Emanuel Ax

Emanuel Ax

Emanuel Ax

Emanuel Ax es conocido no sólo por su temperamento y virtuosismo poético insuperable , sino también por la excepcional amplitud de la realización de su actividad. Cada temporada de su distinguida carrera incluye presentaciones con importantes orquestas sinfónicas en todo el mundo, en los considerandos de la más célebre de salas de conciertos, una variedad de colaboraciones de música de cámara, el encargo y el desempeño de música nueva, y adiciones a su aclamada discografía de obras maestras de Sony BMG.

Nació en Lvov, Polonia, Emanuel Ax se trasladó a Winnipeg, Canadá con su familia cuando era un niño. Sus estudios en The Juilliard School fueron un gran apoyo por el patrocinio del Programa de Becas de Epstein de Boys Clubs of America, y posteriormente obtuvo el Premio Jóvenes Artistas de conciertos. Su profesor de piano fue Mieczyslaw Munz. Además, asistió a la Universidad de Columbia, donde se especializó en francés.

Sr. Ax reside en la ciudad de Nueva York con su esposa, la pianista Yoko Nozaki. Tienen dos hijos, Joseph y Sarah.

Sr. Ax acaparó la atención pública en 1974 cuando, a los 25 años, ganó el primer Concurso Internacional de Piano Arthur Rubinstein en Tel Aviv Competencia. En 1975 ganó el Premio Michaels Conciertos de Jóvenes Artistas y, cuatro años más tarde, tomó el codiciado Premio Avery Fisher. Hizo su debut con Sony Classical una colección de Chopin scherzos y mazurcas. Sr. Ax del tercer volumen de la grabación del ciclo de Haydn Piano Sonatas (núms. 29, 31, 34, 35, 49) recibió un Premio Grammy ® en febrero de 2004 - la grabación anterior en el ciclo (Sonata 47, 53, 32 , 59) también ganó un Grammy ®. Otros lanzamientos recientes incluyen dos discos de piano de dos programas (con Yefim Bronfman) de obras de Brahms y Rachmaninoff; período-instrumento o ejecuciones de obras completas de Chopin para piano y orquesta (dos discos), y el Concierto para piano de Brahms con el N º 2 Bernard Haitink y la Sinfónica de Boston.


Para la apertura de gala de la Filarmónica de Nueva York en septiembre de 2006, el Sr. Ax apareció con el Sr. Bronfman en Mozart Concierto para dos pianos realizada por Lorin Maazel. Como "El Lugar" de la artista con la Filarmónica de Los Angeles durante el 2006 - 2007 temporada, que contribuirá a una serie de programas de orquesta de cámara y se centró en obras de Mozart y Strauss. Sr. Ax realiza con su esposa, la pianista Yoko Nozaki, en un proyecto con la marca Morris Dance Company, que fue originalmente concebido para la Nueva York de 2006 del Festival Mostly Mozart. El programa se repetirá en Viena y Londres en 2007. Esta temporada de giras incluyen una serie de Mozart Concerti con Orfeo en la costa oeste de Florida y con la Sinfónica de Atlanta llevada a cabo por Robert Spano, una ciudad de diez considerando gira, dúos con el bajista Edgar Meyer y conciertos en Japón con su colega de larga data y de los Yo-Yo Ma.


En el 2005 - 2006 temporada, el Sr. Ax se desempeñó como pianista en residencia con la Filarmónica de Berlín, interpretando con la orquesta y Sir Simon Rattle en Berlín y Nueva York. Además, el Sr. Ax aparecido como solista en una gira con EE.UU. la Sinfónica Nacional y Leonard Slatkin, recitales en Londres, Viena, Nueva York y en el Carnegie Hall, y considerando un dúo con Richard Stoltzman gira.


Pone de relieve los resultados recientes han incluido considerando aparte viajes de larga data con dos colegas, el violoncelista Yo-Yo Ma y el pianista Yefim Bronfman; una gira por el Lejano Oriente con los considerandos en Guangzhou, Beijing, Seúl, Hong Kong y Taipei, y una gira de la los Estados con la Staatskapelle Dresden y Myung-Whun Chung (con actuaciones en el Carnegie Hall y el Symphony Hall de Boston). En 2004 - 05, el Sr. Ax contribuido también a un documental de la BBC en conmemoración del Holocausto que fue presentada en el 60 aniversario de la liberación de Auschwitz, y que fue galardonado con un Emmy Internacional 2005.

A lo largo de la temporada 2003-04 en el Carnegie Hall, el Sr. Ax centrado en Debussy, su música y sus influencias. Esta temporada a lo largo de "Perspectivas" serie ofrecido Sr. Ax en actuaciones con la Sinfónica de Boston bajo Bernard Haitink, con la orquesta de Juilliard en virtud de Charles Dutoit, en tres conciertos de música de cámara en Zankel Hall, y en un recital de piano solista. Estos programas ofrecido estrenos mundiales de tres comisiones de Carnegie Hall.


Siempre un comprometido defensor de los compositores contemporáneos, el Sr. Ax ha convertido su atención en los últimos años hacia la música de compositores del siglo 20o. Él dio el estreno mundial de John Adams' "Rollos del siglo" con la Orquesta de Cleveland en 1997, el estreno europeo con la Concertgebouw Orchestra en 1998, y el estreno en Nueva York con la Orquesta de Cleveland en el Carnegie Hall en 2000. Otro concierto dedicado a él, Christopher Rouse de "ver", fue estrenada en 1999 con la Filarmónica de Nueva York y recibió su debut europeo en la BBC Proms en 2001. En 2000 se unió al Sr. Ax Sinfónica de Boston para la primera Sheng brillantes actuaciones de la "Danza de seda roja", y en marzo de 2003 se unió a Yo-Yo Ma, David Zinman, y la Filarmónica de Nueva York al Sr. Sheng estreno de "Canción y Danza de lágrimas. " Ax Sr. Krzysztof Penderecki se estrenó la "Resurrección" con la Orquesta de Filadelfia en mayo de 2002, y en mayo de 2003 estrenó un concierto escrito para él por Melinda Wagner, "Extremidades del cielo", con Daniel Barenboim y la Sinfónica de Chicago.Fuente Web de Emanuel Ax

PPP

Los Mariachis

Los Mariachis

Mariachis

Los Mariachis cantando


El Mariachi, Un Gran Pedazo Del Corazón Mexicano
Los sentimientos más profundos del alma, las penas y alegrías de los Mexicanos cobran fuerza y emoción en las canciones de un mariachi. Las notas vibrantes de la trompeta o la magia de sus violines hablan lo mismo del amor a una bella mujer que de la desesperación
por la tierra lejana.

La tradición del mariachi tuvo comienzos humildes, y sus raíces están perdidas en el tiempo con poca o ninguna referencia escrita que permita dilucidarlo.
Pequeños conjuntos integrados por una guitarra, un violín, vihuela y arpa animaban fiestas familiares y reuniones, bautizos y bodas, de donde proviene su nombre "mariachi", que el mito popular atribuye a una semejanza con la palabra francesa marriage.
Esta teoría fue rebatida por algunos investigadores, quienes alegaban que el nombre tenia en realidad un origen indígena, versión que no pudo ser comprobada durante muchos años, hasta que en 1981 se encontró en el archivo de una iglesia una carta escrita por el padre Cosme Santa Ana en 1848. La carta iba dirigida al arzobispo de su diócesis y en ella denunciaba los escándalos ocasionados en su pueblo por los "mariachis".
La fecha de esta carta es anterior a la invasión francesa, lo cual desmiente la versión popular de que la palabra sea de origen francés.

