Lolita Flores

Lolita junto a Rosario en 2006


Lolita Flores junto a su padre en los 70'

Lolita Flores o Lolita es el nombre artístico de Dolores González Flores (Madrid, 6 de mayo de 1958) cantante y actriz española.

Es hija de Lola Flores y de Antonio González, hermana de Antonio Flores y Rosario Flores. Estuvo casada con Guillermo Furiase y tuvieron dos hijos Elena y Guillermo. Actualmente mantiene una relación sentimental con Pablo Durán.

Su primer éxito musical fue Amor, amor. También son suyos los discos Lola, Lolita, Lola y Atrasar el reloj. Entre sus temas más conocidos destacan Amor, amor, Sarandonga, Mía y Si la vida son dos días, entre otros.

En 2002 ganó el Goya a la mejor actriz revelación por su interpretación en Rencor de Miguel Albaladejo. Lolita debutó en el teatro con la obra Ana en el trópico que se representó durante 2005 y 2006 por toda España con gran éxito de crítica y público.

Además de su carrera como cantante y actriz, también ha mostrado su faceta de presentadora de televisión. Debutó en esas labores junto a su madre en el espacio de variedades Sabor a Lolas, emitido en Antena 3 entre 1992 y 1993, y donde madre e hija se iniciaron en el género periodístico de la entrevista. Después vendría Ay Lola, Lolita, Lola (1995), un programa similar en TVE, Con otro aire (1996) en Canal Sur y Grandiosas (2002) en Antena 3, con Rosa Villacastín y Belinda Washington. Posteriormente, tras presentar la Gala de Nochevieja 2008-2009 en TVE, participó en el concurso La batalla de los coros, de Cuatro.Fuente Fotos web Lolita Flores Fuente texto wikipedia

Gustavo Gancedo

Gustavo Gancedo

Gustavo Gancedo septeto

Gustavo Gancedo septeto

Nacido en Córdoba, Argentina, en 1968.
Alli realizó estudios de guitarra, armonía y composición, en Collegium, Escuela de Artes de la UNC, y con el Profesor Juan C. Ciallella

Ha trabajado en diferentes agrupaciones, y acompañado, entre otros,
al DUO SALTEÑO, con quien grabó en su último album : Vamos cambiando, en 1991.

En 1991 se radica en Paris, donde continua sus estudios en el Conservatrio de Gennevilliers, y con el compositor PEDRO PALACIOS.

En Francia ha trabajado con numerosos grupos y artistas argentinos,
en el Tango y el Folklore :

Con el guitarrista RICARDO MOYANO, en concierto, y en el CD Anthologie de la guitare sud-americaine, en el que grabó un tema de su propia autoria.
Con el grupo TIERRA DEL FUEGO, en concierto, y en el CD Viejo, solo y borracho.
Con el quenista UÑA RAMOS, en concierto en Francia, Alemania y Austria.
Con la cantante AMELITA BALTAR, en el espectáculo Hommage a Astor Piazzolla, en el Auditorium des Halles, Paris.
Con Rudi y Nini FLORES, en concierto, y en su CD Por cielos lejanos (Epsa)
Con la cantante HAYDEE ALBA, en concierto en la Opéra Bastille, Paris

En 1995 crea el TRIO ARGENTINO, con el cual hizo conciertos y giras por Francia y otros paises de Europa , y realizó espectaculos junto a artistas como la cantante SANDRA RUMOLINO, los cantores ANDRES RAMOS y REYNALDO ANSELMI, y los bailarines GUSTAVO NAVEIRA, PABLO VERON, ESTEBAN MORENO & CLAUDIA CODEGA, JORGE RODRIGUEZ & BIBIANA GUILHAMET.

En 1998 fué invitado como solista por L’ORCHESTRE PARIS-SORBONNE,
en ocasión de la 1° Rencontre internationale de Tango à Paris.

Ha trabajado como arreglador de la orquesta de Tango de
JUAN JOSÉ MOSALINI, principal referente del Tango en Francia

En 1998 crea su 2° formación : un Septeto de Tango, con el cual se desempeña en la actualidad, en Francia, y en toda Europa. El 1° CD de este ensamble,
Tango para ustedes fué grabado en febrero 2001, en Paris.

En el año 2004 graba su 2° álbum, Aquí y Ahora, en formación de cuarteto junto a la cantante argentina Débora Russ

En 2006 inicia un proyecto de solista, tras lo cual graba en Paris 2 CD's con solos y trios de guitarra titulados “Guitarra Argentina” y "Alma de guitarra". Ha tocado como solista en Argentina, en diferentes salas y festivales, « guitarras del mundo 2007, entre los más renombrados como así también en la edición 2008 del Festival de Guitarras d’Antony (Francia), o enThéâtre Lucernaire (Paris).
En septiembre del mismo año es convocado nuevamente por el Duo Salteño, para una gira por las Islas Canarias.

Luego de esta gira, se presenta nuevamente con el Duo Salteño en el Teatro San Martín, Córdoba, y en Teatro Astengo, de la ciudad de Rosario.

El cantante y compositor Jorge Marziali lo convoca como acompañante para sus giras por el interior argentino, y se presentan en el ciclo Córdoba de las Campanas,
en la Facultad de Lenguas de la ciudad de Córdoba, en el Festival de Cosquín 2007, etc...

Se ha desempeñado como profesor tiutular de guitarra en la Escuela de Música
LA COLMENA (Córdoba, Argentina). Fuente Web de Gustavo Gancedo

Ornette Coleman

Ornette Coleman

Ornette Coleman

Ornette Coleman (Fort Worth, 9 de marzo de 1930), saxofonista, trompetista, violinista y compositor estadounidense de jazz. Figura fundacional de la vanguardia jazzística con un cuarteto en el que estaba Don Cherry, sus innovaciones en el ámbito del free jazz han sido tan revolucionarias como fuertemente controvertidas.
Inspirado en sus orígenes por Charlie Parker, comenzó a tocar el saxo alto a los 14 años y el tenor dos años después. Sus primeras experiencias musicales fueron en bandas texanas de R&B, entre las queestaban las de Red Connors y Pee Wee Crayton, pero su tendencia a ser original estilísticamente le granjeó hostilidades entre las audiencias y los músicos. Coleman se trasladó a Los Ángeles a comienzos de los cincuenta, donde trabajó como técnico de ascensores mientras estudiaba libros de música. Conoció a músicos con aspiraciones similares en cuanto a grala originalidad: Don Cherry, Charlie Haden, Ed Blackwell, Bobby Bradford, Charles Moffett y Billy Higgins, pero no fue hasta 1958 (tras numerosos intentos de tocar con los mejores músicos de Los Ángeles) en que Coleman consiguió un núcleo de artistas con los que poder tocar su música. Apareció durante un breve periodo de tiempo como miembro del quinteto de Paul Bley en el Hillcrest Club y grabó dos discos para Contemporary. Con la ayuda de John Lewis, Coleman y Cherry entraron en la Lenox School of Jazz en 1959, y estuvieron durante un largo periodo de tiempo en el Five Spot en Nueva York, etapa que alertó al mundo del jazz acerca de la llegada de una nueva y radical forma de hacer jazz. Desde ese mismo momento, Coleman fue calificado a partes iguales como genio y como fraude.

