Michael Bublé

Michael Bublé


Michael Bublé

Michael Steven Bublé (n. el 9 de septiembre de 1975 en Vancouver, Columbia Británica), es un cantante de jazz y actor canadiense. Ha ganado diversos premios, incluyendo un Grammy y varios Juno Awards. Los logros obtenidos alcanzaron modestas posiciones en las listas de los Estados Unidos, pero su álbum homónimo estuvo entre los diez primeros del Líbano, del Reino Unido y en su propio país. Pero no fue hasta 2005 en donde se convirtió en todo suceso comercial en los Estados Unidos con su álbum It's time, el que vendió alrededor de 18 milliones de copias. Michael también ha aparecido en la serie Rove en 4 oportunidades.

Bublé nació en Vancouver, Canadá, en una familia de pescadores. Es descendiente de italianos. Bublé creció escuchando la colección de discos de jazz de su abuelo, y en su sitio web señala la importancia de éste en su carrera musical. Ha grabado tres álbumes independientes, uno es un presente para su abuelo. En 2000, Bublé recibió dos nominaciones en los Genie Award por las canciones que escribió para la película Here's to Life. La primera actuación de Michael en TV fue en 1997 en Bravo!.

Bublé fue invitado a cantar al matrimonio de la hija de Caroline Mulroney en 2000, donde cantó "Mack the Knife" de Kurt Weill. En la boda, Brian Mulroney presentó a Bublé a David Foster, un productor (ganador de varios Grammy) y ejecutivo de Warner Brothers quien trabajó con Josh Groban previamente.[4] Foster llevó a Bublé al sello '143' record label, para grabar Michael Bublé en 2000. El álbum presenta una serie de temas de diversas épocas, entre ellos "Fever", "The Way You Look Tonight", "For Once in My Life", "Moondance" de Van Morrison y "You'll Never Find Another Love Like Mine" de Lou Rawls. Barry Gibb de los Bee Gees escuchó la versión de Bublé del tema "How Can You Mend a Broken Heart?", canción que lo llevó hasta el # 1 en varios países.

El álbum Michael Bublé fue lanzado a mediado de 2003. Fue todo un éxito en los Chart de Canadá, Reino Unido, Estados Unidos y Australia.Fuente Wikipedia

Guillermo Fernandez

Guillermo Fernandez


Guillermo Fernandez

Guillermo Fernandez: Cantor (28 de enero de 1958)
Apodos: Guillito, Guillermito y El pibe de oro del tango
Este cantor de fino fraseo y sólidos recursos, fue un precoz intérprete de nuestra música ciudadana. La calidad y el extenso espectro de su voz, lo tentó, siendo aún muy joven, a probar con otros ritmos, cuestión que le valió el reproche de la muchachada tanguera. Hoy, recuperado plenamente para el tango, es una de las principales estrellas de la cartelera porteña.
Nació en Buenos Aires, en el barrio de San Telmo y desde muy pequeño se convirtió en una figura reconocida. Debutó en 1963, en el Canal 7 de televisión, integrando un coro infantil. Después, en el programa de Roberto Galán, en 1967.

Ese mismo año, estuvo en el recordado entretenimiento televisivo, "La Feria de la Alegría", conducido por Juan Carlos De Seta, Brizuela Méndez y Colomba. Dos años después, integró el elenco de "Grandes valores del tango", dirigido por Juan Carlos Thorry y la participación especial de Tito Lusiardo. Y, desde ese momento, comienza una carrera ascendente, actuando en los escenarios más importantes del país, también en el extranjero.

Actuó en el mítico Caño 14, acompañado por Atilio Stampone, donde también estaban Aníbal Troilo, Roberto Goyeneche y el gran bailarín Juan Carlos Copes.

Entre los años 1976 y 1988 grabó seis discos de tangos para diversos sellos: Zero, Parnasso, Diapasón. De esa época son sus primeros éxitos: los valses "El trovero" y "Frente a la facultad", la milonga "Yo soy de San Telmo", con versos de Félix Luna y los tangos "Una piba como vos" y "Mi otoño sin tu amor", que le pertenece, con versos de Eduardo Trufa.

A mitad de los años ochenta su carrera tomó un giro ascendente. En 1986, viajó a los Estados Unidos y en Nueva York, perfeccionó su técnica interpretativa con los mejores profesores. Ganó un concurso en la televisión, en el ciclo "Star Search", por la popular cadena CBS. En esa oportunidad, cantó una personal versión del tango "Nostalgias", en inglés. En 1988, viajó a Las Vegas contratado como protagonista en una comedia musical, "Latin Quarter", ganándose el reconocimiento de la prensa como el mejor cantante de musicales de la temporada.

Por esos años, comenzó su dedicación a la producción discográfica y de bandas de sonido para películas. Produjo dos canciones junto al prestigioso compositor Roberto Livi y es contratado por la empresa Sony Music para grabar dos discos. A raíz de lo cual, entre 1992 y 1994, recibió dos discos de platino y tres de oro, en Argentina, México, Colombia, Venezuela y Chile. Logró además, estar en los primeros puestos de ventas y ejecución del Billboard Chart Latino de los Estados Unidos.

Realizó cuatro giras exitosas por Japón, acompañado por la orquesta de José Colángelo, trabajó dos temporadas junto al maestro Mariano Mores y viajó con su canto por toda latinoamérica.

Al cumplir treinta años con la música, lo festejó con un show por televisión junto a sus colegas: Jairo, Adriana Varela y Raúl Lavié.

Su penúltimo trabajo discográfico, el octavo de su carrera y que también produjo -bajo su propia dirección musical y arreglos-, recibió el premio "Gardel a la música 2002", máximo galardón de la industria fonográfica argentina, al mejor álbum de tango.

Protagonizó, en 2000, la opereta criolla de Alejandro Dolina, "Lo que me costó el amor de Laura", en el Teatro Avenida y en el nuevo Teatro Argentino de La Plata, compartiendo el elenco con Julia Zenko y el conjunto Los Huanca Huá y, poco tiempo más tarde, la opereta "El romance del Romeo y la Julieta", de Julio Tahier, un original musical que narra el texto de Sheakespeare con tangos.

En el año 2002, recorrió Francia con la obra de Piazzolla y Ferrer, "María de Buenos Aires", cerrando la gira con dos conciertos en el Teatro Palais Chaillot, en París.

En el cine, actuó en la película dirigida por Fernando Siro: "La Canción de Buenos Aires", estrenada el 28 de febrero de 1980, junto al actor Ricardo Darín y la cantante Manuela Bravo.

Para su último disco contó con una orquesta sinfónica e interpreta canciones de Astor Piazzolla y de su amigo, el poeta Horacio Ferrer.

Fuente por Todotango Ricardo Garcia Blaya www.todotango.com.ar

Ben Sidran

Ben Sidran con Jane Fonda


Ben Sidran con Chick Corea


Ben Sidran con Archi Shepp

Ben Sidran, un maestro de muchos oficios en la música y los medios de comunicación, hace que su promedio de hombre renacentista parece un Slacker. Pianista de jazz de renombre internacional, de un letrista de rock clásico, galardonada nacional de radiodifusión, grabación y productor de vídeo, erudito, autor, periodista, y padre de una segunda generación prodigio musical, Sidran ha sido un importante interprete en el jazz moderno, rock y de pop durante más de cuarenta años.

