Osvaldo Pugliese

Osvaldo Pugliese al piano

Osvaldo Pugliese

Osvaldo Pugliese

Osvaldo Pugliese, Robeto Chanel y Alberto Moran en 1946


Osvaldo Pugliese en Rusia en 1959


Osvaldo Pugliese cuando integraba orquesta de Eduardo Pereyra en 1936
Osvaldo Pugliese integrante de la orquesta de Elvino Vardaro en 1935


Osvaldo Pugliese cuando integraba la orquesta de Pedro Laurenz


Osvaldo Pugliese durante una grabación en 1969


Osvaldo Pugliese en la orquesta de Pedro Maffia en l926

Pugliese cuando tocaba con Maffia, en 1926. Abajo: Vardaro, Maffia y de Franco. Al medio, Emilio Puglisi y Osvaldo Pugliese. Arriba: Francisco de Lorenzo


PUGLIESE, Osvaldo Pedro. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arregíador.
1. Ubicación. Desde su advenimiento entre los artistas de primer orden que dieron fisonomía, trascendencia y aliento histórico a la generación de 1925, el tango representó para su sensibilidad creadora la más genuina forma de expresión de un nacionalismo musical profundo, arraigado en sus convicciones con fuerza de devoción insobornable y entrañado a su obra como dimensión deestilo. En todas las instancias —adversas o propicias— de sus cincuenta años largos en la música, aquel radical sentimiento ha sido manifestación de una personalidad artística inconfundible; proyectada ésta con idéntica definición a las composiciones, a la modalidad pianística y a la obra orquestal, logró la difícil conciliación de una originalidad renovadora que le ha ubicado en la vanguardia siempre con la atracción popular que da al arte de calidad contenido de auténtica superación espiritual para el público.


2. El compositor. Alcanzó tempranamente su primer espaldarazo con el tango Recuerdo, cuya belleza y cuya novedad de invención y de desarrollo esencializaron en 1924 —con vigor de arquetipo y con valor estético permanente— las revolucionarias proposiciones musicales que se concretaban a la sazón en torno del sexteto de Julio De Caro. De un modo general su obra está enraizada a las corrientes de los compositores "criollistas" que en la generación anterior a la suya animaron Eduardo Arólas, Graciano De Leone, José Martínez, Francisco Canaro, Luis Alberto Fernández, Raymundo Petillo, Aníbal Villanueva, entre otros, y que encabezó el Agustín Bardi de El rodeo, Barranca abajo, El paladín y El taura, fue —compartiendo muchos años después ese temperamento con Emilio Balcarce —-el único continuador moderno de aquella fuente de tangos que ciudadanos por lo hondo conservaron como transfigurado, el aire de los estilos, de las milongas y de las vidalitas del deslinde. Las marionetas, La Beba, Adiós Bardi, Don Atilio, Corazoneando y Cardo y malvón, composiciones suyas que reflejan exactamente esa sensibilidad, contribuyeron además

por la riqueza de su forma y a la par de Arrabal, de José Pascual; de El arranque, La rayueia o Chiclana, de Julio De Caro; de Orgullo criollo y De antaño, de Pedro Laurenz, a la creación melódica, armónica, rítmica y estructural del tango milonga de contenido musical evolucionado. Ya en plena década del cuarenta dio en este aspecto el paso más audaz de su tríptico de tangos avanzados que compusieron Negracha (1942), La yumba (1943) y Malandraca (1948). Eminentemente sentidos, concebidos y plasmados para ejecución orquestal, retomó en los tres una línea insinuada en cier-tas páginas como Galio ciego, Polvorita o CTV, de aquel admirable adelantado que se llamó Agustín Bardi, su novedad consistió en romper con las fórmulas tradicionales dominantes, para tomar un dibujo breve de dos compases y luego irlo desplegando con intercalaciones melódicas y frecuentes pasajes contrapunteados en un clima de absorbente obstinación rítmica, que fue precursor indiscutido del Salgan de A fuego lento; del Piazzolla de Tanguísimo; o de Fracanapa y de Los poseídos. Otro tango suyo, A los artistas plásticos, éste de 1966 es en cierto modo un compendio de su estilo de compositor en el campo de las obras orquestales. También incursionó en la modalidad cantable con El encopao, Una vez, Igual que una sombra y Recién, todos tangos de calidad melódica que afirmaron la ductilidad y la riqueza de su imaginación. Dio a conocer además de los ya mencionados los tangos Retoños, Sentimental, Ausencia, Gauchita, Juventud —otra de sus piezas de primera lila—, Espinas, Negra, Se largó el clásico, La biandunga, Sendero, Barro, Mi mariposa nocturna, Muchachita del amanecer y No juegues a la guerra.


3. El ejecutante. Por la valoración integral de las ideas musicales, de la interpretación dela expresión y de la realización técnica ha sido el mayor estilista del tango en su instrumento. Formado en la tendencia que gestaron —ya antes de 1920— Delfino, Pereyra, Rizzuti, Cobián y que Francisco De Caro llevó al plano orquestal con vigor de escuela, creó un estilo y lo cultivó con rango de maestría equivalente de la que Elvino Vardaro alcanzó en su violín, Aníbal Troilo en su bandoneón y Carlos Gardel en su canto. Unió en el mismo a la pureza y a la variedad del pensamiento pianístico, la magnífica pulsación y las calidades de un sonido apagado, romántico, capaz de dar toda una gama de matices emocionales que emana del contenido de cada nota y se resuelve con fluidez exquisita en la totalidad de la frase ejecutada. Siempre de una extremada bre-vedad —ceñidos a una no menos extremada sobriedad armónica y melódica— los solos de Amurado, Emancipación, Festejando, La rayuela, Adiós Bardi, Mal de amores, (o el estupendo de Tierra querida, en los 14 de Julio De Caro, 1975), son perfectamente representativos de esa personalidad. Lo es por igual la tarea de acompañamiento y de conducción en todas las realizaciones de su orquesta —v.g. El rodeo, Pelele, Malandraca, La cabrera, Olivero, La mariposa, Tiny— expresión de su instinto de tango, de su saber ubicarse dentro de la masa instrumental y de un saber llevar a ésta a su manera de frasear, de acentuar y decir un tema.

4.El director. Su obra de creación orquestal estrechamente ligada a su personalidad de compositor y de pianista, involucra una de las más altas manifestaciones de tango de todos los tiempos. Estimulado desde su albor de músico por todo cuanto de estéticamente novedoso y de técnicamente progresista hubo en el estilo de Julio De Caro fue—primero— discípulo de éste aventajado continuador, compartiendo ese rango con Troilo y con Gobbi más tarde, y en defini-tiva el gestor de un estilo nuevo a su vez, por lo menos tan importante y sin duda tan original como aquél que lo había inspirado. El gran pilar emocional y musical de su orquesta es un poderoso aliento rítmico y polirrítmico de inconfundible linaje milonguero con intensas derivaciones de tono canyengue, al que en cierto modo, están condicionados todos los rasgos de estilo que concurren a perfilar su fisonomía: las peculiaridades del fraseo admirablemente acentuado y con marcada tendencia el "tempo rubato"; los pasajes contrapunteados tan frecuentes como los solos expresados siempre éstos con un caprichoso y magnético preciosismo instrumental que excluye el alarde y es en cambio, exacta expresión de la auténtica tensión interpretativa que polariza tango a tango las fuerzas individuales del conjunto. Es ese ensimismamiento que confiere hasta un aspecto visual notablemente diferenciado a su orquesta y que esencia misma del estilo, alcanza en ciertas ocasiones a rehacer con un sentido diverso del ori-ginal, el contenido de la composición arreglada y ejecutada. Hay pues cierto tipo de tango —de naturaleza instrumental y de corte milonga preferentemente— que es el que mejor sirve a las exigencias características de su modalidad; los suyos propios desde luego en primer lugar, en igual plano los de Julio De Caro, los de Eduardo Arólas, los de Agustín Bardi, los de Pedro Laurenz, los de José Martínez algunos de Piazzolla, los de Gobbi, y aquéllos que en perfecta compenetración compusieron en diferentes instancias los miembros de su agrupación: Julio Carrasco (Flor de tango); Jorge Caldará (Patético); Emilio Balcarce (Bien compadre); Esteban Gilardi (El embrollo); Osvaldo Ruggiero (Para dos); Ismael Spitalnik(Bien milonga); Mario Demarco (Patancha);Oscar Herrero (Quejumbroso); Julián Plaza(Nostálgico). Todos esos valores de temperamento y de forma tan personales y de tan sutil captación escrita fueron inicialmente llevados al arreglo por él mismo —en ocasiones por Argentino Galván—: Amurado, Tiny, La cachua, Recuerdo, Vayan saliendo, El remate, Mala junta, Entrada prohibida, Pinta brava, De floreo, Olivero, la rayuela, son realizaciones representativas de esa época, en la que gradualmente fue promoviendo en carácter de colaboradores inmediatos para la escritura a sus propios ejecutantes,-entre ellos Jorge Caldara, Emilio Balcarce, Mario Demarco, Ismael Spitalnik, Víctor Lavallén, Julián Plaza, Rodolfo Mederos, Arturo Peñón, Daniel Binelli, Juan José Mosalini, cuya contribución en lugar de diversificar el estilo, lo esencializó aún más y lo proyectó a la estupenda serie de realizaciones posteriores a 1955: Suipacha, Arrabal, Nonino, La mariposa, Festejando, Orlando Goñí, Nostálgico, La cabrera, Inspiración, A los artistas plásticos, Gallo ciego, Quejumbroso, Cabulero, La bordona, Lorenzo, Ma-lena, entre muchas creaciones de antología y por consiguiente de muy difícil elección. Su orquesta ha sido además una verdadera fragua de inquietudes, cuya gravitación ha alcanzado estilísticamente como es natural, a los propios artistas que han pasado por ella y a muchos otros cultores algunos de dimensión creadora tan distinguida y capital como Astor Piazzolla.