La formación de los conjuntos tenia lugar ya en época del imperio austro-húngaro, y los instrumentos cambiaban en algunos grupos según la región. Por ejemplo en el Bajío y en Jalisco tocaban los mariachis, mientras en otras áreas estaban las bandas con instrumentos de percusión.
Así vinieron las bandas de Sinaloa que incluían clarinetes, una tuba, una tambora y ocasionalmente los trombones o cuernos de las bandas de músicas traídos por primera vez por el ejercito francés.
Si bien el Mariachi se asociaba con Jalisco, la tradición se extiende a los estados vecinos de Michoacán, Colima, Nayarit y Zacatecas.
En algunas ciudades importantes de la época, se formaron grandes bandas, tanto en la época porfiriana, como antes en la del imperio.
Tocaban en las plazas principales de las ciudades de Morelia, Guanajuato y Zacatecas llevando, dos o tres veces por semana, serenatas que congregaban al pueblo, como las de la plaza de armas o las del parque El Agua Azul, en Guadalajara, que alcanzaron gran popularidad, pero todas las ciudades importantes tenían sus bandas.
Entre los estilos de mariachi más famosos, se incluyen los de Cocula, Tecalitlan y La Sierra del Tigre. La primera referencia que tenemos de un grupo de Mariachi de las grandes ciudades de México, data de 1905, con el Cuarteto Coculense dirigido por Justo Villa, quien grabó los primeros discos de música Mariachi en 1906.
En 1925, el Mariachi de Concho Andrade participo en la primera transmisión radiofónica en México, y al año siguiente Cirilo Marmolejo hizo las primeras grabaciones de Mariachi con el nuevo sistema eléctrico.
A principios de este siglo, era inusual ver conjuntos de Mariachi con instrumentos de viento. La flauta, el clarinete, el saxofón soprano, el trombón, el cornetín y la trompeta no se veían con frecuencia en los grupos tradicionalmente integrados por instrumentos de cuerda.
Fue recién en los años 30 que algunos Mariachis, en la Ciudad de México, incorporaron la trompeta, que en la década de 1940 siguió cobrando fuerza hasta llegar a ser imprescindible para el Mariachi. El famoso Pedro Infante grabo en 1949 las primeras canciones con un Mariachi con dos trompetas, innovación que logro mucho éxito.
El uso de la trompeta en el Mariachi alcanzo completa aceptación en 1952, cuando el Mariachi México, de Pepe Villa, grabo una serie de discos de gran éxito que efectuó el cambio decisivo en la instrumentación de los grupos de Mariachi, que para los años 60 en su mayoría incluían ya dos trompetas.
Uno de los Mariachis más famosos de México, y del mundo entero, es el Mariachi Vargas de Tecalitlan, fundado por Silvestre Vargas con amigos y miembros de su familia, a quienes enseñó a leer música; todo un avance, porque antes de esto los músicos del Mariachi lo eran de oído o llamados líricos.
Vargas fue también quien los uniformó con traje campirano, compuesto por un calzón de manta y camisa del mismo material con un palicate al cuello.
Cuando surgieron los grandes cantantes en este siglo, como Lucha Reyes, Pedro Infante, Jorge Negrete y Lola Beltrán, entre otros, el Mariachi paso por un proceso de sofisticación que se reflejo en su indumentaria hecha ahora de paño o algodón, características de la vestimenta del hacendado. Así aparecieron los trajes actuales que recuerdan a los charros, pero llevan botonaduras y alamares, y los humildes huaraches se sustituyeron por elegantes botines.
La música de Mariachi se proyecto a nivel nacional e internacional, al ser Interpretada por los grandes cantantes de radio en estaciones como la XEW, XEB y la XEQ que le dieron amplia difusión.
En su evolución, también los músicos del Mariachi dejaron de ser los improvisados de antaño, para convertirse ahora en verdaderos estudiosos que ejecutan música clásica en tríos y orquestas con un profesionalismo impecable.
Y no hay espectáculo, donde quiera que sea, que a los mexicanos atraiga mas que un Mariachi entonando la canción: "México lindo y querido/ si muero lejos de ti/ que digan que estoy dormido/ y que me traigan aquí". Y otras igualmente emotivas y vibrantes que a los mexicanos hace soñar la tierra que los vio nacer, y al extranjero lo acerca a México aun sin conocerlo.Por NORMA AQUINO-RATHER
Fuente: Mariachi Sol de México.

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Eduardo Arolas

Orquesta Eduardo Arolas

Arriba Julio González(violín) y el "Tano" Spósito(bandoneón).
Centro: José María Rizzuti(piano), José Quevedo (bandoneón) y Julio De Caro (violín)
Abajo:Rafael Tuegols (violín),Eduardo Arolas (bandoneón) y Admiral (violoncello)
Foto año 1918 en El parque Rodo de Montevideo


