Alberto Moran Semblanza

Alberto Moran

Alberto Moran, Osvaldo Pugliese al piano y Roberto Chanel con guitarra. 1946.

MORAN, Alberto. (Nombre de familia: Remo Andrés Domingo Recagno). Cantor. Com-
positor. Nació en Streve (Italia) el 15 de marzo de 1922. Residió desde niño en Bue-
nos Aires. Comenzó su carrera vocal en la orquesta de Alberto Las Heras durante 1943. Integró luego el conjunto de Cristóbal Herreros cuando la actuación de éste en la confitería La Paz del bajo Belgrano; en 1944, Osvaldo Pugliese lo llevó a su orquesta. En la misma desde su primera grabación fonográfica —el tango de Hornero Expósito Yuyo verde— fue definiendo un estilo en el que pudo advertirse la influencia de Francisco Fiorentino y que fue evolucionando hacia un modo propio a través de versiones como Una vez, Maleza, El abrojito o Príncipe. Registró con Pugliese cuarenta y ocho versiones algunas de ellas en dúos con Roberto Chanel y con Juan Carlos Cobos.
Desvinculado del mencionado director en 1955 continuó su trayectoria como solista, acompañado por la orquesta del pianista Armando Cupo con arreglos de Pascual Mamonne grabando para el sello Pampa y luego de 1968, reeditando viejos éxitos suyos para los catálogos de Víctor. Vendrás alguna vez y Medianoche (de Troilo y Gagliardo) fueron dos de sus más difundidos trabajos en su etapa de figura independiente. Autor de los tangos No quiero perderte, Mientras quede un solo fuelle, Un tormento y Hasta el final. 
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus invitados

Armando Cupo

De derecha a izquierda: Armando Cupo (al piano), Ángel Alegre, Jorge Caldara, Hugo Baralis y los cantores Marga Fontana y Héctor Ortiz en Canal 4 de Lima, Perú, el 6 de julio de 1961. Conjunto Estrellas de Buenos Aires.

CUPO, Armando. Músico. Pianista. Director. Compositor. Nació el 26 de diciembre
de 1921. Se inició como director en 1952, conduciendo el marco orquestal del enton-
ces solista Roberto Rufino en actuaciones radiales y en discos Orfeo. Desde 1955, con arreglos de Pascual Mamonne y dentro de una modalidad "apugliesada" y de buena realización interpretativa, dirigió la orquesta del cantor Alberto Morán, grabando para los discos Pampa. Posteriormente, con el bandoneón de Jorge Caldara, el violín de Hugo Baralis y el bajo de Kicho Díaz, integró el cuarteto Estrellas de Buenos Aires, que registró las versiones para Odeón. Ha sido también miembro de las orquestas estables de Radio Libertad y de Radio El Mundo. Compuso: Con este corazón, Una vida más, cantables y Siempre a tiempo, orquestal. Ha sido, también, director de su propio sexteto en Caño 14 y músico fundador del Sexteto Mayor en 1972.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

Nina Miranda

Nina Miranda con la Orquesta de Donato Racciatti

MIRANDA, Nina(Nombre de familia: Nelly María Hunter). Cancionista. Autora. Surgió a la popularidad integrando en Montevideo la orquesta de Donato Racciati, con la cual en múltiples actuaciones y grabaciones para el sello Sondor logró resonantes éxitos populares en sus realizaciones de los tangos Maula, Vencida y Tu corazón. A partir de 1953 se radicó en Buenos Aires, donde se presentó como solista acompañada en sus incursiones radiales y fonográficas enOdeón por la orquesta dirigida por Graciano Gómez. Intérprete de sobria modalidad, fue además autora del tango Canción para mi amor.
Fuente Horacio Ferrer


Reportaje a Nina Miranda por Ricardo Garcia Blaya
Cancionista y compositora(8 de noviembre de 1925) Nombre real: Nelly María Hunter-La llamé por teléfono con el temor que no me diera "boliya". Algún amigo me había advertido que no daba reportajes, que no quería hablar de su trayectoria. Pero ocurrió todo lo contrario. Me presenté, le hablé de la admiración que sentiamos por ella, de lo importante que sería tener su testimonio en Todo Tango y enseguida aceptó y me invitó a su casa en Floresta Norte. Allí fuimos, con mi amigo Pinsón, provisto de un grabador y con cien preguntas para hacerle. Hablar con Nina, a mi criterio la mejor cancionista que nos dio el Uruguay, fue un verdadero privilegio. Esta dama, que en los años 50, cautivó con su canto las dos riberas del Río de la Plata. Dueña de una impostación natural, una voz cristalina, un fraseo suave y expresivo, no tuvo la suerte de tener un acompañamiento acorde a su calidad. No obstante, sus grabaciones tienen el encanto de su fina sensibilidad, de su afinación perfecta, de una personalidad promisoria. Fresca, espontánea, morocha de ojos llamativos color gris-verde, contaba con aquello que nace de la cuna, que no se aprende en ninguna academia, que se tiene o no se tiene. Lamentablemente, por amor a su marido y a su pedido, dejó tempranamente su carrera y así se frustró la que podría haber sido, la gran estrella del tango de la segunda parte del siglo XX.
A mi siempre me gustó cantar. Escuchen esta anécdota: mi mamá era muy católica, devota del Sagrado Corazón de Jesús e iba siempre a misa. Un día me llevó a la iglesia, tenía apenas tres años y yo de pronto me pongo a cantar "Pato, te peinás a la gomina....", hasta que me taparon la boca. Claro, en mi casa se escuchaba mucho la radio y el tango estaba siempre presente y se ve que me pegó esa letra. «A mamá le gustaban Irusta y Corsini, además de Gardel y Mercedes Simone. También la música española e Imperio Argentina. «Mis padres se mudaban seguido, pero mi adolescencia la pasé en la misma casa en el barrio Cerrito de la Victoria, en la calle Bruno Méndez 3463. Una vez estaba cantando mientras regaba en el jardín. En eso pasa el padre de una compañera de colegio que era actor de radioteatro y me dice: "¿Así que eras vos la que canta? Lo hacés bien. Tenés que presentarte en algún concurso". Le contesté que era muy chica. Bastante tiempo después se repitió la escena. Miren que memoria, me acuerdo que estaba cantando el vals de Salgán y Carmelo Volpe "A una mujer" (aquí Nina canturrea unos versos). Y apareció el mismo señor y esta vez acepté. Me presenté y gané un concurso que organizaban los Hermanos Dante en la radio. Los días de actuación papá me llevaba a las nueve de la noche, volvía a casa, se acostaba y ponía el despertador a la una para ir a buscarme. ¡Ah! Ya era Nina Miranda. Resulta que a los 13 años fui con mamá al cine a ver "Puerta cerrada", película donde actuaban Libertad Lamarque y Agustín Irusta. Ella hacía el personaje de una cancionista y se llamaba Nina Miranda. A la salida le dije a mi madre, con total seguridad: "El día que yo sea artista, me voy a llamar así".Más tarde, en 1942, gané otro concurso en CX 36 Radio Centenario. El premio era un contrato de tres meses. Alguien me escuchó y me llegó una apropuesta para cantar en una orquesta de señoritas que actuaba en todos lados. Se llamaba "Las Golondrinas" y la dirigía Teresita Añón. Teniamos un repertorio popular, con tangos, milongas y valsecitos. De inmediato hicimos una gira por el sur de Brasil, hasta Porto Alegre. Con el tiempo, otra a San Pablo, con Hilda Sorondo como directora, donde estuvimos seis meses en la boite Okey, que aún existe. En Montevideo nos presentábamos en el Café Palace, que estaba abajo del Palacio Salvo, donde siempre actuaban orquestas de señoritas.Después pasé por varias formaciones. Estuve con Francisco Reinares, Emilio Pellejero, Roberto Luratti, pero sin llegar al disco. Mis primeras grabaciones fueron con Juan Cao. Allí hice dúos con Alberto Bianchi, bastante mayor que yo, quien me ayudó mucho. Me fui haciendo conocer y, en 1948, hice una temporada en el show del Hotel Rambla, con la orquesta de Pellejero, compartiendo la cartelera con Eduardo Adrián, una encantadora persona.
Cantando con Donato Racciatti
¿Cómo llegué a la orquesta de Donato Racciatti? Era 1952 y yo andaba con bronca por la muerte de mi mamá y tenía ganas de irme. Me enteré que mi colega uruguayo Roberto Famá se iba de gira a Brasil. Entonces junté unos recortes publicados sobre mí, con la pretensión que pudiera conseguirme algo en ese país. Como sabía que estaba grabando en Sondor, lo fui a buscar. Mientras esperaba sale de un estudio el director Juan Esteban Martínez, "Pirincho". Se sorprendió al verme y me dijo: "Mirá Negra, llegás justo, aquí hay una mina que me la pusieron y no da pie con bola... ¿Te animás a cantar "Maula"?" Le contesté que nunca lo había hecho. "¡Qué importa. Si vos tenés un oido bárbaro! Te aprendés la música y cantás con la letra adelante". El asunto fue que en 40 minutos lo grabé. Fue un éxito notable. No hubo radio donde no se pasara todos los días, varias veces. A raíz de la repercusión del disco, me llama Racciatti para intervenir en el sainete "Tu cuna fue un conventillo", en el Teatro 18 de Julio. Era para un mes y estuvimos seis. Tuve un éxito arrollador. Allí canté "Maula" y estrené "Tu corazón" y tuve mucho éxito con "De tardecita", que a mí no me convencía. El repertorio lo elegía Racciatti.. Con "Mano a mano" nació la ocurrencia de hacer un agregado a la letra, para que la mujer le conteste al hombre.

