Esta pagina ha sido creada para difundir y hacer conocer nuestra música ciudadana "El TANGO" y sus artistas.
Compartimos el lugar con otros géneros, debido a que toda la música es arte, placer y ......
Aquellos que gusten de estos últimos y no conozcan el Tango, lo descubrirán y posiblemente lo empezaran a disfrutar.
lunes, 9 de marzo de 2009
Glenn Miller
Alton Glenn Miller (Clarinda, Iowa, Estados Unidos 1 de marzo, 1904 – 15 de diciembre, 1944) fue un músico de jazz americano de la era del Swing. Uno de sus Temas más conocidos, y probablemente la más conocida del género, fue In the Mood que en ocasiones se ha traducido por "En Forma" o "De buen humor".
Fue el segundo hijo del matrimonio de Elmer Miller y Mattie Lou Cavender. Se inicia en la música cuando su padre Elmer le regaló una mandolina que luego cambió por un Corno que fue el primer instrumento de viento que tocó. En esos tiempos, la familia Miller vivía en Tryon, Nebraska. Pasó su infancia en Nebraska y Oklahoma hasta que su familia se instaló definitivamente en Colorado, donde con doce años abandona el corno y empieza a estudiar la técnica del trombón y a tocarlo en la banda de su colegio. Siendo aún estudiante universitario, Glenn realizaba audiciones y tocando siempre que se le presentaba la oportunidad. Al descuidar sus estudios y reprobar en tres de sus seis cursos, decidió abandonar la universidad dedicándose por completo a la música. Se convierte en trombonista profesional y se une a la banda del entonces célebre baterista, Ben Pollack, en una gira por California. En esa banda el clarinetista era el mas tarde proclamado "rey del swing", Benny Goodman.
En 1928, la orquesta llega a New York y Miller decide dejarla para tocar por su cuenta en clubes, programas de radio y espectáculos musicales, hasta bien entrado el año 1932. En 1935, Ray Noble, director británico de orquesta le encarga organizar una banda de swing. Durante dos años alterna la dirección de la orquesta y las actuaciones en pequeños locales, hasta que en 1938 decide formar su propia "Gran Banda" tras varios intentos frustrados. Su primer gran éxito fue "Moonlight Serenade" y un contrato en el Casino de Glen Island en New Rochelle, en New York, le abre las puertas a una carrera triunfal que se mantendrá hasta el final de su carrera. Al mismo tiempo que la orquesta triunfa en las salas de bailes, la banda adquiere una popularidad tremenda en los Estados Unidos de Norteamérica debido a la emisión de sus actuaciones por un programa radiofónico que transmitida de costa a costa en los Estados Unidos, y que fue patrocinado por la marca de cigarrillos "Chesterfield".
Formó una segunda banda en 1937, que consiguió rápidamente el favor del público, que llenaba sus conciertos, lo que dio lugar a una serie de grabaciones para las disqueras transnacionales RCA Víctor y His Master's Voice. Desde junio de 1938, Miller dominó los primeros puestos de varias listas de música popular, y se mantuvo así más de una año. A principios de 1940, "In the Mood" estuvo quince semanas consecutivas de número uno, y siguió "Tuxedo Junction" que mantuvo a Miller en el número 1 hasta el verano. El 11 de febrero de 1941 se le otorgó a Miller el primer disco de oro por "Chattanooga Choo Choo".
Otros títulos conocidos son "A String of Pearls", "Moonlight Serenade" y "Pensilvania 6-5000" (que era y sigue siendo el número de teléfono del Hotel Pensilvania en Manhattan). La "Serenata a la luz de la Luna" (Moonlight Serenade) es una de las canciones más reproducidas de toda la historia en EEUU, y actualmente está considerada como el tema representativo de Miller, y como una de las canciones más importantes de la historia musical de EEUU.
En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller se alistó en las fuerzas aéreas donde recibió el rango de capitán y donde se encargó de tocar para las tropas estadounidenses desplazadas a Europa.
Tras la liberación de París, a Miller se le ordenó realizar una gira de seis semanas allí y en otras ciudades europeas, ya en poder de los aliados. Miller, recién ascendido a Mayor, pasó la noche anterior, discutiendo con un amigo sus planes de formar una banda en la postguerra y luego retirarse a una hacienda que había comprado en California.
Al día siguiente, 15 de diciembre de 1944, partió en un avión monomotor desde el aeródromo de Twinwood, 50 millas al norte de Londres. Se dirigía a París, para iniciar su gira artística. El piloto de la aeronave también se dirigía a la ciudad, en la que estaba a punto de ser sometido a una corte marcial por acusaciones de traficar en el mercado negro. Los informes indican que había un tercer compañero con ellos en este vuelo.
Como nunca se encontraron los cadáveres de Miller y sus acompañantes, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo. En 1985, el investigador Clive Ward descubrió un Noorduyn Norseman, similar al avión en que viajó Miller, en las afueras de la costa norte de Francia pero no pudo verificarse la existencia de restos humanos en su interior.
Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia, que se supone desclasificada como muchos otros secretos de guerra, nunca se ha podido confirmar. La teoría más probable es que el avión fue accidentalmente derribado por bombarderos RAF sobre el Canal de la Mancha (entre Francia y Reino Unido), después de una operación abortada de bombardeo contra Alemania donde se arrojaron al mar las bombas destinadas a fin de aligerar carga: el piloto de la fuerza aérea británica Frad Shaw anotó en su bitácora que observó que un pequeño avión monomotor se precipitaba en espiral y sin control hacia el mar.
A pesar de la desaparición del músico, la banda continuó sus actividades bajo la dirección de Jerry Gray hasta el 13 de noviembre de 1945, cuando hizo su última presentación ante el Presidente Harry Truman, en Washington. El mayor Glenn Miller fue el único miembro de la banda que no sobrevivió a la guerra.
En abril de 1992, a petición de su hija, se le puso una lápida en el Cementerio nacional de Arlington lugar que se destina a los caídos en las guerras y ex-presidentes de Estados Unidos de Norteamérica. Fuente Wikipedia
miércoles, 4 de marzo de 2009
Joaquin Mora
Joaquin Mora y sus orquesta en 1936
Joaquin Mora en la Orquesta de Miguel Calo
Joaquin Mora dibujo de HoracusMORA, Joaquín Mauricio. ("El Negro Mora").(22 de setiembre de 1907-2 de agosto de 1979) Músico. Pianista. Bandoneonista. Director. Compositor. Arregiador. En dimensión equivalente a Juan Carlos Cobián, Enrique Delfino, Aníbal Troilo o Lucio Demare se contó entre los mayores creadores del tango para cantar. Melodista y armonizador de sobresaliente imaginación forjó un estilo inconfundible representado por páginas como En las sombras, Frío, Esclavo, Divina o Más allá, que configuran modelos definitivos entre las composiciones de su género.