Eduardo Arolas


Eduardo Arolas en 1910

Biografia I
AROLAS, Eduardo. (Nombre de familia: Lorenzo Arola). Músico. Bandoneonista. Guitarrista. Director. Compositor.
Como Evaristo Carriego y Carlos de la Púa —entre los poetas—, Gabino Ezeiza y José Betinoti —entre los payadores milongueros—, Ángel Villoldo, Carlos Gardel y Enrique Santos Discépolo —entre los hombres de tango—, su nombre, su bandoneón, sus tangos y su romántico semblante, digno de haber sido recreado acaso, por algún pequeño Tirso criollo, alumbran en la constelación mitológica del Buenos Aires popular. Musicalmente compartió con Roberto Firpo, Vicente Loduca, Celestino Ferrer y la Orquesta Típica Select, la consolidación de la estructura instrumental del tango entre 1915 y 1920, conforme lo testimonian sus grabaciones de los tangos De vuelta y media, Comme ii faut y El jaguar realizadas en 1918 para la casa Victor. Continuador de la evolución bandoneonística despuntada por Maglio, Greco, Bernstein y Spósito, fue —a su vez dentro de sus aún limitados medios— precursor de las grandes escue-las que encabezadas por Pedro Maffia, florecerían desde 1920. Su presencia de intérprete sobre los palcos de cafés y cabarets, contribuyó a perfilar definitivamente la imagen emocional del hombre del bandoneón en toda la dimensión espiritual de actitud, de aspecto y de ademán que consagraría casi treinta años después a Aníbal Troilo. Su mayor riqueza artística la volcó en su obra de compositor. Talento innato para la invención musical, fue una verdadera fuente de ideas. A la fecundidad asombrosa, unió un constitutivo instinto de la belleza. Tangos como El Marne, Viborita, Suipacha, La trilla y La cabrera están en la primera línea en cuanto de hermoso y de importante se ha ofrecido en su género.
Temperalmente afín con la corriente de compositores que, en otros estilos, nutrieron las figuras de Bardi, Posadas, Canaro, De Leone, Martínez, sus temas recogieron inequívocamente el influjo anímico y emocional del tango de la frontera ciudadana, identificado él mismo por origen y por formación, con los criollos ambientes del sur porteño. Reminiscencias de música campesina hay en Una noche de garufa, en Alice y en La guitarrita, entre otros. En algunos de sus tangos prevalecieron las ideas de contenido rítmico, como en Catamarca y en Comme il faut. En otros dominaron las concepciones más melódicas; así en Maipo, Mishiadura y No. Ciertas páginas suyas encierran, armoniosa y sólidamente encadenada, toda una sucesión temática de cambiante configuración como se advierte en La Cachila, acaso el más representativo de sus tangos. Nació en Buenos Aires —Barracas al Norte— el 24 de febrero de 1892 en la calle Vieytes 1048, según el historiador Enrique H. Puccia. Hijo de Enrique Arola y de Margarita Sauris —inmigrantes franceses— aprendió la concertina primero y la guitarra —bajo la influencia de Enrique su hermano mayor— a pura punta de intuición. Ayudado por su natural sensibilidad artística, alternó su vocación de músico—que orientó el maestro de banda Bombich— con trabajos de dibujante y de decorador. Por los cafés y las calles de su barrio natal en compañía de los también jóvenes vecinos Luis y Arturo Bernstein, Luis Catalán, Eustaquio Urruzún y Luciano Ríos, integró —como guitarrista— rondallas serenateras y pequeños conjuntos de fugaz actuación en el café de Suárez y Universidad.
Hacia 1906 se inició con el bandoneón instrumento que aprendió a tocar por su propia cuenta. Durante 1909 actuó en el almacén de Olavarría y España y en el café Una Noche de Garufa, de Montes de Oca 1681, al cual dedicó su tango Una noche de garufa, el primero que compusiera. Al año siguiente inició sus presentaciones en los cafés con camareras en La Boca, culminando en 1911 su etapa de fogueo en el café La Turca, de Necochea y Pinzón con Leopoldo Thompson (guitarra) y Eduardo Ponzio (violín). Hizo por entonces su primer viaje a Montevideo, donde le correspondió inaugurar el café Yacaré de la calle homónima, en el barrio portuario y a su re-greso en Buenos Aires, para actuar en el café T.V.O., de Montes de Oca 1786, integró un trío con Agustín Bardi (piano) y Tito Roccatagliata (violín). Con éste —alternándose con Eduardo Monelos—, con el flautista Astudillo y la guitarra de nueve cuerdas de Emilio Fernández, y ya en camino de su popularidad, durante 1912 pasó a La Buseca, de Avellaneda, y al café de Piedras y Cochabamba, en San Telmo. A principios de 1913 juntamente con Tito Roccatagliata fue requerido por Roberto Firpo, contratado éste por el Armenonville palermitano y posteriormente por el café El Estribo y el cabaret L'Abbaye. Al año siguiente, sin dejar su plaza en la de Firpo, formó la orquesta que con diferentes integraciones, lo llevaría al definitivo triunfo. Juan Carlos Cobián (piano), Tito Roccatagliata y Atilio Lombardo (violines) le acom-pañaron cuando debutó en el cabaret Montmartre, de Corrientes 1436. Y fueron Roberto Goyeneche (piano), Julio De Caro y Rafael Tuegols (violines) y Luis Bernstein(contrabajo) —luego Manuel Pizarro como bandoneón segundo— quienes le secundaron cuando en 1916 se presentó simultáneamente en el café Botafogo y en los cabarets Tabarín y Royal Pigall. Lo hizo más tarde en el café Apolo e incorporando a José María Rizzuti como pianista y a Genaro Spósito como segundo bandoneón, más José Quevedo como tercero —éste se agregó ya en Montevideo— animó los bailes del Teatro Casino (luego Artigas) de Andes y Colonia. Radicado en el Uruguay desde entonces fue sucesivamente atracción en las "pensiones", en el cabaret Moulin Rouge, en los cafés Welcome y Tupí Nambá y en las veladas danzantes del Teatro Solís durante los carnavales de 1920.
Luego de una fugaz reaparición en Buenos Aires, afectado por un profundo quebranto espiritual, se embarcó a principios de 1922 en el vapor "Lutetia" rumbo a Francia. Regresó transitoriamente, para partir luego de modo definitivo. En París impuso exitosamente su forma de ejecución y sus tangos, tocando en el Cabaret Parisién, en el Ermitage, en el Ours y en el café de la Rué des Abesses de Montmartre. Según todas las referencias, fue asesinado por un macró. Dejó de existir a las 23.30 del lunes 21 de setiembre de 1924 en el hospital Bichard, de París. Además de los tangos ya citados, compuso: Lágrimas, Nariz, Cardos, Temperley, El rey de los bordoneos, Dinamita, Place Pigall, Derecho viejo —con letra de Baldasarri—, Taba calzada, Qué querés con esa cara —con letra de Contursi padre—, El chañar, Fuegos artificiales, Bien tirao, Adiós Buenos Aires, Anatomía, El guachito, Araca, Rocca, Bataraz. La música popular lo ha evocado en los tangos Arolas y El tigre del bandoneón, de Julio De Caro; El fueye de Arolas, de Laurenz y Marcó; Se llamaba Eduardo Arolas de Cadícamo y D'Agostino. En el cine con Derecho Viejo en 1951, película dirigida por Romero en la cual fue encarnado por el actor Juan José Míguez. En el teatro con El Patio de la Morocha, de Cátulo Castillo y Aníbal Troilo, sainete lírico en el cual su presencia legendaria fue asumida por "Pichuco". Fuente y fotos Horacio Ferrer

