Dolly Parton

Dolly Parton

Dolly Parton

Dolly Rebecca Parton (19 de enero de 1946) es una cantante country, compositora y actriz estadounidense.
Nació el 19 de enero de 1946 en Sevierville, Tennessee. Hija de Robert Lee Parton y Avie Lee Owens, es la cuarta de 12 hermanos. Sus hermanos son: Willadeene Parton (poeta), David Parton, Denver Parton, Bobby Parton, Stella Parton (cantante), Cassie Parton, Larry Parton (quien murió poco después de nacer), Randy Parton (cantante), los gemelos Floyd Parton (compositor) y Freida Parton, y Rachel Dennison (actriz).

Según lo que ha dicho ella misma, su familia era "pobre y sucia". Vivían en una rústica y destartalada cabaña de una sola habitación en Great Smocky Mountains, cerca de Locust Ridge. Los padres de Dolly eran feligreses de la iglesia "Asamblea de Dios", una denominación Pentecostal, y la música formaba parte de su experiencia en la iglesia. En una ocasión, contestó al ser entrevistada que su padre era un "fanático predicador pentecostal". Hoy en día, cuando Dolly se presenta en vivo, suele cantar canciones espirituales; aunque no profesa un credo claramente definido, suele decir que "los de la tierra son hijos de Dios". Uno de los secretos de Dolly Parton es que nunca había cuidado sus uñas, por eso ahora las lleva postizas.

En 1966 y a sus 20 años, se casó con Carl Dean, quien trabajaba en el negocio de la pavimentación con asfalto en Ringgold, Georgia. Se conocieron el primer día que Dolly llegó a Nashville en 1964. Dean ha permanecido con Parton, pero siempre ha evitado aparecer públicamente, por lo que rara vez la acompaña en eventos.

Dolly, comenzó a cantar desde niña en la estación de radio local y en un programa de televisión, al este de Tennessee. A los 12 años, apareció por la televisión de Knoxville y a los 13, estaba grabando en un pequeño sello musical y mostrándose a través del show Grand Ole Opry en Nashville, Tennessee. Cuando se graduó de la secundaria en 1964, se mudó a Nashville, llevando consigo muchos elementos propios del folclore del este de Tennessee.

El primer éxito de Parton fue como compositora. Escribió grandes hits para Hank Williams Jr. y Skeeter Davis. Firmó un contrato con el sello Monument Records a finales de 1965, donde intentaron presentarla como cantante pop, pero su único single "Happy, Happy Birthday Baby" no llegó a entrar en la lista Billboard Hot 100.

Acordaron entonces dedicarla a la música country, después de que compusiera "Put It Off Until Tomorrow", grabada por Bill Phillips. Aunque participó en las armonías de la canción, no aparece en los créditos. El tema llegó al sexto lugar en las listas country en 1966.

Su primer single country fue "Dumb Blonde", una de las pocas canciones que perduran hasta nuestros tiempos sin que Dolly la escribiera, que alcanzó el número 24 en las listas country en 1967. A finales del mismo año, salió su segundo sencillo, "Something Fishy", que llegó al 17º lugar. Ambos temas ayudaron a la publicación de su primer álbum: "Hello, I'm Dolly".

Parton fue invitada a unirse al programa semanal de música country, The Porter Wagoner Show, con la finalidad de reemplazar a Norma Jean, quien se retiró. Firmó un contrato con el mismo sello musical de Porter Wagoner, RCA Victor, donde estaría durante las siguientes dos décadas. Dolly y Porter iniciaron inmediatamente una exitosa trayectoria como dúo, sumado a las carreras que ambos tenía como solistas y su primer sencillo, el cover de la canción The Last Thing on my Mind de Tom Paxton, estuvo dentro de los 10 primeros lugares de las tablas country a finales del '67 y fue sólo la primera, de más de una docena de singles exitosos, que interpretaría el dueto en los años venideros.

Como compositora ha firmado grandes éxitos. Comenzó a escribir canciones country, añadiéndoles fuertes elementos de la música folclórica basados en su educación en el humilde ambiente montañés. Ejemplo de esto son sus canciones Coat of Many Colors y Jolene, que se han convertido en clásicos. Es considerada una de las narradoras más talentosas dentro del estilo country, con muchas de sus canciones basadas en personajes y eventos de su niñez.

Permaneció en el programa de Wagoner y siguió grabando duetos con él durante siete años más. Después hizo una pausa para solidificar su carrera como solista. En 1974, su canción "I Will Always Love You" alcanzó el número 1 en las listas country.

En esa misma época, Elvis Presley señaló que deseaba hacer un cover de la canción. Parton se interesó en la idea, hasta que el manager de Elvis, Colonel Tom Parker, le dijo que debería ceder más de la mitad de los derechos publicitarios si Presley grababa el tema (procedimiento rutinario para cada canción realizada por Elvis). Dolly se negó y esa decisión le impidió ganar millones de dólares por derecho de autor.

Aunque era tildada como cantante "country" y "del oeste", Parton tuvo un mayor éxito comercial como intérprete pop y actriz. En 1977, su álbum "Here You Come Again", se convirtió en su primer disco que vendió más de un millón de copias y el sencillo homónimo fue el primer tema que llegó a los diez primeros lugares de las tablas pop. Los subsiguientes singles fueron señalados en los rankings pop y country al mismo tiempo. En este período, sus álbumes se desarrollaron específicamente para su éxito (crossover) en el estilo Pop.

Durante 1987 y acompañada de Emmylou Harris y Linda Ronstadt, lanzó el disco Trio, cuya preparación llevó cerca de diez años. Luego, en el año 1993, se hizo acompañar de dos "reinas" de la música country: Loretta Lynn y Tammy Wynette. Juntas llevaron a cabo un proyecto similar a "Trio", el álbum "Honky Tonk Angels". En 1999, colaboró en "Trio II", donde nuevamente se reunían Parton, Harris y Ronstadt.