Rasgo de su invención musical es la pureza de los temas en los cuales la línea melódica y la línea armónica son dos latitudes inseparables de la obra y expresión de una manera de sentir el tango que, en todo caso, apareció nítidamente asociada a su labor de intérprete sensitivo. Nació en Buenos Aires, barriada de Palermo el .. Estudió teoría y solfeo de 1912 a 1914 con los maestros Antonelli y Romaniello. Junto a ellos comenzó además los cursos de piano que continuó en el Conservatorio Santa Cecilia y perfeccionó con Arturo Luzzati. Debutó como tanguista en el Salón La Argentina integrando la orquesta de Graciano De Leone. En 1926 por su propia cuenta y sobre la base de su puro instinto de músico, aprendió a tocar el bandoneón. Con este instrumento formó parte de los conjuntos de Antonio Bonavena y de Vicente Fiorentino. También como bandoneonísta y en compañía del piano de Oreste Cúffaro y del violín de Roberto Zerrillo, integró el marco orquestal de Azucena Maizani durante la gira realizada por la cancionista durante 1930 a lo largo de numerosas localidades y ciudades de España. En Europa compuso su primer tango: Yo soy aquel muchacho. Regresó a mediados de 1933; dirigió a la sazón la orquesta del sello Columbia y su primera orquesta propia, formando luego en la del violinista Vicente Russo y en la de Miguel Caló para los bailes de carnaval de 1934. Ese año además actuó en el trío Melodía y formó con Antonio Rodríguez Lesende y Roberto Morel, el trío Morel-Lesende-Mora. Colaboró más tarde en los acompañamientos del cantor Hugo del Carril cuando éste comenzaba su exitosa carrera. En 1937 por LR3 integró el trío Mora-Achával-Podestá. Y en 1937 y 1938 volvió a conducir su orquesta presentándose por radios Belgrano y Prieto. Fue en 1941 asesor musical de la Academia PAADI de Luis Rubinstein. En 1943 se alejó de Buenos Aires en una prolongada gira por países del Pacífico en los que se radicó para siempre; actualmente reside en Colombia. Otros tangos suyos son: Divina —compuesto en 1933 para Alfonso Ortiz Tirado—, Margarita Gauthier, Al verla pasar, Frivolidad, Ushuaia, Rebeldías, Igual que antes, Nupcial, Distante, Como aquella princesa, la canción Vera-no, la milonga Pavadas y los valses Cofrecito y Sin Esperanzas. Fuente Horacio Ferrer
martes, 3 de marzo de 2009
Juan Ramon
Juan Ramon: Su nombre verdadero es Ellery Rech (se pronuncia "éleri", como el personaje de las novelas inglesas Ellery Queen). Nació un 13 de enero de 1940 en la ciudad de Cañada de Gómez, departamento Iriondo de la provincia de Santa Fe, Argentina. Debutó artísticamente a los 17 años en la ciudad de Campana, provincia de Buenos Aires. En mayo de 1961 se acercó a las oficinas del sello "Disc Jockey" con unos discos de prueba ("demos", para utilizar una palabra actual) que había realizado y fue atendido por un ejecutivo de la empresa llamado Eduardo Piovano. Éste lo referenció inmediatamente a otras dos personas del mundo musical de apellidos Malvicino y Rodríguez Luque, quienes se encontraban en ese momento en un estudio de grabación trabajando con Rosamel Araya. Hasta allí se acercó el joven Ellery quién por entonces acusaba 21 años. Palabras más, palabras menos, decidieron darle forma profesional a las canciones que les hizo escuchar. Aunque Rodríquez Luque hizo una objeción: el nuevo cantante debería cambiar el nombre, ya que "Ellery Rech" no se ajustaba a un artista que estaba próximo a grabar en español. Esta persona observó que Ellery llevaba bajo el brazo el libro "Platero y yo", cuyo autor es Juan Ramón Giménez. Y de esa manera y al instante Rodríguez Luque exclamó: "Tú serás Juan Ramón... y yo seré Platero", a lo que Malvicino asintió con gusto. El apelativo "corazón" fue idea de un hombre de radio llamado Antonio Barrios, quién daba sobrenombres a sus artistas más queridos.
Ese fue el inicio de Juan Ramón y su llegada al primer disco, en 1961. En general, su comienzo en la música estuvo marcado por canciones que ya eran éxitos en Europa y Estados Unidos. Por esa época, era común traducir al español los "hits" de otras latitudes. Su primera grabación profesional fue "Cuando quieras amor", que se editó en disco simple de 78 RPM con el tema "No me digas" en su cara B. También fue editada en disco doble (2 canciones por lado) junto a "Pitágoras", "Quince años tiene mi amor" y "No me digas". Los primeros registros de Juan Ramón contaron con la colaboración de Ben Molar, especialista altamente solicitado en traducir éxitos extranjeros al castellano. Seguidamente Juan Ramón grabaría varios discos más, incluídos muchos discos simples y dobles, siempre con el acompañamiento de Horacio Malvicino y su orquesta. Y es al 3er o 4to disco cuando alcanza notoriedad popular y un interesante nivel de ventas al grabar la canción "Feliz cumpleaños dulces 16" (Happy birthday sweet sixteen). Desde ese momento su carrera iría en ascenso constante.
Cabe mencionar otras canciones que grabaría Juan Ramón en la primera mitad de los años 60: Corre González, Soy el amor, Devuelvo tu carta, Anochecer de un día agitado, Ese beso, Enseñando Bossa Nova, Volvamos a ser novios, La tierra, Si quieres dejarme, Oh mi señor, Dominique, Mejor esta noche, En mi mundo, Como mamá, Sospecha, Truco twist, Frío de nieve, La noche que lloré, Limbo rock, Se ha puesto el sol, Mira cómo me balanceo, El baile del ladrillo, Sabor de sal, Por culpa del horóscopo, Popotitos, Eres el demonio disfrazado y muchas, muchas más teniendo en cuenta que en esa época los artistas editaban hasta 3 long plays por año y varios simples y dobles.
Cantante, compositor de algunas canciones... y actor también. En 1964 llegaría la primera aparición de Juan Ramón en cine en la película "El desastrólogo". Desde su incursión inicial en la pantalla grande hasta 1970 el cantante aparecería en una decena de filmes, siendo su más recordada, "El galleguito de la cara sucia" en 1966. También hizo televisión. Tuvo su propio programa llamado "Juan Ramón busca la felicidad" que iria en duplex por Canal 9 y Canal 7. Sumado a sus participaciones en emisiones como "Sábados circulares". Finalmente, otra constante por esa época era la aparición en revistas de circulación nacional.