Biografia II
Año 1891 - Llegan de la lejana Perpingnan, como tantos inmigrantes, el matrimonio formado por Enrique Arola y Margarita Saury, traían con ellos a su hijo José Enrique de 5 años.
Venían en la búsqueda de la Tierra Prometida, y escapaban de la hambruna de la vieja Europa.
Lograron alquilar una pieza en un conventillo del barrio de Barracas, situado en la calle Salta 3678.
Año 1892 - Nace otro hijo, al que le pusieron de nombre Lorenzo, fue el 25 de febrero de ese año. Eran épocas duras para los inmigrantes, dado que Buenos Aires estaba siendo poblada incesantemente y todos demandaban trabajo, donde era mucha la oferta y poca la demanda.
Sin embargo, Enrique, único sostén de la familia, trabajaba de mozo en un viejo bodegón de la zona de Barracas, con el objetivo de tener, en un futuro, su propio bodegón.
Fueron pasando los años y cuando el pequeño Lorenzo tenia ocho años, su hermano de 13 años, que tenia una vieja guitarra le enseña los primeros pasos rasgando las cuerdas y sacando un sonido rudimentario que cautivó a su hermano menor. Para ese entonces su padre había adquirido una almacén y despacho de bebidas y los hijos colaboraban con el, donde en los ratos libres el jovencito Lorenzo hacia las delicias de los clientes, dado los avances que había logrado con su guitarra.
Su padrino lo rebautizo con el nombre de Eduardo y empezó a trascender entre los parroquianos de todos los bodegones de la zona, quien querían ver a ese niño prodigio, que se perfilaba como una promesa musical..
En otro boliche de La Boca, había un bandoneonísta llamado Ricardo González, de sobrenombre "Muchila" y el jovencito se acercó con su guitarra a conocerlo. Cuando el chiquilín vio el bandoneón y los sonidos quejumbrosos que su dueño le sacaba, se produjo un flechazo entre el joven Eduardo y este instrumento.
A su vez, lejos estaba de pensar el bandoneonísta González que seria la persona que descubriría todo el talento oculto del que estaba dotado el joven, porque el lo animó a aprender lo que el podía enseñarle. Se trataba de autodidactas dado que raramente había profesores de música en el ambiente. La mayoría de los músicos de la época, eran orejeros, es decir no leían música, sino que sus oídos afinados captaban inmediatamente los matices de la música y lo demás estaba en la creación de cada individuo, donde muchos tenían cierto virtuosismo para componer.
Si bien con el tiempo el pequeño Arolas tomó lecciones de teoría y solfeo durante 3 años, con el profesor de música José Bombig, jamás aprendió a leer música.
El padre, al ver la vocación de su hijo, le compra un bandoneón usado y eso motivó que el dúo que habían formado, alumno y maestro, con González, se disolviera.
Quince años tenia Arolas cuando decide perfeccionarse en la técnica de tocar tan difícil instrumento.
Había para ese entonces otros jóvenes, eximios ejecutantes del bandoneón, que habían sido enseñados por "El Pardo Sebastián", el primer maestro del instrumento.
Por ejemplo un tal Zambrano lo formó a Juan Maglio "Pacho", Vicente Greco "Garrote" había sido el maestro de Ricardo Gonzalez "Muchila", a su vez enseñaban a otros postulantes, por ejemplo Juan Maglio llamado "Pacho" a su vez él también fue el maestro de los hermanos Pizarro, que en la década de 1920 tenían la supremacía como ejecutantes del bandoneón, en la noche parisina.
En la década de 1910, florecieron muchos bandoneonistas que se esforzaban por destacarse para disputar quien era el mejor, mas este joven talento a través de sus composiciones de un nivel rítmico de excepción, fueron el detonante para que fuera reconocido por sus colegas como el genio del bandoneón .
A partir de allí lo empezaron a llamar "El Tigre del Bandoneón", autor de este acertado mote fue Francisco Canaro, (según el querido maestro Gabriel Clausi).
Además, Eduardo Arolas había heredado de sus padres el buen gusto para vestir, siempre elegante, traje con chaleco, manos enguantadas con anillos sobre los mismos, sombrero de ultima moda y bastón, un autentico gentleman.
Comenzó su carrera en los distintos cafés de la Boca, situación que le permitió juntar ahorros y comprar un café en Barracas, al que lo llamó "Una noche de Garufa", e hizo un tango del mismo nombre que le dedicó a Prudencio Aragón (el Yony), excelente pianista, compañero de su formación orquestal.
Su estilo incomparable de tocar el fuelle, sería el arma mas importante en lograr una convocatoria permanente en todos los lugares donde actuara.
Fue suceso en el famoso café La Turca con Leopoldo Thompson, y Ernesto Ponzio, (alias el pibe Ernesto). Y comienza a grabar sus primeros discos.
Viaja a a Montevideo actuando en el flamante café Yacaré, a su retorno es invitado en el café T.V.O. a actuar, para lo que forma un terceto y convoca a otro joven brillante al piano, llamado Agustín Bardi, y como violinista a Tito Roccatagliatta.
Si bien dejó infinidad de piezas grabadas, como no las pasaba a las partituras, muchas se perdieron, lamentablemente. dado que el no leía música.
Esto que parece increíble, era la realidad: privilegiaba la ejecución mas no la escritura musical. Año 1912 - Su conjunto se había impuesto entre el publico porteño, los cafés se lo disputaban, el café La Buseca, L'Abaye, entre otros...
Año 1914 - Llegó la hora de sorprender a los asiduos concurrentes del templo tanguero, el Armenonville, clientes de una elite permanente gente distinguida, allí lo hizo con el violinista Tito Roccatagliatta y con Roberto Firpo al piano.
Ya tenia luz propia, la gente de la sociedad que aceptaba el tango le había dado el visto bueno.
Año 1916 - Es contratado por el Cabaret Montmartre, y también en otros cafés como el Botafogo y el Royal Pigalle. Graba ese mismo año un solo de bandoneón para el sello Odeón.
Año 1917 - Se presenta en el Café Apolo con un rotundo éxito, dado que como músicos invitados el convocaba a los mas destacados interpretes de instrumentos como piano, contrabajo, violín, entre ellos podemos recordar a Juan Carlos Cobian, Rafael Tuegols, Julio De Caro Luis Ricardi, Luis Bernstein.
Pero la felicidad completa no existe. A pesar de que era muy requerido en amores por hermosas mujeres, se enamora perdidamente de una de ellas y, pasado un tiempo, ella lo abandona y lo sumerge en una gran depresión que lo encamina al alcohol como para ahogar esa pena.
Lamentablemente debemos decir que este vicio lo atrapa de tal forma, que lo convierte en un alcohólico empedernido.
Año 1920 - Viaja nuevamente al Uruguay y anima los carnavales del Teatro Solis de ese año en la vecina orilla, y además los cabarets y la noche de Montevideo le hacen olvidar sus penas de amor.
Cuando regresa a Buenos Aires, conoce a Alice, se enamora de la bella joven y la invita a viajar a Europa con él. Como prueba de amor le dedica un tango milonga con el nombre de la misma, "Alice".
Año 1921 - Retorna al país y viaja inmediatamente al Uruguay, como queriendo huir de la noche porteña, donde sufrió el desencanto pasado que se asemejaba a una espina clavada en el corazón, no podía olvidar la traición, causado por una mujer.
Se tejieron distintas historias de este drama pasional, donde algunos comentaron que el hermano no era ajeno al mismo, y eso agravaría su dolor, dado el cariño que el sentía por su hermano mayor. Con su actitud provocó una gran defraudación sentimental.
Año 1922 - Destruido espiritualmente, inconsolable a pesar de toda su gloria como músico, se embarca a Europa en el vapor Lutetia, sin pensar que jamás retornaría vivo a Buenos Aires.
Su destino era inevitablemente la noche parisina, donde arribò con toda su gloria.
Fue muy grande el reconocimiento hacia ese hijo de franceses, similar a lo que en años posteriores (1928), recibiría un nacido en Tolouse - Francia como figura relevante de la canción en el Rio de la Plata, nos referimos a Carlos Gardel. No obstante su deterioro físico, causado por la bebida, cada actuación suya en lugares prestigiosos como el Cabaret Parisien o el Hermitage provocaban un lleno total donde el publico le brindaba todo su cariño y reconocimiento.
Era una figura distinguida, de buena posición económica, pero víctima de un vicio incurable, como el alcoholismo, que minó su organismo.
El 13 de septiembre de 1924, y sufriendo una comprometida enfermedad en sus pulmones, fue internado en el hospital Bichat de Paris.
El día 29 de ese mes su corazón dijo basta. El tango perdía uno de sus máximos exponentes, tenia apenas 32 años.
Ciento veinte temas de extraordinaria belleza musical fueron su legado, entre los que se destacan, Derecho Viejo, El Marne, Comme il fault, La guitarrita, Catamarca, La cachila, Lagrimas, Fuegos Artificiales, y una joya desconocida por muchos titulado Volcán.
Las opiniones de periodistas y colegas son el mejor argumento para sostener que Arolas fue por lejos el mejor bandoneonista de todos los tiempos.
¿Que lo hacia distinto a los demás...? le preguntaron en cierta oportunidad a Maffia; "...la ejecución de Arolas era brillante, enérgica... tocaba el tango muy sencillo, sin variaciones, muy matizado y colorido".
Dijo Julio De Caro, "fue un ejecutante magistral, el creador del rezongo y el fraseo, componía bien con una lozanía y una vigencia que han perdurado con los años. Sus tangos son como las óperas: se mantienen a través de los años. Fue el inventor de los ligados y los rezongos en la ejecución.
El maestro Gabriel Chula Clausi me comentó en oportunidad de hacerle una nota, a propósito de las virtudes de Arolas, que fue superior a todos, de estilo muy tanguero, muy milonguero, dominaba el instrumento como no lo hacía nadie. Los fraseos octavados son invento de él... le dio al tango la transformación del 2x4 al 4x8, fue su reflexión...
No debemos olvidar que en la década que Arolas comenzó su carrera musical tuvo que competir con personajes de la talla de Arturo Bernstein, Augusto P. Berto, Juan Maglio (Pacho), bandoneonistas; o Roberto Firpo, José Martínez, Agustín Bardi, Prudencio Aragón, Arturo De Bassi (pianistas), Francisco Canaro (violinista), que también fueron autores de composiciones notables.
Todos ellos terminaron reconociendo que la obra musical de Arolas era muy superior a lo que ellos hicieron.
Además, es notable la coincidencia de opinión de los músicos de todas las épocas que interpretan tango, con respecto a la personalidad de Eduardo Arolas, a tal punto que la comparan, junto a Carlos Gardel, como las máximas figuras que dieron fundamento a aseverar que ningún país puede exhibir una identidad musical mas relevante que lo que originó el Tango. A pesar de los años transcurridos, cuando se habla de Tango es hablar del suceso cultural mas significativo que produjo el Río de la Plata, concretamente es pensar en Buenos Aires como la cantera que dio origen a esta música incomparable.
Fuente: Oscar Mármol - Historiador -29 de septiembre de 2007 -Extraído de Tango y Cultura Popular (Esta biografía acompaña los temas de Eduardo Arolas, que nos hizo llegar el colaborador anónimo)