Después de veinte años con RCA, Parton cambió a Columbia Records en 1987, donde su carrera continuó prosperando. Pero a mediados de los 1990, Dolly, junto a otras cantantes de su generación, notó que su nueva música no era bienvenida en la programación de las radios country. Grabó una serie discos Bluegrass que fueron muy aclamados por la crítica, comenzando con "The Grass is Blue" en 1999 y "Little Sparrow" en 2001. Ambos ganaron premios Grammy. Su placa "Halos and Horns" (2002) incluía una versión bluegrass del clásico tema de Led Zeppelin, "Stairway to Heaven.". En el año 2005, Dolly lanzó el disco "Those Were The Days", donde interpretaba a su manera los éxitos "folk-rock" de las décadas '60 y '70. Este CD incluía la canción "Imagine" de John Lennon, "Where Do The Children Play" de Cat Stevens, "Crimson & Clover" de Tommy James y el clásico tema folk, "Where Have All The Flowers Gone".Fuente Wikipedia, traduccion automatica.

Carel Kraayenhof y su Sexteto Canyengue

Sexteto Canyengue

Sexteto Canyengue

Cuando oiga el nombre de Carel Kraayenhof, te sientes el corazón del tango, el bandoneón. De tango, por lo que se dice en Buenos Aires canta acerca de la vida dentro de los tres minutos.
El bandoneón, el corazón y la voz del tango, conduce los demás instrumentos en el sexteto, con pulsátiles de poder de la Canyengue: poweful el ritmo. Canyengue es todo en el tango lo que los medios de swing jazz.

La espléndida combinación con el violín, pioano, doble bajo, percusión y voz hace que el tango un apoyo y un refugio.

Kraayenhof:,, En la Argentina la respuesta del público es fantástico. El país lleno de frustraciones históricas es más que orgulloso de que un extranjero representa su tango en todo el mundo.''

Arel Kraayenhof y su Sexteto Canyengue
Canyengue - el mágico ritmo del tango --

Desde Carel Kraayenhof Sexteto Canyengue creado en 1988, se convirtió en uno de los representantes del tango moderno en Europa. Gracias a la ayuda y el respeto de la famosa tangueros como Piazolla y Pugliese, el amor por los argentinos y su tango y la pasión para hacer esta música, Sexteto Canyengue se respete en todo el mundo.

Con los seis miembros del Sexteto Canyengue, bailarines e invitados especiales de Argentina el único sonido de una orquesta típica - la gran banda de tango a partir de la tradición de 40 vínculos - cobra vida. La pasión por el tango de todos los músicos en una explosión musical en el escenario, que la Sexteto Canyengue. Fuente web de Carel Kraayenhof

Hank Mobley

Hank Mobley

Hank Mobley

El saxofonista Hank Mobley no tuvo la agresividad de Sonny Rollins, ni el fuego de John Coltrane, ni el toque de Stan Getz, pero posiblemente fuese uno de los saxos tenores mas sensibles del hardbop y del jazz moderno. En 1950 tocó en la orquesta de Rhythm and Blues de Paul Gayten y mas tarde, tras una breve colaboración con Lester Young, tocó con Dexter Gordon y Max Roach entre 1951 y 1953. La colaboración con Max Roach supuso una experiencia personal importante para Mobley, dado que ambos buscaban un discurso musical superador del bebop. Tras una importante colaboración con el pianista, Horace Silver entre 1954 y 1955, con quien grabaría el extraordinario: "Horace Silver and the Jazz Messengers"; Mobley entró en los "Jazz Messengers" del baterista Art Blakey, una experiencia que condicionó positivamente la carrera profesional de Mobley. Más aún, Hank Mobley perteneció a la formación original de ése quinteto que renovó el lenguaje bebop, y hacia 1960 la crítica especializada lo había incluido entre el cuadro de honor del hard bop (donde estaba también Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Sonny Rollins y Max Roach).

Hank Mobley, a menudo infravalorado, perteneció al quinteto de transición de Miles Davis, cuando sustituyó en 1961 a John Coltrane, que incluía al pianista Wynton Kelly. Este quinteto, con excelentes rendimientos de Mobley, actuó en solitario y con el acompañamiento de la orquesta de Gil Evans. En los años sesenta, con la incorporación de los jóvenes rítmicos Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, ingresaría en el nuevo quinteto el tenor George Coleman, instrumentista de una pulcra sonoridad y gran inventiva. Hank Mobley por tanto, tuvo el honor de ser uno de los saxos tenores que formaron parte en algún momento del grupo de Miles Davis, pasando junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter, Dexter Gordon, George Coleman, Sam Rivers y John Coltrane a formar ese cuadro de honor que siempre constituyeron los saxos tenores de Miles.

La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Por orden cronológico, la primera, y para nosotros la mejor, es el disco grabado en 1960 para Blue Note titulado: "Soul Station" con Paul Chambers al bajo; Art Blakey en la batería y Wynton Kelly al piano. El segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería. Un disco conceptualmente ya en línea con la vanguardia jazzistica que venia pidiendo paso y representado en el baterista Billy Higgins, uno de los músicos mas importantes en la batería del jazz contemporáneo.

Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986.Fuente apoloybaco

Mario Demarco

Mario Demarco, primer bandoneón de la orquesta de Gobbi. Es el segundo de izquierda a derecha. A su izquierda Alberto Garralda. Detrás Alfredo Gobbi y el cantor Jorge Maciel.