Entre 1959 y 1961, Coleman grabó una serie de discos para Atlantic que se han convertido en clásicos; formando un cuarteto con Don Cherry, Charlie Haden, Scott LaFaro o Jimmy Garrison en el bajo y Billy Higgins o Ed Blackwell en la batería, Coleman creó una música que influiría enormemente en muchos de los grandes improvisadores de los sesenta, incluyendo a grandes figuras como John Coltrane, Eric Dolphy y la mayor parte de los intérpretes de free jazz de mediados de los sesenta. Uno de esos discos, una jam session de casi cuarenta minutos llamada Free Jazz, fue realizado con un doble cuarteto con Coleman, Cherry, Haden, LaFaro, Higgins, Blackwell, Dolphy y Freddie Hubbard.

En 1962, Ornette Coleman, sintiéndose infravalorado por su compañía discográfica y por los clubes donde tocaba, sorprendió al mundo del jazz retirándose durante un periodo. Empezó a tocar la trompeta y el violín (tocando este último como si fuese una batería) y, en 1965, grabó con todos estos instrumentos con un trío formado por el bajo David Izenzon y el batería Charles Moffett. A finales de la década, Coleman formó un cuarteto con el saxo tenor Dewey Redman, Haden y Blackwell o su hijo Denardo Coleman en la batería. Además, Coleman escribió algunas obras atonales y clásicas para grupos de cámara y actuó en unas pocas ocasiones con Don Cherry.

A comienzos de los setenta, Coleman entró en la segunda mitad de su carrera. Formó un doble cuarteto compuesto por dos guitarras, dos bajos eléctricos, dos baterías y su propio saxo alto. El grupo, llamado "Prime Time", produjo una música densa, ruidosa y frecuentemente ingeniosa; todos sus miembros parecían tener un estatus similar, aunque Coleman tenía un papel más relevante. Coleman llamaba a su música harmolodics, simbolizando con ello la similar importancia que tenía en ella lo armónico, lo melódico y lo rítmico. Técnicamente, se la ha calificado de free funk. Entre sus acompañantes en el grupo estuvieron el batería Ronald Shannon Jackson y el bajo Jamaaladeen Tacuma, además de su hijo Denardo.

Prime Time fue una gran influencia para la música del grupo M-Base de Steve Coleman y Greg Osby. Pat Metheny (un constante admirador de Coleman) colaboró con él en Song X, Jerry García tocó como tercera guitarra en una grabación y Ornette se reunió ocasionalmente con los miembros de su cuarteto original durante los años ochenta.

Ornette Coleman ha creado su propio sello discográfico, Sound Grammar.Fuente Wikipedia

Quinteto Pirincho y Quinteto Don Pancho

Francisco Canaro en 1936

QUINTETO PIRINCHO Y QUINTENTO DON PANCHO Conjuntos formados por Francisco Canaro para rememorar las modalidades interpretativas anteriores a 1920. Estuvo siempre integrado por bandoneón, dos violines, piano y bajo, con exclusión de vocalistas. Sus dos primeras versiones para el disco —al cual estuvo destinada íntegramente su labor—fueron realizadas en 1937: el tango Viento en popa y la polka Amelia. En su personal de la primera época figuró Luis Ricardl como pianista; posteriormente su plaza fue tomada por Mariano Mores y años más tarde por Oscar Sabino; en todo momento el bandoneón fue Minotto.
En los violines entre otros, alternaron Octavio Scaglione y Juan José Gallastegui. Cultivó con raras excepciones un repertorio de tangos acordes con su estilo. Para la versión de algunas composiciones correspondientes a la película He Nacido en Buenos Aires una guitarra tomó el lugar del piano, añadiéndose una flauta; con esta fórmula registró tres excelentes versiones: Hotel Victoria, La cara de la luna y El choclo. 
Horacio Ferrer.

Desde el 20 de setiembre de 1937 con las grabaciones de los temas “No cantes victoria” y “Muñeca de cristal” , hasta el 14 de octubrede 1940 con las grabaciones de los temas “Queca” y “La sonámbula” el Quinteto grabo con el nombre de Don Pancho y a partir del 28 de octubre de 1940 con el tema “Canaro en Paris” su nombre fue Quinteto Pirincho. Los quintetos alternaban las grabaciones con la Orquesta de Francisco Canaro.
En la mayoría de las remasterizaciones como en este CD se los titula en su totalidad como Quinteto Pirincho.

Lola Flores

Lola Flores y 'El Pescailla' en 1960


Lola Flores

María Dolores Flores Ruiz (21 de enero de 1923, Jerez de la Frontera - 16 de mayo de 1995, Madrid), más conocida por el nombre artístico de Lola Flores, cantante de copla, bailaora y actriz española reconocida por su temperamento y personalidad artística como «La Faraona».

Lola Flores nació en el barrio flamenco de San Miguel, en Jerez de la Frontera, en la provincia de Cádiz, cuna del flamenco, el vino y los caballos. concretamente en el número 45 de la calle Sol, calle muy conocida en la capital del flamenco, como buena Jerezana era una enamorada del flamenco y el baile, siendo del barrio de San Miguel no le faltaron noches flamencas en las que sus ojos de arte captaban los mejores cantes y bailes, lo que hizo que desde niña bailara y cantara en la taberna que tenía su padre, Pedro Flores, conocido como «el Comino», y antes de los doce años ya era reconocida como bailaora en los ambientes artísticos jerezanos. Entonces cantaba canciones de Concha Piquer y de Estrellita Castro, siendo esta última un gran ídolo de Lola.