5. Biografía. Nació en Buenos Aires —barriada de Villa Crespo— el 2 de diciembre de 1905. Hijo de Adolfo Pugliese, músico de tango de la primera época estudió fugazmente el violín para consagrarse luego y por entero al piano. Su primer maestro fue Antonio D'Agostino en el Conservatorio Odeón, perfeccionándose más tarde con Scaramuzza y con Rubione. Realizó sus comienzos profesionales en los cines de su barrio, principiando en el tango como pianista de la orquesta de la bandoneonista

Paquita Bernardo, cuando ésta actuó en el café Iglesias, y del conjunto que integró con Juan Failace (Bandoneón) y Alfredo Ferrito (violín) en el café La Cueva del Chancho, de Rivera y Godoy Cruz. En 1924 al fallecer Roberto Goyeneche ocupó el lugar de éste una vez que Enrique Pollet tomó la conducción del sexteto del compositor de El metejón, presentándose en el café ABC primero y en El Parque a partir de 1925. Fue Roberto Firpo quien ya había trocado el piano por la batuta, quien requirió en 1926 su concurso, en reemplazo de Luis Cosenza; a fines de ese mismo año pasó a ser miembro fundador del flamante sexteto de Pedro Maffia, cuya modalidad contribuyó a definir con su ya característica manera de conducir y de acompañar. Tras dos temporadas con Maffia —corría 1929-— se desvinculó del mismo para asociarse artísticamente con Elvino Vardaro a la cabeza de un sexteto que debutó en el mes de setiembre en el café Nacional. Fue disuelto luego de una gira por provincias y con su integración reconstituida —ingresaron Pichuco y Gobbi (primer violín); Alfredo De Franco (primer bandoneón) Pepe Díaz (bajo)-— hizo una gira por localidades de la provincia de Buenos Aires uniéndose al regreso con Federico Scorticati y Juan José Gallastegui para acompañar las actuaciones de Adhelma Falcón y de Charlo. Al año siguiente ofreció interpretaciones a piano y violín con Alfredo Gobbi en los programas de Radio Argentina e integró la orquesta de éste para una temporada en el Richmond Buen Orden, en tanto que durante 1934, 1935 y 1936 prestó sucesivamente su concurso a las orquestas de Pedro Laurenz, Daniel Álvarez, Roberto Firpo y Miguel Caló, encarando —al fin— la reconstitución de sus propias filas, propósito que cristalizó en el palco del Germinal secundado por Alfredo Calabró, Antonio Puleio y Aniceto Rossi como figuras. Tras de otra fugaz actuación bajo la dirección de Elvino Vardaro primero, y de Eduardo Pereyra después, hizo otras dos tentativas como director: una en el Germinal, nuevamente; otra en el cabaret Scherezade, preámbulo ambas de su definitivo espaldarazo; tuvo éste lugar a fines de 1939 en el café Nacional y con la siguiente formación en torno de su piano: Enrique Alessio, Luis Bonnat y Antonio Roscini (bandoneones); Antonio Puleio, Julio Carrasco y Jaime Tursky(violines) y Aniceto Rossi (contrabajo). Con El rodeo y Farol compuso su primer disco—grabado el 15 de julio de 1943—, para la casa Odeón, a cuyo elenco perteneció hasta 1960, en que pasó a registrar sus versiones para Stentor, más tarde para Philips y nuevamente para Odeón. Dentro de su profusa actuación en cafés, radios, cines, teatros y televisión en Buenos Aires, del interior argentino y de Montevideo, cabe destacar las dos importantes turnes que realizó al frente de su agrupación: una en 1960, por diversos estados de la URSS culminada con presentaciones en China continental; otra, a partir de agosto de 1965 por ciudades del Japón. En 1948 bajo la dirección de Osear Caviglia tomó parte en el rodaje de la
película Mis Cinco Hijos, y en 1956 en las representaciones de la obra. Desde el 80, de Andrés Lizarraga y Osvaldo Dragún, ofrecida en el Teatro Fray Mocho. Los solistas de su etapa definitiva han sido Enrique Alessio inicialmente; luego —durante 28 años— Osvaldo Ruggiero y más recientemente Arturo Peñón (bandoneón); Enrique Camerano fue el primer violín desde 1940 hasta 1956, cuando Oscar Herrero tomó su lugar sucedido a su vez por Mauricio Marcelli y éste por Osvaldo Monterde; Aniceto Rossi, primero; luego Alcides Rossi, Ornar Murtagh, Fernando Romano y Domingo Diani (contrabajo) habiendo ocupado en determinadas ocasiones su propia plaza de pianista Osvaldo Manzi y Ernesto Romero. A los vocalistas de su etapa de comienzo Leoncito Beltrán, Amadeo Mandarino, Augusto Gauthier, se sucedieron para la grabación de discos, Jorge Rubino, Roberto Chanel, Alberto Moran, Jorge Vidal, Carlos Olmedo, Juan Carlos Cobos, Jorge Maciel, Miguel Montero, Carlos Guido, Alfredo Belusi, Abel Córdoba, Inés Miguens, Gloria Díaz y María Grana. Fallecio el 25 de Julio de 1995.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

Osvaldo Pugliese

Osvaldo Pugliese al piano

Osvaldo Pugliese


Osvaldo Pugliese

Osvaldo Pugliese, Robeto Chanel y Alberto Moran en 1946

Osvaldo Pugliese en Rusia en 1959

Osvaldo Pugliese cuando integraba orquesta de Eduardo Pereyra en 1936

Osvaldo Pugliese integrante de la orquesta de Elvino Vardaro en 1935

Osvaldo Pugliese cuando integraba la orquesta de Pedro Laurenz

Osvaldo Pugliese durante una grabación en 1969

Osvaldo Pugliese en la orquesta de Pedro Maffia en l926

Pugliese cuando tocaba con Maffia, en 1926. Abajo: Vardaro, Maffia y de Franco. Al medio, Emilio Puglisi y Osvaldo Pugliese. Arriba: Francisco de Lorenzo


PUGLIESE, Osvaldo Pedro. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arregíador.
1. Ubicación. Desde su advenimiento entre los artistas de primer orden que dieron fisonomía, trascendencia y aliento histórico a la generación de 1925, el tango representó para su sensibilidad creadora la más genuina forma de expresión de un nacionalismo musical profundo, arraigado en sus convicciones con fuerza de devoción insobornable y entrañado a su obra como dimensión deestilo. En todas las instancias —adversas o propicias— de sus cincuenta años largos en la música, aquel radical sentimiento ha sido manifestación de una personalidad artística inconfundible; proyectada ésta con idéntica definición a las composiciones, a la modalidad pianística y a la obra orquestal, logró la difícil conciliación de una originalidad renovadora que le ha ubicado en la vanguardia siempre con la atracción popular que da al arte de calidad contenido de auténtica superación espiritual para el público.


2. El compositor. Alcanzó tempranamente su primer espaldarazo con el tango Recuerdo, cuya belleza y cuya novedad de invención y de desarrollo esencializaron en 1924 —con vigor de arquetipo y con valor estético permanente— las revolucionarias proposiciones musicales que se concretaban a la sazón en torno del sexteto de Julio De Caro. De un modo general su obra está enraizada a las corrientes de los compositores "criollistas" que en la generación anterior a la suya animaron Eduardo Arólas, Graciano De Leone, José Martínez, Francisco Canaro, Luis Alberto Fernández, Raymundo Petillo, Aníbal Villanueva, entre otros, y que encabezó el Agustín Bardi de El rodeo, Barranca abajo, El paladín y El taura, fue —compartiendo muchos años después ese temperamento con Emilio Balcarce —-el único continuador moderno de aquella fuente de tangos que ciudadanos por lo hondo conservaron como transfigurado, el aire de los estilos, de las milongas y de las vidalitas del deslinde. Las marionetas, La Beba, Adiós Bardi, Don Atilio, Corazoneando y Cardo y malvón, composiciones suyas que reflejan exactamente esa sensibilidad, contribuyeron además

por la riqueza de su forma y a la par de Arrabal, de José Pascual; de El arranque, La rayueia o Chiclana, de Julio De Caro; de Orgullo criollo y De antaño, de Pedro Laurenz, a la creación melódica, armónica, rítmica y estructural del tango milonga de contenido musical evolucionado. Ya en plena década del cuarenta dio en este aspecto el paso más audaz de su tríptico de tangos avanzados que compusieron Negracha (1942), La yumba (1943) y Malandraca (1948). Eminentemente sentidos, concebidos y plasmados para ejecución orquestal, retomó en los tres una línea insinuada en cier-tas páginas como Galio ciego, Polvorita o CTV, de aquel admirable adelantado que se llamó Agustín Bardi, su novedad consistió en romper con las fórmulas tradicionales dominantes, para tomar un dibujo breve de dos compases y luego irlo desplegando con intercalaciones melódicas y frecuentes pasajes contrapunteados en un clima de absorbente obstinación rítmica, que fue precursor indiscutido del Salgan de A fuego lento; del Piazzolla de Tanguísimo; o de Fracanapa y de Los poseídos. Otro tango suyo, A los artistas plásticos, éste de 1966 es en cierto modo un compendio de su estilo de compositor en el campo de las obras orquestales. También incursionó en la modalidad cantable con El encopao, Una vez, Igual que una sombra y Recién, todos tangos de calidad melódica que afirmaron la ductilidad y la riqueza de su imaginación. Dio a conocer además de los ya mencionados los tangos Retoños, Sentimental, Ausencia, Gauchita, Juventud —otra de sus piezas de primera lila—, Espinas, Negra, Se largó el clásico, La biandunga, Sendero, Barro, Mi mariposa nocturna, Muchachita del amanecer y No juegues a la guerra.


