Alberto Castillo

Alberto Castillo con Francisco Canaro

Alberto Castillo


Alberto Castillo

Orquesta Ricardo Tanturi con Alberto Castillo

Alberto Castillo

CASTILLO, Alberto. (Nombre de familia: Alberto De Luca). Cantor. Actor. Nació en Buenos Aires en el barrio de Mataderos,el 7 de diciembre de 1914. Cursó sus estudios en la Facultad de Medicina de Buenos Aires, obteniendo en 1942 su grado de médico especialista en ginecología. Durante la etapa de practicante del hospital Alvear, ya había manifestado su vocación por el canto, en el cual fue alentado por distintos artistas, Juan Carlos Cobián, Vicente Martínez Cuitiño y Carlos Roldán, entre ellos.
Cantó en 1934, con Armando Neira; en 1935,con Augusto Berto; en 1937, con Mariano Rodas. En 1938, durante una fiesta estudiantil que fue animada por la orquestatípica Los Indios, de Ricardo Tanturi sus compañeros le pidieron que cantara con ésta. Ingresó al conjunto en 1939, llamando inmediatamente la atención su manera novedosa de interpretar el tango, a la que unía, en lo musical, una perfecta afinación. Su primer disco el vals Recuerdo grabado el 8 de enero de 1941. Noches de Colón, A otra cosa, che pebeta, Tango, Madame Ivonne, Así se baila el tango —también grabó en discos Víctor— expresaron, entre otras versiones suyas con Tanturi, el advenimiento de un vocalista distinto. En 1944, se independizó confiando la dirección de su acompañamiento al violinista y arreglador Emilio Balcarce. A éste lo sucedió en tal responsabilidad Enrique Alessio, permaneciendo luego y durante muchos años, como director de su orquesta el también bandoneonista Ángel Condercuri. Realizó, en distintos momentos de su trayectoria giras por el sur y centro y el norte de América, temporadas teatrales y varias películas: Adiós, Pampa Mía (dir.:Manuel Romero, 1946), El Tango Vuelve a París (dir.: Romero, 1948), Un Tropezón Cualquiera da en la Vida (dir.: Romero 1959), Alma de Bohemio (dir.: Julio Saraceni), Por Cuatro Días Locos (dir.: Saraceni, 1954). Su"slogan" artístico fue siempre, "el cantor de los cien barrios porteños". Fuente Horacio Ferrer

A los 87 años, falleció ayer el cantante de tangos Alberto Castillo, que se encontraba internado en el Sanatorio Bazterrica de la ciudad de Buenos Aires, a causa de una neumonía, según informaron médicos de la institución. Sus restos eran velados anoche en el Salón Dorado de la Legislatura porteña. Decir que Alberto Castillo tenía un "estilo particularísimo de cantar", o, como esbozó Julián Centeya, "no se parece a ninguna voz" es decir nada. Ningún cantor (ningún intérprete de la música popular) deja de tener su "particular estilo". Eso se dice cuando no se tiene nada que decir. Porque es evidente que cada cual tiene ineludiblemente una voz distinta, un distinto registro, un timbre personal, un modo de frasear o matizar especial. El canto de Castillo se diferencia del de los demás cantantes del tangos (aunque se lo asocie temerariamente por el gracejo burlón, arrabalero y de "cadencias reas" a Rosita Quiroga, Sofía Bozán o Tita Merello) por su modo de expresar las palabras, dando énfasis a los acentos prosódicos, mientras que las sílabas débiles se escondían en la articulación de la frase. Su voz de tenor era vibrante, siempre emocionada y entregada de lleno a cada tema. Pero Castillo nunca gritó, jamás vociferó, aun en los momentos en que expandía su voz con esa cálida unción de los cantantes sentimentales. Castillo desgranaba matices y era clarísimo -como su impecable afinación- en la dicción, detalle que suele escapar a la mayoría de los cantores de tango, y que Goyeneche supo hacer de ella un culto acendrado, dejando así su ejemplo imperecedero. Castillo sostenía que su modo de cantar favorecía a los bailarines: "La gente se mueve gracias a mi modo de cantar", aseguraba. El verdadero nombre de Alberto Castillo era Alberto Salvador De Lucca. Nació el 7 de diciembre de 1914 en el barrio de Mataderos, precisamente en Juan Bautista Alberdi al 4700. Era el quinto hijo de un matrimonio de inmigrantes italianos: Salvador De Lucca y Lucía Di Paola. Se inició en la música de pequeño. En algún tiempo lidió con el violín, pero su pasión era cantar en cuanta oportunidad se le presentaba durante su adolescencia. A los 15, en su barra, lo sorprendió el guitarrista Armando Neira y le propuso llevarlo a su grupo. Allí fue su debut profesional. Su nombre artístico era entonces el de Alberto Dual. Otras veces se hacía llamar Carlos Duval. Cantó en las orquestas de Julio De Caro en el 34, de Augusto Pedro Berto al año siguiente, y en la de Mariano Rodas en 1937. En 1938, dejó la orquesta y se dedicó a estudiar medicina. Pero su pasión musical pudo más y ya un año antes de recibirse ingresó en la Orquesta Típica Los Indios, que dirigía el dentista-pianista Ricardo Tanturi.
Seudónimo definitivo : El 8 de enero de 1941 se publicó el primer disco de Tanturi con el cantor Alberto Castillo, su flamante y definitivo seudónimo, a instancias de Pablo Osvaldo Valle, un hombre de radio. Allí, con el vals "Recuerdos", alcanzó su primer gran éxito. El paréntesis tanguero no le impidió recibirse de ginecólogo y de instalar su consultorio en la casa de sus padres. Por un lado, Alberto Salvador De Lucca atendía a las señoras y, por otra, Alberto Castillo consolidaba su papel de cantor de tangos. La dualidad hizo que muchas de sus pacientes acudieran al consultorio para hacerse atender por el cantor. Pero las tentaciones no pudieron con el artista que llevaba adentro. El 6 de junio de 1945 -disfrutando ya su condición de ídolo- se casó con Ofelia Oneto. Con ella tuvo tres hijos: Alberto Jorge (ginecólogo y obstetra), Viviana Ofelia (veterinaria e ingeniera agrónoma) y Gustavo Alberto (cirujano plástico). Su estilo ya estaba definido: sus movimientos de un lado al otro del escenario, sus inclinaciones frente al micrófono, que manejaba con su mano derecha muy cerca de sus labios, su pañuelo en el bolsillo del saco, el cuello de la camisa desabrochado y la corbata aflojada constituían toda una marca. Castillo se consideraba bien de pueblo y alguna vez tropezó con algún pituco que se ofendía por las letras de los tangos. Así ocurrió que, en 1944, la policía debió interrumpir el tránsito frente al teatro Alvear de la calle Corrientes. En ese tiempo, ya no pertenecía a la orquesta de Tanturi. Su inclinación hacia las expresiones más reas lo acercaron al candombe, junto a bailarines negros, como fue el caso de Charon (Osvaldo Sosa Cordero) que compartió la fama del ídolo. El ritmo estaba en "Siga el baile", el "Baile de los morenos", "El cachivachero" o el escrito por él "Candonga". La capacidad para inventar letras se tradujo en tangos como "Yo soy de la vieja ola", "Muchachos, escuchen", "Cucusita", "Así canta Buenos Aires", "Un regalo del cielo", "A Chirolita", "¡Adónde me quieren llevar!", "Castañuelas", "Cada día canta más", más dos marchas "La perinola" y "Año nuevo".