Nacido en Chicago en 1943-su padre era un amigo de Saul Bellow's-Sidran se radico en el lago de la industrial ciudad de Racine, Wisconsin, subiendo a Madison teclados para jugar en casas de fraternidad, mientras que las partes todavía una adolescente en 1960. El próximo año se matricularon en la universidad, las fechas de juego en el campus y alrededor de la ciudad. Pronto se sumaron a los Ardells, un confort parte sur de la banda encabezada por el niño cantante fraternidad Steve Miller y su amigo Boz Scaggs. Pero cuando Miller fue Scaggs y oeste para convertirse en estrellas, se quedó Sidran para completar su licenciatura en Inglés lit.

Después de graduarse de la UW en 1966 (con honores), Sidran se trasladó a Inglaterra para seguir una Maestría en Estudios Americanos de la Universidad de Sussex. Pero cuando la Steve Miller Band llegó a Inglaterra el año siguiente para grabar con el legendario ingeniero británico Glyn Johns, Sidran se encontró de nuevo en otra etapa de vida en los círculos académicos y la música.

Comenzó con su inolvidable clave en romper Scaggs' "Baby Me llama a casa" para la banda de Miller del álbum debut, "Niños del Futuro." Un poco más tarde, Ben pluma que la letra de Miller del "vaquero espacial", ganarse un lugar Rock en la historia (y lo suficiente para pagar regalías por su graduado).

Si bien aún curso sus estudios, Sidran desarrollado también una relación con Johns, a menudo haciendo en el período de sesiones de trabajo con los Estudios Olímpicos de músicos como Eric Clapton y los Rolling Stones. En 1969, Johns Sidran producido la cinta de demostración, con Charlie Watts, Peter Frampton y otros.

Al recibir su doctorado en Estudios Americanos en el momento álgido de la guerra inducida por la escuela grad exceso, Sidran enfrentan perspectivas sombrías en el mundo académico. Entonces se dio cuenta de su tiempo para el estudio de la información era más; ha llegado el momento de convertirse en la información. Por lo tanto, en el otoño de 1970, después de abandonar su disertación con algunos editores, se mudó a Los Angeles para entrar en el registro de negocios.

Las cosas comenzaron a salir a toda prisa. Primera competencia de ofertas llegó a publicar su tesis; Ben al margen de la baja oferta de los principales Oxford University Press para tener un lucrativo (para él, en el momento) ofrecen a partir de Holt, Rinehart y Winston a publicar la tesis como Negro Talk, o cómo el Música de América Creado Negro una alternativa radical a los valores de la tradición literaria occidental.

Luego, gracias a una introducción de Johns, Sidran pronto tuvo su propio acuerdo sobre el Capitolio de Documentos. Su sentir Groove, un jazz / rock híbrido, que figuran en Azul Mitchell trompeta (la primera de las cinco de esos compromisos), guitarristas Scaggs y Ed Davis y Jim Keltner en la batería.

Ben Reconociendo las capacidades de ambas partes del estudio, del Capitolio también le ofreció un trabajo como personal productor. Sin embargo, debido a que su esposa Judy era infeliz en la neblina aislada de la colinas de Hollywood, Sidran hizo lo impensable y caminó fuera de la LA en el verano del 71, volviendo a Madison al igual que cree que su Groove fue puesto en libertad y Hable Negro se publicó (un conjunto de circunstancias que no provocar la etiqueta en exceso de las actividades de promoción). Tomando el Hammond B3 residencia en un club local, Sidran pronto encontró otro lo largo de la vida musical socio cuando James Brown en desempeñado la ciudad y su baterista, Clyde Stubblefield, quedaron atrás.

No pasó mucho tiempo antes de que otro vino nacional etiqueta llamando - Azul pulgar Records, que publicó Ben's "Yo llevar una vida" en 1972, rápidamente seguido de "Puttin 'En el Tiempo en el Planeta Tierra" (1972) y "No deje pasar ", (1973).

Sidran presentaron sus muchos talentos en diversos ámbitos para el año que convirtió 30 - llevar una gira nacional, la producción de Tony Williams y Pablo Peña, la creación y alojamiento de una serie semanal de televisión, incluso de regresar a la academia para enseñar a la estética social de producción récord en la UW.

Su ritmo no ha disminuido desde entonces.

Después de la desaparición de Blue Pulgar, Sidran Arista se sumaron a la lista de registros, la liberación de "Libre en América" (1976), "El Doctor está en" (1977), "un besito en la noche" (1978), "Live at Montreaux ", (1979) y" El gato en el sombrero ", (1980).

Aunque Ben desarrollado una importante carrera en la radio y la televisión de trabajo durante la década de los ochenta (ver columna lateral), mantuvo sus manos sobre el teclado, la grabación "llegar al punto" (PolyStar, 1981), "Old Canciones para la Nueva depresión", ( Antillas, 1982), "Ciudad de BP," (Antillas, 1983), "El frío de la Side," (Windham Hill, 1984), "¿Conoce Barcelona ..." (Naranja Azul Productions, 1986), "Sobre la lateral de Live , "(Windham Hill, 1986) y" Demasiado caliente al tacto, "(Windham Hill 1987). Sus créditos de producción que incluyen década "Desde el Mundial de finalización" y "My Backyard" de Mose Allison y "Nacido 2B Blue" de Steve Miller, con quien y su hijo Leo también recorrió.

Sidran a continuación, haga clic en muchos niveles durante el decenio de 1990, incluso ampliado sus esfuerzos por incluir a partir de su propio sello, Go Jazz Records. A principios Sidran producidos Ir Jazz de prensa incluido Georgie la Fama del "frío de coches Blues", y "El Blues y de mí", Ricky Peterson de la "Sonrisa Azul", y Phil Upchurch del "¿Qué pasó con la Blues".

En 1993, Sidran combinado su arte con su alma en "La vida es una lección", un jazz-infundido colección litúrgica de los judíos y las canciones populares. En un período de cinco década de carrera (hasta ahora), esta noticia Ir Jazz es uno de la coronación personales y logros artísticos.

El final de siglo trajo otro emocional destacar - la liberación de "Concierto para García Lorca", un homenaje a los mártires poeta español, Federico García Lorca. Inscrita en el patio de García Lorca de la casa, el álbum ganó Ben otra nominación al Grammy (que perdió a Madonna).

Ben ha mantenido constante su producción de un trabajo de alta calidad, tanto en su propio ( "El señor P aleatoria", y "en vivo desde el Celebrity Lounge,") y con artistas como Van Morrison y David Sanborn. En 2001 produjo dos más nominados al Grammy-álbumes, "Crónicas Mose" (Mose Allison) y "Es así" (Rickie Lee Jones).

Sobre la base de la influencia española que infunde la liberación García Lorca, en 2002, Ben escribió y produjo (junto con el hijo de Leo), el bi-lingual niños la unidad de CD, "El Elefante", ganador de los padres' Choice Award. Ese año, Ben de alguna manera encontró tiempo para volver a la UW como artista en residencia, y la liberación de su aclamado por la crítica memorias, Una vida en la música (Taylor).

En 2003, Ben y Leo se sumó a líquidos 8 Records y Entretenimiento para crear Nardis Música, un servicio completo que ofrece una mayor etiqueta del CD original de todas las emisiones. Entre sus primeras emisiones fue el propio Ben "Nick's Bump" (2004).