3. El ejecutante. Por la valoración integral de las ideas musicales, de la interpretación dela expresión y de la realización técnica ha sido el mayor estilista del tango en su instrumento. Formado en la tendencia que gestaron —ya antes de 1920— Delfino, Pereyra, Rizzuti, Cobián y que Francisco De Caro llevó al plano orquestal con vigor de escuela, creó un estilo y lo cultivó con rango de maestría equivalente de la que Elvino Vardaro alcanzó en su violín, Aníbal Troilo en su bandoneón y Carlos Gardel en su canto. Unió en el mismo a la pureza y a la variedad del pensamiento pianístico, la magnífica pulsación y las calidades de un sonido apagado, romántico, capaz de dar toda una gama de matices emocionales que emana del contenido de cada nota y se resuelve con fluidez exquisita en la totalidad de la frase ejecutada. Siempre de una extremada bre-vedad —ceñidos a una no menos extremada sobriedad armónica y melódica— los solos de Amurado, Emancipación, Festejando, La rayuela, Adiós Bardi, Mal de amores, (o el estupendo de Tierra querida, en los 14 de Julio De Caro, 1975), son perfectamente representativos de esa personalidad. Lo es por igual la tarea de acompañamiento y de conducción en todas las realizaciones de su orquesta —v.g. El rodeo, Pelele, Malandraca, La cabrera, Olivero, La mariposa, Tiny— expresión de su instinto de tango, de su saber ubicarse dentro de la masa instrumental y de un saber llevar a ésta a su manera de frasear, de acentuar y decir un tema.

4.El director. Su obra de creación orquestal estrechamente ligada a su personalidad de compositor y de pianista, involucra una de las más altas manifestaciones de tango de todos los tiempos. Estimulado desde su albor de músico por todo cuanto de estéticamente novedoso y de técnicamente progresista hubo en el estilo de Julio De Caro fue—primero— discípulo de éste aventajado continuador, compartiendo ese rango con Troilo y con Gobbi más tarde, y en defini-tiva el gestor de un estilo nuevo a su vez, por lo menos tan importante y sin duda tan original como aquél que lo había inspirado. El gran pilar emocional y musical de su orquesta es un poderoso aliento rítmico y polirrítmico de inconfundible linaje milonguero con intensas derivaciones de tono canyengue, al que en cierto modo, están condicionados todos los rasgos de estilo que concurren a perfilar su fisonomía: las peculiaridades del fraseo admirablemente acentuado y con marcada tendencia el "tempo rubato"; los pasajes contrapunteados tan frecuentes como los solos expresados siempre éstos con un caprichoso y magnético preciosismo instrumental que excluye el alarde y es en cambio, exacta expresión de la auténtica tensión interpretativa que polariza tango a tango las fuerzas individuales del conjunto. Es ese ensimismamiento que confiere hasta un aspecto visual notablemente diferenciado a su orquesta y que esencia misma del estilo, alcanza en ciertas ocasiones a rehacer con un sentido diverso del ori-ginal, el contenido de la composición arreglada y ejecutada. Hay pues cierto tipo de tango —de naturaleza instrumental y de corte milonga preferentemente— que es el que mejor sirve a las exigencias características de su modalidad; los suyos propios desde luego en primer lugar, en igual plano los de Julio De Caro, los de Eduardo Arólas, los de Agustín Bardi, los de Pedro Laurenz, los de José Martínez algunos de Piazzolla, los de Gobbi, y aquéllos que en perfecta compenetración compusieron en diferentes instancias los miembros de su agrupación: Julio Carrasco (Flor de tango); Jorge Caldará (Patético); Emilio Balcarce (Bien compadre); Esteban Gilardi (El embrollo); Osvaldo Ruggiero (Para dos); Ismael Spitalnik(Bien milonga); Mario Demarco (Patancha);Oscar Herrero (Quejumbroso); Julián Plaza(Nostálgico). Todos esos valores de temperamento y de forma tan personales y de tan sutil captación escrita fueron inicialmente llevados al arreglo por él mismo —en ocasiones por Argentino Galván—: Amurado, Tiny, La cachua, Recuerdo, Vayan saliendo, El remate, Mala junta, Entrada prohibida, Pinta brava, De floreo, Olivero, la rayuela, son realizaciones representativas de esa época, en la que gradualmente fue promoviendo en carácter de colaboradores inmediatos para la escritura a sus propios ejecutantes,-entre ellos Jorge Caldara, Emilio Balcarce, Mario Demarco, Ismael Spitalnik, Víctor Lavallén, Julián Plaza, Rodolfo Mederos, Arturo Peñón, Daniel Binelli, Juan José Mosalini, cuya contribución en lugar de diversificar el estilo, lo esencializó aún más y lo proyectó a la estupenda serie de realizaciones posteriores a 1955: Suipacha, Arrabal, Nonino, La mariposa, Festejando, Orlando Goñí, Nostálgico, La cabrera, Inspiración, A los artistas plásticos, Gallo ciego, Quejumbroso, Cabulero, La bordona, Lorenzo, Ma-lena, entre muchas creaciones de antología y por consiguiente de muy difícil elección. Su orquesta ha sido además una verdadera fragua de inquietudes, cuya gravitación ha alcanzado estilísticamente como es natural, a los propios artistas que han pasado por ella y a muchos otros cultores algunos de dimensión creadora tan distinguida y capital como Astor Piazzolla.

5. Biografía. Nació en Buenos Aires —barriada de Villa Crespo— el 2 de diciembre de 1905. Hijo de Adolfo Pugliese, músico de tango de la primera época estudió fugazmente el violín para consagrarse luego y por entero al piano. Su primer maestro fue Antonio D'Agostino en el Conservatorio Odeón, perfeccionándose más tarde con Scaramuzza y con Rubione. Realizó sus comienzos profesionales en los cines de su barrio, principiando en el tango como pianista de la orquesta de la bandoneonista

Paquita Bernardo, cuando ésta actuó en el café Iglesias, y del conjunto que integró con Juan Failace (Bandoneón) y Alfredo Ferrito (violín) en el café La Cueva del Chancho, de Rivera y Godoy Cruz. En 1924 al fallecer Roberto Goyeneche ocupó el lugar de éste una vez que Enrique Pollet tomó la conducción del sexteto del compositor de El metejón, presentándose en el café ABC primero y en El Parque a partir de 1925. Fue Roberto Firpo quien ya había trocado el piano por la batuta, quien requirió en 1926 su concurso, en reemplazo de Luis Cosenza; a fines de ese mismo año pasó a ser miembro fundador del flamante sexteto de Pedro Maffia, cuya modalidad contribuyó a definir con su ya característica manera de conducir y de acompañar. Tras dos temporadas con Maffia —corría 1929-— se desvinculó del mismo para asociarse artísticamente con Elvino Vardaro a la cabeza de un sexteto que debutó en el mes de setiembre en el café Nacional. Fue disuelto luego de una gira por provincias y con su integración reconstituida —ingresaron Pichuco y Gobbi (primer violín); Alfredo De Franco (primer bandoneón) Pepe Díaz (bajo)-— hizo una gira por localidades de la provincia de Buenos Aires uniéndose al regreso con Federico Scorticati y Juan José Gallastegui para acompañar las actuaciones de Adhelma Falcón y de Charlo. Al año siguiente ofreció interpretaciones a piano y violín con Alfredo Gobbi en los programas de Radio Argentina e integró la orquesta de éste para una temporada en el Richmond Buen Orden, en tanto que durante 1934, 1935 y 1936 prestó sucesivamente su concurso a las orquestas de Pedro Laurenz, Daniel Álvarez, Roberto Firpo y Miguel Caló, encarando —al fin— la reconstitución de sus propias filas, propósito que cristalizó en el palco del Germinal secundado por Alfredo Calabró, Antonio Puleio y Aniceto Rossi como figuras. Tras de otra fugaz actuación bajo la dirección de Elvino Vardaro primero, y de Eduardo Pereyra después, hizo otras dos tentativas como director: una en el Germinal, nuevamente; otra en el cabaret Scherezade, preámbulo ambas de su definitivo espaldarazo; tuvo éste lugar a fines de 1939 en el café Nacional y con la siguiente formación en torno de su piano: Enrique Alessio, Luis Bonnat y Antonio Roscini (bandoneones); Antonio Puleio, Julio Carrasco y Jaime Tursky(violines) y Aniceto Rossi (contrabajo). Con El rodeo y Farol compuso su primer disco—grabado el 15 de julio de 1943—, para la casa Odeón, a cuyo elenco perteneció hasta 1960, en que pasó a registrar sus versiones para Stentor, más tarde para Philips y nuevamente para Odeón. Dentro de su profusa actuación en cafés, radios, cines, teatros y televisión en Buenos Aires, del interior argentino y de Montevideo, cabe destacar las dos importantes turnes que realizó al frente de su agrupación: una en 1960, por diversos estados de la URSS culminada con presentaciones en China continental; otra, a partir de agosto de 1965 por ciudades del Japón. En 1948 bajo la dirección de Osear Caviglia tomó parte en el rodaje de la
película Mis Cinco Hijos, y en 1956 en las representaciones de la obra. Desde el 80, de Andrés Lizarraga y Osvaldo Dragún, ofrecida en el Teatro Fray Mocho. Los solistas de su etapa definitiva han sido Enrique Alessio inicialmente; luego —durante 28 años— Osvaldo Ruggiero y más recientemente Arturo Peñón (bandoneón); Enrique Camerano fue el primer violín desde 1940 hasta 1956, cuando Oscar Herrero tomó su lugar sucedido a su vez por Mauricio Marcelli y éste por Osvaldo Monterde; Aniceto Rossi, primero; luego Alcides Rossi, Ornar Murtagh, Fernando Romano y Domingo Diani (contrabajo) habiendo ocupado en determinadas ocasiones su propia plaza de pianista Osvaldo Manzi y Ernesto Romero. A los vocalistas de su etapa de comienzo Leoncito Beltrán, Amadeo Mandarino, Augusto Gauthier, se sucedieron para la grabación de discos, Jorge Rubino, Roberto Chanel, Alberto Moran, Jorge Vidal, Carlos Olmedo, Juan Carlos Cobos, Jorge Maciel, Miguel Montero, Carlos Guido, Alfredo Belusi, Abel Córdoba, Inés Miguens, Gloria Díaz y María Grana. Fallecio el 25 de Julio de 1965.Fuente Horacio Ferrer