El cine lo convirtió en actor natural. Su debut fue en 1946 con "Adiós pampa mía". Le siguieron "El tango vuelve a París" (1948) junto a Troilo: "Un tropezón cualquiera da en la vida" (1948), con Virginia Luque, "Alma de bohemio (1948), "La barra de la esquina" (1950), "Buenos Aires mi tierra querida" (1951), "Por cuatro días locos" (1953), "Ritmo, amor y picardía" (1955), "Música, alegría y amor" (1956) y "Luces de candilejas" (1958) en estas tres con la rumbera Amelita Vargas, y "Nubes de humo" (1959). El último éxito de Castillo fue en 1993, cuando grabó "Siga el baile" con Los Auténticos Decadentes, en el disco de la banda "Fiesta monstruo", y se ganó a la muchachada de fin de siglo, tal como lo había logrado con la de los años 40. Habrá que recordar, entre sus temas identificatorios: "Noches de Colón" (1926), grabado en 1941, y "Muñeca Brava (1942) y "Así se baila el tango (1942) con Tanturi; "Los cien barrios porteños", uno de sus clásicos en forma de vals, grabado en 1945 y esgrimido durante toda su carrera, el candombe montevideano "Siga el baile", otro de sus caballitos de batalla, grabado en 1953 para el sello Odeón, que lo volvió a grabar en 1960 y finalmente en el ya mencionado 1993, y "Yo soy de la vieja ola", con letra escrita por el propio Castillo en protesta por la irrupción de la Nueva Ola, grabado en 1959. Fuente René Vargas Vera Diario La nación 24 de Julio de 2002

Alfredo del Rio

Alfredo del Río, con José Rotulo y Eduardo Rovira revista cantando en 1948

Alfredo del Río: Cantor(5 de noviembre de 1932 - 21 de septiembre de 1978)
Nombre real: Alfredo Jesús Pérez
ue una de las voces interesantes del tango, al que quizás llegó una década más tarde -cuando el tango ya iniciaba su etapa declinante- pero su recuerdo permanecerá siempre entre todos aquellos que lo conocimos y gozamos de su compañía. Sus grandes condiciones vocales, su especial sentido interpretativo, su disciplina y responsabilidad en el cuidado de su voz, hicieron de él un gran profesional.
Tuve la suerte de compartir con Alfredo, durante dos años, las clases de vocalización con el querido maestro Digiorgio, en Ciudadela, pero fundamentalmente su amistad.

Fueron inolvidables las noches de la Richmond en los años 1955 y 1956, donde hablábamos mucho de canto, sobre todo de Carlos Gardel, pero también donde me confesara su gran admiración por Agustín Magaldi.

Seguramente, esa era la causa de su estilo "magaldiano", aunque más tanguero. Sus versiones de "Triste destino" y "Disfrazados" certifican esta opinión.

Nació en el barrio de Parque Patricios, en la ciudad de Buenos Aires. Hijo de Eduardo Alfredo Pérez y Aurora Margarita Domínguez. Su padre guitarrero y cantor, no sólo le transmitió su vocación, además lo estimuló, lo acompañó y fue el mayor admirador de Alfredito.

A los 12 años de edad debuta en el histórico café de la calle Boedo "El arco iris", en 1945 continúa en "El parque goal", de la avenida de Mayo. Luego es requerido por el director Miguel Ángel Giordano.

En el año 1948 actúa con la orquesta de Enrique Alessio hasta que éste, en 1950, pasa a integrar como primer bandoneonista la orquesta de Juan D'Arienzo, en reemplazo de Héctor Varela.

A partir de entonces, prosigue su carrera como solista, hasta que el gran Pedro Laurenz, quien reaparece en 1952 con su orquesta, lo convoca, y con él llega al disco por primera vez, para el sello Odeón.

El 25 de junio de 1952, la orquesta graba el instrumental de Juan de Dios Filiberto "Quejas de Bandoneón", y en el acople, "Cuando me entres a fallar", de José María Aguilar y Celedonio Flores, con la voz de Alfredo del Río. Después seguirán: "La gayola" de Rafael Tuegols y Armando Tagini, "Puente Alsina" de Benjamín Tagle Lara y "Nunca es tarde (Todavía estas a tiempo)" de Eduardo Pereyra y Celedonio.

En octubre de 1954 se produce el acontecimiento más importante de su carrera, su incorporación a la orquesta dirigida por "El violín romántico del tango", don Alfredo Gobbi, por la desvinculación del exitoso cantor Jorge Maciel, quien se había pasado a la orquesta de Osvaldo Pugliese. El otro vocalista de Gobbi era otro gran cantor: Tito Landó.

Esta orquesta fue admirada no sólo por sus seguidores, sino también por directores y músicos del tango, como los casos de Aníbal Troilo y Astor Piazzolla, quienes luego del fallecimiento de Gobbi, le dedicaran un tango cada uno, "Milonguero triste", Troilo y "Retrato de Alfredo Gobbi", Piazzolla.

La primera grabación fue en diciembre de 1954 para el sello Víctor, con el tango de Arturo Gallucci y Raúl Hormaza "El hijo cruel". Pero el hecho que marcaría al binomio Gobbi-Del Río, ocurriría al día siguiente, cuando registraron un tema que durante muchos años sería favorito del público y del que se vendieron miles de ejemplares: "Triste destino". Tango muy curioso, con una letra exótica que escapa a la temática común de los tangos y que pertenece a Agustín Magaldi, con la colaboración de su medio hermano Antonio Tello, y que el propio Magaldi, lamentablemente, no alcanzó a llevar al disco.

A partir de este momento, los discos del binomio tienen un gran éxito comercial. Luego vendrán dos obras maravillosas, de dos poetas contemporáneos, de alta sensibilidad y gran calidad poética: "Por una muñeca" de Manuel Barros y la milonga "A mis manos" de Julio Camilloni. Es de destacar que las melodías de esos poemas fueron compuestas por Emilio Balcarce y Alfredo Gobbi respectivamente.