De eso se encargó Humberto Correa, el autor de "Mi vieja viola". La grabación la hice con el cantor Roberto Líster, pero en el sello se equivocaron y en la etiqueta del disco figuran Carlos Roldán y Olga Delgrossi. Con Olguita somos muy amigas y me confesó que se cansó de repetir que no era ella que cantaba. En Montevideo grabé con Carlitos Roldán un tema dedicado al fútbol: "Los dos grandes", que estaba referido al Club Nacional, mi equipo, y a Peñarol. También doblé para el cine una película uruguaya en la que no actué, pero en el reparto decía: "La voz en las canciones: Nina Miranda". En la Argentina grabé el tango "La tigra", pero en la película del mismo nombre, la que dobla la voz de la actirz Diana Maggi es María Esther Casas.En el año 1955 me vine a Buenos Aires para ampliar mi horizonte artístico. En aquel entonces el periodista Augusto Bonardo, que estaba exlilado en Montevideo, era el director de Radio El Espectador y me dio contactos para mi viaje. Llegué en el mes de agosto, entrando por San Pablo, ya que el gobierno argentino había cerrado la frontera con Uruguay. Me contrató Radio Belgrano y el sello Odeon. Lo primero que hice fue grabar 14 temas con la orquesta dirigida por Graciano Gómez. En la radio, durante tres meses, me presenté los lunes y los miércoles con la orquesta de Lucio Demare. Al poco tiempo cayó Perón, se abrió la frontera y comencé a ir y venir en hidroavión para presentarme en Radio El Espectador con el sexteto de Oldimar Cáceres. De Graciano Gómez me separé después de una gira por el norte de Argentina, con la cual llegamos hasta Salta, por un problema de cartel. Más adelante hice otra gira, pero con la orquesta conducida por Héctor Norton. Luego continué, hasta 1958, con mi propia formación dirigida por Alberto Córdoba, con quien hice mis últimas grabaciones. Ya había decidido retirarme. En realidad lo decidió mi esposo, con quien me casé el 11 de octubre de 1957, él no quiso que continuara: "¿Para qué? Si no te va a faltar nada." Yo estaba muy enamorada.Escribí una letra, dedicada a mi marido, titulada "No importa lo que digan". Con ella fui a ver a Néstor D'Alessandro ,quien tenía, a su vez, un tango instrumental sin estrenar con el título "No hagas caso de la gente". La letra fue compatible con la música y quedó el título propuesto por D'Alessandro. También compuse el tango "Canción para mi amor", llevado al pentagrama por un músico de la Editorial Korn, con letra de Abel Aznar, que también grabó la estrella colombiana Mirta Pérez. Ando bien, hace más de cuarenta años que no canto. Pero nos confiesa que está vocalizando con Héctor De Rosas, el motivo: hay un proyecto, en Uruguay, de grabar junto a Olga Delgrossi y Oscar Nelson. Si me veo bien voy a aceptar. De las cancionistas me gustaban Mercedes Simone y Libertad Lamarque. Nunca me gustó Azucena Maizani. En 1999 se hizo un homenaje a Racciatti en Uruguay y cuando me nombraron el público se puso de pie y comenzó a pedir que cantara. Fue en el Teatro del SODRE. Yo estaba con mi marido quien me dijo "Parate y decí algo". Lo hice, y me disculpé, pero la insistencia del público y de Donato me obligaron a subir al escenario. Dije que iba a cantar un fragmento de "Maula", pero lo canté entero y me salió bárbaro. Me emocioné mucho. Allí realmente tomé conciencia de lo que había llegado a ser para la gente. «¿Les dije que nunca estudié, que nunca vocalicé? Nada de nada, todo natural.Fuente Todo Tango. www.todotango.com


Despues de 50 años Nina Miranda ha vuelta a actuar, despues del fallecimiento de su eposo.


En la actualidad Nina Miranda, Maria de La Fuente y Elsa Rivas estan presentando un espectaculo, con gran exito.

Elsa Rivas, Maria de La Fuente y Nina Miranda

Nina Miranda, Elsa Rivas, y Maria de la Fuente

Nota de Pagina 12 sobre la presentacion por Carlos Bevilacqua


“Ahora somos como hermanas”
En la década del ’50 ganaron prestigio como cancionistas, fogueándose en las principales radios porteñas. Pero después, por diferentes motivos, desaparecieron de la escena pública. Un emotivo espectáculo las rescata: El retorno de las cancionistas.

Están más allá de esa coquetería femenina que elude informar la edad. Elsa Rivas (82), María de la Fuente (91) y Nina Miranda (82) saben que manteniéndose vitales el dato suma méritos. No sólo se muestran afables con el cronista (a quien convidan una porción de budín casero preparado por María) sino que vienen de cautivar con sus voces a una multitud, como en los viejos tiempos, en el Festival de Tango de La Falda (Córdoba). Allí actuaron por primera vez juntas en El retorno de las cancionistas, un emotivo espectáculo que tendrá su segunda versión hoy a las 20 en Harrods (Florida 877) como parte del Buenos Aires 10º Festival de Tango.

Aunque sus nombres hoy no resuenen tanto como otros, las tres llegaron a ser cotizadas figuras del tango en la década del ’50. Elsa integró la orquesta de Ricardo Tanturi, grabó con Leopoldo Federico y tuvo sus propios emprendimientos solistas. María arrancó cantando en un cuarteto vocal femenino, registró tangos y boleros para el sello Odeón y fue la primera cantante argentina en actuar en Japón (con Juan Canaro en 1954). Nina, uruguaya, brilló en la vecina orilla con la orquesta de Donato Racciatti, pero apenas quiso probar suerte en Buenos Aires conoció a un empresario con quien al poco tiempo se casó. El le pidió que dejara su carrera artística y ella accedió, retirándose a los 32 años con un futuro promisorio. Durante la charla, Nina confesará escuetamente haberse arrepentido de esa decisión, pero prefiere hablar del presente: “Volví a cantar en 2004 porque me quedé sola y una amiga me lo recomendó mucho. Tenía todos los temores de una debutante, no podía ni sostener el micrófono de tanto que me temblaban las manos. Además tuve que vocalizar mucho para recuperar la voz”. Más allá de estas particularidades, Elsa, María y Nina tienen varios rasgos en común: se foguearon en las principales radios porteñas, a partir de voces privilegiadas desarrollaron estilos más bien enérgicos, pero siempre ajustados al sonido orquestal y, por diferentes razones, a partir de los ‘60 sus carreras no tuvieron la continuidad que merecían. Así y todo, todavía hoy conmueven por condiciones vocales y dotes interpretativas.

