Ver todos los posts de "El tango y sus invitados" - (See all "El tango y sus invitados" posts)

Ver detalle rapido y links directos de todos los posts de "El tango y sus invitados"


See quick detail and straight links from all "El tango y sus invitados" posts

Ver por pagina completa todas las publicaciones

Numero de Pagina
01--02--03--04--05--06--07--08--09--10 --11 --12--13--14--15--16-17-18-19

Cuarteto La Ochava Biografia

Cuarteto La Ochava

En 1987 Pedro Chemes asumió la dirección del Cuarteto de la Ochava que revivió la música popular del tango de la guardia vieja (1880-1920). Este conjunto fue distinguido en 1990 por la Asociación Gardeliana con el Premio Gardel de Oro y en 1991 en la Bienal de Arte Jóven, organizada por la Municipalidad de Buenos Aires. En 1992 grabaron un CD editado en España y reeditado posteriormente por ANS Records (USA) y por la Warner española, culminando la tarea iniciada en 1983.
Se presentaron en los teatros San Martín, Presidente Alvear, Coliseo, Centro Cultural Ricardo Rojas, Centro Cultural Recoleta, Instituto de Cooperación Iberoamericana y durante siete años en la Peña de los Coleccionistas del Tango del Café Tortoni. En el interior, en salas de Junín, Olavarría, Resistencia, Corrientes y San Luis.
El Cuarteto se componía con Elizabeth Magazian (flauta traversa), Mariana Gaitán (violín), Sergio Crotti (guitarra) y Pedro Chemes (guitara y arreglos).Fuente Web de Pedro Chemes

Cuarteto de la Ochava - Tangos de la guardia vieja

Genero: Tango, Cuartetos, Instrumental
Año: 1992
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 34.9 Mb/Total time: 32:05

Personal:
Pedro Chemes (guitara y arreglos)
Elizabeth Magazian (flauta traversa)
Mariana Gaitán (violín)
Sergio Crotti (guitarra)

Biografia del Cuarteto La Ochava

Tracks
01-El Esquinazo
02-Compadre Achazo
03-La Payanca
04-El Flete
05-Desde El Alma
06-Mi Madre Fue Une Mulata
07-Milongeo Del Ayer
08-El Queco
09-El Intelectual
10-A Tripoli Se Va
11-Palomita Blanca
12-El Coleccionista
13-Don Juan
14-El Choclo

Bajar

Tito Rodriguez Biografia

Tito Rodriguez

Tito Rodriguez

Tito Rodriguez
Pablo Tito Rodríguez Lozada, fue un cantante, músico y director de orquesta puertorriqueño nacido el 04 de enero de 1923, en Santurce, Puerto Rico, y fallecido el 28 de febrero de 1973, en Nueva York, Estados Unidos.

Fue el segundo de los diez hijos del matrimonio formado por el dominicano José Rodríguez Fuentes y la cubana Severiana Lozada. Desde su niñez, mostró gran interés en la música y ya en su niñez organizó e integró el conjunto Sexteto Nacional, junto a su amigo desde ese tiempo, el músico Mariano Artau. Luego, a los 13 años integró el Conjunto de Industrias Nativas que dirigía el músico Ladislao Martínez, con la cual grabó su primer tema, titulado Amor perdido en 1937. Al año siguiente, le invitan a formar partedel grupo Cuarteto Mayarí junto con los guitarristas Manuel Jiménez (guitarrista) y Francisco "Paquito" Sánchez y el trompetista Plácido Acevedo. Tito tocaba las maracas y hacía la segunda voz en el conjunto, experiencia que nunca fue grabada pues permaneció solo cuatro meses con el grupo.

La isla de Puerto Rico pasaba en ese momento por una situación económica difícil influenciada por la "Gran Depresión" estadounidense; es esta circunstancia la que lleva a Tito a escribirle a su hermano, el músico y cantante Johnny Rodríguez, quien residía en Nueva York desde 1935, expresándole su deseo de marcharse. Había concluido sus estudios de bachillerato y sus padres habían fallecido, lo que precipitó su partida.

En 1939, Tito Rodríguez, con 16 años de edad, llegó a Nueva York esperanzado en trabajar como cantante y trazar su propia ruta musical. En un principio hizo apariciones en la orquesta de su hermano Johnny y poco después logró cantar con el Cuarteto Marcano, con el cual grabó sus primeros discos en Nueva York, aunque nunca formó parte de esta agrupación. Luego, integró el Cuarteto Caney y tras una pasantía breve por las orquestas de Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y percusionista, presta en 1945 el servicio militar obligatorio en el ejército estadounidense.

Al licenciarse del ejército, el pianista y compositor cubano José Curbelo reclutó a Rodríguez como cantante y músico para su orquesta. Ese año, mientras la banda de Curbelo actuaba en el club nocturno "China Doll", Rodríguez conoció a una corista estadounidense-japonesa llamada Tobi Kei, con quien se casó unos meses después y tendría a sus hijos Tito Jr. y Cindy.

Como anécdota de esta época, se cuenta que un día de 1947, Rodríguez pidió permiso a Curbelo para atender a su esposa enferma, pero realmente el cantante estaba tomando licor en un bar. Curbelo lo despidió y Tito estuvo desempleado largo tiempo. Después dirigió un quinteto de corta duración y en 1948 funda la orquesta "Mambo Devils" (Diablos del Mambo). Con esta orquesta, en pleno auge delmambo, Rodriguez rivaliza con las orquestas de Tito Puente y con los Afrocubans de Machito .

Firma su primer contrato de grabación con la disquera Tico Records, la cual le obliga a cambiar el nombre de su orquesta, el cual pasó a ser Los Lobos del Mambo. Para entonces había iniciado estudios en Julliard Musical Conservatory tomando clases de percusión, vibráfono y xilófono.

Buscando nuevos mercados para su música, Rodríguez firma en 1953 un nuevo contrato con la empresa transnacional RCA Víctor y su banda pasa a llamarse "Tito Rodríguez y su Orquesta". Años después de su muerte, BMG Music reeditó en formato CD varias de estas grabaciones.

En 1955, Tito Rodríguez se percata de que el atrilero de su banda en ese tiempo, su compatriota José "Cheo" Feliciano tenía talento para ser cantante y percusionista. Gracias a ello, Rodríguez le ofrece la oportunidad de cantar junto a su orquesta en el club nocturno neoyorkino, hoy desaparecido, Palladium. Feliciano sale airoso de la prueba y Rodríguez le recomienda al músico Joe Cuba su inclusión en su sexteto.

En 1960, renuncia a RCA Víctor y firma nuevo contrato con la división discográfica de la empresa cinematográfica United Artists. En su contrato, Rodríguez puso como condición que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello, titulado Live at the Palladium, constituyó un éxito que fue empañado sólo por la contínua rivalidad con el músico estadounidense Tito Puente, la cual nació mientras trabajaban con la orquesta de José Curbelo. En junio de 1962, Rodríguez y su banda grabaron "Back Home In Puerto Rico" durante una estadía de dos semanas en la isla. Su regreso fue marcado por recepciones oficiales de gobierno y amplia cobertura por los medios noticiosos.

Trató de establecerse con una revista musical en la ciudad estadounidense de Las Vegas lo cual le ocasionó una gran pérdida económica. En 1963 graba junto a su orquesta un nuevo disco en vivo esta vez dedicado al Jazz Latino en el club neoyorkino Birland. Este álbum, titulado Live at Birland incluyó la colaboración de los músicos de jazz Bob Brookmeyer, Al Cohen, Bernie Leighton, Zoot Sims y Clark Terry. Pero en 1964, a causa de un veto artístico que le impedía actuar con sus músicos, Tito Rodríguez asumió el reto de cambiar radicalmente de estilo, al menos por ese momento, al interpretar boleros con acompañamiento de una orquesta de cuerdas, cuando los boleristas tradicionales no estaban en su mejor momento.

La disquera, puso el talento de Rodríguez en manos del músico, compositor y director estadounidense Leroy Holmes quien había tenido algún acercamiento con la música romántica latinoamericana. De esta colaboración, nace el álbum From Tito Rodríguez with Love (De Tito Rodríguez con amor) un auténtico éxito de ventas, que incluyó la canción "Inolvidable" del músico cubano Julio Gutiérrez. Este éxito inicial como bolerista, hace que años después de su muerte se le conociera como "El Inolvidable". La alianza entre Rodríguez y Holmes produjo unos nueve LP con interpretaciones que iban del género del bolero a la balada. A esta sucesión de LPs románticos la alternó con álbumes bailables diversos como el titulado Tito, Tito, Tito y Tito Número 1.

Los malos contratos de negocios y la controversia con sus músicos sobre el salario, le hicieron disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Cuando la compañía matriz de United Artists adquirió uno de los canales de televisión de Puerto Rico, Tito inició su propio programa en el cual aparecieron como invitadas diversas estrellas estadounidenses como Shirley Bassey, Tony Bennett y Sammy Davis Jr. Rodríguez pensó que como a él se le consideraba Nuyorican (neoyorkino de ascendencia puertorriqueña) no podría recibir algún premio por su programa.

Sintiendo el rechazo de sus compatriotas, Rodríguez regresa a Estados Unidos. El álbum "Estoy Como Nunca" marca este regreso a los escenarios de Nueva York. Por último, grabaría su disco El Doctor contentivo del tema Esa Bomba, su última canción sobre la rivalidad que sostuvo con Tito Puente.

En 1967, durante la grabación de uno de sus programas Rodríguez tuvo uno de los primeros síntomas de la leucemía, de la cual fallecería. En 1969, Rodríguez inició su labor como empresario discográfico con su sello TR Records. Enseguida viaja al Reino Unido, para grabar con músicos de aquel país su primer álbum en esta nueva etapa Inolvidable (Unforgetable) en el cual reeditó su famoso éxito de 1964 ya mencionado. A los boleros tradicionales contenidos en este LP sumó canciones de corte innovador como Amor No Es Solo Sexo. Durante el espacio entre las sesiones de grabación, le fue confirmado que padecía de leucemia aunque insistió en mantener en secreto su enfermedad.

En el año 1972 Rodríguez celebra sus 25 años de actividad como vocalista (aunque tenía más años en el medio artístico) con un espectáculo titulado 25th Anniversary Perfomance (Presentación del 25º Aniversario) el cual presentó en el Club "El Tumi" de Lima donde se realizó su última grabación en vivo. Este álbum, que incluyó sus éxitos de finales de los años 50 y los 60 fue presentado al público en enero de 1973 y despertó comentarios acerca de que esto fuera una despedida.

Desoyendo el consejo de guardar reposo, Rodríguez realizó su última presentación con la orquesta de su colega Francisco Raul Gutierrez Grillo ( Machito) en el Madison Square Garden el 2 de febrero de 1973. Este espectáculo redujo aún más la vitalidad del cantante, por lo que debió ser hospitalizado.

Finalmente, perdió la batalla contra su enfermedad y, 24 días después, el 26 de febrero de 1973, Rodríguez falleció en los brazos de su esposa. A petición del cantante, sus restos fueron llevados a Puerto Rico y fueron velados en una ceremonia que congregó a varios colegas suyos, entre ellos su antiguo rival, Tito Puente. Luego, sus restos fueron cremados y depositados en una urna junto a los de su esposa, años después.

Homenajes [editar]Cuando se formó la orquesta de salsa y jazz latino Fania All Stars (Las Estrellas de Fania) a Rodríguez se le invitó a tomar parte en la grabación de su primer álbum, lo cual declinó. Es, sin embargo, esta misma orquesta la que le rindió el primer tributo discográfico, años más tarde. Posteriormente, Danny Rivera, compatriota de Rodríguez, grabó un LP en homenaje suyo que incluyó un dúo con la voz de este. Igualmente, Chucho Avellanet cuya carrera de bolerista fue impulsada por el éxito de Tito Rodríguez, grabó otro álbum de homenaje.

Pero en 1993, al cumplirse 20 años de su desaparición, la disquera venezolana Palacio de la Música y la estadounidense West Side Latino (poseedora del catálogo de United Artist Latino) concibieron la idea de sustituir el acompañamiento original en los éxitos románticos de Rodríguez con un conjunto de voces y guitarras, escogiéndose para este fin a La Rondalla Venezolana. De esta fusión surgió el CD "Eternamente", grabación de gran éxito a la que se sumó "Nuevamente Juntos" en 1999. Estos homenajes se basaron en el deseo que tuvo Rodríguez, jamás cumplido, de grabar con guitarras.

También en 1993, el cantante de salsa y baladas Gilberto Santa Rosa realizó otro álbum titulado A Dos Tiempos De Un Tiempo con interpretaciones de boleros y salsa realizadas años atrás por Rodríguez, además de un tema especial dedicado a aquel y otro a dúo con el fallecido intérprete. Finalmente, en el año 2003 la disquera puertoriqueña Disco Hit retoma la idea de grabar la voz de Tito Rodríguez con guitarras y edita el álbum El Inolvidable: Boleros, Voces y Guitarras.

Su forma particular, sentimental y propia de interpretar el bolero y la música, le han hecho merecedor del reconocimiento internacional como uno de los grandes intérpretes de la música caribeña y del bolero. Después de su muerte y aún en vida ha tenido muchos intérpretes que siguen su estilo en el género del bolero. Fuente Wikipedia

Tito Rodriguez - La Herencia

Genero: Salsa, Mambo, Vocal, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 88.2 Mb/Total time: 47:44

Biografia Tito Rodriguez

Tracks

01-Yamboro
02-Tremendo Cumbán
03-Esto Es Felicidad
04-Me Voy Pa' Las Villas
05-Ya lo Vi
06-Vuela, Vuela, La Paloma
07-La Ley del Guaguancó
08-Clapping the Guapacha
09-Besame La Bembita
10-Harlem Nightmare
11-Ritmo y Melodía
12-Dónde Estabas Tú
13-Chancleteando
14-Piel Canela
15-A Los Muchachos de Belén
16-Palo de Caña Brava


Bajar

Omar Valente Biografia

Omar Valente

Omar Valente en Japon en 1973

VALENTE, Omar. (Nombre de familia: Antonio Valente). Músico. Pianista. Bandoneonista. Contrabajista. Director.
Arregiador. Compositor. Nació en Buenos Aires, barrio de Constitución el 30 de marzo de 1937; pero comenzó sus estudios musicales en La Plata: teoría, solfeo y piano desde los siete años de edad. Debutó en 1949 en orquestas de la capital provincial, y a los doce años formó y dirigió la Orquesta Juvenil Florida, tocando en el recién inaugurado Canal 7. En 1954 integró la agrupación Los Embajadores del Tango (ex músicos de Horacio Salgan) estudiando armonía y composición con Tití Rosi.
Integró luego una formación de avanzada surgida en La Plata: el Quintango, con el que actuó hasta 1970 incluyendo presentaciones en Buenos Aires, en El Viejo Almacén. Y debutó aquel año en Caño 14, como pianista del sexteto de Enrique Mario Francini. Ya durante el verano de 1971 se unió a Néstor Marconi y a Héctor Console para formar el Vanguatrío, con el que grabaría dos discos de larga duración para Tonodisc y sin dejar el cual, colaboró en el acompañamiento de Amelita Baltar con Molles, Consolé y Camino en 1972, en el Teatro Regina; en 1973 con el quinteto de Hugo Baralis (discos Music-Hall, Teatro San Martín); con la orquesta Francini-Pontier, reconstituida ésta para una gira de setenta y dos días por Japón, ahora como bandoneón; y en 1974 como director y arreglador de la orquesta acompañante del cantor Jorge Hidalgo en disco BGM. En 1977 dirigió y escribió las orquestaciones para Virginia Luque (disco Embassy) y para Tito Martino (TM Records). Destacado entre los más diestros pianistas de su generación y por la constante búsqueda inventiva de sus arreglos, es además un inspirado compositor de temas orquestales: Ciudad Noche, Ciudad de Tango (ambos de 1969 y grabados por Hugo Baralis sobre instrumentaciones suyas) y Nace una ciu-dad (1970) formando lo que él mismo denomina como "una primera trilogía". En colaboración con Néstor Marconi, le pertenece Tema para tres. En diferentes momentos de su intensa trayectoria, ha tocado asimismo con D'Arienzo, con Gobbi y con Piro. Es arreglador y pianista de la Banda Sinfónica de la Policía de la Provincia. Fallecio el 1 de Febrero de 2006Fuente Horacio Ferrer

Orrquesta Omar Valente - Timeless Tango

Genero: Tango, Orquestas de tango, Instrumental
Grabacion realizada en 1996
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 78.8 Mb/Total time: 49:44

Este CD nos llega por quien difundio el Primer programa de tangos creado en una FM en el pais, FME 103.9 de Argentina, ya desaparecida, su Creador y Conductor Oscar "Cacho" Cobian quien empezó a irradiar su música allá por 1987 y a través de los años la emisión tomó protagonismo pasando por diferentes emisoras y ganando varios premios (4 Estelares del Espectaculo, al mejor programa de Musica Ciudadana en FM y AM)
Gracias Oscar!!!!
Si queres conocer mas de Oscar visitu su web:
http://www.detangoentango.blogspot.com/

Biografia Omar Valente

Tracks
01-Amurado
02-Ventarron
03-Loca Bohemia
04-Recuerdo
05-La Cumparsita
06-Adios Nonino
07-Canaro En Paris
08-Alegria De Un Teclado
09-Taconeando
10-Tristeza De Un Teclado
11-Milonga Con Variacion
12-La Muerte Del Angel

Bajar

Fado

Fado: Pintura de José Malhoa

El fado: Nacida en Lisboa, esta melancólica música es la expresión más genuina de la cultura popular portuguesa.
Así como Buenos Aires tiene el tango como una de sus señas de identidad indelebles, El Viajero Ilustrado sabe que Lisboa, la capital de Portugal, no sólo es una de las ciudades más bellas de Europa. Entiende que si lo es, es también por la música que la identifica: el fado es, casi por definición, la canción de Lisboa, el más genuino representante de la cultura popular portuguesa. Y, por la cantidad y calidad de intérpretes y de sitios donde escuchar fado, es siempre una encantadora cita para los afortunados traqueteadores nocturnos de las callecitas de Lisboa.

El Viajero Ilustrado reconoce que Amalia Rodrigues fue la mejor exponente del fado durante más de 50 años. Dueña de una voz entre desgarrada y dulce que la hizo famosa en todo el mundo, Rodrigues le canta a Alfama, un viejo barrio de Lisboa, y a sus rincones. El fado es una expresión de nostalgia, saudade y tristeza. Literalmente quiere decir "destino" y El Viajero sabe que esta música es deudora de la añoranza, de todo aquello que se cree perdido para siempre, de lo que no volverá. También, del fuerte lazo que los portugueses tienen con el mar y, en ese sentido, con los barcos, las partidas y los regresos. En otra de las ciudades marcadas por el fado, Coimbra, el estilo es más alegre.

Durante más de 150 años, calcula El Viajero, los habitantes de Lisboa disfrutaron de su música en pequeños bares, restaurantes y cafés. Canciones que cantan tanto hombres como mujeres, el fado se acompaña con la guitarra portuguesa, con forma de mandolina y pares de ocho, diez o doce cuerdas. Su sonido no es solamente inconfundible, también es imprescindible. A partir de un diseño sencillo, esta guitarra evolucionó y hoy hay bellos modelos decorados con, por ejemplo, incrustaciones de nácar.

Desde 1998, el fado tiene un museo que resguarda y cuenta su historia. La Casa do Fado e da Guitarra Portuguesa funciona en el Recinto da Praia, un edificio del XIX, de fachada color terracota que da a la plaza Largo do Chafariz do Dentro. Las distitnas salas del museo están diseñadas con un criterio moderno y, al mismo tiempo, cálido.

Nacido de raíces africanas entre marineros, prostitutas, vagabundos y toreros, en tabernas de mala fama, a mediados del siglo XIX, el fado inspiró no sólo a grandes letristas sino también a escritores y pintores. Maria Severa fue una de las primeras cantantes de fado y su vida -algo escandalosa para la época que le tocó vivir- se narró en la primera película portuguesa con sonido.

El Viajero Ilustrado sabe que la visita al museo transcurre entre tapas de discos, partituras, programas de actuación, trofeos, centenares de fotografías, vestidos, trajes, chales. Y guitarras portuguesas, como las de Petrolino y Piscalareta, de los años 30, o una de concierto de Carlos Paredes, el guitarrista más famoso. Entre los grandes letristas, El Viajero apunta el nombre de Alfredo Duarte. Era conocido como O marceneiro (el carpintero), porque aseguran que era un artista de la madera. Duarte escribió sobre la muerte, el amor, la nostalgia: todos los temas propios del fado.

Las letras de fados, escritas con prolija caligrafía de tinta, registran también los años en que la dictadura de Antonio Salazar (1933 a 1974), una comisión de censura custodiaba que los intérpretes no cruzaran la delgada línea que, según Salazar, delimitaba la moral y las buenas costumbres. Pero el fado parece haber traspasado todas las barreras. En 1910 apareció "Republicano", cuya letra, recuerda El Viajero, festejaba la nueva república. En distintos puntos del circuito, se pueden oprimir distintos botones para seleccionar qué fado se quiere oír. Al final, vuelve la voz de Amália, que murió en 1999. El Viajero Ilustrado cree, sin embargo, que el mejor modo de conocer y disfrutar de esta música es en alguna de las casas de fado en Alfama, en el Bairro Alto, mientras se toma un caldo verde.

Así que, ya en la calle, El Viajero Ilustrado camina por la Rua da Rosa y comienza a entender dónde y por qué nació el fado. En el restaurante típico "O Forcado" entre antiguas fotos de fadistas, escucha la voz de la cantante, la guitarra y la viola, que nunca es solista y aporta el ritmo. En otra casa de fado emblemática, "Adega Mesquita", El Viajero percibe el alma portuguesa. Allí hay fado, fotos de toreros y poemas pintados en azulejos. El famoso Café Luso está abierto desde años 30. Ocupa las antiguas cocheras y bodegas del Palacio de San Roque y es uno de los edificios que resistió al terremoto de 1755. En el Barrio Alto hay muchas otras posibilidades de escuchar fado: "Adega Machado", "Senhor Vinho" y "A Severa". Para una noche de fado, El Viajero Ilustrado sabe que debe llegarse también hasta el barrio de Alfama.

Todas las mujeres que cantan fado se cubren los hombros con un largo, sutil chal negro. El Viajero Ilustado escuchó que en esa tradición hay un homenaje a la fadista Maria Severa.

Una canción de amor y saudade, una despedida de alguien que se embarca, una canción melancólica pero no triste que se escucha en el puerto de Lisboa: el fado.
Fuente: Clarin(El viajero ilustrado) del 26/08/2007

A.V. The Best of Fado - Um Tesouro Português - Vol 01

Genero: Fado, Musica de Portugal, Vocal, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 96.1 MB / Total time: 67:15

Que es el Fado

Tracks

01-AMÁLIA RODRIGUES*****GAIVOTA
02-CARLOS RAMOS*****SEMPRE QUE LISBOA CANTA
03-HERMÍNIA SILVA*****FADO DA SINA
04-CAMANE*****MAIS UM FADO NO FADO
05-MARIZA*****Ó GENTE DA MINHA TERRA
06-MAX****NEM ÀS PAREDES CONFESSO
07-LUCILIA DO CARMO*****MARIA MADALENA
08-FREI HERMANO DA CAMARA*****O RAPAZ DA CAMISOLA VERDE
09-MAFALDA ARNAUTH*****QUASE IMORTAL
10-CARLOS DO CARMO*****POR MORRER UMA ANDORINHA
11-MARIA TERESA DE NORONHA*****FADO DAS HORAS
12-JOÃO FERREIRA-ROSA*****TRISTE SORTE
13-ARGENTINA SANTOS*****DUAS SANTAS
14-NUNO DA CAMARA PEREIRA*****FADO DO LADRÃO ENAMORADO
15-KATIA GUERREIRO*****ASAS
16-FERNANDO FARINHA*****CANÇÃO DE LISBOA
17-TONY DE MATOS*****O FADO MORA EM LISBOA
18-VICENTE DA CAMARA*****A MODA DAS TRANÇAS PRETAS
19-MARIA DA FÉ*****VALEU A PENA
20-FERNANDO MAURICIO*****IGREJA DE SANTO ESTÊVÃO
21-BEATRIZ DA CONCEIÇÃO*****POMBA BRANCA, POMBA BRANCA
22-ALFREDO MARCENEIRO*****HÁ FESTA NA MOURARIA

Bajar

Bernstein Arturo (El Aleman). Biografia

Bernstein Arturo (El Aleman)

BERNSTEIN, Arturo Herman. ("El alemán"). Músico. Bandoneonista. Compositor.
Nació en Petrópolis (Brasil), el 17 de noviembre de 1882. Radicado en Buenos Aires desde la infancia, ejecutó inicialmente violín y guitarra en cafés de Barracas, dedicándose luego al bandoneón. Fue el primer bandoneonista del tango con profundos conocimientos musicales y dominio absoluto del instrumento, en el que también ejecutaba fragmentos de páginas europeas de concierto. Participó del auge de los conjuntos de tangos en los cafés con cama-reras de La Boca, en torno del Centenario. Acreditó con su bandoneón, y su pila de fieltros de "chops" consumidos, el café La Marina de Suárez y Necochea. Su actuación fue muy prolongada, contando con su concurso muchos locales de la época, tales como El Caburé, El Parque, T.V.O. y La Fratinola, de Martín García y Patricios, en el que actuó mucho tiempo. A partir de 1915 su actuación tuvo lugar en los locales nocturnos del centro. Compuso el excelente cuarteto denominado El Alemán, acaso el mejor de su tiempo, con Vicente Pepe (violín), su hermano Luis (guitarra) y Ventoso Pita (flauta), grabando para los discos Atlanta. En 1920 integró un conjunto con Juan Carlos Cobián (piano), Tito Roccatagliata (violín) y Ciriaco Ortiz (bandoneón) para tocar en el bar Victoria, de la ciudad de Córdoba. Cumplió su postrera actuación en 1935 con un quinteto evocativo por LS6. Fue un verdadero maestro en la enseñanza del bandoneón, con legiones de discípulos destacados, como Carlos Marcucci y Federico Scorticati. Autor de diversas obras, entre ellas: No hay partido sin revancha, La carambola, Mala suerte, La gaita, Rama caída. Falleció en Buenos Aires el 20 de setiembre de 1935.Fuente Horacio Ferrer

Esposito Genaro. ("El tano Genaro"). Biografia

La Cubanita de ESPÓSITO Genaro. ("El tano Genaro")

ESPÓSITO, Genaro. ("El tano Genaro").Nacio el 17 de Febrero de 1886 en el barrio de San Telmo de la capital Argentina.
Músico. Bandoneonista. Director. Compositor.
Fue una de las figuras auténticamente representativas del tango en los primeros veinte años del siglo. En plano inmediato al de Pacho y Greco, su nombre se contó entre los ídolos populares en torno de cuya actuación se afianzó la gran divulgación de los tangos como música bailable. Maestro de bandoneón, Anselmo Aieta se contó entre sus discípulos. Fue más tarde otro de los aventurados artistas que contribuyeron con su esfuerzo personal al apogeo del tango en Europa. Así como Arólas fue el crédito de Barracas; Maffia el de Flores; Marcucci el de Wilde, y Fresedo el de Paternal, él lo fue de la barriada de San Telmo donde nació. Actuó durante mucho tiempo en los cafés con camareras de La Boca. Resultó clásica su presencia en el palco del Royal, de Suárez y Necochea, con Agustín Bardi (violín y José Camarano (guitarra).
Acompañado de Harold Philips (piano) y Alcides Palavecino (violín) hizo luego sus interpretaciones en otro local: La Marina. En 1912, con Vicente Pepe (violín), Vicente Pecci (flauta) y Guillermo Saborido (guitarra), actuó en el Palais de Glace. Posteriormente formaron en su cuarteto Julio Doutry "El francés" (violín), José Camarano(guitarra) y José Dionisio Fuster (flauta) actuando en el bar Iglesias de Corrientes. Con este conjunto grabó numerosos discos para los sellos Era, Columbia y Víctor. Tiempo después tocó en Le Petit Parisién e integró la orquesta de Eduardo Arólas durante las presentaciones de éste en Montevideo, tocando también como atracción, en el café Zunino. En 1920 se alejó con rumbo a París —en compañía de Manuel Pizarro— donde formó orquesta para tocar en el cabaret Le Perroquet, en el foyer del Casino de París. Continuó su carrera de músico en Francia. Falleció en París, en 1950. Fue compositor del tango La cubanita. Fuente Horacio Ferrer

Homenaje a la Guardia Vieja del Tango 1913-1914(Quinteto Criollo El Aleman-1913 y Quinteto Criollo Tano Genaro-1914

Genero: Tango, Quintetos, Guardia vieja del tango, Instrumental
Grabaciones realadas en 1913 y 1914 en el sello Atlanta
Gracias al esfuerzo y la labor de los coleccionistas estas grabaciones pudieron ser digitalizadas. El homenaje es tambien para ellos.
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 69.1 MB / Total time: 62:47

El quinteto El Aleman esta dirigido por BERNSTEIN, Arturo Herman
El quinteto Tano Genaro esta dirigido por ESPÓSITO, Genaro

Por gentileza de Alessandro, se agrega el track 21 como Bonus Track(que no esta incluido en la contratapa), pero si en el CD .

Biografia Esposito Genaro. ("El tano Genaro")

Biografia de Bernstein Arturo (El Aleman)

Tracks

01-Quinteto Criollo El Alemán*****No Hay Partido Sin Revancha - Instrumental-1913
02-Quinteto Criollo El Alemán*****El Apache Porteño - Instrumental-1913
03-Quinteto Criollo El Alemán*****Idilio Campestre - Instrumental-1913
04-Quinteto Criollo El Alemán*****El Apache - Instrumental-1913
05-Quinteto Criollo El Alemán*****Secreto De Amor - Instrumental-1913
06-Quinteto Criollo El Alemán*****El Caburé - Instrumental-1913
07-Quinteto Criollo El Alemán*****Región Campera - Instrumental-1913
08-Quinteto Criollo Tano Genaro*****El Entrerriano - Instrumental-1914
09-Quinteto Criollo Tano Genaro*****De Madrugada - Instrumental-1914
10-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Noche De Frío - Instrumental-1914
11-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Gran Muñeca - Instrumental - 1914
12-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Rodríguez Peña - Instrumental - 1914
13-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Una Fija - Instrumental - 1914
14-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Noche De Farra - Instrumental - 1914
15-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Curda Completa - Instrumental - 1914
16-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Lágrimas Y Sonrisas - Instrumental - 1914
17-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Recuerdo De Zambonini - Instrumental - 1914
18-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Te Sol - Instrumental - 1914
19-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Tallada - Instrumental - 1914
20-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Viento En Popa - Instrumental - 1914
21-Quinteto Criollo Tano Genaro*****Zambacueca - Instrumental - 1914

Bajar

Miguel Aceves Mejía Biografia

Miguel Aceves Mejía

Miguel Aceves Mejía

Miguel Aceves Mejía (Chihuahua, México, 15 de noviembre de 1915 - 8 de noviembre de 2006) fue un cantante, actor y autor de canciones vernáculas mexicanas.

El rey del falsete, como era conocido, esta considerado, junto a Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís uno de los pilares de la canción tradicional mexicana.

En su juventud trabajó como Chofer de una familia chihuahuense adinerada, misma que al emigrar a la Ciudad de México, invita también al joven Miguel Aceves a trasladarse ahí, donde posteriormente formó parte de una compañía teatral ambulante y en 1938 grabó con el trío Los Porteños; al mismo tiempo trabajaba como mecánico en la ciudad de México y cantaba en la radio boleros y ritmos afrocubanos.