DEMARCO, Mario. (Nombre de familia: Mario Domingo Lapuncina). Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Arreglador.
Formado, por temperamento, en la proyección creadora de la escuela decarista que encabezaron Osvaldo Pugliese y Alfredo Gobbi, se perfiló desde 1950, entre los mayores cultores del tango contemporáneo.
Las versiones de Tierra adentro, Sin tacha, Canaro, La catrera y otras, registradas para el disco Pathé con su primera orquesta, evidenciaron, ya, cuanto de original, en una manera personalísima de sentir, de plasmar musicalmente y de expresar en lo emocional el tango, ofrecería luego en sus trabajos de arreglo para Osvaldo Pugliese—Quejumbroso, Emancipación, Suipacha, A mis compañeros, Patancha, grabados todos en Odeón, por dicho conjunto—; en sus acompañamientos para Edmundo Rivero—Corrientes y Esmeralda, De vuelta al bulín, Venite conmigo (discos Philips)—; para Argentino Ledesma —Pebeta linda yo te quiero (discos Odeón)—; Para Jorge Sobral—Pregonera, Te llaman malevo, Rondando tu esquina (discos Columbia)—. Y, desde luego, en las interpretaciones de corte instrumental logradas en la conducción de su orquesta como figura independiente y registradas para el sello Solfeando: Sensitivo, A San Telmo, Muy picante y particularmente, Solfeando, síntesis integral, éste, de sus novedosas ideas musicales. Lo más interesante de todas ellas —entre otros aspectos— está referido, en lo musical, al modo de cimentar el arreglo sobre un denso movimiento de bajos en permanente contraste de tiembre y de colores instrumentales, con la sutil aparición de los diseños milongueros en el trabajo de los violines, constantemente entretejidos a los solos de bandoneón —melódicos o armónicos— a las intervenciones del piano o a los temas contrapunteados en la cuerda; y en lo interpretativo, a la gran tensión emocional que, desde el punto de vista de la expresión, tienen sus realizaciones, por la siempre inesperada transición de lo romántico a lo milonguero, lograda con un señorío y un aplomo que empieza en la neta fibra con-ductora de su bandoneón cadenero. Ejecutante de excepción, su personalidad bandoneonística se ha manifestado conforme a dos modalidades de trascendente importan-cia y de antagónico contenido; aquello que, en sus arreglos para bandoneón solo, es la filigrana de exquisitos preciosismo y el tratamiento armónico de dulcísima concepción—su versión de Nieblas del Riachuelo es un ejemplo en alto grado representativo—se vuelve milonga, zapada y del más puro rango canyenguero no bien entra a presidir, con su instrumento, a los doce o catorce elementos de un conjunto orquestal, aun en la sutileza de sus solos fraseados y en la difícilmente superable calidad de sus variaciones fraseadas, como las que ejecuta en Sin tacha, El arranque, Mal de amores o Entrador (discos Pathé, 1951) o en La bordona. Sus composiciones, esencialmente volcadas al tango de corte milonga, reflejan su personalidad de intérprete; entre ellas: Entrador, Patancha, Solfeando, Sensitivo. Nació en Buenos Aires el 5 de agosto de 1917. Estudió música, desde la niñez, al cuidado del maestro Joaquín Clemente, quien fuera director de la Banda Municipal. Posteriormente, se perfeccionó cursando armonía, contrapunto e instrumentación con Julián Bautista. Tuvo lugar su iniciación profesional en 1939, como músico acompañante de la cancionista Fanny Loy, por Radio Belgrano. Al siguiente año, comenzó su carrera como bandoneón de orquesta; integró los conjuntos de Antonio Rodio, de Enrique Do Lorenzo, de Juan Canaro y —fugazmente— de Miguel Caló, antes de incorporarse al de Alfredo Gobbi, junto a quien encontró el adecuado clima de estilo para su temperamento, y del cual sólo se desvinculó en 1951, para formar su primera agrupación. En el año 1954, Julio De Caro requirió sus servicios, pasando —tras de otra breve actuación con Gobbi— a formar en la fila de bandoneones de Pugliese, con quien colaboró, además, como arreglador hasta 1959. En carácter de arreglador y de primer bandoneón integró, al año siguiente, el conjunto Stamponi-Lavié, al cual imprimió su inconfundible estilo, igualmente expresado por sus intervenciones en el acompañamiento del cantor Edmundo Rivero —como primer atril, bajo la conducción de Héctor Stamponi y luego como director—. Tanto durante su labor junto a Rivero, como junto a Roberto Rufino, se presentó en el cine Ópera y en la programación de Radio El Mundo. Fue, en 1962, Argentino Ledesma quien le confió la escritura y dirección de su marco orquestal, para la grabación de discos, así como para actuaciones cumplidas en Chile y en Buenos Aires. En 1964 integró una destacadísima línea de bandoneones en la orquesta de Joaquín Do Reyes, colaborando, también, por segunda vez y hasta la disolución del conjunto, con la agrupación de Alfredo Gobbi. Sobre la base de un grupo de juveniles y bien dotados ejecutantes, bajo su tutela, rehizo en 1965 su conjunto, al frente del cual grabó ocho tangos en su propio sello editor Solfeando y se presentó desde el primero de agosto en el Palacio Güemes. Posteriormente, continuó su labor como arreglador de acompañamientos para los solistas Miguel Montero, Rodolfo Lesica y Jorge Sobral, con quienes actuó en radio, televisión, bailes, giras y discos Columbia y Odeón. Compuso los cantables Astillas, Si sale chancleta, Desde que te dije adiós y Llegando a puerto. 
Horacio Ferrer

Adolfo Carabelli

Adolfo Carabelli

Adolfo Carabelli: Pianista, compositor y director(8 de septiembre de 1893 - 25 de enero de 1947) Nombre completo: Adolfo Leandro Carabelli

En 1947 se apagaba la vida de quien fuera uno de los músicos de formación más completa que tuvo el tango, a la vez que uno de los menos valorados y ya por aquellos años disperso en el olvido; y esto último, quizá por decisión propia. Moría solo, en su casa de la ciudad de San Fernando, el otrora brillante pianista Adolfo Carabelli.

En esa misma localidad de la provincia había nacido el 8 de septiembre de 1893; en el mismo San Fernando que ya era cuna del poeta Verminio Servetto y que poco después lo sería de otro gran músico: Francisco Pracánico.

Desde muy pequeño Carabelli cursó estudios de piano, composición, armonía y contrapunto, siempre con una orientación exclusivamente clásica (la única que dictaban los conservatorios de aquellos años) y con la fortuna de recibir lecciones de los mejores profesores en cada especialidad. Hacia los quince años, convertido en un virtuoso de primer orden y ya con varios conciertos en salas de Buenos Aires, sus educadores consideraron que no tenían más para ofrecerle y le recomendaron que embarcase rumbo a Europa, para perfeccionar su instrucción bajo la tutela de los grandes maestros italianos de entonces.

Fue aceptado como alumno en el Liceo de Bologna, lo que significó un gran beneficio para la vocación del joven. Allí tuvo ocasión de cultivarse con Alberto D'Erasmo, Luiggi Torti y Ferruccio Busoni, creador de la ópera Doctor Fausto. Recibido de Maestro Compositor a los veintiún años, le esperaba un destacado porvenir como autor y concertista en el Viejo Continente; pero la inminencia de la Gran Guerra lo obligó a retornar a la Argentina y ya de nuevo en su país complementó su cultura académica con lecciones a cargo de Gianneo y Schiumma, otros dos reconocidos docentes activos por ese entonces.

