edith Marquez - Caricias del cielo

Genero: Pop, Ranchero, Bolero, Rock Suave
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Biografia de Edith Marquez

Tracks

01-Un Segundo
02-Nubes negras
03-Esta Vez
04-Corazon Malherido
05-Sobre Tu Cruz
06-Acostumbrame Al Cielo
07-Para No Llorar
08-Mala Sangre
09-Lastima
10-Despedida

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Alfredo Attadia Biografia

Alfredo Attadia

ATTADIA, Alfredo Adolfo. Bandoneonista. Director. Compositor. Arreglador.
Estilista de temperamento fraseador y gran pomada en sus solos —refinados y com- padres a la vez—; sus intervenciones en los tangos Tres esquinas (grabado con Angel D'Agostino, disco Victor) y La novena (gra- bado con Rodolfo Biagi, disco Odeón), son altamente representativas de su modalidad.
Nació el 19 de enero de 1914. Integró durante toda la década del treinta distintos conjuntos en los que compartió inquietudes con muchos músicos que integraron también una pléyade de sextetos o de orquestas de excelente realización como Alfredo De Franco, Eduardo Del Piano, Jorge Fernández, Enrique Cantore, Federico Scorticati, Armando Baliotti, Jaime Gosis, Orlando Goñi, Antonio Rodio, José Pascual, Hugo Baralis, entre otros. Formando pareja con Aníbal Troilo integró en 1933 el sexteto de Alfredo Gobbi en el cine Garay y en 1939 la orquesta de Baliotti en el bar Pellegrini, con Del Piano, Blasco y Galván completando la fila de bandoneones. Fue luego pilar del conjunto de Angel D'Agostino con quien, por lo demás, colaboró en la composición de no pocas páginas exitosas como Cantando olvidaré, Tres esquinas y la milonga Compadreando. En 1945 compartió la dirección de la orquesta Vargas-Attadía. Se desempeñó también en la agrupación del pianista Rodolfo Biagi y dirigió la propia grabando con ella desde 1950 para el sello Pathé varias versiones de línea clásica como Caído del cielo, de Polito y otras vocalizadas por Armando Moreno y Héctor Pacheco. Posteriormente se radicó en Venezuela. Dio a conocer también el tango El yacaré.Fallecio el 30 de enero de 1982. Fuente Horacio Ferrer. Fuente Foto Todotango www.todotango.com

Orquesta Alfredo Attadia - Col. Privadas de El tango y sus invitados1948-1953

Genero: Tango, Orquestas de Tango, Vocal, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 113 Mb/Total time: 65:33
Grabaciones realizadas en los 78 RPM
Del tema 01 al 06 en el sello Odeón
Del tema 07 al 24 en el sello Pathé


Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 01
Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 02
Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 03
Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 04

Biografia Alfredo Attadia

Tracks

01-Milonga para Gardel-Hector Pacheco-23-12-48 (Disc 30701)
02-Senda Florida-Jorge Beiró-23-12-48 (Disc 30701)
03-Tu diagnostico-Jorge Beiró-22-02-49 (Disc 30702)
04-Gallo Ciego-Instrumental-22-02-49 (Disc 30702)
05-Desden-Jorge Beiró-10-10-49 (Disc 30703)
06-Las cuerdas de mi guitarra-Jorge Beiro-10-10-49 (Disc 30703)
07-Araca Corazon-Armando Moreno-13-07-51 (Disc 11003)
08-Caido del cielo-Instrumental-13-07-51 (Disc 11003)
09-El yacaré-Armando Moreno-29-10-51 (Disc 11013)
10-El pensamiento-Instrumental--29-10-51 (Disc 11013)
11-Las cuarenta-Armando Moreno-29-10-51 (Disc 11024)
12-Para el que guste bailar-Instrumental-29-10-51 (Disc 11024)
13-Cualquier cosa-Enzo Valentino-18-04-52 (Disc 11031)
14-Color de rosa-Instrumental-18-04-52 (Disc 11031)
15-Recuerdos de una madre-Enzo Valentino-17-06-52 (Disc 11037)
16-Señor-Enzo Valentino-17-06-52 (Disc 11037)
17-Tus besos fueron mios-Enzo Valentino-14-08-42 (Disc 11042)
18-El negro Pintos-Instrumental-14-08-42 (Disc 11042)
19-Corrientes angosta-Jorge Beiró-28-10-52 (Disc 11050)
20-Dejame quererte-Instrumental-28-10-52 (Disc 11050)
21-Bettinotti-Enzo Valentino-28-10-52 (Disc 11054)
22-A José Razzano(Pepe)Instrumental-28-10-52 (Disc 11054)
23-El cisne-Instrumental-12-03-53 (Disc 11064)
24-Asi canto Martin Fierro-Jorge Beiró(recita Pedro Tecci)-12-03-53 (Disc 11064)

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Rita Pavone Biografia

Rita Pavone

Rita Pavone

Rita Pavone (23 de agosto de 1945, Turín) es una cantante italiana que logró gran popularidad en los '60 y que también trabajó como actriz. Debido a su cabellera pelirroja en Italia recibió el apodo de Pel di carota (pelo de zanahoria).

En 1962 fue descubierta por quien fue primero su representante y luego su marido, Teddy Reno. Entre sus canciones más conocidas están “La partita di pallone” (1963), “Cuore” (1963) y “Qué me importa del mundo” (1964).

Rita Pavone - Ricordi

Genero: Pop, Musica de Italia, Cancionistas
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 72 Mb/Total time: 40:55

Biografia de Rita Pavone

Tracks

01-Nella Mia Stanza
02-Il Mondo Nelle Mani
03-Zucchero
04-Amore Scusami
05-L'Amore Mio
06-In Ginocchio Da Te
07-Balla Balla Con Noi
08-Cittá Vuota
09-Per Tutta La Vita
10-Un Paio Di Stivale
11-E Sono Una Impressione
12-Non Faceva Sera Mai
13-Dimmi Ciao Bambino
14-Tanto Tempo Fa

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Cuarteto La Ochava Biografia

Cuarteto La Ochava

En 1987 Pedro Chemes asumió la dirección del Cuarteto de la Ochava que revivió la música popular del tango de la guardia vieja (1880-1920). Este conjunto fue distinguido en 1990 por la Asociación Gardeliana con el Premio Gardel de Oro y en 1991 en la Bienal de Arte Jóven, organizada por la Municipalidad de Buenos Aires. En 1992 grabaron un CD editado en España y reeditado posteriormente por ANS Records (USA) y por la Warner española, culminando la tarea iniciada en 1983.
Se presentaron en los teatros San Martín, Presidente Alvear, Coliseo, Centro Cultural Ricardo Rojas, Centro Cultural Recoleta, Instituto de Cooperación Iberoamericana y durante siete años en la Peña de los Coleccionistas del Tango del Café Tortoni. En el interior, en salas de Junín, Olavarría, Resistencia, Corrientes y San Luis.
El Cuarteto se componía con Elizabeth Magazian (flauta traversa), Mariana Gaitán (violín), Sergio Crotti (guitarra) y Pedro Chemes (guitara y arreglos).Fuente Web de Pedro Chemes

Cuarteto de la Ochava - Tangos de la guardia vieja

Genero: Tango, Cuartetos, Instrumental
Año: 1992
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 34.9 Mb/Total time: 32:05

Personal:
Pedro Chemes (guitara y arreglos)
Elizabeth Magazian (flauta traversa)
Mariana Gaitán (violín)
Sergio Crotti (guitarra)

Biografia del Cuarteto La Ochava

Tracks
01-El Esquinazo
02-Compadre Achazo
03-La Payanca
04-El Flete
05-Desde El Alma
06-Mi Madre Fue Une Mulata
07-Milongeo Del Ayer
08-El Queco
09-El Intelectual
10-A Tripoli Se Va
11-Palomita Blanca
12-El Coleccionista
13-Don Juan
14-El Choclo

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Tito Rodriguez Biografia

Tito Rodriguez

Tito Rodriguez

Tito Rodriguez
Pablo Tito Rodríguez Lozada, fue un cantante, músico y director de orquesta puertorriqueño nacido el 04 de enero de 1923, en Santurce, Puerto Rico, y fallecido el 28 de febrero de 1973, en Nueva York, Estados Unidos.

Fue el segundo de los diez hijos del matrimonio formado por el dominicano José Rodríguez Fuentes y la cubana Severiana Lozada. Desde su niñez, mostró gran interés en la música y ya en su niñez organizó e integró el conjunto Sexteto Nacional, junto a su amigo desde ese tiempo, el músico Mariano Artau. Luego, a los 13 años integró el Conjunto de Industrias Nativas que dirigía el músico Ladislao Martínez, con la cual grabó su primer tema, titulado Amor perdido en 1937. Al año siguiente, le invitan a formar partedel grupo Cuarteto Mayarí junto con los guitarristas Manuel Jiménez (guitarrista) y Francisco "Paquito" Sánchez y el trompetista Plácido Acevedo. Tito tocaba las maracas y hacía la segunda voz en el conjunto, experiencia que nunca fue grabada pues permaneció solo cuatro meses con el grupo.

La isla de Puerto Rico pasaba en ese momento por una situación económica difícil influenciada por la "Gran Depresión" estadounidense; es esta circunstancia la que lleva a Tito a escribirle a su hermano, el músico y cantante Johnny Rodríguez, quien residía en Nueva York desde 1935, expresándole su deseo de marcharse. Había concluido sus estudios de bachillerato y sus padres habían fallecido, lo que precipitó su partida.

En 1939, Tito Rodríguez, con 16 años de edad, llegó a Nueva York esperanzado en trabajar como cantante y trazar su propia ruta musical. En un principio hizo apariciones en la orquesta de su hermano Johnny y poco después logró cantar con el Cuarteto Marcano, con el cual grabó sus primeros discos en Nueva York, aunque nunca formó parte de esta agrupación. Luego, integró el Cuarteto Caney y tras una pasantía breve por las orquestas de Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y percusionista, presta en 1945 el servicio militar obligatorio en el ejército estadounidense.

Al licenciarse del ejército, el pianista y compositor cubano José Curbelo reclutó a Rodríguez como cantante y músico para su orquesta. Ese año, mientras la banda de Curbelo actuaba en el club nocturno "China Doll", Rodríguez conoció a una corista estadounidense-japonesa llamada Tobi Kei, con quien se casó unos meses después y tendría a sus hijos Tito Jr. y Cindy.

Como anécdota de esta época, se cuenta que un día de 1947, Rodríguez pidió permiso a Curbelo para atender a su esposa enferma, pero realmente el cantante estaba tomando licor en un bar. Curbelo lo despidió y Tito estuvo desempleado largo tiempo. Después dirigió un quinteto de corta duración y en 1948 funda la orquesta "Mambo Devils" (Diablos del Mambo). Con esta orquesta, en pleno auge delmambo, Rodriguez rivaliza con las orquestas de Tito Puente y con los Afrocubans de Machito .

Firma su primer contrato de grabación con la disquera Tico Records, la cual le obliga a cambiar el nombre de su orquesta, el cual pasó a ser Los Lobos del Mambo. Para entonces había iniciado estudios en Julliard Musical Conservatory tomando clases de percusión, vibráfono y xilófono.

Buscando nuevos mercados para su música, Rodríguez firma en 1953 un nuevo contrato con la empresa transnacional RCA Víctor y su banda pasa a llamarse "Tito Rodríguez y su Orquesta". Años después de su muerte, BMG Music reeditó en formato CD varias de estas grabaciones.

En 1955, Tito Rodríguez se percata de que el atrilero de su banda en ese tiempo, su compatriota José "Cheo" Feliciano tenía talento para ser cantante y percusionista. Gracias a ello, Rodríguez le ofrece la oportunidad de cantar junto a su orquesta en el club nocturno neoyorkino, hoy desaparecido, Palladium. Feliciano sale airoso de la prueba y Rodríguez le recomienda al músico Joe Cuba su inclusión en su sexteto.

En 1960, renuncia a RCA Víctor y firma nuevo contrato con la división discográfica de la empresa cinematográfica United Artists. En su contrato, Rodríguez puso como condición que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello, titulado Live at the Palladium, constituyó un éxito que fue empañado sólo por la contínua rivalidad con el músico estadounidense Tito Puente, la cual nació mientras trabajaban con la orquesta de José Curbelo. En junio de 1962, Rodríguez y su banda grabaron "Back Home In Puerto Rico" durante una estadía de dos semanas en la isla. Su regreso fue marcado por recepciones oficiales de gobierno y amplia cobertura por los medios noticiosos.

Trató de establecerse con una revista musical en la ciudad estadounidense de Las Vegas lo cual le ocasionó una gran pérdida económica. En 1963 graba junto a su orquesta un nuevo disco en vivo esta vez dedicado al Jazz Latino en el club neoyorkino Birland. Este álbum, titulado Live at Birland incluyó la colaboración de los músicos de jazz Bob Brookmeyer, Al Cohen, Bernie Leighton, Zoot Sims y Clark Terry. Pero en 1964, a causa de un veto artístico que le impedía actuar con sus músicos, Tito Rodríguez asumió el reto de cambiar radicalmente de estilo, al menos por ese momento, al interpretar boleros con acompañamiento de una orquesta de cuerdas, cuando los boleristas tradicionales no estaban en su mejor momento.

La disquera, puso el talento de Rodríguez en manos del músico, compositor y director estadounidense Leroy Holmes quien había tenido algún acercamiento con la música romántica latinoamericana. De esta colaboración, nace el álbum From Tito Rodríguez with Love (De Tito Rodríguez con amor) un auténtico éxito de ventas, que incluyó la canción "Inolvidable" del músico cubano Julio Gutiérrez. Este éxito inicial como bolerista, hace que años después de su muerte se le conociera como "El Inolvidable". La alianza entre Rodríguez y Holmes produjo unos nueve LP con interpretaciones que iban del género del bolero a la balada. A esta sucesión de LPs románticos la alternó con álbumes bailables diversos como el titulado Tito, Tito, Tito y Tito Número 1.

Los malos contratos de negocios y la controversia con sus músicos sobre el salario, le hicieron disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Cuando la compañía matriz de United Artists adquirió uno de los canales de televisión de Puerto Rico, Tito inició su propio programa en el cual aparecieron como invitadas diversas estrellas estadounidenses como Shirley Bassey, Tony Bennett y Sammy Davis Jr. Rodríguez pensó que como a él se le consideraba Nuyorican (neoyorkino de ascendencia puertorriqueña) no podría recibir algún premio por su programa.

Sintiendo el rechazo de sus compatriotas, Rodríguez regresa a Estados Unidos. El álbum "Estoy Como Nunca" marca este regreso a los escenarios de Nueva York. Por último, grabaría su disco El Doctor contentivo del tema Esa Bomba, su última canción sobre la rivalidad que sostuvo con Tito Puente.

En 1967, durante la grabación de uno de sus programas Rodríguez tuvo uno de los primeros síntomas de la leucemía, de la cual fallecería. En 1969, Rodríguez inició su labor como empresario discográfico con su sello TR Records. Enseguida viaja al Reino Unido, para grabar con músicos de aquel país su primer álbum en esta nueva etapa Inolvidable (Unforgetable) en el cual reeditó su famoso éxito de 1964 ya mencionado. A los boleros tradicionales contenidos en este LP sumó canciones de corte innovador como Amor No Es Solo Sexo. Durante el espacio entre las sesiones de grabación, le fue confirmado que padecía de leucemia aunque insistió en mantener en secreto su enfermedad.

En el año 1972 Rodríguez celebra sus 25 años de actividad como vocalista (aunque tenía más años en el medio artístico) con un espectáculo titulado 25th Anniversary Perfomance (Presentación del 25º Aniversario) el cual presentó en el Club "El Tumi" de Lima donde se realizó su última grabación en vivo. Este álbum, que incluyó sus éxitos de finales de los años 50 y los 60 fue presentado al público en enero de 1973 y despertó comentarios acerca de que esto fuera una despedida.

Desoyendo el consejo de guardar reposo, Rodríguez realizó su última presentación con la orquesta de su colega Francisco Raul Gutierrez Grillo ( Machito) en el Madison Square Garden el 2 de febrero de 1973. Este espectáculo redujo aún más la vitalidad del cantante, por lo que debió ser hospitalizado.

Finalmente, perdió la batalla contra su enfermedad y, 24 días después, el 26 de febrero de 1973, Rodríguez falleció en los brazos de su esposa. A petición del cantante, sus restos fueron llevados a Puerto Rico y fueron velados en una ceremonia que congregó a varios colegas suyos, entre ellos su antiguo rival, Tito Puente. Luego, sus restos fueron cremados y depositados en una urna junto a los de su esposa, años después.

Homenajes [editar]Cuando se formó la orquesta de salsa y jazz latino Fania All Stars (Las Estrellas de Fania) a Rodríguez se le invitó a tomar parte en la grabación de su primer álbum, lo cual declinó. Es, sin embargo, esta misma orquesta la que le rindió el primer tributo discográfico, años más tarde. Posteriormente, Danny Rivera, compatriota de Rodríguez, grabó un LP en homenaje suyo que incluyó un dúo con la voz de este. Igualmente, Chucho Avellanet cuya carrera de bolerista fue impulsada por el éxito de Tito Rodríguez, grabó otro álbum de homenaje.

Pero en 1993, al cumplirse 20 años de su desaparición, la disquera venezolana Palacio de la Música y la estadounidense West Side Latino (poseedora del catálogo de United Artist Latino) concibieron la idea de sustituir el acompañamiento original en los éxitos románticos de Rodríguez con un conjunto de voces y guitarras, escogiéndose para este fin a La Rondalla Venezolana. De esta fusión surgió el CD "Eternamente", grabación de gran éxito a la que se sumó "Nuevamente Juntos" en 1999. Estos homenajes se basaron en el deseo que tuvo Rodríguez, jamás cumplido, de grabar con guitarras.

También en 1993, el cantante de salsa y baladas Gilberto Santa Rosa realizó otro álbum titulado A Dos Tiempos De Un Tiempo con interpretaciones de boleros y salsa realizadas años atrás por Rodríguez, además de un tema especial dedicado a aquel y otro a dúo con el fallecido intérprete. Finalmente, en el año 2003 la disquera puertoriqueña Disco Hit retoma la idea de grabar la voz de Tito Rodríguez con guitarras y edita el álbum El Inolvidable: Boleros, Voces y Guitarras.

Su forma particular, sentimental y propia de interpretar el bolero y la música, le han hecho merecedor del reconocimiento internacional como uno de los grandes intérpretes de la música caribeña y del bolero. Después de su muerte y aún en vida ha tenido muchos intérpretes que siguen su estilo en el género del bolero. Fuente Wikipedia

Tito Rodriguez - La Herencia

Genero: Salsa, Mambo, Vocal, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 88.2 Mb/Total time: 47:44

Biografia Tito Rodriguez

Tracks

01-Yamboro
02-Tremendo Cumbán
03-Esto Es Felicidad
04-Me Voy Pa' Las Villas
05-Ya lo Vi
06-Vuela, Vuela, La Paloma
07-La Ley del Guaguancó
08-Clapping the Guapacha
09-Besame La Bembita
10-Harlem Nightmare
11-Ritmo y Melodía
12-Dónde Estabas Tú
13-Chancleteando
14-Piel Canela
15-A Los Muchachos de Belén
16-Palo de Caña Brava


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Omar Valente Biografia

Omar Valente

Omar Valente en Japon en 1973

VALENTE, Omar. (Nombre de familia: Antonio Valente). Músico. Pianista. Bandoneonista. Contrabajista. Director.
Arregiador. Compositor. Nació en Buenos Aires, barrio de Constitución el 30 de marzo de 1937; pero comenzó sus estudios musicales en La Plata: teoría, solfeo y piano desde los siete años de edad. Debutó en 1949 en orquestas de la capital provincial, y a los doce años formó y dirigió la Orquesta Juvenil Florida, tocando en el recién inaugurado Canal 7. En 1954 integró la agrupación Los Embajadores del Tango (ex músicos de Horacio Salgan) estudiando armonía y composición con Tití Rosi.
Integró luego una formación de avanzada surgida en La Plata: el Quintango, con el que actuó hasta 1970 incluyendo presentaciones en Buenos Aires, en El Viejo Almacén. Y debutó aquel año en Caño 14, como pianista del sexteto de Enrique Mario Francini. Ya durante el verano de 1971 se unió a Néstor Marconi y a Héctor Console para formar el Vanguatrío, con el que grabaría dos discos de larga duración para Tonodisc y sin dejar el cual, colaboró en el acompañamiento de Amelita Baltar con Molles, Consolé y Camino en 1972, en el Teatro Regina; en 1973 con el quinteto de Hugo Baralis (discos Music-Hall, Teatro San Martín); con la orquesta Francini-Pontier, reconstituida ésta para una gira de setenta y dos días por Japón, ahora como bandoneón; y en 1974 como director y arreglador de la orquesta acompañante del cantor Jorge Hidalgo en disco BGM. En 1977 dirigió y escribió las orquestaciones para Virginia Luque (disco Embassy) y para Tito Martino (TM Records). Destacado entre los más diestros pianistas de su generación y por la constante búsqueda inventiva de sus arreglos, es además un inspirado compositor de temas orquestales: Ciudad Noche, Ciudad de Tango (ambos de 1969 y grabados por Hugo Baralis sobre instrumentaciones suyas) y Nace una ciu-dad (1970) formando lo que él mismo denomina como "una primera trilogía". En colaboración con Néstor Marconi, le pertenece Tema para tres. En diferentes momentos de su intensa trayectoria, ha tocado asimismo con D'Arienzo, con Gobbi y con Piro. Es arreglador y pianista de la Banda Sinfónica de la Policía de la Provincia. Fallecio el 1 de Febrero de 2006Fuente Horacio Ferrer

Orrquesta Omar Valente - Timeless Tango

Genero: Tango, Orquestas de tango, Instrumental
Grabacion realizada en 1996
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Este CD nos llega por quien difundio el Primer programa de tangos creado en una FM en el pais, FME 103.9 de Argentina, ya desaparecida, su Creador y Conductor Oscar "Cacho" Cobian quien empezó a irradiar su música allá por 1987 y a través de los años la emisión tomó protagonismo pasando por diferentes emisoras y ganando varios premios (4 Estelares del Espectaculo, al mejor programa de Musica Ciudadana en FM y AM)
Gracias Oscar!!!!
Si queres conocer mas de Oscar visitu su web:
http://www.detangoentango.blogspot.com/

Biografia Omar Valente

Tracks
01-Amurado
02-Ventarron
03-Loca Bohemia
04-Recuerdo
05-La Cumparsita
06-Adios Nonino
07-Canaro En Paris
08-Alegria De Un Teclado
09-Taconeando
10-Tristeza De Un Teclado
11-Milonga Con Variacion
12-La Muerte Del Angel

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Fado

Fado: Pintura de José Malhoa

El fado: Nacida en Lisboa, esta melancólica música es la expresión más genuina de la cultura popular portuguesa.
Así como Buenos Aires tiene el tango como una de sus señas de identidad indelebles, El Viajero Ilustrado sabe que Lisboa, la capital de Portugal, no sólo es una de las ciudades más bellas de Europa. Entiende que si lo es, es también por la música que la identifica: el fado es, casi por definición, la canción de Lisboa, el más genuino representante de la cultura popular portuguesa. Y, por la cantidad y calidad de intérpretes y de sitios donde escuchar fado, es siempre una encantadora cita para los afortunados traqueteadores nocturnos de las callecitas de Lisboa.