Hugo Duval

Hugo Duval con la Orquesta de Rodolfo Biagi

Cantor(13 de diciembre de 1928 - 22 de agosto de 2003)Nombre verdadero: Luciano Hugo Giurbino.
Este cantor nacido en Buenos Aires, fue dueño de una bella voz, interpretaba con un personal fraseo y, también, supo expresar un sobrio dramatismo cuando así lo exigía la obra. Prácticamente, toda su carrera artística estuvo ligada al maestro Rodolfo Biagi con quien realizó sus más rutilantes éxitos.

Desde joven sintió una gran pasión por el tango y una profunda admiración por los cantantes. Por medio de un amigo, fue al conservatorio del maestro Eduardo Bonessi, quien al escucharlo elogió sus condiciones pero le sugirió que estudiara, consejo que Luciano aceptó inmediatamente y, sin más, se convirtió en un asiduo alumno del conservatorio.

A los 17 años, comenzó sus actuaciones en distintos espectáculos barriales y a partir de 1948 en los cines, en los denominados "números vivos". Espacio artístico que por disposición de una ley nacional obligaba a los cines, en los intervalos, a presentar cantantes, músicos, cómicos, malabaristas y las más variadas manifestaciones artísticas.

Al mismo tiempo, se presentaba en todos los concursos de cantores que como norma realizaban las confiterías que ofrecían espectáculos. En uno de ellos lo escuchó el violinista Raúl Kaplún, quien lo invitó a incorporarse a su orquesta. Debutó en Radio Belgrano junto al joven Roberto Goyeneche. Lamentablemente, de esa etapa de Kaplún con las voces de Goyeneche y Duval no se registran grabaciones discográficas.

Luego de los bailes de carnaval de 1950, se desvinculan de la orquesta de Rodolfo Biagi, los cantores Alberto Amor y Carlos Saavedra, quienes fueron reemplazados por Carlos Heredia que había estado con Gobbi y por Hugo Duval, ya con su nombre artístico.

El 13 de septiembre de ese año, hizo su debut en el disco a dúo con Carlos Heredia, con el vals de Feliciano Brunelli y Lito Bayardo "Serenata campera". Los cantores permanecieron juntos hasta 1953. Luego, Hugo quedó como la única voz de Biagi, hasta 1962.

Resulta curioso pero explicable por el éxito de Duval, que de los 20 temas que graba la orquesta para el sello Odeon, trece los hace con el cantor, incluidos dos dúos con Heredia, quien como solista grabó dos temas y cinco son instrumentales. Uno de los éxitos más resonantes fue "Bailarina de tango", al que le siguieron: "Sangre de mi sangre", "Triste comedia", "Santa milonguita" y el vals "Adoración".

En marzo de 1956, luego de dieciocho años, Biagi se desvinculó de Odeon. Su últimos dos registros fueron el instrumental "Organito de la tarde" y, con la voz de Duval, "Alguien".

A fines de agosto del mismo año, el binomio Biagi-Duval registró para su nuevo sello, CBS-Columbia, el vals "Ramona" y el tango "El carrerito". Luego vendrían veinte grabaciones más de las cuales dieciocho fueron con la voz de Hugo, destacándose las versiones de: "Esperame en el cielo", "Como un cuento", "Mi alondra" y "Andrajos".

Al año siguiente, se sumó a la formación el cantor Carlos Almagro y la orquesta graba para Music Hall un disco larga duración con 12 temas. Y el cantor selló otro acierto, su espléndida versión de "Mariposita".

En los años sesenta, muy difíciles para el tango, pese a ser tentado a seguir su carrera como solista, Duval permaneció con el maestro hasta su última actuación, el 2 de agosto de 1969, en el baile realizado en el Club Hurlingham, de la Provincia de Buenos Aires, un mes antes que falleciera Biagi.

Luego sí, continuó como solista realizando giras y participando en la televisión. También, grabó un cassette acompañado por el conjunto "Don Rodolfo", evocativo del gran "Manos Brujas".

Como dice Jorge Palacio, Hugo Duval y Jorge Ortiz fueron las voces emblemáticas de Rodolfo Biagi. Además, fueron los que más temas grabaron con él.

La última vez que tuve el privilegio de escucharlo, fue en un festival en homenaje al coleccionista y difusor, don Osvaldo Castillón, el 7 de septiembre de 1980, en los salones de los Bomberos Voluntarios de Matanza, en Ramos Mejía.

Lisa Ekdahl

Lisa Ekdahl

Lisa Ekdahl sueca es un cantante, compositor, letrista y artista que ha grabado álbumes tanto en el Inglés y en el idioma sueco.
Su álbum debut vendió cuádruple platino y trajo al superstardom en la noche a la mañana en su país natal, donde es principalmente conocida por su canción fuerte y sueco escrito letras.
Ella es un tres veces ganadora del Premio Grammy.

Lisa Ekdahl

Nombre: Lisa Ekdahl
Fecha de nacimiento: 1971-07-29 en Hägersten
Rased: Justo fuera de Mariefred
Registrarse: Lion
Altura: 154 cm (5 pies)
Profesión: Cantante
Escuela: Tälje Musikgymnasium
Recordcompany: Alicia Musik AB
Familia: Salvadore Poe (casados -99)
Hijo Milton (nacido en 23 Diciembre 1994 padre: Bill Öhrström)
Familia Ekdahl:
Hermanas: Matilde y Sofie
Padre: Nuclearphysicist
Madre: Kindergardenteacher
Vive: Apartamento en Södermalm Estocolmo
Premios:
A Rockbjörn "mejor artista femenina -94"
Tres Grammy -94
(artista del año, femenino y pop-rockartist del año, álbum del año)
Ulla Billquist - beca

Lisa Ekdahl

Varios países europeos ha caído por su subestimada forma de ejecutar las normas de jazz y bossa nova originales canciones.
Lisa Ekdahl ha grabado tres discos en Inglés: "¿Cuándo dejar el cielo", "Back to Earth" y "Lisa Ekdahl canta Salvadore Poe".
Su estilo inspira confianza, acompañada de su fragilidad y sensibilidad ha deslumbrados fanáticos y críticos por igual.
Elogios para Lisa Ekdahl de álbumes en Inglés de prensa:
"Baby love you"
- The Guardian
"¿Puede blanco las niñas cantan el Blues?-Este se puede"
- Independiente
"Un clásico en la puesta"
- ¿Qué 's En
"Sofocante, inspira confianza bossa nova en su más frío y más genial"
A domingo Express
"Es como un verano en un CD"
- Footlose
Fuente Web de Lisa Ekdahl

Edgardo Donato y Luis Diaz

Edgardo Donato en setiembre de 1933


DONATO, Edgardo. Músico. Violinista. Director. Compositor. Identificado, desde 1924, con el impactante éxito —rioplatense, primero, luego internacional— de su tango A media luz, su carrera de medio siglo en la música popular, trascendió valorativamente, con otras páginas como Beba, Muchacho o Venite conmigo y merced a una extensa y esforzada trayectoria de director, el mérito concedido a aquella afortunada obra juvenil. Nació en Buenos Aires, en la calle Belgrano, barrio de San Cristóbal, en 1897. Hijo del violoncelista Ernesto Donato, vivió desde 1899 en Montevideo, en donde se radicó su familia. Inició sus estudios musicales en el Conservatorio Franz Liszt, debutando profesionalmente como violinista en la jazz de Carlos Warren(mas adelante Roberto Zerrilo), en 1918 y en la orquesta típica de Enrique Delfino. Viajó con Warren a Buenos Aires para presentarse en el cabaret Tabarís. Poco después comenzaron sus éxitos de compositor. El primero fue Julián —con letra de Panizza—, el cual, entrenado en el Uruguay, alcanzó su espal-darazo en Buenos Aires durante 1923; lo cantó —teatralizado— Iris Marga en la pieza revisteril ¿Quién Dijo Miedo?, ofrecida en el Maipo. Al año siguiente dio a conocer otros que afianzaron su personalidad popular. Entre ellos: Puras plumas —que Julio De Caro llevó a discos Victor—; Muchacho, con letra de Celedonio Flores, aunque su suceso mayor lo configuró A media luz, es-trenado en el escenario del Teatro Catalunya (Albéniz), de la calle Ibicuy, por la vedette Lucy Clory, en las representaciones de Su Majestad la Revista y que editó don Alfredo Perrotti. En 1925, al amparo de su proyección autoral, se afincó transitoriamente en Buenos Aires, integrando la agrupación de Adolfo Carabelli, primero, y la orquesta del cine Select

Edgardo Donato en 1933,con Agustin Magaldi y Pedro Noda.