En 1917, mientras integraba el "Trío Argentina" difundiendo música clásica, conoció al pianista Lipoff (que había llegado a Buenos Aires como acompañamiento de la bailarina Anna Pavlova) y tras este encuentro su carrera dio un giro substancial. Lipoff traía consigo amplios conocimientos de jazz; Carabelli quedó deslumbrado con esta expresión y a ella se volcó definitivamente. Formó un rubro instrumental primero con Lipoff y luego con el pianista danés Friederickson; de ahí en adelante, Carabelli aplicó todo su saber clásico en el ritmo norteamericano. La primera orquesta que dirigió fue bautizada River Jazz Band.

Condujo luego, a instancias de una radio porteña recién inaugurada, una orquesta que ya llevaba su propio apellido. Con ella llegó a grabar discos para la marca Electra. Dado lo defectuoso del sonido de este sello (el concepto de edición que tenían sus propietarios puede parecer "primitivo" para una época en la que coexistían grabaciones técnicamente muy avanzadas, como las que publicaba Victor o Nacional Odeón), hoy resulta difícil apreciar en su justa medida las características de este primer acceso fonográfico que verificó Carabelli; no obstante, constituyen un auténtico documento sonoro del jazz en este período, que llega hasta 1925 aproximadamente.

La verdadera amplitud de la capacidad de Carabelli queda registrada a partir de 1926, cuando Victor lo contrata para que asuma la dirección artística del sello, encargándole al mismo tiempo la formación de una orquesta que alterne el jazz con la música típica. Gracias a Carabelli, a partir de entonces el plantel de Victor se jerarquizó más todavía, logrando la incorporación de notables músicos y seleccionando un atractivo repertorio. A la vez, el desarrollo de las grabaciones ortofónicas consiguieron una calidad de audición insospechada apenas unos meses antes.

Sin embargo, en la orquesta de Carabelli tenían más cabida el jazz y otros ritmos que la música típica; y fue así hasta que a comienzos de la década del treinta comenzaron a aparecer más regularmente las grabaciones de tangos. Para 1931 el suyo era ya un conjunto netamente identificado con lo porteño, contando con ejecutantes como Federico Scorticati, Ciriaco Ortiz, Luis Petrucelli y Carlos Marcucci en bandoneones; Elvino Vardaro, Manlio Francia y Rossi en violines; su hermano Orlando Carabelli en contrabajo; y él mismo en piano, dirección y arreglos. De vez en cuando se incluían otros instrumentos para reforzar determinados sonidos o para lograr algunos efectos. También pasaron por sus atriles Vicente Gorrese, Humberto Constanzo, Renato Zaffignani y Cachito Presas, por citar sólo unos pocos más. Entre los vocalistas estuvieron Charlo, Mercedes Simone, Carlos Lafuente, Luis Díaz, Alberto Gómez (bajo el pseudónimo "Nico") y el dúo Gómez-Vila, entre otros. Algunos discos se publicaban como "Adolfo Carabelli y su Orquesta", otros como "Adolfo Carabelli y su Orquesta Típica" y otros como "Adolfo Carabelli y su Jazz Band"; este rótulo era indistinto para la agrupación, según se ampliara o no la formación instrumental para dar cabida a batería, pistón, fagot, serrucho, etcétera, según la exigencia de uno u otro ritmo grabado.

Entre los tangos más célebres de su orquesta típica figuran las auténticas creaciones que hizo de "Mi refugio" (1931), "Cantando", de Simone (1931, con el agregado vocal de Simone y Alberto Gómez a dúo), "Felicia" (1932), "Por dónde andará" (1932), "Inspiración" (1932), "Mar adentro" (1933), etcétera. También son recordadas algunas versiones con estribillo de tangos que normalmente se ejecutan de modo puramente instrumental, como "Rodríguez Peña" (1932) y "El trece" (1932). Entre sus interpretaciones de música internacional, se destacan el fox trot "¿Cuál es su hobby?" (1931), la rumba "Negra consentida" (1932), el pasodoble "Soldadito del amor" (1934) y la canción que era éxito por Carlo Buti, aquí a la usanza local: "Vivir" (1935).

Sin figurar en las etiquetas, condujo también la célebre Orquesta Típica Victor. El talento de Carabelli otorgó una identidad reconocible a esta orquesta, ubicándola entre las mejores de su momento, y muchas veces empleando los mismos intérpretes que Carabelli convocaba para su formación propia.

Al igual que varias publicadas por Victor, y como la misma Orquesta Típica Victor que arreglara, la de Carabelli existía sólo para el disco; sus integrantes eran directores o miembros destacadosde otros conjuntos y se reunían al sólo efecto de dejar grabaciones. Para sus actuaciones en público Carabelli dirigía otra orquesta, aunque más dedicada al jazz; con ésta obtuvo renombre durante los años treinta propalándose a través de varias emisoras, como LR4 Radio Splendid y LR6 Radio Mitre.

En el cine nacional participó en la musicalización de las películas "De la sierra al valle" (1938, dir.: Ber Ciani); "Ambición" (1939; dir.: Adelqui Millar); "El ángel de trapo" (1940, dir.: José Ferreyra) y "Pájaros sin nido" (1940; dir.: José Ferreyra).

Pero a partir de 1935 su serie de grabaciones comenzó a espaciarse, hasta que en el año 1940 dejó su último disco: el Victor 38.913, conteniendo el fox trot "Pero hay una melena" y el "pasodoble torero" "Manolito Bienvenida". Se decía que un drama sentimental lo estaba afectando a un nivel tan profundo que todo en él declinaba irremediablemente. Terminó siendo despedido del sello Victor, y desde entonces sólo se dedicó a la enseñanza en su domicilio de San Fernando.

Alejado por completo del ambiente artístico, Carabelli murió el 25 de enero de 1947. Al día siguiente fallecía su vecino Servetto.

Antes de su redescubrimiento a mediados de los años noventa, en 1980 se reeditaron un par de sus grabaciones de tango en un long play evocativo titulado "Las orquestas olvidadas"; pero en su caso el olvido ya le había ganado en vida.  