Los repertorios que abordarán esta noche por separado condensan los que las caracterizaron en el período de esplendor. “Besos brujos” (caballito de batalla de Libertad Lamarque), “Pa’ que sientas lo que siento” (ranchera llevada a tiempo de tango) y el vals “El solitario” son los temas que seleccionó Elsa. María se tomará una licencia folklórica con “Los ejes de mi carreta”, pero cumplirá con la tribuna al interpretar “Fuimos” y “La Cumparsita”, ese himno tanguero con el que causó furor en la gira japonesa. Nina, por su parte, mostrará sus virtudes más reconocidas a través de “Maula” (su mayor hit), “Tu corazón” y “Garufa”, uno de los tangos a los que se animó a cambiarles sutilmente la letra. Planean despedirse juntas con el oportuno “Cantando”, de Mercedes Simone. “Siempre me gustaron los tangos que dicen”, explica Elsa respecto del criterio para elegir las piezas. Nina coincide: “Elijo tangos fuertes, con letras que no sean lavadas”. María lo relaciona con el perfil del intérprete: “Cada cual tiene su temperamento y pienso que elegimos las canciones que mejor transmiten lo que nosotras sentimos”. Elsa y Nina estarán acompañadas por las guitarras de los hermanos Rivas; María, en cambio, sólo por el pianista Néstor Schiavone. Como aperitivos de los minishows individuales, se proyectarán tres breves videos documentales sobre cada cancionista.

La admiración mutua que se profesan y una serie de valores compartidos facilitaron la impensada reunión. “Nos conocíamos muy de pasada, recién ahora nos tratamos más y siento que somos como hermanas”, compara emocionada María. “Se formó un grupo muy lindo –coincide Nina–, muy homogéneo, sin egoísmos.” Todas celebran el reencuentro con el público, ese que María define como “el soberano” y que Elsa ve como “el capital más grande que tenemos los intérpretes, porque el dinero como viene se va”.

A la hora de señalar referentes históricos, surgen nombres previsibles (Azucena Maizani, Sabina Olmos, Nelly Omar, Ada y Adelma Falcón), pero es el de Libertad Lamarque el que evoca en Nina una historia profética. “A los 13 años quedé extasiada con la película Puerta cerrada, en la que Libertad Lamarque interpretaba a Nina Miranda, una vedette que al casarse deja su carrera. Me gustó tanto su trabajo en esa cinta que decidí tomar el nombre del personaje como nombre artístico en caso de poder cantar profesionalmente. Y la historia se repitió, pero en la vida real.”

El verbo trascender aparece varias veces en boca de María de la Fuente, sobre todo como uno de los mandatos que el género impone a los cantantes. “No alcanza con una buena voz, es indispensable saber interpretar la letra para poder transmitir lo que escribió el poeta”, dictamina en un fallo difícil de apelar. “No se puede tomar una letra y cantarla así nomás”, la apoya Nina, quien como buena charrúa agrega: “Y hay que poner corazón, hay que poner garra”. Ante tanta convicción ideológica, la tentación es irresistible: ¿qué opinarán estas venerables damas de la canción sobre las nuevas intérpretes? María toma aire como quien se prepara para un trago amargo y dispara: “El tango no es para cualquiera. Si no se siente, es preferible hacer otra cosa. Hay que cantar lo que uno realmente siente”. “Es verdad –rubrica Elsa–. Estoy bastante de acuerdo con ellas. Pero me gusta mucho Sandra Luna”, concede Nina y lleva a María a mencionar a Cecilia Rossetto y a Lidia Borda como honrosas excepciones.

Graciano Gomez

GÓMEZ, Graciano. Músico. Bandoneonista.Director. Compositor.

Nació en Temperley, provincia de Buenos Aires, el 31 de octubre
de 1912. Desde 1937 dirigió su propio conjunto con el cual debutó en Radio Argenti-
na. Grabó en discos Odeón, y en distintas instancias de su labor secundó a la cancio-
nista Nina Miranda y al cantor Enrique Campos. Su primer tango fue Siempre a tu lado,
al que siguieron, con excelente suceso Tu íntimo secreto, Esta noche de luna y La misma tarde, los tres consagrados en el repertorio fonográfico de Carlos Di Sarli. Dio a conocer además la milonga A todo trapo.
Horacio Ferrer

Ruben Rada

Ruben Rada

Ruben Rada

Omar Rubén Rada Silva (Montevideo, 16 de julio de 1943) conocido como "El Negro Rada", es un cantante, compositor y percusionista uruguayo.

Sus primeros pasos en la música fueron a los doce años como integrante de la comparsa de negros y lubolos "Morenada". Su primer seudónimo fue "Zapatito", originado en que a esa edad ya calzaba zapatos talla europea 43. A los 17 debutó como frontman en la banda Los Hot Blowers, con el seudónimo "Richie Silver".

Los Hot Blowers [editar]Este grupo de dixieland también estuvo integrado por el conductor y humorista televisivo Cacho De la Cruz. Por sus filas pasaron asimismo músicos como Federico García Vigil, Dietrich Orttman, Paco Mañosa, Morís Pardo, Ringo Thielman, Tomás "Chocho" Paolini, Guillermo Facal, Moisés Rouso, Ramón "Bebe" Alfonso, Enrique "Pelo" de Boni, Daniel Lencina y los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso. Esta banda logró cierto reconocimiento regional, logrando editar tres álbumes EP y realizando una extensa gira por territorio chileno.

En las frecuentes presentaciones del grupo, tanto en vivo como por la televisión, Rada se ganó al público no solo por sus dotes musicales sino también por su faceta humorística y bromista, asociada desde aquel entonces con su figura.

En 1965 pasó a formar parte de El Kinto lo cual marcó sus inicios como músico profesional. El Kinto es reconocido ampliamente como pionero en ejecutar candombe con instrumentos eléctricos, tumbadoras, batería y, además, crear temas cantados en idioma español. El "Candombe-Beat", según definían ellos, era una mezcla de rock psicodélico, candombe, música brasileña y varios otros estilos. Se caracterizaron por un espíritu innovador, excelentes arreglos musicales. Las voces eran Rada, Mateo, Urbano Moraes y Walter Cambón. Junto a este grupo editó un LP.

Trás El Kinto integró el grupo Tótem que, a pesar de que editó solo tres long plays y tuvo una trayectoria fugaz (1971 a 1973), se convirtió en una de las bandas más llamativas de la música rock uruguaya desde aquellos momentos hasta la actualidad. La fusión de elementos del rock and roll, la música latina y el candombe, amén de la influencia de autores como Carlos Santana, a la que se unió la particular voz de Rubén Rada, conformaron al grupo como uno de los puntos más altos de la música joven uruguaya, raramente superado desde entonces. Junto a Tótem grabó dos de los tres álbumes del grupo.

A mediados de los años 70, junto a los hermanos Hugo y Osvaldo Fattoruso, participó en las grabaciones del conjunto OPA, con quienes editó el disco "Magic time". Producido en los Estados Unidos, este álbum presentó una música fuertemente influida por el jazz-rock, muy en boga en esos días, incorporando el candombe uruguayo en éste y en los dos trabajos discográficos anteriores de la banda, los cuales fueron muy bien recibidos por la crítica especializada. Años después, ya en Uruguay, grabó junto a OPA otra obra que se tituló "Opa en vivo" y fue editada en 1988.