El Viajero Ilustrado reconoce que Amalia Rodrigues fue la mejor exponente del fado durante más de 50 años. Dueña de una voz entre desgarrada y dulce que la hizo famosa en todo el mundo, Rodrigues le canta a Alfama, un viejo barrio de Lisboa, y a sus rincones. El fado es una expresión de nostalgia, saudade y tristeza. Literalmente quiere decir "destino" y El Viajero sabe que esta música es deudora de la añoranza, de todo aquello que se cree perdido para siempre, de lo que no volverá. También, del fuerte lazo que los portugueses tienen con el mar y, en ese sentido, con los barcos, las partidas y los regresos. En otra de las ciudades marcadas por el fado, Coimbra, el estilo es más alegre.

Durante más de 150 años, calcula El Viajero, los habitantes de Lisboa disfrutaron de su música en pequeños bares, restaurantes y cafés. Canciones que cantan tanto hombres como mujeres, el fado se acompaña con la guitarra portuguesa, con forma de mandolina y pares de ocho, diez o doce cuerdas. Su sonido no es solamente inconfundible, también es imprescindible. A partir de un diseño sencillo, esta guitarra evolucionó y hoy hay bellos modelos decorados con, por ejemplo, incrustaciones de nácar.

Desde 1998, el fado tiene un museo que resguarda y cuenta su historia. La Casa do Fado e da Guitarra Portuguesa funciona en el Recinto da Praia, un edificio del XIX, de fachada color terracota que da a la plaza Largo do Chafariz do Dentro. Las distitnas salas del museo están diseñadas con un criterio moderno y, al mismo tiempo, cálido.

Nacido de raíces africanas entre marineros, prostitutas, vagabundos y toreros, en tabernas de mala fama, a mediados del siglo XIX, el fado inspiró no sólo a grandes letristas sino también a escritores y pintores. Maria Severa fue una de las primeras cantantes de fado y su vida -algo escandalosa para la época que le tocó vivir- se narró en la primera película portuguesa con sonido.

El Viajero Ilustrado sabe que la visita al museo transcurre entre tapas de discos, partituras, programas de actuación, trofeos, centenares de fotografías, vestidos, trajes, chales. Y guitarras portuguesas, como las de Petrolino y Piscalareta, de los años 30, o una de concierto de Carlos Paredes, el guitarrista más famoso. Entre los grandes letristas, El Viajero apunta el nombre de Alfredo Duarte. Era conocido como O marceneiro (el carpintero), porque aseguran que era un artista de la madera. Duarte escribió sobre la muerte, el amor, la nostalgia: todos los temas propios del fado.

Las letras de fados, escritas con prolija caligrafía de tinta, registran también los años en que la dictadura de Antonio Salazar (1933 a 1974), una comisión de censura custodiaba que los intérpretes no cruzaran la delgada línea que, según Salazar, delimitaba la moral y las buenas costumbres. Pero el fado parece haber traspasado todas las barreras. En 1910 apareció "Republicano", cuya letra, recuerda El Viajero, festejaba la nueva república. En distintos puntos del circuito, se pueden oprimir distintos botones para seleccionar qué fado se quiere oír. Al final, vuelve la voz de Amália, que murió en 1999. El Viajero Ilustrado cree, sin embargo, que el mejor modo de conocer y disfrutar de esta música es en alguna de las casas de fado en Alfama, en el Bairro Alto, mientras se toma un caldo verde.

Así que, ya en la calle, El Viajero Ilustrado camina por la Rua da Rosa y comienza a entender dónde y por qué nació el fado. En el restaurante típico "O Forcado" entre antiguas fotos de fadistas, escucha la voz de la cantante, la guitarra y la viola, que nunca es solista y aporta el ritmo. En otra casa de fado emblemática, "Adega Mesquita", El Viajero percibe el alma portuguesa. Allí hay fado, fotos de toreros y poemas pintados en azulejos. El famoso Café Luso está abierto desde años 30. Ocupa las antiguas cocheras y bodegas del Palacio de San Roque y es uno de los edificios que resistió al terremoto de 1755. En el Barrio Alto hay muchas otras posibilidades de escuchar fado: "Adega Machado", "Senhor Vinho" y "A Severa". Para una noche de fado, El Viajero Ilustrado sabe que debe llegarse también hasta el barrio de Alfama.

Todas las mujeres que cantan fado se cubren los hombros con un largo, sutil chal negro. El Viajero Ilustado escuchó que en esa tradición hay un homenaje a la fadista Maria Severa.

Una canción de amor y saudade, una despedida de alguien que se embarca, una canción melancólica pero no triste que se escucha en el puerto de Lisboa: el fado.
Fuente: Clarin(El viajero ilustrado) del 26/08/2007

A.V. The Best of Fado - Um Tesouro Português - Vol 01

Genero: Fado, Musica de Portugal, Vocal, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 96.1 MB / Total time: 67:15

Que es el Fado

Tracks

01-AMÁLIA RODRIGUES*****GAIVOTA
02-CARLOS RAMOS*****SEMPRE QUE LISBOA CANTA
03-HERMÍNIA SILVA*****FADO DA SINA
04-CAMANE*****MAIS UM FADO NO FADO
05-MARIZA*****Ó GENTE DA MINHA TERRA
06-MAX****NEM ÀS PAREDES CONFESSO
07-LUCILIA DO CARMO*****MARIA MADALENA
08-FREI HERMANO DA CAMARA*****O RAPAZ DA CAMISOLA VERDE
09-MAFALDA ARNAUTH*****QUASE IMORTAL
10-CARLOS DO CARMO*****POR MORRER UMA ANDORINHA
11-MARIA TERESA DE NORONHA*****FADO DAS HORAS
12-JOÃO FERREIRA-ROSA*****TRISTE SORTE
13-ARGENTINA SANTOS*****DUAS SANTAS
14-NUNO DA CAMARA PEREIRA*****FADO DO LADRÃO ENAMORADO
15-KATIA GUERREIRO*****ASAS
16-FERNANDO FARINHA*****CANÇÃO DE LISBOA
17-TONY DE MATOS*****O FADO MORA EM LISBOA
18-VICENTE DA CAMARA*****A MODA DAS TRANÇAS PRETAS
19-MARIA DA FÉ*****VALEU A PENA
20-FERNANDO MAURICIO*****IGREJA DE SANTO ESTÊVÃO
21-BEATRIZ DA CONCEIÇÃO*****POMBA BRANCA, POMBA BRANCA
22-ALFREDO MARCENEIRO*****HÁ FESTA NA MOURARIA

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Bernstein Arturo (El Aleman). Biografia

Bernstein Arturo (El Aleman)

BERNSTEIN, Arturo Herman. ("El alemán"). Músico. Bandoneonista. Compositor.
Nació en Petrópolis (Brasil), el 17 de noviembre de 1882. Radicado en Buenos Aires desde la infancia, ejecutó inicialmente violín y guitarra en cafés de Barracas, dedicándose luego al bandoneón. Fue el primer bandoneonista del tango con profundos conocimientos musicales y dominio absoluto del instrumento, en el que también ejecutaba fragmentos de páginas europeas de concierto. Participó del auge de los conjuntos de tangos en los cafés con cama-reras de La Boca, en torno del Centenario. Acreditó con su bandoneón, y su pila de fieltros de "chops" consumidos, el café La Marina de Suárez y Necochea. Su actuación fue muy prolongada, contando con su concurso muchos locales de la época, tales como El Caburé, El Parque, T.V.O. y La Fratinola, de Martín García y Patricios, en el que actuó mucho tiempo. A partir de 1915 su actuación tuvo lugar en los locales nocturnos del centro. Compuso el excelente cuarteto denominado El Alemán, acaso el mejor de su tiempo, con Vicente Pepe (violín), su hermano Luis (guitarra) y Ventoso Pita (flauta), grabando para los discos Atlanta. En 1920 integró un conjunto con Juan Carlos Cobián (piano), Tito Roccatagliata (violín) y Ciriaco Ortiz (bandoneón) para tocar en el bar Victoria, de la ciudad de Córdoba. Cumplió su postrera actuación en 1935 con un quinteto evocativo por LS6. Fue un verdadero maestro en la enseñanza del bandoneón, con legiones de discípulos destacados, como Carlos Marcucci y Federico Scorticati. Autor de diversas obras, entre ellas: No hay partido sin revancha, La carambola, Mala suerte, La gaita, Rama caída. Falleció en Buenos Aires el 20 de setiembre de 1935.Fuente Horacio Ferrer

Esposito Genaro. ("El tano Genaro"). Biografia

La Cubanita de ESPÓSITO Genaro. ("El tano Genaro")

ESPÓSITO, Genaro. ("El tano Genaro").Nacio el 17 de Febrero de 1886 en el barrio de San Telmo de la capital Argentina.
Músico. Bandoneonista. Director. Compositor.
Fue una de las figuras auténticamente representativas del tango en los primeros veinte años del siglo. En plano inmediato al de Pacho y Greco, su nombre se contó entre los ídolos populares en torno de cuya actuación se afianzó la gran divulgación de los tangos como música bailable. Maestro de bandoneón, Anselmo Aieta se contó entre sus discípulos. Fue más tarde otro de los aventurados artistas que contribuyeron con su esfuerzo personal al apogeo del tango en Europa. Así como Arólas fue el crédito de Barracas; Maffia el de Flores; Marcucci el de Wilde, y Fresedo el de Paternal, él lo fue de la barriada de San Telmo donde nació. Actuó durante mucho tiempo en los cafés con camareras de La Boca. Resultó clásica su presencia en el palco del Royal, de Suárez y Necochea, con Agustín Bardi (violín y José Camarano (guitarra).
Acompañado de Harold Philips (piano) y Alcides Palavecino (violín) hizo luego sus interpretaciones en otro local: La Marina. En 1912, con Vicente Pepe (violín), Vicente Pecci (flauta) y Guillermo Saborido (guitarra), actuó en el Palais de Glace. Posteriormente formaron en su cuarteto Julio Doutry "El francés" (violín), José Camarano(guitarra) y José Dionisio Fuster (flauta) actuando en el bar Iglesias de Corrientes. Con este conjunto grabó numerosos discos para los sellos Era, Columbia y Víctor. Tiempo después tocó en Le Petit Parisién e integró la orquesta de Eduardo Arólas durante las presentaciones de éste en Montevideo, tocando también como atracción, en el café Zunino. En 1920 se alejó con rumbo a París —en compañía de Manuel Pizarro— donde formó orquesta para tocar en el cabaret Le Perroquet, en el foyer del Casino de París. Continuó su carrera de músico en Francia. Falleció en París, en 1950. Fue compositor del tango La cubanita. Fuente Horacio Ferrer

Homenaje a la Guardia Vieja del Tango 1913-1914(Quinteto Criollo El Aleman-1913 y Quinteto Criollo Tano Genaro-1914

Genero: Tango, Quintetos, Guardia vieja del tango, Instrumental
Grabaciones realadas en 1913 y 1914 en el sello Atlanta
Gracias al esfuerzo y la labor de los coleccionistas estas grabaciones pudieron ser digitalizadas. El homenaje es tambien para ellos.
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El quinteto El Aleman esta dirigido por BERNSTEIN, Arturo Herman
El quinteto Tano Genaro esta dirigido por ESPÓSITO, Genaro

Por gentileza de Alessandro, se agrega el track 21 como Bonus Track(que no esta incluido en la contratapa), pero si en el CD .

Biografia Esposito Genaro. ("El tano Genaro")

Biografia de Bernstein Arturo (El Aleman)

Tracks

01-Quinteto Criollo El Alemán*****No Hay Partido Sin Revancha - Instrumental-1913
02-Quinteto Criollo El Alemán*****El Apache Porteño - Instrumental-1913
03-Quinteto Criollo El Alemán*****Idilio Campestre - Instrumental-1913
04-Quinteto Criollo El Alemán*****El Apache - Instrumental-1913
05-Quinteto Criollo El Alemán*****Secreto De Amor - Instrumental-1913
06-Quinteto Criollo El Alemán*****El Caburé - Instrumental-1913
07-Quinteto Criollo El Alemán*****Región Campera - Instrumental-1913
08-Quinteto Criollo Tano Genaro*****El Entrerriano - Instrumental-1914
09-Quinteto Criollo Tano Genaro*****De Madrugada - Instrumental-1914
10-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Noche De Frío - Instrumental-1914
11-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Gran Muñeca - Instrumental - 1914
12-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Rodríguez Peña - Instrumental - 1914
13-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Una Fija - Instrumental - 1914
14-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Noche De Farra - Instrumental - 1914
15-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Curda Completa - Instrumental - 1914
16-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Lágrimas Y Sonrisas - Instrumental - 1914
17-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Recuerdo De Zambonini - Instrumental - 1914
18-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Te Sol - Instrumental - 1914
19-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Tallada - Instrumental - 1914
20-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Viento En Popa - Instrumental - 1914
21-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Zambacueca - Instrumental - 1914

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Miguel Aceves Mejía Biografia

Miguel Aceves Mejía

Miguel Aceves Mejía

Miguel Aceves Mejía (Chihuahua, México, 15 de noviembre de 1915 - 8 de noviembre de 2006) fue un cantante, actor y autor de canciones vernáculas mexicanas.

El rey del falsete, como era conocido, esta considerado, junto a Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís uno de los pilares de la canción tradicional mexicana.

En su juventud trabajó como Chofer de una familia chihuahuense adinerada, misma que al emigrar a la Ciudad de México, invita también al joven Miguel Aceves a trasladarse ahí, donde posteriormente formó parte de una compañía teatral ambulante y en 1938 grabó con el trío Los Porteños; al mismo tiempo trabajaba como mecánico en la ciudad de México y cantaba en la radio boleros y ritmos afrocubanos.

A partir de 1945 se dedicó exclusivamente al genero ranchero. Si bien partecipó como actor protagonista, tras la muerte de Jorge Negrete y Pedro Infante, en más de 60 películas, Miguel Aceves Mejía es recordado sobre todo como un gran cantante. Aunque fue un interprete de gran versatilidad, es tal vez en la modalidad del huapango donde su arte alcanzó el máximo esplendor. Grabó más de mil canciones de todos los géneros folclóricos mexicanos, acompañado en ocasiones del Mariachi Vargas de Tecalitlán. Entre las más populares melodías que interpretó están "El pastor", "La malagueña", "Yo tenía un chorro de voz’’, "La del rebozo blanco’’, "Vaya con Dios’’, "El jinete’’, " La Noche y tú" y "Cuatro caminos’’. Fuente Wikipedia en español

Miguel Aceves Mejía - Lo mejor de lo mejor rca vol 01

Genero: Rancheras, Musica de Mexico, vasles, corridos
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Biografia de Miguel Aceves Mejía

Tracks

01-La embarcacion
02-O' Gran Dios
03-Carabina
04-El prisionero
05-Las Espinas
06-Amelia Amelia
07-Soy Huerfanito
08-Se me hizo facil
09-La barca de Guaymas
10-Te vide venir
11-Rosa, Rosita
12-Tú solo tú
13-Ella
14-El Rebelde
15-La malagueña
16-Te amare vida
17-Sucedio en la barranca
18-Tu recuerdo y yo
19-Gorrioncillo pecho amarillo
20-A los cuatro vientos

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Emma Milan Biografia

Emma Milan

Emma Milan

EMMA MILAN nació en 1964 en el sudeste de Francia, no muy lejos de Italia, de donde son oriundo parte de su familia. En 1983, ella se establecieron en París para completar sus estudios universitarios y enseñar a español. En consecuencia cursos paralelos cantando y descubrió una pasión por el tango. Esta expresión musical nacida a orillas del Río de la Plata, combinado con textos de una belleza meteórica es para ella como un obvio: encuentró para su camino. Luego vienen encuentros con artistas argentinos que confirma en su determinación. Con el tiempo, favorece la íntimas atmósferas, rodeados por la mayoría de guitarras a menudo uno o dos y un bandoneón además a veces contrabajo, instrumentos que vibran y conversan con la voz. En los últimos años, EMMA MILAN ha actuado en Ginebra, Berlín, Amsterdam, Rotterdam y en Argentina a dos veces (octubre de 2002 Centro Cultural General San Martín y en el teatro ND Ateneo de Buenos Aires, así como en la provincia de Corrientes en el noreste de Argentina.) "En Francia canta en Toulouse (día y el espacio Claude Nougaro teatro) en Périgueux, en Rennes (la barcaza show) en Bourges (Festival Les Euphoniques), a Mazamet (espacio Apolo) en Albi (Festival"A fin de semana con ellos"), en Niza (teatro de verde), Assier (Festival de Assier)..." Puede escuchar en habitaciones parisinas como New Morning, la langosta de Zapata, La Maroquinerie, Le Limonaire, casa de América Latina y el antiguo teatro de la cuadrícula. También ha participado en varios programas de de radio musicales en Francia como en una meseta, o en todos los aspectos más destacados. En el año 2004 que canta Dortmund, en el Instituto francés de Casablanca en Argentina a la Clasica y Moderna en Francia para muchos de los organizadores, incluyendo Forbach, la escena nacional un verano Bourges y Adiam 78. _ PRESSE "En fase de su generosidad y su expresividad se refiere a las horas de tango argentino tradicionales más bellas." LA _ de ADEN del mundo - la Inrockuptibles - "la profundidad de emoción, la belleza de voz y el peso de la noche son de un recital de Emma Milán en un momento muy fuerte y conmovedor". "Simplemente desgastada por un bandoneón y guitarra, la voz de Emma Milán parece simplicidad trágico." GILLES PRESNITZER _ "su voz representa un poderoso vínculo entre aceras sombra Buenos Aires y París húmedo de piedra". "Esta cantante al sello elegante lo ha dejado llevar por la belleza de las palabras elegidas para expresarse". Bouziane Daouadi - liberación _ "no se trata de un niño de la borne o se trata de un cantante que roto todos los estilos al tango, sino de unas palabras de amor de joven mujer y su poesía". Valérie Jourdan - revista de Bayan _ "Emma Milán da cuerpo a las palabras, palabras en un idioma especial y vincular...!" Dominique Dejalot - la REPUBLICAIN - "Emma Milán perpetúa el vínculo histórico-cultural y sentimental entre Francia y el tango... como una arteria que conduce al corazón." MONDOMIX Fuente web de Emma Milan en Frances

Emma Milan - Serenata Porteña

Genero: Tango, Cancionistas, Vocal, Instrumental
Año: 1997
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Biografia de Emma Milan

Tracks

01-Yuyo Verde
02-Griseta
03-Trenzas
04-Forastera
05-Tu Olvido
06-Nada
07-Sus Ojos Se Cerraron
08-Mi Penar
09-La Milonga Y Yo
10-Fuimos
11-Qué Me Van A Hablar De Amor
12-Cafetin De Buenos Aires
13-Tardes Provincianas
14-Gloria
15-Amurado

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Eddie Calvert Biografia

Eddie Calvert

Eddie Calvert (marzo 15to, 1922-agosto 7, 1978) fue un trompetista Inglés, que logró sus mayores éxitos en la década de 1950. Calvert tuvo en el Reino Unido, el número uno instrumental 2 veces en 1954, con "Oh mein Papa".

Biografía
Albert Edward Calvert nació en Preston, Lancashire, Inglaterra, y se crió en una familia donde la música de su banda de música local presentó reiteredamente. Pronto fue capaz de reproducir una variedad de instrumentos, y era más logrado en la trompeta. Tras la Segunda Guerra Mundial se graduó de ejecutante como aficionado en bandas de música a los compromisos profesionales con orquestas de baile popular de la época, incluida la de Geraldo además de Billy Ternet y pronto se hizo conocido por el virtuosismo de sus actuaciones. Después de su exposición en la televisión con la Orquesta Negro Stanley, un locutor entusiasta lo presentó como el "hombre con la trompeta de oro" - una descripción acertada de que permaneció con él durante el resto de su carrera musical.