Héctor Ángel Benedettide 

Armando Laborde

Armando Laborde con Alberto Echague, el pianista Salamanca y el bandoneón de Héctor Várela todos integrantes de la orquesta de Juan D'Arienzo

Armando Laborde Cantor (27 de abril de 1922 – 12 de diciembre de 1996) Nombre real: José Atilio Dattoli
El estilo de la orquesta de Juan D'Arienzo tuvo sus adeptos en gran parte de la comunidad tanguera, de modo especial entre los fanáticos del baile, quienes se entusiasmaban por su ritmo picado y veloz.
También hubo quienes lo escucharon con indiferencia, gustosos de orquestas más musicales, mejor elaboradas y con otro tipo de repertorio. Pero nadie dudó en aquel tiempo, año 1935 en adelante, que gracias a su aparición el tango volvió a ocupar una posición privilegiada en un momento en que la música norteamericana estaba prevaleciendo.
Músicos con una concepción moderna del tango, alejados estilísticamente de D'Arienzo, no dejan de reconocer que para el resurgimiento del género, hoy se necesitaría la aparición de un nuevo D'Arienzo. Dicho esto como un ejemplo, como una expresión de deseos, ya que las circunstancias son muy distintas.
A partir de 1940, D'Arienzo tuvo dos cantores emblemáticos.Uno fue Alberto Echagüe, con un repertorio profundamente dramático, por momentos rozando lo ridículo y, en otros casos, humorístico y arrabalero.
El otro, Armando Laborde, un excelente cantor de grandes condiciones innatas, afinado y con un timbre agradable, del que muchos se han preguntado qué hubiera pasado si este hubiera intervenido en otras orquestas, más elaboradas y de ritmo más pausado. Pero lo cierto es que el ritmo de D'Arienzo lo atrapó y en esto tuvo mucho que ver el éxito de la orquesta y la buena paga. Hasta tal punto que en dos oportunidades se retiró para buscar otros rumbos y regresó. Sus retornos a la orquesta fueron acogidos con beneplácito ya que cantor y director se necesitaban mutuamente.
Alguna vez el cantor confesó: «Juan te mataba, a la velocidad que tocaba no había garganta que aguantase».
Su labor en la sala de grabación se extendió durante cuarenta años, desde su debut en el disco el 26 de diciembre de 1944 con los temas "Magdala" y "Color de cielo", hasta 1984, cuando acompañado por la orquesta del bandoneonista Alberto Di Paulo realiza diez temas para el sello Magenta, que nada agregan a su carrera, reiterando algunos éxitos de otrora y con la única novedad de "Malena".
No dejó nunca de ser un muchacho de barrio, tanto en su forma de expresarse como en sus pensamientos sencillos pero acertados.
En un largo reportaje que le hice me dijo: «Nací como José Atilio Dattoli, el 27 de abril de 1922, aunque legalmente figuro como nacido el día 30, porque mi viejo, de oficio carnicero, se olvidó al inscribirme tres días más tarde, de la fecha, todo por causa de las carreras de caballos. Hice la escuela primaria, luego el secundario y sabía de contabilidad... Luego sí, hice lo mío, cantaba con pequeños conjuntos de mi barrio, Palermo. Hice varias pruebas en algunas radios con orquestas conocidas: Manuel Buzón, Ricardo Tanturi y Horacio Salgán, entre otras. Me llevaban los amigos, pero nunca me convocaron.»
«Hasta que un día mi amigo el compositor Alberto Tavarozzi me llama al café donde yo paraba con mis amigos para tomar una copa y jugar a las cartas después del trabajo. Me dice que lo convenció a Juan D'Arienzo para que me tomara una prueba, atento que el maestro andaba buscando una voz, por la renuncia del cantor Héctor Mauré. Me prestaron unos pesos para tomar un taxi y me fui corriendo a Radio El Mundo. Lo esperamos como dos horas a D'Arienzo pero este no vino, a esa altura del partido yo creí que era un cuento de Tavarozzi, quien muchas veces solía imaginar más de lo debido.
«Pero al otro día, a la tardecita, me vuelven a llamar, esta vez era la voz de D'Arienzo. Horas más tarde me tomó la prueba, canté como veinte tangos y me aceptó. Después me enteré que el director estaba en duda entre Carlos Bermúdez, ex cantor de la orquesta de Pedro Laurenz, y yo. Optaron por mi juventud, por mi buena pinta y que era desconocido.
«El maestro me dijo: "Se tiene que aprender dos temas, se va a la casa de Juancito Díaz (pianista) y ensayan hasta que los saque".»
«Era fin de año y casi sin tiempo para ensayar con la orquesta grabé mis dos primeros temas, me temblaban las piernas.»
Todo esto transcurría pocos días antes del viaje que D'Arienzo tenía proyectado al Uruguay para la temporada en el lujoso Hotel Carrasco de Montevideo. Respecto a esta gira Laborde, comentó: «Allí empezaron las notas periodísticas, todos querían saber quién era el nuevo cantor de D'Arienzo. Entre tantas preguntas, una metida de pata, fue cuando me preguntaron qué orquesta me gustaba y yo respondí “la de Aníbal Troilo”. A la noche D'Arienzo casi me mata y me gritó “a usted la única orquesta que le gusta es D'Arienzo”.»
Otra anécdota interesante fue la de su nombre artístico: «Fui por varios días “el cantor sin nombre”. A veces me ponía uno y al día siguiente lo cambiaba. Pero a raíz de mis grabaciones en Buenos Aires, el sello discográfico exigía un nombre definitivo para la etiqueta del disco, entonces ocurrió lo increíble. Una noche que regresábamos en el ómnibus, desde el Hotel Carrasco al centro de Montevideo, a D'Arienzo se le ocurre preguntarle al conductor cómo se llamaba:

«¿Yo señor D'Arienzo?»
«¡Sí, usted!”. Con ese vozarrón tan ronco, tan suyo.»
«Yo me llamo Armando Laborde.»
«Ya está, ese es tu nombre.»
«Y así nació mi nombre artístico.»
Volviendo a su discografía junto a D'Arienzo con quien grabó 145 temas quiero destacar "Con alma de tango", de D'Arienzo y Carlos Waiss, "Desde aquella noche", de Fulvio Salamanca y Carlos Bahr, y "Una y mil noches", de Alberto San Miguel, Oreste Cufaro y Carlos Bahr. Todos de la primera etapa con el maestro.
Luego continúa con Héctor Varela con quien graba 24 temas, de los cuales sobresale "Noches de cabaret", de Alberto San Miguel y Antonio Fiasche.