Buen Orden —primera sala con orquesta de fondo para las películas mudas— más tarde. Regresó a Montevideo en 1927. Fue entonces cuando con su amigo Roberto Zerrillo, compañero de comunes actuaciones en los conjuntos de Warren, decidió la formación de una orquesta. Ese mismo año la orquesta Donato-Zerrillo se presentó en el café Avenida, de 18 de Julio, actuando también en la temporada estival de 1928 en el hotel Carrasco, en los teatros Urquiza y Solís, en el cine Parlante y en el cabaret Chantecler, con notable suceso. Se trasladaron entonces a Buenos Aires, contratados por Agustín Álvarez, para tocar en el cine Select Lavalle, donde permanecieron hasta 1930. Spera y Turturiello (bandoneones), Donato y Zerrillo (violines), Osvaldo

Edgardo Donato, en agosto de 1936.En Radio La Voz del Aire es reporteado por el locutor Zappe el día en que la orquesta Malerba-Vaccaro le rinde homenaje tocando sus tangos más famosos.

Donato (piano) y Ascanio Donato (bajo), integraron aquel modesto conjunto que grabó sus versiones para el sello Brunswick desde Seguí no te parés y No me engañes, por favor (1929), su primera placa. En dichos discos, además, acompañaron la tarea vocal de Azucena Maizani y de Agustín Magaldi. Desvinculado Zerrillo en 1931, con motivo de su viaje a España con la Maizani, él continuó desde entonces su carrera por propia cuenta. Grabó, sucesivamente, para las casas Brunswick, Victor y Pampa, con los vocalistas Juan Alessio, Antonio Maida, Félix Gutiérrez, Romeo Gavio (Gavioli), Alberto Lagos, Alberto Podestá, Carlos Almada y otros. Juntamente con Máximo Orsi, compuso la música para la película Riachuelo (1934) y actuó con su orquesta en otra

Edgardo Donato

de 1933: Tango, de Moglia y Barth. Además de los tangos ya mencionados dio a conocer, dentro de un fecundo, exitoso y desparejo repertorio Olga, Pensalo bien (distinto del de Calvera y López), A las dos de la mañana, Volvé, Don José, Ni te perdono ni te olvido, Qué careta, Se va la lancha, El hijo de Julián, Siga el tango, Círculo de Skating, Seguí no te parés, Sisley, Corazoncito de oro, El huracán, Marcelo, Malala, Para ser copero, Se va la vida (originalmente destinado a la publicidad de un jabón), Toda mía, A engrupir a los giles, De milonga corrida, Muñequita de trapo, Bigotito, Quiero casarme, Qué querés si soy así, Pobre soñador, T.B.C., Doña Maríbiga. Falleció en Buenos Aires el 12 de febrero de 1963.Fuente Horacio Ferrer.
Luis Diaz en el año 1935
Biografia del cantor Luis Diaz
DIAZ, Luis. Cantor. Autor. Nació el 8 de febrero de 1898. Se inició en 1925 como cantor nacional, tenor y "speaker" en LR4. Poco después cantó con la orquesta de Julio De Caro, en el cine Select Lavalle, prosiguiendo por espacio de varios años su labor en dicha sala con el conjunto Donato- Zerrillo. Como estribillista de discos fonográficos, tuvo muy larga actuación, registrando la mayoría de las grabaciones del sello Brunswick, con las orquestas de Julio De Caro, Pedro Maffia, Donato-Zerrillo y Ricardo Brignolo. En dicho sello actuó también como solista y en el dúo Díaz-Gómez. Intervino en el reparto de la película Los Tres Berretines, interpretando el tango Araca la cana. Intervino como tenor lírico en Madame Lynch, dirigido por Enrique T. Susini. Posteriormente abandonó el canto, dedicándose a su profesión de locutor radial. Autor de letras, entre ellas la del tango Tierra querida, de Julio De Caro. Obra: Narciso Negro. Tomó parte en la película Galería de Esperanzas (1934).

Daniel Binelli

Daniel Binelli


Daniel Binelli y Eduardo Isaac

BINELLI, Daniel José. Músico. Bandoneonista. Arreglador. Compositor. Nació en Quilmes, provincia de Buenos Aires, el 20 de marzo de 1946. Desde los diez años de edad, el padre le dio las primeras lecciones de su instrumento, perfeccionándose luego con Abelardo Alfonsín. Casi inmediatamente hizo su debut en público tocando como número vivo en el cine Medrano, hasta su incorporación, en 1961 a la orquesta de Lorenzo Barbero. Dos años después ganó el concurso Nace una Estrella, organizado por Canal 13, deslumbrando con toda su calidad de ejecutante en complejos y expresi-vos solos de bandoneón "a cappella" en el programa Show del Mediodía, conducido por Héctor Coire. Ello le valió ser llamado en 1964, aún adolescente para estrenar en Radio Nacional y bajo la dirección de Bruno Bandini, el Concierto para Bandoneón y Cuerdas, de Juan Buscaglia. Ingresó en 1968 a la orquesta de Osvaldo Pugliese, juntamente con Juan José Mosalini y Rodolfo Mederos, en una fila de bandoneones encabezada por Arturo Penón, y que integró hasta el presente. A partir de 1970, alternó sus actuaciones junto a Pugliese, con su participación en el Quinteto de la Guardia Nueva (como fundador, ejecutante y también arreglador), ofreciendo recitales en Radio Municipal, Facultad de Medicina, SADAIC y Teatro Regina, y grabando para el sello Fermata. En 1973 integró como bandoneón solista el quinteto de Hugo Baralis (versiones grabadas para Music-Hall) y la agrupación Generación Cero, de Rodolfo Mederos(versiones grabadas para Troya). En octubre de 1976, juntamente con Mosalini y Mederos, comenzó a participar de los recitales del conjunto de música progresiva Alas al que, luego, quedó incorporado en carácter de solista permanente. Y en 1977 participó con Rodolfo Alchourrón en las presentaciones de Canto y Clarificación. Colaboró como arreglador con Pugliese en muchas de las realizaciones grabadas de la orquesta: Qué noche y Camandulaje; Ojos negros (con Mosalini); Tinta roja (con Pugliese); A Evaristo Carriego (con Pugliese y Penón); De puro guapo (con Pugliese).br />Estudia armonía con Pedro Aguilar y Rodolfo Alchourrón. Sus obras: Nuevo San Telmo, candombe; Siempre milonga y Fuegazo, tango, las tres con la colaboración de Juan José Mosalini. Solos suyos de sobresaliente ejecución, pueden escucharse en L.P. Tangos Setenta y trés, grabado con Hugo Baralis en Music-Hall.

Julio De Caro

Julio De Caro en 1936


Julio De Caro: Músico. Violinista. Compositor. Director. Arregiador.
1. Ubicación: Creador indiscutido del estilo que involucró la primera transformación espiritual profunda, musicalmente progresista y estéticamente revolucionaria en las formas instrumentales del tango. Surgió entre las figuras más jóvenes de la generación de 1910. Hizo su fogueo en la frecuentación de los mayores músicos de esa élite: Firpo, Bardi, Arolas, Roccatagliata, Fresedo, Cobián y Delfino. Recogió y compendió inteligentemente las novedosas postulaciones incorporadas por éstos, para proyectarlas, luego de 1923, con audaz originalidad en la modalidad propia que le convirtió, con genuinos títulos, en líder de la siguiente generación y en fundador de una escuela de intérpretes, cuya gravitación alcanzó a trascender en más de treinta años de tango orquestal.