En 1965 Juan Ramón pasaría a formar parte del plantel de artistas del sello RAC Victor (cuyo logo oficial es un perro escuchando una vitrola). Su nueva companía discográfica no podría haber elegido un mejor nombre para el primer disco de Juan Ramón en RCA: "Juan Ramón con nosotros". Dos años después, en 1967, grabaría un trabajo muy interesante que buscó posicionar al cantante en Europa: "Juan Ramón en Roma" editado simultáneamente en castellano e italiano. Recordemos que por esos días el estilo "melódico italiano" hacía furor y cualquier cantante de habla hispana soñaba con la edición de sus grabaciones en el viejo mundo. Las canciones del disco (compuestas por Franco Migliacci, Sergio Endrigo, Palito Ortega, Leo Dan y el mismísimo Juan Ramón) se apartaban un poco de la línea por entonces habitual del cantante, que hasta ese momento había registrado mayormente éxitos internacionales. Este disco lo presenta apoyándose más sobre su fuerza interpretativa que por el apoyo que pudiera brindarle una obra conocida. En su estadía en Italia, llega a oidos de Juan Ramón una canción que si bien no ganó el Festival de San Remo, fue una de las mejores: "Io che non vivo senza te". El cantante la grabaría inmediatamente al regresar al país. Años más tarde la grabaría Elvis, y posteriormente Luis Miguel bajo el nombre "Yo que no vivo sin ti", evidenciando lo visionario que había sido.
A principios de los 70s el cantante se presenta en Panamá, donde debido al éxito resonante se ve obligado a radicarse allí un tiempo, obteniendo gratificates resultados de su estadia. Lo mismo le sucede en Colombia a los pocos años. En 1977 se radica finalmente en Perú y es allí donde conoce a quién es su actual esposa. A mediados de la década, Juan "Corazón" Ramón grabaría dos canciones muy importantes, las cuales mantiene hasta hoy en su repertorio. Una de ellas fue "Ata una cinta amarilla al viejo roble" (cuyo título original es "Tie a yellow ribbon..."), la otra lleva el nombre de "El teléfono llora", la cual años después regrabaría con la participación de su hija.
En 1983 regresa a Argentina seducido por varias propuestas de trabajo. Es partir de entonces donde Juan "Corazón" Ramón tendría una década prodigiosa no sólo en cuanto a popularidad sino también perfilándose como un cantante polirubros: sus discos irán del melódico al pop y del cuarteto a la cumbia, grabando hasta dos discos por año. Los títulos de sus placas reflejan su masividad: "Otra vez Nro. 1", "El ídolo", "Internacional", "Firme junto al publo". Un disco muy importante en la vida del artista a mediados de esta década fue "El fenómeno", de 1985. Este LP marcaría el comienzo de una nueva etapa en Argentina abriendo tremendas perspectivas laborales. Dos canciones de esta placa permanecen en el repertorio actual de Juan Ramón: "Cariñito", que abre el disco, y "Llorando se fue" (una tradicional de Bolivia, luego grabada por Kaoma bajo el nombre de "Lambada"), que lo cierra. Las apariciones televisivas comenzaron a ser moneda frecuente (numerosísimas apariciones en "Finalísima del Humor" conducido por el fallecido Leonardo Simons) y sus actuaciones muy concurridas. Quizá el tema que unifica esta masividad, que pueda ser síntesis de este período sea "Macumba" o "Tabaco y Ron".
A fines de los 80s y con la movida tropical en boga, Juan Ramón cambia el rumbo. Como él dice al hacer un raconto de su vida: "Los 90 fueron más cuarteteros, más cordobeses". Hizo duetos con Heraldo Bosio, Los Cartageneros y Miguel "Conejito" Alejandro (otro cantante que estaba en la cresta de la ola), entre otros. Se sucedieron discos como "Pasito tun tun" y "Sácala a Bailar" que apuntaban directamente a la pista de baile popular. Ahora bien, los 90s tropicales para Juan Ramón terminaron en 1994 (aunque sobre el final de la década retomaría el estilo). Ese año, siguiendo la tendencia de sonidos internacionales "progresivos", Juan Ramón edita "DJR": un disco que ya desde el audio plantea una situación "aggiornada" a niveles europeos: máquinas de ritmo y sonidos nuevos electrónicos para cantar y reversionar temas en plan tecnopop y reggae. Este disco y el anterior parecieran ser de dos artistas distintos si no fuera por la voz. En 1997 el cantante edita un trabajo titulado "Reencuentro" donde revisa sus viejos éxitos en nuevas versiones como "Muñeca de Cera" y "El teléfono llora". A partir de ese momento, Juan "Corazón" Ramón apelaría al clasicismo como carta de presentación: sería la misma persona para emocionar en "Venecia sin ti" y hacer bailar con "Yolanda".
El nuevo siglo encuentra a Juan "Corazón" Ramón en actividad plena. Algunos lo verán después de mucho tiempo, como dice él, "más gordo, más flaco, más viejo", pero con la voz y el carisma intactos. El cantante sigue grabando discos y cada tanto aparece algún recopilatorio. En 2004 la gente de Sony BMG tuvo una gran idea: lanzar la serie de recopilaciones "20 Secretos de Amor": una veintena de CDs de "grandes éxitos" de los artistas más populares de los 60s y 70s. Esto fue muy bien recibido por el mundo artístico ya que puso a disposición de la gente una cantidad considerable de canciones nunca antes editadas en CD. Esta movida discográfica sumada a la aparición de un nuevo programa de TV bautizado "30 y pico" dedicado a los artistas de antes, desembocó en una tendencia comercial "nostálgica" que generó más trabajo para estos artistas, aunque con resultados dispares. Sus últimas producciones incluyen: "El ídolo eterno", un CD que incluye una nueva versión de "Cariñito", de 2005 y "Otra cosa es con guitarras", un compacto plagado de boleros, de 2007.
Juan "Corazón" Ramón, hoy un artista sin presiones pero con ilusiones, sin la masividad de antaño, pero que sigue grabando como cuando tenía 21 años, que sigue presentándose en vivo en escenarios de toda América apelando a sus casi 50 años de canciones populares. Juan "Corazón" Ramón: un artista único, eterno y admirable. Fuente www.juanramonfans.com.ar/biografia.htm
lunes, 2 de marzo de 2009
La Cumparsita
LA CUMPARSITA. Tango. Música de Gerardo Matos Rodríguez. Se le estima aún como el mayor de los éxitos—en plano nacional e internacional —alcanzado por tango alguno. Comparte en primer lugar esa calificación con un reducido conjunto de obras entre las que figuran, también, Adiós muchachos, A media luz, El choclo y Nostalgias. Fue compuesto en 1917 en Montevideo cuando su compositor hijo de un conocido "cabaretier" de la época, "Papá" Matos, cursaba arquitectura y alternaba en la Federación de Estudiantes Universitarios en cuyo local ejecutó esta obra por vez primera. Su primera versión orquestal estuvo a cargo de la agrupación de Roberto Firpo cuando éste actuaba en las veladas del café La Giralda de la capital uruguaya. La primera versión orquestal llevada al disco correspondió al conjunto dirigido por Alberto Alonso y Minoto Di Cico, quienes la registraron en 1917 para la casa Víctor de Buenos Aires. Originalmente editada por Breyer Hnos., el gran suceso de esta pieza sólo asomó con los años, afirmado, cuando—durante 1927— Pascual Contursi versificó sus frases musicales en colaboración con Enrique Maroni dándole un segundo título:
Si supieras. Matos Rodríguez entendió que dichos letrístas habían obrado sin su consentimiento y entabló una larga demanda, resuelta a su favor sólo veinte años después. E! propio compositor por lo demás era ya autor de otra letra también muy difundida: "La curnparsa / de miseria sin fin desfila, / en torno de aquel ser enfermo / que pronto ha de morir de pena. . ." aunque su propósito inicial fue que el comediógrafo Víctor Solíño fuera quien escribiera las palabras cantables a su tema musical.