En 1952 vuelve a la orquesta de D'Arienzo con un éxito entre otros: "El vino triste", de D'Arienzo y Manuel Romero.
En 1957 forma un rubro con el cantor Alberto Echagüe secundados por la orquesta dirigida por Alberto Di Paulo, grabando cuatro temas, y en 1959 regresa con Héctor Varela.
En 1964 retorna por segunda vez a la orquesta de D'Arienzo, en la que permanece hasta 1974, grabando uno de sus máximos éxitos, "Yuyo brujo", de Héctor Varela, Benjamín García y Carlos Bahr.
Sin duda, Armando Laborde fue un cantor admirado por los degustadores del mejor tango, su éxito se emparentó con el de D'Arienzo, pero paradójicamente, sus dotes artísticas no fueron aprovechadas en la medida de sus merecimientos Fuente Nestor Pinzon de Todotango www.todotango.com.ar (Gracias a Todotango)

Juan Antonio Morteo

Juan Antonio Morteo:Pianista, tecladista, compositor, arreglador y director de orquesta.
Realizó sus estudios de música en el Conservatorio Milanese de la Capital Federal, recibiéndose con la mas alta calificación a los 18 años.

Más adelante realizó sus estudios de Armonía y Contrapunto con el Profesor: Sebastián Piana.

Posteriormente estudió Música y Danzas Folklóricas Argentinas de la mano de: Ismael Moreno, José María de Hoyos, y otros.

Su natural inclinación por la música ciudadana (su padre Egidio "Yiyo" Morteo fue pianista de Domingo Federico, Lorenzo Barbero y otras orquestas), hizo que a los 19 años formara su propia orquesta, con la que debutó en la por ese entonces LS 10 Radio Libertad en un programa conducido por el recordado "negro" Brizuela Méndez, Orlando Marconi y María Ester Vignola.

Fue tan importante la repercusión con el público presente en el auditórium, que el director artístico lo invitó a presentarse con su orquesta en el mejor programa de la radio: "Lluvia de Estrellas" conducido por Alejandro Romay, (en ese entonces, Director General de dicha emisora) y que salía al aire todos los Domingos a mediodía.

Nuevamente el éxito corona esta presentación, y permite que Alejandro Romay le ofrezca actuar en la radio con su orquesta (por entonces integrada casi en su totalidad por muy jóvenes músicos).

Es así, que luego de un mes de presentaciones y reportajes por distintos programas donde se va afianzando en el gusto de los oyentes, comienza un ciclo que se irradia todos los sábados de 21 a 22 hs. como artista exclusivo de Bodegas y Viñedos Perpigñan, en el salón Auditórium, con la presencia de numeroso público que durante un año colmó las instalaciones para ver y escuchar a Juan Antonio Morteo y sus "Estrellas del Tango".

Al tener que cumplir con el servicio militar obligatorio, lamentablemente debe dejar su incipiente carrera y disuelve su orquesta.

Cumplida su obligación, un ex bandoneonísta suyo le ofrece unirse al conjunto que acompañaba a "el cantor de las madres y de las novias": Alberto Margal. Con el que trabaja en Radio Argentina y bailes durante varios meses, hasta que por una circunstancia fortuita concurre con varios amigos a una Peña folklórica, descubriendo con entusiasmo la riqueza de la música nativa, motivo por el cual, forma un conjunto para ejecutar todas las danzas argentinas.

En menos de un año, se encuentra entre los más contratados por las peñas de Capital y Gran Bs.As. Graba sus primeros larga duración, actúa en distintos programas de TV. durante aproximadamente 7 años, como: "Feria de la Alegría", "Recorriendo Provincias", "Todo Argentino"(estos dos últimos como Director musical), y otros.

Actúa también en distintos programas radiales: "Un alto en la huella", "Mañanitas camperas", "El fogón de las Peñas" y muchos más.

Paralelamente es profesor de Danzas Argentinas en distintas Instituciones como: club Cultural y Dep."17 de Agosto",club "Chacarita Jrs.", "Asociación Akarense" y otras.

Es creador de algunas danzas de proyección folklórica como "La Carreta" y compositor de otras como: "Minuet Colonial", "Feliz Cumpleaños" y muchísimas más que se bailan en todas las Peñas Folklóricas Argentinas.

Durante 7 años consecutivos tiene el halago de participar junto a Don Antonio Barros, el muy querido "Papá Ventanero" durante los famosos carnavales de "Una Ventana al Éxito", con los que obtienen siempre el 1er. puesto en recaudaciones, en clubes como Comunicaciones, San Lorenzo y Vélez Sarsfield.

Luego de más de 22 años de actuación con el género folklórico, abandona la actividad.

Y ahora vuelve nuevamente a su primer amor ... el tango, para presentarse en el sello discográfico Discos MBM como director, compositor y pianista.

El 22 de Enero de 2001, es honrado en la ciudad de Mar del Plata con el Premio "FARO DE ORO" en mérito al trabajo realizado en nuestro CD "Todos para el Tango" Vol. 2 (dedicado a: Jorge Bocacci)

Cesar Olguin

Cesar Olguin

Cesar Olguin

Con una trayectoria de más de 25 años de intensa labor musical dentro y fuera del tango, se ha presentado en los más importantes escenarios y salas de conciertos del país; como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Nezahualcoyotl , el Auditorio Nacional; en los festivales culturales de Zacatecas, Xalapa, Aguascalientes, en el Sinaloa de las Artes, Centro Histórico de la Ciudad de México, Instrumenta Oaxaca y el Festival Internacional Cervantino entre otros.

Tiene en su haber 13 trabajos discográficos: "Suite Piazzollana", "Solo como un perro", "Ni tan sólo, ni tan perro", "Tango de Mier y Pesado", "Sólo como un perro 2", "Bandoneón y Guitarra", "Tango Secreto" (Ediciones Pentagrama), "Tangostinato" junto al grupo japonés "Adokín" (Liao Records - Japón), "Five for Tango" con el Cuarteto Latinoamericano de Cuerdas, "De Piazzolla en trío", "Tercetango", "Las Cuatro Estaciones" con la Camerata de Coahuila y "Jalousie" con el Cuarteto Latinoamericano (Quindecim recording).