Julio De Caro y su orquesta

2: El director y el intérprete. La esencia de su estilo derivó del encuentro de las firmes raíces temperamentales del tango con vibración de extramuros —que él recibió de su constitutiva condición de hombre de Buenos Aires y de su admiración por Eduardo Arolas, Tito Roccatagliata y Agustín Bardi—, con las preceptivas de concepción musical de evolucionada realización técnica que le infundieron su propia formación, de corte académico y su afinidad con la refinada tendencia melódica de Cobián y de Delfino. Milonguero y romántico pues, a un tiempo, su sexteto se caracterizó por una inesperada ductilidad, desconocida como valor de interpretación hasta entonces. En versiones como Boedo, El baqueano, El malevo, Nobleza de arrabal (discos Victor) o De Antaño, Qué noche, Chinche bonete (discos Brunswick), prevalece la fuerza, la intención del tango compadre, intenso, de gran señorío rítmico. Por el contrario en Copacabana, Quimeras, Aromas, Flores negras(discos Victor), en Luna de miel, Musete, Filigrana, Tuve un sueño, Don Quijote, Un poema (discos Brunswick) o en Ideal (discos Odeón), domina la melancolía, el melo-dismo y el ensueño del tango

Julio De Caro

arromanzado. En Olimpia, Berretín, Amurado, las dos maneras de expresar se confunden en perfecto equilibrio de propósitos, de emoción y de formas musicales. Todo cuanto, en el orden temperamental, supuso su estilo, ensanchando el horizonte espiritual del tango—lo suyo fue, ante todo, una nueva manera de sentir— encerró también consubs-tancialmente, la gama de medulares innovaciones que dieron a su orquesta y a su obra fisonomía revolucionaria: el inconfundible modo de dividir y de acentuar la frase, claro, sin vacilaciones, rotundamente definido en cada nota —lo cual marcó una de las más nítidas diferencias respecto de sus predecesores—; la riqueza en la colocación de las voces; la imaginación para la intercala-ción de los solos y para el tratamiento contrapuntístico entre los diferentes sectores instrumentales: solos y contracantos en el violín, solos fraseados y a "cappella", variaciones en el bandoneón, solos y conducción de inesperada dimensión armónica en el piano. En

Julio De Caro en 1932, dirige su orquesta integrada por 50 músicos en Radio Splendid

conjunto, su obra gravitó, por de pronto, en cuatro artistas —Vardaro, Pugliese,Troilo y Gobbi— que, recreándola, le dieron rango de escuela para extender su alcance hasta las generaciones de 1940 y de 1955.
3: El ejecutante. Violinísticamente, compartió con Agesilao Ferrazano, Cayetano Puglisi y Elvino Vardaro, la hornada de arcos que, recibiendo la incipiente tradición de los Roccatagliata, de los Lafemina, concretó la primera diferenciación de estilos violinísticos individuales. Perfilaron su silueta de violín, el fraseo, los "portamenti", la manera de"dar" el tango con la arcada corta de los "stacati". Sus solos en Don Quijote, Noches de estío, Buen amigo, Berretín y Olimpia, son exactamente representativos de su estilo, a pesar de que el empleo del violín cornetapara las grabaciones desmejoró a veces su hermoso sonido, tan personal y tan identificado con su temperamento de auténtico "diseur" del arco. Alfredo Gobbi (h.) y Enrique Camerano fueron en ello sus más destacados continuadores.

De izq. a der.:Francisco De Caro,Manlio Francia,Julio De Caro y Pedro Laurenz-1927.


4: El compositor. Su obra de compositor aparece indisolublemente asociada a su naturaleza de intérprete. Por igual que en ésta, dos corrientes —la criollista de Arolas y la más europeizante de Cobián— son las precursoras de su música, consagrada luego con personalidad incuestionable entre las mayores contribuciones a la jerarquízación del tango por la variedad, la belleza y la auténtica clase de su inventiva. Boedo —acaso la más representativa de sus composiciones—, Tierra querida, El arranque, Guardia vieja, La rayuela, Tierra adentro, De rompe y raja, Chiclana, Parlamento, El malevo,' Tiny, Orgullo criollo, Mala pinta, Mala junta, Aníbal Troilo, Muchacha-da de ley, Arolas, El monito, El tigre del bandoneón, Flor de flor, Floreo porteño, figuran entre sus páginas de corte milonga, generalmente desarrolladas sobre la base de una primera parte de diseños rítmicos y una segunda melodía fuerte, enriquecida en su concepción y en su escritura, por unos clásicos temas de contrapunto. Copacabana, Moulin Rouge, Todo corazón, El Bajel, Allá en el cielo, Luna de miel, Mi corazón sentimental, Manos vacias, Colombina, ilustran su producción en las variedades de tango romanza y cantable.
5: Biografía. Nació en Buenos Aires, en la calle Piedad —hoy Bartolomé Mitre— el 11 de diciembre de 1899. Fue hijo de Mariana Ricciardi y de José De Caro, el cual le enseñó música desde la extrema niñez. Continuó esos estudios junta mente con su hermano Francisco, bajo la dirección del maestro De María con quien, por mutua decisión vocacional, trocaron entonces los instrumentos del deseo paterno: Francisco optó por el piano y él por el violín. Viviendo su infancia en San Telmo —donde don José De Caro tenía casa de música—conoció a muchos de los tanguistas de la época. En 1912 hizo, a piano y violín, con el hermano mayor, sus primeras presentaciones públicas en los consabidos recitales del Prince George's Hall. Mudó luego con su familia al barrio del Once —Catamarca y México— donde trabó amistad con el maestro Cayetano De Bassi (y con los hijos de éste, Arturo y Antonio), quien lo tomó como segundo violín para la orquesta del Teatro Lorea, en la plaza homónima. Su definitiva incorporación al tango —que le val-dría, de la severidad de don José, la expulsión del hogar—, arrancó de una ocasional, tanto como aplaudida intervención juvenil en la orquesta de Roberto Firpo, durante 1917, en el Palais de Glace. La misma lo vinculó además a Eduardo Arolas, a cuyo conjunto se agregó como figura estable en 1918, acompañándole al año siguiente a Montevideo. En ese mismo 1919, integró con Maffia, Rosito y Rizzuti, un cuarteto de actuación en el café El Parque. Tocó también juntamente con Rizzuti, en la flamante orquesta de Osvaldo Fresedo.

Julio Caro, en junio de 1936, contempla su violín admirativamente firmado por Fritz Kreisler.

Contratado por el empresario del Teatro San Martín, formó para los bailes de carnaval en 1921 una agrupación gigante, desempeñándose luego con Fresedo, Delfino y Francia en uno de los Cuartetos de Maestros. Se radicó entonces —corría ya 1922— en el Uruguay, como primer violín de la orquesta de Minotto Di Cico, alternando con las presentaciones de su propio cuarteto en el Royal Pigall. De regreso a Buenos Aires, fue requerido por Juan Carlos Cobián, con quien grabó discos para la Victor y de cuyo sexteto se hizo cargo desde la partida del compositor de Piropos rumbo a Nueva York. Maffia y Petrucelli (bandoneones), Emilio De Caro (segundo violín), Francisco De Caro (piano) y Leopoldo Thompson (bajo), formaron en aquel primer conjunto suyo, que debutó a fines de 1923, en el café Colón, en Radio Súdamerica y, con la integración sensiblemente ampliada, en los bailes de carnaval, de la confitería L'Aiglon. Temporadas en el Vogue's Club, en el Chantecler, en el Richmond, de la calle Suipacha, en el cine Select Lavalle, en el Teatro San Martín, de Rosario, en el Tigre Club, hicieron lo fundamental de su labor entre 1924 y 1927. A ese período

Julio De Caro dirige su orquesta en una escena de la película Murió el Sargento Laprida, dirigida por Tito Davison en 1937.

correspondió también su vinculación a la casa de los discos Victor, desde una primera placa con el tango Todo corazón. En cuanto a su personal, en 1924, ingresó Pedro Laurenz en el lugar de Luis Petrucelli, en tanto que Enrique Krauss tomaba la plaza del desaparecido Thompson; en 1926, Armando Blasco se incorporó al desertar Pedro Maffia, entrando José Nieso como segundo violín. Con esta formación, viajó en 1927 a Brasil, contratado para tocar en el Copacabana Palace Hotel y, en 1931, con los "chansonniers" Luis Díaz y Juan Carlos Marambio Catán, a Europa, en una gira que abarcó recitales en ciudades de Francia —incluso en la Sorbona— y de Italia, y participación en la musicalización y en el rodaje de la película franco-argentina Luces de Buenos Aires. Entre una y otra turné, actuó en las célebres tertulias de los cines Renacimiento y Real, pasando en 1929 a registrar sus versiones para el sello Brunswick, con notorio perjuicio para la calidad de sus trabajos fonográficos.