Estilo de Calvert fue inusualmente individualista, y se convirtió en un músico conocido en la BBC Radio y televisión durante la década de 1950. Grabo por primera vez para Melodisc, ca 1949-1951 siguio grabando para el sello Columbia y entre sus discos figuraban dos números uno del Reino Unido, "Oh mein Papa" y, más de un año después, "Cherry Pink and Apple Blossom White". Fue el primer músico británico en lograr dos números uno. "Oh mein Papa", que también se vendió bien en los Estados Unidos, encabezó las listas británicas durante nueve semanas (en ese entonces un récord de éxitos del Reino Unido), y recibió el disco de oro otorgado por primera vez para una pista instrumental Reino Unido.

Sus exitos en ese momento eran "John y Julie", tomado de la banda sonora de la película de John y Julieta, y "Mandy", su último gran éxito. Otras grabaciones incluyen "Stranger In Paradise" (1955), "El hombre del brazo de oro" (1956) y "Celos" (1960). Calvert también co-escribió "Mi hijo, mi hijo" en 1954 - una carta-primeros de Vera Lynn. Su tema de la película, El hombre del brazo de oro fue prohibida por la BBC. A pesar de que el hecho de que se trataba de un disco instrumental, un portavoz de la BBC dijo: "La prohibición se debe a su coneccion con una película sobre las drogas"

A medida que la industria de la música entró en la era menos inocente de la década de 1960, las entregas musicales Calvert se hizo menos apreciado por los compradores de registro. En 1968 se había convertido en Calvert desilusionado por la disminución de su fortuna y dejó el Reino Unido, y se fue a vivir a Sudáfrica.

Murió de un ataque al corazón en Salisbury en 1978, durante una gira de conciertos de Rhodesia. Tenía 56 años de edad. Fuente Wikipedia en Ingles

LP Eddie Calvert - Lonely Nights-1970

Genero: Bigs Bands, Trompeta, Instrumental, Continental Europea
Grabaciones originales en 1956
Llevadas a LP en 1970

Biografia de Eddie Calvert

Tracks

A01-Easy To Love
A02-What Is This Thing Called Love
A03-Can't Help Lovin' Dat Man
A04-Taking A Chance On Love
A05-Falling In Love With Love
A06-Love In Bloom
B01-The Man I Love
B02-Why Do I Love You
B03-One Night Of Love
B04-A Little Love,A Little Kiss
B05-Love Is The Sweetest Thing
B06-Love Me Or Leave Me

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Julian Plaza biografia

Julian Plaza cuando gano el ACE de oro(Sup. Clarin)

Julian Plaza

Julian Plaza en la orq. Carlos Di Sarli en 1958

Cuarteto de bandoneones a capella integrado por Alfredo Marcucci, Ernesto Franco, Julián Plaza y Atilio Corral

PLAZA, Julián. Músico. Bandoneonista. Pianista. Compositor. Arreglador.
Se formó estéticamente en los conceptos de estilo que dieron fisonomía al tango de la Generación de 1940, desde la temprana aparición que lo convirtió —apenas adolescente— en uno de los ejecutantes más requeridos y mejor conceptuados. Se proyectó luego en primera línea de inquietud renovadora, de conducta profesional y de permanencia en la creación, entre los jóvenes artistas que a su vez otorgaron personalidad, interés y jerarquía al tango de la generación de 1955. A ésta pertenece él por sensibilidad, por actuación y por obra, compartiendo esa ubicación con otros tanguistas de edad semejante y parecidas ideas musicales: Atilio Stampone, Víctor Lavallén, Leopoldo Federico, Osvaldo Berlingieri, Simón Bajour, Osvaldo Requena y Osvaldo Tarantino, con quienes ha defendido y postulado en común aquellas ideas en numerosas y calificadas realizaciones. Conocedor a fondo de los secretos y de los "modismos" que hacen a las modalidades orquestales más disímiles, integró con idéntica competencia agrupaciones de tan opuesta concepción como las de Carlos Di Sarli y Miguel Caló. Ese dominio de las corrientes interpretativas de cuño tradicional combinado al estudio de las disciplinas musicales—que cumplió junto a Julián Bautista— y a su imaginación, le permitió también encarar la escritura instrumental de dos orquestas típicas que son pilares del tango evolucionado: Aníbal Troilo y Osvaldo Pugliese. En su labor de arreglador para estos dos directores, así como en los que a su turno concibió para Atilio Stampone y Enrique Francini, o en la tarea profesional de orquestaciones estándar escritas para la editorial Korn está lo capital de su carrera.
Y los invariables rasgos de buen gusto, de sobriedad, de superación y de búsqueda que conceden muy luego relevancia al momento más valioso de esa trayectoria: su contribución al Sexteto Tango. Seis arreglos de muy diferente pensamiento orquestal la ilustran: son los que plasmó para los tangos A fuego lento, Quejas de bandoneón, Mala junta, Danzarín, Nochero soy, éste en colaboración con Osvaldo Ruggiero al igual que el realizado sobre Milonga del 900. En la rica elaboración de su música firmemente estructurada, moderada en la ornamentación, valiosa por su desarrollo armónico, se transparenta de algún modo indirecto o patente— la gravitación que sobre buena parte de los orquestadores de su misma hornada, ha ejercido la absorbente personalidad de Astor Piazzolla. Juicio que cabe extender a su constante producción de compositor de largos períodos alternados con dibujos rítmicos hábilmente desarrollados con tendencia al empleo de los tonos mayores. Esta faceta suya se anunció hacia 1954 con un tango estrenado por Miguel Caló A lo moderno. Y se continuó luego con seis obras dadas a conocer cada dos años aproximadamente desde 1956 hasta 1968 a saber: Sensiblero, Danzarín, Melancólico, Nostálgico, Buenos Aires-Tokio y Disonante, todos refrendados por el éxito.
Ha compuesto asimismo tres milongas de llamativo contenido renovador: Nocturna —sobre diseños de milonga ciudadana—, Payadora —con reminiscencias de milonga criolla— y —Morena —con elementos melódicos y rítmicos inspirados en la variedad convencionalmente denominada "milonga candombe".
Nació en La Pampa en 1928. Debutó profesionalmente en 1943 como integrante de la orquesta de Edgardo Donato; formó más tarde en el conjunto de Antonio Rodio —1945 y en el de Miguel Caló desde 1949— en varias instancias, como bandoneón y arreglador de dicha agrupación. En compañía de Atilio Stampone y de Alfredo Marcucci, emprendió entonces una larga turné por ciudades de Europa y del Cercano Oriente integrando con aquéllos la orquesta de Eduardo Bianco. A su regreso y paralelamente con su tarea junto a Miguel Caló, formó en un cuarteto de bandoneones "a cappella" con Alfredo Marcucci, Ernesto Franco y Atilio Corral. Desde 1956 se contó entre los colaboradores de Carlos Di Sarli, tocando también en las formaciones de Atilio Stampone; se vinculó durante 1959 a la orquesta de Osvaldo Pugliese. Perteneció a ésta por nueve años animando todas las actuaciones de la misma en radio, teatros, disco, televisión y en las giras por la URSS, China y por el Japón. En abril de 1968 ya como pianista unió su nombre a los de Emilio Balcarce, Osvaldo Ruggiero, Víctor Lavallén, Osear Herrero y Alcides Rossi, quienes juntamente con el vocalista Jorge Maciel, fundaron el Sexteto Tango grabando sus realizaciones para los discos Victor y CBS. Fallecio el 19 de abril de 2003. Fuente Horacio Ferrer

Julián Plaza - Japón '96

Genero: Tango, Orquestas de tango, Instrumental, vocal
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Este CD fue grabado en la Argentina a fines de 1996 y publicado en 1997, despues del regreso de la gira de dos meses que realizó Julian Plaza por Japón con su orquesta, las voces de Enrique Dumas y Patricia Andrade y dos parejas de bailarines.
Julian Plaza durante la gira y la grabacion fue director, y ejecutó el bandoneon y el piano.

Biografia de Julian Plaza

Tracks

01-Danzarín-Instrumental-1996
02-Nocturna-Instrumental-1996
03-En esta tarde gris - Enrique Dumas-1996
04-Ventanita de arrabal - Enrique Dumas-1996
05-Buenos Aires-Tokio-Instrumental-1996
06-El adiósSan Clemente - Patricia Andrade-1996
07Caminito-Instrumental-1996
08-El choclo-Instrumental-1966
09-Organito de la tarde-Instrumental-1996
10-La última copa - Enrique Dumas-1996
11-Malevaje - Enrique Dumas-1996
12-Uno - Patricia Andrade-1996
13-Melancólico-Instrumental-1996
14-La cumparsita-Instrumental-1996

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Irene Grandi biografia

Irene Grandi

Irene Grandi

Irene Grandi nació en Florencia.
Ella debutó en el Festival de música de Sanremo en la categoría nuevas propuestas con "Fuori", en 1994, que posteriormente fue ganada por Andrea Bocelli, que fue también debuta el mismo año.
Su primer álbum, Irene Grandi, contenía canciones escritas con Eros Ramazzotti ("Sposati subito") y Jovanotti ("T.V.B.").[2] En 1995, su segundo álbum, en vacanza da una vita, fue liberado. Contenía esas canciones como "En vacanza da una vita" y "Boum culo". A estos álbumes siguieron Por Fortuna purtroppo, Verde rosso e blu, Kose da Grandi y Indelebile entre otros.
En 2000, ella se ubica segunda en el Festival de música de Sanremo con una canción escrita junto con Vasco Rossi.
Interpretó la voz principal en la canción "Blue", la pista de cierre en 2003 del álbum francés Héctor Zazou del productor fuerte corriente .
En 2004, hizo su debut como presentadora de televisión con Marco Maccarini en el Festivalbar.

Irene Grandi - VerdeRossoeBlu(Special San Remo)

Genero: Continental Europea, Pop, Italian music, vocal, Instrumental
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Biografia de Irene Grandi

Tracks
01-Eccezionale
02-Verde Rosso E Blu
03-Tutta Diversa (Come Mi Vuoi)
04-Sto Peggiorando
05-Francesco
06-Limbo
07-Pettine E Spazzola
08-Contatto
09-La Tua Ragazza Sempre
10-Che Fatica Si Fa A Cambiare Vita
11-Rido Senz'anima

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Sexteto Tango Biografia

Sexteto Tango

Sexteto Tango: (1968 - 1991)
Es sin duda, una de las expresiones orquestales más representativa del tango a partir de los años setenta, organizada como los sextetos tradicionales pero con una concepción vanguardista y a la vez respetuosa de la esencia del género.

Para el investigador Luis Adolfo Sierra, además del talento y prestigio de sus componentes, el Sexteto era algo más, «mucho más que laconjunción de los valiosos aportes individuales... Constituye una nota novedosa, original y de asegurada proyección... que corrobora la perfecta posibilidad de la continuación de la estructura esencial de un estilo consagrado (el de Pugliese), sin incurrir en la réplica común o en la vulgar imitación del mismo».

El Sexteto no fue una búsqueda a nuevas formas de interpretación, ni a falsos efectismos, sus integrantes sabían perfectamente lo que querían y pese al origen común de todos éllos -la orquesta de Osvaldo Pugliese- lograron un sonido propio, que fue punto de partida de otras muchas formaciones que lo siguieron y en algunos casos, lo imitaron.

Aunque suene paradójico, la idea de formar un sexteto al modo decariano, fue del propio Pugliese, a su regreso del Japón en el año 1965. Le parecía que había que reducir la formación como una manera de enfrentar la crisis que el tango padecía en esos años. Pero no lo hizo y la orquesta siguió trabajando.

A raíz de una efermedad del maestro, la orquesta interrumpe sus actuaciones y se disuelve momentáneamente. Entonces, seis de sus integrantes deciden hacer realidad la anterior idea de don Osvaldo y crean, en octubre de 1968, el Sexteto Tango.

Se trataba de una verdadera selección de excelentes músicos: los bandoneonistas Osvaldo Ruggiero y Victor Lavallén, los violines de Emilio Balcarce y Oscar Herrero, en el piano Julián Plaza, en el contrabajo Alcides Rossi y la voz de Jorge Maciel.

Al poco tiempo Pugliese se reintegra a la actividad y los muchachos actúan en las dos formaciones, para después separarse definitivamente en los mejores términos.

Debutan en el mítico escenario de "Caño 14", compartiendo cartel con la orquesta de Aníbal Troilo, el Quinteto Real, Roberto Goyeneche, Rubén Juárez, entre otros. Luego vendría su primer disco larga duración para el sello RCA-Victor, titulado "Presentación del Sexteto Tango" con obras clásicas como "Quejas de bandoneón", "Amurado" y otras propias, "La bordona" (Emilio Balcarce), "Danzarín" (Julián Plaza) y cuatro cantadas por Jorge Maciel.

Su debut televisivo fue en el popular programa "Sábados Circulares", que conducía Nicolás Mancera en el canal 13. Luego vendría su primer gira a Montevideo donde actuaron en el Hotel Victoria Plaza y en el prestigioso Teatro Solís.

En 1970 inician una prolongada gira por América, visitando Chile, Brasil, Perú, Colombia, Venezuela, Santo Domingo y que termina en Estados Unidos, en la ciudad de Los Angeles.

Cuatro años después son convocados a un importante espectáculo de tango en el Teatro Colón junto a las orquestas de Aníbal Troilo, Horacio Salgán y Florindo Sassone (este último en reemplazo de Osvaldo Pugliese que estaba convaleciente de una operación). También actuaron los cantores Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche.

De aquí en más, resulta imposible relatar la extensa actividad que tuvo el Sexteto, era el conjunto más solicitado y sus discos se sucedían sin solución de continuidad. Sus nuevas giras por América y Estados Unidos tuvieron un éxito impresionante. También recorrieron Europa en 1987, actuando con gran suceso en Berlin y después en París, en el famoso local "Les trottoirs de Buenos Aires", donde actuaron durante dos meses como único número.

Después a Japón, donde ya los conocían por su paso con Pugliese y repitieron con tanto suceso, que volvieron en dos oportunidades más.

El Sexteto Tango grabó once long plays, todos para el sello RCA-Victor y uno en Japón para CBS Columbia.

Entre sus registros más interesantes quiero destacar "Trasnoche", un bellísimo tango instrumental de Julián Plaza que tiene una melodía nostálgica y melancólica y un arreglo espectacular de su autor.

Además de Jorge Maciel el Sexteto contó con las voces de Raúl Funes y Jorge Mariano. En 1983 hicieron un disco completo con 12 temas cantados por Roberto Goyeneche, en los que se destacan el bonito vals "Esquinas porteñas" de Sebastián Piana y Homero Manzi y el tango "Estrella" de Marcelino "Cholo" Hernández y Roberto Cassinelli.

El Sexteto Tango tenía cuatro arregladores: Osvaldo Ruggiero, Julián Plaza, Victor Lavallén y Emilio Balcarce, todos además, grandes compositores.

Cada vez que los vuelvo a escuchar, me confirman que el tango para evolucionar no necesita apartarse de sus raíces y desnaturalizar su ritmo y menos, someter su melodía a arreglos que en muchos casos la hacen irreconocible. El Sexteto Tango constituye un ejemplo de tango legítimo y moderno cuyo recuerdo, a modo de homenaje, quise resaltar en esta breve semblanza. Fuente Ricardo Garcia Blaya en Todotango www.todotango.com

Sexteto Tango canta Raul Funes - Trottoirs de Buenos Aires Vol 01

Genero: Tango, Sextetos, Instrumental vocal
Grabaciones originales realizadas en la decada del 80
Llevado a CD realizando la compilacion Disques Dom de Francia en 1994
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Personal del Sexteto Tango
Bandoneón: Osvaldo Ruggiero, Alejandro Zarate
Violines: Oscar Herrero, Emilio Balcarce
Piano: Julian Plaza
Contrabajo: Alcides Rossi
Voz: Raul Funes

Biografia Sexteto Tango

Tracks

01-A media luz-Instrumental
02-Caminito-Raul Funes
03-Quedemos aqui-Raul Funes
04-El monito-Instrumental
05-El dia que me quieras-Raul Funes
06-Donde estas corazon-Raul Funes
07-El pollo Ricardo-Instrumental
08-Cuartito azul-Raul Funes
09-Mi vieja viola-Raul Funes
10-El porteñito-Instrumental
11-Moza-Instrumental
12-Mi Buenos Aires Querido-Raul Funes
13-Mal de amores-Instrumental
14-Maria-Raul Funes
15-Tinta roja-Raul Funes
16-Cuando llora la milonga-Instrumental

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Neil Sedaka Biografia

Neil Sedaka

Neil Sedaka

Neil Sedaka (Brooklyn, 13 de marzo de 1939) es un cantante pop, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building. Trabajó con Howard Greenfield para escribir muchas canciones que fueron éxitos para él mismo y para otros artistas. El registro de Sedaka se considera de tenor.

Sedaka nació de un padre inmigrante con raíces judío sefardís túrquicas y de una madre con ancestros judío askenazís. Comenzó a tocar el piano durante la juventud en una estación de radio de música clásicamientras estaba en la Juilliard School. También empezó a experimentar con el doo wop y la música de rock and roll, cantando e interpretando una vieja versión de The Tokens. Su composición Stupid Cupid fue un éxito de 1958 en la voz de Connie Francis, y Sedaka fue contratado por la RCA Records como interprete solista. Una cadena de éxitos le seguiría, al finalizar 1963.

Los bien conocidos éxitos del Billboard Hot 100 —de sus inicios como cantante— son los temas Oh! Carol (#9 de 1959), Calendar Girl (La chica del calendario, #4 de 1960), Happy Birthday Sweet Sixteen (Feliz cumpleaños, dulces dieciséis, #6 en 1961) y Breaking Up Is Hard to Do (‘es difícil romper’, o ‘es difícil decir adiós’, #1 en 1962). Oh! Carol es una canción que hace referencia a la novia de Sedaka de aquel entonces, su compañera de clase, la compositora Carole King. Pronto ella le correspondió con la canción Oh! Neil, la cual hace referencia al tema de Sedaka y a su nombre. Existe un vídeo en formato 16 mm (llamado Scopitone) para Calendar Girl

Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40 pero se vio entre los intérpretes quienes vieron sus carreras asediadas por la «invasión británica» y otros cambios de rumbo en la industria musical. Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo.

En 1973, Sedaka ayudó al grupo ABBA con la letra en inglés de la canción Ring-Ring para el concurso en Eurovisión. Comenzó a trabajar en Inglaterra al lado de Elton John, quien lo contrató para su sello Rocket Records. Siguiendo una década de larga sequía, Sedaka regresó a la atención del público, con Laughter in the rain y Bad blood. Elton John participó en los coros de esta última. Sedaka y Greenfield también coescribieron Love will keep us togheter un éxito #1 de The Captain and Tennille y el mejor disco vendido de 1975. La canción, si es escuchada cuidadosamente, revela el texto «Sedaka is back» (Sedaka regresó) en la coda, cantada por los coros de fondo.

Fue con estos temas, que Sedaka hizo un retorno positivo al escenario, que lo convirtió en una historia de regreso exitoso. Sherwin Bash (representante de The Carpenters) eligió a Sedaka para abrir las actuaciones de la pareja de hermanos. Según la biografía Carpenters: the untold story (Carpenters: la historia no contada) de Ray Coleman, Richard Carpenter ordenó el despido de Sedaka, lo que resultó en un contragolpe de los medios contra los Carpenters después de que Sedaka anunciara públicamente que estaba fuera de la gira. Richard Carpenter dio el alegato de que ordenó el despido de Sedaka porque «les estaba robando el show», manifestando que ellos estaban orgullosos del éxito de Sedaka. Sin embargo, Sherwin Bash fue despedido.

En 1976, Sedaka grabó una nueva versión de Breaking up is hard to do. La versión original exitosa de 1962 era más rápida y más juvenil, pero el remake era más lento y con cierto estilo evocando al jazz centrando sus arreglos en el piano. Esta nueva versión alcanzó el #8 de las listas de popularidad, convirtiéndose en el segundo artista en llegar a las listas de popularidad de manera exitosa dos veces con un mismo tema en versiones diferentes. The Ventures habían tenido éxito en 1960 y en 1964 con dos grabaciones distintas de Walk don't run (‘camina, no corras’). Coincidentemente el jefe de la disquera de Sedaka, Elton John poco después lograría la proeza dos veces también con Don’t let the sun go down on me (1991) y Candle in the wind. De acuerdo con el libro Billboard 40 op Hits, la versión original de Candle in the wind no llegó a los Top 40)

La segunda versión de Sedaka para Breaking up is hard to do clasificó alto en las listas de popularidad Adult Contemporary. El mismo año Elvis Presley grabo la canción de Sedaka Solitaire, en 1980 tuvo un éxito posicionado como #19 llamado Should never let you go, el cual grabó con su hija Dara.

También es el compositor del popular Is this the way to Amarillo una canción que escribió para el británico Tony Christie. Logró el #18 de las listas del Reino Unido pero llegó al #1 cuando fue relanzado en el 2005, gracias a un vídeo lleno de cameos estelarizado por Peter Kay. Sedaka grabó el mismo tema en 1977, cuando fue un éxito con la posición #44. En abril de 2006 durante un concierto en el Royal Albert Hall (en Londres), Sedaka fue presentado con un galardón del Libro de los Récords Guinness como autor del éxito más vendido del siglo 21 por su tema Amarillo.

Hasta 2009, Sedaka sigue cantando regularmente. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en octubre de 2006 fue introducido al Salón de la Fama de Long Island.

En 1985 Sedaka compuso canciones para la serie anime Z Gundam, estas incluyeron los temas de inicio Zeta-Toki wo koete (originalmente escrita en inglés como Better days are coming) and Mizu no hoshi e ai wo komete (originalmente escrita en inglés como For us to decide, pero las versiones en inglés nunca fueron grabadas. Así como el tema final Hoshizora no believe (originalmente escrita como: Bad and beautiful). Debido a las disposiciones de copyright, en la edición DVD estadounidense las canciones fueron reemplazadas por otras.

En 1994, Sedaka cedió su voz para un personaje que lo parodiaba en el Show Food Rocks, llamado Neil Mousaka.