Ben Sidran y Judy siguió a residir en Madison, Wisconsin. La mayoría de Lunes por la noche, encontrará detrás de él el Hammond B3 en el Café Montmartre justo al lado de la Plaza del Capitolio, junto con Leo en la batería y guitarra.
Una vida en la música, de hecho.
Fuente-Stuart Levitan(Traduccion automatica)

Osvaldo Berlingieri

Osvaldo Berlingieri con Emilio de la Peña y Oscar Ferrari
Osvaldo Berlingieri

Osvaldo Berlingieri:Pianista, director y compositor (20 de febrero de 1928) Nombre completo: Osvaldo David Bellinghieri

Con este eximio músico se dividen las aguas de los entendidos y de aquellos que no lo son tanto, pero que disfrutan de nuestro tango.

Para algunos, es un fiel exponente de la escuela pianística inaugurada por Osmar Maderna y desarrollada por Horacio Salgán, tanto por su estilo como por su virtuosismo. Para otros, que no discuten sus cualidades artísticas, carece del “yeite” tanguero y lo acusan de utilizar formas jazzísticas que desnaturalizan al género.

A mi entender, las dos posturas tienen su parte de verdad, pero volvemos al tema de siempre: el gusto de cada uno. Además, es muy difícil simplificar su estilo en una definición absoluta, ya que no es lo mismo el Berlingieri que tocó con Aníbal Troilo, que el que luego hizo binomio con Ernesto Baffa y, mucho menos, con el actual.

Horacio Ferrer lo describe en estos términos: «...transparentó desde la primera instancia, la admiración por los estilos de pulsación liviana, propensos a los tiempos más bien rápidos y al abundante dibujo de la melodía, como los de Salgán y Maderna. Sobre esa base fue perfilando su individualidad: una mano izquierda con buen sentido de la conducción orquestal y una mano derecha nerviosa, ligera, inclinada al virtuosismo. Y, en ambas manos, un generoso caudal de ideas, en el que ciertas reminiscencias armónicas de jazz, la ostensible atracción temperamental por el fraseo extremadamente “rubato” y la facilidad de improvisar sobre la marcha del arreglo...»

Nació en Haedo, Provincia de Buenos Aires. Su etapa profesional comenzó en 1944, como pianista de la orquesta acompañante de Héctor Mauré. Luego pasó por muchas formaciones: Domingo Federico, Joaquín Do Reyes, Edgardo Donato, Lucio Milena, Héctor Varela, Emilio Balcarce, Roberto Caló y es probable que me esté olvidando de algunas otras.

También recorrió Centroamérica, cuando fue requerido por el cantor Raúl Iriarte para que se haga cargo de su orquesta.

Pero su vuelo ascendente se produjo cuando se incorporó a la orquesta de Troilo, para reemplazar a Osvaldo Manzi. Con Pichuco estuvo casi once años, desde el 24 de septiembre de 1957 hasta mayo de 1968, cuando participó en su último cuarteto completado por Ubaldo De Lío (guitarra) y Rafael del Bagno (contrabajo).

Durante 1959, integró paralelamente dos formaciones pequeñas: el trío “Los Modernos”, junto a otros músicos del Gordo: Alberto García (bandoneón), Alcides Rossi (contrabajo), después José Pro y el cantor Roberto Goyeneche, y el cuarteto “Los Notables del Tango”, con Leopoldo Federico (bandoneón), Leo Lipesker (violín) y Omar Murtagh (contrabajo).

En ambas llegó al disco, con el trío hizo una docena de registros, de los cuales destacamos: “El guardián”, de García, “Ciudad en gris”, de Berlingieri —dos tangos ejecutados en forma instrumental—, y “Yo te perdono” y “Tamar”, cantados por El Polaco. Con el cuarteto grabó cuatro temas en total: “Ciudad dormida”, que también le pertenece, “Mala junta”, de Julio De Caro, “Contrabajeando” y “Lo que vendrá”, de Astor Piazzolla.

Además, de haber colaborado con Libertad Lamarque en la dirección de su acompañamiento, en 1965, armó otra pequeña formación con Ernesto Baffa que, dos años más tarde, se convertiría en la recordada orquesta, con la voz de Goyeneche, en uno de sus mejores momentos. Las grabaciones del binomio Baffa-Berlingieri y el rubio cantor son inolvidables.

Colaboró con Héctor Stamponi en la orquesta que acompañó en las últimas grabaciones a Edmundo Rivero y, con la de Atilio Stampone, en los discos con Goyeneche.

Algún tiempo después, compartió otro trío con, Leopoldo Federico y el contrabajista Fernando Cabarcos, que grabó más de 30 versiones instrumentales para el sello Victor, mezclando clásicos del género con tangos nuevos.

En la segunda mitad de los ’70, fue contratado como director musical por la cantante española Nati Mistral, con quien hace giras, varias de ellas por Japón.

En 1989 con su propia orquesta, editó un disco compacto, “Identificación”, con 14 temas, el primero de ellos, una muy buena versión de “Taconeando”.

Como compositor, podemos mencionar entre otros, los instrumentales: “Ciudad dormida”, “Siempre otoño”, “A mis viejos”, “El resuello”, “Pisciano”, “Compadrita mía”, “Contacto en Buenos Aires”, “Ritual”, “Tiempo imaginario”, “Ciudad en gris”; además de “Tamar”, con letra de Oscar Núñez, “Che Discepolín”, con Héctor Méndez, “Milonga que canta el aire”, con Héctor Negro y “Un episodio más”, con Luis Filipelli.

Resultaría agotador llegar con su trayectoria hasta nuestros días, pero podemos testimoniar, que sigue tocando y actuando como si los años no pasaran, deleitando a su público en los más importantes escenarios porteños, expresando siempre, su especial concepción del tango..
Por Horacio Ferrer y Ricardo Garcia Blaya

Bobby Vinton

Bobby Vinton


Bobby Vinton

Bobby Vinton (nacido 16 de abril de 1935) es un cantante americano de música pop.

Hijo de Robert Stanley Vintula, Jr en Canonsburg, Pennsylvania (cerca de Pittsburgh), fue el único hijo de una orquesta popular a nivel local, Stan Vinton (Stanley Vintula, Sor).

A las 16, Vintula formó su primera banda, que ha desempeñado en torno a los clubes de la zona de Pittsburgh. Con el dinero que ganaba, le ayudó a financiar su educación universitaria en la Universidad de Duquesne, donde estudió música y se graduó con una licenciatura en composición musical. Si bien en Duquesne, que se convirtió en dominar todos los instrumentos en la banda: piano, clarinete, saxofón, trompeta, oboe y tambores.

El lugar de nacimiento Canonsburg, Pennsylvania es también el lugar de nacimiento de Perry Como. Vinton ha sido honrado por su ciudad natal con una importante vía Bulevar de Bobby Vinton. Canonsburg ciudad los padres tenían planes para erigir una estatua en su honor, pero Vinton vetó la idea señalando que los $ 100.000 previstos costo podría ir a obras más importante de acuerdo a las necesidades de la ciudad.