Julio De Caro con Horacio Ferrer en el restorán El Águila de Montevideo, en 1966

A partir de 1932, con sus conciertos en el cine Broadway y en Radio Splendid, amplió su agrupación, obte-niendo en 1933 el Certamen Nacional de Orquestas del Luna Park. Inició luego de la desvinculación de Laurenz, de Blasco, de Nieso y de Sciarreta, una etapa diferente con Carlos Marcucci, como primer bandoneón y la colaboración de Julio Perceval, Julio Rosemberg y Alejandro Gutiérrez del Barrio, en el arreglo orquesta] con inclusión de bronces, de maderas y de percusión, elevada inquietud que contribuyó a imponer la escritura orquestal en el tango, pero que, a la par, desdibujó y descaracterizó su magnífico estilo. Radio El Mundo, Teatro Pueyrredón de Flores, Gran Teatro Ópera, Casino de Viña del Mar —en Chile—, Teatro del SODRE -en Montevideo- y la película Murió el Sargento Laprida, recogieron desde 1937 hasta 1940

Julio De Caro con su orquesta en 1954; lo acompañan Francisco De Caro, Hugo Baralis, Marcos Madrigal, Arturo Penón, Cachito Presas, Carlos Marcucci.


las realizaciones de su Orquesta Melódica Internacional, de cuya fisonomía musical son ejemplos las grabaciones Odeón de los tangos Fuego, Aquel amor y Derecho viejo. En 1937 fue elegido por certamen popular de la revista "Sintonía", para integrar el quinteto Los Virtuosos, que actuó en la película Así es el Tango. Luego del 40 volvió de modo estable a la orquesta típica—y, ocasionalmente, para grabaciones, al sexteto— contratado sucesivamente por las casas Odeón y Pathé y por las emisoras El Mundo y Belgrano, hasta 1954, confiando, entonces, en toda esa etapa, la tarea vocal de su orquesta a Carlos Viván, Héctor Farrell, Orlando Medina. Orlando Verri, Fanny Navarro, entre otros, los que sucedieron a Lito Bayardo, Luis Díaz, Juan Carlos Otero. Teófilo Ibáñez, Pedro Lauga, Lydia y Violeta Desmond, Antonio Rodríguez Lesende, que habían sido sus "chansonniers" entre 1927 y 1937. Encabezó, ya retirado de la dirección activa, el Movimiento de Revaloración del Tango y, en 1962, fue invitado por la Universidad de la República del Uruguay, para abrir el Primer Festival Universitario de Tango, realizado en el Teatro Solís y Sala Verdi, de Montevideo. En 1966 viajó a Río de Janeiro a fin de integrar el jurado del Festival Internacional de la Canción. Desde los orígenes mismos del movimiento gremial de autores y de compositores, estuvo acti-vamente asociado a él, correspondiéndole ocupar cargos de vicepresidente —durante cuatro períodos— en el

Julio De Caro en 1907


directorio de SADAIC. En 1964, la editorial Centurión publicó su volumen de memorias —quinientas páginas de libro— bajo el título El Tango en mis Recuerdos, que tuve el gusto de prologar por pedido suyo. A más de su obra de compositor ya mencionada, dio a conocer los tangos Dulce hogar, Maridito mío, Jardín florido, Pulgarín, El mareo, No me olvides, 1937, Cote d' azur, Viña del mar, Adiós Montevideo, Punto y banca, Soy bailarín, Un silbido en el bolsillo, El diente, Loquita mía, Todo el año es carnaval, Churro, Puede ser, No me pidas la exclusiva, Fresedo, Minotito, Osvaldo Pugliese, Albéniz, Tierra adentro, Viejo paria. Fuente Horacio Ferrer.

Trini Lopes

Trini Lopez con Los Beatles-1963

NACIMIENTO NOMBRE: TRINIDAD LOPEZ, III FECHA DE NACIMIENTO: 15 de mayo de 1937
Lugar de nacimiento: Dallas, Texas PADRES: El padre de Trini, Trinidad López II, fue un cantante, bailarín, actor, músico y en Mexico. Cuando tenía 18 años, se casó con Petra González y se mudó a Dallas, Texas, desde Mexico a hacer una vida mejor para sí mismos. Ambos de Trini padres del fallecido son.
HERMANOS: 4 Hermanas - 1 ha fallecido y las otras 3 son amas de casa. Hermano 1 - Jesse, también es un animador.

EDUCACIÓN: Asistió a la escuela primaria y NR Crozier Tech High School en Dallas, Texas. Trini tuvo que abandonar la escuela secundaria en su último año de secundaria porque su padre necesita su apoyo financiero.
Trini Lopes Con Kirk Douglas-2005

ANTECEDENTES: Trini era un pobre muchacho de barrio de Dallas, Texas. Recuerda apenas suficiente comida para la familia, la cantidad siempre determinada por sus padres la capacidad para obtener cualquier trabajo que pueda. "Ellos trabajaron y lucharon juntos para sobrevivir", recuerda. "Ellos ara los campos juntos. Mi madre se lavan la ropa en el barrio de ingresos adicionales. No se puede imaginar lo difícil que fue."

Trini ha hecho "limonada" de una vida que comenzó con nada más que los limones! Cuando tenía 11 años, su padre le nalgadas para "colgar un poco con el tipo equivocado de los niños" ... lo que un hombre sabio iba a llevar su talentoso hijo de una vida de pandillas callejeras a una vida de gracia sofisticados. Trinidad López, Sr, se sintió tan mal por la azotaina que había dado su hijo, le compró a $ 12,00 guitarra que realmente no podía permitirse. Trini dice: "Una azotaina literalmente cambió mi vida."
Con su banda 1962
Trini aprendido a tocar la guitarra de su padre. Luego jugó por dinero en las esquinas de las calles. Él finalmente pasó a formar su propio grupo. Fue entonces que el mundo vio los inicios de la cantando, actuando, y muy talentosos Trini Lopez. Trini la primera canciones se cantan mexicano-alongs con su madre, padre, hermano y hermanas. Él abandonado la escuela secundaria para ayudar a su padre apoyar a la familia cantando en torno a Dallas Texas y la "Southland". Trini la calidad no se puede negar. A continuación el Club El Cipango en Dallas, (a parte más ricos de Dallas) y a otros grandes clubes en todo el Suroeste. Se dio cuenta de la música que hacen de él algo especial. De hecho lo hizo, que le permita llegar a sí mismo, y su familia, fuera del barrio.

Trini Cuando tenía 18 años, King Records en Cincinnati, Ohio, Trini oído que había escrito y se registrará una sola en Dallas en un pequeño sello llamado Volk Records. El nombre de la canción fue "El Derecho a la Roca." Desde el principio, el registro de productores querían Trini a cambiar su nombre a cualquier cosa menos López. Trini era, y es, orgulloso de su patrimonio y fue devastado por la situación. Trini se negó y se dirigía a la puerta cuando el registro de productores se detuvo y le dijo: "Bueno, Bueno, usted puede mantener a su nombre." El único hecho un poco de ruido en Dallas, es suficiente ruido para King Records que se impresionó con la voz de Trini y el estilo. King Records Trini ofrecido un contrato de grabación y durante tres años, que voló Trini de Cincinnati a Dallas para grabar durante dos semanas a la vez. Lamentablemente, la única canciones que estaban dando a Trini quedaron antigua canciones que tenían en su catálogo de artistas país, como Cowboy Copus. De vez en cuando en algunas sesiones de grabación, Trini se deslizamiento en algunas de sus propias composiciones que fueron más al día. La única canción a pegar los cuadros a nivel nacional en la etiqueta para el Rey Trini era una canción Trini cubiertos por el Skyliners llamado "Como no tengo ninguna You." La canción impactó el Top 10 nacional, y Trini se encantados de ver su nombre en Cashbox, y Billboard. La única otra canción en King Records Trini tenía que fue un hit N º 1 en su ciudad natal de Dallas fue una canción llamada "No deje que su Sweet Love Die".

Trini entabló amistad grabación de la famosa artista, Sr. Buddy Holly, un compañero tejano. Buddy Holly Trini pregunta si desea cumplir su registro de productores en Clovis, Nuevo Mexico. Trini se encantados y acondicionarse su estación vagón con su grupo y los obligó a Clovis con las esperanzas de grabación. Buddy Holly del registro de productores resultó ser perjudicada a causa de Trini Patrimonio de la Humanidad. Él no permitiría el uso de Trini en el nombre de la discográfica. Trini del grupo de acuerdo con la conspiración en contra de la Trini nombre en latín, y acordaron no permitir que Trini a cantar en el expediente. El disco fue lanzado en forma instrumental bajo el nombre de "The Big Beats." Trini Cuando regresó a Dallas, se disolvió el grupo y montado una nueva banda

Mientras que en Clovis, Trini no sólo entabló amistad Buddy Holly, sino también su banda, The Crickets. Como destino tendría que, dos meses más tarde, Buddy Holly fue muerto en el fatal accidente de aviación junto con Richie Valens y The Big Bopper. Un par de meses después del accidente de aviación, Trini recibió una llamada telefónica de los grillos que le pide venir a Hollywood para ser su cantante. Trini fue extático, y en lugar de volar, utilizó el dinero enviado por los grillos para conducir su vagón a la estación de Los Angeles. A lo largo de los dos días y medio viaje, Trini mantenerse a sí mismo diciendo "o busto de Hollywood, Hollywood o busto!" En 1960, llegó a Trini HOLLYWOOD conducía su viejo vagón con la estación de "Trini Lopez y su Combo" pintada en cada lado.

El acuerdo con Trini tenía los grillos no se materializó porque los grillos se disfrute de sus derechos de autor y registro de ventas de Buddy Holly éxito en el pasado fueron las grabaciones y no apresurarse en llevar a cabo.

Los $ 200 Trini Dallas con la izquierda se ha ido. Él había prometido que sería el envío de dinero a sus padres de sus compromisos en California. De la desesperación, Trini Lopez, el solista nació.

Trini obtuvo un trabajo en la Ye Little Club en Beverly Hills. Fue contratado con ningún grupo, sólo con su guitarra. Su compromiso iba a durar dos semanas y terminó con una duración año.

La primera gran ruptura se produjo en la noche el popular spot llamado del PJ. En este caso, él fue descubierto por el famoso registro de productores, el difunto Don Costa, que entonces Trini traído a la atención de su ídolo por mucho tiempo, señor Frank Sinatra. La gran cantante reconocida estilista un compañero e inmediatamente firmó Trini a una exclusiva ocho años de contrato con su propio sello - Reprise Records.