En 1962, Sedaka contrajo nupcias con la cantante Leba y aun siguen juntos. Tuvieron dos hijos, su hija Dara es una artista que graba comerciales para radio y televisión y Marc es un destacado guionista que vive en Los Ángeles (California). Fuente Wikipedia

Rafael Rojas Biografia y reportaje

Rafael Rojas


Rafael Rojas

En este reportaje, Rafael Rojas, una de las estrellas del Segundo Festival Internacional de Tango “Euroargentino” de Madrid, 9 – 10 – 11 de octubre 2009, Círculo de Bellas Artes de Madrid, cuenta experiencias suyas al colega chileno Patricio de la Paz:
Cantar, vestirse y sentir como Carlos Gardel durante 22 años tenía que rendir frutos. Hoy, Rafael Rojas tiene lugar propio en uno de los mejores shows de tango de Buenos Aires. Cada noche, de traje oscuro y pelo a la gomina, personifica allí al zorzal criollo. Y lo hace en un teatro del Abasto, el mismo barrio donde el famoso cantante pasó su infancia. Rojas, llamado el Gardel chileno, está en su mejor momento. Y viene a nuestro país el 5 de septiembre para dejarlo bien claro.
La anécdota todavía lo hace reír. Y eso que ya han pasado años. Cinco, para ser exactos. Rafael Rojas (36) llevaba entonces unos meses como parte del show de La Esquina de Gardel, donde cantaba canciones del zorzal criollo. Con tal perfección y apego al original, que muchos en el público se iban molestos pensando que el artista doblaba. Que su esfuerzo era sólo mover la boca, mientras una cinta de Gardel ponía la voz. A Rojas eso ya se lo habían comentado los mozos del restaurante, pero pensó que le tomaban el pelo. Hasta que poco después la esposa de Juan Fabbri, dueño del local, le habló bien en serio: "Rafael, vas a tener que cantar a capela 'Mi Buenos Aires querido', para que la gente se convenza de que eres tú el que canta y que esto es en vivo". Rojas obedeció y los ánimos se tranquilizaron. Con pequeñas excepciones, claro.
"Un día, al final del espectáculo, un tipo me llama y me dice que él sabía que era yo quien cantaba, pero que nadie le sacaba de la cabeza que 'Mi Buenos Aires querido' era con la voz de Gardel. Yo le pregunté si de verdad creía que era Gardel quien cantaba. Me insistió que sí. Entonces yo le doy la mano y le digo: 'Mucho gusto, Carlos Gardel para servirle'", recuerda Rojas, sin poder contener las carcajadas. Carcajadas que suenan bastante más sueltas que esa voz profunda y de fraseo rápido con la cual ha cantado incansable, durante 22 años, los tangos que alguna vez entonó el Gardel verdadero.
Porque si bien Rafael Rojas tiene hoy un lugar protagónico en el show de La Esquina de Gardel -uno de los mejores espectáculos de tango de Buenos Aires, que se presentará el martes en Viña del Mar, y el 7, 8 y 9 de septiembre en el Teatro Teletón de Santiago-, llegar ahí no ha sido fácil. Ha dejado una buena cuota de sudor, lágrimas y tangos en el camino. Su historia para convertirse en el Gardel chileno ha tenido de todo un poco. Desde cantar rancheras con sus hermanos en Alemania, siendo apenas un niño, hasta atreverse con el tango por primera vez en Uruguay, a los 14 años y venciendo una timidez espantosa. Desde apariciones en cuanto programa de la televisión chilena se le cruzó en la ruta hasta veladas inolvidables en el Café Torres de Santiago. Esas donde Menem y Anthony Quinn lo aplaudieron a rabiar.

Rafael Rojas es el sexto de siete hermanos. Y aunque nació en Cerro Navia, en 1970, muy luego -tras el golpe militar- debió partir a Buenos Aires junto a su familia. Allí, pensando encontrar más calma, su padre trató de continuar su negocio de desabolladuría y mecánica automotriz. Poco le duraría. La llegada de los militares al gobierno argentino en 1976 los hizo arrancar otra vez. El destino fue Alemania. Mientras cargaban sus maletas rumbo a Europa, ninguno podía imaginar que gastarían allá casi ocho años de sus vidas.

En tierras germanas, la familia recordaba América Latina a través de la música. El padre, antes de partir, se había aperado con una buena colección de melodías que incluían desde boleros y rancheras hasta valses peruanos. Sus hijos no sólo se acostumbraron a escuchar esas canciones; muy pronto empezaron a cantarlas. Entre las cintas paternas estaban algunas de Carlos Gardel. Pero a Rafael no le llamaron especialmente la atención. Prefería los casetes de otros artistas que admiraba en ese entonces: Pedro Infante, Jorge Negrete, Javier Solís. Para flecharse con los tangos del zorzal criollo debían pasar unos años más. Y un nuevo cambio de domicilio.
A mediados de los 80, la familia se instaló en Montevideo. En Alemania, Rafael no sólo había dejado buenos recuerdos. También a su primera novia. "La separación fue dolorosa, y fue ahí cuando me fijé en los tangos, que te machacan la mente, hablan de desgarros y patadas al corazón. Fue un acercamiento emocional", recuerda. Pero de consuelo al alma, muy rápido los tangos pasaron a ser material de canto para este joven despechado a sus 14 años.
Ni Rojas entiende mucho cómo pasó: "Yo era muy vergonzoso para cantar, pero con los tangos perdí la vergüenza". Gardel, entonces, se tornó imprescindible. Como también el payador Héctor Umpiérrez, que fue el trampolín que un chico como Rojas necesitaba.
De hecho, Umpiérrez fue el que bautizó a Rafael Rojas como Rafael Rojas. Hasta entonces, y según su libreta de familia, el joven se llamaba Israel Esmar. Nombre y apellido muy complicados, según el payador. Umpiérrez se empecinó entonces en buscar un seudónimo. Y lo halló finalmente en el segundo nombre y segundo apellido del adolescente. Con eso claro, y varios tangos de Gardel aprendidos de memoria, Rojas -ex Esmar- se paseó junto al payador por programas de televisión, por la radio y por pequeños bares donde se fue haciendo un nombre. Su nuevo nombre.
Lo del look gardeliano es cuento aparte. Y pura coincidencia, como repite Rojas hasta el cansancio. "Todas las cosas pasaron al mismo tiempo: empiezo a cantar tango, empiezo a usar gomina -pues mi pelo es muy rebelde, y la gomina estaba de moda en Uruguay-, conozco al payador y comienzo a ir a la televisión.
¡Todo eso sin haber visto nunca a Gardel en películas! Sólo por fotos. Por eso a mí me daba rabia cuando caminaba y la gente me decía que lo hacía igual que Gardel. Lo mismo cuando fumaba un cigarrillo. O sonreía". Pero no había vuelta atrás. Intencional o no, Rojas cantaba y se movía idéntico al zorzal criollo. Había nacido el Gardel chileno. Fuente Por Patricio De la Paz y Fotos Ramiro Souto nota publicada en el suplemento de cultura de www.clublatercera.cl de Chile

Rafael Rojas - Los Tango que Gardel nunca canto

Genero: Tango, Vocal, Guitarras
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Personal
Del track 01 al 15
Voz: Rafael Rojas
Guitarra, arreglos y dirección: Juanjo Domínguez, Bases: Raúl Domínguez

Track 16
Miguel y Juan Carlos Vignola, Carlos Soria, Carlos Salmone, Rubén Díaz, Raúl Domínguez y Juanjo Domínguez.

Biografia de Rafael Rojas

Tracks

01-Trasnochando
02-Infamia
03-Como dos extraños
04-Cambalache
05-Tarde
06-Madrugada
07-Lo cosos de al lao
08-Uno
09-Toda mi vida
10-Amigo que yo quiero
11-Sur
12-Malena
13-Pasional
14-Cafetín de Buenos Aires
15-Se llamaba Serafín
16-Viejos tiempos

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Texas Tornados Biografia

Texas Tornados


Texas Tornados

Texas Tornado era una banda Texana y su música era una fusión de rock, country y distintos estilos de México. La combinación inicial de estos músicos ocurrió casi por casualidad en un concierto de un conocimiento mutuo. Después de realizarse Freddy Fender, Flaco Jiménez, Kevin West, Entonces Meyers, Jorge "Pac-MAN" Díaz y Doug Sahm delante de una audienciade San Francisco, todos sabían probablemente se podrían adoptar los lazos verdaderos en que se sentían en su música a otro nivel. Después de que realizaran inicialmente como la Revue Tex-Mex, tomaron el título Tornado de Texas, después del Sahm canción y álbum de ese nombre.

Otra informacio del nacimiento del grupo dice que se formaron cuando discográficas y ejecutivos buscan atraccion sus en las ventas de música regional el grupo por intermedio Sahm y Meyers alrededor de 1990, y les hicieron llegar un resumen de toda la vida de los amigos y colaboradores Fender y Jiménez. Sahm había lanzado álbumes bajo el nombre de Texas tornado tan pronto como el decenio de 1970, algunos con Fender o Meyers. Jiménez y Meyers desempeñan en debut de Atlantic Records del Sahm en 1971. Como Fender dijo una vez "ha oído hablar de nuevos niños en el bloque?, somos los chicos de viejas calles".

Individualmente, este cuarteto ha tenido gran éxito. San Benito-el nativo Freddy Fender fue una cruz - sobre la historia de éxito de todo el mundo con éxitos como "antes de las cataratas de Teardrop siguiente" y "Wasted días y noches de Wasted".

Flaco Jiménez ha desempeñado en actos que van desde los Rolling Stones a Dwight Yoakam. También es conocido como el "padre de la música de conjunto" (Flaco toca el acordeón ).

Meyers ha compartido el escenario con La Allman Brothers Band y Bob Dylan. También es miembro del Music Hall de la fama de Texas. Doug Sahm y entonces Meyers fueron ambos miembros de la banda de pop-rock de los años sesenta el Quinteto de Sir Douglas, con éxitos como "Ella es sobre un mover" y "Mendocino" a su favor. Sahm, Meyers y Jiménez son de la zona de San Antonio.

El debut de 1990 de la banda se registró en versiones ingleses y españolas. El Tornado de Texas se realizo en todo el mundo, en lugares como la inauguración presidencial de Bill Clinton, el Festival de Jazz Montreaux, así como apariciones regulares en la Ayuda agrícola y el ganado de Houston y Rodeo.

Entre sus otros álbumes Live From The Limo, esto fue el último álbum que conste que caracterizó la completa línea de productos, como Sahm murió en 1999, el año de su lanzamiento. otros que tenían problemas de salud en años posteriores, murieron en 2006. Su álbum Live de Austin 2005 fue una grabación de un rendimiento de 1990 en la serie Austin City Limits.

Personas a veces consultan sus letras como Spanglish debido de la mezcla de inglés y español en la misma canción, además para pronunciar las letras españolas en un acentuar de América, que es evidente en sus visitas, "(Hey Baby) Paso". Un ejemplo es la letra: "no saben te amo / y mi corazón es real?", donde el corazón de la palabra (en inglés para "corazón") incorrectamente se pronuncia / ˌkɔrəˈsoʊn /, con un evidente acento estadounidense, en lugar de [koɾaˈson]. El álbum debut se ofreció en versiones en español e inglés.Fuente wikipedia en Ingles

Texas Tornados - Zone Of Our Own

Genero: Country, Rancheras, rock, en español e ingles
Año: 1991
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 47 Mb/Total time: 31:20

Tracks

01-(Is Anybody Going To) San Antone
02-La Mucura
03-Bailando
04-I'm Not That Kat Anymore
05-Oh Holy One
06-He Is a Tejano
07-El Pantalon Blue Jean
08-Just Can't Fake It
09-Did I Tell You
10-Volver

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Cuarteto D'Coté Biografia

Cuarteto D'Coté
Martín Pantyrer, Gustavo Hunt, Nicolás Porley, Gustavo Musso

Cuarteto D'Coté

D'Coté ha tenido buena repercusión en lo que es el ámbito tanguero de Buenos Aires, logrando no sólo ser aceptados (pese a lo novedoso), sino también elogiados por músicos, críticos, bailarines y el público en gral.
Para lograr este reconocimiento, el cuarteto se presentó en gran cantidad de escenarios, desde milongas (ámbitos de baile) hasta el Teatro Colón (evento convocado por la "Fundación Ástor Piazzolla").

A lo largo de su carrera, D`coté se ha presentado en gran cantidad de escenarios. Algunos de los más importantes son:

Salón Dorado del Teatro Colón (convocados por Fund. Astor Piazzolla)
Salón Dorado Casa de la Cultura del G.C.B.A.
Centro Cultural S. Martín (Salas A-B)
Facultad de Derecho (Salón de actos-UBA)
Centro Cultural Ricardo rojas (UBA)
Teatro Regio y Plaza Cortazar (Festival Internacional de Tango de Bs As)
Centro Cultural Plaza Defensa (G.C.B.A)
Centro Cultural del Sur (G.C.B.A)
Palais de Glace
Bar “Notorious”
Bar “Tobago”
“Templum”
“Club del Vino”
Aula Magna Universidad Nacional del Comahue (Neuquén)
Teatro de la Ciudad (Neuquén)
Milongas y salones de baile
La Catedral
Salón Canning
Torquatto Tasso
Dandy
El Beso
También, D`coté ha realizado una serie de giras artísticas a través de diferentes países europeos. Desde el año 2001 al 2004, se han concretado cuatro viajes que han abarcado los países de Alemania, Holanda, Austria, Suiza y Polonia, en los cuales han logrado, con éxito, participar en un número importante de milongas y eventos. Fuente web de D`Coté

Cuarteto D'Cote - Saludos

Genero: Tango, Cuarteto, saxo, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 43.09 Mb/Total time: 38:5

Personal
Gustavo Hunt(saxo tenor, clarinete y arreglos)
Gustavo Musso(saxos alto y soprano)
Martín Pantyrer(saxo barítono, y clarinete bajo)
Nicolás Porley(saxos alto y soprano)

Biografia Cuarteto D'Coté

Tracks

01-Si sos brujo
02-Este es el rey
03-Saludos
04-Novitango
05-Milonguetta para Taranta
06-Tarde
07-Berretín
08-Morena
09-Recuerdo
10-Motivo de vals
11-Reliquias Porteñas
12-Milontango

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João Gilberto biografia

João Gilberto

João Gilberto

João Gilberto (Juazeiro, 10 de junio de 1931) es un músico considerado, junto con Antônio Carlos Jobim (más conocido como Tom Jobim), uno de los creadores del género musical bossa-nova. Su nombre completo es João Gilberto Prado Pereira de Oliveira. También cantante de jazz, uno de sus éxitos fue "Garota de Ipanema" (La chica de Ipanema). Es uno de los mejores músicos de jazz latino.

Cantante, que aprendió a tocar la guitarra sin profesor, João Gilberto se fue para la ciudad de Rio de Janeiro el año 1950. Tuvo algún éxito cantando en la banda Garotos da Lua. Después de ser expulsado de la banda por rebeldía, pasó algunos años sin trabajo, pero con la idea pertinaz de crear una nueva forma de expresión musical con la guitarra.

Su esfuerzo finalmente dio resultado y, tras conocer a Tom Jobim —pianista y compositor con educación clásica pero a quien también le gustaba la música jazz estadounidense—, lanzaron el movimiento que se conoció como Bossa nova.

La cucarachiña (nueva ola) era una destilación del ritmo de percusión y sincopado de la samba, en una forma simplificada que podía ser tocada en una guitarra sin acompañamiento. Se atribuye a João Gilberto la creación de esta técnica. También introdujo una nueva forma de cantar, a bajo volumen, con la pronunciación de las sílabas hecha algunas veces antes y algunas veces después de la base rítmica y con la voz entrenada para eliminar casi cualquier ruido de la respiración y otras imperfecciones.

En 1958 llegó la primera presentación comercial de este nuevo estilo, con el disco Canção do Amor Demais de la cantante Elizeth Cardoso, que incluía composiciones de Jobim acompañadas de letras de Vinícius de Moraes. Poco tiempo después João Gilberto grabó su primer disco, llamado Chega de Saudade. La canción que le da título al disco de Gilberto también estaba en el álbum de Cardoso y fue un éxito en Brasil. Esta obra lanzó la carrera musical de João Gilberto, y también el movimiento musical Bossa Nova. Además de varias composiciones de Tom Jobim, el disco contenía varios sambas y canciones populares de los años 30 pero arregladas con el distintivo estilo de la bossa nova. En 1960 y 1961, Gilberto lanzó otros dos discos que contenían canciones compuestas por una nueva generación de cantantes y compositores como Carlos Lyra y Roberto Menescal.

Alrededor de 1962 la bossa-nova ya había sido adoptada por músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz. Este último invitó a João Gilberto y Tom Jobim para que colaboraran en lo que acabó convirtiéndose en uno de los discos de jazz más vendidos de la historia, Getz/Gilberto. De este trabajo destaca la composición de Jobim/de Moraes "Garota de Ipanema" (La Chica de Ipanema; en su versión inglesa, The Girl from Ipanema), que se convirtió en una canción clásica del pop internacional y llevó a la fama a Astrud Gilberto, mujer en aquel entonces de João Gilberto y cantante en esta pieza.

El disco siguiente, Ela é Carioca, fue lanzado el año 1968, cuando João Gilberto estaba residiendo en México. El disco João Gilberto, lanzado en 1973, representa un cambio desde la creación de la bossa nova. En 1976 fue lanzado The Best of Two Worlds, con la participación de Stan Getz y de la cantante brasileña Miúcha, hermana de Chico Buarque que se había convertido en esposa de João Gilberto en abril de 1965. El disco Amoroso (1977) tuvo arreglos del músico Claus Ogerman.

En el disco de 1980 Brasil, João Gilberto trabaja con Gilberto Gil, Caetano Veloso y María Bethania, quienes a finales de los 60 habían creado el movimiento Tropicalismo basándose en la bossa nova y fusionándola con elementos de rock. En 1991 lanzó João, un disco particular por no contar con ninguna composición de Tom Jobim y, en su lugar, utilizar canciones de Caetano, Cole Porter y composiciones en español. El trabajo João Voz E Violão, lanzado en 2000, marcó una vuelta a los clásicos de la bossa-nova y tuvo la producción musical de Caetano Veloso.

João Gilberto lanzó también grabaciones en vivo. Como ejemplos, Live in Montreux, Prado Pereira de Oliveira y Live at Umbria Jazz. Su personalidad tiene fama de excéntrica y perfeccionista.Fuente wikipedia

LP Joao Gilberto - Ela E Carioca (En México)-1970

Genero: Bossa Nova, Guitarra, Vocal, Musica de Brasil
LP Orfeon / Bomba (Japón), 1970 (Grabacion Original en 1968 en Mexico)
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 29.04 Mb/Total time: 26:57

Esta es una sesión rara Joao Gilberto de 1970, grabado en México - muy singular, en contraste con sus sesiones de otros brasileños del tiempo! Joao cantando en su más dulce voz frágil, y acompañándose en guitarra - grabado con menos amplitud que en anteriores registros, y siempre virando más hacia un solo centro de atención tipo de sonido de Gilberto. El sonido esta en algún lugar entre su obra temprana y la ligereza de su legendario álbum de 1973 - y los títulos son "De Conversa En Conversa", "O Sapo", "Joao Marcelo

Biografia de João Gilberto

Tracks
01-de conversa em conversa
02-ela e carioca
03-o sapo
04-esperança perdida
05-troley song
06-joâo marcelo
07-farolito
08-astronauta
09-acapulco
10-besame mucho
11-eclipse

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Lito Vitale Biografia

Lito Vitale

Lito Vitale Cuarteto-1988

Lito Vitale había participado de uno de los proyectos musicales más ambiciosos de la década de los '70: MIA, Músicos Independientes Asociados. Luego, junto a Bernardo Baraj y Lucho González formó El Trío, que logró editar dos discos. Su primera placa, "El Trío" (1985), alcanzó a vender cerca de 35.000 copias, todo un record para una producción independiente. La segunda, "Vitale-Baraj-González" (1986), no logró tanta difusión.

Ya en los '90 armó el Lito Vitale Cuarteto, grupo con el cual llegó a editar cinco álbumes. Junto a Marcelo Torres (bajo), Manuel Miranda (vientos) y Christian Judurcha (batería), debutaron con "La senda infinita" (1990). "Viento sur" (1991) es un poema sinfónico, según su definición, un trabajo conjunto entre Lito y María Elena Walsh.

En 1992 compuso "Kuarahy", un ballet que Julio Bocca bailó en el Luna Park.

A mediados de 1992 Lito Vitale comenzó un espacio diario en Canal 13, en el cual recreó versiones propias de temas populares, nacionales y extranjeros, con destacados invitados, con su banda o simplemente con sus teclados. Tal fue su éxito que terminó siendo ternado para el Premio Martín Fierro al Mejor Programa Musical de 1994.

Precisamente en 1995 lanza "Pantallas", su disco recopilación de todas las cortinas musicales compuestas para la televisión ("Poliladron", "Sheik"), para cine ("Patrón") y para los Juegos Panamericanos disputados en Mar del Plata.

Ese mismo año editó "La memoria del tiempo", una selección de fragmentos de música clásica que él mismo arregló e interpretó. Las voces las agregaron Mercedes Sosa, Jairo, Sandra Mihanovich, Litto Nebbia, Juan Carlos Baglietto, entre otros. Vitale aclara que no es el objetivo del trabajo divulgar la música clásica, sino solamente sacarse un gusto personal. "Intenté, con el máximo respeto, tomar los temas clásicos como populares y presentarlos como canciones" (La Prensa, 27/11/95).

Vitale insistió con el formato de trío en 1997, al retomar junto a Lucho González el camino iniciado 12 años antes, pero esta vez con Rubén Izaurralde en reemplazo de Baraj.

