Chico Buarque

Chico Buarque


Chico Buarque

Chico Buarque

Francisco Buarque de Hollanda (Río de Janeiro, 19 de junio de 1944), más conocido como Chico Buarque, es un poeta, músico, compositor, dramaturgo y novelista brasileño.

Se le conoce principalmente por sus canciones de refinada armonía, deudoras en parte de Antonio Carlos Jobim, y por sus letras, que oscilan entre una temática de carácter intimista, hasta cuestiones como la situación cultural, económica y social de Brasil. A lo largo de su vida ha ido alternando su carrera musical con la de novelista y dramaturgo. Su último libro, Budapeste (2005), fue muy aclamado y ganó el importante Prêmio Jabuti.

Nació en el seno de una familia intelectual y privilegiada. Su padre, Sergio Buarque de Hollanda, era un conocido historiador y sociólogo. Buarque fue un niño estudioso con un interés precoz en la música y la escritura. Desde temprano le impresionó la música, sobre todo la bossa nova y en especial el trabajo de João Gilberto.

Se casó con la actriz Marieta Severo, con quien tiene tres hijas (Sílvia, Helena y Luísa).

El debut público de Buarque como músico y compositor ocurrió en 1964 y pronto se hizo una reputación a través de su participación en festivales musicales y programas de televisión. Su primer álbum, Chico Buarque, mostraba el trabajo por venir, con sambas pegadizas, caracterizadas por juegos de palabras creativos y un trasfondo de nostalgia trágica.

Su cada vez mayor actividad política contra la dictadura militar de Brasil le valió ser arrestado en 1968 y lo movió al exilio a Italia en 1969. Chico Buarque regresó a Brasil en 1970, donde empleó su fama y habilidad para escribir canciones como protesta contra la dictadura. En esta época su sencillo de protesta (ligeramente disimulada) "A pesar de você" pasó desapercibido de alguna manera por los censores militares y se convirtió en el himno del movimiento democrático. Después de vender 100.000 copias, el sencillo fue finalmente censurado y todas las copias fueron retiradas del mercado. A pesar de la censura, canciones como "Samba de Orlý" (1970), "Acorda amor" (1974) y "Vai passar" (1983) hicieron patente la continua oposición de Chico.

Durante los años setenta y ochenta, Chico colaboró con cineastas, dramaturgos y músicos en trabajos que protestaban contra la dictadura.

En el año del golpe militar de Brasil, 1964, Chico escribió sobre la situación y evitó la censura al usar analogías crípticas y juegos de palabras. Por ejemplo, en la canción "Cálice" juega con las palabras portuguesas para "cállese" y "cáliz" para cantar sobre la opresión militar bajo la apariencia de relato bíblico. Aunque bien es cierto que sus letras también abordan temas de carácter más personal, con un aire sutil, y en un contexto musical hondo y refinado.

En 1998, la escuela de samba de Mangueira ganó el primer lugar del carnaval carioca con un tema de homenaje a Chico Buarque. Fuente Wikipedia

Barbara Casini

Barbara Casini

Barbara Casini

Nacida en Florencia en 1954, se graduó en Psicología, una vida dedicada a la música, especialmente el canto, el amor de niña por Brasil que se ha convertido en su segunda patria de la música, Barbara Casini ha sido reiteradamente definido como el más importante intérprete de la música brasileña en Italia.
Comenzó a la edad de quince años, con el descubrimientode la bossa nova de Jobim y João Gilberto, su conocimiento de la música popular brasileña ha profundizado cada vez más, hasta la formación en el early'80s, el trío Outro Lado (Beppe Fornaroli con la guitarra y la percusión de Naco), que ha funcionado bien, como en teatros y clubes en Italia, en París, en el norte de Europa, África y Brasil, participando en festivales de jazz y la música etno-comentarios . Con esta formación ha registrado un LP, "Outro Lado" más adelante en el CD reeditado Filología.
En 1994 forma un cuarteto con el pianista Stefano Bollani, Rafael Francisco Petreni Pareti a bajo y batería.
Ha trabajado con grandes músicos de jazz, entre los que se encuentran: - Enrico Rava ha registrado con el "viento" para el sello francés Label Bleu, con Stefano Bollani al piano, contrabajo de John Thomas, Roberto Gatto en batería, y con el acompañamiento de la Filarmónica della Scala realizado por Paolo Silvestri, autor de los arreglos (por participar en Umbria Jazz 2000);
- Phil Woods, con quien grabó el cd "Você e Eu" (Filología, 2001) Una reinterpretación de clásicos brasileños con Stefano Bollani;
- Lee Konitz, con quien grabó "Outra vez" (Filología, 2002) junto con el guitarrista Sandro Gibellini que entró definitivamente a unirse al cuarteto en el Bollani.
En 1997 lanzó el CD "Todo o Amor" (Filología), la primera obra en su totalidad en su nombre que dio lugar a proponer, así como de intérprete, a pesar de que el autor de la música y textos, y que recibió excelentes críticas tanto en Italia como en el extranjero.
En, en noviembre de 1998, la producción (de nuevo de Filología) CD" Stasera Beatles ", en la que el cuarteto ofrece un examen en latín jazz y una de 13 canciones de los Beatles. A continuación se deja el CD "sozinho" (Filología, 2000) grabados en directo en Pisa DR JAZZ Bárbara donde realiza solo en voz y guitarra, "Uma Voz Para Caetano" (Filología 2003), un homenaje a Caetano Veloso y "Anos Dourados" (Filología, 2003), dedicado por completo a la música de Tom Jobim.
También colaboró con grabados por Luigi Bonafede ( "Otro lado de mí", 1991), Attilio Zanchi ( "otro lugar", 1992), Massimo Colombo ( "Border Line", 1993), Naco ( "Naco", 1995 ) y Enrico Rava (italiano Baladas, 1996).
HURACÁN ELIS, un homenaje a Elis Regina, con su equipo histórico por el piano, percusión y tres de bronce, con arreglos de Paul Silvestri, fue lanzado en octubre de 2004 en la Via Veneto Jazz.
Fue recientemente a Brasil para una gira de conciertos (S Paulo y Río), al salir de la Guanabara Documentos LUIZA CD, y para promover ITALIANO BOSSA JAZZ FESTIVAL que se celebrará en las principales capitales brasileñas (S Paulo , Porto Alegre, Belo Horizonte, Brasilia, etc) y que será uno de los artistas invitados, junto con otros grandes nombres del jazz italiano.
Por último, el reciente registro de trabajo:
ÁNGULOS confundirse (Doble Trazos Records, 2006), junto con Pedro y Tonolo Alessandro Galati, original "tres manos", en la que Bárbara es también el autor de todos los textos (en italiano), un proyecto que está en camino de convertirse en un evento semi - Teatro con la participación del físico nuclear y Pablo Giusti que quiere combinar la mirada introspectiva y de relación con el último de los misterios de la naturaleza
PRIMERA Palabra (Filología, 2006) con Beppe Fornaroli y Sandro Gibellini, un homenaje al gran autor y compositor Chico Buarque de Hollanda
Nordestina (Filología en 2007) un examen de forró brasileño, con un personal completamente renovado entre ellos se destaca el acordeón Beccalossi y Fausto Rubén Chaviano violín, un extraordinario músico de Santa Clara, Cuba, desde hace años trasplantados en Italia. Fuente web de Barbara Casini (Traducion automatica)