Orquesta Eduardo Arolas - Seleccion de 36 temas

Genero: Tango, orquestas de tango, la vieja guardia
Grabaciones realizadas entre 1913 y 1917 en los sellos RCA Victor, Odeon, Sonora, Premier, Arena y Polydor.
Volumen 01 y 02:MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 154 Mb/Total time: 101:57
Gentileza de Oscar (Eduardo Arolas)

En los archivos y los tags, podran encontrar los datos de el año de grabacion, autores y genero.
Semblanza de Eduardo Arolas
Tracks
Volumen 01
01-25 de Mayo-(T)Eduardo Arolas
02-A San Martin-(E)Eduardo Arolas
03-Adios Buenos-(T)Eduardo Arolas
04-Amor y primavera-(V)Emil Waltufeld
05-Blanca Nieves-(V)Lorenzo Laviassier
06-Comme il faut-(T)Eduardo Arolas
07-Curda completa-(T)Roberto Firpo
08-De vuelta y media-(T)Francisco Arana
09-Dejalo que se vaya-(T)Eduardo Arolas
10-El 14 de Suipacha-(T)Eduardo Arolas
11-El Aeroplano canta Pancho Cuevas-(V)Pedro Data
12-El chañar-(T)Eduardo Arolas
13-El entrerriano-(T)-Rosendo Mendizabal
14-El gaucho Nestro(T)-Eduardo Arolas
15-El jagual-(T)Atilio Lombardo
16-En la tierra de la armonia-(V)Snyder
17-Germanaine-(T)A. Lopez Buchardo
18-Indiecita-(T)Roberto Firpo

Volumen 02
01-La cabrera-(T) Eduardo Arolas
02-La Cordobesita-(P)Eduardo Arolas
03-La Duquesa del Baltavarin-(V)Atilio Lombardo
04-La guitarrita-(T)Eduardo Arolas
06-La payanca-canta Pancho Cueva-(T)Augusto P.Berto
06-La regina del fonografo-(V)-Atilio Lombardo
07-Lagrimas y sonrisas-(V)-Pascual de Gullo
08-Lagrimas-(T)Eduardo Arolas
09-Las siete palabras-(T)Ambrosio Radrizzani
10-La viruta-(T)Vicente Greco
11-Marron Glace-(T)Eduardo Arolas
12-Moñito-(T)Eduardo Arolas
13-Pabellon de las rosas-(V)Pedro Data
14-Rawson-(T)Eduardo Arolas
15-Rey de los bordoneos-(T)Eduardo Arolas
16-Taquito-(T)Eduardo Arolas
17-Una noche de garufa-(T)Eduardo Arolas
18-Yo lo sabia-(T)Eduardo Arolas
Los temas Marron Glace y Moñito son los mismos, pero con diferente duracion, desconozco si se tratan de dos versiones distintas.
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Cuarteto Imperial

Cuarteto Imperial en Caracas

Maximiliano Toro

Luis Muñoz Garcia

Heli Toro Alvares

Alfredo Cano

La historia del Cuarteto Imperial, responde totalmente a hechos reales, recopilados a través de toda una vida llena de música y canciones, que el “Cuarteto Imperial” a través de tantos años ha venido difundiendo por diferentes países del mundo, hechos estos y circunstancias, que han nacido por la necesidad de transmitir alegría a este mundo, lleno de seres humanos, de pasiones, inquietudes, egoísmo, ilusiones, esperanzas, desazones y otras cualidades buenas o malas que la música hace transformar y que con mayor razón si se trata de una música alegre y divertida como la cumbia, uno de los aires más representativos del folclor Colombiano.
El cuarteto imperial ha recibido mucho apoyo y cariño del publico que presencia nuestras actuaciones, muy especialmente el publico argentino, que no solo gusta de escuchar nuestra música, si no que también se interesa por los detalles y por menores que rodean la vida y el origen del grupo.

Este conjunto de origen colombiano que salio de Colombia buscando nuevos horizontes a la republica argentina un 13 de junio del año 1964 del siglo pasado y basto con grabar su primer lp para convertirse en los reyes de la cumbia y ser el grupo colombiano que mas discos a grabado en el exterior, haciéndose acreedores a muchos discos de oro y platino por sus ventas millonarias, que en la sola republica argentina supero los 30 millones de discos vendidos.
Han recibido innumerables trofeos, no solo en argentina, si no en paraguay, Uruguay, estados unidos y su patria colombiana. También visitaron Australia donde fue el primer grupo de música tropical que les editaron 2 discos de larga duración.

El cuarteto imperial dentro de su gama musical, han infundido notablemente la cumbia con la que se han identificado por que la cumbia el alegría, y es música que embellece la especie humana.
Acabamos de cumplir 40 años de éxitos del cuarteto imperial y gracias a dios seguimos vigentes, pues nuestro éxito “la cumbia del monstruo” lo ratifica. Gracias mil gracias a todo el publico que asiste a nuestras presentaciones y nos brindan sus aplausos y simpatía. También a los diferentes medios de comunicación que difunden nuestras grabaciones.