Éste aparece estructurado en dos partes con un breve puente o intermedio. Sentidas y concebidas sus partes como música bailable, la primera ofrece la peculiaridad de tener un compás de menos de los que la ortodoxia de la canción popular corriente establece; es por eso que los ejecutantes tienden instintivamente a rellenar ese primer vacío con cuatro acordes que ya se han convertido así, en materia inseparable de la obra. Al margen de esa contribución espontánea, acaso porque es una página que se presta armónicamente a las improvisaciones, La cumparsita ha sido objeto de toda clase de ornatos, producto muchas veces de las ejecuciones "a la parrilla": contracantos, pasajes contrapunteados y variaciones de la más diversa invención. Algunos de estos aditamentos han sido por así decir "institucionalizados"; tal lo que ocurre por ejemplo, con la variación para bandoneones ideada por Luis Moresco alrededor de 1930. Motivo de innumerables versiones fonográficas en todos los estudios grabadores del mundo, han sido incluidos también en numerosas películas. Durante 1947 sirvió de punto de apoyo argumental para el filme homónimo realizado en Buenos Aires conHugo del Carril en papel protagonice sobre libro de Verbitsky y Villalba Welsh, bajo la dirección de Antonio Momplet. Del extenso catálogo de interpretaciones puestas en el disco —y a título ilustrativo de su ejecución conforme a estilos muy diversos— pueden consultarse las interpretaciones logradas por Carlos Gardel (disco Odeón), Roberto Firpo y su cuarteto (disco Odeón), Aníbal Troilo y su orquesta típica (disco Víctor), Juan D'Arienzo y su orquesta típica (disco Victor), Primer Cuarteto de Cámara del Tango (disco Mícrofón), Astor Piazzolla y su or-questa de cuerdas (disco Music-Hall), Aníbal Troílo y Roberto Grela (disco (T.K)
Por Horacio Ferrer.
domingo, 1 de marzo de 2009
Roberto Carlos
Roberto Carlos Braga (19 de abril de 1941) es un cantante brasileño, considerado el rey del mercado discográfico de su país y un importante cantante melódico
Nació en Cahoeiro de Itamperim en el Estado de Espírito Santo, Brasil, y fue descubierto en 1958 por el compositor y periodista Carlos Imperial. Desde los primeros años de la década de 1960, cuando triunfó en el mundo del pop brasileño a través de los programas musicales de televisión, tuvo sucesivos éxitos gracias a su voz suave, melancólica y romántica. Líder de la ‘joven guardia’, movimiento musical influenciado por la música de The Beatles, Roberto Carlos resumía su estado de ansiedad en 1965 cantando: “Quiero que me calientes este invierno y que todo lo demás se vaya al infierno”. El movimiento se desvaneció, pero Roberto Carlos se convirtió en el rey del pop brasileño más convencional. Desde ese instante es considerado el Elvis Presley de Brasil.
Entrado los años 70, Roberto Carlos se vuelve un cantante más romántico y sus éxitos comienzan uno tras otro a inundar las emisoras radiales no solo de Brasil sino de todo el Continente Americano y España. Es el único cantante latinoamericano que ha ganado el Festival de la Canción de San Remo en Italia. Otros como José Feliciano y Luis Miguel han participado también.
Roberto Carlos durante la década de 1970 actúa en varias ocasiones en el Festival de Viña del Mar en Chile. En una de esas oportunidades le dedicó una canción a la Primera Dama de la Nación Lucía Hiriart de Pinochet, esposa del entonces Presidente chileno Augusto Pinochet, quienes se encontraban presentes en el lugar.
Desde los 70 y hasta la fecha Roberto Carlos no ha dejado de grabar y hacer música exitosa.
Tiene más de 25 millones de discos vendidos en todo el mundo, récord para un cantante latinoamericano. Ganador del Grammy al mejor intérprete pop en 1988, gracias a la canción "Si el amor se va" de Bebu Silvetti y Roberto Livi. Es el único artista latino considerado leyenda que ha realizado un MTV acústico y colaborado con estrellas mundiales en diversas giras. Sus temas han aparecido en las bandas sonoras de varias películas.
Destacar aquí alguna canción de Roberto Carlos es muy arriesgado por lo extensa que es su discografía. Es considerado uno de los más grandes cantautores de la historia en colaboración con su amigo Manuel Morais y Erasmo Carlos, juntos son una especie de Gardel-Lepera, o Lennon-McArtney. Le ha escrito a todo, el amor, el desamor, el sexo, a Dios, la ecología, las madres, los padres, los viejos, los niños, el amigo, el divorcio, la guerra, etc.
Realizar una lista de sus mejores canciones puede ser un trabajo largo y arduo, y ningún disco de éxitos resume su obra a la perfección, ya que serían necesarios varios discos para hacerlo, en Brasil se lanzó un compilación organizada por décadas. Cada disco suyo contaba con más de un hit, y según registros, es el artista latinoamericano que más ha sonado en la historia de las radios en el Continente Americano.
El cacharrito, Jesuscristo, un millón de amigos, amada amante, qué será de ti, propuesta, canzone per te, un gato en la oscuridad, detalles, el progreso, amigo, Lady Laura, desahogo, mi querido mi viejo mi amigo, no te apartes de mi, amantes a la antigua, cama y mesa, emociones, cóncavo y convexo, el amor y la moda, símbolo sexual, desde el fondo de mi corazón, apocalipsis, nuestro amor, negra, si el amor se va, mis amores, si me vas a olvidar, si piensas si quieres, amor sin límites, mujer pequeña, camionero una gran parte de estos temas son de Manuel morais...
Todo esto sin contar la cantidad de éxitos conseguidos en Brasil que no entraron al mercado hispano por no ser traducidos al español, que suman más de 250.
Sus presentaciones son las más grandes realizadas por artista latino alguno, su orquesta es considerada la mejor de ningún cantante en la historia. Su formación original era de 32 músicos, los cuales Roberto bajó a 16 con la aparición de los sintetizadores. La fama de la orquesta proviene de una vez que tuvieron que acompañar a Frank Sinatra luego que sus músicos resultaron intoxicados y Roberto dijo a Frank que solo le colocara las partituras y ellos lo acompañarían, así sucedió y Sinatra confesó que jamás había tocado con orquesta igual.
Ha tenido bastante mala racha con las mujeres con las que oficialmente ha estado relacionado. Su mujer Maria Rita murió el 19 de diciembre de 1999 tras una larga enfermedad (Cáncer). Su historia fue muy especial para estar juntos y cuando al fin lo lograron llegó la enfermedad. Roberto Carlos dedica cada función al terminar a Maria Rita.
En 1991, el cantante fue obligado a reconocer a Rafael Braga, hijo de María Lucila Torres, con quien mantuvo un romance cuando tenía 25 años.