Reprise lanzó su primer álbum, "Trini Lopez en el PJ", que se convirtió en un hit N º 1 del álbum. Fuera de que un solo álbum, "Si yo tuviera un martillo" se convirtió en un hit N º 1 en veinticinco países.

"Si yo tuviera un martillo", martilladas su nombre en oro con muchos discos y varios singles ... y en los corazones de millones de fans en todo el mundo! Después de "Hammer" muchos éxitos que él escribió, así como canciones como "Me Coming Home Cindy", "Michael", "Lemon Tree," Kansas City "," América "y, por supuesto," La Bamba ". La lista es interminable, pero eso es otra historia!

Trini Entre los numerosos álbumes de éxito son "Trini Lopez Live at PJ's" Más Trini Lopez un PJ de la demanda popular "," El Álbum Latino "," La Segunda Latina Album "," El álbum Love, "" Es un Gran La vida "," Trini Lopez en Londres "," Trini Lopez Ahora "," Trini Lopez vivo en la calle Cuenca Oriental "," Trini Lopez "Greatest Hits". "Trini - Transformada de Time," "The Best of Trini Lopez," y más recientemente, "Trini Lopez 25 ° aniversario del álbum". Trini Hasta la fecha cuenta con más de 50 álbumes en su haber, y siempre hay otro proyecto a la vuelta de la esquina.

A partir de ahí, que estaba de pie habitación sólo para el público a través de Trini la cara de Europa y el mundo. Él se ha ganado cerca de medio millón de dólares de entonces, y su salario semanal era veinte y cinco mil dólares.

A mediados de junio de 1963, hizo su debut en Nueva York con su propio once hombre orquesta que incluía a su hermano, Jesse. La dura Manhattan críticos fueron unánimes en sus elogios de la joven de barrio de Texas. Trini Lopez se ha convertido en una superestrella en todo el sentido de la palabra.

Trini fue honrada en el piso del Congreso en Washington DC por el congresista Thomas Rees de California "en reconocimiento a su labor en favor de las relaciones internacionales," Trini y tiene el honor de compartir con la prestigiosa compañía de Louis Armstrong y Frank Sinatra en ser nombrado Embajador de Buena Voluntad para los Estados Unidos. También fue citado por el Consejo de LULAC # 12 de Laredo, Texas, como "El señor Internacional."

Trini es un firme creyente en el dicho "Es agradable ser importante, pero es más importante ser agradable", y hace la práctica lo que él considera de dar desinteresadamente parte de su tiempo y talento para muchas causas que vale la pena como la March of Dimes, Fundación de Investigación del Cáncer, Diabetes Foundation, Boy Scouts of America, Variety Clubs International, y muchos más.

El éxito de cantantes a menudo se describe como actuando de sus canciones, por lo que es natural que Trini se descubre como un actor de talento por igual.

Comenzó jugando un sacerdote y un funcionario de libertad condicional a dos de Jack Webb "Adam 12" programas de televisión para Universal, que se transmitió en la red NBC. Desde allí se fue a las películas. Trini la primera aparición en una película, Frank Sinatra puso en él y se Matrimonio on the Rocks, protagonizada por Frank Sinatra y Dean Martin. Su segunda película fue en apariencia una amapola es también una flor, protagonizada por Sean Connery, Marcello Mastriani y un elenco estelar. A raíz de esto fue el clásico La docena sucia protagonizada por Lee Marvin y Charles Bronson y otro star studded emitidos. Trini del primer papel fue en Antonio con su co-estrella, la infame "JR", Larry Hagman. Luego se convirtió en un ejército de GI TV Movie de la Semana llamado La reacios Héroes de Aaron Spelling Productions.

Singer, escritor de canciones, Embajadora de Buena Voluntad, de beneficencia voluntario, humanitario, actor, intérprete y club nocturno en todo el mundo, incluidos lugares como el Waldorf Astoria y el de Copa Cabana en la ciudad de Nueva York, así como la popular Las Vegas principales hoteles, y muchos, muchos más. Trini nunca olvida lo que realmente es ... "Soy un funcionario público".

No fue hasta "Si yo tuviera un martillo" en última instancia, vendido cinco millones de ejemplares (y sigue vendiendo en todo el mundo) que obtuvo a través de su cabeza él es algo especial!

Desde el barrio de Beverly Hills! Esta magra latín el canto sensación tomó al mundo por sorpresa a partir de los primeros años 60 y continúa la tempestad aún hoy!. Trini provoca grandes ovaciones en todas partes que ejerce, y su buen estilo no conoce barreras de edad.

Ya sea en alta mar ... como su "historia de toma de" estrella de facturación en las actuaciones uno de los mundos más grande del océano línea, la hermosa "Noruega", en 1987, durante su último viaje antes de completar la renovación en Europa, y la celebración de su 10 º aniversario como un noruego - propiedad de buque. El compromiso demostrado tanto éxito que Trini fue invitado de nuevo a comenzar la nueva temporada.

Trini ha disfrutado de un resurgimiento en popularidad desde el lanzamiento de las principales películas La Bamba. Uno de Trini de mayor éxito internacional de visitas de todos los tiempos fue "La Bamba". Esta muy antiguo latín popular canción fue enseñado a Trini de su padre, a la edad de 11 años, que había sido un artista intérprete o ejecutante a sí mismo en Mexico.

Otras apariciones notables han sido todo un segmento dedicado a él en los estilos de vida de los ricos y famosos, internacionalmente aclamado programa de televisión auspiciado por Robin Leach, que se reunió y se mesmerized por Trini durante un famoso torneo de tenis en Las Hadas en Mexico, donde de nuevo Trini titulado la estrella rendimiento de gala. Además, Trini la aparición de Fox en la Red de un año en 1987 recibió elogios de todo el mundo. Por supuesto, "La Bamba" se realizó en el popular show la noche, y el público respondió en su estilo habitual de conciertos ... movido por la magia! Trini ha cautivado al mundo con esta famosa canción, que ha sido proclamado a nivel mundial como "El señor La Bamba".

El futuro de Trini se activa como de costumbre, con giras en todo el mundo, un nuevo álbum en la elaboración, y es de esperar, una película, pero ahora es más selectivo y elige cuidadosamente sus proyectos. Desde su traslado a Palm Springs, donde ahora reside todo el año, el "establecido-back" atmósfera ha frotado tipo de compensación en él, y no es necesario para Trini que hacer todos los proyectos que ha ofrecido. Así, encontrará en él las pistas de tenis o de golf casi cualquier día, ya que se ha convertido en una nueva pasión con él, y él tiene los trofeos para demostrarlo.

Trini Una de las últimas actividades es un CD titulado "Trini Lopez Danza Parte," en el sello BMG de Hamburgo, Alemania, y fue puesta en libertad en Europa y América del Sur en el verano de 1998. En febrero y marzo, se fue a Europa en una gira promocional para promover su más reciente CD en el sello BMG, titulado, "Trini Lopez Danza Partido!" (Este CD se encuentra actualmente en libertad en Europa y América del Sur.) titulado el orador más grande de televisión a través de todo Italia, Alemania, y España. Por petición especial de BMG registros, regresó a Alemania en agosto y septiembre, todas las giras de Alemania - una vez más, headlining la más grande de televisión, haciendo apariciones en vivo de radio y tiendas de discos, y haciendo revistas y periódicos entrevistas. Trini también apareció en muchos resorts entre ellos varios espectáculos en el Hotel Maritim en Timmerdorfer Strand, fuera de Hamburgo, Alemania.


Trini firmado un período de dos (2) años frente a Sony International Records en 2000. Su primer CD fue lanzado a principios de 2000. Lo hizo grabar 2 giras de promoción de Italia para promover su nuevo CD "aylole-aylola". "Cancion Azul" de un único CD que es en los gráficos en Italia.

El 30 de julio de 2000, Trini tenido un gran éxito la participación en el indio Mohegan Sun Casino en Connecticut.

En febrero 16-25, 2001, Trini 16 hizo teatro de gran éxito conciertos en toda la Florida. Él recibió grandes ovaciones en cada show y en algún momento 2 y 3 ovaciones.

En julio de 2001, Trini fue honrada por el grupo "Nosotros" en Beverly Hills, California. Él se presentó con el prestigioso PREMIO leyenda viva.

12 de abril de 2002, fue un día muy emocionante para Trini. Fue inducida en el Las Vegas Casino Legends Hall de la Fama en el Tropicana Resort & Casino en Las Vegas, Nevada. Trini realizó su versión de "América" como un homenaje a 9-11 y luego continuó con "Si yo tuviera un martillo". Cerró el show con "La Bamba". Recibió 3 grandes ovaciones y todo el mundo hubo muy impresionado con su voz, su carisma, y su maravillosa capacidad para incluir al público en cada canción. Se trata de un super día y un verdadero placer para todos los asistentes.

Sea cual sea Trini planes para su futuro, fruto de su esfuerzo será el mismo ... fresco, sabroso, y timelessly atractivo para millones! Se ha dicho que este dinamo "rompió el latín barrera de sonido" ... y que lo hizo, pero nunca se sabe lo que está próximo a "El señor La Bamba" Tal vez, parte de esta mágica vida se reveló en un esperado "historia de vida" ... o tal vez el misterio se acaba de ir por siempre! Sin embargo, Trini ... él es para siempre!Fuente web de Trini Lopez