A partir de 1945 se dedicó exclusivamente al genero ranchero. Si bien partecipó como actor protagonista, tras la muerte de Jorge Negrete y Pedro Infante, en más de 60 películas, Miguel Aceves Mejía es recordado sobre todo como un gran cantante. Aunque fue un interprete de gran versatilidad, es tal vez en la modalidad del huapango donde su arte alcanzó el máximo esplendor. Grabó más de mil canciones de todos los géneros folclóricos mexicanos, acompañado en ocasiones del Mariachi Vargas de Tecalitlán. Entre las más populares melodías que interpretó están "El pastor", "La malagueña", "Yo tenía un chorro de voz’’, "La del rebozo blanco’’, "Vaya con Dios’’, "El jinete’’, " La Noche y tú" y "Cuatro caminos’’. Fuente Wikipedia en español

Miguel Aceves Mejía - Lo mejor de lo mejor rca vol 01

Genero: Rancheras, Musica de Mexico, vasles, corridos
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 95.8 MB / Total time: 59:53

Biografia de Miguel Aceves Mejía

Tracks

01-La embarcacion
02-O' Gran Dios
03-Carabina
04-El prisionero
05-Las Espinas
06-Amelia Amelia
07-Soy Huerfanito
08-Se me hizo facil
09-La barca de Guaymas
10-Te vide venir
11-Rosa, Rosita
12-Tú solo tú
13-Ella
14-El Rebelde
15-La malagueña
16-Te amare vida
17-Sucedio en la barranca
18-Tu recuerdo y yo
19-Gorrioncillo pecho amarillo
20-A los cuatro vientos

Bajar

Emma Milan Biografia

Emma Milan

Emma Milan

EMMA MILAN nació en 1964 en el sudeste de Francia, no muy lejos de Italia, de donde son oriundo parte de su familia. En 1983, ella se establecieron en París para completar sus estudios universitarios y enseñar a español. En consecuencia cursos paralelos cantando y descubrió una pasión por el tango. Esta expresión musical nacida a orillas del Río de la Plata, combinado con textos de una belleza meteórica es para ella como un obvio: encuentró para su camino. Luego vienen encuentros con artistas argentinos que confirma en su determinación. Con el tiempo, favorece la íntimas atmósferas, rodeados por la mayoría de guitarras a menudo uno o dos y un bandoneón además a veces contrabajo, instrumentos que vibran y conversan con la voz. En los últimos años, EMMA MILAN ha actuado en Ginebra, Berlín, Amsterdam, Rotterdam y en Argentina a dos veces (octubre de 2002 Centro Cultural General San Martín y en el teatro ND Ateneo de Buenos Aires, así como en la provincia de Corrientes en el noreste de Argentina.) "En Francia canta en Toulouse (día y el espacio Claude Nougaro teatro) en Périgueux, en Rennes (la barcaza show) en Bourges (Festival Les Euphoniques), a Mazamet (espacio Apolo) en Albi (Festival"A fin de semana con ellos"), en Niza (teatro de verde), Assier (Festival de Assier)..." Puede escuchar en habitaciones parisinas como New Morning, la langosta de Zapata, La Maroquinerie, Le Limonaire, casa de América Latina y el antiguo teatro de la cuadrícula. También ha participado en varios programas de de radio musicales en Francia como en una meseta, o en todos los aspectos más destacados. En el año 2004 que canta Dortmund, en el Instituto francés de Casablanca en Argentina a la Clasica y Moderna en Francia para muchos de los organizadores, incluyendo Forbach, la escena nacional un verano Bourges y Adiam 78. _ PRESSE "En fase de su generosidad y su expresividad se refiere a las horas de tango argentino tradicionales más bellas." LA _ de ADEN del mundo - la Inrockuptibles - "la profundidad de emoción, la belleza de voz y el peso de la noche son de un recital de Emma Milán en un momento muy fuerte y conmovedor". "Simplemente desgastada por un bandoneón y guitarra, la voz de Emma Milán parece simplicidad trágico." GILLES PRESNITZER _ "su voz representa un poderoso vínculo entre aceras sombra Buenos Aires y París húmedo de piedra". "Esta cantante al sello elegante lo ha dejado llevar por la belleza de las palabras elegidas para expresarse". Bouziane Daouadi - liberación _ "no se trata de un niño de la borne o se trata de un cantante que roto todos los estilos al tango, sino de unas palabras de amor de joven mujer y su poesía". Valérie Jourdan - revista de Bayan _ "Emma Milán da cuerpo a las palabras, palabras en un idioma especial y vincular...!" Dominique Dejalot - la REPUBLICAIN - "Emma Milán perpetúa el vínculo histórico-cultural y sentimental entre Francia y el tango... como una arteria que conduce al corazón." MONDOMIX Fuente web de Emma Milan en Frances

Emma Milan - Serenata Porteña

Genero: Tango, Cancionistas, Vocal, Instrumental
Año: 1997
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 54.9 Mb/Total time: 52:29

Biografia de Emma Milan

Tracks

01-Yuyo Verde
02-Griseta
03-Trenzas
04-Forastera
05-Tu Olvido
06-Nada
07-Sus Ojos Se Cerraron
08-Mi Penar
09-La Milonga Y Yo
10-Fuimos
11-Qué Me Van A Hablar De Amor
12-Cafetin De Buenos Aires
13-Tardes Provincianas
14-Gloria
15-Amurado

Bajar

Eddie Calvert Biografia

Eddie Calvert

Eddie Calvert (marzo 15to, 1922-agosto 7, 1978) fue un trompetista Inglés, que logró sus mayores éxitos en la década de 1950. Calvert tuvo en el Reino Unido, el número uno instrumental 2 veces en 1954, con "Oh mein Papa".

Biografía
Albert Edward Calvert nació en Preston, Lancashire, Inglaterra, y se crió en una familia donde la música de su banda de música local presentó reiteredamente. Pronto fue capaz de reproducir una variedad de instrumentos, y era más logrado en la trompeta. Tras la Segunda Guerra Mundial se graduó de ejecutante como aficionado en bandas de música a los compromisos profesionales con orquestas de baile popular de la época, incluida la de Geraldo además de Billy Ternet y pronto se hizo conocido por el virtuosismo de sus actuaciones. Después de su exposición en la televisión con la Orquesta Negro Stanley, un locutor entusiasta lo presentó como el "hombre con la trompeta de oro" - una descripción acertada de que permaneció con él durante el resto de su carrera musical.

Estilo de Calvert fue inusualmente individualista, y se convirtió en un músico conocido en la BBC Radio y televisión durante la década de 1950. Grabo por primera vez para Melodisc, ca 1949-1951 siguio grabando para el sello Columbia y entre sus discos figuraban dos números uno del Reino Unido, "Oh mein Papa" y, más de un año después, "Cherry Pink and Apple Blossom White". Fue el primer músico británico en lograr dos números uno. "Oh mein Papa", que también se vendió bien en los Estados Unidos, encabezó las listas británicas durante nueve semanas (en ese entonces un récord de éxitos del Reino Unido), y recibió el disco de oro otorgado por primera vez para una pista instrumental Reino Unido.

Sus exitos en ese momento eran "John y Julie", tomado de la banda sonora de la película de John y Julieta, y "Mandy", su último gran éxito. Otras grabaciones incluyen "Stranger In Paradise" (1955), "El hombre del brazo de oro" (1956) y "Celos" (1960). Calvert también co-escribió "Mi hijo, mi hijo" en 1954 - una carta-primeros de Vera Lynn. Su tema de la película, El hombre del brazo de oro fue prohibida por la BBC. A pesar de que el hecho de que se trataba de un disco instrumental, un portavoz de la BBC dijo: "La prohibición se debe a su coneccion con una película sobre las drogas"

A medida que la industria de la música entró en la era menos inocente de la década de 1960, las entregas musicales Calvert se hizo menos apreciado por los compradores de registro. En 1968 se había convertido en Calvert desilusionado por la disminución de su fortuna y dejó el Reino Unido, y se fue a vivir a Sudáfrica.

Murió de un ataque al corazón en Salisbury en 1978, durante una gira de conciertos de Rhodesia. Tenía 56 años de edad. Fuente Wikipedia en Ingles

LP Eddie Calvert - Lonely Nights-1970

Genero: Bigs Bands, Trompeta, Instrumental, Continental Europea
Grabaciones originales en 1956
Llevadas a LP en 1970

Biografia de Eddie Calvert

Tracks

A01-Easy To Love
A02-What Is This Thing Called Love
A03-Can't Help Lovin' Dat Man
A04-Taking A Chance On Love
A05-Falling In Love With Love
A06-Love In Bloom
B01-The Man I Love
B02-Why Do I Love You
B03-One Night Of Love
B04-A Little Love,A Little Kiss
B05-Love Is The Sweetest Thing
B06-Love Me Or Leave Me

Bajar

Julian Plaza biografia

Julian Plaza

Julian Plaza en la orq. Carlos Di Sarli en 1958

Cuarteto de bandoneones a capella integrado por Alfredo Marcucci, Ernesto Franco, Julián Plaza y Atilio Corral

PLAZA, Julián. Músico. Bandoneonista. Pianista. Compositor. Arreglador.
Se formó estéticamente en los conceptos de estilo que dieron fisonomía al tango de la Generación de 1940, desde la temprana aparición que lo convirtió —apenas adolescente— en uno de los ejecutantes más requeridos y mejor conceptuados. Se proyectó luego en primera línea de inquietud renovadora, de conducta profesional y de permanencia en la creación, entre los jóvenes artistas que a su vez otorgaron personalidad, interés y jerarquía al tango de la generación de 1955. A ésta pertenece él por sensibilidad, por actuación y por obra, compartiendo esa ubicación con otros tanguistas de edad semejante y parecidas ideas musicales: Atilio Stampone, Víctor Lavallén, Leopoldo Federico, Osvaldo Berlingieri, Simón Bajour, Osvaldo Requena y Osvaldo Tarantino, con quienes ha defendido y postulado en común aquellas ideas en numerosas y calificadas realizaciones. Conocedor a fondo de los secretos y de los "modismos" que hacen a las modalidades orquestales más disímiles, integró con idéntica competencia agrupaciones de tan opuesta concepción como las de Carlos Di Sarli y Miguel Caló. Ese dominio de las corrientes interpretativas de cuño tradicional combinado al estudio de las disciplinas musicales—que cumplió junto a Julián Bautista— y a su imaginación, le permitió también encarar la escritura instrumental de dos orquestas típicas que son pilares del tango evolucionado: Aníbal Troilo y Osvaldo Pugliese. En su labor de arreglador para estos dos directores, así como en los que a su turno concibió para Atilio Stampone y Enrique Francini, o en la tarea profesional de orquestaciones estándar escritas para la editorial Korn está lo capital de su carrera.
Y los invariables rasgos de buen gusto, de sobriedad, de superación y de búsqueda que conceden muy luego relevancia al momento más valioso de esa trayectoria: su contribución al Sexteto Tango. Seis arreglos de muy diferente pensamiento orquestal la ilustran: son los que plasmó para los tangos A fuego lento, Quejas de bandoneón, Mala junta, Danzarín, Nochero soy, éste en colaboración con Osvaldo Ruggiero al igual que el realizado sobre Milonga del 900. En la rica elaboración de su música firmemente estructurada, moderada en la ornamentación, valiosa por su desarrollo armónico, se transparenta de algún modo indirecto o patente— la gravitación que sobre buena parte de los orquestadores de su misma hornada, ha ejercido la absorbente personalidad de Astor Piazzolla. Juicio que cabe extender a su constante producción de compositor de largos períodos alternados con dibujos rítmicos hábilmente desarrollados con tendencia al empleo de los tonos mayores. Esta faceta suya se anunció hacia 1954 con un tango estrenado por Miguel Caló A lo moderno. Y se continuó luego con seis obras dadas a conocer cada dos años aproximadamente desde 1956 hasta 1968 a saber: Sensiblero, Danzarín, Melancólico, Nostálgico, Buenos Aires-Tokio y Disonante, todos refrendados por el éxito.
Ha compuesto asimismo tres milongas de llamativo contenido renovador: Nocturna —sobre diseños de milonga ciudadana—, Payadora —con reminiscencias de milonga criolla— y —Morena —con elementos melódicos y rítmicos inspirados en la variedad convencionalmente denominada "milonga candombe".
Nació en La Pampa en 1928. Debutó profesionalmente en 1943 como integrante de la orquesta de Edgardo Donato; formó más tarde en el conjunto de Antonio Rodio —1945 y en el de Miguel Caló desde 1949— en varias instancias, como bandoneón y arreglador de dicha agrupación. En compañía de Atilio Stampone y de Alfredo Marcucci, emprendió entonces una larga turné por ciudades de Europa y del Cercano Oriente integrando con aquéllos la orquesta de Eduardo Bianco. A su regreso y paralelamente con su tarea junto a Miguel Caló, formó en un cuarteto de bandoneones "a cappella" con Alfredo Marcucci, Ernesto Franco y Atilio Corral. Desde 1956 se contó entre los colaboradores de Carlos Di Sarli, tocando también en las formaciones de Atilio Stampone; se vinculó durante 1959 a la orquesta de Osvaldo Pugliese. Perteneció a ésta por nueve años animando todas las actuaciones de la misma en radio, teatros, disco, televisión y en las giras por la URSS, China y por el Japón. En abril de 1968 ya como pianista unió su nombre a los de Emilio Balcarce, Osvaldo Ruggiero, Víctor Lavallén, Osear Herrero y Alcides Rossi, quienes juntamente con el vocalista Jorge Maciel, fundaron el Sexteto Tango grabando sus realizaciones para los discos Victor y CBS. Fallecio el 19 de abril de 2003. Fuente Horacio Ferrer

Julián Plaza - Japón '96

Genero: Tango, Orquestas de tango, Instrumental, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 55 Mb/Total time: 50:49

Este CD fue grabado en la Argentina a fines de 1996 y publicado en 1997, despues del regreso de la gira de dos meses que realizó Julian Plaza por Japón con su orquesta, las voces de Enrique Dumas y Patricia Andrade y dos parejas de bailarines.
Julian Plaza durante la gira y la grabacion fue director, y ejecutó el bandoneon y el piano.

Biografia de Julian Plaza

Tracks

01-Danzarín-Instrumental-1996
02-Nocturna-Instrumental-1996
03-En esta tarde gris - Enrique Dumas-1996
04-Ventanita de arrabal - Enrique Dumas-1996
05-Buenos Aires-Tokio-Instrumental-1996
06-El adiósSan Clemente - Patricia Andrade-1996
07Caminito-Instrumental-1996
08-El choclo-Instrumental-1966
09-Organito de la tarde-Instrumental-1996
10-La última copa - Enrique Dumas-1996
11-Malevaje - Enrique Dumas-1996
12-Uno - Patricia Andrade-1996
13-Melancólico-Instrumental-1996
14-La cumparsita-Instrumental-1996

Bajar

Irene Grandi biografia

Irene Grandi

Irene Grandi

Irene Grandi nació en Florencia.
Ella debutó en el Festival de música de Sanremo en la categoría nuevas propuestas con "Fuori", en 1994, que posteriormente fue ganada por Andrea Bocelli, que fue también debuta el mismo año.
Su primer álbum, Irene Grandi, contenía canciones escritas con Eros Ramazzotti ("Sposati subito") y Jovanotti ("T.V.B.").[2] En 1995, su segundo álbum, en vacanza da una vita, fue liberado. Contenía esas canciones como "En vacanza da una vita" y "Boum culo". A estos álbumes siguieron Por Fortuna purtroppo, Verde rosso e blu, Kose da Grandi y Indelebile entre otros.
En 2000, ella se ubica segunda en el Festival de música de Sanremo con una canción escrita junto con Vasco Rossi.
Interpretó la voz principal en la canción "Blue", la pista de cierre en 2003 del álbum francés Héctor Zazou del productor fuerte corriente .
En 2004, hizo su debut como presentadora de televisión con Marco Maccarini en el Festivalbar.

Irene Grandi - VerdeRossoeBlu(Special San Remo)

Genero: Continental Europea, Pop, Italian music, vocal, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 73.4 Mb/Total time: 48:12

Biografia de Irene Grandi

Tracks
01-Eccezionale
02-Verde Rosso E Blu
03-Tutta Diversa (Come Mi Vuoi)
04-Sto Peggiorando
05-Francesco
06-Limbo
07-Pettine E Spazzola
08-Contatto
09-La Tua Ragazza Sempre
10-Che Fatica Si Fa A Cambiare Vita
11-Rido Senz'anima

Bajar

Sexteto Tango Biografia

Sexteto Tango

Sexteto Tango: (1968 - 1991)
Es sin duda, una de las expresiones orquestales más representativa del tango a partir de los años setenta, organizada como los sextetos tradicionales pero con una concepción vanguardista y a la vez respetuosa de la esencia del género.

Para el investigador Luis Adolfo Sierra, además del talento y prestigio de sus componentes, el Sexteto era algo más, «mucho más que laconjunción de los valiosos aportes individuales... Constituye una nota novedosa, original y de asegurada proyección... que corrobora la perfecta posibilidad de la continuación de la estructura esencial de un estilo consagrado (el de Pugliese), sin incurrir en la réplica común o en la vulgar imitación del mismo».

El Sexteto no fue una búsqueda a nuevas formas de interpretación, ni a falsos efectismos, sus integrantes sabían perfectamente lo que querían y pese al origen común de todos éllos -la orquesta de Osvaldo Pugliese- lograron un sonido propio, que fue punto de partida de otras muchas formaciones que lo siguieron y en algunos casos, lo imitaron.

Aunque suene paradójico, la idea de formar un sexteto al modo decariano, fue del propio Pugliese, a su regreso del Japón en el año 1965. Le parecía que había que reducir la formación como una manera de enfrentar la crisis que el tango padecía en esos años. Pero no lo hizo y la orquesta siguió trabajando.

A raíz de una efermedad del maestro, la orquesta interrumpe sus actuaciones y se disuelve momentáneamente. Entonces, seis de sus integrantes deciden hacer realidad la anterior idea de don Osvaldo y crean, en octubre de 1968, el Sexteto Tango.

Se trataba de una verdadera selección de excelentes músicos: los bandoneonistas Osvaldo Ruggiero y Victor Lavallén, los violines de Emilio Balcarce y Oscar Herrero, en el piano Julián Plaza, en el contrabajo Alcides Rossi y la voz de Jorge Maciel.

Al poco tiempo Pugliese se reintegra a la actividad y los muchachos actúan en las dos formaciones, para después separarse definitivamente en los mejores términos.

Debutan en el mítico escenario de "Caño 14", compartiendo cartel con la orquesta de Aníbal Troilo, el Quinteto Real, Roberto Goyeneche, Rubén Juárez, entre otros. Luego vendría su primer disco larga duración para el sello RCA-Victor, titulado "Presentación del Sexteto Tango" con obras clásicas como "Quejas de bandoneón", "Amurado" y otras propias, "La bordona" (Emilio Balcarce), "Danzarín" (Julián Plaza) y cuatro cantadas por Jorge Maciel.

Su debut televisivo fue en el popular programa "Sábados Circulares", que conducía Nicolás Mancera en el canal 13. Luego vendría su primer gira a Montevideo donde actuaron en el Hotel Victoria Plaza y en el prestigioso Teatro Solís.

En 1970 inician una prolongada gira por América, visitando Chile, Brasil, Perú, Colombia, Venezuela, Santo Domingo y que termina en Estados Unidos, en la ciudad de Los Angeles.

Cuatro años después son convocados a un importante espectáculo de tango en el Teatro Colón junto a las orquestas de Aníbal Troilo, Horacio Salgán y Florindo Sassone (este último en reemplazo de Osvaldo Pugliese que estaba convaleciente de una operación). También actuaron los cantores Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche.

De aquí en más, resulta imposible relatar la extensa actividad que tuvo el Sexteto, era el conjunto más solicitado y sus discos se sucedían sin solución de continuidad. Sus nuevas giras por América y Estados Unidos tuvieron un éxito impresionante. También recorrieron Europa en 1987, actuando con gran suceso en Berlin y después en París, en el famoso local "Les trottoirs de Buenos Aires", donde actuaron durante dos meses como único número.

Después a Japón, donde ya los conocían por su paso con Pugliese y repitieron con tanto suceso, que volvieron en dos oportunidades más.

El Sexteto Tango grabó once long plays, todos para el sello RCA-Victor y uno en Japón para CBS Columbia.

Entre sus registros más interesantes quiero destacar "Trasnoche", un bellísimo tango instrumental de Julián Plaza que tiene una melodía nostálgica y melancólica y un arreglo espectacular de su autor.

Además de Jorge Maciel el Sexteto contó con las voces de Raúl Funes y Jorge Mariano. En 1983 hicieron un disco completo con 12 temas cantados por Roberto Goyeneche, en los que se destacan el bonito vals "Esquinas porteñas" de Sebastián Piana y Homero Manzi y el tango "Estrella" de Marcelino "Cholo" Hernández y Roberto Cassinelli.

El Sexteto Tango tenía cuatro arregladores: Osvaldo Ruggiero, Julián Plaza, Victor Lavallén y Emilio Balcarce, todos además, grandes compositores.

Cada vez que los vuelvo a escuchar, me confirman que el tango para evolucionar no necesita apartarse de sus raíces y desnaturalizar su ritmo y menos, someter su melodía a arreglos que en muchos casos la hacen irreconocible. El Sexteto Tango constituye un ejemplo de tango legítimo y moderno cuyo recuerdo, a modo de homenaje, quise resaltar en esta breve semblanza. Fuente Ricardo Garcia Blaya en Todotango www.todotango.com

Sexteto Tango canta Raul Funes - Trottoirs de Buenos Aires Vol 01

Genero: Tango, Sextetos, Instrumental vocal
Grabaciones originales realizadas en la decada del 80
Llevado a CD realizando la compilacion Disques Dom de Francia en 1994
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 52.5 Mb/Total time: 50:08

Personal del Sexteto Tango
Bandoneón: Osvaldo Ruggiero, Alejandro Zarate
Violines: Oscar Herrero, Emilio Balcarce
Piano: Julian Plaza
Contrabajo: Alcides Rossi
Voz: Raul Funes

Biografia Sexteto Tango

Tracks

01-A media luz-Instrumental
02-Caminito-Raul Funes
03-Quedemos aqui-Raul Funes
04-El monito-Instrumental
05-El dia que me quieras-Raul Funes
06-Donde estas corazon-Raul Funes
07-El pollo Ricardo-Instrumental
08-Cuartito azul-Raul Funes
09-Mi vieja viola-Raul Funes
10-El porteñito-Instrumental
11-Moza-Instrumental
12-Mi Buenos Aires Querido-Raul Funes
13-Mal de amores-Instrumental
14-Maria-Raul Funes
15-Tinta roja-Raul Funes
16-Cuando llora la milonga-Instrumental

Bajar

Neil Sedaka - Oh Carol

Genero: Oldies, romanticos, Vocal, instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 79.2 Mb/Total time: 75:02

Biografia de Neil Sedaka

Tracks

01-Es Dificil Decir Adios
02-No Me Mientas Mas
03-Pasaje De Ida
04-Chica De Calendario
05-Seras Todo Para Mi
06-Recuerdos De Ipacarai
07-Rey De Los Payasos
08-Feliz Cumpleanos Dulces Dieciesis
09-Diablito
10-Con Un Beso
11-Soy El Amor
12-Mi Madre Querida
13-Mi Vecinita
14-Maria Elena
15-Alicia
16-Mi Dicha Lejena
17-Besame otra Vez
18-Mas
19-Chica Mala
20-Divina Ilusion
21-Ire Por Ti
22-Creo Estar Sanando
23-El Reloj
24-El Soñador
25-Cumbia De La Primavera

Bajar

Neil Sedaka Biografia

Neil Sedaka

Neil Sedaka

Neil Sedaka (Brooklyn, 13 de marzo de 1939) es un cantante pop, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building. Trabajó con Howard Greenfield para escribir muchas canciones que fueron éxitos para él mismo y para otros artistas. El registro de Sedaka se considera de tenor.

Sedaka nació de un padre inmigrante con raíces judío sefardís túrquicas y de una madre con ancestros judío askenazís. Comenzó a tocar el piano durante la juventud en una estación de radio de música clásicamientras estaba en la Juilliard School. También empezó a experimentar con el doo wop y la música de rock and roll, cantando e interpretando una vieja versión de The Tokens. Su composición Stupid Cupid fue un éxito de 1958 en la voz de Connie Francis, y Sedaka fue contratado por la RCA Records como interprete solista. Una cadena de éxitos le seguiría, al finalizar 1963.

Los bien conocidos éxitos del Billboard Hot 100 —de sus inicios como cantante— son los temas Oh! Carol (#9 de 1959), Calendar Girl (La chica del calendario, #4 de 1960), Happy Birthday Sweet Sixteen (Feliz cumpleaños, dulces dieciséis, #6 en 1961) y Breaking Up Is Hard to Do (‘es difícil romper’, o ‘es difícil decir adiós’, #1 en 1962). Oh! Carol es una canción que hace referencia a la novia de Sedaka de aquel entonces, su compañera de clase, la compositora Carole King. Pronto ella le correspondió con la canción Oh! Neil, la cual hace referencia al tema de Sedaka y a su nombre. Existe un vídeo en formato 16 mm (llamado Scopitone) para Calendar Girl

Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40 pero se vio entre los intérpretes quienes vieron sus carreras asediadas por la «invasión británica» y otros cambios de rumbo en la industria musical. Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo.

En 1973, Sedaka ayudó al grupo ABBA con la letra en inglés de la canción Ring-Ring para el concurso en Eurovisión. Comenzó a trabajar en Inglaterra al lado de Elton John, quien lo contrató para su sello Rocket Records. Siguiendo una década de larga sequía, Sedaka regresó a la atención del público, con Laughter in the rain y Bad blood. Elton John participó en los coros de esta última. Sedaka y Greenfield también coescribieron Love will keep us togheter un éxito #1 de The Captain and Tennille y el mejor disco vendido de 1975. La canción, si es escuchada cuidadosamente, revela el texto «Sedaka is back» (Sedaka regresó) en la coda, cantada por los coros de fondo.

Fue con estos temas, que Sedaka hizo un retorno positivo al escenario, que lo convirtió en una historia de regreso exitoso. Sherwin Bash (representante de The Carpenters) eligió a Sedaka para abrir las actuaciones de la pareja de hermanos. Según la biografía Carpenters: the untold story (Carpenters: la historia no contada) de Ray Coleman, Richard Carpenter ordenó el despido de Sedaka, lo que resultó en un contragolpe de los medios contra los Carpenters después de que Sedaka anunciara públicamente que estaba fuera de la gira. Richard Carpenter dio el alegato de que ordenó el despido de Sedaka porque «les estaba robando el show», manifestando que ellos estaban orgullosos del éxito de Sedaka. Sin embargo, Sherwin Bash fue despedido.

En 1976, Sedaka grabó una nueva versión de Breaking up is hard to do. La versión original exitosa de 1962 era más rápida y más juvenil, pero el remake era más lento y con cierto estilo evocando al jazz centrando sus arreglos en el piano. Esta nueva versión alcanzó el #8 de las listas de popularidad, convirtiéndose en el segundo artista en llegar a las listas de popularidad de manera exitosa dos veces con un mismo tema en versiones diferentes. The Ventures habían tenido éxito en 1960 y en 1964 con dos grabaciones distintas de Walk don't run (‘camina, no corras’). Coincidentemente el jefe de la disquera de Sedaka, Elton John poco después lograría la proeza dos veces también con Don’t let the sun go down on me (1991) y Candle in the wind. De acuerdo con el libro Billboard 40 op Hits, la versión original de Candle in the wind no llegó a los Top 40)

La segunda versión de Sedaka para Breaking up is hard to do clasificó alto en las listas de popularidad Adult Contemporary. El mismo año Elvis Presley grabo la canción de Sedaka Solitaire, en 1980 tuvo un éxito posicionado como #19 llamado Should never let you go, el cual grabó con su hija Dara.

También es el compositor del popular Is this the way to Amarillo una canción que escribió para el británico Tony Christie. Logró el #18 de las listas del Reino Unido pero llegó al #1 cuando fue relanzado en el 2005, gracias a un vídeo lleno de cameos estelarizado por Peter Kay. Sedaka grabó el mismo tema en 1977, cuando fue un éxito con la posición #44. En abril de 2006 durante un concierto en el Royal Albert Hall (en Londres), Sedaka fue presentado con un galardón del Libro de los Récords Guinness como autor del éxito más vendido del siglo 21 por su tema Amarillo.

Hasta 2009, Sedaka sigue cantando regularmente. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en octubre de 2006 fue introducido al Salón de la Fama de Long Island.

En 1985 Sedaka compuso canciones para la serie anime Z Gundam, estas incluyeron los temas de inicio Zeta-Toki wo koete (originalmente escrita en inglés como Better days are coming) and Mizu no hoshi e ai wo komete (originalmente escrita en inglés como For us to decide, pero las versiones en inglés nunca fueron grabadas. Así como el tema final Hoshizora no believe (originalmente escrita como: Bad and beautiful). Debido a las disposiciones de copyright, en la edición DVD estadounidense las canciones fueron reemplazadas por otras.

En 1994, Sedaka cedió su voz para un personaje que lo parodiaba en el Show Food Rocks, llamado Neil Mousaka.

En 1962, Sedaka contrajo nupcias con la cantante Leba y aun siguen juntos. Tuvieron dos hijos, su hija Dara es una artista que graba comerciales para radio y televisión y Marc es un destacado guionista que vive en Los Ángeles (California). Fuente Wikipedia

Rafael Rojas Biografia y reportaje

Rafael Rojas


Rafael Rojas

En este reportaje, Rafael Rojas, una de las estrellas del Segundo Festival Internacional de Tango “Euroargentino” de Madrid, 9 – 10 – 11 de octubre 2009, Círculo de Bellas Artes de Madrid, cuenta experiencias suyas al colega chileno Patricio de la Paz:
Cantar, vestirse y sentir como Carlos Gardel durante 22 años tenía que rendir frutos. Hoy, Rafael Rojas tiene lugar propio en uno de los mejores shows de tango de Buenos Aires. Cada noche, de traje oscuro y pelo a la gomina, personifica allí al zorzal criollo. Y lo hace en un teatro del Abasto, el mismo barrio donde el famoso cantante pasó su infancia. Rojas, llamado el Gardel chileno, está en su mejor momento. Y viene a nuestro país el 5 de septiembre para dejarlo bien claro.
La anécdota todavía lo hace reír. Y eso que ya han pasado años. Cinco, para ser exactos. Rafael Rojas (36) llevaba entonces unos meses como parte del show de La Esquina de Gardel, donde cantaba canciones del zorzal criollo. Con tal perfección y apego al original, que muchos en el público se iban molestos pensando que el artista doblaba. Que su esfuerzo era sólo mover la boca, mientras una cinta de Gardel ponía la voz. A Rojas eso ya se lo habían comentado los mozos del restaurante, pero pensó que le tomaban el pelo. Hasta que poco después la esposa de Juan Fabbri, dueño del local, le habló bien en serio: "Rafael, vas a tener que cantar a capela 'Mi Buenos Aires querido', para que la gente se convenza de que eres tú el que canta y que esto es en vivo". Rojas obedeció y los ánimos se tranquilizaron. Con pequeñas excepciones, claro.
"Un día, al final del espectáculo, un tipo me llama y me dice que él sabía que era yo quien cantaba, pero que nadie le sacaba de la cabeza que 'Mi Buenos Aires querido' era con la voz de Gardel. Yo le pregunté si de verdad creía que era Gardel quien cantaba. Me insistió que sí. Entonces yo le doy la mano y le digo: 'Mucho gusto, Carlos Gardel para servirle'", recuerda Rojas, sin poder contener las carcajadas. Carcajadas que suenan bastante más sueltas que esa voz profunda y de fraseo rápido con la cual ha cantado incansable, durante 22 años, los tangos que alguna vez entonó el Gardel verdadero.
Porque si bien Rafael Rojas tiene hoy un lugar protagónico en el show de La Esquina de Gardel -uno de los mejores espectáculos de tango de Buenos Aires, que se presentará el martes en Viña del Mar, y el 7, 8 y 9 de septiembre en el Teatro Teletón de Santiago-, llegar ahí no ha sido fácil. Ha dejado una buena cuota de sudor, lágrimas y tangos en el camino. Su historia para convertirse en el Gardel chileno ha tenido de todo un poco. Desde cantar rancheras con sus hermanos en Alemania, siendo apenas un niño, hasta atreverse con el tango por primera vez en Uruguay, a los 14 años y venciendo una timidez espantosa. Desde apariciones en cuanto programa de la televisión chilena se le cruzó en la ruta hasta veladas inolvidables en el Café Torres de Santiago. Esas donde Menem y Anthony Quinn lo aplaudieron a rabiar.

Rafael Rojas es el sexto de siete hermanos. Y aunque nació en Cerro Navia, en 1970, muy luego -tras el golpe militar- debió partir a Buenos Aires junto a su familia. Allí, pensando encontrar más calma, su padre trató de continuar su negocio de desabolladuría y mecánica automotriz. Poco le duraría. La llegada de los militares al gobierno argentino en 1976 los hizo arrancar otra vez. El destino fue Alemania. Mientras cargaban sus maletas rumbo a Europa, ninguno podía imaginar que gastarían allá casi ocho años de sus vidas.

En tierras germanas, la familia recordaba América Latina a través de la música. El padre, antes de partir, se había aperado con una buena colección de melodías que incluían desde boleros y rancheras hasta valses peruanos. Sus hijos no sólo se acostumbraron a escuchar esas canciones; muy pronto empezaron a cantarlas. Entre las cintas paternas estaban algunas de Carlos Gardel. Pero a Rafael no le llamaron especialmente la atención. Prefería los casetes de otros artistas que admiraba en ese entonces: Pedro Infante, Jorge Negrete, Javier Solís. Para flecharse con los tangos del zorzal criollo debían pasar unos años más. Y un nuevo cambio de domicilio.
A mediados de los 80, la familia se instaló en Montevideo. En Alemania, Rafael no sólo había dejado buenos recuerdos. También a su primera novia. "La separación fue dolorosa, y fue ahí cuando me fijé en los tangos, que te machacan la mente, hablan de desgarros y patadas al corazón. Fue un acercamiento emocional", recuerda. Pero de consuelo al alma, muy rápido los tangos pasaron a ser material de canto para este joven despechado a sus 14 años.
Ni Rojas entiende mucho cómo pasó: "Yo era muy vergonzoso para cantar, pero con los tangos perdí la vergüenza". Gardel, entonces, se tornó imprescindible. Como también el payador Héctor Umpiérrez, que fue el trampolín que un chico como Rojas necesitaba.
De hecho, Umpiérrez fue el que bautizó a Rafael Rojas como Rafael Rojas. Hasta entonces, y según su libreta de familia, el joven se llamaba Israel Esmar. Nombre y apellido muy complicados, según el payador. Umpiérrez se empecinó entonces en buscar un seudónimo. Y lo halló finalmente en el segundo nombre y segundo apellido del adolescente. Con eso claro, y varios tangos de Gardel aprendidos de memoria, Rojas -ex Esmar- se paseó junto al payador por programas de televisión, por la radio y por pequeños bares donde se fue haciendo un nombre. Su nuevo nombre.
Lo del look gardeliano es cuento aparte. Y pura coincidencia, como repite Rojas hasta el cansancio. "Todas las cosas pasaron al mismo tiempo: empiezo a cantar tango, empiezo a usar gomina -pues mi pelo es muy rebelde, y la gomina estaba de moda en Uruguay-, conozco al payador y comienzo a ir a la televisión.
¡Todo eso sin haber visto nunca a Gardel en películas! Sólo por fotos. Por eso a mí me daba rabia cuando caminaba y la gente me decía que lo hacía igual que Gardel. Lo mismo cuando fumaba un cigarrillo. O sonreía". Pero no había vuelta atrás. Intencional o no, Rojas cantaba y se movía idéntico al zorzal criollo. Había nacido el Gardel chileno. Fuente Por Patricio De la Paz y Fotos Ramiro Souto nota publicada en el suplemento de cultura de www.clublatercera.cl de Chile

Rafael Rojas - Los Tango que Gardel nunca canto

Genero: Tango, Vocal, Guitarras
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 43.06 Mb/Total time: 38:46

Personal
Del track 01 al 15
Voz: Rafael Rojas
Guitarra, arreglos y dirección: Juanjo Domínguez, Bases: Raúl Domínguez

Track 16
Miguel y Juan Carlos Vignola, Carlos Soria, Carlos Salmone, Rubén Díaz, Raúl Domínguez y Juanjo Domínguez.