1960
Después de un breve período en el Ejército de los EE.UU., Vinton firmo con Epic Records en 1960 como una orquesta: "un joven con una Big Band". Dos álbumes y varios singles no tuvieron éxito no obstante, y con Épico dispuesta a tirar del enchufe, Vinton encontrado su primer éxito, literalmente, solo sentado en una cantidad de rechazos. La canción se tituló "Las rosas son rojas (My Love)". Se pasó cuatro semanas en el No.1 en el Billboard Hot 100. Posiblemente, su más famosa canción es de 1963 "Blue Velvet", originalmente un hit menor de Tony Bennett en 1951, que también fue a No.1. Veintitrés años después, David Lynch nombró su película Terciopelo Azul después de la canción. En 1990, "Blue Velvet" subió a la cima de la música cartas en Gran Bretaña, después de haber sido presentado en una piel Nivea Crema comercial. En 1964, Vinton había dos # 1 hits, "No! He dicho otra vez" (un hit # 1 en 1945 de Vaughn Monroe) y "El señor Lonely". Harmony Korine 2007 el nombre de su película Mister Lonely después de la última, y ahora es también la base para el éxito Akon "Lonely".

Vinton la versión de "No! He dicho otra vez" es digno de mención por ser el final Billboard de EE.UU. un número único de la pre-era Beatles, que fue destituido de la cima del Hot 100 por "I Wanna Mantenga su mano. " También digno de mención es el hecho de que Vinton sigue teniendo gran éxito durante los registros de la Invasión Británica, mientras que Connie Francis, Ricky Nelson, las Shirelles y otros grandes artistas de comienzos del decenio de 1960 luchado para llegar hasta el Top 30.

Vinton hit de 1967 "el regreso a casa Soldado" fue un favorito en la solicitud ponga de manifiesto en las fuerzas americanas la Red durante la Guerra Fría y la era de Vietnam, a menudo llamado por los soldados a bordo de la Libertad de aves que los llevaría de regreso a la "Tierra de la Ronda Puertas ".

1970
En el decenio de 1970, el "príncipe polaco" siguió el hit Top 40, en particular con "Ev'ry día de mi vida" y "sellado con un beso" en 1972. En ese mismo año, Epic Records decidió Vinton caída de su contrato (a pesar del moderado éxito de estos dos éxitos), alegando que sus días de la venta de más de registros. Sin, Vinton gastó $ 50,000 de su propio dinero en un auto-escrito la canción cantada en parte en polaco: "Mi Melodía de Amor". Después de Vinton fue rechazada por los siete principales etiquetas, ABC Documentos comprado la idea de Vinton, y el resultado fue uno de varios millones de venta único que afectó # 3 en el Billboard Hot 100 chart y # 1 en el AC cartas en 1974. [1] A álbum de oro, Melodías de Amor, seguido, así como un Top 40 más éxito de pop ( "Cerveza de barril Polka" en 1975), un éxito de media hora de show de variedades El Bobby Vinton Show (que fue de 1975 a 1978), que " Mi melodía de amor "como tema la canción; ABC Documentos posteriormente puesto en libertad un álbum de canciones realizadas en el programa. También protagonizó dos películas de John Wayne: Big Jake y el tren ladrones.

Honores y logros
En el curso de su carrera, Vinton ha vendido más de 75 millones de discos (singles, álbumes de compilación inclusiones, etc) y sigue siendo la realización de la gira. Era dueño y se lleva a cabo en el Bobby Vinton Terciopelo Azul Teatro en Branson, Missouri hasta 2002, cuando el teatro fue vendido a David King, creador y productor del Espíritu de la Danza. Vinton vuelve a Branson anualmente por los limitados compromisos en el teatro.

Billboard Magazine Bobby Vinton llamado "el de todos los tiempos de mayor éxito amor cantante de la" Era-Rock ' ". Desde 1962 a través de 1972, Vinton había más Billboard # 1 Hits que cualquier otro vocalista masculino, entre ellos Elvis Presley y Frank Sinatra. En reconocimiento de su carrera, Bobby Vinton tiene una estrella de Hollywood en el Paseo de la Fama de Hollywood en 6916 Blvd.

En 2002, la electro-noruego Royksopp dúo lanzó su álbum debut Melody AM incluida una versión delicada cubierta de la Vinton-hit "Blue de Blue" llamado "tan fácil" - que también fue el grupo del primer single y, además, utilizado en varios anuncios.
Vinton y su esposa Dolores "Dolly" Dobbins Vintula han estado casados desde el 17 de diciembre de 1962, y tienen cinco hijos: Robert, Kristin, Christopher, Jennifer (que más tarde cambió su nombre legalmente a Hannah después de casarse) y Rebecca. Su hijo mayor, Robbie Vinton, Vinton desempeñado en la película Goodfellas (1990).
Fuente Wikipedia en Ingles(Traduccion automatica)

Michael Bolton Biografia

Michael Bolton

Michael Bolton

Michael Bolton (Michael Bolotin, New Haven, Connecticut, 26 de febrero de 1953) es un cantante y compositor Estadounidense encontró su gran éxito a mediados de los ochenta, y a inicios de los noventa por sus participaciones como artista de soft-rock y baladas pero también como Tenor
Sus logros incluyen la venta de 53 millones de álbumes, ocho álbumes en Top Ten, dos sencillos en numero uno de las listas de Billboard y premios como el Grammy Awards.
Nace en el seno de una familia judia de origen ruso es el menor de 3 hermanos
Desde pequeño demostró su talento musical, es así como Michael Bolton recibió su primer contrato con una compañía de discos a la temprana edad de 15 años.

Bolton es el padre de tres hijas (Isa, Holly y Taryn) nacidas durante su unión con Maureen McGuire1 la cual duro de 1975 a 1990
Es fundador y entrenador del equipo de Soft ball The Boltons
En 1975 lanza su álbum debut “Michael Bolotin”. Un año más tarde, “Everyday of My Life” sale a la luz.

A principios de 1983 acorta su nombre por motivos comerciales a “Michael Bolton” y lanza un álbum homónimo después de obtener su primer éxito como compositor, co-escribiendo el tema "How Am I Supposed To Live Without You" para la cantante Laura Branigan. Esta tema casi llegó a ubicarse en el Top 10 de las radios estadounidenses, y logró mantenerse en los charts durante 3 semanas. Gracias al éxito obtenido deciden volver a trabajar juntos, esta vez con el tema "I Found Someone" en 1985. Esta canción no pudo alcanzar la popularidad del anterior, pero dos años más tarde, la conocida cantante Cher la llevó a convertirse en un hit. A partir de este momento, Michael trabaja para las dos cantantes paralelamente. Pero su popularidad se dio cuando comenzó a co-escribir con cantautores de la talla de BabyFace, Diane Warren, y Bob Dylan. También escribió canciones para Barbra Streisand, KISS, Kenny Rogers, Kenny G, Peabo Bryson y Patti LaBelle.

Como cantante se ha presentado con famosos cantantes de todos lo estilos como Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Renee Fleming, Zucchero, Patti LaBelle, Celine Dion, Ray Charles, Percy Sledge, Wynonna Judd, y BB King.

En 1985 “Everybody's Crazy” sale al mercado. Dos años después, el disco “ The Hunger” es presentado, y prosigue con “Soul Provider” que en 1989 le supone por fin un gran éxito comercial en todo el mundo.