María Lucila también murió de cáncer de mama, dos días después que el artista había asumido la paternidad de Rafael, quien trabaja como vendedor de vehículos en Sao Paulo e intentó, sin éxito, seguir la misma senda de su padre.
Con su primera mujer Roberto Carlos tuvo tres hijos, uno de ellos, Segundinho, tiene serios problemas de visión y debe ser sometido a tratamiento médico periódico.
Es el más grande vendedor de discos de América Latina.
Es el único artista que ha vendido más discos que Los Beatles en América Latina.
Si colocas uno al lado del otro sus discos de oro y platino dan la vuelta al estadio Maracaná (El más grande estadio de fútbol de Brasil y del mundo).
Perdió una pierna siendo niño la cual sustituyó por una prótesis.
Era el único cantante que editaba 2 discos por año uno en portugués y otro en castellano, tradición que abandono en 1994.
Ha lanzado en DVD sus películas de juventud y cuatro más: MTV acústico, Para sempre, Duetos y RC en vivo (Miami 2007); los dos primeros son conciertos en vivo, el tercero es vídeo con otros artistas brasileños y el último es el concierto grabado en Miami, Florida en mayo de 2007.
El 24 y 25 de mayo de 2007 se presentó en Miami donde grabó su primer DVD en castellano. Las entradas se agotaron en 48 horas.
Recientemente realizó una gira que inicio en Brasil y prosiguió por varios países: Argentina, Estados Unidos, Santo Domingo, México, Chile y Uruguay; el Tour 2008 significó su retorno a los escenarios internacionales con localidades agotadas en todas sus presentaciones. Demostrando así que sigue vigente después de casi medio siglo de exitosa carrera, siendo así la más grande Leyenda viviente de la música Romántica.Fuente Wikipedia
sábado, 28 de febrero de 2009
Orquesta Filarmónica de Medellin
La Orquesta Filarmónica de Medellín es una Institución musical profesional, fundada en el año de 1983 por su actual Director, Maestro Alberto Correa Cadavid y por el Estudio Polifónico de Medellín, con el objetivo de estudiar y divulgar la música sinfónica y coral-sinfónica en nuestro medio.
Actualmente realiza una formidable labor con la presentación de 120 conciertos anuales; entre los cuales 20 son conciertos populares y didácticos escolares para los planteles educativos de la ciudad y el departamento, contribuyendo de esta forma a crear una cultura artística entre los jóvenes. Dichos conciertos se realizan tanto en su sede del Teatro Metropolitano como en los barrios, universidades, colegios y escuelas de la ciudad.
La Orquesta acompaña las temporadas de Ópera y de Zarzuela de la ciudad.
Ha ejecutado en unión del Estudio Polifónico de Medellín más de 35 obras sinfónico corales incluyendo oratorios, misas, cantatas profanas y óperas. Ha brindado la oportunidad de realizar sus primeros conciertos como solistas a jóvenes músicos, que ahora son verdaderos valores musicales tanto en el panorama musical nacional como internacional.
Su repertorio está conformado por más de 800 obras de todos los estilos y períodos de la música. Es la única orquesta profesional con la que cuenta actualmente la ciudad de Medellín.
Es notable la producción de música sinfónica de compositores nacionales y antioqueños, como sus versiones orquestales de música Colombiana, Tango, Bolero y las admiradas versiones sinfónicas de Queen y Beatles. Ha producido 14 discos compactos los cuales muestran su evolución en los últimos 8 años y se terminó la grabación de 2 discos más que saldrán al público en el transcurso del año.
Complementa su labor musical con la docencia, ofreciendo la oportunidad a los jóvenes estudiantes de las escuelas de música de la ciudad, de realizar pasantías en la Orquesta, bajo la tutoría de los Jefes de grupo, como también realizando talleres para sus mismos instrumentistas.
Una labor docente más será la que habrá de realizarse en la Escuela de Música de la Filarmónica, en la cual los músicos de la Orquesta, serán los profesores de los futuros Instrumentistas de la misma.
La ciudad de Medellín ha condecorado en varias ocasiones a la Filarmónica bajo diferentes gobiernos municipales y la ha declarado patrimonio cultural de a ciudad.
Nuestra institución es también una empresa que genera múltiples empleos, tanto directos (músicos supernumerarios, directores invitados, etc.) como indirectos (repartidores de afiches, volantes, transporte de instrumentos, etc.)
Nuestros directores
ALBERTO CORREA
Director Titular y Fundador
Hace 56 años comenzó sus estudios de música. Fundó el Grupo de Música Antigua en el año de 1962 y la Coral Ciudad de Envigado dos años más tarde; en 1965 fundó el Coro Masculino del Estudio Polifónico de Medellín, con el cual desarrolló una amplia labor polifónica “a capella”. Este primer grupo funcionó por tres años. Posteriormente en 1971 lo reagrupó y convirtió en Coro Mixto. En mayo de 1974 dirigió la primera versión del oratorio “El Mesías" de J.F. Handel, el cual ha sido interpretado ininterrumpidamente cada año en nuestra ciudad. En 1978 fundó la Orquesta de Cámara de Medellín con el objetivo principal de acompañar al Estudio Polifónico en sus obras de música coral sinfónica, pues desde el año de 1974, el Estudio Polifónico se había convertido en un coro sinfónico, dedicado solamente a la interpretación de obras sinfónico-corales.
En 1983 fundó la Orquesta Filarmónica de Medellín. Alberto Correa ha dirigido más de 2.800 conciertos con la mayoría de las orquestas del país y ha realizado montajes importantes como el tríptico “Los Triunfos” de Carl Orff, La Novena Sinfonía de Beethoven, oratorios como Israel en Egipto, Dixit Dominus de Handel, Cristo en el Monte de los Olivos de Beethoven, entre otros. Participó también en el montaje y presentación de 20 óperas con la Ópera de Colombia y ha realizado una inmensa labor en la difusión de la música por radio, en programas de televisión y en grabaciones de discos.
Ha sido uno de los pioneros de la musicoterapia en Colombia y ha escrito libros y artículos sobre la especialidad. Por su inmensa labor en estos 56 años de música, ha recibido innumerables reconocimientos y condecoraciones de los gobiernos nacional, departamental y de la ciudad.
FRANCISCO RETTIG
Director Asociado
En el año de 1998, la crítica argentina lo distingue con el Premio al Mejor Estreno de la Temporada, al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional, por la Sinfonía Turangalila de Messiaen, en el Teatro Colón de Buenos Aires. En 2000, los diarios mexicanos titulan: “Majestuoso Mahler” con la Orquesta Sinfónica del Estado de México en el Palacio de Bellas Artes de la Capital mexicana. En la ocasión, se interpretó la Séptima Sinfonía de Mahler.
En Octubre del 2002, los comentarios se refieren al Maestro Rettig como un verdadero “Bruckner Spezialist” en Polonia. En USA, ocasión en que se interpretó el Requiem de Verdi con la Lancaster Symphony, ha sido aclamado por la crítica. Similar éxito ha tenido después de su presentación con la National Symphony en Beijing, China. Recientemente ha dirigido en Magdeburgo, Alemania, el estreno de la Ópera contemporánea alemana “Hochzeit an der Elbe”.
