jueves, 27 de agosto de 2009

Sonora Carrules

Sonora CarruselesSonora Carruseles

Sonora CarruselesSonora Carruseles


La Sonora Carruseles es una agrupación musical, nacida en Medellín, Colombia, en el año 1995. Esta orquesta interpreta salsa colombiana y otros ritmos como la cumbia, el porro y algunos ritmos caribeños

En la actualidad, la mitad de los integrantes de la orquesta Sonora Carruseles son de nacionalidad colombiana, donde surge la misma. La otra mitad la conforman integrantes extranjeros. La orquesta, en su mayoría, reside en Miami, lugar donde se encuentra la sede principal para la organización de presentaciones en vivo de la orquesta.
La agrupación está formada por cuatro cantantes, bajo, piano, timbal, congas y bongo. Los cantantes son: Mario paz, Daniel Marmolejo, Luis Ruiz y Harold Pelaez.; en el bajo, Gustavo Quintero Jr (el loquito), hijo del gran cantante Gustavo el loco Quintero, primogénito de la estirpe de los Quinteros y reconocido músico colombiano; en el piano, Andy Guzmán, que compartió escuela con algunos músicos de prestigio; en el timbal Daniel Berroa, un reconocido percusionista que estuvo por muchos años con Oscar de León, venezolano con una impresionante carrera musical; en las congas, Hermídez Benítez, procedente de una dinastía de músicos venezolanos; y en el bongo, Morist Jiménez Júnior , joven percusionista colombiano, hijo del reconocido trombonista Morist Jimenez.

Esta orquesta nació tímidamente, como un ensayo de grabación, en la ciudad de Medellín, en 1995, año en el que publicaron su primer álbum Espectacular, y pegaron fuerte con temas como Carruseles, Vitamina y Adiós compay gato, todo porque desde sus inicios marcaron una identidad musical.

Sus futuras producciones musicales, los afianzó como una de las orquestas más triunfadoras del género. En 1996 publicaron Salsa y fuego e impusieron temas como Luz de cumbia, obra escrita por José Velásquez, y Soy el rey, con la autoría de M. Rodríguez y Tony Pabón. En 1998 publicaron Heavy salsa con hits como Al son de los cueros, Mosaico boogaloo y Micaela; en el 2000, lanzaron Salsa brava y nuevamente lideraron la sintonía con Arranca en fa –uno de los éxitos que más identifican a la orquesta– y Que suene mi campana; en el 2002 la producción se llamó De una vez gozando, en el 2003 La salsa la traigo yo, y en el 2004, Salsa pa bacanes. De estos trabajos surgieron títulos como Para ustedes, De una vez gozando, La salsa la traigo yo, La comay, Repica el tambó, Tremendo boogaloo, Cuero na ma y Que no pare la rumba, por mencionar algunos.

Para esta fecha, Canadá, los Estados Unidos, México, Francia, Holanda, Bélgica, Suecia, Noruega, Martinica y Japón, entre muchos otros países, disfrutaban delirantes con el ritmo caliente de la salsa de Sonora Carruseles. Hoy Sonora Carruseles tiene un nombre de peso en el mundo de los bailadores, en el mundo de la salsa. Así lo relata Ernesto Lechner en uno de sus artículos:

"Con sólo seis discos en su haber y menos de nueve años de existencia, Sonora Carruseles ha logrado perfeccionar un sonido que es celebrado por los amantes de la salsa en el mundo entero. La música de esta orquesta colombiana goza de elementos tan explosivos como seductores: sinuosas melodías en el piano, ritmos sincopados, acordes volcánicos a cargo de la sección de vientos y coros típicamente nasales que son simplemente irresistibles. Carruseles rinde un sentido homenaje al espíritu de la salsa vieja. Al mismo tiempo, lo renueva gracias a las bondades de un estudio digital".

"De esta manera, Carruseles enriquece la tradición de Discos Fuentes, compañía discográfica dedicada al desarrollo de la música tropical en Colombia a través de inmortales grupos como Fruko y sus Tesos, The Latin Brothers, Los Corraleros de Majagual y La Sonora Dinamita. Fue justamente el veterano director musical de la disquera, el legendario Mario 'Pachanga' Rincón, el que inventó el concepto de Carruseles, una banda dedicada a grabar canciones clásicas de la era dorada de la salsa, preservándolas así para una nueva generación de admiradores. El sueño del Sr. Pachanga se ha hecho realidad, y Carruseles terminó siendo el grupo colombiano más excitante de los últimos años (...). Carruseles es una verdadera máquina de swing. Además de explorar la era clásica de la salsa, ha resucitado al nostálgico género bailable del boogaloo, además de celebrar la inigualable cumbia de su tierra natal mediante una serie de sabrosos medleys".