Inicia la década de los noventa con el lanzamiento de “Time, Love & Tenderness” (1991); posteriormente sale a la venta “Timeless: the Classics” ; y en 1993 realiza dos nuevos discos: “The One Thing” y “The Artistry of Michael Bolotin”.

En 1995 aparece un disco recopilatorio de grandes éxitos: “Greatest Hits (1985-1995)". Un año más tarde nace un disco navideño, “This Is The Time: The Christmas Album”.

En 1997 graba “All That Matters” y en 1998 “My Secret Passion”. Finaliza la década con el lanzamiento del disco “Timeless: The Classics, Vol. 2” (1999).

A partir del 2002 ha producido 4 discos hasta el momento: “Only A Woman Like You” en 2002, “Vintage " en el 2003, “'Til The End Of Forever” en el 2005 y “Bolton Swings Sinatra” en el 2006.Fuente Wikipedia

Juan Cedron

Juan Cedron

Juan Cedron

Entrevista a Juan Cedron: Hace casi dos años volvió a Buenos Aires luego de tres décadas de estada en Francia. Volvió para quedarse. El barrio pudo más. Por eso, Juan "el Tata" Cedrón es un repatriado. Y no sólo por el retorno físico al pago, sino también por lo artístico.

Por un lado, su estilo tanguero es inimitable, aunque su presenciase puede notar a modo de influencia o de admiración en el trabajo de músicos mucho más jóvenes. Por otro, Cedrón anda con varias actividades. Semanas atrás estrenó "Orejitas perfumadas", una obra en homenaje a Roberto Arlt, con dirección de Roberto Saiz y canciones con textos de Mario Paoletti y músicas interpretadas por el Cuarteto Cedrón. Además, este guitarrista y cantor tiene ganas de dar clases de música, de volver a Francia (sólo para una gira de conciertos que dará a partir de octubre) y de estrenar su nuevo disco, "Frisón, frisón", compuesto por poesía inédita de Homero Manzi y música propia.

De "Orejitas perfumadas", que se presentó en el Teatro Presidente Alvear, dice: "Lo nuestro no es una cosa pretenciosa, sino un homenaje verdadero. Leí a Arlt toda mi vida. Me identifico con su literatura, con su lenguaje, con los planteos que hace y las angustias que pinta, con la visión que tiene de Buenos Aires y la cosa agresiva. Somos de una generación fuerte; al menos, cuando éramos jóvenes tuvimos una visión fuerte de la realidad". Todo lo porteño nunca dejó de estar en la vida de Cedrón a pesar de la distancia. "No me quedó acento, la ere [francesa] -dice- , y mis hijos hablan perfectamente el castellano, aunque se criaron allá. Yo tengo un lenguaje de los sesenta y los setenta. Recién ahora me estoy acostumbrando un poquito. Pero todavía tengo giros de esos años."

El músico repara en estos detalles porque es un apasionado de la palabra y el sonido. Luego cuenta que volvió a la Argentina en 1984, con el retorno de la democracia, para tocar con su cuarteto. Dio un par de recitales, que define como "memorables", en Obras Sanitarias y desde entonces volvió cada año, pero sólo para tocar. "Intenté quedarme un par de veces. Lo hablamos con quien entonces era mi mujer, Margarita. Pero fue para los años de los alzamientos militares de Rico y de Seineldín. Después de eso me dijeron: «Si querés, volvé solo»."

La siguiente oportunidad para el regreso recién fue en 2004, atraído por ciertos fantasmas de Boedo. Hace dos años que está instalado en una casa de la calle Colombres, con su actual esposa, Antonia, y una hija de 8 meses, Azul.

"Después de 30 años en Francia algunos preguntaron: «¿Por qué volvés?». Y yo me pregunto por qué me fui; por qué me tuve que ir. Ahora siento que en mi entorno hay un buen clima. La gente está muy creativa, positiva, tirando para adelante sin hacerse el coco con triunfalismos. Por eso me siento bien en la Argentina. Si hay algún dolor es porque pasé 30 años afuera, aunque la pasé muy bien. Allá me respetan, me quieren. Tengo que agradecer al pueblo francés, que me permitió trabajar, comer, crear y grabar. Fue una estadía enriquecedora."

Allá quedaron sus hijos mayores, Román, de 42 años, contrabajista y luthier, y Emilio, violinista (ambos tocaron en el Cuarteto Cedrón durante algunos años). "Decidieron no seguir para hacer sus cosas", dice. Y acá está el "Tata", que observa los títulos del disco de Manzi mientras Antonia juega con Azul en otra habitación. "Estoy feliz. Me siento bien. Tengo posibilidades de trabajar. Hice una gira por el país. Estuve presentándome con Suma Paz. Ahora estamos haciendo lo de Arlt y pronto saldrá el disco."

Las letras inéditas de Homero Manzi llegaron a su guitarra de manos de Acho (el hijo de Homero), que es muy amigo de Cedrón. "De hecho, yo hice un disco con poemas de él [de Acho]. El primer poema que me dio fue «Padre». Acho también me hizo pata cuando vine a vivir acá. Caminando por Boedo salieron los fantasmas del pasaje San Ignacio, de la avenida San Juan, de las calles Boedo, Agrelo y México. Aunque ahora hay mucho tráfico, las casas, en un 80 por ciento, siguen siendo las mismas. Hay un clima Manzi, Cátulo Castillo, Maffia, Piana... toda esa gente que uno quiere y que fue importante para mí y para Acho. Y un día Acho sacó un poema [de Homero]: «Palabras sin importancia»."

El resto de los títulos del CD llegó poco después, en 2004, tiempo en que el cantor viajó a Europa para festejar en Francia los 40 años del Cuarteto Cedrón. Ahí, durante una gira, comenzó a revisar los poemas de Manzi y, entusiasmado, llegó a musicalizar dos en un solo día. "Después comencé a pulirlos", aclara.

En las letras, la palabra frisón se repite varias veces, de ahí el nombre elegido para el CD. "Un corralón de barracas" es el tema donde Manzi y Cátulo Castillo más hablan de esos caballos de Frisia, de cascos grandes y mucha fuerza. "Qué siempre fue tu vivir, arena. Un tirón y otro tirón."

De este álbum, "Palabras sin importancia" es el único que no está fechado. El resto del repertorio fue escrito entre 1934 y 1945. "Pienso que es importante que se hagan este tipo de cosas en este momento. Es creación de belleza y no tiene por qué ser actual", aclara Cedrón.

Además, el músico proyecta un espectáculo para 2007, año del centenario del nacimiento de Manzi. "Me gustaría que fuera dedicado a su vida. Su niñez de campo, su adolescencia en Pompeya, su participación en el yrigoyenismo, la fundación de FORJA y su participación en el peronismo sin ser peronista." Piensa en un espectáculo sencillo para que también se pueda trasladar, a modo de clínicas, a los colegios.