Biografia de Rafael Rojas

Tracks

01-Trasnochando
02-Infamia
03-Como dos extraños
04-Cambalache
05-Tarde
06-Madrugada
07-Lo cosos de al lao
08-Uno
09-Toda mi vida
10-Amigo que yo quiero
11-Sur
12-Malena
13-Pasional
14-Cafetín de Buenos Aires
15-Se llamaba Serafín
16-Viejos tiempos

Bajar

Texas Tornados Biografia

Texas Tornados


Texas Tornados

Texas Tornado era una banda Texana y su música era una fusión de rock, country y distintos estilos de México. La combinación inicial de estos músicos ocurrió casi por casualidad en un concierto de un conocimiento mutuo. Después de realizarse Freddy Fender, Flaco Jiménez, Kevin West, Entonces Meyers, Jorge "Pac-MAN" Díaz y Doug Sahm delante de una audienciade San Francisco, todos sabían probablemente se podrían adoptar los lazos verdaderos en que se sentían en su música a otro nivel. Después de que realizaran inicialmente como la Revue Tex-Mex, tomaron el título Tornado de Texas, después del Sahm canción y álbum de ese nombre.

Otra informacio del nacimiento del grupo dice que se formaron cuando discográficas y ejecutivos buscan atraccion sus en las ventas de música regional el grupo por intermedio Sahm y Meyers alrededor de 1990, y les hicieron llegar un resumen de toda la vida de los amigos y colaboradores Fender y Jiménez. Sahm había lanzado álbumes bajo el nombre de Texas tornado tan pronto como el decenio de 1970, algunos con Fender o Meyers. Jiménez y Meyers desempeñan en debut de Atlantic Records del Sahm en 1971. Como Fender dijo una vez "ha oído hablar de nuevos niños en el bloque?, somos los chicos de viejas calles".

Individualmente, este cuarteto ha tenido gran éxito. San Benito-el nativo Freddy Fender fue una cruz - sobre la historia de éxito de todo el mundo con éxitos como "antes de las cataratas de Teardrop siguiente" y "Wasted días y noches de Wasted".

Flaco Jiménez ha desempeñado en actos que van desde los Rolling Stones a Dwight Yoakam. También es conocido como el "padre de la música de conjunto" (Flaco toca el acordeón ).

Meyers ha compartido el escenario con La Allman Brothers Band y Bob Dylan. También es miembro del Music Hall de la fama de Texas. Doug Sahm y entonces Meyers fueron ambos miembros de la banda de pop-rock de los años sesenta el Quinteto de Sir Douglas, con éxitos como "Ella es sobre un mover" y "Mendocino" a su favor. Sahm, Meyers y Jiménez son de la zona de San Antonio.

El debut de 1990 de la banda se registró en versiones ingleses y españolas. El Tornado de Texas se realizo en todo el mundo, en lugares como la inauguración presidencial de Bill Clinton, el Festival de Jazz Montreaux, así como apariciones regulares en la Ayuda agrícola y el ganado de Houston y Rodeo.

Entre sus otros álbumes Live From The Limo, esto fue el último álbum que conste que caracterizó la completa línea de productos, como Sahm murió en 1999, el año de su lanzamiento. otros que tenían problemas de salud en años posteriores, murieron en 2006. Su álbum Live de Austin 2005 fue una grabación de un rendimiento de 1990 en la serie Austin City Limits.

Personas a veces consultan sus letras como Spanglish debido de la mezcla de inglés y español en la misma canción, además para pronunciar las letras españolas en un acentuar de América, que es evidente en sus visitas, "(Hey Baby) Paso". Un ejemplo es la letra: "no saben te amo / y mi corazón es real?", donde el corazón de la palabra (en inglés para "corazón") incorrectamente se pronuncia / ˌkɔrəˈsoʊn /, con un evidente acento estadounidense, en lugar de [koɾaˈson]. El álbum debut se ofreció en versiones en español e inglés.Fuente wikipedia en Ingles

Texas Tornados - Zone Of Our Own

Genero: Country, Rancheras, rock, en español e ingles
Año: 1991
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 47 Mb/Total time: 31:20

Tracks

01-(Is Anybody Going To) San Antone
02-La Mucura
03-Bailando
04-I'm Not That Kat Anymore
05-Oh Holy One
06-He Is a Tejano
07-El Pantalon Blue Jean
08-Just Can't Fake It
09-Did I Tell You
10-Volver

Bajar

Cuarteto D'Coté Biografia

Cuarteto D'Coté
Martín Pantyrer, Gustavo Hunt, Nicolás Porley, Gustavo Musso

Cuarteto D'Coté

D'Coté ha tenido buena repercusión en lo que es el ámbito tanguero de Buenos Aires, logrando no sólo ser aceptados (pese a lo novedoso), sino también elogiados por músicos, críticos, bailarines y el público en gral.
Para lograr este reconocimiento, el cuarteto se presentó en gran cantidad de escenarios, desde milongas (ámbitos de baile) hasta el Teatro Colón (evento convocado por la "Fundación Ástor Piazzolla").

A lo largo de su carrera, D`coté se ha presentado en gran cantidad de escenarios. Algunos de los más importantes son:

Salón Dorado del Teatro Colón (convocados por Fund. Astor Piazzolla)
Salón Dorado Casa de la Cultura del G.C.B.A.
Centro Cultural S. Martín (Salas A-B)
Facultad de Derecho (Salón de actos-UBA)
Centro Cultural Ricardo rojas (UBA)
Teatro Regio y Plaza Cortazar (Festival Internacional de Tango de Bs As)
Centro Cultural Plaza Defensa (G.C.B.A)
Centro Cultural del Sur (G.C.B.A)
Palais de Glace
Bar “Notorious”
Bar “Tobago”
“Templum”
“Club del Vino”
Aula Magna Universidad Nacional del Comahue (Neuquén)
Teatro de la Ciudad (Neuquén)
Milongas y salones de baile
La Catedral
Salón Canning
Torquatto Tasso
Dandy
El Beso
También, D`coté ha realizado una serie de giras artísticas a través de diferentes países europeos. Desde el año 2001 al 2004, se han concretado cuatro viajes que han abarcado los países de Alemania, Holanda, Austria, Suiza y Polonia, en los cuales han logrado, con éxito, participar en un número importante de milongas y eventos. Fuente web de D`Coté

Cuarteto D'Cote - Saludos

Genero: Tango, Cuarteto, saxo, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 43.09 Mb/Total time: 38:5

Personal
Gustavo Hunt(saxo tenor, clarinete y arreglos)
Gustavo Musso(saxos alto y soprano)
Martín Pantyrer(saxo barítono, y clarinete bajo)
Nicolás Porley(saxos alto y soprano)

Biografia Cuarteto D'Coté

Tracks

01-Si sos brujo
02-Este es el rey
03-Saludos
04-Novitango
05-Milonguetta para Taranta
06-Tarde
07-Berretín
08-Morena
09-Recuerdo
10-Motivo de vals
11-Reliquias Porteñas
12-Milontango

Bajar

João Gilberto biografia

João Gilberto

João Gilberto

João Gilberto (Juazeiro, 10 de junio de 1931) es un músico considerado, junto con Antônio Carlos Jobim (más conocido como Tom Jobim), uno de los creadores del género musical bossa-nova. Su nombre completo es João Gilberto Prado Pereira de Oliveira. También cantante de jazz, uno de sus éxitos fue "Garota de Ipanema" (La chica de Ipanema). Es uno de los mejores músicos de jazz latino.

Cantante, que aprendió a tocar la guitarra sin profesor, João Gilberto se fue para la ciudad de Rio de Janeiro el año 1950. Tuvo algún éxito cantando en la banda Garotos da Lua. Después de ser expulsado de la banda por rebeldía, pasó algunos años sin trabajo, pero con la idea pertinaz de crear una nueva forma de expresión musical con la guitarra.

Su esfuerzo finalmente dio resultado y, tras conocer a Tom Jobim —pianista y compositor con educación clásica pero a quien también le gustaba la música jazz estadounidense—, lanzaron el movimiento que se conoció como Bossa nova.

La cucarachiña (nueva ola) era una destilación del ritmo de percusión y sincopado de la samba, en una forma simplificada que podía ser tocada en una guitarra sin acompañamiento. Se atribuye a João Gilberto la creación de esta técnica. También introdujo una nueva forma de cantar, a bajo volumen, con la pronunciación de las sílabas hecha algunas veces antes y algunas veces después de la base rítmica y con la voz entrenada para eliminar casi cualquier ruido de la respiración y otras imperfecciones.

En 1958 llegó la primera presentación comercial de este nuevo estilo, con el disco Canção do Amor Demais de la cantante Elizeth Cardoso, que incluía composiciones de Jobim acompañadas de letras de Vinícius de Moraes. Poco tiempo después João Gilberto grabó su primer disco, llamado Chega de Saudade. La canción que le da título al disco de Gilberto también estaba en el álbum de Cardoso y fue un éxito en Brasil. Esta obra lanzó la carrera musical de João Gilberto, y también el movimiento musical Bossa Nova. Además de varias composiciones de Tom Jobim, el disco contenía varios sambas y canciones populares de los años 30 pero arregladas con el distintivo estilo de la bossa nova. En 1960 y 1961, Gilberto lanzó otros dos discos que contenían canciones compuestas por una nueva generación de cantantes y compositores como Carlos Lyra y Roberto Menescal.

Alrededor de 1962 la bossa-nova ya había sido adoptada por músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz. Este último invitó a João Gilberto y Tom Jobim para que colaboraran en lo que acabó convirtiéndose en uno de los discos de jazz más vendidos de la historia, Getz/Gilberto. De este trabajo destaca la composición de Jobim/de Moraes "Garota de Ipanema" (La Chica de Ipanema; en su versión inglesa, The Girl from Ipanema), que se convirtió en una canción clásica del pop internacional y llevó a la fama a Astrud Gilberto, mujer en aquel entonces de João Gilberto y cantante en esta pieza.

El disco siguiente, Ela é Carioca, fue lanzado el año 1968, cuando João Gilberto estaba residiendo en México. El disco João Gilberto, lanzado en 1973, representa un cambio desde la creación de la bossa nova. En 1976 fue lanzado The Best of Two Worlds, con la participación de Stan Getz y de la cantante brasileña Miúcha, hermana de Chico Buarque que se había convertido en esposa de João Gilberto en abril de 1965. El disco Amoroso (1977) tuvo arreglos del músico Claus Ogerman.

En el disco de 1980 Brasil, João Gilberto trabaja con Gilberto Gil, Caetano Veloso y María Bethania, quienes a finales de los 60 habían creado el movimiento Tropicalismo basándose en la bossa nova y fusionándola con elementos de rock. En 1991 lanzó João, un disco particular por no contar con ninguna composición de Tom Jobim y, en su lugar, utilizar canciones de Caetano, Cole Porter y composiciones en español. El trabajo João Voz E Violão, lanzado en 2000, marcó una vuelta a los clásicos de la bossa-nova y tuvo la producción musical de Caetano Veloso.

João Gilberto lanzó también grabaciones en vivo. Como ejemplos, Live in Montreux, Prado Pereira de Oliveira y Live at Umbria Jazz. Su personalidad tiene fama de excéntrica y perfeccionista.Fuente wikipedia

LP Joao Gilberto - Ela E Carioca (En México)-1970

Genero: Bossa Nova, Guitarra, Vocal, Musica de Brasil
LP Orfeon / Bomba (Japón), 1970 (Grabacion Original en 1968 en Mexico)
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 29.04 Mb/Total time: 26:57

Esta es una sesión rara Joao Gilberto de 1970, grabado en México - muy singular, en contraste con sus sesiones de otros brasileños del tiempo! Joao cantando en su más dulce voz frágil, y acompañándose en guitarra - grabado con menos amplitud que en anteriores registros, y siempre virando más hacia un solo centro de atención tipo de sonido de Gilberto. El sonido esta en algún lugar entre su obra temprana y la ligereza de su legendario álbum de 1973 - y los títulos son "De Conversa En Conversa", "O Sapo", "Joao Marcelo

Biografia de João Gilberto

Tracks
01-de conversa em conversa
02-ela e carioca
03-o sapo
04-esperança perdida
05-troley song
06-joâo marcelo
07-farolito
08-astronauta
09-acapulco
10-besame mucho
11-eclipse

Bajar

Lito Vitale Biografia

Lito Vitale

Lito Vitale Cuarteto-1988

Lito Vitale había participado de uno de los proyectos musicales más ambiciosos de la década de los '70: MIA, Músicos Independientes Asociados. Luego, junto a Bernardo Baraj y Lucho González formó El Trío, que logró editar dos discos. Su primera placa, "El Trío" (1985), alcanzó a vender cerca de 35.000 copias, todo un record para una producción independiente. La segunda, "Vitale-Baraj-González" (1986), no logró tanta difusión.

Ya en los '90 armó el Lito Vitale Cuarteto, grupo con el cual llegó a editar cinco álbumes. Junto a Marcelo Torres (bajo), Manuel Miranda (vientos) y Christian Judurcha (batería), debutaron con "La senda infinita" (1990). "Viento sur" (1991) es un poema sinfónico, según su definición, un trabajo conjunto entre Lito y María Elena Walsh.

En 1992 compuso "Kuarahy", un ballet que Julio Bocca bailó en el Luna Park.

A mediados de 1992 Lito Vitale comenzó un espacio diario en Canal 13, en el cual recreó versiones propias de temas populares, nacionales y extranjeros, con destacados invitados, con su banda o simplemente con sus teclados. Tal fue su éxito que terminó siendo ternado para el Premio Martín Fierro al Mejor Programa Musical de 1994.

Precisamente en 1995 lanza "Pantallas", su disco recopilación de todas las cortinas musicales compuestas para la televisión ("Poliladron", "Sheik"), para cine ("Patrón") y para los Juegos Panamericanos disputados en Mar del Plata.

Ese mismo año editó "La memoria del tiempo", una selección de fragmentos de música clásica que él mismo arregló e interpretó. Las voces las agregaron Mercedes Sosa, Jairo, Sandra Mihanovich, Litto Nebbia, Juan Carlos Baglietto, entre otros. Vitale aclara que no es el objetivo del trabajo divulgar la música clásica, sino solamente sacarse un gusto personal. "Intenté, con el máximo respeto, tomar los temas clásicos como populares y presentarlos como canciones" (La Prensa, 27/11/95).

Vitale insistió con el formato de trío en 1997, al retomar junto a Lucho González el camino iniciado 12 años antes, pero esta vez con Rubén Izaurralde en reemplazo de Baraj.

En septiembre del 2001, Vitale fue el artífice de un nuevo reencuentro para El Trío. "No sabemos si significará el cierre de un ciclo o la apertura de otro, pero sí creemos que podremos revivir el espíritu de felicidad permanente que supimos sentir entonces", prometieron.

En el 2003 presentó el Lito Vitale Quinteto, con el espectáculo "Un solo destino", integrado por temas instrumentales y recreaciones de clásicos populares argentinos. La banda estaba integrada por Ernesto Snajer (guitarra), Diego Clemente (aerófonos), Guido Martínez (bajo), Pipi Piazzolla (batería) y Martín González (percusión), como músico invitado.

"Vivo en Argentina" fue editado en el 2005 con un nuevo quinteto. El disco no incluye temas nuevos, pero sí reversiones de "El día que me quieras", "Hombres de honor" y "Sin código", éstas dos últimas bandas de sonido de programas televisivos.

En 2007, Vitale dio un vuelco en su carrera: editó "El otro", el primer disco en el cual toca la guitarra y canta. En sus propias palabras, "siempre toqué música instrumental desde el piano, esto de grabar un CD como cantante es completamente nuevo y me genera (a mis 45 años) una adrenalina bastante grosa. Me lancé a componer música con un sentido popular y tomando ritmos nuestros y latinoamericanos, luchando contra mi ‘solemnidad’, así empecé a gozar como loco de la cumbia y el cuartetazo. También empecé a escribir algunas letras y me sentí ‘raro’ pero me encantó poder contar un poco con mis palabras algunas cosas. Para mí el disco es un cachetazo a los prejuicios, con la idea de relajarnos un poco y disfrutar de la vida lo más posible. Disfrutar de todo y cuidar a los que amamos es una buena manera de ver las cosas. Los problemas siempre están, para algunos más y para otros menos, pero el arte también está y el arte ‘popular’ está más cerca todavía de nosotros, no lo dejemos escapar". Fuente rock.com.ar

LP Cuareteto Lito Vitale - Ese amigo del alma-1988

Genero: Tango, New Tango, Instrumental
LP año 1998
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 63.08 Mb/Total time: 38:55

Personal:

LITO VITALE - TECLADOS Y ARREGLOS
MARCELO TORRES - BAJO
MANUEL MIRANDA - AEROFONOS
CRISTIAN JUDURCHAN - BATERIA 1,3,5,6
JOTA MORELLI - BATERIA 2,4

Biografia de Lito Vitale

Tracks

01-La vida es un tango
02-Estar entre nosotros
03-Ese amigo del alma
04-Recuerdos en mi bemol
05-Estar vivo hoy
06-La luz sagrada
07-Súbito pianíssimo

Bajar

Patricia Sosa Biografia

Patricia Sosa

Patricia Sosa

Patricia Sosa

Patricia Sosa (n. en Buenos Aires, 23 de enero de 1956) es una cantautora argentina con influencias de rock, soul y blues. Ha incursionado en la campo de la actuación, incluyendo participaciones en televisión (Poliladron, RR D. T., Chiquititas, Un cortado, historias de café), cine (Noche de ronda de Marcos Carnevale) y teatro (Las hijas de Caruso, El principito, Teatro por la identidad).

Su carrera musical comenzó en 1971 cuando se incorporó a la banda Nomady Soul, en la que cantaba en inglés. Realizó giras internacionales y permaneció allí por seis años.

Luego de abandonar la formación se unió al grupo La Torre. Con él grabó siete discos, hasta que en 1990 se lanzó al mercado musical como cantante solista. Debutó en Buenos Aires en el Teatro Coliseo, punto de partida de una gira por el interior del país y Latinoamérica.

Al año siguiente grabó en vivo lo que sería su segundo álbum. A éste le siguió Luz de mi vida (1992), su mayor éxito, que vendió más de 300.000 copias. A esta altura ya había dejado de lado su imagen de chica dura rockera y se acercó más al estilo romántico y melódico.

En 1994 editó Suave y profundo. Para su presentación en el Gran Rex contó con la colaboración de Juan Carlos Baglietto. Muchos críticos coincidieron en que todas las canciones de Patricia sonaban igual.

En 1995 fue invitada por Celia Cruz para hacer un dueto y Emilio Estefan la convocó para participar en la BSO de lo que serían los Juegos Olímpicos en Atlanta. Allí compuso una canción y puso su voz a Puedes llegar, una canción en la que se codeó con Gloria Estefan, Jon Secada, Ricky Martin, Plácido Domingo, Roberto Carlos y Julio Iglesias, entre otros.

Tras muchos años de silencio, en el 2000 reapareció en la televisión para interpretar a Paula, la villana de la telenovela infantil Chiquititas. La telenovela, además, la llevó a presentarse durante 80 funciones en el Teatro Gran Rex, donde Patricia cantaba como solista en una canción llamada Mío (compuesta por Cris Morena, que demostraba la avaricia y el poder de su personaje). Más tarde, esta misma canción (sólo el estribillo) es reutilizada en Floricienta, en voz de Isabel Macedo (Delfina, en la novela).

Dos años más tarde editó No me dejes de amar (2002).

Toda se llama el álbum recopilatorio con 14 de sus más selectas canciones, desde su etapa en La Torre. En 2006 participó en Showmatch siendo jurado de Cantando por un sueño. Además, presentó su segundo disco en vivo más un impresionante DVD, el cual fue galardonado con el Premio Gardel. Este disco fue íntegramente grabado en vivo, es un recorrido por sus grandes éxitos. Incluyó importantes participaciones, entre otras, de Sandra Mihanovich, Juan Carlos Baglietto y Carica.

En 2007 editó un nuevo disco de estudio llamado Lija y terciopelo, que incluye tres cóvers, entre ellos una reversión de Mueve, mueve, otra vez de La Torre, y un dúo con Ricardo Montaner. Contó con una nominación al Premio Carlos Gardel como «Mejor álbum pop solista femenino».

En el año 2008, Patricia Sosa, presentó su último disco en dos shows en el Teatro Gran Rex. Días después, fue invitada para cantar en el Salón Blanco de la Casa de Gobierno, siendo su show transmitido por televisión. También participó como invitada en el programa Yo quiero ser la protagonista de Hairspray.Fuente Wikipedia
Fuente fotos web de Patricia Sosa

Patricia Sosa - No me dejes de amar

Genero: Musica Argentina, Pop, rock, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 70.1 Mb/Total time: 67:29
Esta grabación fué realizada en el mes de Octubre de 2001

Personal
Voz: Patricia Sosa
Baterías: Jota Morelli
Bajos: Abraham Laboriel, John Peña
Bajos máquina: Gustavo Giuliano
Guitarras: Michael Thompson
Guitarras adicionales: Oscar Mediavilla
Teclados: Dani Vila
Teclados adicionales: Gustavo Borner
Trompeta: Rick Baptist
Saxo: Dan Higgins
Trombón: Henry Petterson
Percusión: Luis Conte
Arreglos Vocales: Kenny O´Brian
Coros: Kenny O´Brian, Cleto Escobedo, Leyla Hoyle y Francis Benitez.
Arreglos y dirección de cuerdas: Ruy Folguera
Concert Master: Peter Kent
Estilista personal : Bruno Salas

Biografia de Patricia Sosa

Tracks
01-No me dejes de amar
02-Por El
03-Para hacerte feliz
04-Sigo aguantando
05-El canto del viento
06-Linda Nena
07-Angel
08-Cosas de la vida
09-Si es amor
10-Estoy de fiesta
11-A veces no hay que pensar
12-Reza una plegaria

Bajar

El tango, patrimonio de la humanidad - Tango gets UN cultural approval( en español and in English)

Bailarines del Centenario, óleo de Sigfredo Pastor (El Tango patrimonio Cultural de la humanidad)

El tango, patrimonio de la humanidad

La Unesco dijo que el tango personifica y alienta tanto la diversidad cultural como el diálogo.
La Organización Cultural de Naciones Unidas, Unesco, declaró este miércoles el tango como patrimonio cultural intangible de la humanidad.

Unos 400 expertos reunidos en Abu Dhabi, que estudian cientos de candidaturas, reconocieron que el baile seductor con letra melancólica debe ser salvaguardado.

El tango "personifica y alienta tanto la diversidad cultural como el diálogo", informó la organización.

El Carnaval de Negros y Blancos típico de Colombia también se unió a la lista de tradiciones culturales que deben preservarse para futuras generaciones de todo el mundo.

Esta fiesta de año nuevo en el suroeste colombiano consiste en varios días de celebraciones donde se rinde homenaje al agua, se despide el año viejo con rituales y los hombres se pintan un día de negro y otro de blanco para simbolizar la igualdad de las personas.

Criterios indispensables
El tango se originó en las clases trabajadoras de Montevideo y Buenos Aires a principios del siglo XX. Con su baile sensual de roce de piernas y ochos en el suelo, pronto se convirtió en sinónimo de pasión latina a nivel global.

Entre esta mezcla de inmigrantes europeos, descendientes de esclavos y criollos surgió un amplia gama de costumbres, creencias y rituales que se transformó en un distintivo cultural de identidad
Unesco
No obstante, para las capitales del Río de la Plata el tango está arraigado en su baile tradicional, en su poesía y sus canciones.

En esta región forma parte de esa historia de descendientes de esclavos e inmigrantes europeos que se asentaron a orillas de un río que sirve de frontera natural entre Uruguay y Argentina. Significa una tradición que se mantiene viva por jóvenes, adultos y ancianos que llenan las milongas o salones de baile.

"Entre esta mezcla de inmigrantes europeos, descendientes de esclavos y criollos surgió un amplia gama de costumbres, creencias y rituales que se transformó en un distintivo cultural de identidad", publicó la Unesco en su página de internet.

Para la organización, el tango reúne cinco criterios indispensable para que sea de interés global. Es distinto, original, las comunidades rioplatenses lo sienten como propio, enriquece el acerbo cultural y existe un plan conjunto de preservación.

Este plan conjunto fue presentado por los gobiernos locales de Montevideo y Buenos Aires hace un año cuando inscribieron el tango ante la Unesco.

"Nos comprometimos a realizar conferencias, seminarios y talleres, así como iniciar un proyecto de preservación de partituras que rescate toda la tradición oral", le dijo a BBC Mundo Hernán Lombardi, ministro de Cultura del gobierno de Buenos Aires.

Lombardi también explicó que, junto con Montevideo, piensan fundar una orquesta de tango rioplatense.

Si bien el reconocimiento de la Unesco no viene acompañado de ayudas financieras, Lombardi explicó que para sacar adelante tales programas los gobiernos locales tienen presupuestado US$3 millones al año.

"La Unesco te da la distinción que significa un compromiso", aclaró.

La revisión de los candidatos que este año aspiran a formar parte de la lista de los patrimonios culturales intangibles de la humanidad finaliza el viernes 2 de octubre.
Fuente: BBC de Londres. Fuente foto: El libro del Tango de Horacio Ferrer

In English

Tango gets UN cultural approval

The Tango has been declared part of the world's Intangible Cultural Heritage of Humanity by the United Nations.

The United Nations Educational, Scientific and Cultural Organisation aims to preserve a list of legacies under threat from global change.

Argentina and Uruguay, where the dance originated, jointly submitted it.

UNESCO said heritages seeking approval, transmit from "generation to generation" and give "communities and groups a feeling of identity".

It added that the dance "embodies and encourages diversity and cultural dialogue."

Argentinian official Hernan Lombardi said he was "very proud that the music and dance of the Tango have now been safeguarded for humanity.

Artistic traditions

The UN convention, which began on Tuesday in Abu Dhabi, will discuss other nominations suggested from different countries.

Belgium has put forward its Procession of the Holy Blood in Bruges and China has nominated several of its artistic traditions, including the Tibetan opera.

In August, it was revealed that the international financial crisis and the outbreak of swine flu had affected the Argentinian economy, with a particular emphasis on tourism.

The number of tourists who have travelled to the country has decreased and some Tango shows have been forced to close temporarily, according to Luis Veiga, president of Argentina's chamber of Tango venues.

UNESCO declared in 2001 that living traditions - from dance and music to rituals and handicrafts - deserve the same protection as natural and cultural treasures like the Great Wall of China or the Great Barrier Reef.

Approved traditions are added to a document, grandly titled The Representative List of the Intangible Heritage of Humanity. Steps are then taken by UNESCO and others to protect and promote their use and understanding. Fuente BBC de Londres.

Nota de: " El tango y sus invitados"

El tango y sus invitados, se adhiere y festeja tan justa mención lograda por nuestra música popular "El Tango".

Giora Feidman Biografia

Giora Feidman

Giora Feidman

Giora Feidman (nacido el 26 de marzo de 1936) es un clarinetistas argentino que se especializa en música klezmer.
Giora Feidman nació en Buenos Aires, Argentina, donde sus padres judíos de Besarabia emigraron a Argentina para escapar de la persecución. Feidman proviene de una familia de músicos de klezmer. Su padre, abuelo y bisabuelo hacian música para bodas, bar mitzvahs y celebraciones de vacaciones en el shtetls de Europa oriental. Feidman se casó con Ora Bat-Chaim, en 1975
Comenzó su carrera en Buenos Aires como miembro de la prestigiosa Orquesta Sinfónica de Teatro Colón. Dos años más tarde emigró a Israel para convertirse en el más joven clarinetista para tocar con la Orquesta Filarmónica de Israel. Fue miembro de la orquesta durante más de 20 años. A principios del decenio de 1970 comenzó su carrera de solista. Ha actuado con la Orquesta Sinfónica de Berlín, el Cuarteto Kronos, la Philarmonica de Polonia , la orquesta Philarmonica de cámara de Munich y la orquesta de radio de Munich.

El Director de cine Steven Spielberg lo invitó a desempeñar los solos de clarinete para la banda sonora de la lista de Schindler, que ganó siete Premios Oscar.

Feidman fundó el programa de clase magistral, que tiene lugar cada año en Safed, Israel y el seminario "Clarinete y Klezmer en la Galilea". Fuente Wikipedia en Ingles.

Giora Feidman - Clarinetango-1990

Genero: Tango, Instrumental, Clarinete
Grabado en Buenos Aires en Diciembre de 1990
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 65.1 Mb/Total time: 59:34

Personal:
Gioria Feidman:Clarinete y Direccion
Roberto Pansera:Bandoneon, Acordeon
Jeff Israel: Guitarra
Manny Katz: Guitarra
Marc Minkler: Contrabajo

Biografia de Giora Feidman

Tracks
01-La Cumparsita
02-Gracias a la Vida
03-Lluvia de Estrellas
04-Mi Buenos Aires Querido
05-Don Ludwig
06-El Choclo
07-Palomita Blanca
08-Fuga y Misterio
09-Uno
10-Violin Gitano
11-Clarinetango
12-Alfonsina y el Mar
13-Hernando s Hideaway
14-El Dia que me Quieras
15-Adios Nonino
16-Hamabe-no Uta (de Japon)
17-A Media Luz
18-Chiquilin de Bachin - Balada para un Loco
19-Taquito Militar

Bajar

Ornella Vanoni Biografia

Ornella Vanoni

Ornella Vanoni

Ornella Vanoni (Milán, Italia, 22 de septiembre de 1934) es una cantante de música melódica y actriz italiana, una de sus intérpretes de música ligera más reconocida internacionalmente.
Tras estudiar en el extranjero, Vanoni vuelve a Milán y se acerca al mundo del espectáculo, iniciándose en 1953 como actriz en la escuela del Piccolo Teatro de Milano dirigida por Giorgio Strehler, su maestro y compañero sentimental durante cuatro años. Strehler le propone cantar tres canciones en los entreactos de I Giacobini de Zardi, que son muy apreciadas por el público y la crítica. En 1956 debuta como actriz en la obra Seis personajes en busca de autor de Pirandello.

En 1960 se casa con el empresario Lucio Ardenzi, dos años más tarde nace su hijo, Cristiano. En 1961, graba su primer disco 45 rpm para la discográfica Ricordi, que posee los derechos de toda la nueva generación de cantautores. Sus primeros éxitos como cantante llegan con las conocidas como Canzoni della Mala, un repertorio popular que retrata con dramatismo la mala vida milanesa, junto a algunos temas de Gino Paoli. Ornella Vanoni participa ya en el programa televisivo "Canzonissima" y en varias competiciones (en 1964, con Tu si' 'na cosa grande gana el Festival de Nápoles junto a Domenico Modugno), recita en teatro y da sus primeros pasos en la comedia musical con Rugantino de Garinei & Giovannini, junto a Aldo Fabrizi y Nino Manfredi. Después de ésta llegarían otras experiencias interpretativas, sería secundaria o protagonista de títulos como Amore pericolisi.

En 1965 se separa de su marido, intensifica su actividad como cantante e inicia una trayectoria estelar, llena de éxitos que la lanzan a la fama y la convierten por su elegancia y sensualidad interpretativa en "gran señora" de la canción italiana, junto a Mina Mazzini. En la segunda mitad de los años 60 inicia una relación artística y sentimental con Gino Paoli, quien escribe para ella Senza fine, un gran éxito en Italia. También en 1965 participa por primera vez en el Festival de Sanremo, en el que participará en siete ocasiones, en 1968 quedaría en segunda posición con el tema Casa bianca, cantado a dúo con Marisa Sannia, tema que se haría muy popular.

Su repertorio se enriquece también de temas de autores como Domenico Modugno, Burt Bacharach, Charles Aznavour y Gilbert Bécaud, entre otros. En 1967 logra grandes éxitos televisivos en los que Ornella Vanoni se afirma como refinada y sensual intérprete de la canción melódica italiana.

En 1970 participa en el Festival de Sanremo con el tema Eternità, aunque fue con el single siguiente con el que obtuvo su mayor éxito: L'appuntamento (La cita), original en portugués Sentado à beira do caminho de Roberto Carlos y Erasmo Carlos, la versión italiana incluye también la autoría de Bruno Lauzi, llegando al número uno de la lista de éxitos. En 1973 también grabaría la canción de Roberto Carlos Detalhes con el título de Dettagli, otro de sus grandes éxitos. En España se hacen muy populares, donde también obtienen gran éxito su canción Io ti darò di più y la versión que hizo en la banda sonora de la película Anónimo veneciano. En 1974 grabaría dos álbumes excepcionales: A un certo punto y La voglia di sognare.

En 1976, graba en directo un disco histórico La voglia, La pazzia, L´incoscienza, L´allegria con Toquinho y Vinícius de Moraes, con gran éxito y de gran repercusión musical, popularizando la música de estos grandes autores brasileños en Italia.

En los años 80, Ornella se confirma como la “señora de la canción italiana”, un título que es reconocido por su refinamiento y sus éxitos discográficos continuos. En 1986 Vanoni alcanza uno de sus sueños, la grabación Ornella &…, el álbum doble de atmósfera jazz, con un casting de artistas del jazz internacional como Herbie Hancock, Gerry Mulligan, George Benson o Gil Evans.

En los años 90 inicia una colaboración con Mario Lavezzi, productor y compositor (Insieme, Stella nascente o Piccoli Brividi). En 1996, su disco Sheherazade se convierte en disco de oro en Italia. Alberi es la canción con la que Ornella Vanoni participa de nuevo en el 49° Festival de la Canción de Sanremo. En esta ocasión le fue otorgado el premio a su carrera musical.

En 2001, publica dos álbumes con versiones de los años sesenta y setenta y en 2002, junto a Sergio Bardotti, canta el mejor repertorio de Burt Bacharach: todos los temas en italiano con traducción propia, es editado en el álbum Sueños prohibidos; Ornella y las canciones de Bacharach. En el 2003 se publica el álbum Noi, donne noi, escrito de Mario Lavezzi, e interpretado por Ornella Vanoni y Nancy Brilli. En 2004, el tema L´appuntamento en su voz se incluye en la banda sonora de la película Ocean's Twelve.


Ornella Vanoni en escena, 2008.En septiembre de 2004, después de casi veinte años de su anterior encuentro artístico, vuelve junto a Gino Paoli con un nuevo álbum de temas inéditos Ti ricordi? No non mi ricordo y también se publica el libro Noi due, una lunga storia escrito con Enrico De Angelis, seguido de una gira de conciertos. El éxito conjunto es refrendado con la publicación del doble álbum CD y DVD VanoniPaoli Live. En 2007 edita el disco Una bellissima ragazza, el primer disco con temas inéditos en solitario desde Argilla (1997), con el que emprende una intensa gira teatral por las más importantes ciudades italianas, en la misma vuelve también a los escenarios de España en 2008 tras dos décadas, y lo hace con sendas presentaciones en el Auditorio Nacional de Madrid y en el Palau de la Música Catalana de Barcelona Fuente Wikipedia

Gino Paoli Biografia

Gino Paoli, Rea, Rava, Bonaccorsi, Gatto

Gino Paoli (pronunciación italiana Pàoli) (Monfalcone, GO, 23 de septiembre de 1934) es un músico y cantautor italiano.