Luego seguirán "Un tango para Chaplin", y en el reverso a dúo con Tito Landó el vals "Que nadie sepa mi sufrir", los tangos "Lágrimas de sangre", "Te estaba esperando", "Sin madre" y a dúo con Landó "Tuya" y el vals "El solitario", siendo este el último tema que graba en esta etapa con Gobbi.

A fines de 1956 es tentado, con un jugoso ofrecimiento económico, por el director Francisco Rotundo, y pasa a integrar su orquesta compartiendo el escenario con Enrique Campos.

Durante su paso con Rotundo dejo grabado para el sello Odeón "Dicha pasada", un tema que estaba olvidado por los intérpretes y que, a partir de esta grabación, comienza a tener nuevamente vigencia en los repertorios de la mayoría de los cantores.

Otros registros fueron : "Destino en flor", "Nunca es tarde" y el tango de Antonio Tello, de gran éxito en la década del ´30 por el gran Agustín Magaldi, "Disfrazados", en donde Alfredo realiza una interpretación memorable de gran calidad vocal.

A mitad de 1957 se desvinculó de Rotundo y junto al bandoneonista Eduardo Rovira, quien a su vez se separa de la orquesta de Gobbi, formaron el rubro Del Río-Rovira. Se presentaron en Radio Splendid y grabaron para el sello Allegro, dejando impreso en el surco los tangos: "Frente a un espejo" y "Yo quería ser feliz", junto al instrumental de Astor Piazzolla "Bando". Lamentablemente, funcionó poco tiempo, en los primeros meses de 1958 se disuelve la formación y Del Río vuelve a la orquesta "de sus amores", a la del querido maestro Gobbi.

Con Tito Landó vuelven a grabar las que serían las últimas piezas de una de las más brillantes orquestas de la historia del tango. Esta despedida se realizó en el sello Orfeo, en abril del 58 donde participa a dúo con Landó en el vals "Mi colegiala" y solo, en el hermoso tango "Dame tiempo", de Alberto Podestá, Cristóbal Ramos y Francisco Yoni. En 1959 Landó abandona la orquesta y entra en su lugar Ángel Díaz, "El paya", quien ya había estado en 1949.

En 1961, Alfredo es requerido por el maestro José Basso, para suplir a Alfredo Belusi. Con Basso graba tres temas, la milonga "Cobrate y dame el vuelto" y los tangos "Una historia más" y "Volver", el otro cantor de Basso era "El Tata" Floreal Ruiz.

Son los tiempos, en que el trabajo del tango comienza a reducirse a pequeños espectáculos, a casas de comida y a algunas giras. Prácticamente desaparecen las grandes orquestas y la actividad de la mayoría de los cantores era escasa.

La crisis también le llegó a Alfredo. Sus actuaciones eran esporádicas. Hasta que el 21 de septiembre de 1978, próximo a cumplir los 46 años, un síncope se lo llevó de este mundo. Dos días antes había realizado la que sería su última actuación en el "Club de los muchachos de Villa Madero", acompañado por el bandoneón de Eduardo Corti y las guitarras de los hermanos Cordone. El último tema que cantó fue la milonga "La duda", del guitarrista y payador Pedro Pombo.

Los temas grabados por Del Río fueron, 15 con Gobbi, 4 con Laurenz, 5 con Rotundo, 3 con Basso y 2 con Rovira. 
Abel Palermo

Duke Ellington

Duke Ellington

Duke Ellington y su Big Band

Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.

Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.

Duke Ellington

En 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.

Duke Ellington

Duke Ellington con Richard Nixon
Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.

En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"

A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.Fuente apoloybaco

Ibrahim Özgür

Ibrahim Özgür

Ibrahim Özgür: En los 20 finales y del 30 tango fue muy popular en Turquía. Para muchos compositores y cantantes fue el primer contacto que tenían con música "occidental". Músicos turcos y cantante Ibrahim Özgür escribieron muchas canciones de tango y tenían un talento evidente para la nostalgia. Su voz aterciopelada fue predestinada para tangos románticos. Las canciones en este CD se registraron en Estambul entre 1938 y 1949
Mi vida interior es en absoluto como mi vida profesional. Sin embargo mi vida profesional puede ser moderna, mi vida interior es muy conservador. Presumiblemente es hacer con mi trayendo arriba".

Stevie Wonder

Stevie Wonder

Stevie Wonder

Stevie Wonder (nacido el 13 de mayo, 1950), es un cantante, compositor, productor discográfico, músico y activista social estadounidense. Wonder ha grabado más de 30 éxitos de ventas, ha recibido 24 premios Grammy (un récord para un artista vivo), entre ellos uno por logros en su vida, y ha sido incluido en el salón de la fama de Rock and Roll de los compositores famosos.

Ciego desde la infancia, Wonder se ha convertido en uno de los más exitosos y reconocidos artistas en la Motown, con más de 100 millones de discos vendidos. Ha grabado diversos álbumes y sencillos que fueron aclamados por la crítica; también ha escrito y producido para otros artistas. Wonder toca diversos instrumentos como la batería, bajo, congas, y, más notablemente el piano, la armónica y el teclado. Los críticos refieren que la alta calidad y versatilidad de su trabajo indica todo el genio musical de Stevie.

Stevland Judkins nació prematuramente en Saginaw, Míchigan. La causa más probable de su ceguera fue la retinopatía del prematuro, que se produce al aportar oxígeno en la incubadora necesario para salvar la vida de los niños prematuros que nacen con pulmones inmaduros y ese oxígeno puede causar un crecimiento exagerado de los vasos que produce un desprendimiento de retina y ceguera. Sus padres murieron cuando era niño. Fue adoptado y recibió un nuevo nombre Steveland Morris. Aprendió desde muy pequeño a tocar gran cantidad de instrumentos, destacando con el piano, la flauta dulce, las congas y la armónica.