Desde Julio de 1991 hasta Junio del 2003 el Maestro Francisco Rettig se desempeñó como Director Titular de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, llevando a esta Orquesta a una destacada posición internacional. La Alcaldía de Bogotá, como reconocimiento a su labor, lo distinguió con la Orden al Mérito en el Grado de Gran Comendador, máxima distinción que se confiere a los extranjeros que prestan servicios al País. Similar distinción recibió también del Concejo Distrital de la ciudad. Nacido en Santiago de Chile y nacionalizado italiano, fue discípulo de los grandes maestros Hans Swarovsky, Sergiu Celibidache y Franco Ferrara. Su formación académica la realizó en la Musikhochschule de Colonia, Alemania, donde se graduó con máxima distinción. Recientemente el Maestro Rettig ha dirigido la versión escenificada de la Pasión según San Mateo de Bach en el Performing Arts Center de Brisbane, Australia; así como siete exitosas funciones de Turandot de Puccini en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México.
En Febrero de 2007, el Maestro Rettig se presentó por primera vez en Bucarest con la Orquesta Sinfónica Nacional de la Radio Televisión Rumana. Resultado de este auspicioso debut fue su inmediata contratación en forma más permanente con esta destacada Orquesta.
GONZALO OSPINA
Concertino y Director Asistente
Violinista nacido en Medellín, actualmente es Concertino y Director Asistente de la Orquesta Filarmónica de Medellín y profesor de la cátedra de violín y música de cámara de la Universidad Eafit. Sus profesores de violín fueron Raúl Emiliani, Luis Biava y Eduardo Berrío. Estudió en la Escuela Superior de Música de Medellín, en la Universidad de Antioquia y en la Universidad Corpas, en Bogotá.
En su amplia trayectoria orquestal se ha desempeñado como Concertino Alterno de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, entre los años 1999 a 2004 y también como Concertino de la Orquesta de la Ópera de Colombia. Fue Concertino de la Orquesta Sinfónica de Antioquia y de la Orquesta de Cámara de Colombia. Así mismo, como intérprete de música de cámara ha fundado agrupaciones como el Trío de Cámara de Medellín, el Cuarteto de Cuerdas de Antioquia y el Ensamble Barroco, con el que grabó un CD de Las Cuatro Estaciones, de Vivaldi. Así mismo, ha creado el Trío y Cuarteto Arcieri, con músicos de la Filarmónica de Bogotá.
Ha sido integrante de la Orquesta Sinfónica de Galicia y de la Orquesta Mundial de Juventudes Musicales. Ha realizado conciertos en Alemania, Bélgica, España, Marruecos, Uruguay, Argentina, Costa Rica y Venezuela. En Colombia, ha ofrecido recitales con Blanca Uribe, Harold Martina, Teresa Gómez y Lise Frank y ha actuado como solista con las principales orquesta del país.
PLANTA ORQUESTAL
VIOLINES I
Gonzalo Ospina (Concertino Titular)
Manuel López (Concertino asistente)
David Hoyos
Rafael Ángel Cos
Rafael Sierra
Luís Fernando Franco
Camilo Giraldo
Wilfer Vanegas
Clara Rojas
Isabel Cristina Arango
Ana Maria López
Yhoan Daniel Saldarriaga
VIOLINES II
Juan Miguel Hechavarría (Principal)
Oscar Rendón
Fernando Sáenz
Edgar Chamorro
David Rivera
Adriana Orozco
Luís Carlos Montoya
Gloria Vieco
Sandra Catalina Restrepo
Johanna Marcela Toro
VIOLAS
Bernardo Hoyos (Principal)
Alexander Henao
Lina Loaiza
Marcela Ospina
Ana María Rojas
Diana Cristina Hincapié
Harlen D. Cano
Yeison David Montoya
CHELOS
Pavel Rusev (Principal)
Juan David Orozco
Claudia Ocampo
Diana Gutiérrez
Karen Lizeth Londoño
José Santos Camacho
Juan David Henao
Sergio Andrés Rivera
CONTRABAJOS
Ilko Rusev (Principal)
David Arenas
Orlando Ruiz
Juan Felipe Vélez
FLAUTAS
Juan Tamayo (Principal)
María Elena Orozco
OBOES
Ignacio Gil (Principal)
Gustavo Restrepo
CORNO INGLES
Paul H. Fischler *
CLARINETES
Jorge Luis Zapata P. (Principal)
Elizabeth Isaza C.
FAGOTES
Roberto Soto (Principal)
Beatriz Loaiza
CORNOS
Rodrigo Loaiza (Principal)
Esteban Avendaño
Gloria Villegas
Jairo A. Restrepo
TROMPETAS
Frank Londoño (Principal)
Alfredo Mejía
Ramón Paniagua
TROMBONES
Libardo Ospina (Principal)
Adolfo Martínez
Vladimir Hurtado R.
TUBA
David López
PERCUSIÓN
Alberto Sánchez (Principal)
Alejandro Ruiz
Sandra Gómez *
Pilar Y. Pérez *
Andrés Zoo *
TECLADO
Sebastián Quiroga
ARPA
María Clara Alarcón*
*Músico Supernumerario
Fuente web de la Orquesa Filarmonica de Medellin
viernes, 27 de febrero de 2009
Cotton Club
El Cotton Club es un famoso club nocturno en la ciudad de Nueva York que operaba durante la Prohibición de venta de alcohol. Si bien el club figuran muchos de los mayores artistas de la época de origien africano, como Duke Ellington, Count Basie, Bessie Smith, Cab Calloway, Los Hermanos Nicholas, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Nat King Cole, Billie Holiday, y Ethel Waters, por lo general, les niega la entrada a los negros. Durante su apogeo, ha servido como un elegante punto de encuentro en el corazón de Harlem, con regulares "Noches celebridad" los domingos, en que celebridades como Jimmy Durante, George Gershwin, Al Jolson, Mae West, Irving Berlin, Eddie Cantor, Moss Hart, alcalde de Nueva York, Jimmy Walker y otras luminarias parece.
Campeón de peso pesado Jack Johnson abrió el Club De Luxe en la calle 142a y la avenida Lenox en Harlem en 1920. Owney Madden, bootlegger y un gángster, se hizo cargo del club en 1923, mientras encarcelado en Sing Sing y cambió su nombre por el Cotton Club. Aunque el club fue cerrado brevemente en 1925 para la venta de licor, se volvió a abrir sin problemas de la policía. Las bailarinas y strippers en ocasiones realizaban actuaciones para Madden en Sing Sing después de su retorno en 1933.
El club se reproduce la imagen racista de los tiempos, a menudo representa a los negros como salvajes en la selva o exóticas como "darkies" en las plantaciones del Sur. El club impuso una barra de color más sutiles en el coro de niñas a las presentadas en el club skimpy conjuntos: se espera que sea "de altura, tan, y fantástico", lo que significaba que tenían que ser por lo menos 5 pies 6 pulgadas de altura, la luz piel, y menores de veintiún años de edad. Ellington escribio "selva de música" para una audiencia de blancos.