Gino PaoliEs reconocido como uno de los más grandes representantes de la música ligera italiana de los sesenta y setenta.

Ha escrito e interpretado grandes canciones como "Il cielo in una stanza", "La gatta", "Senza fine", "Sapore di sale", "Questa lunga storia d'amore", "Averti addosso"; ha participado en numerosas ediciones del Festival de San Remo; ha colaborado con numerosos escuelas de música en la realización de álbumes y singles; ha compuesto música para bandas sonoras de películas...

De niño Paoli se translada de Monfalcone a Génova, ciudad a la que estará siempre ligado.

Tras haber estado en muchos trabajos muy alejados de la música, llega a la casa discográfica Ricordi acompañado por sus amigos Luigi Tenco y Bruno Lauzi. Es con la Ricordi con la que graba su primer single: La Gatta.fggg

Al inicio de los años 60, cuando apenas ha entrado en el mundo de la música, conoce a Ornella Vanoni con quien mantiene una relación amorosa, que le inspiró alguna de sus canciones de amor más famosas: "Senza fine" y "Il cielo in una stanza" (llevada al éxito por Mina).

En 1963 lleva al éxito Sapore di sale (de cuya letra y música -como en la práctica totalidad de las canciones por él interpretadas- es el autor). Canción que tuvo gran repercusión internacional. Parece ser que Ennio Morricone intervino en la misma introduciendo algún arreglo.

En el mismo año Gino Paoli intenta suicidarse disparándose al corazón y, aunque se salva, es imposible quitarle el proyectil de la cavidad torácica.

Gino Paoli tras algunos años de silencio vuelve en 1974 con el álbum I semafori rossi non sono Dio (homenaje a Joan Manuel Serrat) y en 1977 con Il mio mestiere: en ambos álbumes muestra una visión más madura y concreta de la vida.

En la segunda mitad de los 80, Paoli publica numerosos álbumes, como La luna e mister Hyde y Averti addosso (1984), Cosa farò da grande (1986), L'ufficio delle cose perdute (1988), Ciao, salûtime un po' Zena y Matto come un gatto dedicado a Piero Ciampi (1991). En 1985 Gino Paoli y Ornella Vanoni hacen un tour triunfal por Italia, del cual se hará un álbum en directo llamado Insieme.

En 1992 publica su álbum Senza contorno, solo... per un'ora , del que formara parte la canción La bella e la bestia de la Disney, interpretada con su hija Amanda Sandrelli (hija del cantante y de la actriz Stefania Sandrelli) y parte de la banda sonora de la película homónima de la Disney.

En 1996 publica su Appropriazione indebita en el cual Paoli reelabora algunos clásicos de Charles Aznavour, James Taylor, John Lennon y de otros grandes músicos internacionales.

En 2004 publica su disco Ti ricordi? No, non mi ricordo que tiene duetos con Ornella Vanoni
Como buscador de talentos, Paoli descubre y lanza al éxito a algunos de los más grandes nombres de la música italiana. Estamos hablando de nombres como el de Lucio Dalla o el del gran cantautor genovés Fabrizio De André.

Muchas canciones escritas po Paoli han sido interpretadas por otros cantantes de otras generaciones, aunque musicalmente distantes de su estilo musical: Claudio Villa, Carla Boni, Umberto Bindi, Luigi Tenco (de quien Paoli es gran amigo), Gianni Morandi, Patty Pravo y Franco Battiato, Zucchero Fornaciari. El guitarrista de Jazz Wes Montgomery, en su álbum del 1967 Movin' Wes hace un cover de Senza fine. Hemos de señalar la colaboración con la Pravo que dio origen a unas ejecuciones espléndidas de la cantante veneciana en "Non andare via" de 1970 (memorable su actuación en el show de fin de año en Francia en "Bravo Pravo" y en Canzonissima '70) y "Di vero in fondo" de 1971.

En el 2000 colabora con Giuliano Palma and The Bluebeaters en una versión de dos piezas históricas: Domani y Che Cosa C'è.

En la película de Isabel Coixet, Mi vida sin mí, podemos escuchar la canción de Paoli Senza fine así como en muchas otras películas y anuncios.Fuente Wikipedia

Gino Paoli & Ornella Vanoni - Insieme vol 01 y 02-1985

Genero: Musica de Italia, Pop, cancionistas, cantautores
Año: 1985
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 85.2 Mb/Total time: 79:32

Biografia de Gino Paoli

Biografia de Ornella Vanoni

Tracks

CD 01

01-Mediterraneo
02-Sassi
03-Domani è un altro giorno
04-L'appuntamento
05-Dettagli
06-Più
07-Una ragione di più
08-La voglia di sognare
09-Col branco
10-Lo sò perchè l'amore
11-Non andare via
12-Ti lascio una canzone

CD 02
01-Albergo a ore
02-Il Cielo in una Stanza
03-La Gatta
04-Me in tutto il Mondo
05-In un Caffè
06-Che cosa c'è
07-Come si Fa
08-Senza fine
09-La voglia la pazzia
10-Tristezza
11-Poeta mio poeta
12-Samba in preludio
13-Vedrai Vedrai
14-Lo si
15-Sapore di sale
16-Mi sono innamorato di te
17-Lontano Lontano

Bajar

CD Ruben Olmos(Con Orq.) - Serenata a mi Pueblo

Genero: Tango, Cantores, Instrumental, vocal
Año: 2009
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 50.7 Mb/Total time: 27:50
Este CD nos llega por gentileza de su propio interprete el amigo Ruben Olmos
Gracias Ruben!!!!!

No tiene sentido realizar un post con la biografia de Ruben Olmos, quien tiene su pagina web que le hizo en su homenaje Agustin Magal. Abajo encontraran el link para descubrirlo.
Lo conoci hace poco dias por el blog con un mail que me envio, y empezamos a escribirnos seguido, el vive desde hace mas de 30 años en Sydney, Australia, con su familia.
Aprendi en pocos a dias a estimarlo, respetarlo y saborear cada mail suyo con comentarios y anecdotas de los mas famosos y de otros con menos difusion.
Cuando lean su biografia, entenderan cuanto Rubenes del tango hay en la Argentina y por todo el mundo, que todo lo hicieron por amor al genero, y recogieron muy poco, algunos son poco conocidos y otros que directamente nunca mas los rescataremos del olvido.
El mismo se considera un triunfador en la vida, por el echo mas importante que un hombre puede lograr, formar una familia de bien.
Realmente es un tipazo que pone plata en el tango, grabando y regalando sus interpretaciones en cds a sus amigos y conocidos.
Cuando lean su biografia entenderan mucho mejor todo lo que comente arriba y cuando lo escuchen lo disfrutaran.


Entrar a la web de Ruben Olmos

Ver otros CDS de Ruben Olmos

Tracks

01-Lllamarada pasional(Tango)
02-Quemá esas cartas(Vals)
03-Cuesta abajo(Tango)
04-La pulpera de Santa Lucia(Vals)
05-Patotero sentimenal(Tango)
06-El convetillo(Milonga)
07-Mano a mano(Tango)
08-Adoracion(Vals)
09-De mi barrio(Tango)
10-Viejo baldio(Tango)

Bajar

Cuatro Vientos Biografia

Cuatro Vientos

A lo largo de su trayectoria el excelente nivel musical del cuarteto se ha complementado siempre con situaciones teatrales, toques de humor y coreografía.
La música dispara los sentidos, emerge indisolublemente de la actuación, de la comicidad y de las líneas narrativas del relato escénico, homogeneizando los diversos lenguajes y soportes artísticos.
La imbricada relación entre cuerpo, instrumento, música y acción escénica se constituye como fórmula de desplazamiento continuo que provoca el asombro y la risa.
Cuatro Vientos tiene una importante discografía, con enriquecedoras contribuciones de Les Luthiers, Chango Spasiuk, Gerardo Flach, Andrés Calamaro, Bob Telson y Lalo Mir.
El repertorio del grupo danza entre los más variados estilos musicales, este eclecticismo – paradójicamente - se ha convertido en el estilo característico de Cuatro Vientos.
Desde sus comienzos la compañía estuvo cerca de las comunidades educativas y culturales, aportando una visión desacartonada de la música y del placer de ejecutarla que caracterizó siempre sus presentaciones. En la actualidad se encuentra desarrollando una intensa actividad con orquestas y bandas juveniles en nuestro país y en el exterior, muchas de ellas funcionan dentro de proyectos sociales y de un nivel musical admirable.
Sus espectáculos anteriores fueron: Sudestada (2006), Cuatro vientos15 años (2003), Pobrecitos los tramposos (2001), Alma de saxofón (1999), La Tempestad (1997), Música para tirar al techo (1996), El saxo mágico (1994), Soplando una historia a los cuatro vientos (1988).
En estos 21 años de trayectoria han sido muchas las participaciones del grupo con otros artistas, entre las cuales se destacan las realizadas con el grupo Tangos y Tragedias de Porto Alegre (Brasil), Opus 4 (Argentina), Geraldo Flach (Brasil), Marcos Mundstock (Les Luthiers), Lito Vitale (en TV), Fuente Web de Cuatro Vientos

Cuatro Vientos - Alma de Saxofón

Genero: Musica Argentina, Tango, Folclore, Jazz
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 58.1 Mb/Total time: 52:14

Personal
LEO HERAS saxo soprano y clarinete
DIEGO MAURIZI saxo alto
JORGE POLANUER saxo tenor y flauta
JULIO MARTINEZ saxo barítono
Invitados: Jorge Marona, Cuarteto Gerardo Flach, El Chango Spasiuk y Les Luthiers

Biografia de Cuatro Vientos

Tracks

01-A Fuego Lento
02-Rio Azúl
03-Alma Merengada con Jorge Maronna
04-Bicho De Blues
05-Milanesita
06-Karaté
07-Franela
08-Nunca Tuvo Novio
09-Fugatta
10-Samba Para No Dormir
11-Come Together
12-Vuelo
13-Años De Soledad con el Cuarteto Gerardo Flach
14-La Corralera
15-Metro Veinte con El Chango Spasiuk
16-Chorrito De Agua
17-Calypso De Arquimedes con Les Luthiers

Bajar

El tango en alemania

Gabriela Amalfitani y su pareja Esteban Domenichini

En la presentacion de Tanguera en Colonia Alemania en 2008


Desarrollo de El Tango Alemania en la actualidad.

El tango, el baile favorito en Berlín
Los alemanes tienen problemas con la distancia, en la vida y en el baile, dice un mito popular. Pero cuando de tango argentino se trata, la realidad es otra, porque ése es uno de los bailes preferidos de su capital, Berlín.
En las noches berlinesas y cuando suenan los primeros acordes del bandoneón, los cuerpos se juntan formando una sola silueta que se desliza a lo largo de grandes salones al compás del ritmo melancólico del tango.
La imagen se repite cada noche en algún punto de la ciudad, que se ha convertido en la capital europea del tango, la amante fiel de ese arte, al tener alrededor de 60 milongas dispuestas a recibir a los apasionados de este ritmo.
En realidad no son tantas considerando el fervor que existe. "Se puede pensar que al ser casi 60 milongas en la ciudad, puede haber mucha competencia e incluso que son demasiadas, pero no. Cada una tiene su público específico y ninguna compite con otra porque son diferentes entre sí", aseguró Jacqueline Tauil, propietaria de la milonga "Madreselva".
"Además hay demasiada gente a la que le gusta el tango, así que hay público suficiente para todas", agregó.

Desde hace más de 20 años, ese baile ha cautivado el gusto de alemanes y demás extranjeros que habitan Berlín. El alemán Thomas Henschel es uno de ellos. De joven aprendió a bailar diversos ritmos, pero un viaje a Italia definió el que sería su preferido. "Conocí a una chica que bailaba tango y ahí comenzó todo", dijo.

Hoy, Henschel es el propietario de "Haus der Sinne", un espacio artístico que desde hace una década dedica dos días de la semana al disfrute del tango.

¿Que por qué gusta tanto este baile? Cada persona tiene motivos diferentes para acercarse a ese ritmo, pero sin duda hay un común denominador: es un baile que permite y fomenta la cercanía entre las personas.


"Me gusta el tango porque cuando bailas es una relación íntima la que mantienes con tu pareja y además es algo que está permitido dentro del baile. Es también muy libre porque no tienes que mantener siempre una misma coreografía", explicó Henschel.

Con él coincide Jacqueline Tauil, propietaria de la única milonga que está a cargo únicamente de argentinas en Berlín. "En el tango los roles masculino y femenino están muy marcados. En este lado del mundo el rol de la mujer se ha emancipado tanto y han llegado a alcanzar un nivel tan igualitario que me parece que en el tango la mujer encuentra nuevamente un lugar femenino. Y eso les gusta a ellas", explicó la joven bailarina.

"Además de eso, creo que también gusta el ritmo por el contacto que hay entre la pareja. Alemania es una sociedad que no se toca en público y dentro del tango está permitido", explicó.

En Berlín es posible encontrar las típicas milongas que sólo se ocupan del tango tradicional pero también aquellas consideradas "underground", en donde lo que predomina es el ritmo del "electro tango", ese nuevo género que fusiona los ritmos rioplatenses con las diferentes expresiones de la electrónica.

Hay milongas también no sólo para los amantes del baile, sino de la música. "Madreselva" es por ejemplo, la que ofrece todos los lunes música en vivo y sus asistentes no siempre son gente que sepa bailar, sino amantes de la música. En otras, el tango no es el único ritmo que se toca, sino que los bailarines aceptan ritmos diferentes como jazz e incluso cumbia o salsa.

Muestra de la "tangomanía" alemana, son los 16 festivales que la embajada de Argentina en Berlín tiene registrados para esta primavera (boreal). Durante mayo y junio las ciudades de Berlín, Leipzig, Hanóver, Bonn, Fráncfort, Wuppertal, Múnich, Saarbrücken y Hamburgo organizan certámenes y jornadas de tango. Berlín y sus tangueros de corazón se preparan ahora para devorar la novena edición del certamen más importante del país, el Festival Internacional de Tango de la ciudad, que se extenderá del 28 de mayo al primero de junio.

Fuente; Yetlaneci Alcaraz, Agencia Alemana de Prensa (dpa), a 28 de abril de 2009

Hyppertz de Heinz y Marek Weber Biografias

En su mayoria los directores de orquestas de Tango de Alemania ejecutaban Jazz.
Se toma a dos de los directores como referencia para desarrollar su biografia

Hyppertz de Heinz

HUPPERTZ de Heinz (b. 1902 en Krefeld, Alemania--d. 1972 en Berlín), director alemán, virtuoso del piano y violín. Como un hombre joven había estudiado en la escuela de música de Krefeld y más tarde, en el Conservatorio de Colonia. A finales de los años veinte, formó su propia orquesta para una contratación en Berlín ("café Schön" en Unter den Linden y otros). En 1932 su orquesta se convirtió en la banda de la casa de la „ Rio Rita"barra de noche en el 12 de Tauentzienstrasse (Charlottenburg)--uno de los lugares que estaba mas de moda reunión para las altas clases de Berlín en 1930. Tenía varias salas y las paredes decoradas con escenas de la vida de una bailarina española, Rita de Río. Durante este período Huppertz hizo muchas grabaciones, principalmente en "Odeón". Cuando terminó la segunda guerra mundial, él y su orquesta toco principalmente en los torneos deportivos . „ Rio Rita", así como en esta parte de Berlín, fue convertido en ruinas. En 1962 ultra moderno Europa-Center se erigió en esta área.

Marek Weber

Marek Weber Orch.
25 de octubre de 1888, Lemberg (Galizia); d:, 9 de febrero de 1964, Chicago, IL, Estados Unidos.
Instrumento: violín.
En 1906, a la edad de 17, años Marek llegó a Berlín, donde estudió música en el Conservatorio de Stern. Con sólo 20 años de edad, formó su propia banda que se oyó en Schoen de café de Berlín y el café de Eden y Esplanade Hotel. En 1926, estaba residiendo en el famoso Hotel Adlon de Berlín. También se escuchó su orquesta en conciertos, en las Schauspielhaus grandes, entre otros lugares. Aquí es la orquesta de Marek Weber, ca. finales de los años veinte, toco "es Muß fue Wunderbares Sein" ("it must be maravillosos") y, a continuación, el encantador tango "Sündig und Süss". En 1929, Weber grabó la canción visitas "Está la crema en mi café", CA 1933, Weber llevó lo que puede ser descrito como una orquesta de hotel de ciudad de Berlín "clásica", - quizás el más conocido al lado de la Dajos Bela Orchester. En 1933, viajó a Inglaterra, donde apareció en películas y más tarde viajó a Suiza y muchos otros países europeos. En 1937, Marek emigró a Estados Unidos, donde encontró una carrera en primer lugar como "Rey del vals de la emisora de radio" y luego como propietario de una granja. A continuación presentamos algunas fotos de Marek Weber cuando estaba en la América líder de la orquesta en la leche comprimido Clavel, programa de radio. (El espectáculo fue emitido durante la "Red" de NBC red, cuya estación principal fue WEAF en la ciudad de Nueva York. NBC también propiedad de la red "Blue" cuya estación principal fue WJZ también en Nueva York. Para aquellos interesados en estas cosas, NBC también contribuyó a formar 'Negro', "Naranja" y "Gold" red. El "Blue" fue finalmente vendida a Noble Edward que cambió el nombre ABC.) Durante su carrera, fueron sus bandas registrado innumerables veces, y Marek había un gran éxito con su grabación de 1927 de "Crazy palabras".

German Tango Bands - 1925-1939

Genero: Tango, Orquestas de tango, Tangos en otro idioma
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 82. Mb/Total time: 74:01

Ver mas tangos en otros idiomas

El Tango en Alemania

Biografia de Hyppertz de Heinz

Biografia de Marek Weber

Tracks

01-Marek Weber - Instrumental*****A Media Luz
02-Heinz Huppertz - Instrumental*****Punto Arenas
03-Robert Gaden - Instrumental*****Nachts Geht Das Telefon
04-Marek Weber - Instrumental*****Sündig Und Süss
05-Ludwig Rüth - Elena Lauri*****Man Kann Beim Tango Sich So Schöne Dinge Sagen
06-Oskar Joost - Instrumental Guitarrita*****Porque lloras
70-Barnabás Von Géczy - Instrumental*****Cara Mari
08-Adalbert Lutter - Instrumental*****Fea!
09-Robert Gaden - Instrumental*****Perdóname
10-Heinz Huppertz - Instrumental*****Nightfall
11-Adalbert Lutter - Instrumental*****Sentimiento Gaucho
12-Marek Weber - Instrumental*****Mirala
13-Barnabás Von Géczy - Instrumental*****Mexican Serenade
14-Oskar Joost - Instrumental*****Feuerblumen
15-Marek Weber - Instrumental*****Crépuscule
16-Adalbert Lutter - Instrumental*****Rosa Mía
17-Interprete y Cantante desconocido*****0h Donna Clara
18-Otto Dobrindt - Instrumental*****Donna Vatra
19-Robert Gaden - Instrumental*****Del Álbum De Mis Ensueños
20-Marek Weber - Instrumental*****Pasión Criolla
21-Barnabás Von Géczy - Instrumental*****Leila
22-Ludwig Rüth - Cantante desconocido*****Lebe Wohl, Kleine Frau
23-Oskar Joost - Instrumental*****Zwei Gitarren
24-Adalbert Lutter - Instrumental*****A Media Luz

Bajar

Los Fabulos Cadillacs Biografia

Los fabulosos cadillacs

Los fabulosos cadillacs

Los Fabulosos Cadillacs es una banda argentina proveniente de Buenos Aires. Fundada en 1985, esta banda es considerada una de las más influyentes y exitosas del llamado "rock latino".

4 de sus álbumes han sido incluidos en la lista de los 250 álbumes más influyentes del rock iberoamericano: La marcha del golazo solitario (Nº 176), Rey azúcar (Nº 164), Fabulosos Calavera (Nº 76) y Vasos vacíos (Nº 7).También su álbum "El león", está en la posición número 21 del ranking "Los 100 mejores discos del rock nacional" de la revista "Rolling Stone".La canción "Matador" de su álbum "Vasos vacíos" es considerada la mejorcanción del rock latino en toda la historia y está en la posición número 40 del rock argentino. En 1994 el videoclip de la canción recibió el primer premio Video de la gente por la cadena MTV Latinoamérica y en el año 2000 recibió este premio el video de la canción "La vida" por MTV Latinoamérica sur.[7] [8] Además este tema ha salido 2 veces en la primera posición de los rankings hechos por MTV Latinoamérica, el primero en la celebración de los 10 años de la cadena y después en la celebración de los 15 y logró el segundo puesto en el ranking de Los 100 videos más MTV. En al año 2008 recibieron el Premio Leyenda de la cadena MTV Latinoamérica. Actualmente se encuentran terminando su gira mundial de promoción del disco "La luz del ritmo", llamada "Satánico Pop Tour", y en pocas semanas lanzarán su nuevo disco "El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs".Los Fabulosos Cadillacs comenzaron en el año 1985, cuando se juntaron Mario Siperman, Anibal Rigozzi, Gabriel Fernández y Flavio Cianciarulo. Ninguno de ellos sabía de música, pero formaron una agrupación sólo por el gusto de tocar siendo una banda underground. Luego de un tiempo fueron ingresando nuevos integrantes hasta llegar a ser ocho. Su primera presentación oficial con el nombre actual fue en un colegio de la ciudad de Buenos Aires, con una presentación que no fue muy aceptada por el público.

En los inicios de la banda, tocaban en bares y pubs, siendo fundada por: Gabriel Fernández (Vicentico), líder y voz principal del grupo, Flavio Cianciarulo (Sr. Flavio), bajista y segunda voz, Sergei Itzcowick, en la trompeta, Sergio Rotman, saxofonista, Luciano Giugno (Luciano Jr.), percusionista, Mario Siperman (Spiker), en los teclados, Anibal "Vaino" Rigozzi, en la guistarra, Fernando Ricciardi, batería, Naco Goldfinger (Ignacio Pardo), en el saxo saxo, y Rovert Calcaño, toca cholgas. A pesar que después del tiempo la banda fue rotando de músicos, las voces principales (Vicentico y Sr. Flavio) nunca han cambiado.

Por un pequeño tiempo el grupo se llamó Cadillacs 57, en honor al modelo de auto del bajista del grupo, Sr. Flavio, incluso alcanzaron a hacer algunas actuaciones.[13] Pero en una presentación en un bar el animador al llamarlos al escenario los presentó como Los Fabulosos Cadillacs, quedando definitivamente con aquel nombre

En 1986 editaron su primer álbum Bares y fondas, el cual en realidad iba a llamarse "Noches cálidas en bares y fondas" pero decidieron abreviarlo quedando con el nombre actual.

“El disco se llama "Bares y fondas" porque éstos son los lugares por donde nos movemos, donde estamos siempre. Inicialmente íbamos a titularlo "Noches cálidas en bares y fondas" pero luego decidimos abreviarlo. El título quiere dar una imagen de que pertenecemos a esos sitios y que estamos juntos todo el tiempo, rondando por allí”.[15]
Con este disco lograron darse a conocer ante el público, siendo mayoritariamente desechados y odiados por la prensa, pero a la vez ganando, aunque de forma menor, un público fiel.

El disco fue grabado en el estudio Moebius bajo el sello discográfico de Interdisc. La prensa criticaba a los Cadillacs principalmente por la inexperiencia y poco profesionalidad de sus músicos y además por el contenido de las letras, ya que canciones como "Yo quiero morirme acá", en esa época, era un letra muy mala.[15]

“En este país se tiene un concepto totalmente equivocado de lo que es una buena y una mala letra. La pauta es que la gente cree que Fricción es un grupo intelectual o que Baglietto es un buen compositor. No es así. Las letras de Los Twist son mil veces mejores que la de Fito Páez, por ejemplo. Son más inteligentes y describen la realidad mucho mejor. Creo que nosotros, por lo menos, no escribimos estupideces, que no decimos que está todo bien, que no somos ni Palito Ortega ni Soda Stereo”. (Vicentico)
Aunque el disco en su momento no fue tan aceptado, por ser una banda nueva y desconocida, con el tiempo han salido diferentes singles, que ahora son clásicos de los Cadillacs. Como por ejemplo la segunda canción del LP, la polémica "Yo quiero morirme acá", también "Silencio de hospital" y la última canción, la dedicatoria de Vicentico para su fallecida hermana Tamara, "Basta de llamarme así".

Este disco para L.F.C. fue un paso para darse a conocer solamente, por la razón de que después del tiempo ellos reconocieron de las críticas de la prensa de que no sabían tocar y que eran inexpertos.

“Éramos bastante idiotas, unos imbéciles, realmente retardados. No sabíamos tocar. Pero había algunas canciones rescatables, como "Basta de llamarme así"”. (Vicentico)
Gracias a este disco, hicieron varias presentaciones en el Teatro Astros con mucho éxito.

Su segundo disco fue llamado "Yo te avisé!!" y a diferencia del disco anterior, este Long Play tiene diferentes estilos aparte del ska, experimentando con el reggae y el dub. El nombre del disco se explica porque ellos sabían que iba a ser un éxito e iba a ser un gran tapaboca para muchos que los criticaron con el primer disco. Así lo explica Vicentico:

“Se llama así porque sabíamos que iba a ser un éxito. Entre las cosas extramusicales que más nos gustan, una es taparle la boca a los que hablan y no saben nada. Son los que creen que Mercedes Sosa es rockera y eso no es cierto. Nos criticaron desde el principio”.[17]
Este disco fue mucho más preparado que el anterior, se dieron tiempo para ver detalles y que sea un producto más elaborado que el antecesor. Además contó con la presencia de Andrés Calamaro, quien poco tiempo atrás había dejado de ser parte de Los abuelos de la nada. Calamaro desde el primer momento supo que el disco iba a ser un éxito e incluso afirmando que el disco iba a tener muchos de los clásicos de los Cadillacs. Era un disco de alguna forma "ya probado" por la razón de que muchos de los temas incluidos ya habían sido tocados por la banda en recitales en vivo. A diferencia de el anterior disco, en éste todos los instrumentos fueron grabados juntos, como si estuvieran en vivo, también cambiaron de casa discográfica, a Sony Music y también en los mismos integrantes del grupo había más seguridad y tranquilidad para el lanzamiento del disco.En el año 1988 lanzan su tercer disco: "El ritmo mundial". El disco grabado en los Estudios Panda, contiene como claramente su nombre dice muchos estilos, ritmos y géneros musicales. En este álbum Los Fabulosos Cadillacs amplían su espectro musical hacia géneros más comerciales para la época, sin perder la sobriedad en la composición. El disco abarca géneros como el ya clásico ska, alguna que otra balada como: "Siempre me hablaste de ella", un tema que quedó fuera del disco anterior, y "Número 2 en tu lista", también toma el rock en el cover de la banda The Clash en "Revolution rock". Además, en este vinilo se incluyen la ya clásica "Vasos vacíos", con la "reina de la salsa", la cubana Celia Cruz. Aterrizó en la Argentina un día lunes 5 de septiembre del año 1988 para grabar esta canción con los Cadillacs, con la misión de expandir este ritmo musical por Latinoamérica. Además, este tema le da el nombre a un disco copilatorio. Con este disco lograron vender 30.000 unidades, y bajaron considerablemente de más de 100 shows al año a tan sólo 40, todo ésto gracias a la inminente crisis Argentina.[18] A pesar de esta crisis Los Fabulosos Cadillacs se presentaron en el Estadio Obras Sanitarias con gran éxito, presentando su nuevo disco, y un adelanto del próximo, que coincidía en el momento con la grabación del cuarto, aunque, por el momento económico de su país, luego de la presentación los Fabulosos cesaron de tantas actuaciones y se abocaron al nuevo disco, componiendo y grabando, afectando así su explosiva carrera en ascenso que llevaban hasta ese momento. Con el disco lograron viajar a Centroamérica con gran éxito y varios shows

1989 comienza un período de baja creatividad, agravado por la crisis económica que atravesaba Argentina. La nación sufría un período de crisis económica por la hiperinflación de la moneda. En ese momento el presidente de la nación era Carlos Menem, quien logró reactivar el país después de un tiempo.[20] La crisis afectó a los Cadillacs en aquel instante, reflejándose en las ventas y en la calidad de producción de lo que sería el cuarto LP de la banda. Se destacan sólo dos canciones, "El satánico Dr. Cadillac" y "Contrabando de amor". Sin embargo, al contrario de lo que debiese haber pasado, la primera canción es un clásico de la banda y una de las favoritas de los fans, a pesar de ésto, la agrupación piensa que es el peor disco que han sacado, por la mala calidad de letras y de música. Las canción homónima está dedicada a el manager de los Cadillacs hasta el momento anterior de la grabación de este disco, Alejandro Taranto.

“Nuestro manager de aquel momento decía, después de nuestro segundo disco que había pegado mucho ‘Che, parece que no está funcionando, no suena el teléfono como antes, muchachos’. Y nosotros pensando ‘¿qué hacemos...?’, con una preocupación de verdad por lo que decía un salame que no tenía idea de nada. Ahí se nota que creíamos todo, aunque tampoco éramos nenes que decíamos ‘ah, bueno, hagamos un disco’. Era ‘andá a la concha de tu madre’ pero quedarte pensando. Haber echado a ese manager, fue nuestra primera decisión de ser profesionales”. (Vicentico)

En 1990 se edita Volumen 5 un disco rescatable y a la vez fresco para lo que era la exigencia musical de ese entonces. Dicho disco fue el que les otorgo a los Cadillacs el acceso a la expansión de su música a los Estados Unidos, mediante un contrato firmado con el productor internacional Tommy Cookman.[22] Como su nombre dice es el quinto álbum de la banda argentina, pero no sólo se debe tomar de forma literal, lo que querían lograr con el nombre de este LP, era decir que ya llevaban cinco discos, y que éste en particular tenía que reivindicar a los Cadillacs luego del fracaso anterior.

Se extraen diferentes singles, pero la banda esperaba más, porque para ellos fue un buen disco, bien preparado y buenas letras, pero las casa discográfica de aquel momento no impulsó las canciones que a ellos les hubiese gustado, a pesar de esto se rescatan: "Los olvidados", también "Radio Kriminal, un reggae que roza el punk, "Caballo de madera", la canción dedicada a Luciano Giugno, que había dejado la banda para lanzarse como solista, lo que los Cadillacs sintieron como una gran pérdida y hubo mucha tristeza en la banda, también la canción "Tanto como un dios" fue dedicada para él.

“Lo que yo pienso de este disco es que apuntamos a lo más alto y nos salió algo muy grosso. Quizás antes no apuntábamos al diez, sino al ocho. Sabíamos que había cosas que podían estar mucho mejor. En cambio con este disco apuntamos a que todo fuera redondo. El pensamiento tiene que ser ‘quiero ser lo más alto de todo’. O ni siquiera como pensamiento, porque lo hicimos sin pensarlo. Más bien fue como actitud.”. (Vicentico)

Corría 1991, un año no del todo satisfactorio en varios sentidos. Evidentemente la banda pasaba por un periodo de déficit creativo y esto se evidencia en la placa del año en cuestión: Sopa de caracol. El cual contiene sólo tiene un tema nuevo, que además en un cover de la banda hondureña Banda Blanca, llamado "Sopa de Caracol" al igual que el disco. Tiene una nueva versión de "El genio del Dub", un megamix titulado "Megamix LFC", y un remix de "Demasiada Presión".

A fines del año 1991, la banda sufre cambios en su integración. Naco Goldfinger sale de banda al igual que Luciano Jr. quien ya se había lanzado a solista, ingresando dos nuevos miembros: estamos hablando de Fernando Albareda y Gerardo Rotblat.


En agosto del 1992, sale a la venta el séptimo disco titulado El león. Este LP, que combina todos los géneros practicados por los Cadillacs, es un álbum esencial tanto en la historia de la banda como en la historia del rock argentino llegando a estar en la en el top 30 de los disco más importantes del rock argentino según la revista Roling Stone.[4] Contiene ritmo muy caribeños y bailables como por ejemplo: la salsa, el calipso, reggae y también el infaltable ska. Según Vicentico, el vocalista del grupo, es el mejor disco que han lanzado.
La edición en vinilo de este álbum fueron alrededor de 500 copias, incluso se rumorea que fueron menos. La razón de lo sucedido, es que en la esta edición sólo se encuentran 12 temas de los 15 que trae el CD, por motivos de espacio, y además el mercado argentino y latinoamericano se vio revolucionado por la llegada del nuevo tipo de distribución de la música, el CD.

Aunque no ofreció el éxito esperado en ventas, El león es una muestra contundente de la creatividad de la banda. Se extraen 8 grandes canciones y clásicos de la banda como: "Carnaval toda la vida", "Manuel Santillán, el león" (que le da el nombre al disco), "Gitana", el reggae clásico de Rotman "Siguiendo la luna", "El crucero del amor", "Arde Buenos Aires", "Desapariciones (cover de Rubén Blades)", "Gallo Rojo" (dedicada a Ernesto "Che" Guevara) y "El aguijón".

1993 es el año de su octavo disco Vasos vacíos, que se trata de una compilación de 17 temas. 15 son versiones antiguas y reinterpretaciones de singles pasados, más 2 temas inéditos: Matador y V Centenario. La primera la de mayor éxito comercial y la más reconocida canción en toda la historia de la banda, tanto por el tema en sí, como por el videoclip. Ganando variados premios, incluyendo ser elegida por la cadena MTV como el "Mejor videoclip latino del año" en 1994, la oportunidad de grabar el primer MTV Unplugged de MTV Latinoamérica y variados premio a lo largo de su historia incluyendo el presente. La canción trata sobre una persona que lucha por un mundo mejor, más justo y democrático, pero que es perseguido por la justicia. La letra de la canción se ajusta al cantautor chileno Víctor Jara, que además es nombrado en el tema. La segunda es una letra un tanto irónica. Habla sobre la "celebración" de los 500 años de los pueblos latinoamericanos hacia la conquista española.[25]

“V Centenario está dedicado a los 500 años de la conquista de América, pero negándola. Es algo que de alguna manera ya pasó, pero a nosotros nos sigue pegando. Y lo loco es que la gente no se hace cargo de esas cosas. Acá vinieron, mataron a todo el mundo -sigue sucediendo de otras maneras- y la gente celebró como si fuera una fiesta. Quisimos fijar nuestra posición”.
Vendieron más de 300.000 copias de esta placa y lograron la consagración en el ámbito de Argentina, América Latina y el mundo. Grabando su primer disco en vivo titulado En vivo en Buenos Aires llenando varias veces el estadio Obras Sanitarias de la ciudad capital de Argentina.
Matador en el año 2003 fue interpretado por Ricky Martin en la segunda edición de los Premios MTV por la celebración de los 10 años de la cadena.