Su primer álbum solista, Las Manzanas, fue editado en 1969. A partir de entonces ha grabado alrededor de 40 álbumes solistas y varios otros con la participación de otros músicos de renombre, como Eduardo Mateo, Hugo Fattoruso y Litto Nebbia. Muchos de estos álbumes son considerados clásicos uruguayos.

En la deácada de 1980 se radicó en Argentina y formó el grupo "La Banda", con el que logró instalarse con cierto éxito en el mercado porteño gracias a canciones condimentadas con el humor particular del artista.


Rubén Rada.La música de Rada combina el estilo pop con sonidos típicamente uruguayos como los de los tambores del candombe o los coros de la murga típicos del carnaval uruguayo. Está estrechamente relacionada con el candombe y el estilo de tamborileo afro-uruguayo en el que participa frecuentemente. Además de ser muy conocido en Uruguay, Rada ha alcanzado cierto renombre fuera de su país y, en los últimos años, ha hecho grabaciones con casa disqueras internacionales como EMI Latino y Universal Records.

Los británicos Paul McCartney y Peter Gabriel y el cantante brasileño Milton Nascimento se cuentan entre sus admiradores. Colaboró con Jon Anderson en su álbum "Deseo" de 1994.

Ha publicado trabajos para niños y realizado espectaculos dirigidos al público menudo, últimamente con el personaje "Ruben Ra".

Como actor cómico, integró la troupe del célebre programa humorístico Telecataplúm, que se transmitió tanto en el Uruguay como en la Argentina durante la primera parte de la década de 1960.

En 2006, lanzó el disco "Richie Silver", el cual editó bajo ese seudónimo, retomando una invención de sus primeros años de carrera y grabando con este "alter ego" ritmos soul.

En 2007 integró el elenco de una telecomedia de la televisión uruguaya, "La oveja Negra" junto a actores argentinos y uruguayos, interpretando a un músico de vida algo desordenada. Además, grabó un disco en vivo junto a Javier Malosetti en La Trastienda de Buenos Aires editado bajo el nombre de Varsovia.

En el 2008 editó Bailongo, un CD que en Uruguay sólo se distribuyó a través de la redes de cobranza Abitab. En octubre de 2008 Rada anunció que en 2009 dejará los escenarios. En una entrevista concedida al diario Clarín de Buenos Aires manifestó: "Tengo 65 años y vengo de cinco shows seguidos. Es mucho. Las notas que emito no tienen la misma nitidez de antes, ya no tengo la potencia para mantener un show de dos horas y media: me voy al falsete o bajo de tono. Eso me revienta: quiero que me recuerden como el negro que hacía piruetas con la voz. Además, soy responsable de 15 o 20 personas, y se hace pesado llevarlo con el canto. Como muchos artistas, estoy metido en la pelea de vender discos y figurar. Ya basta.Fuente Wikipedia en español

Michael Bublé

Michael Bublé


Michael Bublé

Michael Steven Bublé (n. el 9 de septiembre de 1975 en Vancouver, Columbia Británica), es un cantante de jazz y actor canadiense. Ha ganado diversos premios, incluyendo un Grammy y varios Juno Awards. Los logros obtenidos alcanzaron modestas posiciones en las listas de los Estados Unidos, pero su álbum homónimo estuvo entre los diez primeros del Líbano, del Reino Unido y en su propio país. Pero no fue hasta 2005 en donde se convirtió en todo suceso comercial en los Estados Unidos con su álbum It's time, el que vendió alrededor de 18 milliones de copias. Michael también ha aparecido en la serie Rove en 4 oportunidades.

Bublé nació en Vancouver, Canadá, en una familia de pescadores. Es descendiente de italianos. Bublé creció escuchando la colección de discos de jazz de su abuelo, y en su sitio web señala la importancia de éste en su carrera musical. Ha grabado tres álbumes independientes, uno es un presente para su abuelo. En 2000, Bublé recibió dos nominaciones en los Genie Award por las canciones que escribió para la película Here's to Life. La primera actuación de Michael en TV fue en 1997 en Bravo!.

Bublé fue invitado a cantar al matrimonio de la hija de Caroline Mulroney en 2000, donde cantó "Mack the Knife" de Kurt Weill. En la boda, Brian Mulroney presentó a Bublé a David Foster, un productor (ganador de varios Grammy) y ejecutivo de Warner Brothers quien trabajó con Josh Groban previamente.[4] Foster llevó a Bublé al sello '143' record label, para grabar Michael Bublé en 2000. El álbum presenta una serie de temas de diversas épocas, entre ellos "Fever", "The Way You Look Tonight", "For Once in My Life", "Moondance" de Van Morrison y "You'll Never Find Another Love Like Mine" de Lou Rawls. Barry Gibb de los Bee Gees escuchó la versión de Bublé del tema "How Can You Mend a Broken Heart?", canción que lo llevó hasta el # 1 en varios países.

El álbum Michael Bublé fue lanzado a mediado de 2003. Fue todo un éxito en los Chart de Canadá, Reino Unido, Estados Unidos y Australia.Fuente Wikipedia

Guillermo Fernandez

Guillermo Fernandez


Guillermo Fernandez

Guillermo Fernandez: Cantor (28 de enero de 1958)
Apodos: Guillito, Guillermito y El pibe de oro del tango
Este cantor de fino fraseo y sólidos recursos, fue un precoz intérprete de nuestra música ciudadana. La calidad y el extenso espectro de su voz, lo tentó, siendo aún muy joven, a probar con otros ritmos, cuestión que le valió el reproche de la muchachada tanguera. Hoy, recuperado plenamente para el tango, es una de las principales estrellas de la cartelera porteña.
Nació en Buenos Aires, en el barrio de San Telmo y desde muy pequeño se convirtió en una figura reconocida. Debutó en 1963, en el Canal 7 de televisión, integrando un coro infantil. Después, en el programa de Roberto Galán, en 1967.

Ese mismo año, estuvo en el recordado entretenimiento televisivo, "La Feria de la Alegría", conducido por Juan Carlos De Seta, Brizuela Méndez y Colomba. Dos años después, integró el elenco de "Grandes valores del tango", dirigido por Juan Carlos Thorry y la participación especial de Tito Lusiardo. Y, desde ese momento, comienza una carrera ascendente, actuando en los escenarios más importantes del país, también en el extranjero.

Actuó en el mítico Caño 14, acompañado por Atilio Stampone, donde también estaban Aníbal Troilo, Roberto Goyeneche y el gran bailarín Juan Carlos Copes.

Entre los años 1976 y 1988 grabó seis discos de tangos para diversos sellos: Zero, Parnasso, Diapasón. De esa época son sus primeros éxitos: los valses "El trovero" y "Frente a la facultad", la milonga "Yo soy de San Telmo", con versos de Félix Luna y los tangos "Una piba como vos" y "Mi otoño sin tu amor", que le pertenece, con versos de Eduardo Trufa.

A mitad de los años ochenta su carrera tomó un giro ascendente. En 1986, viajó a los Estados Unidos y en Nueva York, perfeccionó su técnica interpretativa con los mejores profesores. Ganó un concurso en la televisión, en el ciclo "Star Search", por la popular cadena CBS. En esa oportunidad, cantó una personal versión del tango "Nostalgias", en inglés. En 1988, viajó a Las Vegas contratado como protagonista en una comedia musical, "Latin Quarter", ganándose el reconocimiento de la prensa como el mejor cantante de musicales de la temporada.

Por esos años, comenzó su dedicación a la producción discográfica y de bandas de sonido para películas. Produjo dos canciones junto al prestigioso compositor Roberto Livi y es contratado por la empresa Sony Music para grabar dos discos. A raíz de lo cual, entre 1992 y 1994, recibió dos discos de platino y tres de oro, en Argentina, México, Colombia, Venezuela y Chile. Logró además, estar en los primeros puestos de ventas y ejecución del Billboard Chart Latino de los Estados Unidos.

Realizó cuatro giras exitosas por Japón, acompañado por la orquesta de José Colángelo, trabajó dos temporadas junto al maestro Mariano Mores y viajó con su canto por toda latinoamérica.