En 1962, a los 11 años, Morris fue traído a Motown por Ronnie White de The Miracles, y Berry Gordy, presidente de la discográfica, contrató a Morris para Tamla-Motown nombrándolo Little Stevie Wonder, a causa de su virtusismo. A los 13, el pequeño Stevie Wonder tuvo su primer éxito importante, Fingertips (Pt. 2), un sencillo de 1963 grabado en vivo en uno de los conciertos de los artistas de la Motown. La canción, que presentaba a Wonder como vocalista, con las congas y la armónica y a un joven joven Marvin Gaye en la batería, fue un éxito en los Estados Unidos y lanzó a Stevie al reconocimiento del público. Demostrando que de "Pequeño" no tenía nada, Wonder obtuvo otros éxitos musicales a mediados de los 60’s, incluyendo Uptight (Everything's Alright), With a Child's Heart, y Blowin' in the Wind, de Bob Dylan, una de las primeras canciones que reflejó la conciencia social de Wonder. También empezó a trabajar en el departamento de compositores de Motown, escribiendo canciones para sí mismo y para otros artistas . Hacia 1970, Wonder había alcanzado más éxitos importantes, como My Cherie Amour y Signed, Sealed, Delivered. Además de ser una de las primeras canciones en las que Wonder hace de compositor y productor, "Signed, Sealed, Delivered" fue uno de los principales escaparates para su grupo de respaldo Wonderlove, un trío que incluyó a Minnie Riperton, Deniece Williams, Lynda Laurence, y Syreeta Wright, con quien Wonder se casó el 14 de setiembre de 1970. Wonder y Wright se divorciaron 18 meses después, pero continuaron sus colaboraciones en proyectos musicales.

Además de Marvin Gaye, Stevie Wonder fue una de las pocas estrellas de Motown en refutar los métodos de operación de la discográfica: artistas, compositores, y productores eran usualmente mantenidos dentro de cooperativas especiales y carecían de control creativo alguno. Wonder discutió con Berry Gordy sobre el control creativo varias veces. Como respuesta, Motown lanzó un álbum con el nombre de Eivets Rednow a espaldas de Stevie Wonder. Las discusiones continuaron y, Wonder dejó que su contrato con Motown expirara, abandonando la discográfica en su 21 cumpleaños en 1971. El álbum final que precedió su salida fue Where I'm Coming From, lanzamiento al que Gordy se opuso fuertemente.

Esta es la época más gloriosa de Stevie quien abandonó definitivamente la coletilla de "pequeño Stevie" cuando se casó con Syreeta Wright, que trabajaba en el departamento de distribución de la Motown, y que colaboraría en la composición de algunos de los temas de los primeros álbumes de Stevie de los setenta. Su matrimonio no duró mucho, pero ambos continuaron cultivando una buena amistad hasta la muerte de Syreeta en el 2006. Tras divorciarse de Syreeta, Stevie se volvió a casar con otro miembro de la Motown, Yolanda Simmons, con la que tiene 2 hijos, Aisha Zakiya y Keita Sawandi.

EN 1972 Stevie conoció a Johanan Vigoda, un abogado que consiguió que el artista firmara un contrato millonario, cencediéndole al mismo tiempo una libertad creativa inimaginable en aquellos momentos al interno de una compañía tan férrea como era la Motown. El primer disco que Stevie grabó bajo esta nueva política fue Music of my Mind, en el que el cantante se hacía cargo, por primera vez en la historia, de la grabación de prácticamente todos los instrumentos del disco, además de ejercer las tareas de producción, composición y arreglista.

En el verano del 73, Stevie sufrió un accidente de tráfico que lo mantuvo en coma durante varios días y a consecuencia del cual el músico perdió el sentido del olfato, pero a pesar de este incidente, el resto de la déacada resultó gloriosa: De 1974 a 1977 Wonder ganó 14 Grammys incluyendo tres "Albumes del año" seguidos por Innervisions, Fullfillingness first finale y Songs in the Key of Life , para muchos uno de los mejores discos de la historia. Fue un periodo muy rico en creatividad y premios para Stevie, precursor en el empleo de sintetizadores y fuente de inspiración para los músicos venideros y de la época.

La década acaba con una banda sonora para el falso documental The Secret Life Of Plants, que a pesar de no cosechar el inmenso éxito comercial del disco anterior, obtuvo el disco
La década empieza con un nuevo trabajo, Hotter Than July, que recibe los 80 a ritmo de reggae con el hit, "Master Blaster", y que abre a Wonder a una audiencia más amplia. El artista inicia una lucha para conseguir que la fecha de nacimiento de Martin Luther King fuese declarado un día festivo en Estados Unidos. Efectúa colaboraciones importantes como "Ebony and Ivory", junto a Paul McCartney o "Just Good Friends", junto a Michael Jackson, y recibe un nuevo Grammy por "We are the world". Publica un grandes éxitos, Musiquarium, en el 82, con cuatro temas inéditos y en 1984 lanza The Woman In Red, para la banda sonora de la misma película, consiguiendo un Óscar por la canción I Just Call To Say I Love You. Publica además los álbumes In Square Circle y Characters. La década acaba con la inclusión del artista en el Rock and Roll Hall of Fame en 1989.

Hubo que esperar 10 años para una nueva publicación, que finalmente vio la luz en 2005 con el nombre de A Time to Love. El fallecimiento de personas cercanas y queridas para el artista como Syreeta Wright (su ex mujer y colaboradora en los 70), su madre Lula Mae Hardaway, su hermano Larry Hardaway, Ray Charles, Gerald Levert, Luther Vandross, significan un período triste para Stevie Wonder. Como nota positiva, Stevie recibe la notificación por parte de la Industry Association of America (RIAA) del certificado de 10 millones de unidades vendidas del mítico doble LP Songs in the Key of Life, siendo elegido dicho disco también para formar parte de "Library of Congress" (la biblioteca del congreso estadounidense).

La lista del 2003 de la revista "Rolling Stone" con los 500 álbumes más grandes de toda la historia incluyó cuatro de Stevie Wonder, además en el 2008 la misma revista le consideró uno de los diez mejores cantantes de todos los tiempos.

En 2006 grabó junto a Andrea Bocelli, "Canción Desafinada - Canzoni Stonate". En 2007 realizó su primera gira en diez años por los Estados Unidos, que continúa al año siguiente por Europa, Canadá y Australia.

Durante la campaña presidencial estadounidense de las elecciones de 2008, Stevie manifestó su apoyo al candidato demócrata Barack Obama.

El 23 de febrero de 2009 recibió el Gershwin Prize otorgado por la librería del congreso de los EE.UU. por su contribución a la música y expansión de la cultura en general. En marzo de ese mismo año publicó su primer DVD oficial, su título Live at Last, con el contenido de su concierto celebrado en octubre del año anterior en Londres.

En la ceremonia de entrega de los premios Gammy's 2009 actuó junto a los Jonas Brothers, interpretando "Burnin' up" y "Superstition".

Actualmente comparte su vida con la diseñadora de moda Kai Milla, que le ha dado dos hijos más, el último nacido en el 2005, el mismo dia de su cumpleaños. En total, Wonder es padre de diez hijos.