Todo esto lleva la charla con LA NACION a la actualidad de la música. Entonces Cedrón cuenta: "Hubo un desastre cultural durante más de treinta o cuarenta años. Yo pude mamar lo que hicieron Pugliese, Troilo o Di Sarli. Lo llevo en el alma. No preciso tocar lo que hicieron ellos. Pero está bien que los chicos más jóvenes toquen eso para empezar. Aunque no hay que confundir esto con la avidez y el deseo de triunfar. Cuando en Estados Unidos triunfó el tango danza, todo el mundo se hizo bailarín para ganar dólares. Hay una leyenda mapuche que habla de cuando querían hacer el color azul del lapislázuli para crear el poncho de Calfucurá. Mezclaron un montón de cosas hasta que consiguieron el color. Pero después de cuatro generaciones se destiñó. La leyenda habla de lo genuino. De lo que no se puede imitar. Cuando algo no es genuino, se destiñe".
Fuente: Por Mauro Apicella De la Redacción de LA NACION Año 2006

Aubade - Lecons de Tango

Genero:Tango,new tango, tango electronico

MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 92.1 Mb/Total time: 59:17

Este CD fue grabado en los estudios para la linea de lencería Audabe.

Milán Records trae la gente chic de la línea lencería Aubade, la vida musical con una mezcla de tango tradicional, híbrido y new tango. Se realizo en una compilación de tango legendario compositores, artistas intérpretes o ejecutantes y remezclados.
Lecons de Tango rinde homenaje a la evolucion del tango sin fisuras con este viaje a uno de los mas sexy géneros musicales del mundo.

Tracks

01-Astor Piazolla-eletronic mix by Hi Perspective-El Tango

02-Orquesta El Arranque-Milongueo Del Ayer
03-Electronic remix by Campo-Mi Corazon
04-Roberto Goyeneche, Nestor Marconi-Ventanita Florida
05-Astor Piazolla-electronic mix by Hi Perspective-Libertango
06-Liliana Herrero, Nestor Marconi-El Viaje
07-Ensemble Paris Tango, Richard Galliano-Sensuel
08-Electronic mix by Campo-Naranjo En Flor
09-Horacio Salgan, Ubaldo de Lio-Comme Il Faut
10-Victoria Moran, Ensemble Vale tango-Tus Besos Fueron Mios
11-Orquesta El Arranque-Que Te Importa Que Te Llore
12-Electronic mix by Hi Perspective-Adios Nonino
13-Orquesta Escuela de Tango-Tanguero Del Rey
14-Marcello Mastroianni, Nicola Piovani-Caminito
15-Electronic mix by Koop-Vuelvo Al Sur
16-Astor Piazolla-Tango Tango
Bajar

Adriana Varela

Adriana Varela

Adriana Varela
Adriana Varela y Roberto Goyeneche

Adriana Varela.Cancionista (9 de mayo de 1952)
Nombre real: Beatriz Adriana Lichinchi
Es en la actualidad la más rutilante estrella de la canción ciudadana, la más vendedora, la que más graba, la que más presencia tiene en los escenarios de Buenos Aires. También, la más discutida por los tangueros tradicionales, que consideran que habla en vez de cantar y que representa una mala imitación del "Polaco" Goyeneche de la última etapa.
En la vereda opuesta, provoca la admiración de muchos que no frecuentan el tango -especialmente aquellos que tienen entre 30 y 45 años- y que sin embargo, se sienten atraídos precisamente por su estilo, a lo que suman su atrayente figura y su sensual personalidad.

A mi entender, escapa al estereotipo del tango femenino surgido en los años 70 a partir de Susana Rinaldi.

¡Y esto no es poca cosa! si tenemos en cuenta que la gran mayoría de las cancionistas siguió ese estilo cortado, lento, sobreactuado, fusionado a la balada que era marca registrada de "La Tana". Que por supuesto ella hacía muy bien y fue original en su momento. Pero ese modo de cantar, trasladado a la infinidad de mujeres que surgieron posteriormente y lo tomaron como propio, resulta insoportable a mi oído.

Me parece que el de Adriana es un caso parecido al de Julio Sosa de los años 60, muy aceptado por aquellos no demasiado afines al tango como también por los jóvenes, pero poco valorizado por los iniciados en la música porteña.

Entiendo que ambos artistas, más allá de los gustos de cada uno y la valoración que se haga de ellos, contribuyen a la difusión del tango dentro de un espectro sociocultural generalmente esquivo a nuestra querida música.

Lo cierto es que hoy Adriana tiene un lugar privilegiado entre sus pares pese a haberse relacionado al tango tardiamente, ya mayorcita.

La conocí en sus primeras actuaciones profesionales a principios del 90, en el escenario de Café Homero junto a grandes figuras como Roberto Goyeneche, El "Paya" Díaz y el gran pianista Osvaldo Tarantino. Después la vi en televisión anunciada como la nueva estrella del tango, donde me enteré que había nacido en Avellaneda (ciudad lindante al sur con la ciudad de Buenos Aires).

En 1991 comienza su producción discográfica en el sello Melopea con una cassette titulada "Tangos", que entre otros temas tiene una lograda versión de "Muñeca brava". Dos años después graba un disco con nuevos temas, "Maquillaje", donde además incluye la producción anterior. En este compacto participan como artistas invitados el cantor Roberto Goyeneche y el pianista Virgilio Expósito. Por estos trabajos obtiene el "Premio ACE" por dos años consecutivos.

Entre 1991 y 1996, registra tres discos más, los dos primeros para Melopea, el otro para Nueva Dirección en la Cultura. El primero "Corazones perversos", con una muy buena toma del tango "Golondrinas" de Gardel y Le Pera. El segundo, "Tangos de lengue", totalmente integrado por temas escritos por Enrique Cadícamo. El tercero "Tango en vivo", que como su título lo indica fuera grabado en vivo en junio del 96, en el Teatro Coliseo de Buenos Aires.

En ese mismo año, actúa en un importante recital en los bosques de Palermo ante más de 50.000 asistentes, la acompañó el músico uruguayo Jaime Roos.

En 1997 viaja a Brasil para actuar con gran éxito en el Festival de Porto Alegre. Al año siguiente debuta en Uruguay en el Teatro Plaza donde la recibió una sala colmada, logrando superar con creces ese desafío tan importante ante un público conocedor y exigente.

En julio de 1998 conquista España. Allí realiza dos actuaciones al aire libre -en el marco del Festival GREC de Barcelona-, logrando un suceso de tal magnitud, que la gente se puso de pie para aplaudirla largo rato.

Pocos meses después comienza a grabar dos nuevos discos: "Cuando el río suena", con la dirección artística de Jaime Roos, donde incluye canciones "murgueras" y "Más tango" con la participación de grandes músicos que la acompañan en los diferentes temas. Entre ellos destaco al gran bandoneonista Leopoldo Federico y al guitarrista Juan José Domínguez. El autor de esta nota colaboró con la cantante, en la elección de los tangos de ambas producciones discográficas.

También intervino en 1991 en las películas "Al corazón" dirigida por Mario Sabato y luego en "Plata quemada" de Marcelo Piñeyro. Además el prestigioso director español Carlos Saura la eligió para abrir musicalmente su film "Tango".

Hoy sigue a plena marcha y con toda la potencia de su temperamento, luego de triunfar en las exigentes plazas de París y Madrid.