Esta canción también ha dejado un sello en las canchas del fútbol argentino, su melodía se escucha precisamente en las tribunas, siendo la hinchada del Club Atlético San Lorenzo de Almagro la pionera de esto, no es un dato menor que el club azulgrana tenga como uno de sus apodos "Matador" (apodo obtenido en la década del '70) y que Gabriel Fernández (Vicentico) tanto como Sergio Rotman sean fanas de este cuadro.

La canción "Matador" también se le atribuye a jugador chileno Marcelo Salas. Se le apodó de esta forma en su primer club, Universidad de Chile, lo cual se mantuvo durante la época en que jugó en el equipo argentino River Plate, en donde la hinchada le cantaba esta canción. Durante las dos épocas en que estuvo logró ganar un tricampeonato, una Supercopa y torneo de Clausura.[26] También el jugador chileno Alexis Sánchez, y al igual que su compatriota, mientras jugaba en River Plate la barra le cantaba lo mismo que a Marcelo, siendo, de alguna forma, elegido como el sucesor de Marcelo Salas
En el año 1995 la banda argentina lanza un nuevo disco titulado "Rey azúcar", con la producción de con ayuda de Tina Weymouth y Chris Frantz (Talking Heads). Los Cadillacs afirman que esta época fue la "primavera de la banda". En el disco se puede apreciar una maduración musical notable, y además se deja en claro las posturas políticas de la banda

Mal bicho fue el primer single de este álbum. La canción habla de los dictadores o presidentes que cometieron atrocidades en los diferentes países de América Latina en la década del 70'. También se puede interpretar como un reclamo frente a las personas que discriminan, en temas como raza, nivel socioeconómico, y es un grito de libertad y paz frente a las guerras y problemas que hay en el mundo actual.

Strawberry Fields Forever, cover de The Beatles, en ritmo de rock steady con la cantante invitada Deborah Harry de la banda norteamericana Blondie.

Las venas abiertas de América Latina, llamada de la misma forma que el libro del escritor uruguayo Eduardo Galeano. Una rara combinación punk-ska-hardcore que habla desde temas de el despertar del indígena sudamericano hasta un poco del calentamiendo global.

Luego de Rey Azúcar y con una incipiente fama en los Estados Unidos, 1996 los ve grabando un cover de Charlie don't surf de The Clash, para un disco homenaje a dicha banda, y también lanzando un single grabado a mano con una banda de ska norteamericana llamada Fishbone; el single fue What's new pussycat?, afamada canción del galés Tom Jones.

El resto del año, los Fabulosos dieron recitales a lo largo de su país y por Latinoamérica, y por qué no, en giras por el viejo continente! (algo no muy común en bandas provenientes de Argentina ). En donde llegaron a compartir escenario con los reyes del punk: The Sex Pistols, y con bandas de renombre como Cypress Hill, o Red Hot Chilli Peppers, en un festival llamado "Saint Gallen, al aire libre" donde los fabulosos cadillacs cerraron el evento, y dice Gabriel Fernández Vicentico que ellos no tenían porque cerrar el evento por que eran menos populares que los demás.

Es importante aclarar que a mediados del '96, nuevamente se producen cambios en la banda: el guitarrista y fundador Aníbal "Vaino" Rigozzi abandona la banda y toma el mando como productor de la misma. En su lugar entra el guitarrista Ariel Sanzo Ariel Minimal, que influiría en el sonido del próximo disco.

Ya en el 1997, los Cadillacs preparan y editan el disco que los confirmaría como la gran banda del rock argentino. Estamos hablando de Fabulosos calavera un disco que nos presenta a unos Cadillacs más jazzeros, más tangueros y con toques de hardcore. Un gran disco experimental. Los singles fueron tres: El muerto, Calaveras y diablitos y Sabato. Además de estos temas hay otros que se destacan, como Surfer calavera (una rara mezcla de tres estilos bien individualizados; comienza con una intro con vientos muy al estilo Crucero del amor, se torna un poco más jazzera y despotrica con una línea bien pesada de guitarras distorsionadas en el estribillo), Howen (que nos recuerda un ambiente Western), y la cautivante A.D.R.B (en busca eterna), con una letra melancólica y que nos recuerda un ambiente porteño. El disco les brindó numerosas satisfacciones, entre las que se destaca haber ganado el primer Grammy a una banda en toda Latinoamérica, en el año 1998.

Los Cadillacs siguen activamente realizando recitales durante dicho año, entre los que se destaca el "Calavera Experimental Concherto", considerado por muchos el mejor recital de la historia de la banda, donde mezclando extraños sonidos emparentados con el jazz y el blues, mostraron su versatilidad musical, sin perder su identidad y calidad.

Al mismo tiempo una nueva compilación de éxitos, simplemente titulada 20 grandes éxitos, que contiene versiones inéditas de canciones; Mal bicho (con participación de Babasónicos, afamada banda Argentina) y una canción que no llegó a salir en el disco El ritmo mundial... llamada Igual a quién.

Ya en 1999 los Fabulosos Cadillacs, lanzan lo que sería su último trabajo en estudio: La marcha del golazo solitario, un gran disco plagado de canciones buenas, y que posiblemente nos haga ver a unos Cadillacs que vuelven a las bases de su éxito pero sin conformarse con esto siguen su camino de experimentación:

- Los singles: La vida, con esta canción, preparada para ser single de venta, abre el disco; muy pegadiza. Vos sabés, un tema de Flavio Cianciarulo, cuyo video causó controversia por mostrar desnudos y fue censurado en Chile por las cadenas televisivas. Los condenaditos, un estribillo pegadizo y melancólico en un ritmo samba que hace recordar a los libros Sub Terra y Sub Sole del chileno Baldomero Lillo. C.J, eterna balada romántica de Fernández dedicada a su esposa, la actriz Valeria Bertuccelli, mujer de cejas grandes.

Subsiguieron las presentaciones en vivo del disco, en una Argentina atormentada por la mala administración económica de ese entonces.
En septiembre del año 2000 los Cadillacs festejan sus 15 años de banda, realizando una pequeña agenda de conciertos donde los países incluidos sólo son Argentina y Chile.

En Argentina fue un serie de tres concierto en el Estadio Obras Sanitarias en la capital, los días 1, 2 y 29 de septiembre. En Chile, fue sólo una presentación, el día 7 de octubre en Santiago en el Teatro Monumental, donde hacen casi todos sus conciertos cuando van a aquel país, con lleno total, haciendo un concierto ante más de 8.000 personas.[28] De los shows en Buenos Aires es el CD y DVD titulado "Hola/Chau".[29] El DVD fue lanzado recién el 18 de abril del 2006, que incluye la grabación de la presentación en la segunda noche en la ciudad de Buenos Aires. La productora encargada de grabar el concierto fue Cuatro Cabezas y lanzado bajo el sello discográfico de Sony-BMG.

En el 2001, los Cadillacs deciden realizar una serie de 6 presentaciones, los días 17, 18, 19, 24, 25 y 26 de agosto en el Teatro Astral de la ciudad de Buenos Aires bajo el nombre de "Loco, miedo Loco".

En esta presentación se incluyeron variados covers de diferentes bandas. Partieron el concierto con "Sucio y desprolijo", canción de su compatriota Pappo, pasando por "Sus ojos se cerraron" (tango de Carlos Gardel) y "El cantante" de Rubén Blades la cual popularizó en Argentina Andrés Calamaro. El teatro en el que tocan tiene una capacidad muy limitada, sólo para 1000 personas, por lo que ellos mismos dijeron que iba a ser un concierto muy personal e íntimo, y que eso le dará un muy buen ambiente.[30]




En este concierto los Cadillacs no estaban completos. Se contempló la inestabilidad de la banda en ese momento, con la salida de Daniel Lozano, el trompetista, quien ingresó a la banda en el año 1985 luego de la salida de Sergei Itzcowick, y luego con la salida de Mario Siperman, el tecladista, y fundador de la banda.

[editar] La separación
En el año 2002 los rumores de la separación de los Cadillacs se incrementaron de gran manera. Primero con la inminente emigración de Sr. Flavio a Monterrey, México y con la preparación de discos solistas de algunos de sus integrantes.

Los Fabulosos Cadillacs se encontraban sin contrato con ninguna disquera, no tenían material nuevo, y además hubo un quiebre en la banda por la salida de dos de sus integrantes. En una entrevista con una página de fanáticos, al preguntarle sin no tenía ofertas de compañías para grabar un nuevo disco, Vicentico afirmó:

“-¿Ofertas no hubo? (entrevistador)
-Si, alguna hubo. Pero, la verdad, tampoco tenemos mucho que ofrecer... Digamos...yo sé que se piensa que a las compañías no le interesan ni Los Pericos ni Los Cadillacs. Yo creo que depende de lo que quiera, ofrezca o pida el grupo. A nosotros, lo único que puede llegar a apremiarnos es el dinero. Cada uno tiene sensaciones diferentes. Flavio siempre dice "sigamos grabando", en cualquier situación. Yo también... Fernando por ahí no tiene ganas. Cuando todos estemos en sintonía, vamos a volver a grabar”. (Vicentico, 15/08/01)

Proyectos paralelos y último concierto
En el año 2002, el cantante de la banda, Vicentico, presenta su primer trabajo solista titulado simplemente como: Vicentico, con respetable éxito. Una mezcla de diferentes ritmos y que hace acordar mucho a los Cadillacs. En total el cantante en solitario lanza 5 discos, de los cuales 3 son discos de estudios, uno en vivo desde el Luna Park y una recopilación. Sr. Flavio crea la banda "Flavio y la Mandinga" lanza 6 discos y también se dedicó a escribir libros.Ariel Minimal, crea Pez lanzando 18 disco en general, Sergio Rotman con Cienfuegos y continuando en Mimi Maura junto a Fernando Ricciardi, Gerardo Rotblat. Fernando Albareda, en 1999, juntos a otros viejos Cadillacs de instrumentos de vientos crean "La Cornetita". También entre el 1999 y 2000, Mario Siperman y Daniel Lozano hacen un soundtrack de una película llamada "Tesoro mío", logrando una moderada fama underground. Gerardo Rotblat, participó en varios proyectos, incluso en Los Auténticos Decadentes, para luego, en el 2005 formar su propia banda, la Orquesta Jabalí, sacando un disco ese mismo año titula como "Salta y vuela".

[editar] Último concierto
El 14 de mayo en el Acapulco Fest 2002 se realizó la última presentación de Los Fabulosos Cadillacs. En el escenario se notó el cansancio y desgano de los integrantes de la banda, no dejando contentos a sus seguidores. Luego de este concierto los Cadillacs nunca más realizaron un concierto, lo que fue tomado como la disolución de la banda, aunque ellos afirmaron de que nunca se separarían, sólo tomarían rumbos distintos, y que los Cadillacs jamás dejarán de existir.

[editar] ¡Calamaro querido! y rumores de reunión
En mayo del 2006, la banda se reúne para grabar La parte de adelante, un cover homenaje en el disco Calamaro querido! Cantando al salmón, dedicado al cantautor y ex productor de Los Fabulosos Cadillacs, Andrés Calamaro. Esto hace suponer a muchos fans de una futura reunión de la banda. En el disco la banda interpretan la primera canción "La parte de adelante". Convirtiéndose en un single inmediato, lamentablemente en esta presentación no estuvo presente Ariel Minimal. Vicentico, por su parte interpreta "Para no olvidar", canción número 6 del disco número 2.

[editar] Akustic-Loko de Fabulosos Amigos
EL 17 de julio del 2007, mientras continúa con su proyecto solista The Flavio Mandinga Project, Flavio Cianciarulo conduce en la radio llamada "Radio Atomika" de San Martín, el programa "Sonidero FM". El programa radial se realiza los días martes a las 21:00 horas. Se anuncia el "Akustic-Loko de Fabulosos Amigos", una junta de los Cadillacs en la radio donde Sr. Flavio compartirá con cinco de los antiguos integrantes de la banda a la cual pertenecía. Asisten: Vicentico, Sergio Rotman, Fernando Ricciardi, Luciano Jr. y Hugo Lobo como invitado especial. Tocan 17 temas en versión acústica logrando una gran popularidad y sintonía la radio en aquel momento. En el la emisión el anfitrión preguntó: ¿Cuándo vuelven los Cadillacs?, a lo que Gabriel sólo respondió: ¡Qué buena pregunta!. Con ésto los fans aseguraban la vuelta de los Cadillacs y a diferencia de Soda Stereo, no se desmintió una vuelta, sólo lo dejaron en duda. Sergio Rotman dijo:

“Esto es para la historia del rock: Los Cadillacs volvieron en una radio de barrio. Esta es la mística del rock: con los Cadillacs siempre fue así, nunca planeamos las cosas, ¿Por qué?, porque a diferencia de Soda Stereo, Los Cadillacs no tienen que comprobar nada”.
[editar] Muerte de Gerardo Rotblat
El percusionista durante 11 años de Los Fabulosos Cadillacs, Gerardo "Toto" Rotblat falleció el 29 de marzo del 2008, a los 38 años, víctima de un edema pulmonar.[39]

Luego de la separación de L.F.C. "Toto" fue invitado a tocar en diferentes bandas, entre ellas Los Auténticos Decadentes, Todos tus muertos, Me darás mil hijos, etc. para luego crear su propia banda, la Orquesta Jabalí, con la cual en el 2004 lanzó un disco "Salta y vuela". Tras la noticia de la muerte del percusionista se diera a saber al público, los artistas eligieron su MySpace para despedirse con frases como:

“Siempre te extraño tanto, tanto, aveces te recuerdo y río, éso es lo bueno....a veces lloro mucho....casi siempre....”. (Sr. Flavio)[40]
Los restos del músico fueron sepultados en el panteón de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores en el Cementerio de Chacarita, en Buenos Aires, Argentina.[41] Despúes de la muerte del músico y amigo de la banda, se pensó que un posible reencuentro sería aún más difícil, pero el grupo musical, actualmente en todos sus conciertos le rinde homenaje a Toto.
Yo te avisé!!
Aunque oficialmente los Cadillacs nunca se separaron, luego de 6 años, Los Fabulosos Cadillacs confirmaron oficialmente su reunión.
Escenario de los Cadillacs en la presentación en el D.F. en México.Esta vuelta a los escenarios fue publicitada con la frase "Yo te avisé!!", haciendo referencia a ese disco. Para este regreso, la banda lanzó un nuevo disco titulado "La luz del ritmo" que consta de 13 temas: 5 son canciones inéditas, 6 son nuevas versiones de canciones antiguas y dos son covers. De él se desprendió el primer sencillo: "Padre Nuestro", que tiene una versión de cumbia villera con un músico invitado, Pablo Lescano, de Damas Gratis,[44] luego el sencillo homónimo del disco, "La luz del ritmo" salió al aire y más tarde la canción "El fin del amor". En una entrevista con MTV Latino, los Cadillacs adelantaron que el nuevo disco se llamará "El ritmo de la luz", pero semanas antes de su lanzamiento el disco fue denominado "El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs".[45] [46] El arte de la elegancia de Los Fabulosos Cadillacs, tiene 13 canciones al igual que su antecesor, haciendo una especie de segunda parte. La tapa del álbum es obra de Marta Minujín, una artista plástica originaria de Argentina. Mario Siperman, tecladista del grupo, adelantó que el disco no tendrá ningún cover, pero sí versiones nuevas de canciones antiguas, por ejemplo: Vasos vacíos versión dúo Vicentico con Mimi Maura, Destino de paria, Gitana y Siguiendo la luna. Junto con esta vuelta a los escenario, se remasterizaron todos los discos, manteniendo todo original a excepción de la portada, que ahora viene con un borde negro, al medio la carátula original, y en la parte de arriba de la imagen dice "Remasterizado 2008"


Fanático con zapatillas de Los Fabulosos Cadillacs.El regreso del los Cadillacs, fue impulsada por una fuerte propaganda por diferentes medios, televisión, carteles en las calles, productos (como zapatillas), y la más fuerte por internet, creando páginas oficiales en MySpace, Last.fm, Facebook, Flickr, YouTube, Fotolog, Tublip y siendo apoyado por grandres empresas como: Sony Ericsson y Personal. Fuente Wikipedia en español>

Los fabulosos cadillacs - 20 grandes exitos vol 01

Genero: Rock Argentino, Instrumental, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 41 Mb/Total time: 35:28

Personal
Gabriel Fernández (Vicentico)
Flavio Cianciarulo (Sr. Flavio)
Sergio Rotman (Rotman)
Fernando (Nando) Ricciardi
Mario Siperman (Spiker)
(Profesor) Daniel Lozano

Biografia de Los Fabulos Cadillacs

Tracks

01-Yo no me sentaria en tu mesa
02-Mi novia se cayo en un pozo ciego
03-Conversacion nocturna
04-Contrabando de amor
05-Caballo de madera
06-Radio Kriminal
07-Carnaval toda la vida
08-Rios de lagrimas
09-Arde Buenos Aires
10-Gallo rojo

Bajar

A.V - Los tangos del siglo vol. 05

Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantantes, Cantores, Instrumental
Grabaciones originales realizadas entre los años 1928 y 1975
Llevado a CD en 1994
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 44.3 Mb/Total time: 45:05

Este CD nos llega por gentileza del Cantor y milonguero Raul Mamone quien esta actuando y enseñando a bailar el tango en Barcelona, España
Gracias Raul!!!!!!!

Ver Volumen 1, 2, 3 y 4 Col. Tangos del siglo


Tracks

01-Roberto Goyeneche con Orquesta*****Contramarca
02-Astor Piazzolla-Instrumental*****Loca Bohemia
03-Osvaldo Pugliese-Abel Cordoba*****Bien de abajo
04-Carlos Gardel con Guitarras(version 1930)*****Yira yira
05-Los Astros del tango-Instrumental*****Sans Souci
06-Armando Lacava con Mario Bustos*****Mandria
07-Horacio Salgan con Edmundo Rivero*****Pedacito de cielo
08-Agustin Magaldi con orquesta*****Tango mio
09-Armando Pontier-Instrumental*****Canaro en Paris
10-Jose Basso con Alfredo Belusi*****Jamas lo vas a saber
11-Orquesta Orlando Tripode con Rosana Falasca*****Tu
12-Anibal Troilo-Instrumental*****Pablo
13-Palabras de Rafael Rossi*****Rafael Rossi

Bajar

Ginamaria Hidalgo Biografia

Ginamaria Hidalgo con Atahualpa Yupanki en 1962

Ginamaria en el Carnegie Hall

Nacida en Buenos Aires, Argentina, de padre castellano y madre portuguesa, desde temprana edad demostró condiciones para la música, el canto, el ballet, el arte escénico, las letras.

De esa forma integró elencos de Teatro Vocacional, estudió ballet, llegando a participar en numerosos Festivalesde Danza al mismo tiempo que realizó la carrera del magisterio, obteniendo su diploma a los 17 años.

Partió de Argentina con una Beca de Estudios en New York en la Julliard School of Music, y alli la escuchó cantar el maestro Andrés Segovia, quien se convirtió en su mentor y apoyo hasta que Ginamaria logró la Beca de Estudios de canto en Santiago de Compostela, España, otorgada por el gobierno Español a través del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto.

Luego de Santiago en donde fue escuchada por don Joaquin Rodrigo, Victoria de los Angeles, y el mismo Segovia, Ginamaria viajó a Madrid y se puso bajo la tutela de Doña Carlotha Dahamen Chao, prominente diva y maestra de canto con quien Ginamaria obtuvo el conocimiento de una escuela de canto de elevado nivel, que fue siempre halabada durante toda su carrera, por críticos del mundo.

La pureza de su timbre, su impecable dicción en cualquier idioma, la afinación y el amplio registro fueron constante motivo de reconocimiento.

Antes de regresar a Buenos Aires, Ginamaria audicionó para La Ópera de Los Ángeles bajo la dirección de Henry Lewis y cantó el rol de Zerlina en la producción de “Don Giovanni” de Mozart que se representó en el Pavilion del Centro Musical (The Music Center) de la ciudad de Los Ángeles, California.

Intercalando con su labor de actriz en Hollywood, California, Ginamaria tuvo la oportunidad de hacer un concierto en Taormina, durante la estación de verano que coincide con el Festival de Cine de esa ciudad. Allí Ginamaría interpretó un recital de música de cámara muy selecto, con diversos estilos recibiendo de la crítica italiana palabras de gran respeto y admiracion.

De regreso en California intervino en un largo metrage: “My gun is Quick”, dirigido por el famoso Victor Seville, un director inglés que se encariñó con Ginamaria y ella tuvo la oportunidad de hacer el rol de una muchacha bailarina de un “Saloon” y en un momento de la historia Ginamaria interpretó una danza muy sugestiva haciendo la insinuación de un desnudo que fue muy bien manejado y de esa manera ella pudo demostrar sus condiciones de bailarina a la vez de actriz. Este director, el Sr. Seville, fue el que llevó a cabo la famosísima primera versión de “Good Bye, Mr. Chips” que pasó a la Historia de la Cinematografía y la película en que intervino Ginamaria fue la última en su carrera de director.

Este señor estaba muy impresionado con Ginamaria y pronto comenzaron a salir comentarios y el de Hedda Hopper en el Los Ángeles Times fue uno lleno de elogios y augurios hacia la joven actriz.

Estos fueron momentos muy difíciles para Ginamaria porque se le había abierto una posibilidad muy halagadora en Hollywood que en ese entonces no contaba con ninguna “star” de origen latino del calibre de Dolores del Rio, Carmen Miranda o una Lupe Velez y Ginamaría estaba muy tentada de proseguir ese camino sobretodo ante los auspicios y el aliento de personas muy importantes en el “medio” cinematográfico.

Al mismo tiempo y constantemente en su mente y en su corazón escuchaba las palabras de su amada maestra Carlota y del maestro Segovia que, por otra parte habían puesto mucha fe y grandes esperanzas en la carrera del canto de Ginamaría.

Finalmente Ginamaría tuvo que decidir y no fue fácil.

Optó por escoger el canto y asi llegó a Buenos Aires en donde hizo su debut ante el público argentino en el rol de Violeta en “La Traviata” produccion de alto nivel, dirigida por Tito Capobianco, en un ciclo de Canal 9 en donde se llevaron a cabo diversos espectáculos tales como “Tosca” con la participación de Richard Tucker, el famoso tenor norteamericano, la intervención del Ballet Ruso de Montecarlo y Teatro Clásico.

En su “Traviata” la acompañó Carlos Cosutta, tenor lírico de extensa carrera en Europa.

Luego vinieron diferentes roles en “Los Cuentos de Hoffman” de Offenbach, con Roberto Kinsky como Director. Olimpya, la famosa muñeca en el primer acto, caracterizada por sus articuladas técnicas de coloratura, y en el tercer acto, Antonia, la niña dramática y lírica, en contraste total con la heroina anteriormente mencionada. En “Madama Butterfly” de Puccini representó el rol de Cio-Cio San. Cantó en el debut sudamericano de “Il Campanello”, y en la opereta “El Secreto de Susana” de Wolf Ferrari. Todos estos eventos fueron interpretados en el Teatro Argentíno de La Plata, ciudad Capital de la Provincia de Buenos Aires, y Segundo Coliseo del país.

Al mismo tiempo logró ser presentada en televisión en diversos programas musicales hasta que llegó a la realización de su propio programa, ”Las Noches de Ginamaria”, que se originaron en “Las 4 Noches” para convertirse en 48 Noches, durante más de dos años consecutivos.

Allí Ginamaría que intervenía con un ballet y un galán que en su momento fue el actor Sergio Renán, interpretó un total de 420 canciones, en una selección mundial de los temas más hermosos y famosos del mundo. Zarzuelas, Operetas, Comedias Musicales, Arias de Ópera, en 5 idiomas.

Fueron unos espectáculos televisivos de enorme variedad con la interpretación de “El Mago de Hoz” (por ejemplo) “Mi bella Dama”, “Pulgarcito”, ”Una noche en Brasil”, otra en New Orleans, “El Submarino Amarillo”, “Las Mil y Una Noches”, y “Pinochio”. Todos los autores y Compositores del mundo figuraron en su repertorio que fue de mucha variación debido a esa prolífera selección.

Ese programa le deparó muchas satisfacciones a nivel de audiencia y críticos.

Fue galardonada con todos los premios del momento entre los que se destacan “Cruz de Plata” del Semanario Squiú, 2 ”Martin Fierros” premiados por APTRA (Asociación de periodistas de Radio y TV Argentina), y el premio ”Bamba de Oro”, durante 2 años. Tambien recibió los premios “Racimo de Uvas”, “Monumento a la Bandera”, y el ”Gardel de Oro”.

Asimismo comenzó a editar sus LPs (discos de larga duración) que alcanzaron ventas millonarias, siendo reconocida por el Instituto de Opinión Pública durante 2 años consecutivos como “Lo mejor en la música y el disco” y como “Elemento vital para la música Argentína.

Dio un Recital benéfico en el Teatro Colon de Buenos Aires, y 2 presentaciones en el “Luna Park” con asistencia de más de 20 mil personas.

Viajó a Perú, Venezuela, Colombia, México, Uruguay, Paraguay, Panamá, Berlin, Roma, Sicilia, Portugal, el Carnegie Hall en New York y 16 Teatros en todo Japón, con reconocimientos, premios y menciones de honor, hasta llegar a Puerto Rico, que le otorgó distinciones sobresalientes, considerándola como una de las mejores cantantes que actuara en el Centro de Bellas Artes en San Juan.

Participó en Festivales benéficos a lo largo y a lo ancho del Continente Americano, Europa y Japón.

Fue llamada desde Washington DC para cantar a su Santidad el Papa Juan Pablo II, en su visita a la OEA (Organización de Estados Americanos).

Su programa “Las Noches de Ginamaria” participó en Cannes en ocasión de la presentación anual de Televisión del Mundo entero, recibiendo Mención Especial.

Fue llamada por el Presidente de Perú en ocasión del Festival a beneficio de la infancia de ese país y desde Lima fue invitada a hacer un espectacular para Televisión en el Machu-Pichu, en donde cantó a la altura de las nubes en ese recinto de misteriosa e indescriptible belleza.

Fue convocada para cantar en el Festival de Fin de Año en el Palacio de Santo Domingo, República Dominicana, invitada por su Presidente, Don Joaquín Balguer. a total beneficio de la infancia de su país.

Alcanzó niveles excepcionales en la venta de su discografía con Discos de Oro otorgados cuando ese premio se daba con la venta millonaria de cada canción, contando con una producción discográfica de más de 30 grabaciones.

Muchas Fundaciones de Bien Público y de Caridad llevan su nombre y en diversos Institutos de Enseñanza de Argentina tiene una placa de bronce con el nombre de Ginamaria Hidalgo en homenaje y reconocimiento a la artista, así como Hogares de Ancianos, y diversas Fundaciones Culturales.

Ginamaria colaboró en recitales en grandes recintos abiertos de La Reforma, en Méjico, la Plaza Bolivar en Caracas, conciertos populares en Lima y Arequipa, Perú. También participó en festivales de Viña del Mar, Chile, y Montevideo, Maldonado, Punta del Este, Uruguay, y otros.

Su primer libro autobiográfico “Argentíno, yo también soy Argentína” fue editado durante la Dictadura militar y fue quitado de la venta ante la prohibición por parte del gobierno Argentino de esa epoca. Hace unos años, este libro, reapareció en la Biblioteca Pública de New York, ante la sorpresa y la alegría de Ginamaria.

En la actualidad, Ginamaría ha lanzando su penúltimo trabajo discográfico “Ginamaria Hidalgo, Live in Puerto Rico” Volumen 2, que ya está a la venta por medio del Internet. Ha preparado además otras ediciones de diversos títulos de su obra literaria y continuó, hasta casi el último momento de su vida, en la tarea maravillosa de ser útil y recordada por la enorme audiencia que siguió sus pasos y esperó de ella, siempre, nuevas y bellisimas presentaciones.

Asimismo, Ginamaría estuvo hasta el final involucrada en la confección de su página de la World Wide Web con material literario, en ambos idiomas - Español e Inglés, como también su futura discografía, para alcanzar la difusión mundial que ella se mereció.

Mujer dedicada a su vocación, al servicio de su arte, en plena conciencia de Humanidad y Amor, Ginamaría confió en poder realizar aún cuando parecian ser fuera de su alcance, diversos proyectos que involucrarían una función totalmente humanitaria y solidaria.

Con esos cometidos, ella se preparó y confió en que su talento, su perseverancia y dedicación, la lleven a realizar esas metas como, una culminación en su vida. Y nosotros, los que quedamos atrás y la queremos de todo corazón, haremos todo lo posible para continuar su obra, para darle la inmortalidad que ella bien se merece.
Fuente Web de Ginamaria Hidalgo

LP Ginamaria Hidalgo - Amar amando-1974

Genero: Musica Argentina, Cancionistas, Vocal
LP Año: 1974
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 65.9 Mb/Total time: 36:06

Biografia de Ginamaria Hidalgo
Tracks

01-AMAR AMANDO
02-CASTILLOS DE MADERA
03-CANCION DE LA TERNURA
04-MI DICHA LEJANA
05-CLAVEL DEL AIRE
06-LA PULPERA DE SANTA LUCIA
07-EL ANTIGAL
08-ROMANCILLO DEL NIÑO Y LAS ESTRELLAS
09-DE BARRO
10-CHARCOS DEL AMANECER
11-CANCION POR EL
12-CLAVELES MENDOCINOS

Bajar

Carlos Gardel Biografia

Carlos Gardel con Isabel de Valle en 1931

Carlos Gardel con Irineo Leguizamo en 1931

Carlos Gardel en El dia que me quieras

Carlos Gardel en New York en 1931

Carlos Gardel con Nona Maris en Cuesta abajo en 1934

Carlos Gardel y Azucena Maizani (Buenos Aires.1933)

Carlos Gardel en la Costa Azul (1931), con el barón y la baronesa de Wakefield y el famoso futbolista del Barcelona, Samitier.

Libreta de enrolamiento de Carlos Gardel.

Carlitos, con Charles Chaplin en Niza

Astor Piazzolla con Carlos Gardel
Astor Piazzolla en 1934, interpreta un pequeño papel de canillita en las escenas iniciales de El Día que me Quieras. Película Paramount protagonizada por Carlos Gardel.Con ellos en la foto Tito Lusiardo

Con la actriz Blanca Vischer en una escena de ElTango en Broadway (1934), filmada en Estados Unidos

Foto de la izquierda: Con los hermanos Juan (izquierda) y DomingoTorterolo.

Foto de la derecha: Carlos Gardel con Elías Alippi y César Ratti, en el hipódromo de Palermo acompañados porel jockey Domingo Torterolo.

Carlos Gardel y Razzano en Mar del Plata (febrero de1916). Cantaron en el Teatro Odeón, en la compañía de Orfilia Rico.



Gardel canta en Radio Belgrano en setiembre de1933.


Gardel fotografiado en Barcelona (1932).

Carlos Gardel con Isabel del Valle.

Carlos Gardel en 1922, cuando cantó con Razzano para Jacinto Benavente. Carlitos aparece entre Barbieri y don Jacinto; (a la derecha) Razzano y "El Negro" Ricardo. Fotografía tomada en el Colegio Internacional de Olivos.

Gardel con Imperio Argentina, en una escena de la
película Melodía de Arrabal filmada en Francia

Carlos Gardel-Razzano y José Ricardo (1917).


El gran fotógrafo oriental Rafael Caruso logró estatoma de Gardel en Montevideo (1933).


El dúo Gardel-Razzano (1922).


Carlitos con ropas criollas en tiempos de sus primeros triunfos en Europa.

Carlos Gardel con Ignacio Corsini (agosto de 1933).


Carlos Gardel (1933). Con él, Horacio Pettorosi.


Carlos Gardel en 1912

Carlos Gardel en 1911


Carlos Gardel en 1912


Carlos Gardel con Eduardo Bonessi, Guillermo Barbieri y "El Negro" Ricardo en la provincia de San Luis,
durante una gira.


Carlos Gardel en 1910


Carlos Gardel en 1905



Carlos Gardel en 1908

Carlos Gardel en 1916

GARDEL, Carlos. Músico. Cantor. Compositor. 1. Ubicación personal. Fue el creador—en lo artístico—, el primer cultor emocional y estéticamente genuino —en lo histórico— y el mayor intérprete —en lo valorativo— de las formas vocales del tango. Su personalidad integral gravitó, además, en todo el panorama de la música popular y en el estilo espiritual de las ciudades del Río de la Plata, de los que fue la figura más representativa; en vida, primero, y luego en la ascendente proyección afectiva y social de su legendaria memoria.
2. Ubicación histórica. Fue hombre de la generación de 1910, gestora de la transformación profunda que hizo del tango primerizo un género perfectamente diferenciado de arte musical. Alternó en ella con los compositores y con los ejecutantes —Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martínez, Fresedo, Roccatagliata, Carlos V. G. Flores— que, en distintas latitudes de temperamento, promovieron la génesis del tango cantable con caracteres melódicos rítmicos y armónicos propios, y con los letristas que encabezados por Pascual Contursi aportaron la equivalente dimensión literaria. Él, a su vez, rompiendo revolucionariamente con las arcaicas maneras vocales que, representadas por Ángel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodríguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma y otros, habían prevalecido hasta entonces, dio a ese flamante y auspicioso repertorio para canto, la exacta configuración interpretativa. Sus versiones de Flor de fango(Gentile-Contursi), Milonguita (Delfino-Linnig), Mi noche triste (Castriota-Contursi), De vuelta al bulín (Martínez-Contursi), Mar-got (Ricardo-C. E. Flores), Carne de cabaret (Lambertucci-Roldán) y Pobre Paica (Cobián-Contursi), grabadas en discos Nacional Odeón entre 1918 y 1920, lo mostraron ya en toda la originalidad que desarrolló y enriqueció a lo largo de su breve carrera posterior.
3. Fisonomía creadora. En el plano vocal, irreprochable de afinación, de impostación, plena en todas las notas de equilibrado y parejo vibrato, su voz de barítono, de caudal mediano y próxima a las dos oc-tavas en su tesitura, fue cambiando de color a través de los años. Pero su inesperado e inconfundible timbre, su característica presencia sonora, quedaron radicalmente y para siempre identificados con el tango. No fue que tuviera él "voz de tango"; éste—más bien— nació de su voz. En el plano musical, le fue natural el refinamiento y la imaginación para tratar la línea melódica, dividiéndola, acentuándola, matizándola con exquisito e invariable buen gusto, todo lo cual, juntamente con su marcada tendencia al "tempo rubato" y a su instinto innato del ritmo —creador en alto grado del propio ritmo del tango— concurrió a perfilar su inconfundible fraseo. En lo interpretativo tuvo la rara aptitud de poder recrear, en un solo e indivisible acto de expresión, el texto musical y el texto literario. Esto es, cantando y "diciendo" a la vez con precisa y simultánea comprensión del contenido y de la intención de cada tango diferente: festivo en Qué querés con esa cara; compadecido en Pobre corazoncito; nostálgico en El bulín de la calle Ayacucho; cachador en Tierrita; coloquial en Mano a mano; trasnochado en Y reías como loca; melancólico en La per-canta está triste; arrabalero en Del barrio de las latas; romántico en Trovas; sentencioso en Pompas; grotesco en Chorra; irónico en Se acabaron los otarios; burlesco en Otario que andás penando; pretensioso en Si soy así; trágico en Cuesta abajo; reflexivo en Meditando; compadre en Taconeando, aun- que con una constitutiva inclinación a teñir toda su riquísima gama de intérprete con una pátina de melancolía profunda.