Al cumplir treinta años con la música, lo festejó con un show por televisión junto a sus colegas: Jairo, Adriana Varela y Raúl Lavié.

Su penúltimo trabajo discográfico, el octavo de su carrera y que también produjo -bajo su propia dirección musical y arreglos-, recibió el premio "Gardel a la música 2002", máximo galardón de la industria fonográfica argentina, al mejor álbum de tango.

Protagonizó, en 2000, la opereta criolla de Alejandro Dolina, "Lo que me costó el amor de Laura", en el Teatro Avenida y en el nuevo Teatro Argentino de La Plata, compartiendo el elenco con Julia Zenko y el conjunto Los Huanca Huá y, poco tiempo más tarde, la opereta "El romance del Romeo y la Julieta", de Julio Tahier, un original musical que narra el texto de Sheakespeare con tangos.

En el año 2002, recorrió Francia con la obra de Piazzolla y Ferrer, "María de Buenos Aires", cerrando la gira con dos conciertos en el Teatro Palais Chaillot, en París.

En el cine, actuó en la película dirigida por Fernando Siro: "La Canción de Buenos Aires", estrenada el 28 de febrero de 1980, junto al actor Ricardo Darín y la cantante Manuela Bravo.

Para su último disco contó con una orquesta sinfónica e interpreta canciones de Astor Piazzolla y de su amigo, el poeta Horacio Ferrer.

Fuente por Todotango Ricardo Garcia Blaya www.todotango.com.ar

Ben Sidran

Ben Sidran con Jane Fonda


Ben Sidran con Chick Corea


Ben Sidran con Archi Shepp

Ben Sidran, un maestro de muchos oficios en la música y los medios de comunicación, hace que su promedio de hombre renacentista parece un Slacker. Pianista de jazz de renombre internacional, de un letrista de rock clásico, galardonada nacional de radiodifusión, grabación y productor de vídeo, erudito, autor, periodista, y padre de una segunda generación prodigio musical, Sidran ha sido un importante interprete en el jazz moderno, rock y de pop durante más de cuarenta años.

Nacido en Chicago en 1943-su padre era un amigo de Saul Bellow's-Sidran se radico en el lago de la industrial ciudad de Racine, Wisconsin, subiendo a Madison teclados para jugar en casas de fraternidad, mientras que las partes todavía una adolescente en 1960. El próximo año se matricularon en la universidad, las fechas de juego en el campus y alrededor de la ciudad. Pronto se sumaron a los Ardells, un confort parte sur de la banda encabezada por el niño cantante fraternidad Steve Miller y su amigo Boz Scaggs. Pero cuando Miller fue Scaggs y oeste para convertirse en estrellas, se quedó Sidran para completar su licenciatura en Inglés lit.

Después de graduarse de la UW en 1966 (con honores), Sidran se trasladó a Inglaterra para seguir una Maestría en Estudios Americanos de la Universidad de Sussex. Pero cuando la Steve Miller Band llegó a Inglaterra el año siguiente para grabar con el legendario ingeniero británico Glyn Johns, Sidran se encontró de nuevo en otra etapa de vida en los círculos académicos y la música.

Comenzó con su inolvidable clave en romper Scaggs' "Baby Me llama a casa" para la banda de Miller del álbum debut, "Niños del Futuro." Un poco más tarde, Ben pluma que la letra de Miller del "vaquero espacial", ganarse un lugar Rock en la historia (y lo suficiente para pagar regalías por su graduado).

Si bien aún curso sus estudios, Sidran desarrollado también una relación con Johns, a menudo haciendo en el período de sesiones de trabajo con los Estudios Olímpicos de músicos como Eric Clapton y los Rolling Stones. En 1969, Johns Sidran producido la cinta de demostración, con Charlie Watts, Peter Frampton y otros.

Al recibir su doctorado en Estudios Americanos en el momento álgido de la guerra inducida por la escuela grad exceso, Sidran enfrentan perspectivas sombrías en el mundo académico. Entonces se dio cuenta de su tiempo para el estudio de la información era más; ha llegado el momento de convertirse en la información. Por lo tanto, en el otoño de 1970, después de abandonar su disertación con algunos editores, se mudó a Los Angeles para entrar en el registro de negocios.

Las cosas comenzaron a salir a toda prisa. Primera competencia de ofertas llegó a publicar su tesis; Ben al margen de la baja oferta de los principales Oxford University Press para tener un lucrativo (para él, en el momento) ofrecen a partir de Holt, Rinehart y Winston a publicar la tesis como Negro Talk, o cómo el Música de América Creado Negro una alternativa radical a los valores de la tradición literaria occidental.

Luego, gracias a una introducción de Johns, Sidran pronto tuvo su propio acuerdo sobre el Capitolio de Documentos. Su sentir Groove, un jazz / rock híbrido, que figuran en Azul Mitchell trompeta (la primera de las cinco de esos compromisos), guitarristas Scaggs y Ed Davis y Jim Keltner en la batería.

Ben Reconociendo las capacidades de ambas partes del estudio, del Capitolio también le ofreció un trabajo como personal productor. Sin embargo, debido a que su esposa Judy era infeliz en la neblina aislada de la colinas de Hollywood, Sidran hizo lo impensable y caminó fuera de la LA en el verano del 71, volviendo a Madison al igual que cree que su Groove fue puesto en libertad y Hable Negro se publicó (un conjunto de circunstancias que no provocar la etiqueta en exceso de las actividades de promoción). Tomando el Hammond B3 residencia en un club local, Sidran pronto encontró otro lo largo de la vida musical socio cuando James Brown en desempeñado la ciudad y su baterista, Clyde Stubblefield, quedaron atrás.

No pasó mucho tiempo antes de que otro vino nacional etiqueta llamando - Azul pulgar Records, que publicó Ben's "Yo llevar una vida" en 1972, rápidamente seguido de "Puttin 'En el Tiempo en el Planeta Tierra" (1972) y "No deje pasar ", (1973).

Sidran presentaron sus muchos talentos en diversos ámbitos para el año que convirtió 30 - llevar una gira nacional, la producción de Tony Williams y Pablo Peña, la creación y alojamiento de una serie semanal de televisión, incluso de regresar a la academia para enseñar a la estética social de producción récord en la UW.

Su ritmo no ha disminuido desde entonces.

Después de la desaparición de Blue Pulgar, Sidran Arista se sumaron a la lista de registros, la liberación de "Libre en América" (1976), "El Doctor está en" (1977), "un besito en la noche" (1978), "Live at Montreaux ", (1979) y" El gato en el sombrero ", (1980).

Aunque Ben desarrollado una importante carrera en la radio y la televisión de trabajo durante la década de los ochenta (ver columna lateral), mantuvo sus manos sobre el teclado, la grabación "llegar al punto" (PolyStar, 1981), "Old Canciones para la Nueva depresión", ( Antillas, 1982), "Ciudad de BP," (Antillas, 1983), "El frío de la Side," (Windham Hill, 1984), "¿Conoce Barcelona ..." (Naranja Azul Productions, 1986), "Sobre la lateral de Live , "(Windham Hill, 1986) y" Demasiado caliente al tacto, "(Windham Hill 1987). Sus créditos de producción que incluyen década "Desde el Mundial de finalización" y "My Backyard" de Mose Allison y "Nacido 2B Blue" de Steve Miller, con quien y su hijo Leo también recorrió.

Sidran a continuación, haga clic en muchos niveles durante el decenio de 1990, incluso ampliado sus esfuerzos por incluir a partir de su propio sello, Go Jazz Records. A principios Sidran producidos Ir Jazz de prensa incluido Georgie la Fama del "frío de coches Blues", y "El Blues y de mí", Ricky Peterson de la "Sonrisa Azul", y Phil Upchurch del "¿Qué pasó con la Blues".