Gran amiga de Alejandro Avila y Tamara Mariscal, con los que compartía escenario cantando "La chochomora". Su relación se rompió temporalmente debido a envidias profesionales, pero en los últimos años Lola y Alejandro volvieron a ser amigos, hasta la muerte. Actualmente Alejandro dedica parte de su vida a difundir sus canciones junto a su comadre Dolores Vargas.

En 1939, con 16 años, debutó en el Teatro Villamarta de Jerez en el espectáculo Luces de España que encabezaba la pareja de baile formada por Rafael Ortega y Custodia Marchena y el guitarrista Melchor de Marchena. Lola Flores cantaba Bautizá con manzanilla.

Tuvo sus mayores éxitos como pareja artística de Manolo Caracol, con quien trabajó hasta 1951. En 1958 se casó con el guitarrista Antonio González Batista, El Pescaílla, con quien tendría tres hijos: Dolores, más conocida como Lolita, Antonio y Rosario. Los tres se dedicarían al mundo de la canción, así como su hermana Carmen Flores. Tuvo relaciones también con el futbolista del F.C. Barcelona Gustavo Biosca.

De fuerte temperamento y presencia, entre 1939 y 1992 apareció en diversas películas, en las que solía hacer el papel de gitana. Entre ellas resalta todo un clásico del cine español de los 40: Embrujo (1947, Carlos Serrano de Osma), drama musical donde acompaña a su pareja sentimental y artística de aquel momento, Manolo Caracol. Entre sus films folclóricos de los años 50 destacan el exitoso Morena clara (1954, Luis Lucia) versionando el célebre film de 1934, y en compañía de Fernando Fernán Gómez, El duende de Jerez (1953) y Maria de la O (1959), que supone su primera película con Antonio González «El Pescaílla». Otras películas recordadas son La hermana San Sulpicio (1962) y sus populares dramones mexicanos tipo La faraona (1955) o Sueños de oro (1958).

Casa Flora (1972, Ramón Fernández) y Una señora estupenda (1972, Julio Coll) son sus dos cintas más salvables en plena época de la comedia española pre-destape; su papelito haciendo casi de sí misma en la reseñable pero algo sobrevalorada comedia Truhanes (1983, Miguel Hermoso) o su participación en la cinta documental rodada para la Expo de Sevilla Sevillanas (1992, Carlos Saura), junto a algunos de los grandes nombres del flamenco en general.

De entre su profesión, es muy conocida su amistad con dos artistas folclóricas y actrices cinematográficas también famosas y compañeras de generación, con las que compartió giras musicales por Hispanoamerica: Carmen Sevilla y Paquita Rico, con las que actuó en un film no muy brillante: El balcón de la luna (1952, Luis Saslavsky).

Su extraordinario temperamento venció las reticencias de los críticos más puristas, que cuestionaban su voz y la ortodoxia de su baile. Actuó en el Madison Square Garden de Nueva York, y se recuerda una famosa crítica tras el estreno: «No sabe cantar, no sabe bailar, no se la pierdan».

En 1962 recibió el Lazo de Dama de Isabel la Católica y en 1967 fue premiada con la medalla de oro del Círculo de Bellas Artes.

Murió en su residencia de El Lerele el 16 de mayo de 1995 a los 72 años. La causa fue un cáncer de mama que le había sido diagnosticado en 1972. Su capilla ardiente quedó instalada en el Centro Cultural de la Villa, actual Teatro Fernán Gómez de Madrid, en la plaza de Colón. En un ataúd abierto y amortajada con una mantilla blanca, fue conducida hasta el Cementerio de la Almudena en Madrid donde sería sepultada. Catorce días después de su muerte, su hijo Antonio fue encontrado muerto en la residencia familiar de El Lerele. Presumiblemente, la causa de su muerte fue una sobredosis de narcóticos. Fue enterrado junto a su madre

El tango en Italia

Partitura Tango d'Autunno


Inmigrantes Italianos

Legislatura de Italia en 1921

Llegada de inmigrantes italianos a Argentina

ORIGENES DEL TANGO RIOPLATENSE

El conocimiento de los fenómenos sociales y musicales que dieron origen a la gestación del tango en tierras rioplatense es un auxiliar importante para comprender las derivaciones del género en otros países. Para lograrlo el lector cuenta con una nutrida y heterogénea bibliografía que le guiará a través de dichos procesos: desde el tan discutido aporte de los habitantes de ascendencia africana al naciente género hasta su paulatino ascenso social a través de la práctica coreográfica en patios de conventillo, esquinas de barrio, peringundines, academias, "casitas", restaurantes y teatros, pasando por la configuración de sus primeros rasgos musicales y coreográficos sobre la base del candombe, la habanera y el llamado tango americano de las zarzuelas. La creciente difusión de textos sobre el tema en el mercado internacional permite a quien los consulte conocer verdades -reales o simbólicas- acerca de los primeros protagonistas del tango -cafishos, chinas cuarteleras, compadritos y propietarias de locales- que pueblan la mitología porteña, los títulos obcenos de ciertas piezas, los alegres contenidos de algunos textos (tan distintos en forma y semántica de los que producirían los autores con posterioridad a 1917), los instrumentos que se fueron sucediendo en la ejecución musical (organito callejero, flauta, arpa, piano, guitarra, banda de metales, contrabajo, bandoneón...), el papel desempeñado por las partituras en la interacción entre práctica oral y escrita, las primeras grabaciones en cilindros y discos y otros fenómenos vinculados a la difusión rioplatense de los productos de la Guardia Vieja, hasta llegar a la formidable eclosión del tango como moda bailable entre las sociedades urbanas del hemisferio norte a comienzos de la segunda década del siglo.
Durante el período inicial del tango rioplatense algunas esquinas de barrio fueron escenario del baile entre compadritos . Según Carlos Vega, estos hombres bailaban para demostrar su habilidad y, en algunas ocasiones, para obligar al compañero a retroceder. La intención de improvisar permanentemente nuevos y complejos pasos y figuras obligaba a los bailarines a aferrarse con fuerza para concentrarse en el juego coreográfico.

TANGO EN ITALIA EN LOS AÑOS '13-'14

En 1913 comenzó lo que podemos considerar como la primera etapa de la historia del tango italiano, durante la cual se verificó el proceso de recepción del género rioplatense en este país. Las fuentes -principalmente hemerográficas- nos proporcionan una viva pintura de las reacciones que despertó en las instituciones sociales italianas la llegada de un baile ultramarino denso de connotaciones transgresivas para las convenciones dictadas hasta entonces por la moral privada y pública.