Entre sus futuros proyectos discográficos se cuentan The Gospel Inspired by Lula, un álbum de gospel en homenaje a su madre fallecida en el 2006, y otro titulado Through the Eyes of Wonder. Fuente Wikipedia

Javier Solis

Javier Solis

Javier Solis

Javier Solís
Gabriel Siria Levario Nogales (Sonora), México, 1 de septiembre de 1931 - † Distrito Federal, México, 19 de abril de 1966, ), fue un cantante y actor mexicano, conocido también como el «Rey del Bolero Ranchero».

Fue el primero de los tres hijos del matrimonio formado por Francisco Siria Mora de oficio panadero y Juana Levario Plata, comerciante, quienes trabajaban en la frontera por el tiempo que nacio Gabriel, posteriormente se trasladaron al Distrito Federal donde su madre poseía un puesto de venta en un mercado público y debido al abandono por su esposo y al tiempo que le demandaba su trabajo, decidió en Abril de 1932 dejar a Gabriel en casa de sus tíos Valentín Levario Plata y Ángela López Martínez. De hecho, el futuro artista siempre los consideró sus verdaderos padres.

Logró estudiar hasta el 5º año de educación en escuelas ubicadas en el barrio de Tacubaya, donde creció. En estas escuelas, comienzan sus inquietudes artísticas, pues solía participar como cantante en los festivales escolares. Sin embargo, deja de asistir a la escuela, para ayudar en los gastos domésticos y trabaja como recolector de huesos y vidrios. Posteriormente, trabajó trasladando mercancías en un automercado. En noviembre de 1939, fallece su madre adoptiva lo cual le afectó durante mucho tiempo. Sin embargo, el futuro cantante debió sobreponerse y continuó trabajando en oficios como panadero, carnicero, cargador de canastas en el mercado y lavador de automóviles. Luego se interesaría por el deporte, llegando a ser gran aficionado al box, al béisbol y al futbol.

Sin embargo es su inquietud de cantar, la que hace que empiece a cantar tangos y a presentarse en lugares públicos de espectáculos, conocidos como carpas. Su primera oportunidad, se la ofreció Manuel Garay, quien era payaso de profesión y administrador del Teatro Salón Obrero. Ahí fue donde se puso como sobrenombre artístico Javier Luquín y participaba en concursos de aficionados, llegando a ganar en más de una ocasión un par de zapatos donados por una zapatería del lugar. Continúa trabajando en carnicerías y en una de ellas, su propietario David Lara Ríos, dándose cuenta de las habilidades del joven intérprete le paga clases de canto con el Maestro Noé Quintero, quien había sido maestro de vocalización de cantantes reconocidos para la época.

Comienza una nueva etapa, actuando en restaurantes y formando el "Dúo Guadalajara" y luego integrando el "Trio Flamingo", llamado después "Trio México", con sus amigos Pablo Flores y Miguel Ortiz Reyes. A principios de 1948, continúa trabajando como carnicero y se inicia como intérprete solista de música ranchera cantando en las noches con grupos de mariachis en la "Plaza Garibaldi" y en la Calle Honduras, en la capital mexicana. Después canta en los restaurantes "El Tenampa" y el "Guadalajara de Noche", donde se hacía acompañar del mariachi "América" de Alfredo Serna. Como no tenía sueldo fijo, sus ingresos provenían de las propinas que recibía. Ese mismo año, por primera vez participa en un concurso radial, sin usar su seudónimo y, al finalizar el año, mientras cantaba en la "Plaza Garibaldi" el General Rafael Ávila Camacho lo contrata junto al grupo de Mariachis "Metepec" por un año para actuar en Atlixco, Puebla. Esta gira es muy importante, ya que fue la primera del artista como Javier Luquín. Al finalizar la gira, es contratado en un cabaret como cantante y animador, enfrentando diversa clase de público.

Durante algún tiempo se le consideró un imitador de Pedro Infante, pero gradualmente fue reconocido como un talento con identidad propia y con más facultades vocales que el "Ídolo de Guamúchil".

En 1950 graba sus primeras creaciones: "Punto negro", "Tómate una copa", "Virgen de barro" y "Te voy a dar mi corazón" las cuales fueron realizadas en un pequeño estudio de grabación destinado a artistas aficionados y que pertenecía a la sala de cine "Cinelandia" con sus amigos integrantes del Trío Los Galantes. Sin embargo, el cantante sólo hizo estas grabaciones en discos de acetato para mostrarlas a sus amistades y las entregó como tarjeta de presentación a la disquera Columbia cuando fue contratado por ésta en el mes de enero de 1956. Posteriormente la Compañía CBS/Columbia Internacional incluiría las dos últimas en el LP "Homenaje a Javier Solís", editado en 1990 y "Punto negro" lo sería en triple LP "36 éxitos de Javier Solís" que apareció en el mercado en el año 1969.

A principios de 1955, es contratado para cantar en el "Bar Azteca", donde permanece por espacio de 4 años. Es aquí donde, a sugerencia de su amigo Manuel Garay, cambia su seudónimo a Javier Solís con el cual lograría la fama artística. A mitad de ese mismo año, lo escucha cantar en el local Julito Rodríguez, en ese entonces, guitarrista y primera voz del Trío Los Panchos, Julito Rodríguez es quien lo recomienda para una audición con Felipe Valdés Leal, quien era director artístico de Discos Columbia de México (hoy SonyBMG Music). Gabriel Siria, ahora convertido en Javier Solís, resultó aprobado en la audición y se le hizo un contrato para grabar su primer sencillo a fines de 1955. Dicho disco sencillo contenía los temas "Que te importa" y "Por qué negar". El sencillo obtiene éxito en el interior de México y, gracias a ello, es contratado formalmente el 15 de enero de 1956. Se dice que, como parte de este trato, Javier Solís entrega la cinta que contenía los temas antes mencionados y la compañía la archivó por varios años, dando a conocer los temas, años después de su fallecimiento.

Un hecho inesperado, retrasa el lanzamiento de su primer álbum. El día del sepelio del actor y cantante Pedro Infante es motivo para que Solís, subiera a una cripta del cementerio a entonar la ranchera Grito Prisionero, imitando la vocalización del fallecido intérprete.

Solís continuó haciendo presentaciones en el "Bar Azteca" y también en un espacio de la emisora mexicana XEW. Recibe su primer Disco de Platino por las altas ventas de su primer sencillo, el día 5 de septiembre de 1957. Como consecuencia, graba su primer álbum Javier Solís, Volumen I añadiendo a los temas de su disco sencillo, 6 canciones más. Aquí se inicia la leyenda del artista, en cuanto atañe a su vida privada pues en el prefacio de este LP se asegura que su nacimiento ocurrió en el estado mexicano de Sonora, lo cual desmintieron las investigaciones periodísticas posteriores. Su consagración definitiva fue cuando grabó el tema Llorarás Llorarás (que formó parte del álbum del mismo título) en 1959, cuando Valdés Leal logró con consejos que Solís abandonara su estilo imitador. En lo sucesivo, su carrera fue meteórica, ya que aunque duró solamente 10 años, grabó 379 canciones y se convirtió en uno de los cantantes más famosos de la historia en México.