José Angel Trelles

José Angel Trelles

José Angel Trelles

Aquel muchacho comido por la emoción y los nervios del debut en Buenos Aires que subió en 1975 al escenario del Teatro Coliseo (¡nada menos!) a cantar, decir e interpretar canciones en portugués, italiano y español junto al Octeto Electrónico de Astor Piazzolla (¡nada menos!), es hoy un artista muy importante del país de los argentinos. Ha pasado mucha agua bajo los puentes del espectáculo, Pepe Trelles se ganó un lugar no solo como cantante solista, actor, pero quizá le quede mejor otro título: cantor nacional, por su permanente compromiso con los grandes músicos y poetas de la Argentina. Una tarea nada sencilla, todo lo contrario, es titánica, bajo unos cielos (los nuestros) que encumbran el facilismo para arrinconar muchas veces el arte, el talento, la capacidad, el estudio (¡si lo sabrán los huesos de Piazzolla!). De aquella noche consagratoria del Coliseo han pasado muchos años. Trelles siempre estuvo cerca de Pîazzolla, y también de Estela Raval, Victor Heredia, Nicolás Mancera, Alberto Cortez, Sandro, Oscar Cardozo Ocampo, Rubén Juárez, Carlos Carella Daniel Binelli, José Ogiviecki, Raúl Lavié, María Graña, Pablo Ziegler,. Ana María Cores, Milva, Camerata Porteña. Es el intérprete que más veces cantó en todo el mundo “María de Buenos Aires”, junto a Horacio Ferrer y un músico fundamental de estos tiempos: Gidon Kremer. El escenario hoy de Trelles es el mundo, con hitos para enorgullecer al artista: Teatro Comunale de Bologna, Carneggie Hall de New York, Tokio Metropolitan, Miraj Hall (Yokohama de Japón). Lleva grabados 16 discos (LP antes; CD’s hoy). Fue protagonista de la comedia musical de mayor suceso en toda la historia teatral de Buenos Aires: “El diluvio que viene”. Decir José Angel Trelles en este 2003, es decir cantorazo en su plenitud y apogeo. Ahora, lo que tiene ganas de decir mirando hacia atrás, el hoy, y espiando el futuro.

Tomando un café, en el almuerzo o cuando íbamos a nadar un rato, El Viejo (*) era un fenómeno, una delicia de persona. Pero cuando se trataba de laburar era a cara de perro. Una vez estábamos preparando el repertorio para ir a Cuba, y marcó: “Vamos con el final de La Bicicleta Blanca”. Yo, canchero, la canté medio de taquito. El Viejo se agarró un embale tremendo, paró el ensayo y me dijo con bronca: “Cantá, carajo, parece que estás haciendo churros con el culo”. Un genio hasta para carajear. Otro día nos agarró un paro de aviones yendo hacia Lima, Perú. Un fastidio bárbaro. Yo trataba de dormir un rato porque se había complicado todo: la llegada, la conferencia de prensa y enseguida venía el recital. En eso pasa por el pasillo, me pregunta como estoy, y yo le digo: “cansado”. Entonces me dice: “¿A vos dónde te gustaría jugar, en Defensores de Cambaceres o en el Milan? Bueno, esto es el Milan y se juega así” El respeto que tenía ese hombre por el espectáculo era enorme: “Hay que estar concentrados, salir al escenario bien vestidos, respetar al que paga una entrada”. Podía perdonar un error pero no la desidia. Y el mismo respeto y cuidado tenía por todos nosotros, los músicos y en mi caso, por los cantantes.

En vuelos muy largos, por lo general, venía el comisario de a bordo y le decía: “Astor, lo invitamos a pasar a Primera”. Pero el Viejo iba siempre y cuando hubiera lugar para todos nosotros, si no se quedaba en Turista.
Yo le debo todo, sin Piazzolla hoy no sería nada. Por lo que fue para mi desarrollo profesional y por las pautas artísticas que me dio, claras y directas. “Escuchá mucho a Gardel y a Goyeneche. Los demás son todos cantores de orquesta, maravillosos pero cantores de orquesta. Los únicos dos solistas en serio fueron Gardel y Goyeneche. Escúchalos y avívate de cómo roban tiempo, siempre van un poquito adelante, para lucir el arreglo y a los músicos”. Una vez le comenté a que mi viejo le gustaba mucho Alfredo Gobbi y que yo también escuchaba sus discos. Le salió una sonrisa enorme y me dijo: “Pibe, por ahí pasamos todos..., todos le sacamos algo, fue el inventor del swing en el tango”.

Soy fanático de Hugo del Carril. Lo amo por su coherencia personal, su conducta, es un ejemplo maravilloso. Cantaba como los dioses pero solo le importaba en función de juntar dinero para hacer un cine comprometido, filmar lo que él sentía y quería. Cuando a mí me dicen que soy un cantor nacional me halagan hasta la última célula. Eso fueron Hugo del Carril o Atahualpa Yupanqui. Cuando yo tenía 20 años tuve un inolvidable encuentro con Yupanqui.
Me dijo: “A veces los cantores se creen más importantes que el repertorio. Enorme error: si usted m’hijito, cuando dentro de 20 o 30 años tenga cuatro o cinco canciones de esas que la gente aplaude apenas usted empieza a cantarlas, se podrá considerar entonces un artista popular”. Es una definición impresionante. Cuando empiezo a cantar Los pájaros perdidos, La bicicleta blanca, Balada para un loco o Qué maravilla Goyo, y la gente aplaude, me conmuevo al pensar en Yupanqui y aquella clase magistral metida en una frase..

En New York me topé con una calle que se llama Jack Dempsey. Una vez salí a caminar por una calle de Santiago de Chile con Antonio Prieto y la gente no lo dejaba avanzar, todo el mundo quería saludarlo. El nuestro, en cambio, es un país injusto con sus artistas populares o los deportistas que hicieron época. ¿Por qué no ponerle Amadeo Carrizo a una calle? ¿Hay qué esperar que se muera? ¿Y si ésa es la ley, donde está la que se llama Angel Labruna, o Floreal Ruiz, o Edmundo Rivero?