La primera de dichas reacciones es la adhesión entusiasta de un sector de la sociedad al nuevo baile. En la prensa se habla de "un éxito inmediato, clamoroso, un furor, una manía, una locura, una popularidad sin confines, todo el mundo conquistado y entangado en un momento: el paroxismo" (Giuseppe Zucca, Rassegna Contemporanea, 10/2/1914).


El mundo de las letras no es ajeno al furor despertado por la novedad. D'Annunzio declara "su viva admiración por las danzas modernísimas tango argentino, maxixe brasilienne [sic] y rag-time". En la prensa italiana se comenta la célebre defensa pronunciada por el escritor Richepin en la Academia de Francia ante las tres acusaciones que se dirigen al tango (origen popular, procedencia extranjera, carácter indecente) y se señala también, como causa que le motiva a ello, la intención de representar en un teatro de París su comedia titulada "El tango" (cuyo argumento aparece en el último número publicado por Il Teatro Illustrato en 1913). Otros artículos y anuncios de la prensa italiana vinculan al tango con un color, con una moda y hasta con anuncios de zapatos ... adecuados para afrontar el nuevo baile. La imaginación iconogrífica se expande en los centenares de postales, "innumerables como las gotas del mar" que inundan el mercado. El reconocimiento del origen argentino del tango es asociado a prejuicios xenófobos (se comenta su práctica durante el ritual denominado "velorio del angelito" en áreas rurales de Latinoamérica como "repugnantre visión de una humanidad abrasada y embrutecida") y a su resistecia a abandonar "los bodegones y en los bailes de baja calaña". Se publican minuciosas descripciones de una coreografía que todos consideran compleja y atractiva, lo cual comienza provocando la proliferación de academias de danza, la publicación de manuales ilustrados y hasta la convocatoria de un congreso de maestros de baile con el objeto de unificar pasos y figuras, para terminar produciendo lo que los rioplatenses llamaron "tango al estilo europeo".

EL VENTENIO FASCISTA

Canciones de entreguerras.
Lo que no había conseguido la furlana lo produjo, en cambio, el estallido de la Gran Guerra, volcando gélidas aguas sobre el fuego del tango. Pero las cenizas permanecieron encendidas, como podemos constatar a través de datos de esporádica aparición (una foto de soldados bailando en el frente, algunas partituras de tangos compuestos en Italia durante esos a–os y estrenados en el festival de la canción napolitana de Piedigrotta...). Y, tras el paréntesis bílico, nuevos estímulos reavivaron el interés de los italianos por el tango: al entusiasmo despertado por Rodolfo Valentino bailándolo a la europea en Los cuatro jinetes del Apocalipsis (1921) siguió una serie de visitas de intérpretes sudamericanos que incluían ciudades como Milán o Roma en sus giras (Fioravanti Di Cico, Enrique Delfino, Carlos Geroni Flores y otros). Algunos italianos comenzaron a incluir tangos en su repertorio (por ejemplo, el tenor Gino Franzi estrenó Acquaforte, creado en Milán por los argentinos Horacio Pettorossi y Marambio Catán). Eduardo Bianco fue escuchado y aplaudido tanto por la familia real como por Musolini y éste evit— que sus funcionarios impusieran al tango las limitaciones que sufrió el jazz; por el contrario, el régimen fascista favoreció la creación y difusión de tangos por parte de artistas italianos, lo que propició la impresionante mole de piezas que vieron la luz en el país durante esos años. A este período histórico corresponden las piezas incluidas en la presente antología y por lo tanto se incluyen comentarios más adelante.

ESTILEMAS MUSICALES
Entre los estilemas propios de los tangos compuestos por italianos durante este período, algunos proceden del área rioplatense y son propios del género, otros se filtran desde los conjuntos instrumentales más influyentes –las jazz band, por ejemplo- y son características de la época, mientras que otros proceden de las tradiciones italianas (ya sea locales –canción napolitana- o internacionalizadas –bel canto-).

La fórmula melódica formada por la sucesión descendente de los grados V-V descendido-IV-III, procede de la tradición musical académica europea (nacida más de un siglo atrás probablemente como contracanto al ascenso cadencial desde la dominante hasta la tónica) y fue adoptada en algunos géneros populares (el blues, por ejemplo). Los compositores rioplatenses de tango la aplicaron a menudo (cfr. Ejs. Sonoros Nos. 1 y 2) y los italianos la adoptaron sin reservas (cfr. Ej. Sonoro Nº 3). En el tango italiano esta fórmula melódica en descenso cromático se instaló con tal prepotencia que pasó a convertirse en uno de sus principales rasgos musicales caracterizadores. Es así como la oímos como recurso de identificación del género en distintos lugares de la estructura y vestida con toda suerte de variaciones ornamentales. Sin embargo, la fórmula prefiere algunos sitios en los que predomina sobre cualquier otro procedimiento. Tal es el caso del inciso de clausura que precede a la cadencia auténtica final de las piezas (lo cual aumenta la expectativa sobre la aparición de dicha cadencia). (cfr. Ej. Sonoro Nº 4). También puede aparecer en la dominante que precede a la entrada del cantor. (cfr. Ej. Sonoro Nº 5) o en función de enlace (cfr. Ej. Sonoro Nº 6). En el final, suele exponerse con rallentando (cfr. Ej. Sonoro Nº 7). También puede aparecer en distintos sitios de la escala, en relación con la armonía. (cfr. Ej. Sonoro Nº 8). En el Ej. Sonoro Nº 9 aparece con pie de habanera decapitado. y en el Ej. Sonoro Nº 10 ocupa la subdivisión binaria del pulso (aquí, en el piano). En los enlaces correspondientes a la última repetición del estribillo, puede ocupar valores de dos pulsos de duración. (cfr. Ej. Sonoro Nº 11).