4. Esbozo temperamental. En el indesglosable todo de su creación, hubo la convicción de un arte en el que se combinaron su naturaleza anímica entre picaresca y solemne de hombre del bajo ciudadano, con las hondas raices de su criollismo —conocedor de cuanto había de manifiesto o de sobreentendido en lo que cantaba— y su señorío de hombre de clase por imperio espiritual.
5.Gravitación artística. La influencia de su personalidad que vivida y fecunda superó largamente a su muerte, y que se había afianzado luego de 1925, nació con su advenimiento mismo y alcanzó a enriquecer todos los aspectos del tango. Fue incitación para músicos y para letristas, los cuales lo sirvieron con un repertorio copioso del que, en medida importante, procedió la evolución y la diferenciación en estilos y tendencias de las composiciones cantables, a las que contribuyó él mismo con una obra de primera fila —Soledad, Arrabal amargo, Volvió una noche, Cuesta abajo, Volver, Golondrinas—, especialmente durante sus años postreros. Gravitó, intenso y dominante, en las corrientes vocales: únicamente pudieron sustraerse totalmente a su influjo, algunos de sus contemporáneos, como Ignacio Corsini, Agustín Magaldi y la mayor parte de las cancionistas; y fue absorbente su maestría, incluso para aquéllos que formados en su admiración y en su escuela —Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularmente Rivera— se expresaron en modalidades de jerarquía, con mayor independencia. La fuerza ordenadora y el contenido precursor de su manera de sentir y de tratar musicalmente el tango, concomitantes a los quefueron propios de la corriente decarista, influyeron por lo profundo en toda la familia de estilos orquestales auspiciada por ésta, inclusive en sus más avanzados cultores.
6. Trascendencia popular. Su arte, su naturaleza, su conducta, su temperamento, su
fisonomía, ejercieron una verdadera fascinación para varias generaciones, como una manera plena de confirmarse en todo cuanto define a lo porteño y a lo rioplatense. De esa pura y sencilla exaltación emocional, se alimentó el cariño y la imaginación popular que gestó, luego de su muerte, la legendaria imagen suya. Vivificado por el disco de fonógrafo —en el cual permanece su voz— o por la película de cine —en la que perdura su fisonomía—, su enorme fantasma se agregó a la doméstica constelación mitológica del Plata, junto a los Carriego, Arolas, Pepino el 88, Florencio Sánchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, pero compendiándolos en una sola e ideal representación espiritual.
7. Biografía. Los orígenes nacional y familiar, y la fecha y lugar de nacimiento, son cuatro aspectos capitales de su vida en torno de los cuales no hay todavía definitiva certeza: los documentos y los testimonios personales son contradictorios por igual, tan susceptibles de duda los unos como los otros. Una partida expedida en la ciudad de Toulouse —sur de Francia— lo ubica nacido en ésta el 11 de diciembre de 1890, hijo de Berthe Gardés—tolosana, también— y de padre desconocido. Esta fecha fue desvirtuada más tarde por él mismo en su testamento ológrafo (noviembre de 1933), al declararse nacido el 10 de diciembre de 1890, y por su compañero de labor artística José Razzano, quien dio otra —11 de diciembre de 1887—en el libro Vida de Carlos Gardel, (contada por José Razzano y escrita por Francisco García Jiménez), fecha que él también dio para toda su documentación personal. Un documento de identidad testimonia su nacimiento en el Departamento de Tacuarembó (R. O. del Uruguay), posibilidad sobre la cual el investigador uruguayo Erasmo Silva Cabrera ha escrito un ensayo ubicándolo como hijo del coronel oriental Carlos Escayola. De acuerdo con la primera hipótesis, su nombre familiar fue Charles Romuald Gardés; conforme a la segunda, fue Carlos Escayola. Su infancia y su adolescencia aparecen también envueltas en un misterio hecho de referencias orales desencontradas e imprecisas sobre la vida en Buenos Aires hasta 1912, residiendo con Berthe Gardés—quien fuera o no su madre, se comportó como tal hasta su muerte— en Corrientes al 1500, casi Rodríguez Peña, primero; des-pués, en la casa de la calle Jean Jaurés 735, barrio del Mercado del Abasto. Los principios de su trayectoria de artista corresponden a esa época, refrendados ya por menciones en la prensa: integró en 1912 un dúo con Francisco Martirio y un trío vocal de repertorio criollo con éste y con José Razzano, conjunto que debutó en un festival realizado en la Casa Suiza de la calle Rodríguez Peña y se convirtió, poco después en cuarteto con la incorporación de Saúl Salinas ("El víbora") para cantar en la localidad de Zarate durante el carnaval de 1913. Desvinculado Salinas, el trío Gar-del-Martino-Razzano continuó su gira por la provincia de Buenos Aires; y en Gral. Viamonte quedó reducido a dúo por la deserción de Martino. Ese mismo año hizo su primera serie de grabaciones fonográficas en solo y para la casa Columbia, integrada por catorce canciones campesinas en quese acompañó él mismo con elementales rasgueos de guitarra; la placa inicial, por orden de aparición en la venta, contuvo sus interpretaciones de La Mañanita y Me Dejaste. A fines de 1913, formando el dúo con Razzano, debutó en el cabaret Armenonville, presentándose durante 1914 como fin de fiesta de las representaciones de la compañía Ducasse-Alippi en el Teatro Nacional (enero), con Perdiguero-Casaux en el Apolo (marzo), con Arellano-Tesada-Aranaz- Mancini en Rosario de Santa Fe (junio), con Vitone-Pomar en Córdoba (julio), con Rico Mangiante en el Moderno de Buenos Aires (octubre) y, en este mismo escenario, para un concierto de la Sociedad Argentina de Compositores (noviembre). Al año siguiente cantó con Razzano en Montevideo, en el Teatro Royal y en el 18 de Julio, como parte del elenco de Arellano, integrando el cual viajó a Río de Janeiro en la puesta de Juan Moreira, que se estrenó en el mes de noviembre en el Teatro San Martín. En esta ocasión se agregó a su dúo el guitarrista José Ricardo. En 1916 acompañó —siem-pre con Razzano —la actuación de Orfilia Rico en el Odeón de Mar del Plata (febrero) y al recién constituido binomio de actores Muiño-Alippi en las salas del Marconi y del Nuevo, pasando en octubre al Esmeralda, donde cantó en solo Mi noche triste, primer tango que interpretó en actuaciones públicas. Durante esa misma temporada, desempeñó un pequeño papel en la filmación de la película Flor de Durazno, que dirigió el dramaturgo Francisco Defilippis Novoa, y volvió a Montevideo con Razzano, en la compañía de Rogelio Juárez y Lola Membrives, de actuación en el Urquiza. Llamado por Glucksmann, grabó el dúo —el 9 de abril de 1917— para Odeón, su placa inicial con la canción de Ángel Villoldo Cantar Eterno, quedando confiado a un solo de Razzano —la cifra Entre Colores— la faz complementaria de ese primer disco de fonógrafo. Y continuaron las presentaciones teatrales, en el Esmeralda —nuevamente— con Blanca Podestá; Alberto Ballesteros y Salvador Rosich, en el San Martín y en el Empire; con Florencio Parravicini, luego, en San Nicolás, durante una gira por provincias que incluyó un contrato cumplido por el dueto en Chile. En 1918, año de sus dos primeros tangos cantados para el disco —Flor de fango y Mi noche triste (éste apareció antes que aquél en la venta)—, actuó con el dúo en Montevideo: Teatro 18 de Julio y festival benéfico en el Parque Hotel. Desde entonces, marcadamente a partir de 1922, su figura fue cobrando señalada supremacía respecto de la de Razzano, quien paulatinamente disminuyó la intervención en los registros fonográficos. Con los guitarristas José Ricardo y Guillermo Barbieri (incorporado éste al acompañamiento en 1921), y una vez cumplidos los compromisos artísticos en la escena del Florida porteño y del 18 de Julio montevideano con el elenco de Enrique De Rosas y Matilde Rivera, embarcaron con estos actores rumbo a España; debutaron en diciembre en el Teatro Apolo de Madrid. De regreso, grabó —a fines del 24—, como solista, secundado por la orquesta de Francisco Canaro, algunas versiones para Odeón, la primera de las cuales fue el tango La garconníére; y, en 1925 —temporada de su debut en la radiotelefonía por ondas de Splendid—, llevó al disco dos tangos: Perdón, viejita y Fea, con marco orquestal dirigido por Osvaldo Fresedo. Desde setiembre de ese año —fecha de su desvinculación de Razzano—continuó su carrera de artista como figura independiente y con un segundo viaje a Es-paña; cantó en el Romea de Madrid y grabó a partir de Echaste buena, una serie de caras para la Odeón de Barcelona, labor que cumplió acompañado únicamente por José Ricardo. Luego de una fugaz reaparición en Buenos Aires —que incluyó audiciones en Radio Prieto—, volvió a los escenarios españoles, esta vez con Ricardo y Barbieri, sus dos guitarristas. Durante los dos años siguientes, sumado ya José María Aguilar al acompañamiento, actuó en París: Teatro Fémina, cabaret Florida y discos de la Odeón francesa —en 1928— y Teatro Ópera y Empire —enero y febrero de 1929—; en abril y mayo, cantó en el Principal Palace de Barcelona y en el Avenida de Madrid. Volvió en junio a Buenos Aires, tomando parte en una serie de películas breves dirigidas por Eduardo Morera, actuando en el Teatro Florida, ante micrófonos de Radio Nacional y en la sala del Artigas de Montevideo. Regresó a Europa durante el siguiente año, debutando en Niza e interpretando el papel protagónico en Luces de Buenos Aires, película que, dirigida por Adelqui Millar, se rodó en Joinville con Gloria Guzmán; Pedro Quartucci y otros elementos de la compañía del Teatro Sarmiento en gira en los demás roles de importancia, y el sexteto de Julio De Caro. En setiembre de 1931, luego de haber registrado un segundo lote de versiones para la Odeón de París, reapareció en el Broadway de Buenos Aires con los guitarristas Guillermo Barbieri, Ángel Domingo Riverol y Julio Vivas. De 1932 es su serie de películas Paramount, durante la cual em-pezó a colaborar con él, como argumentista y letristas de canciones, Alfredo Le Pera: Espérame (Direc: Louis Gasnier), La Casa es Seria (Dir.: Jacquelux), Melodía de Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). Tras otra fugaz presentación por Radio Belgrano retornó a Europa, grabando en Barcelona, el 22 y 23 de julio, una tanda de placas con el violín de Solsona y el piano de Juan Cruz Mateo, y el 6 de noviembre en la Argentina, sus últimas versiones para Odeón: Madame Ivonne, Tu Diagnóstico, El Tirador Plateado. Dos meses antes había realizado una breve temporada en el Teatro 18 de Julio de Montevideo y pocos días después viajó rumbo a París, en el "Conte Biancamano", acompañado por sus músicos Alberto Castellanos y Horacio Pettorossi. De allí se trasladó a Nueva York, cantando por la NBC (National Broadcasting Corporation) con un marco orquestal concertado por Hugo Mariani. En 1934 y 1935 filmó sus cinco películas para la Paramount en Norteamérica: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango en Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), El Día que me Quieras (Dir.: John Reinhardt, 1935), Tango Bar (Direc: John Reinhardt, 1935) y escenas para Cazadores de Estrellas (Dir.:Norman Taurog, 1935). En marzo de dicho año cantó desde Nueva York para Radio Belgrano de Buenos Aires, en tanto que la RCA Víctor imprimía en discos los canta-bles incluidos en su labor cinematográfica: el tango Amargura fue el último que interpretó para el surco y la canción criolla Apure Delantero Buey —grabados ambos los días 19, 20 y 23 de marzo— la postrera realización suya —sin distinción de géneros— para la fonografía. A principios de abril inició su gira por ciudades latinoamericanas. Comenzada en San Juan de Puerto Rico, dicha turné lo llevó sucesivamente a Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena y Medellín. El 23 de junio cumplió la actuación final de su carrera en el Teatro Real de Bogotá. El 24 de junio de 1935, elaparato que lo llevaba desde esa ciudad hacia Calí, hizo escala en Medellín, en el aeródromo Olaya Herrera, sobre cuya pista, al recomenzar el viaje se estrelló en tierra contra otro avión, determinando su muerte.
Además de las composiciones ya mencionadas, dio a conocer los tangos Mano a mano, Ave sin rumbo, Mi alhaja (luego Medallita de la suerte), Noche fría, Desdén, Estudiante, Melodía de arrabal, Me da pena confesario, Tomo y obligo, Silencio, Recordando, Evocación, Amor, Sus ojos se cerrarón y Mí Buenos Aires Querido. Fuente Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel


In English Automatic Traducion
GARDEL, Carlos. Music. Cantor. Composer. 1. Ubica staff. He was the creator-in-the artistic, emotional and aesthetically cultor first genuine in-the-historical interpreter and the largest-in terms of value-vocal forms of tango. His personality comprehensive gravitation also across the landscape of popular music and spiritual style of the cities of Rio de la Plata, which was the most representative figure in life, first, and then in the upward projection affective and social development of his legendary memory. 2. Ubica historic. He was man of the generation of 1910, manages the profound transformation that gave tango a genre perfectly first time differential of musical art. Alternator on it with composers and performers-Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martinez, Fresedo, Roccatagliata, Charles V. G. Flores-who, in different parts of temperament, promoted the genesis of tango vocalist with melodic rhythmic and harmonic characters themselves, and with lyricists who headed Pascual Contursi contributed the equivalent literary dimension. He, in turn, breaking revolutionarily with archaic ways that voice, represented by Angel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodriguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma and others, had prevailed until then, gave this brand new and auspicious for repertoire singing, the exact configuration interpretative. His renditions of Flower of mud (Contursi-Gentile), Milonguita (Delfino-Linnig), My sad night (Castriota-Contursi), Back to bulín (Martinez-Contursi), Mar-got (Ricardo Flores-EC), Meat cabaret (Lambertucci-Roldan) and Poor Paice (Cobián-Contursi), recorded on discs National Odeon between 1918 and 1920, and it showed throughout the originality that enriched and developed throughout his career shortly thereafter. 3. Fisonomía creative. In terms of voice, impeccable pitch, impost, in full of all notes and evenly balanced vibrato, his baritone voice, flow and medium next to the two oc-TAV in his position, was changing color across year. But his unexpected and unmistakable timbre, its characteristic sound presence, were radically and forever identified with the tango. It was not that he had "voice of tango"; latter-rather-was born of his voice. In musical terms, it was natural refinement and imagination to deal with the melodic line, dividing, accentuated by qualifying with exquisite and invariable good taste, all of which, together with its strong tendency to "tempo rubato" and his innate instinct of pace-maker in high degree of self-paced tango-attended outline his unmistakable phrasing. In the interpretive had the rare ability of being able to recreate in a single and indivisible act of expression, the musical text and the literary text. That is, and chanting "saying" at the same time and simultaneously with precise understanding of the content and intent of each different tango: a festive want to do this face; compadecido in Poor heart; nostalgic bulín in the street Ayacucho; Cachadora in Tierrita; colloquial Hand in Hand; outdated and laughed at as crazy; melancholy in per-sung is sad; arrabalero in the neighborhood of cans; trove in romantic; judgmental in Pompas; grotesque in Chorra; ironic in Goodbye Otari; burlesque in Otario that andás penando; pretensioso If I am in well; tragic in Cuesta abajo; thoughtful meditation on; compadre in Taconeando, even though with a constituent inclination to colour all his rich range of interpreter with a patina of deep melancholy. 4. Outline temperamental. In indesglosable all of creation, there was the conviction in an art that combined their nature animosity between picaresque and solemn man under citizen, with its deep roots criollismo-connoisseur of what had been apparent or understood in what they sang-lordship of man and his classmates by spiritual empire. 5.Gravitación artistic. The influence of his personality that lived long and fruitful surpassed his death, and which had been strengthened after 1925, was born with its advent to enrich himself and reached all aspects of tango. It was incitement to musicians and lyricists, which is served with a repertoire of copious that, in a major way, proceeded evolution and differentiation in styles and trends compositions vocalist, who helped himself with a piece of front row - Soledad, Arrabal bitter, returned one night, Cuesta abajo, back, Golondrinas, especially during his years last. Gravitation, intense and dominant voice on the pattern: only able to completely escape its influence, some of his contemporaries, as Ignacio Corsini, Agustin Magaldi and most of the female singers, and was acquiring his master, even for those who trained in their admiration and their school-Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularly Rivera-were expressed in forms of hierarchy, with greater independence. The strength and substance ordering forerunner of the way and try to feel musically tango, concomitant to quefueron own flow Decaro, influenced by the deep throughout the family orchestral styles sponsored by it, including its most advanced cultores . 6. Transcendence popular. His art, its nature, conduct, his temperament, his physiognomy, brought a real fascination for several generations, as a fully confirmed in all that defines what the Buenos Aires and River Plate. That pure and simple emotional exaltation, is fed affection and the popular imagination that gesture, after his death, his legendary image. Enlivened by the phonograph record-which remains in his voice-or the film-which persists in its appearance, its huge ghost was added to the domestic constellation mythological del Plata, along with Carriego, Arolas, Cucumber the 88, Florencio Sanchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, but compendium in one spiritual and ideal representation. 7. Biography. The national origins and family, and date and place of birth, are four aspects of his life in capitals around which there is still no definitive certainty: documents and personal testimonies are equally contradictory, so one could doubt as others. A departure issued in the southern city of Toulouse-France-born it places him on December 11, 1890, son of Berthe Gardés-Toulouse, too-and an unknown father. This date was later invalidated by himself in his will ológrafo (November 1933), to declare born on December 10, 1890, and his artistic work colleague Joseph Razzano, who gave another -11 December 1887-in the book Life of Carlos Gardel (counted by Jose Razzano and written by Francisco Garcia Jimenez), when he also gave to all his personal documentation. An identity document testifies to its source in the Department of Tacuarembó (RO of Uruguay), a possibility about which the investigator Uruguayan Erasmo Silva Cabrera has written an essay, identified as the son of Colonel Carlos Eastern Escayola. Under the first scenario, his family name was Charles Romuald Gardés; under the second, Carlos was Escayola. His childhood and adolescence are also wrapped in a mystery fact references oral desencontradas and imprecise about life in Buenos Aires until 1912, residing with Berthe Gardés-or who was not her mother, behaved as such until his death in-flows to 1500, almost Rodriguez Pena, first; af-ter, at the home of Jean Jaurés 735 Street, Market neighborhood of Abasto. The principles of his career as artist correspond to that time, already endorsed by mentions in the press: in 1912 he joined a duo with Francisco Martyrdom and a vocal trio repertoire of Creole with him and with Jose Razzano, set to debut at a festival held in House Switzerland in the street and became Peña Rodríguez, shortly after a quartet with the addition of Saul Salinas ( "viper") to sing in the town of Zarate during the carnival of 1913. Salinas split, the trio Gar-of-Martino-Razzano continued his tour of the province of Buenos Aires and in Gral. Viamonte was reduced to a duo by the defection of Martino. That same year he made his first series of phonographic recordings in the house alone and to Columbia, composed of fourteen songs in peasant cate accompanied himself with elementary rasgueos guitar; initial plate, in order of appearance in the sale, kept their interpretations of The Mañanita and left me. In late 1913, forming the duo with Razzano, debuted at the cabaret Armenonville, appearing during 1914 so as party representations of the company-Alippi Ducasse at the National Theater (January), with Perdiguero-Casaux in the Apollo (March ), With Arellano-TES-Aranaz-Mancini in Rosario de Santa Fe (June), with Viton-Pomar in Cordoba (July), with Rico Mangiante in the Modern Buenos Aires (October) and, in this scenario, for a concert of the Society of Composers Argentina (November). The following year he sang with Razzano in Montevideo, at the Theatre Royal and in the July 18, as part of the cast of Arellano, integrating which traveled to Rio de Janeiro in the making of John Moreira, which premiered in November at the Teatro San Martin. On this occasion was added to its duo guitarist Jose Ricardo. In 1916-always accompanied with Razzano-performance Orfilia Rico at the Odeon of Mar del Plata (February) and the newly formed team of actors Muiño-Alippi in the halls of Marconi and the New, moving in October to Esmeralda, where he sang in My only sad night, that first tango interpreted in public performances. During that same season, played a small role in the filming of the movie peach blossom, who led the playwright Francisco Defilippis Novoa, and returned to Montevideo with Razzano, in the company Rogelio Juarez and Lola Membrives, action in the Urquiza. Called by Glucksmann, recorded the duet-the April 9, 1917 - for Odeon, its initial plate with the song Angel Villoldo Eternal Song, being entrusted to a single-figure Razzano Among Colors-the face of that first record supplementary of phonograph. And continued theatrical presentations, in the Emerald-again-with White Podesta; Alberto Ballesteros and Salvador Rosich, in St. Maarten and the Empire, with Florencio Parravicini, then, in San Nicolas, during a tour of provinces which included a contract performed by the duet in Chile. In 1918, the year of its first two tangos sung for the hard-Flower of My mud and sad night (he appeared before him in the sale) - she appeared with the duo in Montevideo: Theatre festival on July 18 and beneficial in the Park Hotel. Since then, sharply from 1922, his figure was brought gaining supremacy over the Razzano, who gradually fell intervention in the recordings. With the guitarists Jose and Ricardo Guillermo Barbieri (incorporated it in the accompanying 1921), and once completed commitments in the artistic scene of Florida Buenos Aires and Montevideo on July 18 with the cast of Enrique De Rosas and Matilde Rivera, embarked with these players headed to Spain; debuted in December at the Teatro Apollo in Madrid. In return, recorded in the late-24 - as soloist, supported by the orchestra Francisco Canaro, some versions for Odeon, the first of which was the tango The Garconniere and, in 1925-his debut season in radiotelephony Splendid-wave led to record two tangos: Sorry, viejita and Fea, with orchestral framework led by Osvaldo Fresedo. Since September this year, date of untying-Razzano continued his career as an artist and independent figure with a second trip to Spain is; sang in the Romea Madrid and recorded from Echaste good, a series of expensive for the Odeon Barcelona, which played accompanied only by Jose Ricardo. After a fleeting reappearance in Buenos Aires that included hearings on Radio-Prieto, Spaniards returned to the stage, this time with Ricardo and Barbieri, his two guitarists. During the next two years, joined Jose Maria Aguilar and the accompanying acted in Paris: Theatre Fémina, Florida and cabaret records of the French-Odeon in 1928 - and Opera Theater and Empire-January and February 1929 - in April and May , Sang in the Main Palace in Barcelona and Madrid Avenue. He returned to Buenos Aires in June, taking part in a series of short films directed by Eduardo Morera, acting at the Teatro Florida, before microphones National Radio and the chamber of Artigas Montevideo. He returned to Europe during the next year, debuting in Nice and interpreting the leading role in lights of Buenos Aires, film, directed by Adelqui Millar, was filmed in Joinville with Gloria Guzman, Pedro Quartucci and other elements of the Company Theatre in Sarmiento revolves other important roles, and the sextet Julio De Caro. In September 1931, after having registered a second batch of releases for the Odeon in Paris, reappeared in the Broadway of Buenos Aires with the guitarists Guillermo Barbieri, Angel Domingo Riverol and Julio Vivas. From 1932 is his series of films Paramount, during which em-fish to work with him as a script writer and lyricists of songs, Alfredo Le Pera: Espérame (Director: Louis Gasnier), La Casa is Seria (Dir.: Jacquelux) Melody of Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). After another brief presentation on Radio Belgrano returned to Europe, recorded in Barcelona on 22 and July 23, a round plate with the violin and piano of Solsona Juan Cruz Matthew, and November 6 in Argentina, their latest Odeon versions: Madame Ivonne, Tu Diagnostics, Silver shooter. Two months earlier had made a brief season at the Theatre on July 18 in Montevideo and a few days later traveled to Paris direction, "Conte Biancamano, accompanied by his musicians and Horacio Alberto Castellanos Pettorossi. From there he moved to New York, singing by the NBC (National Broadcasting Corporation) with an orchestral framework agreed upon by Hugo Mariani. In 1934 and 1935 filmed his five films for Paramount in North America: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango on Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), The day you love me (Dir.: John Reinhardt , 1935), Tango Bar (Director: John Reinhardt, 1935) and scenes for Hunters Stars (Dir.: Norman Taurog, 1935). In March of that year sang from New York to Radio Belgrano in Buenos Aires, while the RCA Victor records printed in the sing-able included in his film work: the tango Bitterness was the last thing interpreted for the furrow and the folk song Striker Apure Ox-taped both 19, 20 and March 23-the realization his second season-irrespective of gender-for phonography. In early April he began his tour of Latin American cities. Began in San Juan, Puerto Rico, said Turner took him successively to Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena and Medellin. On June 23 met the performance end of his career at the Teatro Real in Bogota. On June 24, 1935, elaparato that it was carrying from that city to Cali, Medellin stopped in at the Olaya Herrera airport, whose runway, to restart the trip crashed ashore against another plane, determining their death. In addition to the aforementioned compositions, released tangos Mano a mano, Ave aimlessly, Alhaj My (then Medallita of luck), Cold Night, Desdén, Student, suburb of melody, I'm confesario penalty, Volume and obligations, Silence, recalling, evocation, Love, Your eyes are cerrarón and Mi Buenos Aires Querido. Source Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel

Carlos Gardel-Coleccion Todo Gardel Vol. 04,05 y 06 de 50

Genero: Tango, Cantores, Guitarras, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 153 Mb/Total time: 144:47

Biografia de Carlos Gardel

Ver Vol. 01, 02 y 03

Tracks volumen 04 (1919-1920)

01-el cardo azul-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1919
02-sanjuanina de mi amor-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1919
03-la cordobesa-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1919
04-pavadas-Jose Razzano-Recitados Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1919
05-el vagabundo-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1919
06-de vuelta al bulin-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1919
07-mi china-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
08-amanecer-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
09-milongon-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
10-hay una virgen-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
11-mi tierra-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
12-pobre madre-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
13-rumores-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
14-ivette-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
15-en vano en vano-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
16-la catedratica-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
17-linda provincianita-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
18-muñequita-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920



Tracks Volumen 05 (1920-1921)

01-la catedratica-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
02-ausencia-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
03-pobre gallo bataraz-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
04-milonguita-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
05-mi palomita-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
06-porque te quiero-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
07-asomate a la ventana-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
08-mi caballo y mi mujer-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
09-que queres con esa cara(La guitarrita)-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
10-canto dela selva-Duo Gardel-Razzano(Guitarra Jose Ricardo)-1920
11-carne de cabaret-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
12-pobre paica-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1920
13-jujeña-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1921
14-margarita-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1921
15-margot-Canta Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1921
16-cielito mio-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1921
17-de mi tierra-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1921
18-esas no volveran-Carlos Gardel(Guitarra Jose Ricardo)-1921


Tracks Volumen 06 (1921)

01-zorro gris-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
02-campanita-Duo Gardel-Razzano(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
03-pobre mi negra-Duo Gardel-Razzano(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
04-la tupunganita-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
05-el pañuelito-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
06-si me tendra-Duo Gardel-Razzano(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
07-eres cruel-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
08-rosarito la serrana-Duo Gardel-Razzano(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
09-la percanta esta triste-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
10-atardecer-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
11-mirala como se va-Duo Gardel-Razzano(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
12-con los ojos del alma-Duo Gardel-Razzano(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
13-la copa del olvido-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
14-que has hecho de mi cariño-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
15-chacarerita doble-Duo Gardel-Razzano(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
16 muñequita delujo-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921
17-tu diagnostico-Carlos Gardel(Guitarras José Ricardo y Guillermo Barbieri)-1921

Bajar Vol. 04, 05 y 06

Al Bano Carrisi Biografia

Albano Carrisi

Albano Carrisi

Su padre lo llamó Albano porque él había combatido en Albania durante la Segunda Guerra Mundial.
Debuta en el mundo de la canción en el Festival de la Rosa en 1966 y en la televisión en Settevoci, programa presentado por Pippo Baudo. En 1967 obtiene su primer éxito con la canción Nel sole, que obtiene el primer lugar de la lista de éxitos de ventas de 45 giras en Italia. Enseguida canta Io di notte, L'oro del mondo y Il ragazzo che sorride, última canción escrita por Mikis Theodorakis que se inspira en los trágicos eventos en Grecia de 1967, la instalación del poder del Régimen de los Coroneles".

En 1968 participa por primera vez en el Festival de San Remo con La siepe y la crítica le otorga el premio especial de la Mejor Canción. En 1969 participa en el concurso Un disco per l'estate con Pensando a te (Pensando en ti).

El 26 de julio de 1970 se casa con Romina Power,con quien había cantado a dúo Storia di due innamorati (Historia de dos enamorados), con la que tuvo 4 hijos: Cristel, nacida en 1985 (quien participará en La Fattoria, versión italiana de La granja de los famosos; Romina, nacida en 1987; Yari, nacido en 1973 e Ylenia, nacida en 1970 y desaparecida en Nueva Orleans en 1994.

En 1975 interpretan Dialogo (Diálogo) y en 1976 participan en Eurovisión con We'll live it all again (Lo viviremos todo de nuevo) .

En 1981 interpretan Sharazan y al año siguiente toman parte en San Remo con Felicità (Felicidad), que se clasifica en segunda posición. Vuelven al festival en 1984 con Ci sarà y en 1985 están de nuevo en Eurovisión con Magic oh magic.

En 1987 aparecen los discos Nostalgia canaglia (Nostalgia canalla), tercero en San Remo, y Libertà (Libertad). Sigue luego Cara terra mia, otra vez tercero en Sanremo en 1989. En 1991, la pareja interpreta en el Festival Oggi sposi.

Cuando sale el álbum Dangerous Al Bano afirma que Michael Jackson le robó una parte del tema musical de una canción de 1987, I Cigni di Balaka en su canción You Will Be There.

En 1995, Al Bano entabla querellas. En mayo de 1999, un tribunal romano acusa a Michael Jackson de plagio, y lo condena a pagar una multa de 4.000.000 de liras, antes de suspender esta decisión de multa, los abogados de Michael Jackson lo llaman. Un experto en musicología determinó que 37 notas de 40 eran idénticas.

En un proceso civil, Al Bano también fue citado por un tribunal milanés quien encontró que Michael Jackson era inocente del cargo de violación de derechos de autor.

En 1996 Al Bano comienza una carrera en solitario con È la mia vita (Es mi vida), seguida de Verso il sole en 1997 y Ancora in volo (Aún en vuelo) en 1999. Ese mismo año se separa de su esposa, Romina, y convive, sin matrimonio, con la presentadora de televisión Loredana Lecciso, con la cual vivió desde 2001 hasta noviembre de 2005 y ha tenido dos hijos: Yasmine, nacida en 2001 y Bido,en 2002.

Su relación con Loredana Lecciso ha llevado últimamente al cantante a aparecer a menudo en programas de televisión y en la prensa del corazón, a veces incluso contra su voluntad, hasta el punto de dar un puñetazo a un invitado en "La vita in diretta".

Participó en la tercera edición de la emisión de telerrealidad de RAI denominada "La isla de las celebridades", pero cuando estaba en Samana, Loredana declaró la voluntad de abandonarlo y partir con sus dos hijos. Por consiguiente, abandonó voluntariamente la emisión en el episodio del 19 de octubre de 2005.

Su relación con Loredana Lecciso y su participación en la emisión de telerrealidad contribuyó, indudablemente, a relanzar su popularidad en Italia, disminuida en los últimos años posiblemente a causa de las malas elecciones artísticas que explotaban mal su voz.

En noviembre de 2006 Arnoldo Mondadori Editore publica su autobiografía, escrita a cuatro manos con Roberto Allegri "È la mia vita"(Es mi vida, del título de la canción de 1996). Curiosamente, para hablar de sus dos señoras, Romina y Loredana, decidió dejar dos páginas en blanco.