Me preocupa mucho el futuro de los pibes que se van a dedicar a la canción o a la música. Mi generación, en cambio, tuvo información generosa. Un chico de hoy que tiene 18 años, ¿sabe quién fue Aníbal Troilo? ¿Silbó alguna vez un tango de Agustín Bardi o una melodía de Yupanqui o Eduardo Falú? Por eso salen esos híbridos que quieren tocar la guitarra como Eric Clapton sin haber escuchado nunca a Roberto Grela.

También me preocupan los que van directo a Piazzolla, sin pasar antes por Eduardo Arolas, Bardi o los hermanos De Caro. No se puede comprender a Piazzolla desde la nada. ¿Cómo se hace? Hay una sola manera: la escuela. La música argentina tiene que entrar como los palotes, después que cada uno decida: le gusta o no le gusta. Pero tuvo la oportunidad. Es la única manera de defender un patrimonio cultural riquísimo.

En mis giras llevo siempre discos de Pugliese, Troilo, Gobbi. Los músicos extranjeros se vuelven locos No digo Piazzolla, ya está, lo reconoce y lo admira el mundo. María de Buenos Aires, la óperita de Astor y Horacio Ferrer se toca en forma permanente en todas partes.. Yo sé de esto, he realizado giras y tengo contratos hasta el 2006 para hacerla con la orquesta de cámara de Gidon Kremer. En Bologna, el cartel anunciando María de Buenos Aires estaba entre Tosca de Puccini con Plácido Domingo y La Traviata de Verdi con Luciano Pavarotti. En la Argentina, digo en Buenos Aires, la operita no sube a un escenario desde su estreno en la década del ’60. Algo nos pasa a los argentinos; tenemos que salir de esta enorme confusión. Alguien va a tener que entrar a un canal de televisión y decir basta de tanta mierda y tanta porquería que embrutece a la gente indefensa.

Un día, cuando estaba a punto de manejar un remise por la falta de trabajo, agarré un mapamundi y lo puse sobre la mesa de mi casa. Me pregunté: ¿Hasta donde llega la música de Piazzolla? Si yo fui su cantante por muchos años, ¿por qué tengo que sentirme derrotado? Y me dije para adentro: esto es mío, voy a actuar en todo el mundo. Y las puertas que aquí se cerraban se me abrieron en el exterior.

La vida de los artistas empieza todos los días. La voz hay que cuidarla, es la herramienta, porque es única, como la huella digital. Yo sigo yendo todos los días a mi maestra de canto, y si estoy de gira hay que encerrarse en la pieza del hotel y hacer los ejercicios. No se puede subir a un escenario a gallear o bastardear una obra. No me lo permite el recuerdo de Piazzolla. Es cierto que como decía Jaime Dávalos con tanta razón, “el miedo es el padre de todas las artes”, pero cantando al lado de Piazzolla yo me sentía Enrico Caruso. Fuente Natalio Gorín en Tango Siglo XXI

Paul Mauriat

Paul Mauriat en 1982

Paul Mauriat en 1982

Paul Mauriat (Marsella, 4 de marzo de 1925 - Perpiñán, 3 de noviembre de 2006), fue un director de orquesta francés, que se especializó en música ligera. Se dio a conocer con el éxito logrado por la grabación de "El amor es azul" (L'Amour est bleu) del compositor francés André Popp, y que fue la # 1 durante 5 semanas en 1968 en las carteleras de Estados Unidos.

Mauriat creció en Marsella y comenzó con su propia banda durante la Segunda Guerra Mundial. En la década de 1950 se convirtió en director musical de por lo menos dos conocidos cantantes franceses, Charles Aznavour y Maurice Chevalier, a quienes acompañó en diversas giras.

En 1958 grabó su primer EP, previo a en 1959 firmar contrato con la compañía Bel-Air. En 1965 inició una relación comercial con el sello Philips, donde realizó la mayor parte de sus grabaciones y estuvo vinculado a ella hasta 1993.

En 1998 realizó su última actuación al frente de su orquesta, la cual siguió actuando.

Para los aficionados a la radio, merece la pena mencionar que la sintonía de inicio del veterano programa de Radio 3 Flor de Pasión es un hermoso tema de Serge Gainsbourg grabado por Paul Mariat, Attends ou va-ten.Fuente Wikipedia

Annunzio Paolo Mantovani

Mantovani Orquesta

Annunzio Paolo Mantovani

Mantovani con Sophia Loren

November 15, 1905(1905-11-15)-Venice, Veneto, Italy -Died March 29, 1980 (aged 74)Tunbridge Wells, Kent, England
Mantovani nació en Venecia, Italia y su padre fue concertino de la orquesta de La Scala de Milán en virtud de Arturo Toscanini. Su familia se mudó a Inglaterra en 1912, donde estudió en el Trinity College of Music de Londres. Después de su graduación, formó su propia orquesta, que ha desempeñado en los alrededores de Birmingham. En el momento de la Segunda Guerra Mundial, su orquesta fue una de los más populares en Inglaterra, [cita necesaria], tanto en la BBC y en actuaciones en directo.

También fue director musical de un gran número de espectáculos musicales y otras obras, incluyendo los de Noel Coward. Después de la guerra, se concentró en la grabación, y finalmente renunció a la actuación en directo por completo. Trabajó con el compositor y arreglador Ronnie borrachera, que desarrolló la "cascada cadenas" de sonido (también conocido como el "sonido Mantovani"). Sus registros eran habituales en las tiendas de venta de alta fidelidad equipo estéreo , ya que se produjeron y preparado para la reproducción estéreo.

Ha grabado para Decca, hasta mediados del decenio de 1950 y, a continuación, Londres Records. Ha grabado más de 50 discos en esa etiqueta, muchos de los cuales se arriba-40 éxitos. Estos incluyen la canción de Moulin Rouge y Cara Mia, que alcanzó el n º 1 en Gran Bretaña en 1953 y 1954, respectivamente. Este último fue también el primer Mantovani EE.UU. Diez afectados.

En los Estados Unidos, entre 1955 y 1972, publicó más de 40 álbumes con 27 alcanzar el Top 40 y 11 de los Top Ten. Su mayor éxito fue con el álbum de Cine Encores, lo que a N º 1 en 1957. Del mismo modo, Mantovani Reproduce música de "Éxodo" y otros grandes temas que hicieron a N º 2 en 1961 y vendió más de un millón de álbumes.

Mantovani hizo su última grabación en 1975


La cascada cadenas técnica desarrollada por borrachera Mantovani se convirtió en la característica en esas visitas organizadas por borrachera como "Charmaine". Borrachera desarrollado esta técnica para reproducir la experiencia en eco de lugares como las catedrales acuerdo por sí solo, en un eco-libre circundante.