Son frecuentes sus actuaciones en el Teatro Ateneo de Buenos Aires y resulta evidente que a esta amiga mía, tan discutida como adorada, la vida le sonríe y yo me alegro por ello.
Fuente: Ricardo Garcia Blaya en Todotango. www.todotango.com.ar
Editado y compaginao por El tengo y sus invitados

The Carpenters

The Carpenters

The Carpenters

The Carpenters

Richard Carpenter (nacido el 15 de octubre de 1946) y Karen Carpenter (2 de marzo de 1950 – 4 de febrero de 1983) nacieron y crecieron en New Haven, Connecticut hasta 1963, cuando la familia Carpenter se mudó a Downey, California. Richard ha dicho en varias entrevistas que la familia se mudó a Downey para alejarse del clima frío de New Haven y acercarse al centro de la industría de música.

Desde niño, Richard mostraba interés en el piano. Tomaba clases de piano, pero su maestra le dijo que no tenía talento. Sin embargo, Carpenter practicó el piano cada día. Explicó en la canción "Piano Picker":

Sin embargo, Karen no mostraba interés en la música. A diferencia de Richard, Karen jugaba al sófbol con los vecinos de la familia Carpenter. Pero cuando la familia se mudó a Downey, Karen descubrió los tambores. Un año después de que se mudó, Richard y Karen formaron el «Richard Carpenter Trio» con un amigo de Richard llamado Wes Jacobs. En el Richard Carpenter Trio, Richard tocó el piano, Karen tocó los tambores, y Jacobs tocó la tuba y el contrabajo. Grabaciones del Richard Carpenter Trio todavía existen hoy, incluso de "Caravan" (la grabación mayor de Richard y Karen) y "Iced Tea". Compitieron en el «Battle of the Bands» (Batalla de las Bandas) en el Hollywood Bowl en 1966, y ganaron el premio gordo.

Poco tiempo después, el Richard Carpenter Trio se separó. Richard y Karen formaron la banda «Spectrum» en 1966, cuando Richard ya asistía a la universidad. En la universidad, Richard conoció a John Bettis, con quién escribiría muchas canciones exitosas. Spectrum grabó muchas canciones, incluso de "You'll Love Me", "I'll Be Yours", y "Parting of Our Ways". El sencillo "Looking for Love"/"I'll Be Yours" (también conocido como el «Magic Lamp Record») fue grabado en el garaje del bajista Joe Osborne, quien fundó el discográfica Magic Lamp Records. "Looking for Love" salió a la venta en 1966, pero solamente se hicieron 500 discos. Ahora, es poco común, y muchas veces puede costarle casi $1.000 USD.

Cuando Spectrum se separó en 1968, Richard, Karen, y un amigo (llamado el «Dick Carpenter Trio») aparecieron en el show sindicado "Your All American College Show", y tocaron un cóver de jazz de la canción muy popular "Dancing in the Street". Su aparición sería su primer aparición televisiva.

En 1968, Richard y Karen grabaron muchas maquetas para que buscaran trabajo. Desafortunadamente, todas las compañías discográficas los rechazaron, excepto A&M Records. Herb Alpert, el co-fundador de A&M Records (el "A" en "A&M Records" viene del "A" en "Alpert"), se dio cuenta de su talento. El 22 de abril de 1969, Richard y Karen contrataron a A&M Records.

Estos importantes logros en las listas de ventas se vieron opacados a mitad de la década, ya que a partir de 1975 The Carpenters no conseguirían mantener su elevado estatus comercial, debido principalmente a los problemas de salud contraídos por los hermanos.

Richard sufrió de una adicción al Quaaludes (una metacualona, medicamento por prescripción) y tuvo que ingresar en una clínica para rehabilitarse y Karen padeció anorexia, que le llevaría a la muerte a los 32 años, el 4 de febrero de 1983.

Anteriormente había grabado un disco en solitario producido por Phil Ramone que no vería la luz hasta 1996 y el último Lp oficial de los Carpenters, titulado Made in America (1981).Fuente Wikipedia. Fotos web The Carpenters

Enzo Valentino

Enzo Valentino

Enzo Valentino: Su verdadero nombre Enzo Angel María Cavenenghi, nació el 24 de septiembre de 1919, en Correa, provincia de Santa Fe. Es autor, entre otros, de "Recuerdos de una madre", con letra de Juan Pedro López y "Viejo sillón", "Gigí" y "El nido vacío", todos con Eduardo Moreno.
«Mi vocación por el canto es algo natural, de chico lo escuchaba cantar a mi padre en las madrugadas del pueblito campesino donde nací. Se llama Correa, cerca de Cañada de Gómez y de Rosario Provincia de Santa Fe. Papá cantaba en medio de los carros y de las caballadas que teníamos nosotros en ese pedacito de tierra que aún vive en mi memoria, y por lógica era un contagio.

«Papá era un italiano bajito, flaquito como yo, romano igual que mi madre, y de ahí sucede que yo tarareaba esas cosas y las cantaba en el colegio y en la iglesia cuando había casamientos o bautismos. En los bares del pueblo vi cantar a muchos payadores, incluso a Atahualpa Yupanqui en 1933, que cantaba arriba de una mesa de billar. Los payadores improvisaban sobre rasgos de la gente, miraban un paisano y le cantaban hasta a su sombrero, a la pinta, a las alpargatas, esto reforzó mi pasión por el canto.

«A mí siempre me apasionó la voz, el misterio de la voz. Pero recién conocí lo que era la voz cuando llegué a Buenos Aires, en 1937, para visitar a una tía y me quedé para siempre. Yo ya cantaba pero observaba a otros que sabían colocar la voz como yo aún no podía. Por ejemplo Charlo sabía colocar la voz, también Alberto Gómez en su modalidad y Gardel que había llegado a la perfección.

«Lo conocí al "Zorzal" en abril de 1933, en Cañada de Gómez, lo escuché ignorante como a un cantor más, yo era chico. Cantó cinco temas, "Rosa de otoño", recuerdo también "Silencio", aquí hizo la introducción Domingo Vivas, pero en bandoneón, también estaban Pettorosi y Barbieri, fue en el teatro Verdi de aquella ciudad.

«Fue Corsini quien me dio la oportunidad de quedarme en esta ciudad. Porque el año de mi llegada canté por Radio del Pueblo y todos decían que yo era el hijo de Corsini y, honestamente, yo no sabía quien era Corsini. Yo canto así porque mi padre cantaba así y la ascendencia de la raza tiene mucho que ver, porque el francés se habla apoyándose en la nariz, es nasal y el italiano tiene la influencia de lo arábico, como el español y en la baja Italia los romanos cantan todo así, con el ritornello, eso es arábico. La voz no se imita, puede ser en un pasaje del canto, pero nada más.

«En Radio del Pueblo me pusieron un antifaz negro, cantaba con público en el estudio y la publicidad era preguntar quién era el cantor enmascarado. Pasaron los años y yo jamás tuve la intención de imitar a Corsini. Él era tenorino, cantaba casi en falsete, con poca apoyatura y yo soy barítono. Gardel en sus comienzos era tenorino, en las respectivas versiones de "Griseta", por ejemplo, se los puede llegar a confundir. Gardel cambió el registró con el tiempo, Corsini no. Cuando me sacaron el antifaz me bautizaron con el nombre de Juan Pueblo y un día vino a conocerme Enrique Maciel que me presentó a don Ignacio.