Hereda de su padre, Don Carmelo, una empresa vínícola Tenute Carrisi. Explota sus conocimientos de marketing y de viticultura para relanzar su marca, que actualmente es conocida en el mundo entero. En homenaje a su padre, llamó a uno de sus vinos "Don Carmelo". La empresa también abrió una pizzería. Sus últimos años los dedicó a su tierra y a patrocinar al equipo "New Basket Brindisi" (Nuevo Balloncesto Brindisi), que participa en el campeonato italiano de serie B1. Participó con la canción Nel perdono en el Festival de San Remo de 2007.Fuente Wikipedia

Al Bano - Concerto Classico

Genero: Musica de Italia, Clasica, Cantores
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 83.7 MB / Total time: 51:02

Biografia de Al Bano

Tracks

01-Il Mio Concerto Per Te
02-Una Furtiva Lagrima
03-Terra Mia
04-Va Pensiero
05-Dormi - Radio Edit
06-La Nostra Serenata
07-Buona Notte Amore Mio
08-E Lucevan le Stelle
09-Tu Dove Sei
10-Giochi del Tempo
11-Anni
12-Ave Maria
13-Canto Alla Gioia

Bajar

Biografia de Los Zorros Grises de 9 de Julio

LOS ZORROS GRISES de 9 DE JULIO
Corría el año 1953 y en la Ciudad de 9 de Julio Provincia de Buenos Aires, José Antonio Fileccia (Chepo), se desvincula de la típica de Atilio Giannoni.
Con el pianista Enrique Villar deciden formar una nueva orquesta, es así, que convocan a buenos ejecutantes locales dando forma así a la primera orquesta Los Zorros Grises, de 9 de Julio. Eran sus integrantes de esta primer formación: Enrique Villar (Piano), José Fileccia (Primer bandoneón) y ambos directores de la agrupación, completaban la fila de fuelles, Alfredo Rodríguez y Néstor Rossi, violines Nepo Rivadavia y Carlos Luna y en contrabajo José Doga, sus vocalistas Edgar Utelo y Tito Bianchi, glosador Guido Palacios.
Esta formación debuta el 20 de junio de 1954 en el Salón Blanco Municipal de 9 de Julio. Actuaron en ciudades desde Trenque Lauquen hasta Chivilcoy y de Rojas hasta Olavarría, es decir, fue la agrupación más famosa del centro oeste de la Provincia de Buenos Aires.
Durante el correr de los años hubo muchos cambios en su formación, pero continuamente fue dirigida por el Chepo Fileccia.
Grabaron dos discos larga duración, el primero con fecha indeterminada y el segundo el 18 de diciembre de 1979. Ambos discos fueron registrados en los estudios Fidelius S.R.L y producidos por discos JAF, de la calle Corrientes 1276, en la localidad de 9 de Julio. P.B.A.
José Antonio Fileccia, falleció el 9 de enero de 1991. Fuente Hector Palazzo

Orquesta Los Zorros Grises de 9 de Julio-Col priv de Hector Palazzo

Genero: Tango, Orquestas de Tango, Instrumental, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 101 Mb/Total time: 71:05

Gentileza de Héctor Palazzo –Conductor y musicalizador de “Historias de Tango” en la radio “FM Oeste-106.9 MHz”.
Gracias!!!!!
Los primeros doce temas no hay seguridad sobre la fecha de la grabacion del LP
Los temas del 13 al 24 fueron grabados el 18 de diciembre de 1979 en LP
Ambos registros fueron realizados en:Fidelius S.R.L y producidos por discos JAF en la localidad de 9 de Julio, Pcia de Buenos Aires, Argentina


Personal:
Formación de los ejecutantes de los primeros doce temas:
José Antonio Fileccia – Bandoneonísta – Arreglador y Director –
Armando Montalbano – Piano –
José Luis Naudin – Bajo –
Adolfo Aonis – Violín –
Ricardo Martín, Hugo Alcides y Roberto Videla – Vocalistas.

En los doce temas restantes (13 al 24), la formación es la misma. Mientras que los vocalistas fueron: Hugo Alcides, Tito Bianchi y Edgar Utello. Fuente Hector Palazzo

Biografia de Los Zorros Grises de 9 de Julio

Tracks

01-Bailemos - Canta Ricardo Martin
02-Mala Junta - Instrumental
03-Amigos que yo quiero - Canta Roberto Videla
04-La trampera (M) - Instrumental
05-Venganza - Canta Hugo Alcides
06-La flor de la canela (Vals) Canta R.Martin y R Videla
07-Quejas de bandoneon - Instrumental
08-Me quedé mirándola Canta Hugo Alcides
09-Quiero huir de mi (Vals) - Canta R Videla R Martin
10-Ventanita de arrabal - Canta R Videla
11-Nocturna (M) - Instrumental
12-Te regalo un adios Canta R martin
13-Naranjo en flor - Canta Hugo Alcides
14-Ahi va el dulce - - Instrumental
15-La última - Canta R Martin
16-Frente al espejo - Canta Edgar Utello
17-Nube gris (Vals) Canta T Bianchi E Utello
18-No nos veremos más - Canta Ricardo Martin
19-A mi no me hablen de tango - Canta Hugo Alcides
20-Saludos - Instrumental
21-Remembranzas - Canta Ricardo Martin
22-Bajo un cielo de estrellas - Canta Hugo Alcides
23-El motivo - Canta Tito Bianchi
24-Danzarin - Instrumental

Bajar

Astrud Gilberto biografia

Astrud Gilberto

Astrud Gilberto

Astrud Gilberto

Astrud Gilberto
Nombre real:Astrud Evangelina Weinert(Bahía, Brasil, 29 de marzo de 1940). Cantante brasileña de bossa nova, samba y Jazz.

Cuando se casó en 1959 con uno de los primeros guitarristas de Bossa nova, João Gilberto ingresó en el mundo de la música. En 1963 estaba acompañando a su esposo en Nueva York mientras grababa con el pianista y compositor Antonio Carlos Jobim y con el saxofonista estadounidense Stan Getz un disco de fusión entre el jazz y la bossa nova, cuando a instancias de su esposo, Astrud Gilberto cantó unas estrofas y gustó tanto su voz que, a pesar de no tener experiencia previa, grabó el disco Getz/Gilberto y ni siquiera recibió crédito en el disco. Pocos años más tarde se separó de João Gilberto.
Su éxito cantando Garota de Ipanema la catapultó como una de las intérpretes más conocidas de una época de oro de la música brasilera. A partir de entonces emergió como nombre reconocible en todo el mundo y comenzó una larga carrera artística. Grabó en varios idiomas, inclusive en español. La cantante empezó a escribir canciones en los años 70.
Astrud Gilberto es también una artista pintora, y es conocida por su apoyo a los derechos de los animales.
Recibió el premio "Latin Jazz USA Award for Lifetime Achievement" y fue inducida en 2002 al "International Latin Music Hall of Fame".

Astrud Gilberto - The sadow of your smile(LP)-1965

Genero: Jazz, Bossa Nova, vocal, instrumental
Grabacion del LP año 1965
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 45.7 Mb/Total time: 25:28

Biografia de Astrud Gilberto

Tracks

01-The Shadow Of Your Smile
02-Aruanda
03-Manha De Carnaval
04-Fly Me To The Moon
05-The Gentle Rain
06-Non-Stop To Brazil
07-O Ganso
08-Who Can I Turn To
09-Day By Day
10-Tristeza
11-Funny World

Bajar

Buenos Aires 8 Biografia

Buenos Aires 8

Buenos Aires 8 en 1968

De izq. a der: (de pie) Clara Steimberg, Chichita Fanelli, Analía Lobato, Annie Gründwald, Horacio Corral; (sentados) Miguel Ángel Odiard, Fernando Llosa y César Leonardo Tolaba.


Buenos Aires 8 en el Viejo Almacen en 1975

BUENOS AIRES 8. Conjunto vocal.
Si desde el primer disco Jazz Sebastian Bach la agrupación The Swingle Singers, dirigida por el arreglador norteamericano Ward Swingle fue estimada con jerarquía de modelo mundial dentro de su arquitectura musical de voces, este conjunto le está a la par, con un mérito adicional: en tanto aquél se ha apoyado en textos musicales clásicamente consagrados (Bach, la música barroca, Mozart, los maestros españoles), éste ha emprendido el romántico e internacionalmente más adverso camino de arreglar y/o adaptar para doble cuarteto de voces el arte musical argentino exclusivamente: desde Aguirre hasta Ariel Ramírez y desde Greco —pasando por Francisco De Caro y Aníbal Troilo— hasta Horacio Salgán y Astor Piazzolla: ''Nuestra música ciudadana—ha dicho éste, hablando del grupo— comienza una nueva etapa sonora. Esta es la mejor manera de jerarquizar el tango. Con calidad. Esto prevalecerá". Ya ejecutando vocalmente los arreglos de Astor, adaptados por Horacio Corral, o los arreglos especialmente concebidos por Corral y por Tolaba, las ocho voces de soprano a bajo recorren con asombrosa fluidez y calidez dificultosos y bellísimos conceptos armónicos y contra puntísticos, con precisión que jamás empaña el gran corazón del arte, y con un amor por el arte que en caso alguno pierde el equilibrio de los planos sonoros en solos, acompañamientos, contracantos y pasajes rítmicos, apelando para completar la gama de timbres y colores, al contrabajo (tocado por Corral) y a una delicada paleta percusiva generalmente a cargo de Fernando Llosa. Entre muchas realizaciones de antología y únicamente a título de síntesis ejemplar en lo que a tango hace, cabe citar Adiós Nonino, La cachila, Milonga del ángel y Ojos negros. Nació a la consideración del público el 30 de diciembre de 1966 en la Galena Las Heras, de la avenida Las Heras y Canning cuando se presentó por primera vez bajo los auspicios del Centro de Estudios Visuales. Su denominación inicial fue Vocal Buenos Aires, y los arreglos fueron escritos por Elsa Farrel de Corral, madre de Horacio Corral. La integración de ese comienzo fue: César Leonardo Tolaba ("Gully"), Horacio Edelmiro Corra!, Fernando Ignacio Llosa, Miguel Ángel Odiard, Angélica María Fanelli ("Chichi"), Analía Lobato, Lidia Berta Tolaba y Ana María Palazzo, con repertorio basado en obras de Williams, Guastavino, Aguirre y López Buchardo. En 1967 ingresó Clara Steimberg en lugar de Ana María Palazzo, y actuaron en Telemúsica, de Raúl Matas por Canal 11, en el Festival Latinoamericano y en el Festival de Cos-quín. En el Michelángelo, de la avenida Quintana y Ayacucho, se presentaron al año siguiente grabando para Music-Hall un primer larga duración con el repertorio de clásicos argentinos citados más Ginastera. En dicha placa que salió a la venta en marzo de 1969, cantó tres de los surcos Annie Gründwald, que sustituyó a la voz de Lidia Tolaba. Así integrado el conjunto can-tó durante 1969 en el nuevo Michelángelo de San Telmo; en El Sótano, de Talcahuano y Corrientes, y en Poncho Verde (compartiendo el cartel con Chabuca Granda, Hugo Díaz, Juan Dalera, Rodolfo Mederos y el Grupo Vocal Argentino. Alternó su presencia en Buenos Aires con giras que llegaron de Humahuaca a Ushuaia. Ya en el verano del 70 se presentó en el Bell-Motel, de Villa Gesell y en junio de ese año en Caño 14: "Escuchando la orquesta de Enrique Mario Francini, en el Caño —afirma César Tolaba— comenzamos a entender el tango y a interesarnos en sus posibilidades con relación a nuestro conjunto". Así prepararon el segundo L.P., con transcripciones de arreglos de Piazzolla para voces de coro realizadas por Horacio Corral: Buenos Aires, Hora 8, apareció en noviembre de 1970. "Y ya estábamos maquinando el disco de tangos de diversos compositores, porque somos un conjunto de música argentina", recuerda Corral. En 1971 cantaron en el Teatro Regina y en agosto de ese año se vincularon a El Viejo Almacén. Realizaron un corto para la televisión alemana, por invitación de la cual viajaron en 1972 a Sarrebruquen haciendo dos espectaculares Special. Actuaron en Caracas, a donde volvieron en 1973, temporada en la que Magdalena León reemplazó a Annie Gründwald (15 de diciembre de 1973) y en la que apareció el tercer disco de la agrupación (los tangos Responso, Danzarín, Flores negras, Don Agustín Bardi, etc.). Ya en 1974 fueron sucesivamente contratados para San Pablo (televisión), Montevideo (Teatro Solís) y en Buenos Aires, siempre El Viejo Almacén, más diversos recitales, incluso el ciclo de los sábados con público, por Radio Municipal. En 1975 volvieron a Brasil —San Pablo y Río— en mayo y en octubre; y tras la temporada del verano del 76 en Villa Gesell, Laura Hatton por Analía Lobato, actuando el año entero en La Ciudad y grabando con su nueva integración el cuarto larga duración (con incorporación de guitarra, piano, sikus, etcétera, conforme los temas), destinado a temas de folklore con letras. En espectáculo compartido con Oscar Cardoso Ocampo y Hugo García cantaron en 1977 en los escenarios del Gaspacho café concert, en El Viejo Almacén, de San Telmo, y en Porto Alegre. Participaron en tres películas: Los Días que me Diste (direccion: Fernando Siro) y Bodas de Cristal (ambas de 1975) y en 1976, en El Canto Cuenta su Historia (Dirección: Héctor Olivera). Sus discos han sido reeditados en Uruguay, Brasil, Colombia, Venezuela, España y Japón: Fuente Horacio Ferrer

Buenos Aires 8 - A puro tango

Genero: Tango, Vocal, Doble cuarteto de voces
Grabacion original en LP en Diciembre de 1973
Llevado a CD en 1993
Este CD se encuentra fuera de catalogo

Biografia de Buenos Aires 8

Tracks

01-Flores Negras
02-El Choclo
03-Responso
04-Mi Refugio
05-Melancolico
06-Taquito Militar
07-Ojos Negros
08-A Don Agustín Bardi
09-La Cachila
10-Quejas de Bandoneón

Bajar

Camela Biografia

(Camela)Angeles

Camela(Dioni, Angeles y Miguel)

Camela es un trio musical español. Su estilo se puede enmarcar dentro del pop español, si bien también es definido como "tecno-rumba".Todo empezó en San Cristóbal de los Angeles, una barriada de Madrid, donde tres amigos (Ángeles, Dioni y Miguel Ángel) tenían una afición en común: la música. Es por ello que cuando tenían algo de tiempo libre se reunían para tocar, cantar y bailar.

Sin cazatalentos ni sellos discográficos que les ofrecieran un contrato maravilloso, contando sólo con sus ahorros, se fueron a un centro de grabación. Fueron 200.000 pesetas muy bien aprovechadas. Se animaron, se costearon también una salida de cassettes y un distribuidor de la zona se ofreció a intentar venderlos. Así empezó la bola de nieve: nacía Camela. Corría el año 1992 y editan el cassette "Junto a mí" seguido meses después por "Me gustan tus ojos" (1993). Los cassettes se vendían en los mercadillos y se agotaban por semanas. Por fin el destino jugó un punto a favor del grupo. Una cassette cayó en manos de Alfonso Corral, propietario de una pequeña discográfica independiente. Corría el año 1994 cuando salió su primer disco, "Lágrimas de Amor".

Sorprendidos por el éxito alcanzado, lanzan en 1995 su segundo trabajo: "Sueños inalcanzables", manteniéndose durante treinta semanas entre los cincuenta discos más vendidos. En 1996, con más de 120 conciertos por toda España y numerosas apariciones en televisión y radio, Camela preparó un nuevo disco y para ello escogieron doce temas de aquellas maquetas que hicieron en sus comienzos y las mezclaron con nuevos instrumentos para ofrecer a sus fans "Sus 12 Primeras Canciones".

1997 fue un año inolvidable para Camela. "Corazón indomable" su nuevo y más esperado trabajo consiguió, por primera vez en la historia del grupo, situarse en el número uno de los discos más vendidos[cita requerida], llegando incluso a dejar atrás a artistas de renombre nacional e internacional.

En 1998, "Camela Dance", lo nuevo de Camela, volvió a batir records: A la semana de su salida, ya eran doble disco de platino. El siguiente año, 1999, fue un año de transiciones. El grupo había fichado por la multinacional EMI y su anterior casa discográfica editó "No puedo estar él", cuya principal novedad era "Niña enamorada", primer tema compuesto íntegramente por Dioni.

En el año 2000, formando parte ya de la discográfica EMI, sacaron "Simplemente amor", un disco "nuevo", cuidado al máximo detalle, con el que vuelven a batir records de ventas y a ser los número uno durante varias semanas[cita requerida].

En el mes de mayo de 2001, viajan hasta Sudamérica para promocionar el disco en Chile. Más de doscientas personas estaban allí para recibirlos[cita requerida]. El momento cumbre de su visita al país fue durante la actuación promocional que dieron en el Paseo de la Ahumada, un lugar donde cantan los artistas que empiezan a darse a conocer y que, generalmente, logran reunir entre quinientas o mil personas. Pero durante esa actuación, allí se aglutinaron unas diez mil personas[cita requerida]. A finales de septiembre de ese mismo año, el grupo publica "Amor.com", un trabajo que supera las 400.000 copias para sumar un total de cuatro millones de discos vendidos a lo largo de su carrera, motivo por el cual les fue entregado el disco de diamantes[cita requerida].

Un mes después, Camela regresó a tierras chilenas para ofrecer un concierto en el Estadio Santa Laura, que congregó a unas diez mil personas.

Para el 2003 ofrecieron un nuevo álbum, el noveno de su historial y el tercero editado con EMI Hispavox, titulado "Por siempre tú y yo", con nuevas canciones compuestas por Dioni, Ángeles y Miguel Ángel. Para el 2004 el grupo vuelve a ser noticia con "10 de Corazón", doce temas nuevamente compuestos por Dioni y Angeles con el que celebran sus diez años de carrera discográfica.

Durante el 2005 Camela se toma un respiro y su sello discográfico lanza "Camela Oro", dos discos donde se recoge lo mejor del grupo. Sus fans no pueden esperar y Camela vuelve a escena ofreciendo disco por año: "Se ciega por amor" del 2006 y "Te prometo el Universo" del 2007. En Mayo del 2008 "Laberinto de amor" . Fuente Wikipedia

Camela - Lloraras(Cassette)-1994

Genero: Pop, Tecnorumba,vocal,instrumental
Cassette año 1994
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 47.7 Mb/Total time: 30:39

Biografia Camela

Tracks
01-No te acerques a mi
02-Marioneta de su vida
03-Mas la quiero yo
04-Llorarás
05-Bella lucía
06-Ilusiones
07-Sueña mi corazón
08-Mi madre, mi reina

Bajar

Cuarteto Almagro Biografia y Prensa

Cuarteto Almagro (Leo Weis, Juanjo Mosalini, Alfredo Rubin y Fabricio Pieroni)

El talento hace del Cuarteto Almagro una experiencia musical cabalmente feliz. Con nostalgia e ironía, todo el rigor del género y un toque de vanguardia en la libertad de sus versiones. Buen tango, hecho con libertad, puede ser una adecuada definición para el Cuarteto Almagro, creado en 1997 por Alfredo Tape Rubín, bajista, compositor, letrista, arreglador ycantante. Resalta en el conjunto la captura de elementos estilísticos de Astor Piazzolla y de Osvaldo Pugliese, y es notable también el apego al tango, del que en ningún momento se olvidan. Pero en su enfoque no hay dramatismo, y en todo caso una nostalgia dosificada. Predomina un ánimo vital y hasta divertido, que se explicita en piezas como Pantera tanguera, broma musical sobre el tema de Henry Mancini; o Cosmotango, con alusiones a 2001, Odisea del Espacio. Pero más allá del juego, aquí hay tango en serio. Los arreglos evitan complejidades inútiles y toda grandilocuencia, y salen airosos de propósitos nada triviales, como el de convertir a Libertango en un verdadero tango, lo cual recuerda aquellas muy particulares versiones de las obras de Astor que reelaboraba la orquesta de Pugliese. Se trataba de un vanguardismo sui generis, diferente de todos. Buena parte del material de este compacto consiste en piezas escritas por Rubín y el pianista del conjunto, Fabrizio Pieroni. No son tangos con pretensión de que alguien, tras escucharlos, camine por la calle silbándolos (hábito por otro lado caído casi en desuso). En este sentido, no son estrictamente "populares", pero, de todas formas, ¿cuál es la "popularidad" a la que podría aspirar hoy un músico de tango? El CD se cierra con La menor (idea), obra colectiva del cuarteto que apela a esa tonalidad amigable para el bandoneón, según explica en el cuadernillo Juan José Mosalini, padre de Juanjo, fueye de esta formación de cámara. Considerando que Mosalini padre integró la orquesta de Pugliese en los primeros años 70, es posible que fuera a través de su hijo por donde las estupendas ideas de aquel ensamble descendieron hasta estos almagrenses. Los valsecitos suelen tener la virtud de despertar, incluso en los músicos actuales, añoranzas de tiempos idos. Así, en Analía -presumiblemente dedicado a la pianista Analía Goldberg, hoy integrante con Paulina Fein del dúo Las Pibas- el cuarteto se torna absolutamente tradicional. Acontece lo mismo con La siciliana. Y en estos casos cobra mayor relieve aun el buen sonido de este conjunto, que completa Leo Weiss en violín. Historia aparte son las cuatro piezas cantadas, que comienzan por la milonga Ella se fue, continúan con los tangos Lysou y Bluses de Boedo (con una alucinada mezcla de blues y De Caro), y concluyen con el vals La Marilyn. No es fácil hallar referencias para estas letras, que en todo caso podrían entenderse como aquello que un Cadícamo reencarnado escribiría si le tocara crear ahora, y no entre los 20 y los 40. Pero con la intención no basta. La imaginación poética es un insumo indispensable. Bien cantadas por Rubín, su creador, pueden aceptarse a lo sumo como un tanteo en busca de nuevos cauces para la letra de tango, especie casi extinguida. Producto del cruce de experiencias entre músicos de tango activos en Argentina y en Europa, Cuarteto Almagro añade valor, sobre todo instrumental, a ese vasto pero también disperso movimiento tanguístico internacional, que el público argentino desconoce casi por completo, aunque podría suponerse que le toca tan de cerca. Fuente: Tango que me hicistes bien-Enero 2002


Son cuatro músicos que se lucen en arreglos y recurren a la tradición tanguera para crear sus propias melodías, algunas muy bellas. O son cuatro "atorrantes" que pintan con sus blues a Boedo, juegan con sorprendente habilidad entre acentos de dos por cuatro con el "Libertango" de Piazzolla y luego echan mano sin prejuicios a páginas musicales consagradas en la pantalla grande (perteneciente a crónicas espaciales o a aventuras de la Pantera Rosa). Son las dos cosas al mismo tiempo. Y es indudable que aquí hay ganas de tocar de a cuatro. Esto se nota en apariciones individuales que nunca se olvidan de la intención del conjunto, en sus prolijos uniformes negros y corbatas azules, en un vals de giros románticos, en yeites de orquesta típica y también en el momento de apoyar los versos escritos por Tape Rubin. Se trata, en todo caso, de pequeñas pero muy atractivas cuotas de tango-canción que se cuelan entre una mayoría de temas instrumentales. Fuente: Mauro Apicella La Nacion en 2002

Cuarteto Almagro - Hemisferios

Genero: Tango, Cuartetos, Instrumental Vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 51 Mb/Total time: 50:56

Personal del cuarteto
Alfredo Rubin: Bajista, cantante y arreglador
Fabricio Pieroni:Pianista, compositor, arreglador y Director musical
Juanjo Mosalini(Hijo):Bandoneon
Leo Weiss: Violinista y arreglador

Biografia del Cuarteto Almagro

Tracks

01-Zum
02-Cosmotango
03-Analia
04-Buenos Aires Tango Basel
05-Ella Se Fue
06-Fracanapa
07-La Siciliana
08-Lysou
09-Libertango
10-La Cualunque
11-Bluses De Boedo
12-El Gancho
13-La Marilyn
14-Pantera Tanguera
15-La Menor (Idea)

Bajar

Gigliola Cinquetti Biografia

Gigliola Cinquetti

Gigliola Cinquetti

Gigliola Cinquetti

Gigliola Cinquetti ( n. Verona, 20 de diciembre de 1947) es una cantante y animadora de televisión italiana.

Debuta a los dieciséis años en el Festival de San Remo de 1964, junto con Patricia Carli, ganando el concurso con la canción Non ho l'età (per amarti) ("No tengo edad (para amarte)"). Dos meses después vence en Copenhague, con la misma canción, en el Festival de la Canción de Eurovisión.

En total, ha participado en doce ediciones del Festival de San Remo, venciendo en dos ocasiones. La segunda vez fue en 1966, en compañía de Domenico Modugno, cantando la canción Dio, come ti amo ("Dios, cómo te amo"). En 1973 participa en el programa "Canzonissima" venciendo con la canción Alle porte del sole ("A las puertas del cielo"), re-editada dos años después por el cantante italoamericano Al Martino, que alcanzó la posición número 17 en el Billboard Hot 100. En 1974 participa de nuevo en el Festival de Eurovisión, quedando segunda con la canción Sì (ya que la primera posición la alcanzó ABBA, con la canción "Waterloo"). La versión inglesa del tema llegó a la séptima posición de la lista de ventas inglesa.

Durante los años 90 y hasta hoy en día trabaja como animadora de televisión en la RAI.Fuente Wikipedia

Trio Los Panchos Biografia

Trio Los Panchos(Enrique Cáceres, Chucho Navarro, Alfredo Gil) formacion que grabo el LP con Eydie Gorme

Trío Los Panchos surge en Nueva York en Junio de 1944. Nace como parte del fenómeno de la emigración e integración Latina en un medio que le resultaba extraño y hostil. Alfredo Gil y Chucho Navarro se encuentra conHernando Aviles en Nueva York y deciden formar un trío de voces y guitarras.

La historia de cómo nace el Trío Los Panchos Se las relato de la misma forma y manera que la recibí del dilecto Juan Reséndiz Picasso — compueblano de Alfredo Gil.

"Mas o menos por junio de 1944 Se deshizo el conjunto de Felipe Gil, quedando al garete Alfredo Gil y Chucho Navarro, ninguno de los cuales era primera voz. por lo que al faltar esa primera voz de hecho los dos restantes quedaban al desamparo artístico."

"Fue una noche de ese mismo mes, a unos cuántos días de salir Felipe Gil, que fui a una fiesta que ofrecían unos amigos puertorriqueños, entre los cuales estaban Machito y su Conjunto. Bobby Capo, Servando Díaz y su Trío. Mirta Silva. entre otros que recuerdo, no sé si para festejar la boda de los mejicanos Eva Garza con Felipe Gil, o por cualquier otro motivo, porque a los artistas latinoamericanos. jamás les faltaron rnoviles para festejar. También asistieron a la fiesta Alfredo Gil y Chucho Navarro. Por sorpresa de la vida otro de los invitados, desconocido hasta entonces por Alfredo Gil y Chucho Navarro, era Hernando Avilés. Para esa fecha Hernando cantaba como solista con orquestas latinas, entre estas, la de Juanito Zanabria y la del maestro Bobby Quinton. Siendo la fiesta de tono bohemia grande, todos los presentes participaban conforme a sus talentos y posibilidades. Hernando Aviles canto "Sin Bandera”. de don Pedro Flores. Al escucharlo Alfredo Gil y Chucho Navarro al instante comprendieron que no tenían que buscar mas la primera voz que necesitaban para formar su Trío. Con un breve y ligero ensayo esa misma noche, cantaron juntos por primera vez. Surgió entonces el Trío, aunque aun sin seleccionar el nombre que pasearían por los mejores escenarios latinos."

Hernando Avilés, en un programa que le dedicaran en el desaparecido "Show Goya”, hace muchos años, ofreció otra versión de la formación del Trío Los Panchos.

Según Hernando, allá para mayo de 1944 el había llegado de un viaje que como solista había hecho a Nueva Orleans. Conoció a Alfredo Gil y Chucho Navarro en los estudios de la "Columbia Broadcasting System”, donde se presentaba El Charro Gil y sus Caporales, que recién habían llegado de una gira. Venían disgustados y ocurrió la separación del grupo. Alfredo y Chucho le encontraron mientras caminaban por la Calle 51 y Séptima Avenida y le invitaron a formar un trío juntos. Comenzaron a ensayar y así surgió el Trío Los Panchos.

Existe otra versión en cuanto a la formación del grupo que gira igualmente en torno al Charro Gil y sus Caporales.

Dice esta otra fuente "La agrupación Los Panchos surgió al panorama artístico en el I 944, cuando el requintista mejicano Alfredo el ‘Guero’ Gil y su compatriota José de Jesús 'Chucho’ Navarro {segunda voz) viajaran a Nueva York en busca de una primera voz para formar su trío. Ambos provenían del grupo Los Caporales, dirigido por Simón (otros le llamaban Felipe), 'el Charro Gil’ (hermano del Guero), quien acababa de perecer trágicamente v. tras su muerte. el conjunto se disolvió."

Según algunos conocedores de esa época. Simón se quedo dormido mientras fumaba, cogiendo fuego el mosquitero y luego la habitación, rnuriendo él quernado.

Al comenzar la búsqueda de una primera voz para integrar el grupo de Alfredo Gil y Chucho Navarro. la primera persona en quien pensaron fue en una dama a quien conocían por ser la esposa del conocido compositor Chucho Monge. Poseía una bonita voz y un estilo que parecía ser el complemento de Chucho y Alfredo. Esta primera idea no progreso y es entonces cuando aparece Hemando Avilès. Se integran y forman el Trío que adoptaría el nombre de Los Panchos’.

1944-1951
El Trío Los Panchos, formados por Alfredo Gil, Chucho Navarro y Hernando Aviles emprenden una larga y exitosa gira por Latinoamérica dándose a conocer como "la trilogía mas perfecta de América".Fuente web de fans de Los Panchos

Gigliola Cinquetti y El Trio Los Panchos - En Mexico-1968

Genero: Latino, Pop, Romanticas, Vocal
Grabacion original año 1964
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 50.6 Mb/Total time: 32:54

Formacion de los Panchos en la grabacion
Primera voz: Johnny Albino
Segunda voz: Chucho Navarro
Requinto: Alfredo Gil

Biografia de Gigliola Cinquetti
Biografia de Los Panchos
Tracks
01-Adios pampa mia
02-Maria elena
03-Amapola
04-Lisboa antigua
05-Johnny guitar
06-La mentira
07-Adios mariguita linda
08-Negra consentida
09-Amar y vivir
10-Salud dinero y amor
11-Quizas quizas quizas
12-Besame mucho

Bajar

Homenaje a Mercedes Sosa de "El tango y sus invitados"

Mercedes Sosa

Mercedes Sosa

Mercedes Sosa en 1980

Haydee Mercedes Sosa(9 de julio de 1935 - 4 de octubre de 2009)
Nacio en San Miguel de Tucumán, Argentina, afectuosamente conocida también como "La negra", es una cantante de raíz folclórica argentina muy reconocida en América Latina y Europa, considerada una de las exponentes principales de la nueva canción. Asimismo ha incursionado en otros géneros musicales como el tango, el rock y el pop, entre otros.

Su popularidad le ha ganado el apelativo de la "voz de Latinoamérica", y su trayectoria ha sido resumida en las palabras de su compatriota Fito Páez: "Mercedes Sosa es la mejor cantante que ha dado este país".

"La Negra" Sosa es muy admirada por la profundidad y singular belleza de su voz. En sus inicios poseía un registro cercano a una soprano, pero luego evolucionó hacia algo más grave. Su registro vocal es de más de dos octavas, y su punto fuerte es la potencia con que afronta los graves. Gracias a su timbre oscuro y cálido y a una perfecta entonación, se ha convertido, sin duda, en una de las voces más destacables de la historia de la música.

Descendiente de diaguitas y franceses,[1] comenzó su carrera usando un seudónimo: Gladys Osorio.

En 1950, a los quince años, ganó un concurso musical organizado por una emisora local de radio y la contrataron durante dos meses.

Junto con su primer marido, Manuel Oscar Matus, con el que tuvo un hijo, y Armando Tejada Gómez, fueron intérpretes clave del movimiento de la nueva canción desarrollado a mediados de los años 1960 (que fue llamado Movimiento del Nuevo Cancionero en Argentina). Luego de publicar su primer disco en 1962 (La voz de la zafra, RCA LXA-7009),que pasó inadvertido, graba un segundo álbum en 1965, Canciones con fundamento, que pasa igualmente inadvertido, pero que en el futuro se volvería el disco exponente del Nuevo Cancionero. Pero fue en ese mismo año de 1965, que Mercedes Sosa alcanzó la consagración popular, cuando Jorge Cafrune la invitó por iniciativa propia a subir a cantar al escenario del Festival de Cosquín, el más importante del país.

Por esa época lanzó con su voz la obra de los compositores tucumanos Pato Gentilini, el Chivo Valladares y Pepe Núñez inmortalizando canciones como "Tristeza" de los Hermanos Núñez. En 1967, hizo una exitosa gira por los Estados Unidos y Europa. En los años subsiguientes, continuó actuando y grabando, extendiendo su repertorio hasta incluir material de toda América Latina.

A comienzo de los años 1970, publicó dos álbumes conceptuales en colaboración con el compositor Ariel Ramírez y el letrista Félix Luna: Cantata Sudamericana y Mujeres Argentinas. También hizo un tributo a la cantautora chilena Violeta Parra.

Simpatizante de Perón en su juventud, apoyó las causas de izquierda a lo largo de su vida. Tras el golpe de estado del 24 de marzo de 1976, permaneció en el país a pesar de la represión y del hecho de que sus discos fueran prohibidos, hasta que en 1979, en un concierto en La Plata, fue cacheada y detenida en el propio escenario y el público asistente arrestado. Se exilió entonces en París y después en Madrid. Poco antes había muerto su segundo marido.

Volvió a la Argentina en 1982, poco después de que el régimen militar se viera obligado a iniciar el traspaso del poder a un gobierno civil, tras la Guerra de Malvinas. En esa ocasión realizó una serie de conciertos históricos a sala repleta en el Teatro Ópera de Buenos Aires, que se convirtieron en un acto cultural contra la dictadura, a la vez que un hecho renovador de la música popular argentina, al incluir temas y músicos provenientes de diferentes corrientes musicales, como el folclore, el tango y el rock nacional. La actuación fue registrada en un doble álbum que constituyó un éxito de ventas y uno de los discos destacados de la historia musical del país.

Como productora, organizó uno de los espectáculos más importantes presentados en la Argentina: "Sin Fronteras", que reunió en el estadio Luna Park de Buenos Aires: las argentinas Teresa Parodi y Silvina Garré, la colombiana Leonor González Mina, la venezolana Lilia Vera, la brasileña Beth Carvalho y la mexicana Amparo Ochoa, además de la propia Mercedes.

Durante los años siguientes continuó dando recitales exitosos dentro y fuera de Argentina, actuando en estadios y en los escenarios más grandes y prestigiosos como el Lincoln Center, el Carnegie Hall donde recibió una ovación de 15 minutos, el Mogador de París y el Concertegebouw de Ámsterdam, el Teatro Colón de Buenos Aires, en el coliseo romano, etc. En 1992 cantó en la Quinta Vergara, de Viña del Mar y en el Estadio Chile, de Santiago. Fueron tres actuaciones cargadísimas de emociones y en 1993 vuelve nuevamente para intervenir en el Festival Internacional de Viña del Mar. representó a las voces de la Argentina y América, en el Segundo Concierto de Navidad realizado en la Sala Nervi del Vaticano. Fue la más aplaudida en ese espectáculo realizado para el Vicariato de Roma y el papa Juan pablo II.