Autor Joesph Mantovani Lanza se describe la cadena de acuerdos como los más "ricos y mellifluous" luz de la nueva música en el estilo de principios de 1950. Mantovani dijo que era un líder en la utilización de las nuevas tecnologías para el estudio "crear tapices sonido con innumerables cadenas" y que "el zumbido sostenido de la Mantovani reverberado violines sónico producido un vaporizador preconfigurando el sintetizador armónicos del espacio de música." [1]

Mantovani en 1958 y su familia compraron una casa de vacaciones en Bournemouth en Durley Chine Road, luego en 1961 adquiere una nueva propiedad en la carretera Burton (que ahora forma parte de Poole). Se trasladó, por último, a un nuevo hogar en carretera Martello en Poole.

Desde su muerte en una residencia en Tunbridge Wells, Kent, en 1980, su música ha gozado de un menor reactivación, [cita necesaria] con gran parte de su catálogo en CD y reaparece una orquesta que lleva su nombre la realización de giras de conciertos. La venta de la Mantovani nombre es subrayada por nuevas grabaciones que se están realizando como la Orquesta Mantovani. Lamentablemente, un gran número de CDs también están disponibles de grabaciones no autorizadas, o de como Mantovani Mantovani Orquesta. [Editar] También se han publicado bajo la CD Mantovani nombre de las grabaciones realizadas por otros Mantovani mientras estaba todavía vivo. [Editar] Por lo tanto, los consumidores de esta música se recomienda familiarizarse con el conductor de la discografía. Material con el logotipo de Londres registros es apta para ser auténtico Mantovani, mientras que otras grabaciones son menos propensos a ser reales Mantovani grabaciones. [Editar]

La continua popularidad de la música de Mantovani es evidente por el número de discos originales que están siendo puestos en libertad, en las etiquetas como Dutton-Vocalion, y por las numerosas compilaciones disponibles en todo el mundo. En 2008, como resultado de éxito, en curso las ventas de CD, entre otros factores, la Orquesta Mantovani (a partir de la realización de las partituras originales) fue recreada por un gran éxito histórico concierto homenaje, patrocinado por Bentley Motors, celebrada en el Faro, en Poole , Inglaterra, el 27 de enero, dirigida por Sam Newgarth, MBE. Mucho ha llevado los elogios de la crítica a la planificación de un segundo concierto, que tendrá lugar en enero de 2009, en el mismo lugar. Hay cuatro sitios web Mantovani en honor del maestro, una biografía escrita por Colin MacKenzie titulado Mantovani - Una Vida En Música (ISBN 1-905226-19-5). Para más información, por favor visite http://www.hallowquest.com/mantiindex.htm; http://members3.jcom.home.ne.jp/torumonty; http://www.lighthousepoole.co.uk (re. venta de entradas para el 31 de enero de 2009). Un juego de CDs diez "El Maravilloso Mundo de Mantovani" fue lanzado en noviembre de 2008 en Japón (un enlace a la página web en Japón se puede encontrar visitando www.hallowquest.com / mantiindex.htm), con muchas canciones raras que nunca han sido publicado en CD antes, en un excelente formato remasterizado, y, tras el éxito de la orquesta de Mantovani concierto del 2008, 'Más MANTOVANI Magic ", tuvo lugar en Faro en Poole, Inglaterra, el 31 de enero de 2009, de nuevo realizada por el maestro Sam Newgarth MBE. El concierto fue patrocinado por Audi Poole, y también con el generoso apoyo de Richard Cox.

Debido al éxito de 'Más MANTOVANI Magic', que tuvo lugar en Faro en Poole el 31 de enero de 2009, un DVD y CD se está prevista para el lanzamiento mundial. Una vez más, la música de Mantovani atrajo una amplia audiencia, y el programa incluye muchas rarezas, incluyendo 'Domino', que fue realizado por virtuoso acordeonista, Eddie Hession, quien también fue solista en el Ron Grainer del 'Tema Maigret ", especialmente preparado para la Mantovani Orquesta por Franck Leprince. Paul Barrett dio una destacada actuación de la composición de Cecil Milner, 'El desfile de Percusión ", clarinetista y Sue Topp asombrado al público con sus versiones de" Hechizada "con el saxofón soprano, y" no Dimenticar ", en saxo alto. Mantovani la exuberante versión de Glenn Miller del "Moonlight Serenade" se dio un rendimiento insuperable, por la brillante cuerdas, dirigida por Franck Leprince, y la sección que comprende mellifluous latón Mike Lovatt y Danny Marsden en trompetas, y Andy Russell Howarth Fawbert, en trombones, y el cuerno de oro francés Richard Ashton. Una vez más, los presentadores fueron la actriz, sesenta y estrella de cine y televisión, Alexandra Bastedo, y de radiodifusión de Radio y Televisión y de la personalidad, Ed. Stewart [revisión completa del concierto, por Jeremy Millas:>>> Bournemouth Echo Mantovani +]. La orquesta cuenta con algunos de los mejores músicos en el Reino Unido. Fuente Wikipedia en Ingles traduccion automatica, sin arreglos manuales.

The Platters

The Platters


The Platters

The Platters (formado en Los Ángeles en 1953 y disuelto a finales de los años 1960) fue grupo musical estadounidense de rhythm and blues y música pop compuesto por cinco cantantes negros (cuatro hombres y una mujer).

The Platters iniciaron su carrera artística en Los Ángeles como grupo de doo wop, aunque con una identidad muy débil como para hacerlos destacar sobre el resto. Sus primeras grabaciones las hicieron para Federal, un sello subsidiario de King Records de Cincinnati. Estas primera grabaciones no se parecen en nada a las que más tarde les harían famosos, en tanto que simplemente imitaban las corrientes y estilos del momento, sobre todo las vinculadas al R&B. Lo que cambió su suerte fue la aparición del que sería su mentor, mánager, productor, escritor y profesor vocal, Buck Ram. Ram convirtió lo que no era más que un convencional grupo vocal de R&B y doo wop, en un conjunto de estrellas y uno de los más duraderos y lucrativos grupos musicales de todos los tiempos. Hacia 1954, Ram tenía ya una agencia de talentos en Los Ángeles, escribiendo y arreglando para la editorial Mills Music, dirigiendo la carrera de The Three Suns -un grupo pop con bastante éxito- y trabajando con sus protegidos, The Penguins. En principio, The Platters parecían ser una buena adición a este listado.