Como solista se ha presentado con la Orquesta Filarmónica de México, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, OFUNAM -Orquesta Filarmónica de la Universidad Autónoma de México-, Camerata de Coahuila, Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, Orquesta Filarmónica de Chihuahua, Orquesta de la UDLA, Orquesta de la UP, Orquesta de Cámara de Universidad Michoacana, Orquesta Sinfónica Juvenil de la Universidad Veracruzana, con la Orquesta de Baja California y con la Orquesta Sinfónica de Guanajuato bajo la dirección del mtro. Enrique Batíz, entre otras.
Recientemente con la Orquesta de Baja California estrenó su suite "Tres Piezas" para Bandoneón y Orquesta.
Ha realizado giras por Argentina, Francia, Estados Unidos, Japón y Nueva Zelanda. Fuente web de Cesar Olguin

Pablo Mainetti

Pablo Mainetti

Pablo Mainetti con Leopoldo Federico

Pablo Mainetti en el Ateneo

Pablo Mainetti, nace en Buenos Aires en 1971, demostrando desde chico un particular interés por la música del tango, y es por eso que a los 14 años empieza a estudiar el bandoneón. El tomar contacto con su instrumento le genera curiosidad sobre cómo fueron construidas esas obras que se utilizan para dicho proceso musical.

Conocer la artesanía de la composición fue un elemento que influyó no sólo en la manera de escribir, sino también en la forma de interpretación de esta música, ya sea solo, en grupos de cámara u orquestas.

Comenzó sus estudios con Rodolfo Mederos, para continuar luego con Daniel Binelli, Julio Pane y Néstor Marconi.
Realizó estudios de armonía, contrapunto, orquestación y composición con Rodolfo Mederos, Gabriel Senanes y Daniel Montes.
Luego de una exitosa presentación en la Expo Sevilla ‘92, en dónde interpreta una obra de Rodolfo Mederos, con coreografía de Oscar Aráiz, se establece en Barcelona, en donde inicia la carrera de compositor en el Conservatorio Profesional de Badalona, con Alejandro Civilotti, para luego de seis años, regresar a la Argentina.

Desarrolla su actividad como bandoneonista con distintas orquestas, bajo la dirección de maestros como Atilio Stampone, Osvaldo Berligieri, Daniel Binelli, Néstor Marconi, Julio Pane, Raúl Garello, Carlos García, Leopoldo Federico, Julián Plaza, Emilio Balcarce, Sexteto Mayor, Orquesta del Tango de la Cdad. de Bs. As., Orquesta Juan de Dios Filiberto, Quinteto de la Fundación Ástor Piazzola, Octeto Electrónico Ástor Piazzola, Tango For Ever, Tango X Dos, Gustavo Santaolaya, Leo Sojatovich, Selección Nacional del Tango, y Café de los Maestros, entre otros.

Toca como solista, el Concierto de Bandoneón de Ástor Piazzola con la Orquesta del Teatre Liure (Barcelona), la Orquesta de la Cdad. de Granada, y la Orquesta Nacional de España, bajo la dirección de Josep Pons, grabado para el Sello Harmonía Mundi, y la Real Filarmonía de Galicia, bajo la dirección de Manuel Valdivieso.

Solista también con la Orquesta Sinfónica de Niza .
Junto a la Orquesta Filarmónica de Letonia , graba como solista de bandoneón la Misa a Bs. As. de Martín Palmieri. Del mismo autor estrena como solista el Concierto para Bandoneón, Mateo Opera sobre texto de Armado Discépolo. También toca la obra Pueblo Joven de Ástor Piazzola y Horacio Ferrer con la Orquesta Sinfónica de Córdoba bajo la dirección de Luis Gorelik.

Toca con la Ópera de Roma, conciertos de verano, en el Festival de Otoño de Madrid en el Círculo de Bellas Artes junto a la Orquesta del Teatre Liure.

Dirige la orquesta del espectáculo Tango-Tango, en el Cristal Palast Variete de Leipzig.

En el Ludwings Burger Schlo Bfestpiele (Alemania), toca a dúo con el guitarrista Marcos di Santi.

Escribe la música de los ballets “Diario de Unas Horas” y “Gestos del Camino”, para la compañía de baile Lanonima Imperial (España). También compone una obra para Marimba y Quinteto, “Milonga para Miles” para trompeta, bandoneón y orquesta de cuerdas (Homenaje a Miles Davis) y “Tres Rincones”, música en tres movimientos para bandoneón y orquesta de cuerdas. “Fuga Parisina” obra para Bandoneón y Orquesta de Cámara.

Lidera su propio Quinteto de Tango, con el que realiza giras por Argentina y el mundo: Festival de Tango “La Cité de la Musique” (París), Academia Chigiana de Siena (Italia), Vicenza (Italia), Festival de Porto Alegre (Brasil), Lincoln Center Festival (Nueva York), Festival de Tango de Portugal. Forma parte del “Tango Reflections Trío”, junto a Adrián Iaies y Horacio Fumero.

Acompaña a cantantes consagrados como Roberto Goyeneche, María Graña, Eladia Blázquez, Susana Rinaldi, Raúl Lavie, Guillermo Fernández, Amelita Baltar, entre otros.

Con su Quinteto graban dos discos: “Gran Hotel Victoria” y “Tres Rincones” (nominado al Grammy 2004 como Mejor Álbum de Tango).

Es convocado por Joan Manuel Serrat, La Bersuit (“La Argentinidad al Palo”), Kevin Johansen, Soledad, Carlos Cano, entre otros grupos y solistas, a grabar como invitado temas que incorporan el sonido del bandoneón.