Aunque todos los hombres no tienen la vocación de ser músicos, cantantes, poetas, pintores, etc. por no tener la actitud o disposición para estos oficios; sin embargo tendran muchos de ellos en diferentes ocaciones de la vida civil, acreditar con el imperio de la palabra su merito.
El cuarteto imperial tuvo la suerte de acreditar su nombre, con el imperio de la cumbia. Director y creador del cuarteto imperial.
HELI TORO ALVAREZ Nacido en Manzanares Caldas Colombia. Fuente web del Cuarteto Imperial

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Alberto Mancioni

Alberto Mancione

MANCIONE, Alberto. (Nombre de familia: Genaro Tortora). Músico. Bandoneonista. Director. Compositor.( 8 de octubre de 1915 - 4 de Julio de 1998.
Ejecutante de la Generación del 40, realizó casi toda su trayectoria como conductor de su propia agrupación orquestal al frente de la cual actuó en los veinticinco años más recientes. Cultor de un estilo de interpretación vinculado a las modalidades evolucionistas asociadas al advenimiento de Troilo, incluyó en su siempre cuidado repertorio algunas páginas de la avanzada del cincuenta, distinguiéndose en este sentido su versión del tango de Antonio Várela, Nusotti, Astorpia. Inició su actuación profesional en la década del treinta como miem-bro de la orquesta de Roberto Firpo. Tocó más tarde su bandoneón en el conjunto de Bernardo Álvarez integrando por último la agrupación Los Dados Blancos. El 25 de abril de 1942 presentó su propia alineación, con la que actuó desde entonces en forma independiente en bailes, locales nocturnos, Radio El Mundo y discos Víctor a cuyo elenco ingresó en 1952 con Tinta roja y Ventarrón, su primera placa. Cuatro años después realizó una exitosa incursión artística por Chile. Han integrado su formación los vocalistas Héctor Alvarado, Luis Correa y el pianista Osvaldo Requena. Es compositor del tango Pobrezas, con letra de Eugenio Majul, y del orquestal Moderno.
Horacio Ferrer 

Enrique Mora

Enrique Mora

Enrique Mora, (8 de febrero de 1915-14 de Julio de 2003)
Pianista, director, compositor y arreglador.
Contaba con once años cuando comenzó sus estudios con los maestros Antonielli y Romaniello.
En 1916 ingresó al Conservatorio Santa Cecilia, graduándose como profesor de piano en 1921.
Su labor como músico profesional comenzó cuando tenía 18 años y a partir de ese momento toca el piano en la orquesta de Antonio Bonavena.
Compuso su primer tango en el año 1928 al que tituló “Viejo Barrio”. Tiempo más tarde formó un trío con Eduardo Pereyra y Alcides Palavecino, actuando en un café del barrio de Flores.
Para 1929 vuelve a la orquesta de Bonavena realizando actuaciones por la desaparecida Radio Prieto, participando además para ese año de las orquestas de Vicente Fiorentino y en la Típica Columbia, orquesta que dirigía Alberto Castellano.
Junto al violinista Roberto Zerrillo y al pianista Oreste Cuffaro, acompañaron durante 1930 a la cancionista Azucena Maizani.
En 1935 formó su primer cuarteto actuando en un programa de radio que se titulaba “Las Matinés de Juan Manuel”. Formó una orquesta por escaso tiempo, y sus actuaciones en su mayoria fueron a nivel de Cuarteto.
Comenzó a grabar en 1950 y durante los años de su trayectoria como director, pasaron por su conjunto destacados músicos.
Los bandoneonístas, Daniel Lomuto, Osvaldo Ruggiero, Alfredo Vicente Calabró, Héctor Silva, Antonio “Bebe” Nevoso y Luciano Leocata, entre otros más.
También contó con la presencia de muy buenos cantores y cancionistas entre los que podemos nombrar a: Pedro De Luca, Roberto Taibo, Elsa Moreno, Diana Duran, Carlos Reyes, Elena Maida, Hugo Roca, Eduardo Marquez, Alberto Tagle y Roberto Videla.
Fuente. Gentileza de Héctor Palazzo –Conductor y musicalizador de “Historias de Tango” en la radio “FM Oeste-106.9 MHz”. www.fmoeste.com.ar