Variantes rítmicas y caracteristicas armonicas

Entre otras posibles variantes rítmicas, citamos: la articulación de valores semicorchea - fusa - fusa (si se escribe en compás de 4/8) (cfr. Ej. Sonoro Nº 12) y la subdivisión binaria del pulso (aquí precedida del pie sincopado: semicorchea - corchea – semicorchea, cfr. Ej. Sonoro Nº 13 ).
Otro de los principales rasgos caracterizadores del tango italiano de entreguerras es de carácter armónico y deriva del tango rioplatense de la Guardia Vieja. Se trata de la acentuación del levare o arsis en la cadencia auténtica final con el objeto de prolongar la tensión sobre la dominante. El acento puede ser de tipo dinámico (cfr. Ej. Sonoro Nº 14) o agógico (cfr. Ej. Sonoro Nº 15). En el Ej. Sonoro Nº 16 aparece precedido por el descenso cromático antes señalado y con fuerte rallentando. El acento cuenta casi siempre con una expresión tímbrica (por ej.: platillos en el Ej. Sonoro Nº 17) y a veces es de varios tipos combinados. (cfr. Ej. Sonoro Nº 18). La exageración de esta fórmula sudamericana llevó en muchos casos a la supresión del acorde de tónica (cfr. Ej. Sonoro Nº 19). Otro elemento armónico frecuente en estos tangos y propio de la canción popular urbana de esos años es el uso del acorde de quinta aumentada producido por el ascenso de la 5a de la tríada de dominante (cfr. Ejs. Sonoros Nos. 20- 21). Se trata de una herencia del Romanticismo musical y puede aparecer en el compás que precede a la entrada del cantor (cfr. Ej. Sonoro Nº 22) o reiterado sobre fórmulas rítmicas. (cfr. Ej. Sonoro Nº 23).
Algunas de las fórmulas rítmicas que caracterizaron a los tangos rioplatenses desde sus comienzos y que llegaron a ser oídas en Europa durante los años que estamos considerando, llegaron a convertirse en cliché en estas canciones italianas. Es el caso de la subdivisión binaria de la porción débil del pulso, seguida de subdivisiones binarias de pulsos completos (en 4/8: fusa + fusa + 6 semicorcheas ; es decir: ff ss ss ss, cfr. Ej. Sonoro Nº 24 en el piano). La acumulación de varias fórmulas acompañantes típicas del tango rioplatense puede oírse en el Ej. Sonoro Nº 25 . Todas tienen en común el principio rítmico contramétrico –articulación de los sonidos en partes débiles de tiempo o de compás-, cuyo talante se acentúa al ser superpuesto a una base marcada de cuatro pulsos por compás. Típica es la acentuación de los tiempos débiles. (cfr. Ej. Sonoro Nº 26), a veces con un carácter de anticipación rítmico-armónica. (cfr. Ej. Sonoro Nº 27).
Pero esta transferencia de acentos sobre pulsos -o porciones de pulso- débiles no consigue impedir la sensación de monotonía o pobreza rítmica que producen estos tangos italianos si se los compara con sus homónimos rioplatenses, sensación que deriva del exceso de uniformidad en el mantenimiento de las fórmulas. Reflejos de la práctica rioplatense son, en cambio, las disminuciones melódicas articuladas sobre la subdivisión cuaternaria del pulso (sucesiones de fusas en 4/8), que en el área de origen se desarrollan en forma de variaciones temáticas (generalmente, a cargo del bandoneón), mientras que en Italia se reducen por lo general a cumplir una función de enlaces entre incisos y frases musicales. (cfr. Ej. Sonoro Nº 28 en el acordeón)
De carácter "conmétrico" (es decir, en coincidencia con los acentos) es la articulación de los acordes exclusivamente en los tiempos impares, lo cual provoca una impresión de suspensión del movimiento rítmico. (cfr. Ej. Sonoro Nº 29). Este rasgo se presenta siempre en el mismo punto de la pieza -la repetición instrumental del estribillo en la segunda parte- y suele incluir algunas subdivisiones binarias del pulso que agregan una sensación de balbuceo a la detención motriz. Se trata de un recurso de alto valor expresivo que se aplica siempre a la última aparición del tema principal de la canción -colocado en el comienzo del estribillo- con el objetivo de proponerlo nuevamente a la atención del oyente con mayor intensidad dramática y persuasiva. (cfr. Ej. Sonoro Nº 30). Otro ejemplo de esta fórmula –típica, al parecer, de los tangos italianos-, nos introducirá en el orden tímbrico. (cfr. Ej. Sonoro Nº 31, en el que suenan dos instrumentos típicos del género durante esos años: clarinete y violín).



Instrumentos musicales típicos del tango

En el parámetro del timbre la detección de elementos estilísticos comienza por la predilección de los compositores e intérpretes por ciertos instrumentos, que en unos casos caracterizan al tango y en otros a la canción de esos años. Entre los primeros, observamos el uso de bandoneón, a menudo reemplazado por acordeón, a falta de aquel instrumento (cfr. Ej. Sonoro Nº 32). La guitarra, importante en los tangos de la Guardia Vieja rioplatense, puede cumplir varias funciones en una misma pieza; en el Ej. Sonoro Nº 33 desarrolla la melodía de la introducción (función melódica principal), a continuación acompaña con acordes la exposición del tema (función rítmico-armónica) y alterna la ejecución de bordoneos -contratemas en el registro grave en función de enlace entre frases- con contracantos y variaciones temáticas basadas en notas repetidas (subdivisión cuaternaria del pulso).
Entre los instrumentos propios de la época, se cuentan la trompeta con sordina y el violín solo (cfr. Ej. Sonoro Nº 34), así como el saxofón y los efectos de vibrafón (cfr. Ej. Sonoro Nº 35). El toque de platillo o látigo en los comienzos o finales de pieza (cfr. Ejs. Sonoros Nº 36 y 37 respectivamente) procede del área argentina y es adoptado por los músicos italianos. En el Ej. Sonoro Nº 38 detectamos una trompeta con sordina, seguida de violín, sobre base rítmica de habanera (rasgo éste procedente de los tangos de la Guardia Vieja rioplatense).



El estilo ejecutivo

El parámetro tímbrico incluye, por supuesto, el tipo de impostación vocal empleado por los cantores de ambos sexos. Durante el período de entreguerras aún no se había insinuado en la canción ligera italiana la emisión vocal enronquecida que habría de caracterizar a la expresividad de cantantes y cantautores en épocas posteriores y para cuya adopción tal vez hayan confluido diversos modelos (desde el propuesto por el verismo operístico hasta el que aportaría el rock anglosajón). Tampoco el tango rioplatense era cantado por las voces roncas y graves que conocemos ahora (basta con escuchar grabaciones procedentes de aquellas décadas de Manolita Poli, Libertad Lamarque o Manuel Bianco). En Italia el predominio de los ámbitos agudos y ciertos ornamentos heredados del bel canto fueron el arma de batalla de intérpretes de tango como Ada Neri, Inés Talamo, Milly, Emilia Vidali (todas sopranos); Anacleto Rossi, Daniele Serra, Crivel, Giglio, Franco Lary, Benassati, Fiorentini, Rico Bardi, Aldo Ardinghi, Aldo Masseglia (casi todos tenores); algunos procedentes del ambiente lírico, como el célebre Carlo Buti, a quien muchos recuerdan no solo en Italia sino también en Argentina. La "voce tenera e dolce" campea en los tangos italianos de entreguerras, provocando finales como el del siguiente ejemplo, en dominante aguda (cfr. Ej. Sonoro Nº 39) o en filato pp (cfr. Ej. Sonoro Nº 40). Los escasos barítonos de la época ascienden en falsete, como en este final sobre la tónica aguda. (cfr. Ej. Sonoro Nº 41) Algunos intérpretes desarrollan ornamentos típicos de la canzonetta napolitana. (cfr. Ej. Sonoro Nº 42).