Su formato salsero netamente criollo, le permite el rescate de la esencia de la salsa de los sesentas y setentas, que se había quedado en el olvido por el movimiento que se denominó salsa romántica y otras tendencias musicales.

Sonora Carruseles es sinónimo del gusto salsero de antaño, con un sabor rumbero para el bailador que goza con su ritmo, que disfruta con la salsa brava, hecha con todos los hierros. Y aquí está de nuevo con Somos los duros de la salsa.Fuente web de La Sonora Carruseles y Wikipedia

miércoles, 26 de agosto de 2009

Dalva de Oliveira

Dalva de OliveiraDalva de Oliveira

Dalva de OliveiraDalva de Oliveira


Vicentina de Paula Oliveira, conocida como Dalva de Oliveira (Río Claro, 5 de mayo de 1917 - 31 de agosto de 1972) fue una cantante brasileña.
Casada con el compositor Herivelto Martins y madre de la cantante Pery Ribeiro.

Dalva ha sido uno de los grandes nombres del género de samba-canción. En comparación con el bolero y la explotación de la exaltación, el amor romántico tema o el dolor de un amor sin cumplirse, también fue llamado el dolor codo a codo. El samba-canción (aparece en la década del 30) antes de que el movimiento de la bossa nova (llegando al final de la década del 50) con el que Maysa Matarazzo se ha identificado. Sin embargo, Dalva representa un refinamiento y una mayor ligereza en las melodías y de la interpretación de las melodías de la tragedia y transmitia el dolor a traves de su voz. Grabo varios tangos en la decada del 50 con Francisco Canaro y con la Orquesta Lyrio Panicalli.

martes, 25 de agosto de 2009

Paquito D'Rivera

Paquito D'RiveraPaquito D'Rivera

Paquito D'RiveraPaquito D'Rivera


En 1958, cuando apenas contaba con diez años, D'Rivera actuó en el Teatro Nacional de La Habana, dejando estupefacto al público y los críticos. Ingresó en el Conservatorio de La Habana a los doce años para estudiar clarinete, composición, consonancia, y "todo lo demás". En 1965, D'Rivera con tan sólo 19 años, convertido en todo un virtuoso del clarinete y el saxo, actuaba por primera vez, como solista con la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba, en un concierto televisado a nivel nacional. Ese mismo año, D'Rivera y el pianista Chucho Valdés, fundaron la famosa Orquesta Cubana de Música Moderna, de la cual fue director durante algo más de dos años. Ocho de los músicos más jóvenes y aventureros de la Orquesta, se unieron a otros tres músicos para formar Irakere, cuya explosiva mezcla de jazz, rock, música clásica y música tradicionalmente cubana no se había escuchado jamás.

La irrupción en los últimos tiempos de la música y los músicos cubanos en el panorama internacional y su masiva implantación posterior en recitales, conciertos y grabaciones varias, así como la proyección cinematográfica que muchos de ellos han tenido en películas como Buenavista Social Club, Calle 54 o en Los Reyes del Mambo, ha sido decisiva para que la música traspasara la Isla de Cuba y sus músicos dados a conocer en todo el mundo. Nadie duda que entre esos grandes músicos está Paquito D’Rivera, uno de los grandes estandartes de dicho movimiento y de los responsables de su implantación.

Tras fundar en 1965 con Chucho Valdés la Orquesta Cubana de Música Moderna y posteriormente el citado grupo Irakere, con el que causaron sensación en los festivales de Newport y Montreux (1978), se traslada a los EE.UU. bajo la protección de, entre otros importantes músicos, del maestro del jazz, Dizzie Gillespie. Allí comienza su colaboración con los mejores músicos como Arturo Sandoval, Roditi, Michel Camilo y rescata del ostracismo a Bebo Valdés, un pianista, padre de Chucho Valdés que lograría en los primeros años del siglo XXI, un gran éxito con su disco "Lágrimas Negras" junto al cantaor flamenco Diego "El Cigala". Posteriormente graba con la Orquesta Sinfónica de Londres bajo la dirección de Lalo Schifrin, y en 1995 por primera vez con el Caribean Jazz Project; poco después gana el Grammy por su disco "Portraits of Cuba". Ha colaborado con Eddie Gómez, Mc Coy Tyner, Herbie Mann, Tito Puente, Astor Piazzolla, etc. y ha publicado sus memorias en el libro "Mi vida saxual"

lunes, 24 de agosto de 2009

A.V - Los tangos del siglo vol 04



Genero: Tango, Orquestas de tango, Cantantes, Cantores, Instrumental
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 44.3 Mb/Total time: 45:05
Este CD nos llega por gentileza del Cantor y milonguero Raul Mamone quien esta actuando y enseñando a bailar el tango en Barcelona, España
Gracias Raul!!!!!!!