En 1959, durante su primera gira promocional hacia Estados Unidos, la disquera preparó un álbum contentivo de valses de origen mexicano en el cual el acompañamiento no sería efectuado con mariachis sino con una banda sinfónica conformada por músicos mexicanos y estadounidenses con arreglo y dirección del músico Fernando Zenaido Maldonado. El álbum, titulado Javier Solís Con Banda fue grabado en los estudios de Columbia Records en la ciudad de Nueva York en uno de los primeros trabajos de Grabación Multipista llevados a cabo por artistas latinoamericanos. Las ventas iniciales de este LP se destinaron a organizaciones de caridad, pero tuvo poca aceptación en México. Sin embargo, varios años después fue digitalizado. Curiosamente, en 1963 la disquera toma la pista de voz de esta grabación y sustituye el acompañamiento de banda con el del Mariachi Nacional de Arcadio Elías. El álbum resultante se denominó Valses Mexicanos, que al ser digitalizado se titularía Valses. Es la primera reconstrucción técnica llevada a cabo con la voz de Solís, aún en vida, aunque esto no lo sabrían algunos fanáticos del cantante sino varios años después, gracias a los avances en las técnicas de computación y multimedios que permitieron hacer la comparación posterior.

Al año siguiente (1960), en una nueva gira en Estados Unidos, emprende un proyecto muy diferente pues graba boleros con acompañamiento de orquesta de estudio dirigida por quien después sería su amigo, el músico estadounidense Chuck Anderson. Este álbum fue denominado Javier Solís en Nueva York y tenía como fin, según palabras del cantante, ponerlo al nivel de otros artistas de géneros románticos demostrando su versatilidad. Este disco tardaría un tiempo en salir al mercado, debido a la aceptación del cantante como artista del género ranchero.

En 1962 y 1963 graba dos de sus discos más célebres: "Fantasía Española" y "Trópico", con canciones del Músico-poeta Agustín Lara, convirtiéndose así en uno de sus mejores intérpretes. Con las interpretaciones de Javier Solís inicia una nueva era para la música de mariachi dejando atrás los sones y la temática campirana para incorporar la lírica urbana y las adaptaciones de canciones latinoamericanas, logrando refrescar el género y el interés del público por la música ranchera.

Hoy en día cuenta con un gran número de admiradores y sigue siendo uno de los mayores vendedores de discos.

Al iniciarse el año de 1966, Solís emprende un nuevo proyecto discográfico grabando algunas de las canciones más conocidas de los compositores puertorriqueños Rafael Hernández y Pedro Flores. Sin embargo, debido a sus padecimientos de salud, solo alcanzó a poner la voz a ocho de las pistas preparadas del nuevo álbum, aunque llegó a terminar su álbum Javier Solís Con Orquesta. Por consejo médico, el 12 de abril de ese año, Solís se internó en la "Clínica Santelena" de México D.F. para operarse de la vesícula biliar. Sin embargo, hasta el momento, se han recogido 4 diferentes versiones de su enfermedad y fallecimiento, sin que se tenga por válida ninguna de ellas. Una de estas versiones, la más difundida en la red Internet, dice que luego de su operación, el artista desoyó la prohibición médica de tomar agua fría, lo cual le produjo un paro cardíaco. Otra versión afirma que fue operado de apendicitis, pero que una pinza fue dejada en su organismo, lo cual ocasionó su muerte. En otra se indica que los padecimientos de Solís eran prostáticos. Finalmente, su amigo, el ya fallecido músico y arreglista estadounidense Chuck Anderson, decía que luego de su operación, el artista lo visitó el día 18 y le manifestó que le habían dado de alta, que se sentía bien y que en la noche asistiría a una fiesta. Al día siguiente, Anderson se enteró de la repentina muerte del artista.

El 20 de abril, en medio de manifestaciones de dolor su cuerpo fue inhumado en el lote de actores del Panteón Jardín de la Ciudad de México, lugar donde ha permanecido su cadáver desde entonces. Poco después, la disquera presentó las canciones dejadas por Solís, añadiéndoles a las pistas de estas interpretaciones, recitados escritos por el actor Ángel I. Fonfrías y declamados por el ya fallecido actor y locutor Guillermo Portillo Acosta. Este último álbum fue denominado Homenaje Inconcluso A Rafael Hernández y Pedro Flores, el cual tuvo tales ventas, que años después fue digitalizado. Fuente Wikipedia

Luciano Leocata

Luciano Leocata
De izquierda a derecha:Mejias, Villy, Leocata y Perry. La linea de bandoneones en la Orq. de Jose Tinelli en 1936

LEOCATA, LUCIANO
(25 de septiembre de 1915) – Bandoneonísta, director y compositor.
Comenzó a estudiar bandoneón en su adolescencia siendo sus primeros maestros José Lopresti y Juan Barraco.
Era todavía muy joven cuando comenzó a trabajar en la orquesta de Juan Pedro Castillo, pasando mas tarde
a la de José Tinelli, con quien actuó en Radio Stentor, una de las emisoras pioneras de nuestra radiofonía.
Prosiguió su labor como bandoneonísta junto a Florindo Sassone, orquesta en la que se mantuvo durante quince años, acompañando al maestro director en actuaciones por Radio El Mundo y numerosas giras por el interior del país.
En 1944, bajo la dirección de Enrique Alessio, fue componente de la orquesta que acompañó al cantor Alberto Castillo, manteniéndose en la misma durante diez años.
Para mediados de 1950, el cantor Héctor Pacheco deja la orquesta de Osvaldo Fresedo, es así que el cantor convoca al maestro Luciano Leocata, labor que mantuvieron durante cuatro años.
En 1959, forma su propia agrupación comenzando con sus actuaciones por Radio Belgrano, emisora a la que perteneció durante seis años, a la par, la orquesta se presentaba en diversos locales nocturnos tales como el Marabú, Sans Souci y El Avión del barrio de la Boca. También para ese mismo año comienza a grabar para el sello Music Hall. Su orquesta estaba integrada por: José Libertella, Oscar Bassil, Pajarito Candelaro y un alumno del maestro de apellido Colía, que junto al director componían la fila de bandoneones. Los violinistas: Leo Lipesker (primer violín), y Gonzalez un ex integrante de la orquesta de Carlos Di Sarli el piano a cargo de Parodi y Guerra en contrabajo.
En el año 1996, el sello Vaiven lanzó a la venta un disco compacto conteniendo 19 versiones, que hoy publicamos.
Tuvo como vocalistas a Oscar Macri, Norberto Roldan, Roberto Chalean, Jorge Fiorentino y Alberto del Valle.
De su labor de compositor sus mejores logros estuvieron asociados al letrista Abel Aznar, quienes dejaron compuestos varios éxitos entre los años 1948 a 1955., con una particularidad muy especial, todos los títulos llevaban la letra (Y) y tres puntos suspensivos en su comienzo siendo algunos de estos títulos, Y…volvemos a querernos, Y… mientes todavía, Y… todavía te quiero, Y … todo es mentira, perteneciéndole además Aquel regalo, No quiero perderte y muchas obras más
El porque de editar obras con la “Y”, relataba el maestro, que el primer tango que compuso con letra de Abel Aznar, se llamaba Volvemos a querernos, lamentablemente cuando llegaron a SADAIC, les informaron que ya había un tango registrado con ese nombre, fue en ese momento que agregaron la letra “Y…” comenzando a partir de entonces con una larga lista de títulos con la misma modalidad, obras que todavía se hallan vigentes.
Los datos de esta pequeña biografía son el extracto de una conversación mantenida con el maestro director el 28 de febrero de 1996, en el Museo de SADAIC, lugar donde se desempeñaba como director del mismo, labor que siguió manteniendo a través de los años. Héctor Palazzo Por El Tango y sus invitados