El estilo napolitano

El estilo napolitano emerge con fuerza en algunos tangos -la prolongada tradición de los festivales de Piedigrotta no es ajena a ello- y se caracteriza por el canto en dúo con frecuentes paralelismos de tercera, el uso de mandolinas y guitarras en los acompañamientos. (cfr. Ej. Sonoro Nº 43) y una ambientación localista en los textos. Súmese a ello la mención de lugares emblemáticos de la canción partenopea (el mar y la luna de Sorrento en el. Ej. Sonoro Nº 44). Estos rasgos se superponen en algunos tangos. (cfr. Ej. Sonoro Nº 45). En el título y el estribillo del ejemplo anterior se menciona una localidad típica de la zona - Santa Lucia- y el siguiente es paráfrasis de la famosa creación de Enrico Cossovich y Teodoro Cottrau con el mismo título y que en 1848 diera comienzo a la historia de la canción italiana según Borgna (1992:13); el comienzo presenta el cu-cu imitado por la trompeta con sordina (cfr. Ej. Sonoro Nº 46).



Contenidos literarios y transposiciones melódicas


Los contenidos literarios del tango italiano encuentran a menudo expresión musical por medio de su transposición a rasgos melódicos cuya asociación semántica pertenece a la tradición europea. Véase la predilección de numerosas melodías de tango por el perfil melódico descendente en los segmentos musicales asociados a textos literarios que hacen referencia a la tristeza del varón por un amor imposible, o torturador, o generador de celos, o fuente de traición, cuando no irremediablemente perdido. (cfr. Ej. Sonoro Nº 47). A menudo la frase musical comienza con un salto ascendente de cuarta (desde la dominante hasta la tónica superior), para ir después descendiendo paulatinamente (cfr. Ej. Sonoro Nº 48). Dicho rasgo aparece vinculado a una pasión amorosa con altibajos en la que predomina la frustración y la renuncia. Esta es la razón de ser del incipit ascendente de la frase en cuestión y también de los ascensos centrales del estribillo, ya que el todo se asocia a la forma ternaria reexpositiva que presentan frecuentemente los mismos: tras el ansioso ascenso melódico vuelve la caída con la repetición de la frase inicial. De este modo, el perfil melódico de los tangos refleja el fatalismo del hombre que se detiene en el placer morboso de la propia angustia y que parece no encontrar una solución positiva a su desesperada situación. Como el Tristán wagneriano que se arranca las vendas cuando llega su salvadora para desangrarse en sus brazos, el varón de los tangos italianos de entreguerras -y ésta es una característica heredada del género rioplatense- sólo desea encerrarse en su llanto sin esperanza.
El ejemplo anterior nos permite mencionar una característica de este repertorio. Se trata de la macroforma, que en la mayoría de los tangos italianos de los años veinte y treinta presenta la estructura biseccional propia de muchos géneros cantados de la música ligera de la época (tendencia a la que no escapó el tango rioplatense), es decir, la presencia de dos grandes "partes", articuladas a su vez en dos secciones cada una. En los tangos cantados la música de la primera sección corresponde a los versos de las estrofas, mientras la de la segunda está destinada al estribillo. Este rasgo se combina con un juego de modos del sistema tonal: primera parte en menor para las estrofas y segunda en mayor para el estribillo. También existen tangos escritos totalmente en modo mayor o menor. Sin embargo, los tangos italianos difieren de los sudamericanos en cuanto a que el estribillo presenta una forma reexpositiva que coincide en número de compases y organización temática con lo que señala Adorno como propio de la canción ligera europea de esos años.: "Treinta y dos compases con un bridge en el centro (es decir, una parte que conduce a la repetición)". (Ej. Sonoro Nº 48)
Fuente web: http://www.dds.it/mostre/passione_argentina/es/index_es.html

Dennis Chambers

Dennis Chambers

Dennis Chambers

Dennis Chambers (nacido en 9 de mayo de 1959) es un estadounidense baterista que ha grabado y actuado con John Scofield, Carl Filipiak, Steely Dan, Carlos Santana, Parliament / Funkadelic, John McLaughlin, Niacin, Mike Stern, Victor Wooten & Greg Howe (con los que editó el CD "Extraction") y muchos otros. A pesar de una total falta de entrenamiento formal, Chambers ha pasado a ser notoriamente conocido entre los bateristas por su impresionante técnica, velocidad y solidez. Chambers es especialmente considerado por su capacidad de tocar "en el bolsillo", pero también puede estirar muy lejos de los de bolsillo que también es un sello distintivo de su técnica. Chambers exhibe un estilo poderoso que es técnicamente competente, pero muy musical y orientada hacia la improvisación. Él puede tocar en una amplia variedad de géneros musicales, pero es tal vez más notable dentro del Jazz Fusion, Funk y Música Latina

Actualmente, está de gira con Carlos Santana y hace presentaciones con su banda Niacina.Fuente wikipedia

Stanley Black

Stanley Black

Stanley Black OBE (de 1913 14 de junio - 27 de noviembre de 2002) fue un conductor inglés de música ligera, arreglador y pianista. Escribió y organizo musica para peliculas y grabo mucho para el sello Decca(incluyendo Londres y fase4)Empezando por el jazz en colaboracion con músicos de Estados Unidos como Coleman Hawkins y Benny Carter durante la década de 1930, tambien grabo en el estilo de América Latina y también ganó premios para su realización clásica.