Tras desvincularlos de Federal, Ram los situó dentro del emergente sello nacional independiente Mercury Records, colocándolos automáticamente en el mercado pop a través los exclusivos contactos de distribución de la compañía. Entonces, Ram comenzó a trabajar sobre las potencialidades y debilidades del grupo. Los primero que hizo fue colocar el peso vocal del grupo sobre los hombros de Tony Williams, cuya voz era próxima a la de un tenor. El poder emocional de Williams fue completado con un grupo (aumentado en aquel momento con Zola Taylor) que trabajaba envolviendo cada una de sus notas con un bien estructurado soporte vocal. Con las letras pop clásicas de Ram y la paleta sonora de los cantantes, el grupo se convirtió rápidamente en un éxito dentro del pop y del R&B, consiguiendo ser el primer grupo negro de la época en situarse en los primeros puestos de las listas de éxitos. Considerado el más romántico de todos los conjuntos doo wop, éxito tras éxito fueron cayendo de forma aparentemente fácil: "Only you", "The great pretender", "My prayer", "Twilight time", "Smoke gets in your eyes", "Harbor lights".

Williams abandonó el grupo en 1961 y, hacia finales de la década, el grupo se había disuelto debido al deseo de proseguir con distintas versiones del conjunto por parte de sus integrantes. Hasta 125 versiones de The Platters se pueden contabilizar hasta la fecha.

En el año 2003, muere en Chile, Andy Moss quien fuera el vocalista durante la mayor parte de la existencia de la banda.

Formacion Original de the Platters de 1953 a 1960
Herb Reed
William Newton
Wayne Miller
Billy Cox
Sharla Soloman

Hasta la fecha los siguientes artistas fueron integrantes de The Platters
Tony Williams
David Lynch
Paul Robi
Zola Taylor
Alex Hodge
Cornell Gunther
Joe Jefferson
Gaynel Hodge
Linda Hayes
Charles "Sonny" Turner
Nate Nelson
Sandra Dawn
Monroe Powell
Kenn Johnson
Tyrone Sweet
Ritchie Jones
Milton Bullock
Al Holl
Fuente Wikipedia

José Colángelo

José Colángelo
José Colángelo

COLÁNGELO, José Leonardo. Músico. Pianista. Compositor. Nació el 22 de octubre de 1940. Juntamente con Manuel Guardia, Jorge Vernieri, Buby Viscuzo, Oscar Palermo, Osvaldo Requena, se contó entre los jóvenes pianistas de la generación del 55.
Cursó estudios musicales en el Conservatorio Fracassi para perfeccionarlos luego con Pedro Rubione y Héctor María Artola.
Integró diversos conjuntos desde 1955 hasta 1957, año en que ingresó a la orquesta de Angel Genta cuando actuaba ésta en Radio Splendid. Posteriormente prestó su concurso a Emilio Orlando y a Lorenzo Barbero, siendo el pianista del último disco —con destino a la exportación— que grabó la orquesta de Juan de Dios Filiberto. Angel Domínguez, Enrique Alessio y José Berón, fueron otros de los conjuntos en que tocó hasta 1961, cuando fue llamado por Leopoldo Federico para reemplazar a Manuel Flores, en toda la serie de actuaciones y de registros fonográficos de acompañamiento al cantor Julio Sosa, así como en las versiones posteriores de Federico como director independiente. Alternó desde entonces dicha labor con su intervención en el grupo Cuatro Amigos Para el Tango que se presentó en Radio El Mundo y en locales nocturnos, en el quinteto de Pedro Laurenz y en la orquesta de Ricardo Malerba. A fines de 1968 tomó el lugar de Osvaldo Berlingieri en la orquesta de Aníbal Troilo.
Colaboró en todas las actuaciones de Pichuco hasta la desaparición del maestro, grabando discos, sentado al piano de la orquesta o del cuarteto en Buenos Aires, y en Mar del Plata en Caño 14, El Viejo Almacén, Teatro Odeón y programas de televisión. Simultáneamente con esa destacada labor, formó su propio conjunto con Néstor Marconi (bandoneón y arreglos), Aníbal Arias(guitarra eléctrica) y Omar Murtagh (contrabajo) grabando cuatro discos de larga du-ración para Tono-Disc, sello en el cual también colaboró en los acompañamientos de Hugo Díaz. Ha integrado también especialmente —para grabaciones—, la orquesta de Raúl Garello; y en 1976 y 1977 ha sido director musical de El Lagar del Virrey y de Kabaret, luego de su gira por el Perú con Roberto Goyeneche, Ruth Durante y Domingo Molles. Es compositor de los tangos Puerta de barrio, Mi tormenta, Las del humilde querer, ¿Te das cuenta? y Placeando, éste incluido en un L.P. que con su cuarteto destinó a exaltar la música de Julián Plaza. 
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

Matt Monro

Matt Monro

Matt Monro

Terrence Parsons (Londres, 1 de diciembre de 1932 - 7 de febrero de 1985), conocido como Matt Monro, fue un cantante inglés de música popular que se hizo internacionalmente conocido al interpretar una de las canciones de la banda sonora de una de las películas de James Bond, "From Russia with Love".

Con un reconocido sentido del swing, y en la estela de cantantes al estilo de Frank Sinatra, Monro obtuvo sus principales éxitos durante los años sesenta, sobre todo en Gran Bretaña.

Comenzó su carrera cantando en anuncios de televisión y con una cuantas orquestas británicas (entre ellas, la Orquesta de Cyril Stapleton) a comienzos de los años cincuenta. Tras unas pocas grabaciones para diversas compañías, firmó con Decca para un disco de estándares titulado Blue and Sentimental (1957).

Un año después su carrera vivió un momento crucial cuando el productor George Martin le pidió que prestase su voz para un disco de Peter Sellers, Songs for Swingin' Sellers, en el que se satirizaban diversos temas de Sinatra. La contribución de Monro, "You Keep Me Swingin'", le proporcionó un contrato para Parlophone, y alcanzó el número tres en las listas británicas con su tema de 1960 "Portrait of My Love". Otros temas exitosos fueron "My Kind of Girl" (que sería su primer éxito en Estados Unidos) y "Softly, As I Leave You".

En 1962 publicó un LP para Parlophone, Matt Monro Sings Hoagy Carmichael, con gran repercusión, aunque sería su interpretación del tema para la película de James Bond la que le haría ser conocido en todo el mundo. Su siguiente tema, "Walk Away", llegó al número cuatro en Gran Bretaña y entró entre los veinte primeros en Estados Unidos.