No obstante, el club también ayudó a lanzar las carreras de Fletcher Henderson, quien encabezó el primer grupo que tocaba allí en 1923, y Ellington, cuya orquesta fue la banda de la casa existe desde 1927 a 1931. El club no sólo dio Ellington a través de la exposición nacional por radio procedentes de ellos, le permitió desarrollar su repertorio, mientras que la composición no sólo la música de baile para la muestra, sino también los acercamientos, las transiciones, acompañamientos, y "la selva" efectos que le dio la libertad para experimentar con los colores y los arreglos orquestales que rara vez había bandas de gira. Ellington grabó más de 100 composiciones en esta época, mientras que la construcción del grupo que lideró durante casi cincuenta años. El club finalmente relajado su política de excluir a los clientes negro ligeramente en deferencia a la solicitud de Ellington.
Cab Calloway y The Cotton Club Orquesta, en 1934 el bandCab Calloway trajo la orquesta de su revista Brown Sugar al club en 1930, en sustitución del grupoEllington después de su partida en 1931; Jimmie Lunceford la Calloway sustituye la banda en 1934, mientras que Ellington, Armstrong, Calloway y regresó para llevar a cabo en el club en los años posteriores. El club fue también el primer show de oportunidad de negocio para Lena Horne, quien comenzó allí como corista a la edad de dieciséis. Dorothy Dandridge realizado allí mientras todavía uno de los Dandridge Hermanas, mientras que Coleman Hawkins y Don Redman desempeñado allí como parte de la banda de Henderson. Toque bailarines Bill "Bojangles" Robinson, Sammy Davis Jr. (como parte de la Voluntad Mastin Trío), y la estrella Nicholas Hermanos allí.
El club blanco también se refirió a la cultura popular del día. Walter Brooks, que había producido el éxito de Broadway Junto aleatoria, fue el propietario nominal. Dorothy Fields y Jimmy McHugh, uno de los más destacados equipos de escribir canciones de la época, y Harold Arlen siempre las canciones de las revistas, uno de los cuales, "mirlos de 1928", con las canciones "Yo no puedo darle nada más que amor "y" Diga Diga Doo ", fue producida por Lew Leslie en Broadway.
Cerrado temporalmente en 1936 después de los disturbios en Harlem con el año anterior, el Cotton Club reabierto más tarde ese año en Broadway y la calle 48. Para el bien de que se cerrara en 1940, bajo la presión del aumento de los alquileres, la evolución de los gustos y una investigación federal en la evasión de impuestos por los propietarios de club nocturno de Manhattan. El Barrio Latino en su club nocturno abrió el espacio y el edificio fue demolido en 1989 para dar paso a un hotel. Un nuevo club con el mismo nombre se inauguró en 1978 en Harlem.
Una rama de la costa oeste de la Cotton Club existía en Culver City, California, a finales de los años 1920 y principios de 1930, con los artistas intérpretes o ejecutantes de la Cotton Club original, como Armstrong, Ellington y Calloway.
The Cotton Club es una película dirigida por Francis Ford Coppola, que ofrece una fictionalized la historia del club en el contexto de las relaciones raciales en la década de 1930 y las batallas entre Madden, Dutch Schultz, Vincent "Mad Dog" Coll, Lucky Luciano, y Ellsworth "baches" Johnson.fuente Wikipedia en ingles
jueves, 26 de febrero de 2009
Roberto Florio
Roberto Florio: Cantor(9 de noviembre de 1929 - 5 de octubre de 1993)
Nombre completo: Roberto Ángel Florio Apodo: Chocho
Resulta que "Don Chicho", obrero textil, había armado en su casa un telar y buscaba la ayuda de algún joven que supiera el oficio, lo necesario para que además le enseñara a su sobrino, un pibe de 14 años. Cuando lo encontró hubo días que los muchachos quedaban solos por unas horas, entonces, pese al ruido de las máquinas, el mayor de ellos se ponía a cantar tangos y tuvo la sorpresa que de inmediato, el chico, mientras aprendía el trabajo, comenzó a seguirlo en su actitud tanguera. Desde entonces, amigos para toda la vida. El mayor pasó a ser conocido como Jorge Casal y el otro, Roberto Florio. El tiempo los vio crecer artísticamente, pero cada uno siguió su propio camino.
Jorge Durán
DURAN, Jorge. (Nombre de familia: Alfonso Durán). (19 de enero de 1924 - 20 de agosto de 1989) Cantor. Nació en la provincia de San Juan
Sus comienzos a partir de 1940, en audiciones de LV5 Radio Los Andes, de San Juan. Integró luego las orquestas de Emilio Balcarce, Horacio Salgán, Carlos Di Sarli —ésta en dos etapas—, Francisco Rotundo y José Basso. Entre sus realizaciones más representativas se cuentan los tangos Porteño y bailarín, Tus labios me dirán, Un tango y nada más, Yo, Cosas de tango, Whis-ky y Nubes de humo, grabados todos con Di Sarli en Victor, y En la vía, Hágame el favor, Mamboretá y Anoche a las dos, con José Basso, en Odeón. Cantó en la Orquesta Símbolo Osmar Maderna, y luego de 1957 se independizó formando el conjunto Florio-Durán con el también cantor Roberto Florio, con dirección y arreglos orquestales de acompañamiento a cargo del pianista Orlando Trípodi, registrando entonces sus versiones para Victor. Siguió, luego, como solista. Fuente Horacio Ferrer
miércoles, 25 de febrero de 2009
Al Bano Carrisi
Su padre lo llamó Albano porque él había combatido en Albania durante la Segunda Guerra Mundial.
Debuta en el mundo de la canción en el Festival de la Rosa en 1966 y en la televisión en Settevoci, programa presentado por Pippo Baudo. En 1967 obtiene su primer éxito con la canción Nel sole, que obtiene el primer lugar de la lista de éxitos de ventas de 45 giras en Italia. Enseguida canta Io di notte, L'oro del mondo y Il ragazzo che sorride, última canción escrita por Mikis Theodorakis que se inspira en los trágicos eventos en Grecia de 1967, la instalación del poder del Régimen de los Coroneles".
En 1968 participa por primera vez en el Festival de San Remo con La siepe y la crítica le otorga el premio especial de la Mejor Canción. En 1969 participa en el concurso Un disco per l'estate con Pensando a te (Pensando en ti).
El 26 de julio de 1970 se casa con Romina Power,con quien había cantado a dúo Storia di due innamorati (Historia de dos enamorados), con la que tuvo 4 hijos: Cristel, nacida en 1985 (quien participará en La Fattoria, versión italiana de La granja de los famosos; Romina, nacida en 1987; Yari, nacido en 1973 e Ylenia, nacida en 1970 y desaparecida en Nueva Orleans en 1994.
En 1975 interpretan Dialogo (Diálogo) y en 1976 participan en Eurovisión con We'll live it all again (Lo viviremos todo de nuevo) .