En septiembre del 2001, Vitale fue el artífice de un nuevo reencuentro para El Trío. "No sabemos si significará el cierre de un ciclo o la apertura de otro, pero sí creemos que podremos revivir el espíritu de felicidad permanente que supimos sentir entonces", prometieron.

En el 2003 presentó el Lito Vitale Quinteto, con el espectáculo "Un solo destino", integrado por temas instrumentales y recreaciones de clásicos populares argentinos. La banda estaba integrada por Ernesto Snajer (guitarra), Diego Clemente (aerófonos), Guido Martínez (bajo), Pipi Piazzolla (batería) y Martín González (percusión), como músico invitado.

"Vivo en Argentina" fue editado en el 2005 con un nuevo quinteto. El disco no incluye temas nuevos, pero sí reversiones de "El día que me quieras", "Hombres de honor" y "Sin código", éstas dos últimas bandas de sonido de programas televisivos.

En 2007, Vitale dio un vuelco en su carrera: editó "El otro", el primer disco en el cual toca la guitarra y canta. En sus propias palabras, "siempre toqué música instrumental desde el piano, esto de grabar un CD como cantante es completamente nuevo y me genera (a mis 45 años) una adrenalina bastante grosa. Me lancé a componer música con un sentido popular y tomando ritmos nuestros y latinoamericanos, luchando contra mi ‘solemnidad’, así empecé a gozar como loco de la cumbia y el cuartetazo. También empecé a escribir algunas letras y me sentí ‘raro’ pero me encantó poder contar un poco con mis palabras algunas cosas. Para mí el disco es un cachetazo a los prejuicios, con la idea de relajarnos un poco y disfrutar de la vida lo más posible. Disfrutar de todo y cuidar a los que amamos es una buena manera de ver las cosas. Los problemas siempre están, para algunos más y para otros menos, pero el arte también está y el arte ‘popular’ está más cerca todavía de nosotros, no lo dejemos escapar". Fuente rock.com.ar

LP Cuareteto Lito Vitale - Ese amigo del alma-1988

Genero: Tango, New Tango, Instrumental
LP año 1998
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 63.08 Mb/Total time: 38:55

Personal:

LITO VITALE - TECLADOS Y ARREGLOS
MARCELO TORRES - BAJO
MANUEL MIRANDA - AEROFONOS
CRISTIAN JUDURCHAN - BATERIA 1,3,5,6
JOTA MORELLI - BATERIA 2,4

Biografia de Lito Vitale

Tracks

01-La vida es un tango
02-Estar entre nosotros
03-Ese amigo del alma
04-Recuerdos en mi bemol
05-Estar vivo hoy
06-La luz sagrada
07-Súbito pianíssimo

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Patricia Sosa Biografia

Patricia Sosa

Patricia Sosa

Patricia Sosa

Patricia Sosa (n. en Buenos Aires, 23 de enero de 1956) es una cantautora argentina con influencias de rock, soul y blues. Ha incursionado en la campo de la actuación, incluyendo participaciones en televisión (Poliladron, RR D. T., Chiquititas, Un cortado, historias de café), cine (Noche de ronda de Marcos Carnevale) y teatro (Las hijas de Caruso, El principito, Teatro por la identidad).

Su carrera musical comenzó en 1971 cuando se incorporó a la banda Nomady Soul, en la que cantaba en inglés. Realizó giras internacionales y permaneció allí por seis años.

Luego de abandonar la formación se unió al grupo La Torre. Con él grabó siete discos, hasta que en 1990 se lanzó al mercado musical como cantante solista. Debutó en Buenos Aires en el Teatro Coliseo, punto de partida de una gira por el interior del país y Latinoamérica.

Al año siguiente grabó en vivo lo que sería su segundo álbum. A éste le siguió Luz de mi vida (1992), su mayor éxito, que vendió más de 300.000 copias. A esta altura ya había dejado de lado su imagen de chica dura rockera y se acercó más al estilo romántico y melódico.

En 1994 editó Suave y profundo. Para su presentación en el Gran Rex contó con la colaboración de Juan Carlos Baglietto. Muchos críticos coincidieron en que todas las canciones de Patricia sonaban igual.

En 1995 fue invitada por Celia Cruz para hacer un dueto y Emilio Estefan la convocó para participar en la BSO de lo que serían los Juegos Olímpicos en Atlanta. Allí compuso una canción y puso su voz a Puedes llegar, una canción en la que se codeó con Gloria Estefan, Jon Secada, Ricky Martin, Plácido Domingo, Roberto Carlos y Julio Iglesias, entre otros.

Tras muchos años de silencio, en el 2000 reapareció en la televisión para interpretar a Paula, la villana de la telenovela infantil Chiquititas. La telenovela, además, la llevó a presentarse durante 80 funciones en el Teatro Gran Rex, donde Patricia cantaba como solista en una canción llamada Mío (compuesta por Cris Morena, que demostraba la avaricia y el poder de su personaje). Más tarde, esta misma canción (sólo el estribillo) es reutilizada en Floricienta, en voz de Isabel Macedo (Delfina, en la novela).

Dos años más tarde editó No me dejes de amar (2002).

Toda se llama el álbum recopilatorio con 14 de sus más selectas canciones, desde su etapa en La Torre. En 2006 participó en Showmatch siendo jurado de Cantando por un sueño. Además, presentó su segundo disco en vivo más un impresionante DVD, el cual fue galardonado con el Premio Gardel. Este disco fue íntegramente grabado en vivo, es un recorrido por sus grandes éxitos. Incluyó importantes participaciones, entre otras, de Sandra Mihanovich, Juan Carlos Baglietto y Carica.

En 2007 editó un nuevo disco de estudio llamado Lija y terciopelo, que incluye tres cóvers, entre ellos una reversión de Mueve, mueve, otra vez de La Torre, y un dúo con Ricardo Montaner. Contó con una nominación al Premio Carlos Gardel como «Mejor álbum pop solista femenino».

En el año 2008, Patricia Sosa, presentó su último disco en dos shows en el Teatro Gran Rex. Días después, fue invitada para cantar en el Salón Blanco de la Casa de Gobierno, siendo su show transmitido por televisión. También participó como invitada en el programa Yo quiero ser la protagonista de Hairspray.Fuente Wikipedia
Fuente fotos web de Patricia Sosa

Patricia Sosa - No me dejes de amar

Genero: Musica Argentina, Pop, rock, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 70.1 Mb/Total time: 67:29
Esta grabación fué realizada en el mes de Octubre de 2001

Personal
Voz: Patricia Sosa
Baterías: Jota Morelli
Bajos: Abraham Laboriel, John Peña
Bajos máquina: Gustavo Giuliano
Guitarras: Michael Thompson
Guitarras adicionales: Oscar Mediavilla
Teclados: Dani Vila
Teclados adicionales: Gustavo Borner
Trompeta: Rick Baptist
Saxo: Dan Higgins
Trombón: Henry Petterson
Percusión: Luis Conte
Arreglos Vocales: Kenny O´Brian
Coros: Kenny O´Brian, Cleto Escobedo, Leyla Hoyle y Francis Benitez.
Arreglos y dirección de cuerdas: Ruy Folguera
Concert Master: Peter Kent
Estilista personal : Bruno Salas

Biografia de Patricia Sosa

Tracks
01-No me dejes de amar
02-Por El
03-Para hacerte feliz
04-Sigo aguantando
05-El canto del viento
06-Linda Nena
07-Angel
08-Cosas de la vida
09-Si es amor
10-Estoy de fiesta
11-A veces no hay que pensar
12-Reza una plegaria

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El tango, patrimonio de la humanidad - Tango gets UN cultural approval( en español and in English)

Bailarines del Centenario, óleo de Sigfredo Pastor (El Tango patrimonio Cultural de la humanidad)

El tango, patrimonio de la humanidad

La Unesco dijo que el tango personifica y alienta tanto la diversidad cultural como el diálogo.
La Organización Cultural de Naciones Unidas, Unesco, declaró este miércoles el tango como patrimonio cultural intangible de la humanidad.

Unos 400 expertos reunidos en Abu Dhabi, que estudian cientos de candidaturas, reconocieron que el baile seductor con letra melancólica debe ser salvaguardado.

El tango "personifica y alienta tanto la diversidad cultural como el diálogo", informó la organización.

El Carnaval de Negros y Blancos típico de Colombia también se unió a la lista de tradiciones culturales que deben preservarse para futuras generaciones de todo el mundo.

Esta fiesta de año nuevo en el suroeste colombiano consiste en varios días de celebraciones donde se rinde homenaje al agua, se despide el año viejo con rituales y los hombres se pintan un día de negro y otro de blanco para simbolizar la igualdad de las personas.

Criterios indispensables
El tango se originó en las clases trabajadoras de Montevideo y Buenos Aires a principios del siglo XX. Con su baile sensual de roce de piernas y ochos en el suelo, pronto se convirtió en sinónimo de pasión latina a nivel global.

Entre esta mezcla de inmigrantes europeos, descendientes de esclavos y criollos surgió un amplia gama de costumbres, creencias y rituales que se transformó en un distintivo cultural de identidad
Unesco
No obstante, para las capitales del Río de la Plata el tango está arraigado en su baile tradicional, en su poesía y sus canciones.

En esta región forma parte de esa historia de descendientes de esclavos e inmigrantes europeos que se asentaron a orillas de un río que sirve de frontera natural entre Uruguay y Argentina. Significa una tradición que se mantiene viva por jóvenes, adultos y ancianos que llenan las milongas o salones de baile.

"Entre esta mezcla de inmigrantes europeos, descendientes de esclavos y criollos surgió un amplia gama de costumbres, creencias y rituales que se transformó en un distintivo cultural de identidad", publicó la Unesco en su página de internet.

Para la organización, el tango reúne cinco criterios indispensable para que sea de interés global. Es distinto, original, las comunidades rioplatenses lo sienten como propio, enriquece el acerbo cultural y existe un plan conjunto de preservación.

Este plan conjunto fue presentado por los gobiernos locales de Montevideo y Buenos Aires hace un año cuando inscribieron el tango ante la Unesco.

"Nos comprometimos a realizar conferencias, seminarios y talleres, así como iniciar un proyecto de preservación de partituras que rescate toda la tradición oral", le dijo a BBC Mundo Hernán Lombardi, ministro de Cultura del gobierno de Buenos Aires.

Lombardi también explicó que, junto con Montevideo, piensan fundar una orquesta de tango rioplatense.

Si bien el reconocimiento de la Unesco no viene acompañado de ayudas financieras, Lombardi explicó que para sacar adelante tales programas los gobiernos locales tienen presupuestado US$3 millones al año.

"La Unesco te da la distinción que significa un compromiso", aclaró.

La revisión de los candidatos que este año aspiran a formar parte de la lista de los patrimonios culturales intangibles de la humanidad finaliza el viernes 2 de octubre.
Fuente: BBC de Londres. Fuente foto: El libro del Tango de Horacio Ferrer

In English

Tango gets UN cultural approval

The Tango has been declared part of the world's Intangible Cultural Heritage of Humanity by the United Nations.

The United Nations Educational, Scientific and Cultural Organisation aims to preserve a list of legacies under threat from global change.

Argentina and Uruguay, where the dance originated, jointly submitted it.

UNESCO said heritages seeking approval, transmit from "generation to generation" and give "communities and groups a feeling of identity".

It added that the dance "embodies and encourages diversity and cultural dialogue."

Argentinian official Hernan Lombardi said he was "very proud that the music and dance of the Tango have now been safeguarded for humanity.

Artistic traditions

The UN convention, which began on Tuesday in Abu Dhabi, will discuss other nominations suggested from different countries.

Belgium has put forward its Procession of the Holy Blood in Bruges and China has nominated several of its artistic traditions, including the Tibetan opera.

In August, it was revealed that the international financial crisis and the outbreak of swine flu had affected the Argentinian economy, with a particular emphasis on tourism.

The number of tourists who have travelled to the country has decreased and some Tango shows have been forced to close temporarily, according to Luis Veiga, president of Argentina's chamber of Tango venues.

UNESCO declared in 2001 that living traditions - from dance and music to rituals and handicrafts - deserve the same protection as natural and cultural treasures like the Great Wall of China or the Great Barrier Reef.

Approved traditions are added to a document, grandly titled The Representative List of the Intangible Heritage of Humanity. Steps are then taken by UNESCO and others to protect and promote their use and understanding. Fuente BBC de Londres.

Nota de: " El tango y sus invitados"

El tango y sus invitados, se adhiere y festeja tan justa mención lograda por nuestra música popular "El Tango".

Giora Feidman Biografia

Giora Feidman

Giora Feidman

Giora Feidman (nacido el 26 de marzo de 1936) es un clarinetistas argentino que se especializa en música klezmer.
Giora Feidman nació en Buenos Aires, Argentina, donde sus padres judíos de Besarabia emigraron a Argentina para escapar de la persecución. Feidman proviene de una familia de músicos de klezmer. Su padre, abuelo y bisabuelo hacian música para bodas, bar mitzvahs y celebraciones de vacaciones en el shtetls de Europa oriental. Feidman se casó con Ora Bat-Chaim, en 1975
Comenzó su carrera en Buenos Aires como miembro de la prestigiosa Orquesta Sinfónica de Teatro Colón. Dos años más tarde emigró a Israel para convertirse en el más joven clarinetista para tocar con la Orquesta Filarmónica de Israel. Fue miembro de la orquesta durante más de 20 años. A principios del decenio de 1970 comenzó su carrera de solista. Ha actuado con la Orquesta Sinfónica de Berlín, el Cuarteto Kronos, la Philarmonica de Polonia , la orquesta Philarmonica de cámara de Munich y la orquesta de radio de Munich.

El Director de cine Steven Spielberg lo invitó a desempeñar los solos de clarinete para la banda sonora de la lista de Schindler, que ganó siete Premios Oscar.

Feidman fundó el programa de clase magistral, que tiene lugar cada año en Safed, Israel y el seminario "Clarinete y Klezmer en la Galilea". Fuente Wikipedia en Ingles.

Giora Feidman - Clarinetango-1990

Genero: Tango, Instrumental, Clarinete
Grabado en Buenos Aires en Diciembre de 1990
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 65.1 Mb/Total time: 59:34

Personal:
Gioria Feidman:Clarinete y Direccion
Roberto Pansera:Bandoneon, Acordeon
Jeff Israel: Guitarra
Manny Katz: Guitarra
Marc Minkler: Contrabajo

Biografia de Giora Feidman

Tracks
01-La Cumparsita
02-Gracias a la Vida
03-Lluvia de Estrellas
04-Mi Buenos Aires Querido
05-Don Ludwig
06-El Choclo
07-Palomita Blanca
08-Fuga y Misterio
09-Uno
10-Violin Gitano
11-Clarinetango
12-Alfonsina y el Mar
13-Hernando s Hideaway
14-El Dia que me Quieras
15-Adios Nonino
16-Hamabe-no Uta (de Japon)
17-A Media Luz
18-Chiquilin de Bachin - Balada para un Loco
19-Taquito Militar

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Ornella Vanoni Biografia

Ornella Vanoni

Ornella Vanoni

Ornella Vanoni (Milán, Italia, 22 de septiembre de 1934) es una cantante de música melódica y actriz italiana, una de sus intérpretes de música ligera más reconocida internacionalmente.
Tras estudiar en el extranjero, Vanoni vuelve a Milán y se acerca al mundo del espectáculo, iniciándose en 1953 como actriz en la escuela del Piccolo Teatro de Milano dirigida por Giorgio Strehler, su maestro y compañero sentimental durante cuatro años. Strehler le propone cantar tres canciones en los entreactos de I Giacobini de Zardi, que son muy apreciadas por el público y la crítica. En 1956 debuta como actriz en la obra Seis personajes en busca de autor de Pirandello.

En 1960 se casa con el empresario Lucio Ardenzi, dos años más tarde nace su hijo, Cristiano. En 1961, graba su primer disco 45 rpm para la discográfica Ricordi, que posee los derechos de toda la nueva generación de cantautores. Sus primeros éxitos como cantante llegan con las conocidas como Canzoni della Mala, un repertorio popular que retrata con dramatismo la mala vida milanesa, junto a algunos temas de Gino Paoli. Ornella Vanoni participa ya en el programa televisivo "Canzonissima" y en varias competiciones (en 1964, con Tu si' 'na cosa grande gana el Festival de Nápoles junto a Domenico Modugno), recita en teatro y da sus primeros pasos en la comedia musical con Rugantino de Garinei & Giovannini, junto a Aldo Fabrizi y Nino Manfredi. Después de ésta llegarían otras experiencias interpretativas, sería secundaria o protagonista de títulos como Amore pericolisi.

En 1965 se separa de su marido, intensifica su actividad como cantante e inicia una trayectoria estelar, llena de éxitos que la lanzan a la fama y la convierten por su elegancia y sensualidad interpretativa en "gran señora" de la canción italiana, junto a Mina Mazzini. En la segunda mitad de los años 60 inicia una relación artística y sentimental con Gino Paoli, quien escribe para ella Senza fine, un gran éxito en Italia. También en 1965 participa por primera vez en el Festival de Sanremo, en el que participará en siete ocasiones, en 1968 quedaría en segunda posición con el tema Casa bianca, cantado a dúo con Marisa Sannia, tema que se haría muy popular.

Su repertorio se enriquece también de temas de autores como Domenico Modugno, Burt Bacharach, Charles Aznavour y Gilbert Bécaud, entre otros. En 1967 logra grandes éxitos televisivos en los que Ornella Vanoni se afirma como refinada y sensual intérprete de la canción melódica italiana.

En 1970 participa en el Festival de Sanremo con el tema Eternità, aunque fue con el single siguiente con el que obtuvo su mayor éxito: L'appuntamento (La cita), original en portugués Sentado à beira do caminho de Roberto Carlos y Erasmo Carlos, la versión italiana incluye también la autoría de Bruno Lauzi, llegando al número uno de la lista de éxitos. En 1973 también grabaría la canción de Roberto Carlos Detalhes con el título de Dettagli, otro de sus grandes éxitos. En España se hacen muy populares, donde también obtienen gran éxito su canción Io ti darò di più y la versión que hizo en la banda sonora de la película Anónimo veneciano. En 1974 grabaría dos álbumes excepcionales: A un certo punto y La voglia di sognare.

En 1976, graba en directo un disco histórico La voglia, La pazzia, L´incoscienza, L´allegria con Toquinho y Vinícius de Moraes, con gran éxito y de gran repercusión musical, popularizando la música de estos grandes autores brasileños en Italia.

En los años 80, Ornella se confirma como la “señora de la canción italiana”, un título que es reconocido por su refinamiento y sus éxitos discográficos continuos. En 1986 Vanoni alcanza uno de sus sueños, la grabación Ornella &…, el álbum doble de atmósfera jazz, con un casting de artistas del jazz internacional como Herbie Hancock, Gerry Mulligan, George Benson o Gil Evans.

En los años 90 inicia una colaboración con Mario Lavezzi, productor y compositor (Insieme, Stella nascente o Piccoli Brividi). En 1996, su disco Sheherazade se convierte en disco de oro en Italia. Alberi es la canción con la que Ornella Vanoni participa de nuevo en el 49° Festival de la Canción de Sanremo. En esta ocasión le fue otorgado el premio a su carrera musical.

En 2001, publica dos álbumes con versiones de los años sesenta y setenta y en 2002, junto a Sergio Bardotti, canta el mejor repertorio de Burt Bacharach: todos los temas en italiano con traducción propia, es editado en el álbum Sueños prohibidos; Ornella y las canciones de Bacharach. En el 2003 se publica el álbum Noi, donne noi, escrito de Mario Lavezzi, e interpretado por Ornella Vanoni y Nancy Brilli. En 2004, el tema L´appuntamento en su voz se incluye en la banda sonora de la película Ocean's Twelve.


Ornella Vanoni en escena, 2008.En septiembre de 2004, después de casi veinte años de su anterior encuentro artístico, vuelve junto a Gino Paoli con un nuevo álbum de temas inéditos Ti ricordi? No non mi ricordo y también se publica el libro Noi due, una lunga storia escrito con Enrico De Angelis, seguido de una gira de conciertos. El éxito conjunto es refrendado con la publicación del doble álbum CD y DVD VanoniPaoli Live. En 2007 edita el disco Una bellissima ragazza, el primer disco con temas inéditos en solitario desde Argilla (1997), con el que emprende una intensa gira teatral por las más importantes ciudades italianas, en la misma vuelve también a los escenarios de España en 2008 tras dos décadas, y lo hace con sendas presentaciones en el Auditorio Nacional de Madrid y en el Palau de la Música Catalana de Barcelona Fuente Wikipedia

Gino Paoli Biografia

Gino Paoli, Rea, Rava, Bonaccorsi, Gatto

Gino Paoli (pronunciación italiana Pàoli) (Monfalcone, GO, 23 de septiembre de 1934) es un músico y cantautor italiano.

Gino PaoliEs reconocido como uno de los más grandes representantes de la música ligera italiana de los sesenta y setenta.

Ha escrito e interpretado grandes canciones como "Il cielo in una stanza", "La gatta", "Senza fine", "Sapore di sale", "Questa lunga storia d'amore", "Averti addosso"; ha participado en numerosas ediciones del Festival de San Remo; ha colaborado con numerosos escuelas de música en la realización de álbumes y singles; ha compuesto música para bandas sonoras de películas...

De niño Paoli se translada de Monfalcone a Génova, ciudad a la que estará siempre ligado.

Tras haber estado en muchos trabajos muy alejados de la música, llega a la casa discográfica Ricordi acompañado por sus amigos Luigi Tenco y Bruno Lauzi. Es con la Ricordi con la que graba su primer single: La Gatta.fggg

Al inicio de los años 60, cuando apenas ha entrado en el mundo de la música, conoce a Ornella Vanoni con quien mantiene una relación amorosa, que le inspiró alguna de sus canciones de amor más famosas: "Senza fine" y "Il cielo in una stanza" (llevada al éxito por Mina).