Ruben Juarez

Ruben Juarez

Ruben Juarez en La Falda, Cordoba-2006

Nació el 5 de Noviembre de 1947 en Ballesteros (provincia de Córdoba). No habían transcurrido dos años de vida cuando su familia se traslada a Avellaneda, instalándose en el barrio de Sarandi. A los seis años comienza a estudiar el bandoneón con el maestro Domingo Fava. Simultáneamente comienza a aflorar su vocación por el canto, pero por consejo de su maestro de bandoneón, en su casa le prohíben cantar, para no distraer los estudios del instrumento, en los que revelaba importantes avances. No obstante – según cuenta el mismo Rubén - hacia trampas y cuando se daba la ocasión... cantaba. Estudia también guitarra y en función de ella y de su canto a los 16 años integra un conjunto juvenil de rock, formado por muchachos de su barrio, al que bautizan “The Black Coats”. Participan en fiestas y en los clásicos “asaltos” de entonces. Permanece en el conjunto mencionado, cerca de 2 años, hasta que lo vienen a buscar para integrar el conjunto rockero “Los Tammys”, donde estaba como cantor Jhony Allon. El conjunto se rehace y adopta el nombre “Los Telestars”. Rubén Juárez actuaba con el seudónimo Jimmy Williams cuando debutan en Radio El Mundo presentados por Maria Moreno y Silvio Soldan. Esta experiencia dura cerca de 2 años.
Pero la historia del bandoneonísta y cantor de tangos corría por otros carriles. Sus progresos en la ejecución del bandoneón (estudios mediante), le permiten debutar de pantalón corto, en 1956, en la Orquesta Típica del Club Atlético Independiente, como ejecutante de ese instrumento, donde actúa durante tres temporadas. Sin dejar de cantar, pero si de estudiar en la Escuela Industrial donde solo permaneció 1 año (1960), recorre peñas, clubes de barrio, reuniones y se le anima a algún concurso, ya con el gustito del Tango en los labios. En uno de esos intentos participo y resulto triunfador en un Concurso de Cantores que organizo la Cantina “La Huella del Tango”, de Moscóni y Nazca, lo que le permitió trabajar allí 2 meses como cantor profesional. En esa época alternaba el trabajo con el tango, cuando conoció a Héctor Arbello, guitarrista de su barrio (ex guitarra de Julio Sosa), con quien comienza a viajar al interior del país los fines de semana. Según cuenta Rubén, se largaban con la plata justa para el hotel, a ver si “pescaban algo”. Lo cierto es que con una guitarra, un bandoneón y su voz, se tenían mucha fe y según cuenta, siempre traían “algunos mangos” para reforzar el presupuesto familiar. Rubén no ha dejado de reconocer cuanto aprendió en esas salidas y del propio Arbello: “el me enseño a matizar”, ha dicho. Algunos años antes (1964) se había producido la trágica desaparición de Julio Sosa. Esa circunstancia habría de tener una significación decisiva en la actividad artística de Rubén, a raíz de una expresión de su madre (que relatamos en texto aparte) que fue fundamental para la elección de su camino definitivo y para definir su vocación. Las “salidas” al interior con Arbello no se interrumpían y en uno de esos fines de semana “recalaron” en Teodolina (provincia de Santa Fe), donde se cumplió un palpito del guitarrista y conocieron al “personaje” que esperaban: Horacio Quintana, quien escucho cantar a Rubén en una peña que el organizaba (“Los 20”). Fue el acontecimiento que posibilitó la proyección de R. J a otros planos y escenarios más trascendentes.
Corría el año 1969. Comenzaba otra historia... Horacio Quintana fue la llave que le abrió a Rubén Juárez las puertas de “Caño 14” y del sello grabador “Odeón”, donde registro su primera versión grabada: “Para vos Canilla”. Rubén recuerda y consigna la fecha de aparición del disco simple, porque coincida con el cumpleaños de su madre (4/07/69). Pronto se convierte en su primer éxito, doblemente importante por tratarse de un tema nuevo, lo que significaba vencer prejuicios, temores, rutinas, etc., con relación al nuevo repertorio, al que R. J se vuelca de entrada con convicción. Su actuación en “Caño 14” constituye otro espaldarazo, conmueve al ambiente tanguero, que parecía estar esperando una figura joven y nueva, con su fuerza, calidad y espíritu renovador. Dieciocho meses de actuación consecutiva lo corroboran. Cuando lo escucho Aníbal Troilo “Pichuco”,, le pidió ser su padrino y Rubén lo recibió y acepto como el maestro e ídolo que era. En la intimidad “Pichuco” llego a decirle que lo sentía como al hijo que no tenia.
Pronto llega la T. V (“Pipo” Mancera por Canal 13), los viajes por el país y el exterior. Asi visita Venezuela, Colombia, Uruguay... Aparece su primer LP con acompañamiento orquestal de Carlos García. A partir de estos acontecimientos, seguir minuciosamente su ininterrumpida actividad se convierte en tarea abrumadora, casi imposible de reflejar en detalle. Siguiendo a vuelo de pájaro su actividad mas trascendente, podemos ir mencionando acontecimientos, hitos, etapas, que se unen unos a otros hechos, integrando todos ellos una trayectoria innegablemente relevante.
En su labor discográfica, luego de su 2° L.P: “Nuevos Tangos” (aquí aparece Raúl Garello en dirección y arreglos), sigue con “Viejos Tangos” y así ininterrumpidamente al ritmo de uno por año hasta pasar la docena... En materia de viajes, recorre casi todo el país, debiendo destacarse sus éxitos en la Costa Atlántica (fundamentalmente Mar del Plata y Villa Gesell) y su presencia como cantor por primera vez en Ballesteros (su pueblo natal), en 1974. Vuelve a Colombia, va a México donde permanece 9 meses, toca otra vez en Venezuela... Mientras tanto, en 1973, la “Asociación de Comentaristas de Tango” lo consagra como “el mejor interprete y artista del año”, galardón que le otorga la Revista “GENTE” en 1975. y entre viaje y viaje, las presentaciones ineludibles en el “Caño 14”, Perú, una vez más Venezuela, Estados Unidos, (Washington, Los Ángeles, Nueva York), otra vez Colombia... En el ´75 ocupa el escenario del Teatro Solís de Montevideo, recorre la Argentina, vuelve a Uruguay, y Venezuela, visita Chile.
Entre tantos, siguen ocurriendo cosas gratas: en 1977 es premiado por la Universidad de Buenos Aires y recibe otro premio en Rosario y en 1978, además de ganar el primer Disco de Oro, es presentado en la Televisión Española, en el Programa “300 millones” que le posibilita ser conocido en muchos países de Europa. Es así como en 1981 llega a Paris y actúa en “Trottoirs de Buenos Aires”, volviendo a Estados Unidos y a Chile. Siempre, las “recaladas” en el “Caño...” y otros locales, lo mantienen en contacto con el publico argentino. Para ello también realizo diferentes espectáculos que protagoniza en “Cafes Concerts” y salas teatrales: “Mi bandoneon y yo”, teatro con Eduardo Rudy; “Cosas de Negros” y “Cantame la Justa”, con Raúl Lavie; en el teatro Bambalinas: “Cantata en Negro y Plata” y “Zorzales de exportación”, con Chico Novarro; carteleras compartidas con el “polaco” Goyeneche; “Mas Tango que nunca” en el Presidente Alvear; “Canto compartido”, con Cesar Isella y Cantoral en la provincia de Córdoba; los teatros Cervantes, Astral, Margarita Xirgu, Estrellas; los locales de la “noche porteña”... Por allí, entreverados, el Premio Prensario y el de la Fundación Konex y el 2° Premio en el Festival de la O.T.I con un tango: “Soy un circo”. Y la incursión en el cine con la co-producción latinoamericana “Tango Bar” en uno de los papeles protagónicos, junto a Valeria Lynch y Raúl Julia.
De la TV local, un exiguo saldo que no ha contemplado su repercusión popular ni su importancia como exponente del canto nacional. En “Grandes Valores del Tango” se presento tan solo cinco veces en su carrera y del resto solo hay que lamentarse por lo poco que han sabido aprovechar a un artista de sus condiciones (es necesario aclarar que en este aspecto Rubén Juárez no es la excepción) En 1991 realizo giras por España, donde ya había actuado anteriormente en Granada, Madrid y Galicia. También se ha presentado durante esta época en “Café Homero”, ese baluarte tanguero de Palermo Viejo, que hoy le pertenece.
Desde la década del ’90 hasta la actualidad, ha realizado numerosas giras por Europa y América con giras programadas hasta el 2006. En Europa ha heredado el circuito musical de Astor Piazzola en Suecia, Finlandia, Alemania, Inglaterra y Suiza, etc.
Ha sido artista invitado de Charly García en un Festival de Música en Nantes (Francia). Participo en la Cumbre del Tango en Granada (España) reiteradas veces. Compartió escenario con Fito Paez, Juan Carlos Baglietto, Raúl Lavie, Chico Novarro, Jose Angel Trelles, Maria Graña, Mercedes Sosa, Diango, Joan Manuel Serrat, el “Polaco” Goyeneche, Luis Salinas, Maximiliano Guerra, Julio Boca y Eleonora Cassano, Charly García, Valeria Lynch, entre miles de artistas reconocidos a nivel Internacional.
Participó como artista invitado en la grabación del ultimo trabajo de su amigo Joan Manuel Serra (el “Nano”) “Sombras de la China” y canto junto a Serrat en su gira “El gusto es nuestro” junto a Ana Belén, etc, en Teatro Luna Park de Buenos Aires, y en el Chateau Carreras de Córdoba
En Portugal participa en espectáculos junto a Carlos Do Carmo (el Gardel de Portugal), en España está por realizar un especial para el mundo junto a Francisco Morente.
Ha realizado presentaciones en Marruecos, y para el año 2005 tiene programado viajar por primera vez a Japón, donde es muy reconocido por sus composiciones.
Este año ha sido nominado como “Mejor Artista de Tango” en los premios Gardel por su ultimo CD “El Álbum Blanco de Rubén Juárez” y está muy próximo a llevarse un disco de oro.
Será uno de los 4 artistas invitados en la realización de un especial cinematográfico homenajeando a Aníbal Troilo “Pichuco” que se esta realizando hoy (2004) en Argentina.
En Marzo de 2004 cerro el Festival de Tango en Buenos Aires junto a Luis Salinas, ocasión en la que se cerro la Avenida Corrientes. Está próximo a realizar una gira por E.E.U.U, también esta por presentarse en el Teatro Municipal de Sao Paulo (Brasil).
Ha presentado su reciente producción teatral “El Tango en Broadway (Homenaje)”, que obtuvo en Temporada de Verano en Villa Carlos Paz (Córdoba) 9 premios. Esta producción ha viajado por el país, y sigue en Gira con un elenco destacado de artistas y bailarines. Próximamente ha de presentarse en el Teatro Bambalinas (Buenos Aires).
Luego viajara a Zurcí, Bruselas, España. En Julio se presentará en un teatro de la Calle Corrientes para festejar sus 35 años con el tango, para luego continuar su gira por el exterior...