En 1981 interpretan Sharazan y al año siguiente toman parte en San Remo con Felicità (Felicidad), que se clasifica en segunda posición. Vuelven al festival en 1984 con Ci sarà y en 1985 están de nuevo en Eurovisión con Magic oh magic.
En 1987 aparecen los discos Nostalgia canaglia (Nostalgia canalla), tercero en San Remo, y Libertà (Libertad). Sigue luego Cara terra mia, otra vez tercero en Sanremo en 1989. En 1991, la pareja interpreta en el Festival Oggi sposi.
Cuando sale el álbum Dangerous Al Bano afirma que Michael Jackson le robó una parte del tema musical de una canción de 1987, I Cigni di Balaka en su canción You Will Be There.
En 1995, Al Bano entabla querellas. En mayo de 1999, un tribunal romano acusa a Michael Jackson de plagio, y lo condena a pagar una multa de 4.000.000 de liras, antes de suspender esta decisión de multa, los abogados de Michael Jackson lo llaman. Un experto en musicología determinó que 37 notas de 40 eran idénticas.
En un proceso civil, Al Bano también fue citado por un tribunal milanés quien encontró que Michael Jackson era inocente del cargo de violación de derechos de autor.
En 1996 Al Bano comienza una carrera en solitario con È la mia vita (Es mi vida), seguida de Verso il sole en 1997 y Ancora in volo (Aún en vuelo) en 1999. Ese mismo año se separa de su esposa, Romina, y convive, sin matrimonio, con la presentadora de televisión Loredana Lecciso, con la cual vivió desde 2001 hasta noviembre de 2005 y ha tenido dos hijos: Yasmine, nacida en 2001 y Bido,en 2002.
Su relación con Loredana Lecciso ha llevado últimamente al cantante a aparecer a menudo en programas de televisión y en la prensa del corazón, a veces incluso contra su voluntad, hasta el punto de dar un puñetazo a un invitado en "La vita in diretta".
Participó en la tercera edición de la emisión de telerrealidad de RAI denominada "La isla de las celebridades", pero cuando estaba en Samana, Loredana declaró la voluntad de abandonarlo y partir con sus dos hijos. Por consiguiente, abandonó voluntariamente la emisión en el episodio del 19 de octubre de 2005.
Su relación con Loredana Lecciso y su participación en la emisión de telerrealidad contribuyó, indudablemente, a relanzar su popularidad en Italia, disminuida en los últimos años posiblemente a causa de las malas elecciones artísticas que explotaban mal su voz.
En noviembre de 2006 Arnoldo Mondadori Editore publica su autobiografía, escrita a cuatro manos con Roberto Allegri "È la mia vita"(Es mi vida, del título de la canción de 1996). Curiosamente, para hablar de sus dos señoras, Romina y Loredana, decidió dejar dos páginas en blanco.
Hereda de su padre, Don Carmelo, una empresa vínícola Tenute Carrisi. Explota sus conocimientos de marketing y de viticultura para relanzar su marca, que actualmente es conocida en el mundo entero. En homenaje a su padre, llamó a uno de sus vinos "Don Carmelo". La empresa también abrió una pizzería. Sus últimos años los dedicó a su tierra y a patrocinar al equipo "New Basket Brindisi" (Nuevo Balloncesto Brindisi), que participa en el campeonato italiano de serie B1. Participó con la canción Nel perdono en el Festival de San Remo de 2007.Fuente Wikipedia
Romina Power
Nacida en Los Ángeles, California, es hija del actor Tyrone Power y de la actriz Linda Christian.
Sus padres se divorciaron en 1956 y entonces parte con su madre y hermana a vivir en Italia. El 26 de julio de 1970 se casa con el cantante Al Bano, con quien había cantado el dúo Storia di due innamorati (Historia de dos enamorados). Tuvieron cuatro hijos: Cristel, nacida en 1985 (que participará en La Fattoria, versión italiana de La ferme célébrités); Romina, nacida en 1987; Yari, nacido en 1973 e Ylenia, nacida en 1970 y desaparecida en Nueva Orleans en 1994.
En 1975 interpretan Dialogo y en 1976 participan en el Festival de Eurovisión con We'll live it all again. En 1981 interpretan Sharazan y al año siguiente están en San Remo con Felicità (Felicidad), que se ubica en la segunda posición. Vuelven al Festival en 1984 con Ci sarà y en 1985 participan de nuevo en Eurovisión con Magic oh magic. En 1987 aparecen los discos Nostalgia canaglia (Nostalgia Canalla), tercero en San Remo, y Libertà (Libertad). Posteriormente sigue Cara terra mia, nuevamente tercero en San Remo en 1989. En 1991, la pareja interpreta en el Festival Oggi sposi. En 1996 Al Bano comienza una carrera en solitario y en 1999 ambos se divorcian. Posteriormente Al Bano se va a vivir, sin matrimonio, con la animadora de televisión Loredana Lecciso, con la cual tuvo dos hijos.
Configuraron uno de los dúos musicales más afamados de la música romántica.
Romina Power además ha declarado su pública admiración por su padre Tyrone Power (cuyo parecido físico es notable) y ha sido promotora de mantener la imagén de este en cada oacasión que lo amerite.Fuuente wikipedia
martes, 24 de febrero de 2009
Alberto Mastra
MASTRA, Alberto. (Nombre de familia: Alberto Mastrascusa) ("Carusito").
Músico. Guitarrista. Autor. Bohemio y poeta en cuya guitarra y en cuya voz encontraron prolongación fiel los cantores del Montevideo popular del pasado. Guitarrista zurdo que no cambió la disposición del encordado y logró así extraer de su instrumento sonoridades vedadas a los ejecutantes de academia; peregrino y pintor de miniaturas plasmó en su canto y en sus bordoneos una obra de compositor y de letrista que recogió con exquisita y sensitiva hondura las figuras y los paisajes del ayer. Así sus milongas Miriñaque, El Criollito Oriental, Maldonado, Con permiso, Así fui yo, Zanjones, en las que perduran algunas de las característi-cas de ritmo y de sabor propias de las milongas del bajo. Nació en Montevideo, el 9 de noviembre de 1909 en la vecindad de la esquina de Gaboto y Paysandú atrás del molino Mané que evoca él en su milonga, Así fui yo, y en su poema Harina Amarga.
Se inició en lo suyo, alternando con los payadores y los cantores Pepo, Juan y Pedro Medina, Aníbal Melgarejo, Narciso Mederos. Formó luego su trío que actuó en Montevideo y en Buenos Aires junto con su esposa Josefina Barroso. Grabó diez piezas de su repertorio en un disco de larga duración editado por el sello Sondor. Como figura de tango dentro de Una personalidad muy original que recuerda sin embargo, en algunas de sus facetas la frescura trovadoresca de un Villoldo y la hondura de pensamiento de un Discépolo, se ofreció en páginas como Un tango para Estercita, Aguántate Casimiro y Mi viejo el remendón, llevadas al disco las tres por Aníbal Troilo su más asiduo y representativo intérprete. Falleció el 10 de abril de 1976.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus invitados
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