Nicolas D'Alesssandro

Esta breve Biografia del maestro Nicolas D'Alessandro, se complementa con el informe del trabajo titanico para poder editar este LP
En nuestro género, suele ocurrir que excelentes instrumentistas y capaces directores orquestales no lleguen a a la cupide de sus aspiraciones a pesar de de sus merecimientos. Este es el caso de Nicolas D'Alessandro, bandoneonista, compositor y director cuya discografia es escasa en proporcion a sus meritos interpretativos. Por ello para efectuar este trabajo de recopilacion nos vimos en la necesidad de recurrir a acetatos (78rpm) particulares con las naturales deficiencias tecnicas y el logico desgaste por el tiempo transcurrido.
Pero no obstante, las dificultades expuestas ofrecemos la publico estos inhallables registros en la seguridad-que valen la pena-.
Al promediar el año 1943 se se presenta ante los microfonos de L.R.1 Radio El mundo, el maestros Nicolas D'Alessandro con su cantor Carlos Dante, que se hallaba alejado del ambiente artistico dedicado a otras funciones. Fue a instancias del violinista Norberto Bernasconi perteneciente al plantel de la orquesta, que el cantor se reincorporo al ambito musical colaboradondo esta agrupacion por el lapso de 6 meses haciendo radio y Cabaret Marabú. De esta unio hemos rescatado 4 notables relizaciones: Soñar y nada mas, Cuando no existas mas, Uno y Juan Tango. Paginas pertenecientes al primer quinqueño de la famosa decada del 40. Al mismo tiempo este antologico larga duracion nos brinda la oportunidad de volver a disfrutar de otra de nuestras mas importantes voces: la de Carlos Acuña, actualmente radicado en la madre patria donde actua con singular suceso. En efecto estee voclaista actuo durante dos temporadas veraniegas en la desaparecida boite del Casino de Mar del Plata, de donde fueron tomadas estas dos memorables versiones: Vieja Carreta Cuando te vuelva a ver, ambas pertenecientes al director de la orquesta.
En la faz B del siguiente LP se presenta al notable conjunto del maestro Nicolas D'Alessandro en seis realizaciones puramente orquestales donde nos demuestra su capacidad de conducion.Fuente; Hector Ernie en el año 1972

Anja Stoehr

Anja Stoehr con Puro Apronte

Anja Stoehr con Susan a Pocs y Marcelo Raigal

Anja Stoehr

Anja Stoehr es una actriz y cantante que une y representa los dos géneros de manera única logrando asi la combinación excelente que le permite convencer en todo aspecto artistico. Anja Stoehr se educa en Hamburgo, Alemania. Después de terminar la educación secundaria sigue cursos de castellano y de danza en Barcelona. Luego de su formación como actriz en la escuela del Volkstheater Wien (Viena, Austria), actúa en numerosos teatros en Alemania, Austria y Suiza, como por ejemplo en el Volkstheater Wien y el Landestheater Salzburg.

Entre los trabajos actorales de Anja Stoehr se encuentran los paples de "Rose" en "Die See" (The Sea) de Edward Bond, "Esther" en "Spiel um Zeit" (Playing for Time) de Arthur Miller, "Helena" en "Ein Sommernachtstraum" (A Midsummernight's Dream) de William Shakespeare, "Recha" en "Nathan der Weise" de Gotthold Ephraim Lessing, "Hazel" en "Trauer muss Elektra tragen" (Mourning becomes Electra) de Eugene O'Neill, "Silvia" en "Die Unbestaendigkeit der Liebe" (La double inconstance) de Pierre Marivaux y "Emmeline" en "King Arthur" de Henry Purcell.

Su última realizacion escénica fue la versión dramatizada de sonetos de Shakespeare, desarrollada junto al actor y director Andreas Hueck. Dicho proyecto tuvo su estreno en Potsdam, Alemania. Desde 1995, Anja Stoehr aparece en películas y series de televisión, podemos citar "Soko Kitzbuehel" (2001-2004 papel continuo como la "médico forense Dr. Pfaundler"), dirección: Hans Werner, Stefan Klisch y otros; "Sinan Toprak ist der Unbestechliche" (Sinan Toprak es el incorruptible) , dirección: Andreas Prohaska; "Die schoene Braut in Schwarz" (La bella novia de negro), dirección: Carlo Rola y en "Dr. Schwarz und Dr. Martin" bajo la dirección de Bernd Fischerauer.


En paralelo a su trayectoria como actriz, Anja Stoehr desarrolla su carrera como cantante de tango. Viaja reiteradamente a Argentina,trabaja tanto allá como en Alemania con diferentes músicos de tango. Inicia asi su exitosa carrera musical, acompañada por artistas de primera, tales como los guitarristas y compositores Quique Sinesi, Sergio Gobi y Carlos Mieres, y el pianista y compositor Marcelo Raigal, así como el trío "Puro Apronte", y otros.
Cabe agregar que durante el renombrado "Festival Internacional de Mayo" 2004 del Staatstheater Wiesbaden, cantó junto con su "Trio Poetango" con tal brillo, que fue invitada por los organizadores a dar el concierto final del festival consecutivo "Nuevas piezas de Europa". El repertorio actual de Anja Stoehr abarca desde el Tango tradicional y Tango Nuevo hasta composiciones jazzeadas, pasando por el folclore sudamericano y canciones del Cabaret alemán. Su musicalidad,su creatividad, su perfecto dominio del idioma castellano, su acento argentino, así como la dedicación que imprime a la poesia de cada tema, convierten sus actuaciones en verdaderas experiencias inolvidables.