Stanley Black (Solomon Schwartz) nació en 1913 en Whitechapel, Inglaterra. Sus padres eran Polocos y Rumanos judíos. Comenzó a las lecciones de piano a los siete años. A solo los 12 años de edad su primera composición fue transmitido por la Orquesta Sinfónica BBC y continuó su temprano éxito por ganar un Maker Melody en la la competencia de los 18 años.
En la década de 1930 temprana él fue empleado como un musico de jazz y compositor y había trabajado con Howard Jacobs, Joe Orlando, Lew Stone, Maurice Winnick y Teddy Joyce en el momento en que se unió a Harry Roy en 1936. También había transmitido y grabado con varias bandas de jazz estadounidenses, incluyendo a Coleman Hawkins, que tuvieron Ceratogymna oído primera en la noche radio muestra con banda Lew Stone. Cuando los dos se reunieron finalmente en Londres, el revisor Edgar Jackson sugirió grabar juntos, en una notable colaboración en una versión de dúo de Lonicera rosa.
Durante la segunda guerra mundial, se incorporó a la Real Fuerza aérea y se involucró en la gestión de personal en Wolverhampton el entretenimiento. En 1944 fue nombrado Director de la orquesta de danza de la BBC y permaneció en el trabajo durante casi nueve años, radiodifusión como máximo de seis noches por semana.
En este momento él también había comenzado grabación bajo su propio nombre para Decca. Ahora bien participar con la industria cinematográfica, salió en componer, organizar y dirigir música para películas más cerca de 200, en particular después de ser nombrado director de la música en estudios de Elstree en 1958. Fue también director principal de la orquesta de Corporation asociada británico imagen y el compositor de director musical de esa organización desde 1958-1963.
Radio trabajo de Stanley Ceratogymna le mantiene en contacto con una gran audiencia escucha a través de su música incidental para espectáculos como enlace mucho en la Marsh y the Goon show. Más tarde fue a presentar sus propios programas sobre la radio y televisión, incluyendo Black Magic y los maravillosos mundial de Stanley Black (Solomon Schwartz) . Esto sin duda contribuyó al éxito de sus grabaciones comerciales y conciertos con su propia orquesta.
En la primera década de 1950 regularmente encabezaron las listas de "Melody Maker" de los músicos más-escuchado en la radio. Fue elegido que se incluirá en la primera versión de Decca de registros de larga duración en el Reino Unido en junio de 1950. Esto le continuar su realización, organizar y realizar permitió y resultó en un gran número de álbumes que él uno de los artistas más prolíficas de la grabación en el mundo. Fue particularmente popular en América, como lo demuestra su inclusión en las listas de best-sellers "Billboard".
Durante su vida, dirigió muchas de las principales orquestas de Gran Bretaña, y hasta el decenio de 1990 aún él fue dirigir sesiones ordinarias de difusión en los estudios de BBC, a pesar de la aparición de sordera en la vida posterior.
Stanley Black (Solomon Schwartz) había recibido numerosos premios, incluyendo el área. Se hizo un miembro de la vida del Instituto de Artes y letras y Presidente de la vida de las celebridades Guild de Gran Bretaña. Él murió en Londres en 2002, 89 de años de edad.
Fuente Wikipedia en Ingles (Traduccion automatica)

Nestor Chayres

Nestor Chayres

Nombre artístico: Néstor Chayres
Nombre completo: Néstor Mesta Chayres
Fecha de Nacimiento: 26-02-1908
Lugar de nacimiento: Lerdo localidad del estado de Durango, México
Desde muy niño mostró su aptitud y vocación por el canto. A los 17 años obtuvo una beca e hizo estudios de cantante de ópera en el Conservatorio Nacional de Música de México, bajo la tutela del tenor Lamberto Castañares, ex cantante de la Scala de Milán. Completó su formación musical en los Estados Unidos, bajo la dirección del famoso cantante Emilio de Gorgoza.
A los 21 años inició su carrera profesional y cantó en la radio mexicana. Su primer disco lo grabó con los pasodobles "Morena" y "Rocío". Su gran salto a la fama fue en 1943 cuando lo descubrió el famoso director de orquesta André Kostelanetz quien lo invitó a trasladarse a Nueva York haciéndolo debutar con su orquesta, en la radiodifusora CBS, con gran éxito. Allí comenzó su fama y en 1945 se presentó en el Town Hall de Nueva York.
Viajó por Canadá como solista de las orquestas sinfónicas de Toronto y Montreal. Hizo giras triunfales por Centro y Sur América. En Argentina conoció a Manuel de Falla (1876-1946) célebre compositor español quien le dió "Siete canciones populares españolas" (para canto y piano) que a su regreso a Estados Unidos, las interpretó en el Carnegie Hall de Nueva York.
En 1949 Chayres fué a Europa y se presentó en Holanda, Noruega, Francia y España, donde grabó para el sello "La voz de su Amo" discos en 78 rpm, entre ellos el pasodoble Silverio de Agustin Lara: Con esta interpretación se ganó el sobrenombre de "El Gitano de México".
Néstor Chayres fue gran amigo de la compositora María Grever (1885-1951) quie lo consideró el mejor intérprete de sus composiciones, entre ellas Cuando vuelva a tu lado, Por si no te vuelvo a ver,Te quiero dijiste, Volveré,Cuando me vaya, Así (una de las mas bellas) etc. etc.
Su brillante carrera se vió truncada en 1953, por un accidente automovilístico, en el que perdió temporalmente su voz, que si bien logró recuperar, ya nunca mas volvió a ser la de sus grandes éxitos. Chayres murió el 29 de junio de 1971.
Fue considerado por la crítica como el número uno de los tenores románticos mexicanos.
Biografía escrita por Josep Perramón Baqué
Alma Latina 2001.

Armando Caló

CALÓ, Armando. Músico. Contrabajista.Director
Nació el 25 de junio de 1922. Integró, desde 1940 distintas orquestas típicas, la de
Argentino Galván y la de su hermano Miguel, entre ellas. Posteriormente se consagró a la música internacional,compartiendo la conducción del conjunto Tony-Armand, con su hermano Antonio Caló.
Hermano de Juan,Salvador, Antonio, Roberto y Miguel Caló
Dirigio la orquesta Tango Revue(This is tango) durante el año 1986 realizando giras por Estados Unidos y Centroamerica.

Demis Roussos

Demis Roussos

Demis Roussos

Demis Roussos

Nació en Egipto hijo de una familia griega expatriada. Sus padres, George y Olga, también nacieron en Egipto y crecieron en Alejandría. Tras perderlo todo debido a las políticas del gobierno de Gamal Abdel Nasser, regresaron a Grecia después de la Guerra de Suez. Su madre, Olga, es más conocida con el nombre artístico de Nelly Mazloum.