Siguió siempre ampliando su repertorio, y grabando en varios estilos. Fue convocada por artistas internacionales como Luciano Pavarotti, Sting, Lucio Dalla, Nana Mouskouri, Tania Libertad, Joan Baez, Andrea Bocelli, Silvio Rodríguez, Alfredo Kraus, Pablo Milanés, Milton Nascimento, Caetano Veloso, Chico Buarque, Gal Costa, Gian Marco, Konstantin Wecker, Nilda Fernández, Pata Negra, David Broza, Luz Casal, Cecilia Todd, Ismael Serrano, Shakira, entre otros.

También colaboró, en diversas oportunidades, con músicos argentinos de la talla de Atahualpa Yupanqui, Charly García, Roberto Goyeneche, Ariel Ramírez, Fito Páez, León Gieco, Víctor Heredia, Pedro Aznar, Antonio Tarragó Ros, Alberto Cortez, Los Chalchaleros, Piero, Teresa Parodi, Rodolfo Mederos, David Lebón, Julia Zenko, Soledad Pastorutti, etc.

De los reconocimientos que ha recibido sobresale el Gran Premio CAMU-UNESCO 1995, otorgado por el Consejo Argentino de la Música y por la Secretaría Regional para América Latina y el Caribe, del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO, el Martín Fierro 1994 al mejor show musical en televisión.


Sosa (sentada) con Cristina Fernández.También el Premio de la UNIFEM, organismo de las Naciones Unidas que la distinguió por su labor en defensa de los derechos de la mujer; Konex de Platino 1995 a la Mejor Cantante Femenina de Folklore y Konex de Brillante a la Mejor Artista Popular de la Década. También recibió otra distinción, esta vez del Consejo Interamericano de Música de la Organización de los Estados Americanos (OEA).

Ese año fue además incluida por la Secretary-General United Nations Politic World Conference on Women, en la colección discográfica denominada Global Divas.

Fue condecorada con honores en el año 2005 por el "Honorable Senado de la Nación Argentina" con el premio "Sarmiento" en reconocimiento a su trayectoria artística, su compromiso social y su constante lucha en materia de Derechos Humanos. Así también se alzó con varias estatuillas en los Grammy Latinos y los Premios Gardel. En el año 2008 fue nombrada embajadora cultural de Mendoza junto al grupo Karamelo Santo por el gobernador Celso Jaque.

Actualmente se desempeña como Embajadora de buena voluntad de la UNESCO para Latinoamérica y el Caribe.

El 18 de septiembre de 2009, ingresó al Sanatorio de la Trinidad en Buenos Aires debido a una disfunción renal, la cual ha evolucionado negativamente hacia una falla cardio-respiratoria. Fallecio el 4 de octubre de 2009 Fuente Wikipedia

LP Mercedes Sosa - Amigos míos - 1988

Genero: Musica Argentina, Folclore, Vocal, Instrumental
LP de Polygram año 1988
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 44.7 Mb/Total time: 41:30

Biografia de Mercedes Sosa

Tracks

A01-Amigos míos con Milton Nascimento
A02-Aya marcay quilla con Victor Heredia
A03-Sólo le pido a dios con Beth Carvalho
A04-Inconciente colectivo con Charly Garcia y Milton Nascimento
A05-Arana con los Andariegos
A06-El tiempo, el implacable, el que pasó con Pablo Milanes

B01-Años con Raimundo Fagner
B02-Venas abiertas con El Cuarteto Zupay
B03-Alfonsina y el mar con Ariel Ramirez
B04-Parte del aire con Fito Paez
B05-Siembra con Kleiton y Kledir
B06-Pedro canoero Con Teresa Parodi

Bajar

Juan Canaro: biografia

Juan Canaro, Maria de la Fuente y Hugo Baralis en Japon en 1954

Juan Canaro en 1933

Partitura de Ahi va el Dulce de Juan Canaro

CANARO, Juan. Músico. Bandoneonista.Director. Compositor.(24 de junio de 1896-16 de marzo de 1977)
Nació en la ciudad de San José —Departamento del mismo nombre, R. O. del Uruguay. Hermano de los músicos, Francisco, Rafael, Humberto y Mario Canaro, vivió desde la infancia en Buenos Aires en el barrio de San Cristóbal, en la calle Sarandí. Juntamente con sus hermanos Francisco y Rafael, contribuyó, en plena niñez, al sostenimiento del hogar paterno, vendiendo diarios en las esquinas de su barrio.
Posteriormente, trabajócomo obrero de la construcción, alternando estas ocupaciones con sus primeras inquietudes musicales que lo volcaron al bandoneón. Debutó profesionalmente en el conjunto de Francisco en 1917 durante la actuación de éste en el cabaret Pigall, haciendo pareja con Osvaldo Fresedo inicialmente, luego con Minotto, más tarde con Carlos Marcucci. Actuó por entonces en Brasil hasta 1924, y en 1925 integró la embajada que su hermano formó para viajar a París. En 1926 quedó a cargo de dicho conjunto, tocando luego en el Club Mirador, de Nueva York. En 1927, compartiendo la dirección con su hermano Rafael, actuó en cabarets de Madrid, realizando más tarde actuaciones en Alemania, Bélgica y nuevamente en Ambassadeurs, Florida y Claridge, de la capital francesa.
Regresó en 1931, correspondiendo a su conjunto inaugurar el cabaret porteño Maipú Pigall, juntamente con la jazz Gregor.
Cara sucia y Cuando florezcan los rosales, fue su primer disco, grabado en 1931 para Victor. Con Martínez Paiva participó luego en las transmisiones radioteatrales de Radio París, presentándose, asimismo, en las programaciones de las emisoras Argentina, Prieto y Stentor, con las hermanas Lydia y Violeta Desmond desde 1934, y con el "chansonnier" Alejandro Fernández, grabando siempre para la casa Victor. Participó con los elementos de su orquesta, en la formación de una gigante agrupación de tango organizada por Radio El Mundo en 1936, y en la que intervinieron también con sus respectivas alineaciones Edgardo Donato, Julio De Caro, Francisco Lomuto y Augusto Berto, quienes como él la dirigieron alternadamente sobre arreglos especiales de Mario Maurano. Rodeado siempre de ejecucantantes de primera fila como Eduardo del Piano, Abelardo Alfonsín, Gabriel Clausi, Domingo Matío, César Zagnoli, José Márquez, Mario Demarco, actuó en los dancings Casanova, Armenonville y Tabarís, constituyendo, a la par de su orquesta, en 1939, un quinteto de estilo antiguo y repertorio evocativo que denominó Evocando lo Pasado y en 1953 el Sexteto de los Hermanos Canaro —con Mario Canaro— grabando para el sello Pampa. Realizó, más tarde, otras incursiones por el extranjero destacándose su viaje a Japón en 1954 con un calificado elenco de acompañantes: Hugo Baralis, Henry Balestro y Emilio González (violines), Alfredo Marcucci, Ramón Torreira y Arturo Penón (bandoneones), Osvaldo Tarantino (piano), Rufino Arriola (bajo), el cantor Héctor Insúa, la cancionista María de la Fuente y la pareja de bailarines, Julia y Lalo Bello. Fue el primer conjunto argentino que actuó en Tokio, grabando para la Odeón japonesa una serie de veinte discos. Volvió a partir de 1958, esa vez con el cantor Roberto Arrieta y la cancionista Susy Leiva, en una tournée que comenzó en Brasil y se prolongó luego a países del Pacífico y de Centro América. Compositor de nutrida obra, se destacan entre sus títulos Ahí va el dulce, Copa de ajenjo, Ave María, Varoncito, Un capricho, El pinche, El bacarat, Mano brava, Bailarin profesional, Camarada, Aquel novio, Caricias y Dolor gaucho. Fuente Horacio Ferrer.

Orquesta y Quinteto Juan Canaro-Col.Priv.El tango y sus invitados-1931-1939

Genero, Tango, Orquestas de tango, quinteto, instrumental, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 114 Mb/Total time: 64:55


Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 01
Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 02
Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 03
Ver todas las colecciones privadas de El Tango y sus Invitados y otras parte 04


Grabaciones realizadas en los 78 rpm entre 1931 y 1939 en el sello Victor

Del track 1 al 14 las ejecuciones son con la Orquesta de Juan Canaro y del 15 al 22 con su quinteto.

Biografia de Juan Canaro

Tracks

01-Cara sucia-Ernesto Fama-05-10-31(Mat.60996-Disc.37082)
02-Santa Paula-Ernesto Fama-05-10-31(Mat.60997-Disc.37082)
03-Promesa Gaucha-Erenesto Fama-07-10-31(Mat.60998-Disc.37083)
04-Cuando florezcan los rosales-Ernesto Fama-07-10-31(Mat.60999-Disc.37083)
05-Recuerdos de la Pampa-Ernesto Fama-27-10-31(Mat.66509-Disc.37090)
06-Buen amigo-Instrumental-27-10-31(Mat.66510-Disc.37090)
07-No me olvides-Antonio Buglione-10-02-32(Mat.66624-Disc.37141)
08-Si la ves dale recuerdos-Antonio Buglione-10-02-32(Mat.66625-Disc.37141)
09-La araña y la mosca-Antono Buglione-10-02-31(Mat.66626-Disc.37140)
10-La chirimoya-Instrumental-10-02-32(Mat.66627-Disc.37140)
11-Dueño y señor-Alejandro Fernandez(Rafael Cisca)03-05-35(Mat.86822-Disc.37759)
12-Sueño de muñeca-Alejandro Fernandez(Rafael Cisca)03-05-35(Mat.86823-Disc.37759)
13-Amor es amar-Hermanas Desmond-12-07-35(Mat.86892-Disc.37796)
14-Mañana a las ocho-Alejandro Fernandez(Rafael Cisca)-12-07-35(Mat.86893-Disc.37796)
15-La noche que me esperes-Andres Falgas-13-05-38(Mat.12778-Disc.38451)
16-Mano brava-Instrumental-13-05-38(Mat.12279-Disc38451)
17-La brisa-Andres Falgas-18-08-38(Mat.12433-Disc.38537)
18-El triunfo de tus ojos-Andres Falgas-18-08-38(Mat.12434-Disc.38537)
19-Amante corazon-Andres Falgas-15-05-39(Mat.12787-Disc.38727)
20-Ahi va el dulce-Andres Falgas-15-05-39(Mat.12788-Disc.38727
21-Sabado-Instrumental-01-08-39(Mat.12851-Disc.38771)
22-Refranero-Señoritas Flores-Luna-01-08-39(Mat.12852-Disc.38771)

Bajar por Rapidshare

Etta James: Biografia

Etta James

Etta James and the Roots Band

Jamestta Hawkins (Los Ángeles, 25 de enero de 1938), más conocida por su nombre artístico Etta James, es una cantante estadounidense de géneros soul y rhythm and blues.

James fue prodigiosa en su tono de voz y esto produjo que se convirtiera en una cantante de gospel, interpretando en el coro de su iglesia de barrio en Los Ángeles. Empezó a interpretar en la radio a los cinco años, bajo la tutela e instrucción del profesor James Earle Hines. Se trasladó a San Francisco en 1950, formando de inmediato un grupo con otras dos cantantes. Cuanto tenía 14 años, presentó su primera audición con el director de orquesta Johnny Otis.

Gracias a los deseos de su madre, Etta regresó a Los Ángeles para grabar "Roll With Me Henry" con la banda Otis y el vocalista Richard Berry para la compañía discográfica Modern Records. Otis al trio vocal como Peaches (más tarde, un apodo de Etta). "Roll With Me Henry" llegó a los primeros puestos de las listas de éxitos en 1955.

The Peaches se disolvió pronto y Etta siguió cantando para Modern Records a lo largo de toda la década de los cincuenta (frecuentemente bajo la supervisión del saxo Maxwell Davis). "Good Rockin' Daddy" fue otro éxito a finales de 1955, aunque otras canciones como "W-O-M-A-N" y "Tough Lover" no lo fueron tanto.

En 1960 pasó a la discográfica Chess Records de Chicago, cantando para la subsidiaria Argo. Inmediatamente, su carrera alcazó un nivel altísimo de popularidad; no sólo hizo un par de dúos con su novio (el cantante líder de los Moonglows, Harvey Fuqua), sino que individualmente grabó canciones como la apasionada balada "All I Could Do Was Cry", alcanzando lo más alto de las listas de éxitos de R&B. Leonard Chess entendió a Etta como una cantante clásica de baladas con un potencial añadido para la canción popular, e hizo que la acompañase una orquestación de violines para su grabación de los temas At Last y Trust in me en 1961. No obstante, Etta no abandonó su lado más áspero: en 1962 grabó "Something's Got a Hold on Me", con tonos de gospel, en 1963 un vibrante disco en directo (Etta James Rocks the House) grabado en el New Era Club de Nashville, y en 1966 un dueto blusístico, "In the Basementcon", con su amiga Sugar Pie De Santo.

En 1967 grabó uno de sus temas clásicos, "Tell Mama", una balada soul optimista que contrastaba con otros temas más dramáticos de la misma sesión como "I'd Rather Go Blind". A pesar de la muerte de Leonard Chess, Etta permaneció en la compañía hasta 1975, aproximándose hacia el final a la música rock.

Tras unos años difíciles, regresó en 1988 con un disco para Island titulado Seven Year Itch, que reafirmó su maestría en el soul sureño. Sus siguientes discos fueron variados, aproximándose tanto a la música más contemporánea (en 1990 con Sticking to My Guns) como a la emotividad más explícita (en 1992 con The Right Time), pasando por algunas aproximaciones al jazz y a la música navideña, como en 1998 con Etta James Christmas. Fuente Wikipedia

Etta James - Loves been rough on me

Genero: Jazz, soul, blues, vocal, instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 83.07 Mb/Total time: 52:53

Personal:
Dann Huff
Paul Franklin - steel guitar
Eddie Bayers - drums
Steve Nathan
Michael Rhodes - bass
Barry Beckett - keyboards
Brent Rowan
Dennis Wilson
John Wesley Ryles
Etta James - vocals
Don Potter - acoustic guitar
Curtis "Mr. Harmony" Young
Vicki Hampton
Louis Nunley - background vocals
Donna McElroy
Josh Sklair - electric guitar
Yvonne Hodges
Joe McGlohon - horns
Also: Terry Mcmillan
Biografia de Etta James
Tracks

01-The Rock
02-Cry Like A Rainy Day
03-Love's Been Rough On Me
04-Love It Or Leave It Alone
05-Don't Touch Me
06-Hold Me
07-If I Had Any Pride Left At All
08-I Can Give You Everything
09-I've Been Lovin' You Too Long
10-Done In The Dark

Bajar

Carlos Montero Biografia

Carlos Montero

Carlos Montero

Carlos Montero

Juan Carlos Zamboni, verdadero nombre de Carlos Montero, nació en Buenos Aires, en 1938.
Carlos, con su corazón “siempre mirando al Sur”, es un músico y un guitarrista excepcional que, además, canta; y lo hace con eso que en el lenguaje flamenco se llama “jondura”, es decir, con una voz que le sale de lo profundo y que suena a suspiro o a desgarro del alma; voz interior percibida, en ocasiones, como lamento o quejío, y, otras veces, como confidenciaamable y amiga que adquiere, en el tono sobrio de su voz, el valor de la palabra tierna, creíble y verdadera.

En su infancia y, por supuesto, en lo que sería su futuro artístico, desempeñó un papel fundamental el barrio concreto en que nació: fue en Mataderos, barrio que en el Buenos Aires de los años treinta era un lugar fronterizo entre la pampa y la gran ciudad.
A un lado de aquel barrio –y de la casa en que nació Carlos– se encontraba el mundo y la realidad rural, con sus paisajes, sus gentes sencillas, el verde, el ganado, el gaucho y su folclore –zambas, milongas y chacareras–; al otro lado, la ciudad, el suburbio, la sed de verde, la calle, el arrabal, el bullicio, la soledad, el tango; género musical de carácter urbano y popular que el gran Discépolo definió como un pensamiento triste que se baila.
Zambas, milongas, chacareras... y tangos..., que Carlos fue integrando en su sensibilidad musical; sensibilidad reforzada, además, a través de su formación clásica, adquirida, inicialmente, en las clases particulares de guitarra que recibió en su casa, y, poco tiempo después, en el Conservatorio Nacional de Música Carlos López Bouchardo.
El hecho fue que Carlos a los cinco años ya tocaba la guitarra.
Su padre –también guitarrero, que formaba parte de un grupo musical llamado Alberto Coria y su Cuarteto– lo que más deseaba era que su hijo se dedicara exclusivamente a estudiar, pero, a pesar de sus deseos, no pudo evitar que Carlos, siendo aún muy niño, iniciara sus primeras actuaciones en público.
Una de aquellas actuaciones tuvo lugar el 5 de octubre de 1949, en un Gran Festival Artístico y Cinematográfico, organizado por la Asociación “11 de Setiembre”, en el Cine National Palace; festival en que se le anunciaba así: “El niño Juan Carlos Zamboni. Canto, acompañado en guitarra”.
“En casa había gran tradición –comentaba Carlos en el diario Madrid, el 6 de noviembre de 1971–. Era lógico que me entusiasmara con la música desde el principio. Pero fue un aprendizaje duro, porque había que vivir y ganar dinero.
Así, toqué en salas de fiestas y cabarés, en salones folclóricos y boites, cuando era todavía un adolescente. Por supuesto, con el permiso de mi padre en el bolsillo, por si la policía me encontraba a altas horas de la noche en la calle... Después, ingresé en el Conservatorio de Música, donde aprendí las normas de lo clásico, que afortunadamente no destruyeron para nada mi entusiasmo ni mi afición por el folclore [...]. En el Conservatorio aprendí lo clásico; la calle me enseñó el folclore, lo que cantaba y sigue cantando la gente”.
Hasta 1959, Carlos Montero –o, mejor, Juan Carlos Zamboni– participó en diversos grupos musicales y afianzó su carrera como solista ofreciendo recitales de canto y guitarra en los que interpretaba, sobre todo, temas folclóricos.
Uno de aquellos recitales fue, por ejemplo, el que dio, en Buenos Aires, el 9 de agosto de 1958, organizado por MEEBA, Asociación de Estudiantes y Egresados de Bellas Artes.
Aquel recital, en el que Carlos interpretó obras populares de Ariel Ramírez, de Oscar Valles, de Eduardo Falú y de Jaime Dávalos, fue presentado en los siguientes términos: “Nuestra música autóctona, expresión melancólica de ardiente sentir que anida en los sentimientos de los hombres de nuestra tierra, tiene un ferviente y expresivo cultor en el joven artista Juan Carlos Zamboni [...].
MEEBA, al brindarlo a la consideración del público amante de esas bellezas del espíritu, asegura a este joven ejecutante un lugar de privilegio entre los valores de ese género que encuentra hoy en Buenos Aires la cuna del nacimiento del Arte Folclórico”.
En 1959, con toda la experiencia artística acumulada, Carlos recibió la oferta de un conocido músico argentino, Hugo Díaz, para incorporarse a una compañía folclórica que estaba montando con la intención de emprender una gira por diferentes países europeos; entre ellos, Alemania, Bélgica y Holanda.
Carlos aceptó la propuesta e ingresó en aquella compañía, que, con el nombre de Hugo Díaz y sus Changos, integraban el propio Hugo, Victoria Díaz –su mujer–, Carlos, Alberto Cortez y un bailarín apellidado Ferreira.
Así fue como Juan Carlos Zamboni, ya con el nombre artístico de Carlos Montero –sugerido por el representante de Hugo Díaz–, viajó por primera vez a Europa para presentar un espectáculo al que llamaron Argentine National Tanz-Show.
Finalizada aquella gira europea, Hugo Díaz y Victoria regresaron a Argentina, y Carlos Montero y Alberto Cortez decidieron quedarse en Europa.
Esta decisión la motivó el gran éxito que en aquel momento había logrado Alberto con la grabación, en Bruselas, de sus primeras canciones; entre ellas, El sucu-sucu y Las palmeras; grabación realizada en noviembre de 1960, en la que Carlos le acompañó a la guitarra. Aquella circunstancia le permitió a Alberto darse a conocer por toda Europa, y empezar a ofrecer numerosos recitales, en los que Carlos Montero solía acompañarle.
En 1964, Alberto Cortez, tras contraer matrimonio con Renée Govaerts, fijó su residencia en España, y Carlos, siguiendo sus pasos, tomó la decisión de trasladarse a vivir a Madrid.
Durante varios años –en concreto, entre 1964 y 1971, y, posteriormente, siempre que se lo solicitaron–, Carlos, vinculado totalmente a la canción de autor, llegó a convertirse en uno de los más importantes arreglistas de la época; por ejemplo, prestó su sensibilidad, su maestría y su sabiduría musical a artistas como Alberto Cortez, Luis Eduardo Aute, Mari Trini, Patxi Andión, Gontzal Mendibil, Jerónimo Granda, Adolfo Celdrán, Mestisay, Luis Pastor, Pablo Guerrero, Carlos Cano y muchos más.
En 1971, tras todo ese recorrido musical, decidió grabar su primer disco, con el fin de reivindicar y actualizar el auténtico folclore de su país natal. Aquella fue una aventura apasionante, gracias, entre otras razones, a su encuentro con el poeta argentino José Alberto Santiago –ganador del premio de poesía Leopoldo Panero, y hoy lamentablemente fallecido–, que llegó a convertirse en su cómplice literario inseparable.
“Yo siempre tuve ganas de hacer un disco –le comentaba Carlos a Alberto Míguez, en la entrevista al diario Madrid antes citada– He trabajado en varias casas de discos y estoy muy relacionado con el ‘medio’. Pero necesitaba una persona que compartiera mis propias inquietudes. Yo soy un mal letrista; no soy escritor, soy músico. Hasta que un día conocí por casualidad al poeta José Alberto Santiago, que compartía mis propias inquietudes pero desde otra perspectiva: la de la literatura. Él buscaba una persona que pudiera musicalizar sus poemas. Yo buscaba una letra adecuada para mis músicas. Comenzamos a reunirnos y hablamos largo rato”.
“Primero, surgía el tema poéticamente, y, después de muchas tentativas, tensiones, discrepancias, iban saliendo la música y la letra al unísono. No se trataba, pues, de dos realidades autónomas que llegaban a unirse, sino de un solo acto de creación, realizado al mismo tiempo por dos personas. Después de la reunión, cada uno se iba a su casa y revisaba, mejoraba los textos y la música. Claro que no todas las tardes fueron inspiradas. Nos pasamos muchas horas en blanco, sin saber qué escribir ni qué inventar. Otras eran, por el contrario, tremendamente fecundas. Dependía del estado de ánimo y de la inspiración”.
Así fue como nacieron los tres primeros discos de Carlos Montero; tres obras inolvidables que se convirtieron en documentos sonoros básicos para entender y para disfrutar de la auténtica música popular argentina.
El primero se llamó De la huella (Movieplay, 1971), disco en el que, además de las canciones compuestas sobre textos de José Alberto Santiago, Carlos incluyó el tema Hacia la ausencia, de Jaime Dávalos y Eduardo Falú, y una preciosa zamba basada en un poema de Patxi Andión. Con ese disco ya en el mercado, Carlos Montero participó en el Primer Festival Internacional del Poema Musicado –también llamado Festival del Fuego–, celebrado en septiembre de 1972, en el Club Entrepicos, de la sierra madrileña.
En aquel festival, Carlos y José Alberto obtuvieron el primer premio con el tema Zamba de la pensión; canción que grabó y editó Movieplay en un single, y que inmediatamente adquirió una gran popularidad.

Los otros dos discos de Carlos, creados en colaboración con el poeta José Alberto Santiago sobre temas del folclore argentino actualizados, fueron los titulados De las raíces (Movieplay, 1973) y De allá lejos y este tiempo (Movieplay, 1976).
Sobre el valor musical y poético de estos discos resulta muy interesante el contenido de la carta que le escribió el poeta Félix Grande a Julio Cortázar, residente en aquel entonces en París, que apareció publicada en la carpeta del segundo LP de Carlos Montero –De las raíces–, y de la que me voy a permitir reproducir un fragmento:
“José Alberto Santiago –escribía Félix Grande– sigue dándole al verso, por aquí anda, y en una de ésas acertó en todo el centro a unas cuantas letras de zamba, milonga, chacarera, vidala y, sobre todo, claro, de vidalita irreparable; y como a veces es verdad que nada importante se pierde, apareció Carlos Montero, un porteño de Mataderos (¡de Mataderos, che!), agarró esas letras tan verdaderamente argentinas que hasta llevan entre sus versos unos años de expatriación, y amando mucho a su lejana partida de bautismo diseminada por toda aquella patria de provincias inmensas y caudillos norteños y del folclore impresionante, y usando de su voz que es a la vez ingenua y profesora, que es a la vez tierna y viril (si vieras qué cantor de tangos), y manejando una técnica guitarrística de estudioso del corazón, y creando melodías alucinadas, hizo con todo ello unos discos, que son, también, una partida de bautismo, un lenguaje; por eso tú, Julio, parsimonioso catador de lenguajes, imagina que en dirigible umbilical y misteriosamente llegué a París, que en silencio y sin llave y sin llamar entré en tu casa, que eché a andar este disco que se llama De las raíces con precisión tumultuosa, y que sin hacer ruido me fue cuando empezaba a sonar esa Zamba de la pensión insoportablemente hermosa o esa excepcional vidalita que ahora tú empiezas a oír desde la almohada insomne, y te levantas, y te acercas hasta esta música, y escuchas solitario, y empiezas a preparar el mate, y fumas en la oscuridad deseando suerte para vivir a estos poetas, a estos dos camaradas americanos que giran, giran, giran su amor y su nostalgia y su profundidad en este disco incontenible”.
Paralelamente al trabajo creador que hemos analizado, en el que Carlos realizó la reivindicación y la actualización del auténtico folclore rural de su país, también se propuso la necesaria recuperación de la esencia de otro género de la música popular argentina de carácter más urbano: el tango; recuperación personalísima y dignificadora que calificó como Tangos a mi manera, nombre del primer LP, grabado en 1973 por Carlos Montero y dedicado exclusivamente a ese género.
En la contraportada de la carpeta de aquel disco, Carlos escribía:
“Quiero dejar constancia de que el tango es una parte más de la música popular argentina y de que Buenos Aires es otra de las muchas regiones que le dan variedad y riqueza al folclore.
Por todo esto y a mi manera, quiero rendir un homenaje a aquellos hombres que, alrededor de los años treinta, comprendieron el peligro de la comercialidad y la cursilería que rodeaba al tango.
Gracias a sus obras, podemos gozar hoy de su autenticidad y también del peculiar lenguaje que aún se mantiene, ¡lo único quizá!, y que les da a los porteños esa particularidad que distingue a los pueblos con propias y entrañables raíces”.
Homenaje que en Tangos a mi manera se traduce en la exaltación de grandes nombres propios como Homero Manzi, Aníbal Troilo, Enrique Santos Discépolo y Mariano Mores, y en piezas hermosamente inolvidables como Cambalache, Cafetín de Buenos Aires, El último organillo, Malena, Sur y Che bandoneón.
Catorce años más tarde, sin dejar de trabajar como compositor y como arreglista, y de acompañar a la guitarra a muchos de los compañeros artistas antes citados, Carlos grabó y publicó una nueva obra, titulada Y sigo con los tangos... (Saga, 1987).
En aquel disco volvió a hacerse presente la obra de Discépolo con temas como Esta noche me emborracho, Victoria y Yira yira; y, junto a él, otros grandes creadores argentinos como Homero Expósito, Nicolás Olivari, Homero Manzi o Eladia Blázquez.
Apartir de aquel momento, la presencia discográfica de Carlos, interpretando tangos, fue permanente. Entre sus discos figuran los siguientes:
Con el tango en el bolsillo (Saga, 1989) –en el que incluye, por ejemplo, el tema Setenta balcones, de Piazzolla y Baldomero Fernández Moreno–, Perfil de tango (RTVE-RNE, 1990), un segundo disco titulado Tangos a mi manera (RTVE-RNE, 1990) –ilustrado con un magnífico retrato de Aute– y Naturalmente, tangos (Centro de la Cultura Popular Canaria, 2001).
Luis Eduardo Aute, refiriéndose a esa pasión que Carlos Montero siente y sabe transmitir con el tango, y, en general, a su extraordinaria personalidad como músico y como guitarrista, realiza este comentario:
“Me propuse conocer a Carlos, allá por el 68, después de haberlo escuchado tocar la guitarra, acompañando a otro compañero, en un programa de radio. Carlos tocaba, y toca, la guitarra como a mí me hubiera gustado hacerlo, por eso llegué a la urgente necesidad de conocer a aquel extraordinario guitarrista. A partir de aquel encuentro, se inició una amistad que daría como fruto toda una serie de discos, mis primeros discos, que contaban con la imprescindible colaboración de Carlos. Todos los arreglos de aquellas canciones eran arreglos suyos. Eran trabajos de difícil clasificación porque intentaban a toda costa salirse de la norma instrumental de aquellos años. Ahí están, como testimonio de aquel trabajo, discos como 24 canciones breves, Rito, Espuma, Sarcófago o Babel.
Pero, probablemente, la faceta oculta de Carlos, faceta que me descubrió algún tiempo después (pudores estúpidos del genio...), era la de cantante de folclore argentino y de tangos. [...] Los tangos, en la guitarra y en la voz de Carlos Montero, adquieren una nueva dimensión... Se transforman en canciones intimistas, llenas de matices que apuntan hacia nuevas vibraciones poéticas y musicales, a esa manera de entender la canción. Discépolo, Manzi, Cátulo Castillo, Cadícamo, Expósito, se descubrían, a través de la personalidad de Carlos, como los más grandes entre los grandes de la canción.
“Debo confesar, con toda sinceridad –continúa diciendo Aute–, que gracias a Carlos y sus tangos, abrí los ojos y los oídos a una ‘esencialidad’ de la manera de escribir canciones. Gracias a esos tangos..., a la manera de Carlos, empecé a aprender, y todavía sigo en el empeño, el muy difícil oficio de juntar palabras y acordes musicales con el fin de ser cantados”.
Por su parte, Moncho Alpuente, al hablar de Carlos Montero, en 1990, escribió lo siguiente:
“Carlos Montero sabe que el tango anida en los rincones oscuros de bulevares y plazuelas, folclore bastardo que se nutre de sombras, de mujeres fugaces que dejaron su huella en el empedrado. Su guitarra conjura los espíritus del tango y la milonga, al otro lado del Atlántico, y sus espíritus responden porque el viajero es un iniciado en los misterios que destilan las seis cuerdas. Su voz, como un susurro de aguardiente y nostalgia, repasa las lejanas geografías de Buenos Aires. [...]
“Carlos Montero, contemporáneo y sabio, traspasa las fronteras del tiempo y del espacio con su canción eterna, melodía de arrabal, de todos los arrabales del mundo en los que reina resucitado por su ensalmo S. M. el Tango”.
De Carlos Montero debemos decir, por último, que, en 1990, fue galardonado con el premio Gardel de Oro, otorgado por el Centro Cultural Argentino del Tango, en Buenos Aires, y que ha sido director y presentador, en Radio Nacional de España, del programa titulado La noche que me quieras. Fuente Fernando G. Lucini

Carlos Montero - Y sigo con los tangos

Genero: Tango, Vocal, guitarra
Año: 1990
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 55.00 Mb/Total time: 45:56

Biografia de Carlos Montero

Tracks
01-Yira Yira
02-Solo se quiere una vez
03-Maquillaje
04-Sin piel
05-Victoria
06-Afiches
07-Tres esquinas
08-Cafetin
09-Esta noche me emborracho
10-Sexto piso
11-La violeta
12-El ultimo organito
13-Setenta balcones
14-Una canción
15-Uno

Bajar

Armando Trovaioli(Trabajoli) Biografia

Armando Trovaioli(Trabajoli) y Ennio Morricone

Armando Trovaioli (apellido a veces transcrito como Trovajoli) (Roma, 2 de septiembre de 1917) es un músico, compositor y actor de Italia.

Desde niño aprendio a tocar el violín, revelando un notable talento musical. Diplomandose en piano y composición en el Conservatorio de música de St Cecilia en Roma. En 1937 entrará en la orquesta de Rocco Grasso, ese año como pianista en su conjunto. En 1939 sigue con la orquesta de sexto Carlini, una de las formaciones de italiano jazzistiche más famosas del momento.

Después de la espalda de guerra para alternar la actividad de jazz con música y, simultáneamente, perfeccionar sus estudios musicales y graduarse del Conservatorio de Santa Cecilia Roma (1948). En 1949, fue elegido para representar la Italia en la du Festival de jazz de Paris cuando, con Espárragos Kramer contrabajo y batería desempeña en el famoso Salle Pleyel Gilberto Cuppini.

En el próximo año comienza una serie de grabados de registros, publicado bajo el título de música para tus sueños. Con el mismo título y una segunda vez con el Eclipse, logra un ciclo de las transmisiones de radio en colaboración con Piero Morgan (Piero Piccioni), uno de los primeros intentos de ejecuciones de pino italiano presente en el jazz con orquesta.
Al principio de la década de 1950 la RAI le encomienda la dirección de una orquesta de música ligera, Trovaioli establecerá con la instrumentación de 12 violines, 4 violas, 4 violonchelo, 1 flauta, 1 oboe, 1 clarino, 1 cuerno, el arpa, vibráfono, guitarra eléctrica, bajo, tambores y naturalmente en el plano desempeñado por Trovaioli con esta formación básica y la colaboración de algunos cantantes, transmitiendo de radios de Roma, música elegante con una neta jazzistica configuración de temas.

Junto a Piero Piccioni en 1952 de 1953, es el protagonista de la música de noche semanal Eclipse, en el que la orquesta es directa alternativamente por dos compositores en trozos extremadamente investigados y sofisticados, muy diferentes del estilo de la radio de las orquestas de período.
Mientras tanto Trovaioli había comenzado, con el pseudónimo Vatro, como el autor de canciones (amanecer, me dicen un poco de Sinatra, etc.). En 1951 es invitado por Dino De a ques se comp