En 1993, Sidran combinado su arte con su alma en "La vida es una lección", un jazz-infundido colección litúrgica de los judíos y las canciones populares. En un período de cinco década de carrera (hasta ahora), esta noticia Ir Jazz es uno de la coronación personales y logros artísticos.

El final de siglo trajo otro emocional destacar - la liberación de "Concierto para García Lorca", un homenaje a los mártires poeta español, Federico García Lorca. Inscrita en el patio de García Lorca de la casa, el álbum ganó Ben otra nominación al Grammy (que perdió a Madonna).

Ben ha mantenido constante su producción de un trabajo de alta calidad, tanto en su propio ( "El señor P aleatoria", y "en vivo desde el Celebrity Lounge,") y con artistas como Van Morrison y David Sanborn. En 2001 produjo dos más nominados al Grammy-álbumes, "Crónicas Mose" (Mose Allison) y "Es así" (Rickie Lee Jones).

Sobre la base de la influencia española que infunde la liberación García Lorca, en 2002, Ben escribió y produjo (junto con el hijo de Leo), el bi-lingual niños la unidad de CD, "El Elefante", ganador de los padres' Choice Award. Ese año, Ben de alguna manera encontró tiempo para volver a la UW como artista en residencia, y la liberación de su aclamado por la crítica memorias, Una vida en la música (Taylor).

En 2003, Ben y Leo se sumó a líquidos 8 Records y Entretenimiento para crear Nardis Música, un servicio completo que ofrece una mayor etiqueta del CD original de todas las emisiones. Entre sus primeras emisiones fue el propio Ben "Nick's Bump" (2004).

Ben Sidran y Judy siguió a residir en Madison, Wisconsin. La mayoría de Lunes por la noche, encontrará detrás de él el Hammond B3 en el Café Montmartre justo al lado de la Plaza del Capitolio, junto con Leo en la batería y guitarra.
Una vida en la música, de hecho.
Fuente-Stuart Levitan(Traduccion automatica)

Osvaldo Berlingieri

Osvaldo Berlingieri con Emilio de la Peña y Oscar Ferrari
Osvaldo Berlingieri

Osvaldo Berlingieri:Pianista, director y compositor (20 de febrero de 1928) Nombre completo: Osvaldo David Bellinghieri

Con este eximio músico se dividen las aguas de los entendidos y de aquellos que no lo son tanto, pero que disfrutan de nuestro tango.

Para algunos, es un fiel exponente de la escuela pianística inaugurada por Osmar Maderna y desarrollada por Horacio Salgán, tanto por su estilo como por su virtuosismo. Para otros, que no discuten sus cualidades artísticas, carece del “yeite” tanguero y lo acusan de utilizar formas jazzísticas que desnaturalizan al género.

A mi entender, las dos posturas tienen su parte de verdad, pero volvemos al tema de siempre: el gusto de cada uno. Además, es muy difícil simplificar su estilo en una definición absoluta, ya que no es lo mismo el Berlingieri que tocó con Aníbal Troilo, que el que luego hizo binomio con Ernesto Baffa y, mucho menos, con el actual.

Horacio Ferrer lo describe en estos términos: «...transparentó desde la primera instancia, la admiración por los estilos de pulsación liviana, propensos a los tiempos más bien rápidos y al abundante dibujo de la melodía, como los de Salgán y Maderna. Sobre esa base fue perfilando su individualidad: una mano izquierda con buen sentido de la conducción orquestal y una mano derecha nerviosa, ligera, inclinada al virtuosismo. Y, en ambas manos, un generoso caudal de ideas, en el que ciertas reminiscencias armónicas de jazz, la ostensible atracción temperamental por el fraseo extremadamente “rubato” y la facilidad de improvisar sobre la marcha del arreglo...»

Nació en Haedo, Provincia de Buenos Aires. Su etapa profesional comenzó en 1944, como pianista de la orquesta acompañante de Héctor Mauré. Luego pasó por muchas formaciones: Domingo Federico, Joaquín Do Reyes, Edgardo Donato, Lucio Milena, Héctor Varela, Emilio Balcarce, Roberto Caló y es probable que me esté olvidando de algunas otras.

También recorrió Centroamérica, cuando fue requerido por el cantor Raúl Iriarte para que se haga cargo de su orquesta.

Pero su vuelo ascendente se produjo cuando se incorporó a la orquesta de Troilo, para reemplazar a Osvaldo Manzi. Con Pichuco estuvo casi once años, desde el 24 de septiembre de 1957 hasta mayo de 1968, cuando participó en su último cuarteto completado por Ubaldo De Lío (guitarra) y Rafael del Bagno (contrabajo).

Durante 1959, integró paralelamente dos formaciones pequeñas: el trío “Los Modernos”, junto a otros músicos del Gordo: Alberto García (bandoneón), Alcides Rossi (contrabajo), después José Pro y el cantor Roberto Goyeneche, y el cuarteto “Los Notables del Tango”, con Leopoldo Federico (bandoneón), Leo Lipesker (violín) y Omar Murtagh (contrabajo).

En ambas llegó al disco, con el trío hizo una docena de registros, de los cuales destacamos: “El guardián”, de García, “Ciudad en gris”, de Berlingieri —dos tangos ejecutados en forma instrumental—, y “Yo te perdono” y “Tamar”, cantados por El Polaco. Con el cuarteto grabó cuatro temas en total: “Ciudad dormida”, que también le pertenece, “Mala junta”, de Julio De Caro, “Contrabajeando” y “Lo que vendrá”, de Astor Piazzolla.

Además, de haber colaborado con Libertad Lamarque en la dirección de su acompañamiento, en 1965, armó otra pequeña formación con Ernesto Baffa que, dos años más tarde, se convertiría en la recordada orquesta, con la voz de Goyeneche, en uno de sus mejores momentos. Las grabaciones del binomio Baffa-Berlingieri y el rubio cantor son inolvidables.

Colaboró con Héctor Stamponi en la orquesta que acompañó en las últimas grabaciones a Edmundo Rivero y, con la de Atilio Stampone, en los discos con Goyeneche.

Algún tiempo después, compartió otro trío con, Leopoldo Federico y el contrabajista Fernando Cabarcos, que grabó más de 30 versiones instrumentales para el sello Victor, mezclando clásicos del género con tangos nuevos.

En la segunda mitad de los ’70, fue contratado como director musical por la cantante española Nati Mistral, con quien hace giras, varias de ellas por Japón.

En 1989 con su propia orquesta, editó un disco compacto, “Identificación”, con 14 temas, el primero de ellos, una muy buena versión de “Taconeando”.

Como compositor, podemos mencionar entre otros, los instrumentales: “Ciudad dormida”, “Siempre otoño”, “A mis viejos”, “El resuello”, “Pisciano”, “Compadrita mía”, “Contacto en Buenos Aires”, “Ritual”, “Tiempo imaginario”, “Ciudad en gris”; además de “Tamar”, con letra de Oscar Núñez, “Che Discepolín”, con Héctor Méndez, “Milonga que canta el aire”, con Héctor Negro y “Un episodio más”, con Luis Filipelli.

Resultaría agotador llegar con su trayectoria hasta nuestros días, pero podemos testimoniar, que sigue tocando y actuando como si los años no pasaran, deleitando a su público en los más importantes escenarios porteños, expresando siempre, su especial concepción del tango..
Por Horacio Ferrer y Ricardo Garcia Blaya

Bobby Vinton

Bobby Vinton


Bobby Vinton

Bobby Vinton (nacido 16 de abril de 1935) es un cantante americano de música pop.

Hijo de Robert Stanley Vintula, Jr en Canonsburg, Pennsylvania (cerca de Pittsburgh), fue el único hijo de una orquesta popular a nivel local, Stan Vinton (Stanley Vintula, Sor).

A las 16, Vintula formó su primera banda, que ha desempeñado en torno a los clubes de la zona de Pittsburgh. Con el dinero que ganaba, le ayudó a financiar su educación universitaria en la Universidad de Duquesne, donde estudió música y se graduó con una licenciatura en composición musical. Si bien en Duquesne, que se convirtió en dominar todos los instrumentos en la banda: piano, clarinete, saxofón, trompeta, oboe y tambores.