«Cuando me contrata Radio Porteña me empecé a ver mucho con él que además se presentaba en Belgrano y Mitre, ya que las tres funcionaban en el mismo edificio de la avenida Belgrano y Entre Ríos. Conversamos mucho sobre el tema del canto y del campo, porque él había sido campesino en Carlos Tejedor, lo llevaron de niño y fue boyerito también, hablábamos del sulky y de las monturas y de la doma. Varias veces me dijo que trataba de imitarlo y yo le respondía que no, que era por naturaleza. Él hablando tenía la pronunciación de un italiano, no era acriollado, parecía un extranjero.

«Una vez vino a mi casa, al lado de SADAIC, en Lavalle 1555, agarré la guitarrita y canté un vals que él hacía, aquel que dice: "... ya en el rancho no nacen las flores, ni se ven las guitarras colgadas..." y allí se convenció y me dijo: "Vos viniste cantor desde el vientre de tu madre."

«Yo tuve la suerte de conocer al cantor Domingo Conte, fue quien me dio una tarjeta para presentarme ante Zulema Ibarra, una cantante del Colón y ella fue quien me dijo: "Usted puede llegar a cantar muy bien, joven, pero le falta el conocimiento para colocar bien la voz". Comencé a estudiar con ella, me tuvo cuatro meses haciendo "boca chiusa" o sea boca cerrada, haciendo sonido a boca cerrada y ya estaba cansado, pero cuando me puse a vocalizar noté un cambio, una mejor dicción, así aprendí la técnica, por eso aún sigo cantando.

«En Radio del Pueblo, cuyo dueño era un señor Bernotti y el segundo en jerarquía el payador Antonio Caggiano, éste me bautizó Juan Pueblo. Más tarde adopté el apellido de mi abuela francesa, Valentino. Siempre por 1937 recuerdo haber actuado en Centenera y Tabaré, en la fonda de Pacelli, iba todas las noches con mis guitarristas, por lo general los hermanos Legarreta y Di Nápoli, aunque también Pascual Avena, Toto, Demasi, César Bo. El asunto que el dueño nos ponía una escalera para subir al palco y luego la sacaba, cuando le parecía que ya habíamos cumplido volvía a ponerla para bajar. Por entonces cantaba cosas de payadores, también un vals, "A mi bandera", de Generoso Damato, cosas que no se conocían: "...celeste y blanca son las cintas con que adornan / los troveros sus guitarras adoradas / como blancas son las canas de mi madre...".

«Después de Zulema Ibarra entré a curiosear a lo del profesor Bonessi, quien enseñaba una forma muy distinta de vocalizar a la que yo conocía. También fui a la academaia de los hermanos Rubistein. Cuando llego me lo veo a Fidel Pintos solo al piano: "¿Qué te pasa pibe?" -me preguntó. "¿Me gustaría saber cómo es esto?" Entonces me habló de la inscripción, del precio... "¿ Vos cantás?" "¿Me gustaría aprender?" "¿Qué cantás?" -estaba de moda una canción "Enamorado de ti" "¿A ver, cantá un cachito?" y le canté. "Che, tenés linda vocecita, ¿Podés vocalizar?".

«Canté en muchas ciudades del interior, en los peringundines de la costanera sur y en La Querencia donde llegaban todos los turistas. Allí estaban Oscar Alonso, Hugo del Carril, Buono-Striano... yo cantaba con el conjunto de Pedro Matasa, vestido de gaucho, con la pinta de italianito que siempre tuve, y estaba Teófilo Ibañez, cantábamos a dúo. Siempre un repertorio distinto, de payadores, canciones de ellos como "Mi poncho tucumano": "En el vagar errabundo / con que mi vida desgrano / tengo un poncho tucumano / como no hay dos en el mundo...". La gente aplaudía a rabiar. También este otro: "Madre, vengo perseguido / me he juído del regimiento /hijo en este aposento hay un hueco como un nido... / tu abuelo estuvo escondido / hasta que Rosas cayó / cuando el mozo se ocultó / afuera se oyó un tropel /y como en la casa de él un sargento penetró"... Duraba como una hora la milonga esta y la gente te ovacionaba.

«Era otro tiempo. También canté en las matinés de "Juan Manuel". Más adelante en "La enramada", una cosa de multitudes, con folklore y tango. Actuaba Domingo Federico, con Vidal y Larroca. Un día se me acerca Federico: "Valentino, usted sabe que en mi orquesta sería un éxito". Al tiempo me incorporó junto a Mario Bustos, después tuvo la buena idea de poner un tercer cantor, Hugo Rocca, era mucho el trabajo. Dos años en el "Tango Bar" entre otros lugares, luego seguí como solista.

«En el Teatro Apolo iban a estrenar una obra de Arsenio Mármol y buscaban un cantor. Probaron a muchos como Roberto Quiroga, Alfredo Arrocha y una larga cola. Cuando me tocó canté acompañado por la guitarra del negro Maciel. Mientras cantaba veía a Tito Lusiardo hablando con uno y con otro finalmente me eligieron. Estaban la esposa de Tito, Delia Codebó, José Tinelli con su orquesta, Leonor Rinaldi, el debut de Perla Santalla. Un éxito duradero y recordado.

«Ya por los '50 llegan las grabaciones para el sello TK, las auctuaciones de Radio Belgrano para jabón Federal, la orquesta de Alfredo Attadía como acompañante, sin pertenecer al conjunto.

«Cada tanto, muy poco, regreso a mi pueblo y a mi infancia y a unas palabras de mi viejo que nunca he olvidado: "Figlio, el talento superior e la morale e de valientes, no te olvides". Yo no sabía, lo aprendí más grande en Buenos Aires. Era un italiano bueno, el viejo trabajó toda su vida. Cuando se moría le oí decir: "¡Cuánto trabajé figlio!"... y aquella frase: "Ser valiente es tener dignidad y honor.»
Charla con Enzo Valentino Por Néstor Pinsón

Jorge Dragone

Jorge Dragone con su Quinteto en Medellin Colombia


Jorge Dragone a la izquierda de la foto

DRAGONE, Jorge. (Nombre de familia: Nicolás Jorge Dragone). Músico. Pianista.
Director. Compositor. Arreglador. Nació en la localidad de General Villegas (provincia de Buenos Aires), el 12 de febrero de 1927.
En la ciudad natal hizo sus comienzos profesionales, hasta su definitiva radicación en Buenos Aires, en 1943. Integró el trío de Antonio Sureda y durante algunos años la orquesta típica Los Zorros Grises, de José García. Durante 1946, en Radio Mitre, presentó su propia agrupación, colaborando luego con distintos directores: Edgardo Donato, Juan Sánchez Gorio y Hugo Baralis, entre ellos. En 1954 realizó una gira por Europa como músico acompañante del cantor Alberto Castillo y, desde 1957, grabando para los discos Odeón, condujo y arregló el marco orquestal del solista Argentino Ledesma. Integró, más tarde, el conjunto Embajada de Tango, juntamente con los cantores Carlos Dante, Alberto Morán, Floreal Ruiz, Ricardo Ruiz, Jorge Valdéz y Mario Bustos, registrando ahora sus versiones para Alaniki. En 1967-68, viajó a Japón, integrando con José Libertella (bandoneón), Claudio González (violín) y Rafael Ferro (bajo), el Quinteto Gloria, que secundó la actuación de Edmundo Rivero. Continuó en ese conjunto en Buenos Aires, dirigiendo además la orquesta del cantor Mario Bustos. Su obra más difundida es la milonga Zapatito de Raso. Fuente Horacio Ferrer