En 1965 se convirtió en el primer artista en versionar el tema de los Beatles, "Yesterday". Se trasladó a Estados Unidos y empezó a prodigarse en night clubs y a grabar de forma esporádica durante los años setenta. Su disco de 1980 Heartbreakers lo situó de nuevo en el ambiente musical pero su salud se fue deteriorando y por culpa de un cáncer falleció cinco años después. Fuente wikipedia

Osvaldo Piro

Osvaldo Piro


Osvaldo Piro y Amelita Baltar


Osvaldo Piro


Osvaldo Piro

PIRO, Osvaldo. (Nombre de familia: Osvaldo Carlos Piro). Músico. Bandoneon/sta. Di-
rector. Arreglador. Compositor. Nació en Buenos Aires, barrio de La Paternal el 1 de enero de 1937. "Sí, hubo músicos en mi familia—cuenta—. Mi padre, Fernando Piro era
violinista de orquestas típicas y los hermanos de mi madre tocaban bandoneón. Desde muy chico el tango y el fueye fueron mi locura. Así empecé a estudiar con el clásico maestro de barrio cuando cumplí los diez años de edad". Estudió hasta 1952 con Domingo Matío; cursó armonía con Pedro Rubione y Julio Nistal, y con Juan Francisco Giacobbe, Filosofía de la Música. Su debut profesional tuvo lugar en la orquesta de Ricardo Pedevilla pasando en 1953 a la de Alfredo Gobbi; colaboró después con diversos directores: Ángel D'Agostino, Víctor D'Amario, Roberto Caló. Durante cinco años(1958-1963) integró la fila de bandoneones en la agrupación de su admirado Alfredo Gobbi. Tocó luego durante corto período con Fulvio Salamanca hasta que resolvió la formación de su propia orquesta, a la que presentó por primera vez, el 16 de febrero de 1965 con el vocalista Carlos Nogués, en la confitería Patio de Tango de la calle Corrientes. En setiembre del mismo año, lo contrató Radio Belgrano y en enero de 1966
fue ganador del Festival Nacional de Tango, de la ciudad de La Falda, en Córdoba. En la confitería nocturna Relieve, de Diagonal y Florida le es entregado el Trébol de Oro, mientras que —con el padrinazgo de Aníbal Troilo la casa Alanicky presenta su primer L.P. en el cual quedan documentadas las calidades de su estilo; el gran milonguerismo de Gobbi, la renovación musical de Piazzolla y el gran sonido orquestal de Troilo, concurren a cimentar sus realizaciones bajo una manera crecientemente personal, con delicadas preocupaciones de expresión y devoción por el matiz y los valores esenciales de lo tanguístico. En 1967 ofrece recitales destacados por cuatro canales: Séptima Noche, con Hugo Guerrero Martinheitz, en Ca-
nal 7; Domingos de mi Ciudad, en Canal 11; Sábados Circulares, por Canal 13 y
Todo Argentina por Canal 2 de La Plata.
Estas actuaciones le valieron que APTRA le otorgara el Martín Fierro a la revelación
musical del año. Radio El Mundo lo llamó entonces para presentarse en Glostora Tan-
go Club, ciclo que él cerró cuando dicho programa cumplía sus veinte años en dicha
emisora; en 1968 lo contrató Philips para la cual realizó tres discos de larga duración. En 1970 se casó con Susana Rinaldi con quien estableció en Mar del Plata durante ese verano, el café-concert Magoya en que ambos fueron figuras centrales. Compuso en 1972 la música para la pieza de Alberto Rodríguez Muñoz, Biógrafo, estrenada en el Teatro Enrique Santos Discépolo (Alvear) con Norberto Aroldi como protagonista. Dos años después, cuando la Comedia Nacional repuso en el Teatro Nacional Cervantes el clásico de Samuel Eichelbaum Un Tal Servando Gómez, también le fue encargada la musicalización realizada con el Coral San Isidro. En 1975 actuó durante varios meses en el Brasil como figura del espectáculo Una Noche en Buenos Aires, y esa misma temporada Zita de Troilo le hizo entrega de uno de los bandoneones que fueron de Pichuco como distinción por su trayectoria.
Posteriormente ha tocado en Buenos Aires, grabando desde 1977 para la RCA Victor.
Sus obras de compositor: Azul noche (instrumental, 1968); la milonga Manuel Flores,
(sobre poema de Jorge Luis Borges) y en 1978 otro tango instrumental grabado por
la agrupación de Juan Carlos Cuacci Octubre.Fuente Horacio Ferrer

Biografia II
Bandoneonista ,compositor y arreglador Osvaldo Piro es uno de los referentes más importantes del Tango . Ahijado artístico de Aníbal Troilo, (quien le dejó en herencia su bandoneón) y del poeta Cátulo Castillo, Osvaldo Piro se convirtió en uno de los más jóvenes directores de orquesta de tango y el público lo consagró entre sus favoritos cuando ganó el Festival de la Falda, Córdoba, en 1965. Ha sido declarado “Ciudadano Ilustre de Buenos Aires” (1995), premiado por sus pares con el Premio SADAIC “Mejor Intérprete” (1992 y 1999) y con el “Martín Fierro” (APTRA) por su actuación en TV (1966), entre muchas otras distinciones recibidas. A una esquina de Buenos Aires le fue impuesto su nombre. Se trata de la intersección de la calle Florida con la avenida Corrientes, (1996). En Japón, una edición especial de tarjetas telefónicas con una foto que lo muestra al frente de su orquesta recuerda su primera gira por 44 ciudades (1997) Fue Director Titular de la Orquesta Nacional de Música Argentina, desde mayo 1994 hasta mayo de 2.000, y justamente con este organismo ganó en forma compartida el Premio SADAIC al mejor intérprete de Música Ciudadana 1999 (lo había ganado en forma individual en 1992) Ha actuado en las más importantes salas teatrales del país, incluyendo el Teatro Colón de Buenos Aires, el Teatro Nacional Cervantes, el Teatro General San Martín, el Teatro Presidente Alvear, el Stadium Luna Park, la Biblioteca Nacional, Universidades, Centros Culturales, el Estadio Mundialista de Mar del Plata y ciudades del interior de Argentina Durante los años 1980 y 1990 realizó al frente de su quinteto (cinco solistas) y su noneto (nueve integrantes) presentaciones artísticas en Brasil, Chile, Paraguay, Bolivia, Finlandia Suecia, Holanda, Bélgica y Francia –país en que estuvo radicado algunos años- y también realizó en 1997 una exitosa gira por el territorio del Japón 53 conciertos organizados por la Asociación Min-On. Con Orquesta Nacional, también se presentó en París, Estocolmo y Tokyo, y en Chile y Paraguay y en 15 provincias argentinas, En 1998 fue el Director Artístico del Encuentro Nacional de Tango que reunió a 200 artistas de todas las provincias del país. A través de su carrera ha compartido escenario con las más destacadas figuras del medio (Maximiliano Guerra, Osvaldo Pugliese, Lalo Schifrin, Horacio Salgán, Aníbal Troilo, Leopoldo Federico, Pedro Vargas, Juan Carlos Copes, Jairo, (entre otros) y actuó con importantes artistas (Julio Bocca, Alberto Cortez, Susana Rinaldi, Roberto Goyeneche, Eladia Blázquez, Adriana Varela, Eleonora Cassano, Armando Manzanero, Joaquín Sabina, Raúl Lavié, Hugo Marcel, Julián Plaza, Patricia Sosa, Alejandro Lerner, entre muchos otros). Compuso música para obras teatrales como es el caso de “Un tal Servendo Gómez” de Samuel Eichelbaum, programas especiales de TV, cortometrajes de cine y video argentinos y europeos, entre los que se destaca “Maradonna il Napoli”. Con su orquesta de nueve integrantes durante el año 2.000 y el 2001 y realizó diversas presentaciones, entre las que se destacan su participación en el "III Festival Buenos Aires Tango" (organizado por el Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires), el programa "Cultura para todos" (organizado por la Provincia de Buenos Aires) y La Feria del Libro en La Rural y la presentación de su Quinteto en televisión (Canal 7). En mayo de 2001 actuó como director invitado de la Orquesta Nacional de Música Argentina en dos conciertos y, en el Teatro Nacional Cervantes, recibió una plaqueta entregrada por la Dirección de Música de la Secretaría de Cultura y los integrantes de la orquesta, en reconociento por su tarea cuando fue Director Titular de ese organismo. Respecto del año 2002 se destaca su participación en el IV Festival Buenos Aires Tango con su Quinteto y también en el marco de la programación de la MBA (Música de Buenos Aires) en el Teatro Alvear. También actuó como director invitado de la Orquesta del Tango de la Ciudad de Buenos Aires, en los meses de julio y diciembre. Otras actuaciones que cabe destacar fuerion las realizadas con su Quinteto con motivo del aniversario de la ciudad de Rosario y en octubre en la Semana Musical Llao-Llao, en Bariloche con gran éxito y repercusión. Como broche de oro, en el mes de diciembre, durante la celebración de la Semana del Tango Justamente en el marco de ese evento, participó con la Orquesta del Tango de Buenos Aires en la grabación de un Cd en vivo en el Teatro Colón. En abril de 2003 asumió como como Director Titular de la Orquesta Provincial de Música Ciudadana de Córdoba, organismo con el que ya se ha presentado en muchas ciudades del interior de esa provincia y en el Teatro del Libertador, en la ciudad capital. Durante el 2003 se presentó en grandes galas con su Quinteto, incluyendo el Teatro Municipal de Bahía Blanca, la Sala AB del Centro Cultural General San Martín, entre otros destacados escenarios. Tiene editados en paises como Argentina , Francia , Japón ,Finlandia ,Suecia, Holanda, Bélgica parte de su amplia discografia . En el año 2007 con el auspicio de la Fundación del Teatro del Libertador (Córdoba,Argentina) y la producción del músico Juan Carlos Ingaramo , editó su último registro discográfico hasta el presente "Eclipse" acompañado por los jovenes músicos que integran la Orquesta de Música Ciudadana fuente web Osvaldo Piro