Ver Volumen 1 al 20 Col. Tangos del siglo
Tracks
01-Rosita Quiroga*****De mi barrio
02-Orquesta Julio De Caro(Instrumental)*****Copacabana
03-Angel Vargas(Orquesta Edelmiro Damario)*****Carnaval de mi barrio
04-Roberto Goyeneche(Orquesta Atilio Stamponi)*****Naranjo en flor
05-Roberto Ray(Orquesta Osvaldo Fresedo)*****Pampero
06-Cuarteto Roberto Firpo(Instrumental)*****El lloron
07-Francisco Fiorentino(Orquesta Anibal Troilo)*****Tinta roja
08-Nelly Omar(José Canet y sus guitarras)*****Tapera
09-Enrique Campos(Orquesta Ricardo Tanturi)*****La uruguayita Lucia
10-Roberto Rufino(Orquesta Carlos Di Sarli)*****Verde mar
11-Miguel Montero(Orquesta José Libertella)*****Ventanita de arrabal
12-Quinteto Los Virtuosos(Instrumental)*****Un lamento
13-Rosita Quiroga*****Palabras de Rosita Quiroga
Bajar

domingo, 23 de agosto de 2009

Jimmy Witherspoon

Jimmy WitherspoonJimmy Witherspoon

Jimmy WitherspoonJimmy Witherspoon


El cantante, Jimmy Witherspoon, aprendió su oficio en el coro de la iglesia Baptista de su ciudad natal y de adolescente quedo ensimismado con el canto de dos grandes blues singer, el orondo, Jimmy Rushing, y Big Joe Turner. Trabajó de friegaplatos en un local donde ofrecían conciertos en directo y así conoció a los grandes del blues californianos como el guitarrista y cantante, T. Bone Walker. Su debut como cantante fue extremadamente exótico, dado que debutó en Calcuta, en el "Grand Hotel Winter Garden" con el grupo del pianista, Teddy Weatherford, un antiguo pianista de leyenda, natural de Chicago y emigrado al Extremo Oriente desde finales de los años veinte. En 1945 entró a formar parte de la orquesta de Jay McShann, pianista de Kansas City que intentaba en su orquesta, una especie de fusión entre el jazz y el blues. Su papel en la orquesta fue sustituir como vocalista a Charles Brown.

Con McShann, estuvo casi seis años, hasta que en 1952, se sintió seguro para emprender su carrera en solitario. Sus comienzos en ese contexto se aproximaron mucho al Rhythm and Blues, pero después de algún tropiezo importante en su carrera, afortunadamente enderezó el rumbo de su arte vocal por senderos mas jazzisticos. La elección fue muy acertada y ya en 1957, grabó un muy buen disco para RCA titulado "Goin' to Kansas City Blues", pero fue en 1959 cuando le llegó el espaldarazo definitivo cuando participó en un extraordinario concierto en el Festival de jazz de Monterey, quedando testimonio de aquel evento, un álbum editado por Everest Records. Sus acompañantes en aquélla extraordinaria actuación fueron, el trompetista Roy Eldridge, el saxofonista tenor, Ben Webster y otros grandes músicos como el pianista, Earl Hines. Ese enorme concierto fue el preludio de su reconocimiento, al años siguiente, por los lectores de la revista Down Beat, que lo eligieron mejor cantante de jazz en 1961.

Sus éxitos discográficos continuaron y en 1961, grabó en directo desde el club Renaissance de Los Ángeles nuevamente acompañado por Ben Webster, Gerry Mulligan y una sección rítmica encabezada por el gran pianista, Jimmy Rowles. Su altísima afinidad y compenetración con Ben Webster alcanzaría su punto culminante en en un emocionante e intimista disco donde Witherspoon, se consagra tambien como cantante letrista y no solo cantante melódico. El disco, se tituló: "Jimmy Witherspoon and Ben Webster" y fue editado en 1962 por el sello Reprise. Cuando parecía que en los años ochenta un cáncer de garganta iba a truncar su carrera y su vida, una intervención quirúrgica en Inglaterra, no solo curó la enfermedad, sino que suavizó su voz y ensanchó su registro grave. Una magnifica muestra de ese cambio de voz se puede observar en el álbum grabado en 1988 para el sello Fantasy, titulado "Rockin' L.A."

Jimmy Witherspoon, siguió durante la década de los noventa a pleno ritmo y sus discos llegaban al mercado de una forma muy regular. Con su muerte, acaecida el 13 de septiembre de 1997, se fue quizás el último gran cantante de blues. Fuente Apolybaco

sábado, 22 de agosto de 2009

Orquesta Tipica Select


No obstante la Primera Guerra Mundial haber hecho estragos entre los bailarines, desde el comienzo de la década de 1920 el tango disfrutó en los Estados Unidos un renacimiento con la aparición de Rodolfo Valentino bailándolo en la película "Los cuatro jinetes del Apocalipsis".
Casi simultáneamente con Valentino, tres músicos argentinos asomaron su figura en los EE.UU.: el bandoneonista Osvaldo Fresedo, el pianista Enrique Delfino y el violinista Tito Rocatagliata, aportando el primer tango autentico que se escucha en el país.

viernes, 21 de agosto de 2009

Luis Represas

Luis RepresasLuis Represas

Luis RepresasLuis Represas


El cantante portugués Luís Represas, ex integrante del legendario grupo Trovante, actuará de lunes a miércoles próximos en Clásica y Moderna (Callao 892), acompañado por el pianista cubano Miguel Núñez.