En el 2005 luego de la temporada en Villa Carlos Paz( donde, como productor, convocó a figuras como Rubén Rada ,Argentino Luna, Los Caravajal calamaro,etc) viajo a España para presentarse en: Sagonto, Almeria, Marbella, Granada, Madrid y Sevilla donde hizo el cierre de la cumbre mundial del tango junto al cantaor flamenco Enrique Morente, donde fueron ovacionados por el públiso ( ver página www.rubenjuarez.net ) de alli su gira siguió por Italia : Roma, Milán, Torino ,Venecia.(.donde regresará en 2006 acompañado por el sexteto de Cristian Zarate luego de Japón); terminó su gira europea en Portugal.. De regreso en Argentina se presenta en el teatro Ateneo de Buenos Aires iniciando asi la gira Nacional , pasando tambien por Chile ,Uruguay, Brasil. El 1 de julio en el Salón Blanco de la Casa de Gobierno se lo declarará ciudadano ilustre de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, por su trayectoria nacional e internacional en el campo de la música popular. En agosto se internará en el estudio de grabación para sacar dos c.d.que se presentarán a fin de año. En noviembre y como lo hace año por medio desde el 1997, realizará su gira por Escandinavia acompañado por el pianista Daniel Turano, y el guitarrista Juanjo Dominguez. Para el 2006 ya tiene tambien programado Israel, Italia, España, Japón, y una pelicula junto a Enrique Morente que se filmará en España. Este año tambien se presenta su d.v.d : Juarez Intimo .
El 12 de setiembre en el teatro Metropolitan recibira el premio konex, al mejor cantante de tango de los ultimos 10 años(INFO ACTUALIZADA - OCTUBRE DE 2005)
Fuente web de Ruben Juarez www.rubenjuarez.net

Glenn Miller

Glenn Miller


Glenn Miller

Alton Glenn Miller (Clarinda, Iowa, Estados Unidos 1 de marzo, 1904 – 15 de diciembre, 1944) fue un músico de jazz americano de la era del Swing. Uno de sus Temas más conocidos, y probablemente la más conocida del género, fue In the Mood que en ocasiones se ha traducido por "En Forma" o "De buen humor".

Fue el segundo hijo del matrimonio de Elmer Miller y Mattie Lou Cavender. Se inicia en la música cuando su padre Elmer le regaló una mandolina que luego cambió por un Corno que fue el primer instrumento de viento que tocó. En esos tiempos, la familia Miller vivía en Tryon, Nebraska. Pasó su infancia en Nebraska y Oklahoma hasta que su familia se instaló definitivamente en Colorado, donde con doce años abandona el corno y empieza a estudiar la técnica del trombón y a tocarlo en la banda de su colegio. Siendo aún estudiante universitario, Glenn realizaba audiciones y tocando siempre que se le presentaba la oportunidad. Al descuidar sus estudios y reprobar en tres de sus seis cursos, decidió abandonar la universidad dedicándose por completo a la música. Se convierte en trombonista profesional y se une a la banda del entonces célebre baterista, Ben Pollack, en una gira por California. En esa banda el clarinetista era el mas tarde proclamado "rey del swing", Benny Goodman.

En 1928, la orquesta llega a New York y Miller decide dejarla para tocar por su cuenta en clubes, programas de radio y espectáculos musicales, hasta bien entrado el año 1932. En 1935, Ray Noble, director británico de orquesta le encarga organizar una banda de swing. Durante dos años alterna la dirección de la orquesta y las actuaciones en pequeños locales, hasta que en 1938 decide formar su propia "Gran Banda" tras varios intentos frustrados. Su primer gran éxito fue "Moonlight Serenade" y un contrato en el Casino de Glen Island en New Rochelle, en New York, le abre las puertas a una carrera triunfal que se mantendrá hasta el final de su carrera. Al mismo tiempo que la orquesta triunfa en las salas de bailes, la banda adquiere una popularidad tremenda en los Estados Unidos de Norteamérica debido a la emisión de sus actuaciones por un programa radiofónico que transmitida de costa a costa en los Estados Unidos, y que fue patrocinado por la marca de cigarrillos "Chesterfield".

Formó una segunda banda en 1937, que consiguió rápidamente el favor del público, que llenaba sus conciertos, lo que dio lugar a una serie de grabaciones para las disqueras transnacionales RCA Víctor y His Master's Voice. Desde junio de 1938, Miller dominó los primeros puestos de varias listas de música popular, y se mantuvo así más de una año. A principios de 1940, "In the Mood" estuvo quince semanas consecutivas de número uno, y siguió "Tuxedo Junction" que mantuvo a Miller en el número 1 hasta el verano. El 11 de febrero de 1941 se le otorgó a Miller el primer disco de oro por "Chattanooga Choo Choo".

Otros títulos conocidos son "A String of Pearls", "Moonlight Serenade" y "Pensilvania 6-5000" (que era y sigue siendo el número de teléfono del Hotel Pensilvania en Manhattan). La "Serenata a la luz de la Luna" (Moonlight Serenade) es una de las canciones más reproducidas de toda la historia en EEUU, y actualmente está considerada como el tema representativo de Miller, y como una de las canciones más importantes de la historia musical de EEUU.

En 1942, durante la Segunda Guerra Mundial, Miller se alistó en las fuerzas aéreas donde recibió el rango de capitán y donde se encargó de tocar para las tropas estadounidenses desplazadas a Europa.

Tras la liberación de París, a Miller se le ordenó realizar una gira de seis semanas allí y en otras ciudades europeas, ya en poder de los aliados. Miller, recién ascendido a Mayor, pasó la noche anterior, discutiendo con un amigo sus planes de formar una banda en la postguerra y luego retirarse a una hacienda que había comprado en California.

Al día siguiente, 15 de diciembre de 1944, partió en un avión monomotor desde el aeródromo de Twinwood, 50 millas al norte de Londres. Se dirigía a París, para iniciar su gira artística. El piloto de la aeronave también se dirigía a la ciudad, en la que estaba a punto de ser sometido a una corte marcial por acusaciones de traficar en el mercado negro. Los informes indican que había un tercer compañero con ellos en este vuelo.

Como nunca se encontraron los cadáveres de Miller y sus acompañantes, hubo una serie de leyendas que le suponían vivo. En 1985, el investigador Clive Ward descubrió un Noorduyn Norseman, similar al avión en que viajó Miller, en las afueras de la costa norte de Francia pero no pudo verificarse la existencia de restos humanos en su interior.

Uno de los rumores más persistentes es el de que murió en un burdel alemán, apuñalado por una prostituta, aunque esta historia, que se supone desclasificada como muchos otros secretos de guerra, nunca se ha podido confirmar. La teoría más probable es que el avión fue accidentalmente derribado por bombarderos RAF sobre el Canal de la Mancha (entre Francia y Reino Unido), después de una operación abortada de bombardeo contra Alemania donde se arrojaron al mar las bombas destinadas a fin de aligerar carga: el piloto de la fuerza aérea británica Frad Shaw anotó en su bitácora que observó que un pequeño avión monomotor se precipitaba en espiral y sin control hacia el mar.

A pesar de la desaparición del músico, la banda continuó sus actividades bajo la dirección de Jerry Gray hasta el 13 de noviembre de 1945, cuando hizo su última presentación ante el Presidente Harry Truman, en Washington. El mayor Glenn Miller fue el único miembro de la banda que no sobrevivió a la guerra.

En abril de 1992, a petición de su hija, se le puso una lápida en el Cementerio nacional de Arlington lugar que se destina a los caídos en las guerras y ex-presidentes de Estados Unidos de Norteamérica. Fuente Wikipedia