Roberto Achával

Roberto Achával

ACHÁVAL, Roberto. (11 de noviembre de 1930-27 de junio 1996) Cantor. Músico. Violinista. Bandoneonista. Nació en Ingeniero White, puerto de Bahía Blanca. Desde los ocho años de edad estudió teoría, solfeo y violín con su tío Aliveo Crudelli. Todavía de pantalones cortos, tocó su instrumento en iglesias y casamientos acompañando al organista en la Serenata de Schubert o la Marcha Nupcial. En Ingeniero White, integró la orquesta de Aníbal Troncoso, y ya en Bahía Blanca la que dirigía Luis Bonnat, quien le enseñó a tocar bandoneón, perfeccionándose con Antonio Ríos. Alternando violín y canto, debutó como vocalista en dicha orquesta bahiense. Y corría 1967 cuando se inscribió en el certamen del Festival de La Falda, donde obtuvo el segundo lugar entre los intérpretes vocales. Volvió a Bahía Blanca, y dos años después llegó a Buenos Aires, participando en el concurso del programa Grandes Valores del Tango: dadas sus condiciones, fue separado de la competencia ofreciéndole Canal 9 un contrato por tres años. Actuó luego en El Bulín de la Calle Ayacucho, compartiendo la cartelera con la orquesta del maestro Aníbal Troilo. Desde 1971 hasta 1973, fue figura en Malena al Sur, pasando en ese último año a El Viejo Almacén: allí, pudo estimarlo el público más exigente, con su temperamental voz de barítono, su irreprochable sobriedad expresiva y su cuidado repertorio de tangos—preferentemente, temas del cuarenta—acompañado por la orquesta de Carlitos García, y en sus muy frecuentes intervenciones en las presentaciones de Troilo quien en 1975, lo requirió para solista de su postrer espectáculo presentado en el Teatro Odeón. Al siguiente año, rubricó ese suceso —y esa difícil distinción—, con una gira por setenta ciudades del Brasil, que abarcó la temporada íntegra desde marzo hasta diciembre, en un cartel compartido con Jorge Sobral, Las Voces Blancas y el Sexteto Mayor. En 1977 fue figura central en la boite Mimo's. Ha cantado, también, en los recitales de Radio Municipal, en los programas de Canal 7, y como artista invitado con la orquesta de Osvaldo Piro, con la que registró sus interpretaciones para el disco. Horacio Ferrer

Pasodoble

Las tunas han utilizado siempre pasodobles de tuna para sus representaciones


El repertorio de las bandas de música está compuesto en más de un 60% de pasodobles

El "paso-doble" o "pasodoble" es una marcha ligera, adoptada como paso reglamentario de la infantería, con una característica especial que hace que la tropa pueda llevar el paso ordinario. En su día recibióeste nombre de "pasodoble", ya fuera para desfiles militares o taurinos. También recibió el mismo nombre la danza, que fue popularizada hacia 1926. Se compone con un compás de 2/4 o 6/8.

Parece ser que el pasodoble procede de la tonadilla escénica, que era una composición que en la primera mitad del siglo XVIII servía como conclusión de los entremeses y los bailes escénicos y que luego desde mediados del mismo siglo era utilizada como intermedio musical entre los actos de las comedias
Se conoce como pasodoble el baile originado en España hacia 1533 y 1538 en el cual la mujer desarrolla un papel importante. Ella es utilizada con(normalmente) el paso 69 (libro de pasos). Utilizado en varias regiones para la celebración de eventos. Fue una parte muy importante para el desarrollo del país. Es, además, uno de los pocos bailes de pareja que se siguen conservando hoy en día; está presente en muchas fiestas (verbenas populares) y sigue formando parte de la tradición de todas las regiones de España. "A principios de siglo se relacionó con el garrotín, un baile de pareja gitano, bastante vivo y repetitivo". También se cree que este baile pudo originarse en Francia, donde se llamó pas-redouble, tocado por bandas para marchas militares desde 1780. Desde este país se fue desarrollando y extendiendo a otros territorios como una marcha rápida de infantería que regulaba el paso de los soldados.