El lugar de nacimiento Canonsburg, Pennsylvania es también el lugar de nacimiento de Perry Como. Vinton ha sido honrado por su ciudad natal con una importante vía Bulevar de Bobby Vinton. Canonsburg ciudad los padres tenían planes para erigir una estatua en su honor, pero Vinton vetó la idea señalando que los $ 100.000 previstos costo podría ir a obras más importante de acuerdo a las necesidades de la ciudad.

1960
Después de un breve período en el Ejército de los EE.UU., Vinton firmo con Epic Records en 1960 como una orquesta: "un joven con una Big Band". Dos álbumes y varios singles no tuvieron éxito no obstante, y con Épico dispuesta a tirar del enchufe, Vinton encontrado su primer éxito, literalmente, solo sentado en una cantidad de rechazos. La canción se tituló "Las rosas son rojas (My Love)". Se pasó cuatro semanas en el No.1 en el Billboard Hot 100. Posiblemente, su más famosa canción es de 1963 "Blue Velvet", originalmente un hit menor de Tony Bennett en 1951, que también fue a No.1. Veintitrés años después, David Lynch nombró su película Terciopelo Azul después de la canción. En 1990, "Blue Velvet" subió a la cima de la música cartas en Gran Bretaña, después de haber sido presentado en una piel Nivea Crema comercial. En 1964, Vinton había dos # 1 hits, "No! He dicho otra vez" (un hit # 1 en 1945 de Vaughn Monroe) y "El señor Lonely". Harmony Korine 2007 el nombre de su película Mister Lonely después de la última, y ahora es también la base para el éxito Akon "Lonely".

Vinton la versión de "No! He dicho otra vez" es digno de mención por ser el final Billboard de EE.UU. un número único de la pre-era Beatles, que fue destituido de la cima del Hot 100 por "I Wanna Mantenga su mano. " También digno de mención es el hecho de que Vinton sigue teniendo gran éxito durante los registros de la Invasión Británica, mientras que Connie Francis, Ricky Nelson, las Shirelles y otros grandes artistas de comienzos del decenio de 1960 luchado para llegar hasta el Top 30.

Vinton hit de 1967 "el regreso a casa Soldado" fue un favorito en la solicitud ponga de manifiesto en las fuerzas americanas la Red durante la Guerra Fría y la era de Vietnam, a menudo llamado por los soldados a bordo de la Libertad de aves que los llevaría de regreso a la "Tierra de la Ronda Puertas ".

1970
En el decenio de 1970, el "príncipe polaco" siguió el hit Top 40, en particular con "Ev'ry día de mi vida" y "sellado con un beso" en 1972. En ese mismo año, Epic Records decidió Vinton caída de su contrato (a pesar del moderado éxito de estos dos éxitos), alegando que sus días de la venta de más de registros. Sin, Vinton gastó $ 50,000 de su propio dinero en un auto-escrito la canción cantada en parte en polaco: "Mi Melodía de Amor". Después de Vinton fue rechazada por los siete principales etiquetas, ABC Documentos comprado la idea de Vinton, y el resultado fue uno de varios millones de venta único que afectó # 3 en el Billboard Hot 100 chart y # 1 en el AC cartas en 1974. [1] A álbum de oro, Melodías de Amor, seguido, así como un Top 40 más éxito de pop ( "Cerveza de barril Polka" en 1975), un éxito de media hora de show de variedades El Bobby Vinton Show (que fue de 1975 a 1978), que " Mi melodía de amor "como tema la canción; ABC Documentos posteriormente puesto en libertad un álbum de canciones realizadas en el programa. También protagonizó dos películas de John Wayne: Big Jake y el tren ladrones.

Honores y logros
En el curso de su carrera, Vinton ha vendido más de 75 millones de discos (singles, álbumes de compilación inclusiones, etc) y sigue siendo la realización de la gira. Era dueño y se lleva a cabo en el Bobby Vinton Terciopelo Azul Teatro en Branson, Missouri hasta 2002, cuando el teatro fue vendido a David King, creador y productor del Espíritu de la Danza. Vinton vuelve a Branson anualmente por los limitados compromisos en el teatro.

Billboard Magazine Bobby Vinton llamado "el de todos los tiempos de mayor éxito amor cantante de la" Era-Rock ' ". Desde 1962 a través de 1972, Vinton había más Billboard # 1 Hits que cualquier otro vocalista masculino, entre ellos Elvis Presley y Frank Sinatra. En reconocimiento de su carrera, Bobby Vinton tiene una estrella de Hollywood en el Paseo de la Fama de Hollywood en 6916 Blvd.

En 2002, la electro-noruego Royksopp dúo lanzó su álbum debut Melody AM incluida una versión delicada cubierta de la Vinton-hit "Blue de Blue" llamado "tan fácil" - que también fue el grupo del primer single y, además, utilizado en varios anuncios.
Vinton y su esposa Dolores "Dolly" Dobbins Vintula han estado casados desde el 17 de diciembre de 1962, y tienen cinco hijos: Robert, Kristin, Christopher, Jennifer (que más tarde cambió su nombre legalmente a Hannah después de casarse) y Rebecca. Su hijo mayor, Robbie Vinton, Vinton desempeñado en la película Goodfellas (1990).
Fuente Wikipedia en Ingles(Traduccion automatica)

Michael Bolton Biografia

Michael Bolton

Michael Bolton

Michael Bolton (Michael Bolotin, New Haven, Connecticut, 26 de febrero de 1953) es un cantante y compositor Estadounidense encontró su gran éxito a mediados de los ochenta, y a inicios de los noventa por sus participaciones como artista de soft-rock y baladas pero también como Tenor
Sus logros incluyen la venta de 53 millones de álbumes, ocho álbumes en Top Ten, dos sencillos en numero uno de las listas de Billboard y premios como el Grammy Awards.
Nace en el seno de una familia judia de origen ruso es el menor de 3 hermanos
Desde pequeño demostró su talento musical, es así como Michael Bolton recibió su primer contrato con una compañía de discos a la temprana edad de 15 años.

Bolton es el padre de tres hijas (Isa, Holly y Taryn) nacidas durante su unión con Maureen McGuire1 la cual duro de 1975 a 1990
Es fundador y entrenador del equipo de Soft ball The Boltons
En 1975 lanza su álbum debut “Michael Bolotin”. Un año más tarde, “Everyday of My Life” sale a la luz.

A principios de 1983 acorta su nombre por motivos comerciales a “Michael Bolton” y lanza un álbum homónimo después de obtener su primer éxito como compositor, co-escribiendo el tema "How Am I Supposed To Live Without You" para la cantante Laura Branigan. Esta tema casi llegó a ubicarse en el Top 10 de las radios estadounidenses, y logró mantenerse en los charts durante 3 semanas. Gracias al éxito obtenido deciden volver a trabajar juntos, esta vez con el tema "I Found Someone" en 1985. Esta canción no pudo alcanzar la popularidad del anterior, pero dos años más tarde, la conocida cantante Cher la llevó a convertirse en un hit. A partir de este momento, Michael trabaja para las dos cantantes paralelamente. Pero su popularidad se dio cuando comenzó a co-escribir con cantautores de la talla de BabyFace, Diane Warren, y Bob Dylan. También escribió canciones para Barbra Streisand, KISS, Kenny Rogers, Kenny G, Peabo Bryson y Patti LaBelle.

Como cantante se ha presentado con famosos cantantes de todos lo estilos como Plácido Domingo, Luciano Pavarotti, Renee Fleming, Zucchero, Patti LaBelle, Celine Dion, Ray Charles, Percy Sledge, Wynonna Judd, y BB King.

En 1985 “Everybody's Crazy” sale al mercado. Dos años después, el disco “ The Hunger” es presentado, y prosigue con “Soul Provider” que en 1989 le supone por fin un gran éxito comercial en todo el mundo.