En 1963 lleva al éxito Sapore di sale (de cuya letra y música -como en la práctica totalidad de las canciones por él interpretadas- es el autor). Canción que tuvo gran repercusión internacional. Parece ser que Ennio Morricone intervino en la misma introduciendo algún arreglo.

En el mismo año Gino Paoli intenta suicidarse disparándose al corazón y, aunque se salva, es imposible quitarle el proyectil de la cavidad torácica.

Gino Paoli tras algunos años de silencio vuelve en 1974 con el álbum I semafori rossi non sono Dio (homenaje a Joan Manuel Serrat) y en 1977 con Il mio mestiere: en ambos álbumes muestra una visión más madura y concreta de la vida.

En la segunda mitad de los 80, Paoli publica numerosos álbumes, como La luna e mister Hyde y Averti addosso (1984), Cosa farò da grande (1986), L'ufficio delle cose perdute (1988), Ciao, salûtime un po' Zena y Matto come un gatto dedicado a Piero Ciampi (1991). En 1985 Gino Paoli y Ornella Vanoni hacen un tour triunfal por Italia, del cual se hará un álbum en directo llamado Insieme.

En 1992 publica su álbum Senza contorno, solo... per un'ora , del que formara parte la canción La bella e la bestia de la Disney, interpretada con su hija Amanda Sandrelli (hija del cantante y de la actriz Stefania Sandrelli) y parte de la banda sonora de la película homónima de la Disney.

En 1996 publica su Appropriazione indebita en el cual Paoli reelabora algunos clásicos de Charles Aznavour, James Taylor, John Lennon y de otros grandes músicos internacionales.

En 2004 publica su disco Ti ricordi? No, non mi ricordo que tiene duetos con Ornella Vanoni
Como buscador de talentos, Paoli descubre y lanza al éxito a algunos de los más grandes nombres de la música italiana. Estamos hablando de nombres como el de Lucio Dalla o el del gran cantautor genovés Fabrizio De André.

Muchas canciones escritas po Paoli han sido interpretadas por otros cantantes de otras generaciones, aunque musicalmente distantes de su estilo musical: Claudio Villa, Carla Boni, Umberto Bindi, Luigi Tenco (de quien Paoli es gran amigo), Gianni Morandi, Patty Pravo y Franco Battiato, Zucchero Fornaciari. El guitarrista de Jazz Wes Montgomery, en su álbum del 1967 Movin' Wes hace un cover de Senza fine. Hemos de señalar la colaboración con la Pravo que dio origen a unas ejecuciones espléndidas de la cantante veneciana en "Non andare via" de 1970 (memorable su actuación en el show de fin de año en Francia en "Bravo Pravo" y en Canzonissima '70) y "Di vero in fondo" de 1971.

En el 2000 colabora con Giuliano Palma and The Bluebeaters en una versión de dos piezas históricas: Domani y Che Cosa C'è.

En la película de Isabel Coixet, Mi vida sin mí, podemos escuchar la canción de Paoli Senza fine así como en muchas otras películas y anuncios.Fuente Wikipedia

Gino Paoli & Ornella Vanoni - Insieme vol 01 y 02-1985

Genero: Musica de Italia, Pop, cancionistas, cantautores
Año: 1985
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 85.2 Mb/Total time: 79:32

Biografia de Gino Paoli

Biografia de Ornella Vanoni

Tracks

CD 01

01-Mediterraneo
02-Sassi
03-Domani è un altro giorno
04-L'appuntamento
05-Dettagli
06-Più
07-Una ragione di più
08-La voglia di sognare
09-Col branco
10-Lo sò perchè l'amore
11-Non andare via
12-Ti lascio una canzone

CD 02
01-Albergo a ore
02-Il Cielo in una Stanza
03-La Gatta
04-Me in tutto il Mondo
05-In un Caffè
06-Che cosa c'è
07-Come si Fa
08-Senza fine
09-La voglia la pazzia
10-Tristezza
11-Poeta mio poeta
12-Samba in preludio
13-Vedrai Vedrai
14-Lo si
15-Sapore di sale
16-Mi sono innamorato di te
17-Lontano Lontano

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CD Ruben Olmos(Con Orq.) - Serenata a mi Pueblo

Genero: Tango, Cantores, Instrumental, vocal
Año: 2009
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 50.7 Mb/Total time: 27:50
Este CD nos llega por gentileza de su propio interprete el amigo Ruben Olmos
Gracias Ruben!!!!!

No tiene sentido realizar un post con la biografia de Ruben Olmos, quien tiene su pagina web que le hizo en su homenaje Agustin Magal. Abajo encontraran el link para descubrirlo.
Lo conoci hace poco dias por el blog con un mail que me envio, y empezamos a escribirnos seguido, el vive desde hace mas de 30 años en Sydney, Australia, con su familia.
Aprendi en pocos a dias a estimarlo, respetarlo y saborear cada mail suyo con comentarios y anecdotas de los mas famosos y de otros con menos difusion.
Cuando lean su biografia, entenderan cuanto Rubenes del tango hay en la Argentina y por todo el mundo, que todo lo hicieron por amor al genero, y recogieron muy poco, algunos son poco conocidos y otros que directamente nunca mas los rescataremos del olvido.
El mismo se considera un triunfador en la vida, por el echo mas importante que un hombre puede lograr, formar una familia de bien.
Realmente es un tipazo que pone plata en el tango, grabando y regalando sus interpretaciones en cds a sus amigos y conocidos.
Cuando lean su biografia entenderan mucho mejor todo lo que comente arriba y cuando lo escuchen lo disfrutaran.


Entrar a la web de Ruben Olmos

Ver otros CDS de Ruben Olmos

Tracks

01-Lllamarada pasional(Tango)
02-Quemá esas cartas(Vals)
03-Cuesta abajo(Tango)
04-La pulpera de Santa Lucia(Vals)
05-Patotero sentimenal(Tango)
06-El convetillo(Milonga)
07-Mano a mano(Tango)
08-Adoracion(Vals)
09-De mi barrio(Tango)
10-Viejo baldio(Tango)

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Cuatro Vientos Biografia

Cuatro Vientos

A lo largo de su trayectoria el excelente nivel musical del cuarteto se ha complementado siempre con situaciones teatrales, toques de humor y coreografía.
La música dispara los sentidos, emerge indisolublemente de la actuación, de la comicidad y de las líneas narrativas del relato escénico, homogeneizando los diversos lenguajes y soportes artísticos.
La imbricada relación entre cuerpo, instrumento, música y acción escénica se constituye como fórmula de desplazamiento continuo que provoca el asombro y la risa.
Cuatro Vientos tiene una importante discografía, con enriquecedoras contribuciones de Les Luthiers, Chango Spasiuk, Gerardo Flach, Andrés Calamaro, Bob Telson y Lalo Mir.
El repertorio del grupo danza entre los más variados estilos musicales, este eclecticismo – paradójicamente - se ha convertido en el estilo característico de Cuatro Vientos.
Desde sus comienzos la compañía estuvo cerca de las comunidades educativas y culturales, aportando una visión desacartonada de la música y del placer de ejecutarla que caracterizó siempre sus presentaciones. En la actualidad se encuentra desarrollando una intensa actividad con orquestas y bandas juveniles en nuestro país y en el exterior, muchas de ellas funcionan dentro de proyectos sociales y de un nivel musical admirable.
Sus espectáculos anteriores fueron: Sudestada (2006), Cuatro vientos15 años (2003), Pobrecitos los tramposos (2001), Alma de saxofón (1999), La Tempestad (1997), Música para tirar al techo (1996), El saxo mágico (1994), Soplando una historia a los cuatro vientos (1988).
En estos 21 años de trayectoria han sido muchas las participaciones del grupo con otros artistas, entre las cuales se destacan las realizadas con el grupo Tangos y Tragedias de Porto Alegre (Brasil), Opus 4 (Argentina), Geraldo Flach (Brasil), Marcos Mundstock (Les Luthiers), Lito Vitale (en TV), Fuente Web de Cuatro Vientos

Cuatro Vientos - Alma de Saxofón

Genero: Musica Argentina, Tango, Folclore, Jazz
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Personal
LEO HERAS saxo soprano y clarinete
DIEGO MAURIZI saxo alto
JORGE POLANUER saxo tenor y flauta
JULIO MARTINEZ saxo barítono
Invitados: Jorge Marona, Cuarteto Gerardo Flach, El Chango Spasiuk y Les Luthiers

Biografia de Cuatro Vientos

Tracks

01-A Fuego Lento
02-Rio Azúl
03-Alma Merengada con Jorge Maronna
04-Bicho De Blues
05-Milanesita
06-Karaté
07-Franela
08-Nunca Tuvo Novio
09-Fugatta
10-Samba Para No Dormir
11-Come Together
12-Vuelo
13-Años De Soledad con el Cuarteto Gerardo Flach
14-La Corralera
15-Metro Veinte con El Chango Spasiuk
16-Chorrito De Agua
17-Calypso De Arquimedes con Les Luthiers

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El tango en alemania

Gabriela Amalfitani y su pareja Esteban Domenichini

En la presentacion de Tanguera en Colonia Alemania en 2008


Desarrollo de El Tango Alemania en la actualidad.

El tango, el baile favorito en Berlín
Los alemanes tienen problemas con la distancia, en la vida y en el baile, dice un mito popular. Pero cuando de tango argentino se trata, la realidad es otra, porque ése es uno de los bailes preferidos de su capital, Berlín.
En las noches berlinesas y cuando suenan los primeros acordes del bandoneón, los cuerpos se juntan formando una sola silueta que se desliza a lo largo de grandes salones al compás del ritmo melancólico del tango.
La imagen se repite cada noche en algún punto de la ciudad, que se ha convertido en la capital europea del tango, la amante fiel de ese arte, al tener alrededor de 60 milongas dispuestas a recibir a los apasionados de este ritmo.
En realidad no son tantas considerando el fervor que existe. "Se puede pensar que al ser casi 60 milongas en la ciudad, puede haber mucha competencia e incluso que son demasiadas, pero no. Cada una tiene su público específico y ninguna compite con otra porque son diferentes entre sí", aseguró Jacqueline Tauil, propietaria de la milonga "Madreselva".
"Además hay demasiada gente a la que le gusta el tango, así que hay público suficiente para todas", agregó.

Desde hace más de 20 años, ese baile ha cautivado el gusto de alemanes y demás extranjeros que habitan Berlín. El alemán Thomas Henschel es uno de ellos. De joven aprendió a bailar diversos ritmos, pero un viaje a Italia definió el que sería su preferido. "Conocí a una chica que bailaba tango y ahí comenzó todo", dijo.

Hoy, Henschel es el propietario de "Haus der Sinne", un espacio artístico que desde hace una década dedica dos días de la semana al disfrute del tango.

¿Que por qué gusta tanto este baile? Cada persona tiene motivos diferentes para acercarse a ese ritmo, pero sin duda hay un común denominador: es un baile que permite y fomenta la cercanía entre las personas.


"Me gusta el tango porque cuando bailas es una relación íntima la que mantienes con tu pareja y además es algo que está permitido dentro del baile. Es también muy libre porque no tienes que mantener siempre una misma coreografía", explicó Henschel.

Con él coincide Jacqueline Tauil, propietaria de la única milonga que está a cargo únicamente de argentinas en Berlín. "En el tango los roles masculino y femenino están muy marcados. En este lado del mundo el rol de la mujer se ha emancipado tanto y han llegado a alcanzar un nivel tan igualitario que me parece que en el tango la mujer encuentra nuevamente un lugar femenino. Y eso les gusta a ellas", explicó la joven bailarina.

"Además de eso, creo que también gusta el ritmo por el contacto que hay entre la pareja. Alemania es una sociedad que no se toca en público y dentro del tango está permitido", explicó.

En Berlín es posible encontrar las típicas milongas que sólo se ocupan del tango tradicional pero también aquellas consideradas "underground", en donde lo que predomina es el ritmo del "electro tango", ese nuevo género que fusiona los ritmos rioplatenses con las diferentes expresiones de la electrónica.

Hay milongas también no sólo para los amantes del baile, sino de la música. "Madreselva" es por ejemplo, la que ofrece todos los lunes música en vivo y sus asistentes no siempre son gente que sepa bailar, sino amantes de la música. En otras, el tango no es el único ritmo que se toca, sino que los bailarines aceptan ritmos diferentes como jazz e incluso cumbia o salsa.

Muestra de la "tangomanía" alemana, son los 16 festivales que la embajada de Argentina en Berlín tiene registrados para esta primavera (boreal). Durante mayo y junio las ciudades de Berlín, Leipzig, Hanóver, Bonn, Fráncfort, Wuppertal, Múnich, Saarbrücken y Hamburgo organizan certámenes y jornadas de tango. Berlín y sus tangueros de corazón se preparan ahora para devorar la novena edición del certamen más importante del país, el Festival Internacional de Tango de la ciudad, que se extenderá del 28 de mayo al primero de junio.

Fuente; Yetlaneci Alcaraz, Agencia Alemana de Prensa (dpa), a 28 de abril de 2009

Hyppertz de Heinz y Marek Weber Biografias

En su mayoria los directores de orquestas de Tango de Alemania ejecutaban Jazz.
Se toma a dos de los directores como referencia para desarrollar su biografia

Hyppertz de Heinz

HUPPERTZ de Heinz (b. 1902 en Krefeld, Alemania--d. 1972 en Berlín), director alemán, virtuoso del piano y violín. Como un hombre joven había estudiado en la escuela de música de Krefeld y más tarde, en el Conservatorio de Colonia. A finales de los años veinte, formó su propia orquesta para una contratación en Berlín ("café Schön" en Unter den Linden y otros). En 1932 su orquesta se convirtió en la banda de la casa de la „ Rio Rita"barra de noche en el 12 de Tauentzienstrasse (Charlottenburg)--uno de los lugares que estaba mas de moda reunión para las altas clases de Berlín en 1930. Tenía varias salas y las paredes decoradas con escenas de la vida de una bailarina española, Rita de Río. Durante este período Huppertz hizo muchas grabaciones, principalmente en "Odeón". Cuando terminó la segunda guerra mundial, él y su orquesta toco principalmente en los torneos deportivos . „ Rio Rita", así como en esta parte de Berlín, fue convertido en ruinas. En 1962 ultra moderno Europa-Center se erigió en esta área.

Marek Weber

Marek Weber Orch.
25 de octubre de 1888, Lemberg (Galizia); d:, 9 de febrero de 1964, Chicago, IL, Estados Unidos.
Instrumento: violín.
En 1906, a la edad de 17, años Marek llegó a Berlín, donde estudió música en el Conservatorio de Stern. Con sólo 20 años de edad, formó su propia banda que se oyó en Schoen de café de Berlín y el café de Eden y Esplanade Hotel. En 1926, estaba residiendo en el famoso Hotel Adlon de Berlín. También se escuchó su orquesta en conciertos, en las Schauspielhaus grandes, entre otros lugares. Aquí es la orquesta de Marek Weber, ca. finales de los años veinte, toco "es Muß fue Wunderbares Sein" ("it must be maravillosos") y, a continuación, el encantador tango "Sündig und Süss". En 1929, Weber grabó la canción visitas "Está la crema en mi café", CA 1933, Weber llevó lo que puede ser descrito como una orquesta de hotel de ciudad de Berlín "clásica", - quizás el más conocido al lado de la Dajos Bela Orchester. En 1933, viajó a Inglaterra, donde apareció en películas y más tarde viajó a Suiza y muchos otros países europeos. En 1937, Marek emigró a Estados Unidos, donde encontró una carrera en primer lugar como "Rey del vals de la emisora de radio" y luego como propietario de una granja. A continuación presentamos algunas fotos de Marek Weber cuando estaba en la América líder de la orquesta en la leche comprimido Clavel, programa de radio. (El espectáculo fue emitido durante la "Red" de NBC red, cuya estación principal fue WEAF en la ciudad de Nueva York. NBC también propiedad de la red "Blue" cuya estación principal fue WJZ también en Nueva York. Para aquellos interesados en estas cosas, NBC también contribuyó a formar 'Negro', "Naranja" y "Gold" red. El "Blue" fue finalmente vendida a Noble Edward que cambió el nombre ABC.) Durante su carrera, fueron sus bandas registrado innumerables veces, y Marek había un gran éxito con su grabación de 1927 de "Crazy palabras".

German Tango Bands - 1925-1939

Genero: Tango, Orquestas de tango, Tangos en otro idioma
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Ver mas tangos en otros idiomas

El Tango en Alemania

Biografia de Hyppertz de Heinz

Biografia de Marek Weber

Tracks

01-Marek Weber - Instrumental*****A Media Luz
02-Heinz Huppertz - Instrumental*****Punto Arenas
03-Robert Gaden - Instrumental*****Nachts Geht Das Telefon
04-Marek Weber - Instrumental*****Sündig Und Süss
05-Ludwig Rüth - Elena Lauri*****Man Kann Beim Tango Sich So Schöne Dinge Sagen
06-Oskar Joost - Instrumental Guitarrita*****Porque lloras
70-Barnabás Von Géczy - Instrumental*****Cara Mari
08-Adalbert Lutter - Instrumental*****Fea!
09-Robert Gaden - Instrumental*****Perdóname
10-Heinz Huppertz - Instrumental*****Nightfall
11-Adalbert Lutter - Instrumental*****Sentimiento Gaucho
12-Marek Weber - Instrumental*****Mirala
13-Barnabás Von Géczy - Instrumental*****Mexican Serenade
14-Oskar Joost - Instrumental*****Feuerblumen
15-Marek Weber - Instrumental*****Crépuscule
16-Adalbert Lutter - Instrumental*****Rosa Mía
17-Interprete y Cantante desconocido*****0h Donna Clara
18-Otto Dobrindt - Instrumental*****Donna Vatra
19-Robert Gaden - Instrumental*****Del Álbum De Mis Ensueños
20-Marek Weber - Instrumental*****Pasión Criolla
21-Barnabás Von Géczy - Instrumental*****Leila
22-Ludwig Rüth - Cantante desconocido*****Lebe Wohl, Kleine Frau
23-Oskar Joost - Instrumental*****Zwei Gitarren
24-Adalbert Lutter - Instrumental*****A Media Luz

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Los Fabulos Cadillacs Biografia

Los fabulosos cadillacs

Los fabulosos cadillacs

Los Fabulosos Cadillacs es una banda argentina proveniente de Buenos Aires. Fundada en 1985, esta banda es considerada una de las más influyentes y exitosas del llamado "rock latino".

4 de sus álbumes han sido incluidos en la lista de los 250 álbumes más influyentes del rock iberoamericano: La marcha del golazo solitario (Nº 176), Rey azúcar (Nº 164), Fabulosos Calavera (Nº 76) y Vasos vacíos (Nº 7).También su álbum "El león", está en la posición número 21 del ranking "Los 100 mejores discos del rock nacional" de la revista "Rolling Stone".La canción "Matador" de su álbum "Vasos vacíos" es considerada la mejorcanción del rock latino en toda la historia y está en la posición número 40 del rock argentino. En 1994 el videoclip de la canción recibió el primer premio Video de la gente por la cadena MTV Latinoamérica y en el año 2000 recibió este premio el video de la canción "La vida" por MTV Latinoamérica sur.[7] [8] Además este tema ha salido 2 veces en la primera posición de los rankings hechos por MTV Latinoamérica, el primero en la celebración de los 10 años de la cadena y después en la celebración de los 15 y logró el segundo puesto en el ranking de Los 100 videos más MTV. En al año 2008 recibieron el Premio Leyenda de la cadena MTV Latinoamérica. Actualmente se encuentran terminando su gira mundial de promoción del disco "La luz del ritmo", llamada "Satánico Pop Tour", y en pocas semanas lanzarán su nuevo disco "El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs".Los Fabulosos Cadillacs comenzaron en el año 1985, cuando se juntaron Mario Siperman, Anibal Rigozzi, Gabriel Fernández y Flavio Cianciarulo. Ninguno de ellos sabía de música, pero formaron una agrupación sólo por el gusto de tocar siendo una banda underground. Luego de un tiempo fueron ingresando nuevos integrantes hasta llegar a ser ocho. Su primera presentación oficial con el nombre actual fue en un colegio de la ciudad de Buenos Aires, con una presentación que no fue muy aceptada por el público.

En los inicios de la banda, tocaban en bares y pubs, siendo fundada por: Gabriel Fernández (Vicentico), líder y voz principal del grupo, Flavio Cianciarulo (Sr. Flavio), bajista y segunda voz, Sergei Itzcowick, en la trompeta, Sergio Rotman, saxofonista, Luciano Giugno (Luciano Jr.), percusionista, Mario Siperman (Spiker), en los teclados, Anibal "Vaino" Rigozzi, en la guistarra, Fernando Ricciardi, batería, Naco Goldfinger (Ignacio Pardo), en el saxo saxo, y Rovert Calcaño, toca cholgas. A pesar que después del tiempo la banda fue rotando de músicos, las voces principales (Vicentico y Sr. Flavio) nunca han cambiado.

Por un pequeño tiempo el grupo se llamó Cadillacs 57, en honor al modelo de auto del bajista del grupo, Sr. Flavio, incluso alcanzaron a hacer algunas actuaciones.[13] Pero en una presentación en un bar el animador al llamarlos al escenario los presentó como Los Fabulosos Cadillacs, quedando definitivamente con aquel nombre

En 1986 editaron su primer álbum Bares y fondas, el cual en realidad iba a llamarse "Noches cálidas en bares y fondas" pero decidieron abreviarlo quedando con el nombre actual.