En su primer álbum "Baladas para el tango" (Danza y Movimiento /EFA 2001), la artista interpreta, acompañada por el pianista Micky Landau, una selección de tangos que va desde Gardel hasta Piazzolla y Dolina. Fuente web de Anja Stoehr.

Libertad Lamarque

Libertad Lamarque

Libertad Lamarque en 1925

LAMARQUE, Libertad. Cancionista. Actriz. (24 de noviembre de 1908 - 12 de diciembre 2000)
Alternó desde su joven aparición durante la década del veinte junto a Rosita Quiroga, Azucena Maizani, Sofía Bozán, Ada Falcón y Tita Merello, entre las cancionistas que crearon con toda originalidad el repertorio de modalidades vocales femeninas del tango.
A Montmartre —de Delfino y González Castillo— es una interpretación de la primera instancia de su carrera que informa nítidamente de su personalidad: voz de soprano, extremadamente aguda —que fue cambiando de color con el paso de los años— y sobresalientes aptitudes dramáticas y musicales que refrendó en admirables realizaciones como Puerta cerrada, Después, Tal vez será mi alcohol, Tristezas de la calle Corrientes y Te lloran mis ojos, culminación de un exquisito estilo.
Nació en Rosario, provincia de Santa Fe el 24 de noviembre de 1909. Vivió parte de su infancia en Montevideo. Comenzó su trayectoria en los teatros porteños consagrados al género chico, en especial en las salas de Pascual Carcavallo, participando asimismo en el rodaje de algunas películas argentinas del período mudo como Adiós Argentina (1926) bajo la dirección de Mario Parpagnoli. Grabó entonces su primera placa en Odeón: íntimas y Déjalo (1926). Fue poco después contratada para la casa Víctor para la grabación de discos que desde Gaucho sol y Chilenito (1927), difundieron su labor consagrada luego en plenitud, con su acceso a la cinematografía sonora. En 1933 compartió créditos con populares figuras de la canción en Tango, película que dirigió Luis Moglia Barth y en 1935 a las órdenes de Mario Soffici, protagonizó El Alma del Bandoneón.
Para sus diversas actuaciones radiales y fonográficas de esa época fue secundada en su labor por Héctor Artola (bandoneón), Antonio Rodio (violín) y Alfredo Malerba (piano); con éste celebró su segundo matrimonio. Su definitiva consagración llegó a partir de 1936 cuando co-menzó una serie de películas realizadas bajo la dirección de José A. Ferreyra que la con-virtieron en la máxima atracción de la pantalla nacional con proyecciones continentales: Ayúdame a Vivir (1936), Besos Brujos (1937) y La Ley que Olvidaron (1938). Posteriormente interpretó otras: Puerta Cerrada (1939) y La Casa del Recuerdo, dirigida por Luis Saslavsky; Madreselva (1938) y Caminito de Gloria (1939), dirigida por Luis César Amadori; La Cabalgata del Circo (1945) dirigida nuevamente por Soffici. En 1947, por razones de índole política, se radicó en México donde continuó su triunfal carrera. Café de los angelitos, Ayúdame a vivir, Sombras nada más, Besos brujos y Madreselva, son versiones inseparablemente asociadas a su personalidad y a su paso por los estudios cinematográficos argentinos, todas registradas para el sello Víctor; grabó durante la década del cincuenta algunos temas secundada por la orquesta de Juan D'Arienzo. Desde 1936 en adelante su acompañamiento orquestal fue dirigido por Mario Maurano y luego invariablemente por Alfredo Malerba. Fuente Horacio Ferrer

Gigliola Cinquetti

Gigliola Cinquetti

Gigliola Cinquetti

Gigliola Cinquetti ( n. Verona, 20 de diciembre de 1947) es una cantante y animadora de televisión italiana.

Debuta a los dieciséis años en el Festival de San Remo de 1964, junto con Patricia Carli, ganando el concurso con la canción Non ho l'età (per amarti) ("No tengo edad (para amarte)"). Dos meses después vence en Copenhague, con la misma canción, en el Festival de la Canción de Eurovisión.

En total, ha participado en doce ediciones del Festival de San Remo, venciendo en dos ocasiones. La segunda vez fue en 1966, en compañía de Domenico Modugno, cantando la canción Dio, come ti amo ("Dios, cómo te amo"). En 1973 participa en el programa "Canzonissima" venciendo con la canción Alle porte del sole ("A las puertas del cielo"), re-editada dos años después por el cantante italoamericano Al Martino, que alcanzó la posición número 17 en el Billboard Hot 100. En 1974 participa de nuevo en el Festival de Eurovisión, quedando segunda con la canción Sì (ya que la primera posición la alcanzó ABBA, con la canción "Waterloo"). La versión inglesa del tema llegó a la séptima posición de la lista de ventas inglesa.

Durante los años 90 y hasta hoy en día trabaja como animadora de televisión en la RAI.Fuente Wikipedia

A.V. - Los tangos del siglo vol 03

Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantantes, Cantores, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 60 Mb/Total time: 40:06
Este CD nos llega por gentileza del Cantor y milonguero Raul Mamone quien esta actuando y enseñando a bailar el tango en Barcelona, España
Gracias Raul!!!!!!!
Ver Volumen 01 al 20 Col. Tangos del siglo
Tracks
01-Hector Stamponi (Edmundo Rivero)****Cafetin de Buenos Aires-1959
02-Hector Stamponi(Instrumental)*****Adios Pampa mia-1994
03-Carlos Gardel(Con guitarras)*****Mano a mano-1928
04-Anibal Troilo(Jorge Casal)*****Los Cosos del al lao-1954
05-Horacio Molina(Guitarra Roberto Aussel)*****Milonga triste-1984
06-Los violines de oro*****El entrerriano-1959
07-Alberto Castillo(Orq.Angel Condercuri)*****Tortazos-1960
08-Rodolfo Lesica(Orq.Jorge Caldara)*****Pasional-1965
09-Agustin Magaldi(Con guitarras)*****Llorando la carta
10-Roberto Goyeneche(Trio Los Modernos)*****Cuesta abajo
11-Amelita Baltar*****Balada para un loco
12-Osvaldo Pugliese(Instrumental)*****Nonino-1961
13-Edmundo Rivero*****Habla Edmundo Rivero
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