El pasodoble es un baile muy sencillo, con figuras muy libres, por lo que resulta bastante fácil aprenderlo. La posición de la pareja es igual a la de todos los bailes de salón, uno enfrente del otro y con los cuerpos pegados ligeramente desplazados hacia la izquierda. Su ritmo básico es muy simple: un paso por tiempo y se debe permanecer todo el tiempo con los cuerpos en paralelo y con la mano izquierda y derecha del hombre y la mujer, respectivamente, unidas. El pasodoble forma parte del repertorio de las bandas de música españolas y suele constar de introducción y dos partes principales, con un ritmo aflamencado. Como danza es semejante al one-step; se diferencia en el número de pasos que se dan al bailar y en sus respectivos nombres.

Actualmente, una de las maneras por las que se ha mantenido vivo este ritmo (aparte de las bandas de música) son las Tunas, agrupaciones musicales universitarias, provenientes del siglo XII. Hoy en día, los pasodobles forman parte importante del repertorio de estas agrupaciones, sean de España o de otras regiones del mundo. Uno de los elementos característicos de los pasodobles interpretados por las tunas, es la vistosidad, ya que, además, se acompañan con ciertas piruetas denominadas Fantasía de Pandereta (tocar el instrumento con distintas parte del cuerpo, sin perder el ritmo), Baile de Bandera (mover el estandarte de la Tuna al ritmo de la canción) y el Baile de Capa (agitar la capa emulando al movimiento de los toreros). Las canciones más interpretadas por las tunas son, entre otras: "La Morena de mi Copla" (Julio Romero de Torres), "Tres Veces Guapa", "Párate", "Barrio Brujo", etc. además de contar con pasodobles creados exclusivamente para Tuna, como: "Las Cintas de mi Capa", "Tuna Compostelana", "Tuna de Ingenieros"; teniendo en cuenta que cada Tuna, en su mayoría tiene un pasodoble creado por ellos mismos, que, a manera de Himno es el distintivo de éstas canciones.Fuente Wikipedia

Coco Nelegatti

Coco Nelegatti con su quinteto Arrabal

Nacido en Córdoba (Argentina) el 24 de Diciembre de 1959.

Guitarrista y cantante desde los cuatro años, apoyado en sus inicios por el músico Chango Rodriguez y el
poeta Felix Perez Pruneda. Luego estudios de guitarra con el guitarrista José María Montini.

1. premio en el "Festival de la Cumbre" (Solista de canto y guitarra) en Córdoba. Esto le permitió ser el primer niño que actuara en el Escenario Mayor del Festival de Cosquín a los 9 años de edad, escenario que compartió con figuras de la talla de Daniel Toro y Mercedes Sosa.

Actuación - desde 1963 - en diversos festivales de música folclórica y tango como el "Festival de Música de
Baradero" y el “Festival de Tango de La Falda”.

Cofundador y pianista de el grupo “Ritual” (1979) junto al folclorista Luis “Mocho” Hoyos y Federico Falcón.

Fundador del Duo "Musicanto" - en 1982 - con actuaciones en diversos países latinoamericanos como Perú,
Bolivia y Ecuador, en los que difunde la música popular argentina y se dedica al estudio de la música urbana
y rural de estos países. Producto de estos estudios es, entre otros, la exposición “Instrumentos musicales
indígenas” en Cochabamba y La Paz (1985) bajo el auspicio del “Centro Portales” y la “Casa de la Cultura"
en La Paz, Bolivia.

Compositor de música teatral para Radio Nacional de Ecuador (1986).

En 1996 continúa su carrera artística en Europa.

Fundador in Berlin del “Coco Nelegatti Ensemble”, dedicado a la difusión e interpretación de la “Misa Criolla”
y “Navidad nuestra” de Ariel Ramirez, realizando presentaciones en salas de concierto como la Philarmonie
Berlin, Prinzregententheater Munich, Liederhalle Stuttgart y Hagia Sophia Istanbul Turquia, entre otros.

Fundador, compositor y arreglador del trio de tango “el Desbande” (1993-1996) con el que participa en la
“Cumbre Mundial del Tango” en Granada, España y en Montevideo, Uruguay.

Director musical - desde 1996 - de producciones de tango como “Die Rose, die ich nicht Singe” con la
participación de la actríz Sabrina Alcacibar y “Tango Argentino” con el reconocido cantante Siro San Román
en la Philarmonie, Berlin.

Fundador de “Coco Nelegatti y su Quinteto Arrabal” (1998), agrupación en la que se funden las raíces criollas
y la riqueza orquestal del tango y con la que actúa en escenarios importantes de Alemania, Holanda, Italia,
Suiza y Dinamarca.

Compositor de innumerables piezas de tango, parte integrante del repertorio de diversas agrupaciones a
nivel mundial como el “Duo Australis“ (Sally Walker, Flöte - Anthony Field, Gitarre) y el “Duo Thea Nielsen”
(Oliver Fatach-Naini) de Australia; el trio de guitarras “Guitarras Portenhas” del guitarrista holandés Kay Sleking,
el quinteto „Tango Concertante“ de Alemania, los quintetos holandeses „Quinteto Bailongo“ y „Quinteto
Tango Extremo“, entre otros.

Invitado frecuente a programas radiales (Musikpassagen, WDR III), televisivos ("Tango-Fieber", WDR-Kanal) y
conferencias (Tangolehrerkonferenz Kassel), entre otros, en los que cumple una gran labor difusora del tango.

Integrante del trio "Stazo Mayor" (2006-2007), bajo la dirección del maestro Luis Stazo (fundador e integrante del "Sexteto Mayor").

Profesor - desde 1998 - de la cátedra de Tango-World Musik del Conservatorio de Rotterdam, Holanda.


CDS

Como Intérprete
Coco Nelegatti y su Quinteto Arrabal - Tango argentino (Löwenzahn HD 20014)
Collegium Musicum - Ein amerikanisches Programm (ZEIS H255AE)
Karneval der Kulturen - Vol. 1 (OEKOT 773253H)
Cumbre Mundial del Tango en Granada - Vol.1 (BBG-9539-CD)
Cumbre Mundial del Tango en Granada - Vol.2 (BBG-9644-CD)

Como Compositor-Arrenglador
Thea Nielsen / Oliver Fartach-Naini - Ex Oriente Lux (Kreuzberg Records 10091)
Kay Sleking - Guitarra y Tango (eigen beheer 2006)
Quinteto Bailongo - Tiempos viejos (SYN 209-26471)
Quinteto Tango Extremo – Una cosa diferente (BMCD464)
Tango Concertante - Tango sin palabras (Acoustic Music Records 2003) Fuente: web de Coco Nelegatti