Es invitado del prestigioso show de Ute Lemper en Bs.As. en el Teatro Coliseo, y del Quinteto de Gustavo Bergalli y Joe Lovano. Fuente web de Pablo Mainetti

Enrique Alessio

Enirque Alessio como director de la orquesta de Alberto Castillo(a la derecha de Castillo)

ALESSIO, Enrique. Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Surgió en 1938 entre las figuras de la Generación del Cuarenta, como primer atril de una fila de bandoneones que integraron junto a él, Manuel Daponte y Luis Bonnat, en la orquesta de Osvaldo Pugliese. Continuó en ésta cuando, a fines de 1939, y desde el palco del café Nacional, ese conjunto se proyectaba hacia el triunfo definitivo. Participó en las primeras grabaciones de dicho conjunto destacando su excelente estilo. A partir de 1945, sucedió a Emilio Balcarce como maestro-director del acompañamiento del cantor Alberto Castillo, registrando entonces sus trabajos para el sello Odeón. En 1948 continuó su carrera como director independiente, presentándose con el vocalista Mario D'Elía y grabando para el sello Pampa varias realizaciones instrumentales de mérito, dentro de un estilo reminiscente del de Pugliese; Tiny, El remate y El recodo se contaron, en este aspecto, entre sus creaciones de mayor interés. Luego de 1950 y ya disuelta su agrupación se vinculó a la de Juan D'Arienzo, desempeñándose como primer bandoneón muchos años.
En 1957, rehizo su conjunto con la participación estelar del solista José Berón, registrando esa vez sus trabajos para la casa Odeón y actuando en los programas de Radio El Mundo. Compositor de muchos tangos de fugaz apogeo en el repertorio de D'Arienzo, Mi amor y tu amor, Nosotros, El hipo, Te odio y te quiero, dio a conocer, además, Un tango para mi vieja y en colaboración con Carlos Lazzari un hermoso tango-milonga de corte moderno, Julie. 
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus Invitados

José Berón

Jose Beron y Raul Beron(a la izquierda)

BERÓN, José. Cantor. Hermano de Elba y de Rosa, de Raúl y de Adolfo Berón, nació, como éstos en Zárate, provincia de Buenos Aires. Se inició en público hacia 1930, formando dúo con Raúl, junto a quien actuó en Montevideo, en el cabaret Kity Dance y en emisoras y locales de la capital porteña. Su depurada y calificada modalidad vocal, semejante en timbre, en intención y en fraseo a la de sus hermanos Elba y Raúl, se destacó durante su prolongada actuación como solista, integrando también algunas orquestas como figura: entre ellas, la de Emilio Orlando en 1942 y la de Enrique Alessio por ondas de Radio El Mundo en 1957, grabando para Odeón. Posteriormente, registró un disco de larga duración con acompañamiento de piano y de guitarras para el sello Music-Hall, durante 1959, sobre la base de un repertorio de canciones criollas y de tangos, con versiones muy destacadas de Barrio reo, La mariposa y Yira yira.

Anselmo Alfredo Aieta

Anselmo Aieta en 1960, ante una foto de su orquesta de 1928 con Visca, Cuervo, Navarro, D'Arienzoy Corleto.

Anselmo Aieta en 1928

Anselmo Aieta con los músicos de su sexteto cuando graba en discos Electra. Visca (piano); Cuervo (violín); Navarro (bandoneón); D'Arienzo (violín) y Corleto (contrabajo),1928.

Anselmo Aieta con su conjunto en 1938

AIETA, Anselmo Alfredo. Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Ejecutante de modalidad efectista y exitosa, director de orquesta y compositor por excelencia de fina sensibilidad y naturales dotes. Su generosa inventiva encontró en las formas cantables del tango el campo más propicio. Sobrios, profundamente emotivos e irreprochablemente desarrollados, sus temas se caracterizaron además, por la variedad de ideas fluidamente encadenadas y altamente dibujadas a lo largo de cada composición. Siga el corso, Carnaval, Mariposita, Bajo Belgrano, Entre sueños, Tus besos fueron míos, Ya estamos iguales, son piezas ejemplares dentro de su fecunda obra. Buena parte de la misma fue plasmada, en perfecta afinidad de temperamentos, con el letrista Francisco García Jiménez, con quien formó, a través de cuarenta años, un binomio autoral de clásica perduración. Nació en San Telmo, en Buenos Aires, el 5 de noviembre de 1896. Desde niño sintió marcada vocación por la música, si bien debió alternar ésta con diversas ocupaciones —canillita, lustrador de zapatos, repartidor de telegramas— que le proporcionaron lo imprescindible para el sustento. Fue su primer instrumento una concertina; luego —con lo producido de cinco años de trabajo en una fábrica de cigarrillos— compró su bandoneón inicial. El "tano" Genaro Spósito y Luiggín Bossi, fueron sus maestros en los conocimientos elementales, ya que era en esencia, un autodidacto y un intuitivo. Comenzó su carrera en noviembre de 1913, tomando transitoriamente el lugar de Graciano De Leone en un terceto que integraban Agustín Bardi como pianista y Eduardo Monelos al violín, en el café La Buseca, de Avellaneda. Actuó luego en el café de Piedras y Cochabamba —en su barrio—, acompañado por las guitarras de Carmona y Rodriguez. Integró en 1917 el conjunto de Rafael Iriarte en los bailes del antiguo Luna Park de la calle Corrientes y el de Eduardo Arolas en el café Botafogo. Al año siguiente por mediación de Rafael Tuegols, ingresó a la orquesta de Francisco Canaro, con quien permaneció hasta 1922 en una fila de "fueyes" que formaban junto a él, Schumajer, Minervini y Danesi. Resolvió entonces, encabezar su propio conjunto, y tan favorable acogida le dispensó el público que llegó poco más tarde, a mantener la actuación simultánea de tres agrupaciones en el café Nacional —su clásico reducto—, Germinal y Guarany, turnándose en la personal conducción de cada uno. Se presentó luego con su conjunto —denominado Los Ases— en el cine Hindú. Grabó en Electra (1928) y en Columbia (1932). Hacia 1954, paulatinamente alejado de la actividad artística, volvió a integrar un quinteto, esta vez para grabar discos para la casa T.K. Falleció en Buenos Aires el 25 de setiembre de 1964. Además de los ya nombrados, compuso los tangos, La primera sin tocar (el inicial, de 1918), Estampa tanguera, Enojos, La avispa, Alma en Pena, Prisionero), Bajo tierra, La cucaracha, Tan grande y tan sonso, Ansiedad, Tras cartón, El misionero, Primero campaneala, El huérfano, A la criolla y La chiflada, los dos de corte milonga y para orquesta; el vals Palomita Blanca, la milonga Corralera y el tema carioca Aló, Brasil.  
Horacio Ferrer