Inicia la década de los noventa con el lanzamiento de “Time, Love & Tenderness” (1991); posteriormente sale a la venta “Timeless: the Classics” ; y en 1993 realiza dos nuevos discos: “The One Thing” y “The Artistry of Michael Bolotin”.

En 1995 aparece un disco recopilatorio de grandes éxitos: “Greatest Hits (1985-1995)". Un año más tarde nace un disco navideño, “This Is The Time: The Christmas Album”.

En 1997 graba “All That Matters” y en 1998 “My Secret Passion”. Finaliza la década con el lanzamiento del disco “Timeless: The Classics, Vol. 2” (1999).

A partir del 2002 ha producido 4 discos hasta el momento: “Only A Woman Like You” en 2002, “Vintage " en el 2003, “'Til The End Of Forever” en el 2005 y “Bolton Swings Sinatra” en el 2006.Fuente Wikipedia

Juan Cedron

Juan Cedron

Juan Cedron

Entrevista a Juan Cedron: Hace casi dos años volvió a Buenos Aires luego de tres décadas de estada en Francia. Volvió para quedarse. El barrio pudo más. Por eso, Juan "el Tata" Cedrón es un repatriado. Y no sólo por el retorno físico al pago, sino también por lo artístico.

Por un lado, su estilo tanguero es inimitable, aunque su presenciase puede notar a modo de influencia o de admiración en el trabajo de músicos mucho más jóvenes. Por otro, Cedrón anda con varias actividades. Semanas atrás estrenó "Orejitas perfumadas", una obra en homenaje a Roberto Arlt, con dirección de Roberto Saiz y canciones con textos de Mario Paoletti y músicas interpretadas por el Cuarteto Cedrón. Además, este guitarrista y cantor tiene ganas de dar clases de música, de volver a Francia (sólo para una gira de conciertos que dará a partir de octubre) y de estrenar su nuevo disco, "Frisón, frisón", compuesto por poesía inédita de Homero Manzi y música propia.

De "Orejitas perfumadas", que se presentó en el Teatro Presidente Alvear, dice: "Lo nuestro no es una cosa pretenciosa, sino un homenaje verdadero. Leí a Arlt toda mi vida. Me identifico con su literatura, con su lenguaje, con los planteos que hace y las angustias que pinta, con la visión que tiene de Buenos Aires y la cosa agresiva. Somos de una generación fuerte; al menos, cuando éramos jóvenes tuvimos una visión fuerte de la realidad". Todo lo porteño nunca dejó de estar en la vida de Cedrón a pesar de la distancia. "No me quedó acento, la ere [francesa] -dice- , y mis hijos hablan perfectamente el castellano, aunque se criaron allá. Yo tengo un lenguaje de los sesenta y los setenta. Recién ahora me estoy acostumbrando un poquito. Pero todavía tengo giros de esos años."

El músico repara en estos detalles porque es un apasionado de la palabra y el sonido. Luego cuenta que volvió a la Argentina en 1984, con el retorno de la democracia, para tocar con su cuarteto. Dio un par de recitales, que define como "memorables", en Obras Sanitarias y desde entonces volvió cada año, pero sólo para tocar. "Intenté quedarme un par de veces. Lo hablamos con quien entonces era mi mujer, Margarita. Pero fue para los años de los alzamientos militares de Rico y de Seineldín. Después de eso me dijeron: «Si querés, volvé solo»."

La siguiente oportunidad para el regreso recién fue en 2004, atraído por ciertos fantasmas de Boedo. Hace dos años que está instalado en una casa de la calle Colombres, con su actual esposa, Antonia, y una hija de 8 meses, Azul.

"Después de 30 años en Francia algunos preguntaron: «¿Por qué volvés?». Y yo me pregunto por qué me fui; por qué me tuve que ir. Ahora siento que en mi entorno hay un buen clima. La gente está muy creativa, positiva, tirando para adelante sin hacerse el coco con triunfalismos. Por eso me siento bien en la Argentina. Si hay algún dolor es porque pasé 30 años afuera, aunque la pasé muy bien. Allá me respetan, me quieren. Tengo que agradecer al pueblo francés, que me permitió trabajar, comer, crear y grabar. Fue una estadía enriquecedora."

Allá quedaron sus hijos mayores, Román, de 42 años, contrabajista y luthier, y Emilio, violinista (ambos tocaron en el Cuarteto Cedrón durante algunos años). "Decidieron no seguir para hacer sus cosas", dice. Y acá está el "Tata", que observa los títulos del disco de Manzi mientras Antonia juega con Azul en otra habitación. "Estoy feliz. Me siento bien. Tengo posibilidades de trabajar. Hice una gira por el país. Estuve presentándome con Suma Paz. Ahora estamos haciendo lo de Arlt y pronto saldrá el disco."

Las letras inéditas de Homero Manzi llegaron a su guitarra de manos de Acho (el hijo de Homero), que es muy amigo de Cedrón. "De hecho, yo hice un disco con poemas de él [de Acho]. El primer poema que me dio fue «Padre». Acho también me hizo pata cuando vine a vivir acá. Caminando por Boedo salieron los fantasmas del pasaje San Ignacio, de la avenida San Juan, de las calles Boedo, Agrelo y México. Aunque ahora hay mucho tráfico, las casas, en un 80 por ciento, siguen siendo las mismas. Hay un clima Manzi, Cátulo Castillo, Maffia, Piana... toda esa gente que uno quiere y que fue importante para mí y para Acho. Y un día Acho sacó un poema [de Homero]: «Palabras sin importancia»."

El resto de los títulos del CD llegó poco después, en 2004, tiempo en que el cantor viajó a Europa para festejar en Francia los 40 años del Cuarteto Cedrón. Ahí, durante una gira, comenzó a revisar los poemas de Manzi y, entusiasmado, llegó a musicalizar dos en un solo día. "Después comencé a pulirlos", aclara.

En las letras, la palabra frisón se repite varias veces, de ahí el nombre elegido para el CD. "Un corralón de barracas" es el tema donde Manzi y Cátulo Castillo más hablan de esos caballos de Frisia, de cascos grandes y mucha fuerza. "Qué siempre fue tu vivir, arena. Un tirón y otro tirón."

De este álbum, "Palabras sin importancia" es el único que no está fechado. El resto del repertorio fue escrito entre 1934 y 1945. "Pienso que es importante que se hagan este tipo de cosas en este momento. Es creación de belleza y no tiene por qué ser actual", aclara Cedrón.

Además, el músico proyecta un espectáculo para 2007, año del centenario del nacimiento de Manzi. "Me gustaría que fuera dedicado a su vida. Su niñez de campo, su adolescencia en Pompeya, su participación en el yrigoyenismo, la fundación de FORJA y su participación en el peronismo sin ser peronista." Piensa en un espectáculo sencillo para que también se pueda trasladar, a modo de clínicas, a los colegios.

Todo esto lleva la charla con LA NACION a la actualidad de la música. Entonces Cedrón cuenta: "Hubo un desastre cultural durante más de treinta o cuarenta años. Yo pude mamar lo que hicieron Pugliese, Troilo o Di Sarli. Lo llevo en el alma. No preciso tocar lo que hicieron ellos. Pero está bien que los chicos más jóvenes toquen eso para empezar. Aunque no hay que confundir esto con la avidez y el deseo de triunfar. Cuando en Estados Unidos triunfó el tango danza, todo el mundo se hizo bailarín para ganar dólares. Hay una leyenda mapuche que habla de cuando querían hacer el color azul del lapislázuli para crear el poncho de Calfucurá. Mezclaron un montón de cosas hasta que consiguieron el color. Pero después de cuatro generaciones se destiñó. La leyenda habla de lo genuino. De lo que no se puede imitar. Cuando algo no es genuino, se destiñe".
Fuente: Por Mauro Apicella De la Redacción de LA NACION Año 2006