“El disco se llama "Bares y fondas" porque éstos son los lugares por donde nos movemos, donde estamos siempre. Inicialmente íbamos a titularlo "Noches cálidas en bares y fondas" pero luego decidimos abreviarlo. El título quiere dar una imagen de que pertenecemos a esos sitios y que estamos juntos todo el tiempo, rondando por allí”.[15]
Con este disco lograron darse a conocer ante el público, siendo mayoritariamente desechados y odiados por la prensa, pero a la vez ganando, aunque de forma menor, un público fiel.

El disco fue grabado en el estudio Moebius bajo el sello discográfico de Interdisc. La prensa criticaba a los Cadillacs principalmente por la inexperiencia y poco profesionalidad de sus músicos y además por el contenido de las letras, ya que canciones como "Yo quiero morirme acá", en esa época, era un letra muy mala.[15]

“En este país se tiene un concepto totalmente equivocado de lo que es una buena y una mala letra. La pauta es que la gente cree que Fricción es un grupo intelectual o que Baglietto es un buen compositor. No es así. Las letras de Los Twist son mil veces mejores que la de Fito Páez, por ejemplo. Son más inteligentes y describen la realidad mucho mejor. Creo que nosotros, por lo menos, no escribimos estupideces, que no decimos que está todo bien, que no somos ni Palito Ortega ni Soda Stereo”. (Vicentico)
Aunque el disco en su momento no fue tan aceptado, por ser una banda nueva y desconocida, con el tiempo han salido diferentes singles, que ahora son clásicos de los Cadillacs. Como por ejemplo la segunda canción del LP, la polémica "Yo quiero morirme acá", también "Silencio de hospital" y la última canción, la dedicatoria de Vicentico para su fallecida hermana Tamara, "Basta de llamarme así".

Este disco para L.F.C. fue un paso para darse a conocer solamente, por la razón de que después del tiempo ellos reconocieron de las críticas de la prensa de que no sabían tocar y que eran inexpertos.

“Éramos bastante idiotas, unos imbéciles, realmente retardados. No sabíamos tocar. Pero había algunas canciones rescatables, como "Basta de llamarme así"”. (Vicentico)
Gracias a este disco, hicieron varias presentaciones en el Teatro Astros con mucho éxito.

Su segundo disco fue llamado "Yo te avisé!!" y a diferencia del disco anterior, este Long Play tiene diferentes estilos aparte del ska, experimentando con el reggae y el dub. El nombre del disco se explica porque ellos sabían que iba a ser un éxito e iba a ser un gran tapaboca para muchos que los criticaron con el primer disco. Así lo explica Vicentico:

“Se llama así porque sabíamos que iba a ser un éxito. Entre las cosas extramusicales que más nos gustan, una es taparle la boca a los que hablan y no saben nada. Son los que creen que Mercedes Sosa es rockera y eso no es cierto. Nos criticaron desde el principio”.[17]
Este disco fue mucho más preparado que el anterior, se dieron tiempo para ver detalles y que sea un producto más elaborado que el antecesor. Además contó con la presencia de Andrés Calamaro, quien poco tiempo atrás había dejado de ser parte de Los abuelos de la nada. Calamaro desde el primer momento supo que el disco iba a ser un éxito e incluso afirmando que el disco iba a tener muchos de los clásicos de los Cadillacs. Era un disco de alguna forma "ya probado" por la razón de que muchos de los temas incluidos ya habían sido tocados por la banda en recitales en vivo. A diferencia de el anterior disco, en éste todos los instrumentos fueron grabados juntos, como si estuvieran en vivo, también cambiaron de casa discográfica, a Sony Music y también en los mismos integrantes del grupo había más seguridad y tranquilidad para el lanzamiento del disco.En el año 1988 lanzan su tercer disco: "El ritmo mundial". El disco grabado en los Estudios Panda, contiene como claramente su nombre dice muchos estilos, ritmos y géneros musicales. En este álbum Los Fabulosos Cadillacs amplían su espectro musical hacia géneros más comerciales para la época, sin perder la sobriedad en la composición. El disco abarca géneros como el ya clásico ska, alguna que otra balada como: "Siempre me hablaste de ella", un tema que quedó fuera del disco anterior, y "Número 2 en tu lista", también toma el rock en el cover de la banda The Clash en "Revolution rock". Además, en este vinilo se incluyen la ya clásica "Vasos vacíos", con la "reina de la salsa", la cubana Celia Cruz. Aterrizó en la Argentina un día lunes 5 de septiembre del año 1988 para grabar esta canción con los Cadillacs, con la misión de expandir este ritmo musical por Latinoamérica. Además, este tema le da el nombre a un disco copilatorio. Con este disco lograron vender 30.000 unidades, y bajaron considerablemente de más de 100 shows al año a tan sólo 40, todo ésto gracias a la inminente crisis Argentina.[18] A pesar de esta crisis Los Fabulosos Cadillacs se presentaron en el Estadio Obras Sanitarias con gran éxito, presentando su nuevo disco, y un adelanto del próximo, que coincidía en el momento con la grabación del cuarto, aunque, por el momento económico de su país, luego de la presentación los Fabulosos cesaron de tantas actuaciones y se abocaron al nuevo disco, componiendo y grabando, afectando así su explosiva carrera en ascenso que llevaban hasta ese momento. Con el disco lograron viajar a Centroamérica con gran éxito y varios shows

1989 comienza un período de baja creatividad, agravado por la crisis económica que atravesaba Argentina. La nación sufría un período de crisis económica por la hiperinflación de la moneda. En ese momento el presidente de la nación era Carlos Menem, quien logró reactivar el país después de un tiempo.[20] La crisis afectó a los Cadillacs en aquel instante, reflejándose en las ventas y en la calidad de producción de lo que sería el cuarto LP de la banda. Se destacan sólo dos canciones, "El satánico Dr. Cadillac" y "Contrabando de amor". Sin embargo, al contrario de lo que debiese haber pasado, la primera canción es un clásico de la banda y una de las favoritas de los fans, a pesar de ésto, la agrupación piensa que es el peor disco que han sacado, por la mala calidad de letras y de música. Las canción homónima está dedicada a el manager de los Cadillacs hasta el momento anterior de la grabación de este disco, Alejandro Taranto.

“Nuestro manager de aquel momento decía, después de nuestro segundo disco que había pegado mucho ‘Che, parece que no está funcionando, no suena el teléfono como antes, muchachos’. Y nosotros pensando ‘¿qué hacemos...?’, con una preocupación de verdad por lo que decía un salame que no tenía idea de nada. Ahí se nota que creíamos todo, aunque tampoco éramos nenes que decíamos ‘ah, bueno, hagamos un disco’. Era ‘andá a la concha de tu madre’ pero quedarte pensando. Haber echado a ese manager, fue nuestra primera decisión de ser profesionales”. (Vicentico)

En 1990 se edita Volumen 5 un disco rescatable y a la vez fresco para lo que era la exigencia musical de ese entonces. Dicho disco fue el que les otorgo a los Cadillacs el acceso a la expansión de su música a los Estados Unidos, mediante un contrato firmado con el productor internacional Tommy Cookman.[22] Como su nombre dice es el quinto álbum de la banda argentina, pero no sólo se debe tomar de forma literal, lo que querían lograr con el nombre de este LP, era decir que ya llevaban cinco discos, y que éste en particular tenía que reivindicar a los Cadillacs luego del fracaso anterior.

Se extraen diferentes singles, pero la banda esperaba más, porque para ellos fue un buen disco, bien preparado y buenas letras, pero las casa discográfica de aquel momento no impulsó las canciones que a ellos les hubiese gustado, a pesar de esto se rescatan: "Los olvidados", también "Radio Kriminal, un reggae que roza el punk, "Caballo de madera", la canción dedicada a Luciano Giugno, que había dejado la banda para lanzarse como solista, lo que los Cadillacs sintieron como una gran pérdida y hubo mucha tristeza en la banda, también la canción "Tanto como un dios" fue dedicada para él.

“Lo que yo pienso de este disco es que apuntamos a lo más alto y nos salió algo muy grosso. Quizás antes no apuntábamos al diez, sino al ocho. Sabíamos que había cosas que podían estar mucho mejor. En cambio con este disco apuntamos a que todo fuera redondo. El pensamiento tiene que ser ‘quiero ser lo más alto de todo’. O ni siquiera como pensamiento, porque lo hicimos sin pensarlo. Más bien fue como actitud.”. (Vicentico)

Corría 1991, un año no del todo satisfactorio en varios sentidos. Evidentemente la banda pasaba por un periodo de déficit creativo y esto se evidencia en la placa del año en cuestión: Sopa de caracol. El cual contiene sólo tiene un tema nuevo, que además en un cover de la banda hondureña Banda Blanca, llamado "Sopa de Caracol" al igual que el disco. Tiene una nueva versión de "El genio del Dub", un megamix titulado "Megamix LFC", y un remix de "Demasiada Presión".

A fines del año 1991, la banda sufre cambios en su integración. Naco Goldfinger sale de banda al igual que Luciano Jr. quien ya se había lanzado a solista, ingresando dos nuevos miembros: estamos hablando de Fernando Albareda y Gerardo Rotblat.


En agosto del 1992, sale a la venta el séptimo disco titulado El león. Este LP, que combina todos los géneros practicados por los Cadillacs, es un álbum esencial tanto en la historia de la banda como en la historia del rock argentino llegando a estar en la en el top 30 de los disco más importantes del rock argentino según la revista Roling Stone.[4] Contiene ritmo muy caribeños y bailables como por ejemplo: la salsa, el calipso, reggae y también el infaltable ska. Según Vicentico, el vocalista del grupo, es el mejor disco que han lanzado.
La edición en vinilo de este álbum fueron alrededor de 500 copias, incluso se rumorea que fueron menos. La razón de lo sucedido, es que en la esta edición sólo se encuentran 12 temas de los 15 que trae el CD, por motivos de espacio, y además el mercado argentino y latinoamericano se vio revolucionado por la llegada del nuevo tipo de distribución de la música, el CD.

Aunque no ofreció el éxito esperado en ventas, El león es una muestra contundente de la creatividad de la banda. Se extraen 8 grandes canciones y clásicos de la banda como: "Carnaval toda la vida", "Manuel Santillán, el león" (que le da el nombre al disco), "Gitana", el reggae clásico de Rotman "Siguiendo la luna", "El crucero del amor", "Arde Buenos Aires", "Desapariciones (cover de Rubén Blades)", "Gallo Rojo" (dedicada a Ernesto "Che" Guevara) y "El aguijón".

1993 es el año de su octavo disco Vasos vacíos, que se trata de una compilación de 17 temas. 15 son versiones antiguas y reinterpretaciones de singles pasados, más 2 temas inéditos: Matador y V Centenario. La primera la de mayor éxito comercial y la más reconocida canción en toda la historia de la banda, tanto por el tema en sí, como por el videoclip. Ganando variados premios, incluyendo ser elegida por la cadena MTV como el "Mejor videoclip latino del año" en 1994, la oportunidad de grabar el primer MTV Unplugged de MTV Latinoamérica y variados premio a lo largo de su historia incluyendo el presente. La canción trata sobre una persona que lucha por un mundo mejor, más justo y democrático, pero que es perseguido por la justicia. La letra de la canción se ajusta al cantautor chileno Víctor Jara, que además es nombrado en el tema. La segunda es una letra un tanto irónica. Habla sobre la "celebración" de los 500 años de los pueblos latinoamericanos hacia la conquista española.[25]

“V Centenario está dedicado a los 500 años de la conquista de América, pero negándola. Es algo que de alguna manera ya pasó, pero a nosotros nos sigue pegando. Y lo loco es que la gente no se hace cargo de esas cosas. Acá vinieron, mataron a todo el mundo -sigue sucediendo de otras maneras- y la gente celebró como si fuera una fiesta. Quisimos fijar nuestra posición”.
Vendieron más de 300.000 copias de esta placa y lograron la consagración en el ámbito de Argentina, América Latina y el mundo. Grabando su primer disco en vivo titulado En vivo en Buenos Aires llenando varias veces el estadio Obras Sanitarias de la ciudad capital de Argentina.
Matador en el año 2003 fue interpretado por Ricky Martin en la segunda edición de los Premios MTV por la celebración de los 10 años de la cadena.

Esta canción también ha dejado un sello en las canchas del fútbol argentino, su melodía se escucha precisamente en las tribunas, siendo la hinchada del Club Atlético San Lorenzo de Almagro la pionera de esto, no es un dato menor que el club azulgrana tenga como uno de sus apodos "Matador" (apodo obtenido en la década del '70) y que Gabriel Fernández (Vicentico) tanto como Sergio Rotman sean fanas de este cuadro.

La canción "Matador" también se le atribuye a jugador chileno Marcelo Salas. Se le apodó de esta forma en su primer club, Universidad de Chile, lo cual se mantuvo durante la época en que jugó en el equipo argentino River Plate, en donde la hinchada le cantaba esta canción. Durante las dos épocas en que estuvo logró ganar un tricampeonato, una Supercopa y torneo de Clausura.[26] También el jugador chileno Alexis Sánchez, y al igual que su compatriota, mientras jugaba en River Plate la barra le cantaba lo mismo que a Marcelo, siendo, de alguna forma, elegido como el sucesor de Marcelo Salas
En el año 1995 la banda argentina lanza un nuevo disco titulado "Rey azúcar", con la producción de con ayuda de Tina Weymouth y Chris Frantz (Talking Heads). Los Cadillacs afirman que esta época fue la "primavera de la banda". En el disco se puede apreciar una maduración musical notable, y además se deja en claro las posturas políticas de la banda

Mal bicho fue el primer single de este álbum. La canción habla de los dictadores o presidentes que cometieron atrocidades en los diferentes países de América Latina en la década del 70'. También se puede interpretar como un reclamo frente a las personas que discriminan, en temas como raza, nivel socioeconómico, y es un grito de libertad y paz frente a las guerras y problemas que hay en el mundo actual.

Strawberry Fields Forever, cover de The Beatles, en ritmo de rock steady con la cantante invitada Deborah Harry de la banda norteamericana Blondie.

Las venas abiertas de América Latina, llamada de la misma forma que el libro del escritor uruguayo Eduardo Galeano. Una rara combinación punk-ska-hardcore que habla desde temas de el despertar del indígena sudamericano hasta un poco del calentamiendo global.

Luego de Rey Azúcar y con una incipiente fama en los Estados Unidos, 1996 los ve grabando un cover de Charlie don't surf de The Clash, para un disco homenaje a dicha banda, y también lanzando un single grabado a mano con una banda de ska norteamericana llamada Fishbone; el single fue What's new pussycat?, afamada canción del galés Tom Jones.

El resto del año, los Fabulosos dieron recitales a lo largo de su país y por Latinoamérica, y por qué no, en giras por el viejo continente! (algo no muy común en bandas provenientes de Argentina ). En donde llegaron a compartir escenario con los reyes del punk: The Sex Pistols, y con bandas de renombre como Cypress Hill, o Red Hot Chilli Peppers, en un festival llamado "Saint Gallen, al aire libre" donde los fabulosos cadillacs cerraron el evento, y dice Gabriel Fernández Vicentico que ellos no tenían porque cerrar el evento por que eran menos populares que los demás.

Es importante aclarar que a mediados del '96, nuevamente se producen cambios en la banda: el guitarrista y fundador Aníbal "Vaino" Rigozzi abandona la banda y toma el mando como productor de la misma. En su lugar entra el guitarrista Ariel Sanzo Ariel Minimal, que influiría en el sonido del próximo disco.

Ya en el 1997, los Cadillacs preparan y editan el disco que los confirmaría como la gran banda del rock argentino. Estamos hablando de Fabulosos calavera un disco que nos presenta a unos Cadillacs más jazzeros, más tangueros y con toques de hardcore. Un gran disco experimental. Los singles fueron tres: El muerto, Calaveras y diablitos y Sabato. Además de estos temas hay otros que se destacan, como Surfer calavera (una rara mezcla de tres estilos bien individualizados; comienza con una intro con vientos muy al estilo Crucero del amor, se torna un poco más jazzera y despotrica con una línea bien pesada de guitarras distorsionadas en el estribillo), Howen (que nos recuerda un ambiente Western), y la cautivante A.D.R.B (en busca eterna), con una letra melancólica y que nos recuerda un ambiente porteño. El disco les brindó numerosas satisfacciones, entre las que se destaca haber ganado el primer Grammy a una banda en toda Latinoamérica, en el año 1998.

Los Cadillacs siguen activamente realizando recitales durante dicho año, entre los que se destaca el "Calavera Experimental Concherto", considerado por muchos el mejor recital de la historia de la banda, donde mezclando extraños sonidos emparentados con el jazz y el blues, mostraron su versatilidad musical, sin perder su identidad y calidad.

Al mismo tiempo una nueva compilación de éxitos, simplemente titulada 20 grandes éxitos, que contiene versiones inéditas de canciones; Mal bicho (con participación de Babasónicos, afamada banda Argentina) y una canción que no llegó a salir en el disco El ritmo mundial... llamada Igual a quién.

Ya en 1999 los Fabulosos Cadillacs, lanzan lo que sería su último trabajo en estudio: La marcha del golazo solitario, un gran disco plagado de canciones buenas, y que posiblemente nos haga ver a unos Cadillacs que vuelven a las bases de su éxito pero sin conformarse con esto siguen su camino de experimentación:

- Los singles: La vida, con esta canción, preparada para ser single de venta, abre el disco; muy pegadiza. Vos sabés, un tema de Flavio Cianciarulo, cuyo video causó controversia por mostrar desnudos y fue censurado en Chile por las cadenas televisivas. Los condenaditos, un estribillo pegadizo y melancólico en un ritmo samba que hace recordar a los libros Sub Terra y Sub Sole del chileno Baldomero Lillo. C.J, eterna balada romántica de Fernández dedicada a su esposa, la actriz Valeria Bertuccelli, mujer de cejas grandes.

Subsiguieron las presentaciones en vivo del disco, en una Argentina atormentada por la mala administración económica de ese entonces.
En septiembre del año 2000 los Cadillacs festejan sus 15 años de banda, realizando una pequeña agenda de conciertos donde los países incluidos sólo son Argentina y Chile.

En Argentina fue un serie de tres concierto en el Estadio Obras Sanitarias en la capital, los días 1, 2 y 29 de septiembre. En Chile, fue sólo una presentación, el día 7 de octubre en Santiago en el Teatro Monumental, donde hacen casi todos sus conciertos cuando van a aquel país, con lleno total, haciendo un concierto ante más de 8.000 personas.[28] De los shows en Buenos Aires es el CD y DVD titulado "Hola/Chau".[29] El DVD fue lanzado recién el 18 de abril del 2006, que incluye la grabación de la presentación en la segunda noche en la ciudad de Buenos Aires. La productora encargada de grabar el concierto fue Cuatro Cabezas y lanzado bajo el sello discográfico de Sony-BMG.

En el 2001, los Cadillacs deciden realizar una serie de 6 presentaciones, los días 17, 18, 19, 24, 25 y 26 de agosto en el Teatro Astral de la ciudad de Buenos Aires bajo el nombre de "Loco, miedo Loco".

En esta presentación se incluyeron variados covers de diferentes bandas. Partieron el concierto con "Sucio y desprolijo", canción de su compatriota Pappo, pasando por "Sus ojos se cerraron" (tango de Carlos Gardel) y "El cantante" de Rubén Blades la cual popularizó en Argentina Andrés Calamaro. El teatro en el que tocan tiene una capacidad muy limitada, sólo para 1000 personas, por lo que ellos mismos dijeron que iba a ser un concierto muy personal e íntimo, y que eso le dará un muy buen ambiente.[30]




En este concierto los Cadillacs no estaban completos. Se contempló la inestabilidad de la banda en ese momento, con la salida de Daniel Lozano, el trompetista, quien ingresó a la banda en el año 1985 luego de la salida de Sergei Itzcowick, y luego con la salida de Mario Siperman, el tecladista, y fundador de la banda.

[editar] La separación
En el año 2002 los rumores de la separación de los Cadillacs se incrementaron de gran manera. Primero con la inminente emigración de Sr. Flavio a Monterrey, México y con la preparación de discos solistas de algunos de sus integrantes.

Los Fabulosos Cadillacs se encontraban sin contrato con ninguna disquera, no tenían material nuevo, y además hubo un quiebre en la banda por la salida de dos de sus integrantes. En una entrevista con una página de fanáticos, al preguntarle sin no tenía ofertas de compañías para grabar un nuevo disco, Vicentico afirmó:

“-¿Ofertas no hubo? (entrevistador)
-Si, alguna hubo. Pero, la verdad, tampoco tenemos mucho que ofrecer... Digamos...yo sé que se piensa que a las compañías no le interesan ni Los Pericos ni Los Cadillacs. Yo creo que depende de lo que quiera, ofrezca o pida el grupo. A nosotros, lo único que puede llegar a apremiarnos es el dinero. Cada uno tiene sensaciones diferentes. Flavio siempre dice "sigamos grabando", en cualquier situación. Yo también... Fernando por ahí no tiene ganas. Cuando todos estemos en sintonía, vamos a volver a grabar”. (Vicentico, 15/08/01)

Proyectos paralelos y último concierto
En el año 2002, el cantante de la banda, Vicentico, presenta su primer trabajo solista titulado simplemente como: Vicentico, con respetable éxito. Una mezcla de diferentes ritmos y que hace acordar mucho a los Cadillacs. En total el cantante en solitario lanza 5 discos, de los cuales 3 son discos de estudios, uno en vivo desde el Luna Park y una recopilación. Sr. Flavio crea la banda "Flavio y la Mandinga" lanza 6 discos y también se dedicó a escribir libros.Ariel Minimal, crea Pez lanzando 18 disco en general, Sergio Rotman con Cienfuegos y continuando en Mimi Maura junto a Fernando Ricciardi, Gerardo Rotblat. Fernando Albareda, en 1999, juntos a otros viejos Cadillacs de instrumentos de vientos crean "La Cornetita". También entre el 1999 y 2000, Mario Siperman y Daniel Lozano hacen un soundtrack de una película llamada "Tesoro mío", logrando una moderada fama underground. Gerardo Rotblat, participó en varios proyectos, incluso en Los Auténticos Decadentes, para luego, en el 2005 formar su propia banda, la Orquesta Jabalí, sacando un disco ese mismo año titula como "Salta y vuela".