Primeros éxitos: Después de regresar a Grecia, Demis se integró en diversos grupos musicales comenzando por The Idols cuando tenia 17 años; después paso a We five y a otras bandas relativamente destacadas y decierto éxito en Grecia.

Logró cierta notoriedad en 1968 cuando se unió a la banda de Rock progresivo Aphrodite's Child (El hijo de Afrodita) inicialmente como cantante y después como bajista. Su distintiva voz operística dio impulso a la banda hasta colocarla con éxito en el ámbito internacional, notablemente en su álbum final 666, el cual vino a convertirse en un clásico de culto para los melómanos.

Tras la disolución de Aphrodite's Child, Demis continuó grabando esporádicamente con su compañero de banda, el también destacado músico Vangelis. En 1970 ambos realizaron Sex Power (aunque el álbum se lo adjudicaron discutidamente Aphrodite's Child). También grabaron juntos en 1977 el álbum Magic, cuyo mayor éxito fue Race to the End, una adaptación vocal del tema musical del filme ganador del Oscar Carros de Fuego mientras Roussos también aparece en el soundtrack de la película Blade Runner (1982).


Éxitos en solitario : Demis inició una carrera como cantante en solitario al desintegrarse la banda, comenzando con la canción We Shall Dance. Inicialmente sin éxito, emigró a Europa y pronto se convirtió en un cantante notable. Su carrera alcanzó la cima en la década de 1970 con una considerable cantidad de álbumes. Destacando su sencillo Forever and Ever (Siempre y para Siempre), que se colocó en las listas de popularidad de una gran cantidad de países en 1973.

Otros éxitos fueron My Friend the Wind (Mi amigo el viento), My Reason (Mi razón), Velvet Mornings (Mañanas de Terciopelo), Goodbye, My love, Goodbye (Adiós amor mío, adiós), Some day (Algún Día) y Lovely Lady of Arcadia (Preciosa Señorita de Arcadia). Fue mencionado como destacado en el programa Abigail's Party e hizo su primera aparición en una televisión de habla inglesa en el programa Basil Brush Show. También es destacada su interpretación del éxito del grupo Air Supply titulado Lost in Love.

Recopiló sus canciones en un gran número de idiomas. Su hit número uno el Roussos Phenomenon EP fue el primero de su tipo de un artista de origen africano en la historia de las listas de popularidad del Reino Unido. Fue igualmente exitoso en Europa y Latinoamérica; en Estados Unidos logró lo mismo con el álbum Demis que permaneció como su único éxito.


Depresión y secuestro aéreo: En 1982 fue co-autor del libro A Question of Weight junto con su amiga íntima Veronique Skawinska en el cual narra sinceramente su lucha contra la obesidad. Durante la década de 1980 atravesó un período improductivo debido a su batalla contra la depresión.

Fue uno de los pasajeros del vuelo TWA 847, que fue secuestrado el 14 de junio de 1985. En su momento fue muy conocido el hecho de que los secuestradores celebraron su cumpleaños con él, al quedar impresionados por tener como rehén a una de las celebridades de Oriente y Europa.


Retorno y última etapa: Sensible a su nueva etapa de vida, Demis se embarcó en su retorno con el álbum Time, que le otorgó numerosos reconocimientos y ser aclamado por su éxito muy popular en las discotecas Dance of Love.

Los años 1990 vieron un número sustancial de trabajos de Demis. Realizó Insight (también llamado Morning has Broken) siendo aclamado, mientras que su intento de canción bajo la modalidad de rap, Spleen fue considerado una idea lamentable. Antes de ello hizo equipo con BR Music en Holanda para producir Inmortel Serenade e In Holland, utilizando una variedad de estilos desde el étnico al electrónico.

Demis ha continuado grabando y de gira. Su Tour Millenium conoció el éxito en Inglaterra. Como ferviente seguidor de la Iglesia Ortodoxa Griega, canta como invitado en diversos templos en Grecia y en todo el mundo.

Recientemente confirmó que efectuaría una gira por Australia junto con la ídolo de aquellas latitudes, Cosima de Vito, actuando como dueto.

Billy Vaughn

Billy Vaughn

Richard "Billy" Vaughn (12 de abril de 1919 - 26 de septiembre de 1991) fue un cantante, multi-instrumentista y director de orquesta.

Él nació en Glasgow, Kentucky, donde su padre era un peluquero que amaba la música y la inspiración de Billy para enseñarse a sí mismo a tocar la mandolina en la edad de 3 años, mientras que sufren un caso de sarampión. Él fue a aprender una serie de otros instrumentos.

Vaughn en 1941 se unió a la Guardia Nacional de Estados Unidos para lo que se había previsto como un año de cesión, pero cuando la Segunda Guerra Mundial, fue enviado en el extranjero hasta que la guerra terminó en 1945. Él decidió hacer una carrera musical, cuando fue dado de alta del ejército al final de la guerra, y asistió a la Universidad Estatal de Kentucky Occidental, que ahora se conoce como la Universidad de Kentucky Occidental, especializándose en la composición musical. Él había aprendido aparentemente barbería de su padre, porque él ha hecho durante sus estudios en la Western Kentucky para apoyar financieramente a sí mismo, cuando no pudo conseguir trabajo tocando el piano en clubes nocturnos locales y salones. Aunque él era un estudiante allí, otros tres estudiantes, Jimmy Sacca, Donald McGuire, y Seymour Spiegelman, que había formado un trío vocal, La Hilltoppers, contratado Vaughn a tocar el piano con ellos. Pronto añadido su voz a la suya, convirtiendo el trío a un cuarteto. Como miembro del grupo, también escribió su primer hit, "Tratando", que trazó en 1952.

En 1954 dejó el grupo para unirse a Punto Records en Gallatin, Tennessee, como director musical. Posteriormente formó su propia orquesta, que tuvo un gran éxito en ese mismo año con "Melodía de Amor". Pasó a tener muchos más éxitos en la próxima década y media, y se basa puramente en el gráfico éxitos, fue el más exitoso director de orquesta de todos los tiempos.

La orquesta de Billy Vaughn comenzó sus giras en 1965 con numerosas venta a cabo de ellas, por Japón, Brasil y Corea.

Vaughn falleció de mesotelioma en el Hospital Palomar en Escondido, California, el 26 de septiembre de 1991 - que era de 72 años de edad.Fuente Wikipedia Traduccion automatica