[editar] Último concierto
El 14 de mayo en el Acapulco Fest 2002 se realizó la última presentación de Los Fabulosos Cadillacs. En el escenario se notó el cansancio y desgano de los integrantes de la banda, no dejando contentos a sus seguidores. Luego de este concierto los Cadillacs nunca más realizaron un concierto, lo que fue tomado como la disolución de la banda, aunque ellos afirmaron de que nunca se separarían, sólo tomarían rumbos distintos, y que los Cadillacs jamás dejarán de existir.

[editar] ¡Calamaro querido! y rumores de reunión
En mayo del 2006, la banda se reúne para grabar La parte de adelante, un cover homenaje en el disco Calamaro querido! Cantando al salmón, dedicado al cantautor y ex productor de Los Fabulosos Cadillacs, Andrés Calamaro. Esto hace suponer a muchos fans de una futura reunión de la banda. En el disco la banda interpretan la primera canción "La parte de adelante". Convirtiéndose en un single inmediato, lamentablemente en esta presentación no estuvo presente Ariel Minimal. Vicentico, por su parte interpreta "Para no olvidar", canción número 6 del disco número 2.

[editar] Akustic-Loko de Fabulosos Amigos
EL 17 de julio del 2007, mientras continúa con su proyecto solista The Flavio Mandinga Project, Flavio Cianciarulo conduce en la radio llamada "Radio Atomika" de San Martín, el programa "Sonidero FM". El programa radial se realiza los días martes a las 21:00 horas. Se anuncia el "Akustic-Loko de Fabulosos Amigos", una junta de los Cadillacs en la radio donde Sr. Flavio compartirá con cinco de los antiguos integrantes de la banda a la cual pertenecía. Asisten: Vicentico, Sergio Rotman, Fernando Ricciardi, Luciano Jr. y Hugo Lobo como invitado especial. Tocan 17 temas en versión acústica logrando una gran popularidad y sintonía la radio en aquel momento. En el la emisión el anfitrión preguntó: ¿Cuándo vuelven los Cadillacs?, a lo que Gabriel sólo respondió: ¡Qué buena pregunta!. Con ésto los fans aseguraban la vuelta de los Cadillacs y a diferencia de Soda Stereo, no se desmintió una vuelta, sólo lo dejaron en duda. Sergio Rotman dijo:

“Esto es para la historia del rock: Los Cadillacs volvieron en una radio de barrio. Esta es la mística del rock: con los Cadillacs siempre fue así, nunca planeamos las cosas, ¿Por qué?, porque a diferencia de Soda Stereo, Los Cadillacs no tienen que comprobar nada”.
[editar] Muerte de Gerardo Rotblat
El percusionista durante 11 años de Los Fabulosos Cadillacs, Gerardo "Toto" Rotblat falleció el 29 de marzo del 2008, a los 38 años, víctima de un edema pulmonar.[39]

Luego de la separación de L.F.C. "Toto" fue invitado a tocar en diferentes bandas, entre ellas Los Auténticos Decadentes, Todos tus muertos, Me darás mil hijos, etc. para luego crear su propia banda, la Orquesta Jabalí, con la cual en el 2004 lanzó un disco "Salta y vuela". Tras la noticia de la muerte del percusionista se diera a saber al público, los artistas eligieron su MySpace para despedirse con frases como:

“Siempre te extraño tanto, tanto, aveces te recuerdo y río, éso es lo bueno....a veces lloro mucho....casi siempre....”. (Sr. Flavio)[40]
Los restos del músico fueron sepultados en el panteón de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores en el Cementerio de Chacarita, en Buenos Aires, Argentina.[41] Despúes de la muerte del músico y amigo de la banda, se pensó que un posible reencuentro sería aún más difícil, pero el grupo musical, actualmente en todos sus conciertos le rinde homenaje a Toto.
Yo te avisé!!
Aunque oficialmente los Cadillacs nunca se separaron, luego de 6 años, Los Fabulosos Cadillacs confirmaron oficialmente su reunión.
Escenario de los Cadillacs en la presentación en el D.F. en México.Esta vuelta a los escenarios fue publicitada con la frase "Yo te avisé!!", haciendo referencia a ese disco. Para este regreso, la banda lanzó un nuevo disco titulado "La luz del ritmo" que consta de 13 temas: 5 son canciones inéditas, 6 son nuevas versiones de canciones antiguas y dos son covers. De él se desprendió el primer sencillo: "Padre Nuestro", que tiene una versión de cumbia villera con un músico invitado, Pablo Lescano, de Damas Gratis,[44] luego el sencillo homónimo del disco, "La luz del ritmo" salió al aire y más tarde la canción "El fin del amor". En una entrevista con MTV Latino, los Cadillacs adelantaron que el nuevo disco se llamará "El ritmo de la luz", pero semanas antes de su lanzamiento el disco fue denominado "El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs".[45] [46] El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs, tiene 13 canciones al igual que su antecesor, haciendo una especie de segunda parte. La tapa del álbum es obra de Marta Minujín, una artista plástica originaria de Argentina. Mario Siperman, tecladista del grupo, adelantó que el disco no tendrá ningún cover, pero sí versiones nuevas de canciones antiguas, por ejemplo: Vasos vacíos versión dúo Vicentico con Mimi Maura, Destino de paria, Gitana y Siguiendo la luna. Junto con esta vuelta a los escenario, se remasterizaron todos los discos, manteniendo todo original a excepción de la portada, que ahora viene con un borde negro, al medio la carátula original, y en la parte de arriba de la imagen dice "Remasterizado 2008"


Fanático con zapatillas de Los Fabulosos Cadillacs.El regreso del los Cadillacs, fue impulsada por una fuerte propaganda por diferentes medios, televisión, carteles en las calles, productos (como zapatillas), y la más fuerte por internet, creando páginas oficiales en MySpace, Last.fm, Facebook, Flickr, YouTube, Fotolog, Tublip y siendo apoyado por grandres empresas como: Sony Ericsson y Personal. Fuente Wikipedia en español>

Los fabulosos cadillacs - 20 grandes exitos vol 01

Genero: Rock Argentino, Instrumental, vocal
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Personal
Gabriel Fernández (Vicentico)
Flavio Cianciarulo (Sr. Flavio)
Sergio Rotman (Rotman)
Fernando (Nando) Ricciardi
Mario Siperman (Spiker)
(Profesor) Daniel Lozano

Biografia de Los Fabulos Cadillacs

Tracks

01-Yo no me sentaria en tu mesa
02-Mi novia se cayo en un pozo ciego
03-Conversacion nocturna
04-Contrabando de amor
05-Caballo de madera
06-Radio Kriminal
07-Carnaval toda la vida
08-Rios de lagrimas
09-Arde Buenos Aires
10-Gallo rojo

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A.V - Los tangos del siglo vol. 05

Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantantes, Cantores, Instrumental
Grabaciones originales realizadas entre los años 1928 y 1975
Llevado a CD en 1994
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Este CD nos llega por gentileza del Cantor y milonguero Raul Mamone quien esta actuando y enseñando a bailar el tango en Barcelona, España
Gracias Raul!!!!!!!

Ver Volumen 1, 2, 3 y 4 Col. Tangos del siglo


Tracks

01-Roberto Goyeneche con Orquesta*****Contramarca
02-Astor Piazzolla-Instrumental*****Loca Bohemia
03-Osvaldo Pugliese-Abel Cordoba*****Bien de abajo
04-Carlos Gardel con Guitarras(version 1930)*****Yira yira
05-Los Astros del tango-Instrumental*****Sans Souci
06-Armando Lacava con Mario Bustos*****Mandria
07-Horacio Salgan con Edmundo Rivero*****Pedacito de cielo
08-Agustin Magaldi con orquesta*****Tango mio
09-Armando Pontier-Instrumental*****Canaro en Paris
10-Jose Basso con Alfredo Belusi*****Jamas lo vas a saber
11-Orquesta Orlando Tripode con Rosana Falasca*****Tu
12-Anibal Troilo-Instrumental*****Pablo
13-Palabras de Rafael Rossi*****Rafael Rossi

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Ginamaria Hidalgo Biografia

Ginamaria Hidalgo con Atahualpa Yupanki en 1962

Ginamaria en el Carnegie Hall

Nacida en Buenos Aires, Argentina, de padre castellano y madre portuguesa, desde temprana edad demostró condiciones para la música, el canto, el ballet, el arte escénico, las letras.

De esa forma integró elencos de Teatro Vocacional, estudió ballet, llegando a participar en numerosos Festivalesde Danza al mismo tiempo que realizó la carrera del magisterio, obteniendo su diploma a los 17 años.

Partió de Argentina con una Beca de Estudios en New York en la Julliard School of Music, y alli la escuchó cantar el maestro Andrés Segovia, quien se convirtió en su mentor y apoyo hasta que Ginamaria logró la Beca de Estudios de canto en Santiago de Compostela, España, otorgada por el gobierno Español a través del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto.

Luego de Santiago en donde fue escuchada por don Joaquin Rodrigo, Victoria de los Angeles, y el mismo Segovia, Ginamaria viajó a Madrid y se puso bajo la tutela de Doña Carlotha Dahamen Chao, prominente diva y maestra de canto con quien Ginamaria obtuvo el conocimiento de una escuela de canto de elevado nivel, que fue siempre halabada durante toda su carrera, por críticos del mundo.

La pureza de su timbre, su impecable dicción en cualquier idioma, la afinación y el amplio registro fueron constante motivo de reconocimiento.

Antes de regresar a Buenos Aires, Ginamaria audicionó para La Ópera de Los Ángeles bajo la dirección de Henry Lewis y cantó el rol de Zerlina en la producción de “Don Giovanni” de Mozart que se representó en el Pavilion del Centro Musical (The Music Center) de la ciudad de Los Ángeles, California.

Intercalando con su labor de actriz en Hollywood, California, Ginamaria tuvo la oportunidad de hacer un concierto en Taormina, durante la estación de verano que coincide con el Festival de Cine de esa ciudad. Allí Ginamaría interpretó un recital de música de cámara muy selecto, con diversos estilos recibiendo de la crítica italiana palabras de gran respeto y admiracion.

De regreso en California intervino en un largo metrage: “My gun is Quick”, dirigido por el famoso Victor Seville, un director inglés que se encariñó con Ginamaria y ella tuvo la oportunidad de hacer el rol de una muchacha bailarina de un “Saloon” y en un momento de la historia Ginamaria interpretó una danza muy sugestiva haciendo la insinuación de un desnudo que fue muy bien manejado y de esa manera ella pudo demostrar sus condiciones de bailarina a la vez de actriz. Este director, el Sr. Seville, fue el que llevó a cabo la famosísima primera versión de “Good Bye, Mr. Chips” que pasó a la Historia de la Cinematografía y la película en que intervino Ginamaria fue la última en su carrera de director.

Este señor estaba muy impresionado con Ginamaria y pronto comenzaron a salir comentarios y el de Hedda Hopper en el Los Ángeles Times fue uno lleno de elogios y augurios hacia la joven actriz.

Estos fueron momentos muy difíciles para Ginamaria porque se le había abierto una posibilidad muy halagadora en Hollywood que en ese entonces no contaba con ninguna “star” de origen latino del calibre de Dolores del Rio, Carmen Miranda o una Lupe Velez y Ginamaría estaba muy tentada de proseguir ese camino sobretodo ante los auspicios y el aliento de personas muy importantes en el “medio” cinematográfico.

Al mismo tiempo y constantemente en su mente y en su corazón escuchaba las palabras de su amada maestra Carlota y del maestro Segovia que, por otra parte habían puesto mucha fe y grandes esperanzas en la carrera del canto de Ginamaría.

Finalmente Ginamaría tuvo que decidir y no fue fácil.

Optó por escoger el canto y asi llegó a Buenos Aires en donde hizo su debut ante el público argentino en el rol de Violeta en “La Traviata” produccion de alto nivel, dirigida por Tito Capobianco, en un ciclo de Canal 9 en donde se llevaron a cabo diversos espectáculos tales como “Tosca” con la participación de Richard Tucker, el famoso tenor norteamericano, la intervención del Ballet Ruso de Montecarlo y Teatro Clásico.

En su “Traviata” la acompañó Carlos Cosutta, tenor lírico de extensa carrera en Europa.

Luego vinieron diferentes roles en “Los Cuentos de Hoffman” de Offenbach, con Roberto Kinsky como Director. Olimpya, la famosa muñeca en el primer acto, caracterizada por sus articuladas técnicas de coloratura, y en el tercer acto, Antonia, la niña dramática y lírica, en contraste total con la heroina anteriormente mencionada. En “Madama Butterfly” de Puccini representó el rol de Cio-Cio San. Cantó en el debut sudamericano de “Il Campanello”, y en la opereta “El Secreto de Susana” de Wolf Ferrari. Todos estos eventos fueron interpretados en el Teatro Argentíno de La Plata, ciudad Capital de la Provincia de Buenos Aires, y Segundo Coliseo del país.

Al mismo tiempo logró ser presentada en televisión en diversos programas musicales hasta que llegó a la realización de su propio programa, ”Las Noches de Ginamaria”, que se originaron en “Las 4 Noches” para convertirse en 48 Noches, durante más de dos años consecutivos.

Allí Ginamaría que intervenía con un ballet y un galán que en su momento fue el actor Sergio Renán, interpretó un total de 420 canciones, en una selección mundial de los temas más hermosos y famosos del mundo. Zarzuelas, Operetas, Comedias Musicales, Arias de Ópera, en 5 idiomas.

Fueron unos espectáculos televisivos de enorme variedad con la interpretación de “El Mago de Hoz” (por ejemplo) “Mi bella Dama”, “Pulgarcito”, ”Una noche en Brasil”, otra en New Orleans, “El Submarino Amarillo”, “Las Mil y Una Noches”, y “Pinochio”. Todos los autores y Compositores del mundo figuraron en su repertorio que fue de mucha variación debido a esa prolífera selección.

Ese programa le deparó muchas satisfacciones a nivel de audiencia y críticos.

Fue galardonada con todos los premios del momento entre los que se destacan “Cruz de Plata” del Semanario Squiú, 2 ”Martin Fierros” premiados por APTRA (Asociación de periodistas de Radio y TV Argentina), y el premio ”Bamba de Oro”, durante 2 años. Tambien recibió los premios “Racimo de Uvas”, “Monumento a la Bandera”, y el ”Gardel de Oro”.

Asimismo comenzó a editar sus LPs (discos de larga duración) que alcanzaron ventas millonarias, siendo reconocida por el Instituto de Opinión Pública durante 2 años consecutivos como “Lo mejor en la música y el disco” y como “Elemento vital para la música Argentína.

Dio un Recital benéfico en el Teatro Colon de Buenos Aires, y 2 presentaciones en el “Luna Park” con asistencia de más de 20 mil personas.

Viajó a Perú, Venezuela, Colombia, México, Uruguay, Paraguay, Panamá, Berlin, Roma, Sicilia, Portugal, el Carnegie Hall en New York y 16 Teatros en todo Japón, con reconocimientos, premios y menciones de honor, hasta llegar a Puerto Rico, que le otorgó distinciones sobresalientes, considerándola como una de las mejores cantantes que actuara en el Centro de Bellas Artes en San Juan.

Participó en Festivales benéficos a lo largo y a lo ancho del Continente Americano, Europa y Japón.

Fue llamada desde Washington DC para cantar a su Santidad el Papa Juan Pablo II, en su visita a la OEA (Organización de Estados Americanos).

Su programa “Las Noches de Ginamaria” participó en Cannes en ocasión de la presentación anual de Televisión del Mundo entero, recibiendo Mención Especial.

Fue llamada por el Presidente de Perú en ocasión del Festival a beneficio de la infancia de ese país y desde Lima fue invitada a hacer un espectacular para Televisión en el Machu-Pichu, en donde cantó a la altura de las nubes en ese recinto de misteriosa e indescriptible belleza.

Fue convocada para cantar en el Festival de Fin de Año en el Palacio de Santo Domingo, República Dominicana, invitada por su Presidente, Don Joaquín Balguer. a total beneficio de la infancia de su país.

Alcanzó niveles excepcionales en la venta de su discografía con Discos de Oro otorgados cuando ese premio se daba con la venta millonaria de cada canción, contando con una producción discográfica de más de 30 grabaciones.

Muchas Fundaciones de Bien Público y de Caridad llevan su nombre y en diversos Institutos de Enseñanza de Argentina tiene una placa de bronce con el nombre de Ginamaria Hidalgo en homenaje y reconocimiento a la artista, así como Hogares de Ancianos, y diversas Fundaciones Culturales.

Ginamaria colaboró en recitales en grandes recintos abiertos de La Reforma, en Méjico, la Plaza Bolivar en Caracas, conciertos populares en Lima y Arequipa, Perú. También participó en festivales de Viña del Mar, Chile, y Montevideo, Maldonado, Punta del Este, Uruguay, y otros.

Su primer libro autobiográfico “Argentíno, yo también soy Argentína” fue editado durante la Dictadura militar y fue quitado de la venta ante la prohibición por parte del gobierno Argentino de esa epoca. Hace unos años, este libro, reapareció en la Biblioteca Pública de New York, ante la sorpresa y la alegría de Ginamaria.

En la actualidad, Ginamaría ha lanzando su penúltimo trabajo discográfico “Ginamaria Hidalgo, Live in Puerto Rico” Volumen 2, que ya está a la venta por medio del Internet. Ha preparado además otras ediciones de diversos títulos de su obra literaria y continuó, hasta casi el último momento de su vida, en la tarea maravillosa de ser útil y recordada por la enorme audiencia que siguió sus pasos y esperó de ella, siempre, nuevas y bellisimas presentaciones.

Asimismo, Ginamaría estuvo hasta el final involucrada en la confección de su página de la World Wide Web con material literario, en ambos idiomas - Español e Inglés, como también su futura discografía, para alcanzar la difusión mundial que ella se mereció.

Mujer dedicada a su vocación, al servicio de su arte, en plena conciencia de Humanidad y Amor, Ginamaría confió en poder realizar aún cuando parecian ser fuera de su alcance, diversos proyectos que involucrarían una función totalmente humanitaria y solidaria.

Con esos cometidos, ella se preparó y confió en que su talento, su perseverancia y dedicación, la lleven a realizar esas metas como, una culminación en su vida. Y nosotros, los que quedamos atrás y la queremos de todo corazón, haremos todo lo posible para continuar su obra, para darle la inmortalidad que ella bien se merece.
Fuente Web de Ginamaria Hidalgo

LP Ginamaria Hidalgo - Amar amando-1974

Genero: Musica Argentina, Cancionistas, Vocal
LP Año: 1974
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Biografia de Ginamaria Hidalgo
Tracks

01-AMAR AMANDO
02-CASTILLOS DE MADERA
03-CANCION DE LA TERNURA
04-MI DICHA LEJANA
05-CLAVEL DEL AIRE
06-LA PULPERA DE SANTA LUCIA
07-EL ANTIGAL
08-ROMANCILLO DEL NIÑO Y LAS ESTRELLAS
09-DE BARRO
10-CHARCOS DEL AMANECER
11-CANCION POR EL
12-CLAVELES MENDOCINOS

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Carlos Gardel Biografia

Carlos Gardel con Isabel de Valle en 1931

Carlos Gardel con Irineo Leguizamo en 1931

Carlos Gardel en El dia que me quieras

Carlos Gardel en New York en 1931

Carlos Gardel con Nona Maris en Cuesta abajo en 1934

Carlos Gardel y Azucena Maizani (Buenos Aires.1933)

Carlos Gardel en la Costa Azul (1931), con el barón y la baronesa de Wakefield y el famoso futbolista del Barcelona, Samitier.

Libreta de enrolamiento de Carlos Gardel.

Carlitos, con Charles Chaplin en Niza

Astor Piazzolla con Carlos Gardel
Astor Piazzolla en 1934, interpreta un pequeño papel de canillita en las escenas iniciales de El Día que me Quieras. Película Paramount protagonizada por Carlos Gardel.Con ellos en la foto Tito Lusiardo

Con la actriz Blanca Vischer en una escena de ElTango en Broadway (1934), filmada en Estados Unidos

Foto de la izquierda: Con los hermanos Juan (izquierda) y DomingoTorterolo.

Foto de la derecha: Carlos Gardel con Elías Alippi y César Ratti, en el hipódromo de Palermo acompañados porel jockey Domingo Torterolo.

Carlos Gardel y Razzano en Mar del Plata (febrero de1916). Cantaron en el Teatro Odeón, en la compañía de Orfilia Rico.



Gardel canta en Radio Belgrano en setiembre de1933.


Gardel fotografiado en Barcelona (1932).

Carlos Gardel con Isabel del Valle.

Carlos Gardel en 1922, cuando cantó con Razzano para Jacinto Benavente. Carlitos aparece entre Barbieri y don Jacinto; (a la derecha) Razzano y "El Negro" Ricardo. Fotografía tomada en el Colegio Internacional de Olivos.

Gardel con Imperio Argentina, en una escena de la
película Melodía de Arrabal filmada en Francia

Carlos Gardel-Razzano y José Ricardo (1917).


El gran fotógrafo oriental Rafael Caruso logró estatoma de Gardel en Montevideo (1933).


El dúo Gardel-Razzano (1922).


Carlitos con ropas criollas en tiempos de sus primeros triunfos en Europa.

Carlos Gardel con Ignacio Corsini (agosto de 1933).


Carlos Gardel (1933). Con él, Horacio Pettorosi.</