Nacido en 1956, a los 19 años Represas fue, junto con Joao Gil, Joao Nuno Represas , Manuel Faria y Artur Costa, fundador de Trovante, uno de los grupos más importantes en la historia de la música popular portuguesa. Durante los 16 años de carrera como cantante de Trovante, grabó nueve discos, participó en numerosos festivales internacionales y colaboró con importantes nombres de la nueva música portuguesa, como José Afonso, Fausto, Sergio Godinho o Adriano Correia de Oliveira.

Su trabajo solista comenzó en 1992, año de la separación de Trovante. Desde entonces, editó siete discos: Represas, Cumplicidades, Ao vivo no CCB, A hora do lobo, Código verde, Reserva especial y Fora de mao. A Núñez —director musical de Pablo Milanés y pianista de Ricardo Arjona, Joaquín Sabina y Milton Nascimento, entre otros— lo conoció en su primera visita a La Habana, en 1978. Desde entonces, el cubano trabajó en varias oportunidades en los arreglos musicales de Represas.

A lo largo de su carrera, Represas grabó con Pablo Milanés (Feiticeira, uno de los mayores éxitos de la música portuguesa); Ariel Ramírez, Facundo Ramírez y Domingo Cura (Misa criolla); el irlandés Davy Spillane, de la Uillian Pipes y Low Whistle; el cantautor español Pedro Guerra (A hora do lobo). Además, participó en la versión en portugués de la película Tarzán, como intérprete de los temas que en inglés cantó Phil Collins. Y en los últimos años actuó con José Cura y, en La Habana, con Suylén Milanés y Compay Segundo.

Fora de mao (A contramano), su último disco, fue grabado en 2003 y producido por Núñez, el guitarrista Luis Fernando y el propio Represas. En esta visita a Buenos Aires, hará una selección de sus éxitos. Fuente Clarin en la web

miércoles, 19 de agosto de 2009

Antonella Ruggiero

Antonella RuggieroAntonella Ruggiero

Antonella RuggieroAntonella Ruggiero


Antonella Ruggiero (Génova, Italia, 15 de noviembre de 1952) es una cantante italiana.
Grabó su primer disco “Io Matia” en el año 1974. Matia es el nombre artístico con el cual Antonella empezó oficialmente una carrera como solista también en ese año, con un antiguo disco de vinilo de 45 rpm, aunque ya había colaborado con el grupo Jet en su disco de vinilo titulado “Fe, Esperanza y Caridad”, haciendo los coros. De la unión de algunos miembros del Jet y de Matia nació en 1975 la banda conocida como Matia Bazar.

Fue así que en el año 1975 ella creó ese histórico grupo junto con Piero Cassano (voz y percusiones), Aldo Stellita (bajo), Giancarlo Golzi (batería), Carlo Marrale (voz y guitarra). La voz inigualable de Antonella Ruggiero en concierto y la habilidad innovadora de los otros músicos, llevó al grupo hasta alcanzar reconocimientos sobresalientes en toda Europa. Tuvieron varios éxitos año tras año. “Ma Perché”, “Solo Tu”, “Per Un’ora d’Amore” (Por Una Hora A Tu Lado en español), “Stasera Che Sera" (Esta Tarde Que Tarde en español), “Cavallo Bianco”, “Il Video Sono Io”, “Mister Mandarino”, “Ti Sento” (Te Siento en español), “Vacanze Romane”, son algunos de esos éxitos. Su sociedad con el grupo concluyó en 1989. Después de 7 años, hizo su debut como solista con el álbum titulado “Libera”, como resultado de un viaje catártico realizado en nuevas atmósferas culturales y musicales.

Su renovado éxito fue confirmado dos años más tarde en la edición 1998 del Festival de Sanremo, cuando obtuvo el segundo lugar con “Amore Lontanissimo” (Dónde Estás Ven A Mí en versión española), que también mereció el premio de la crítica al mejor arreglo. Además el álbum correspondiente (“Registrazioni Moderne”) fue grabado en español para publicación en Argentina y España, con el título “Grabaciones Modernas”, editado por la casa Universal Music, el cual también contiene aquellas canciones que la hicieron famosa con la banda Matia Bazar, pero en versiones inéditas cantadas en español, y acompañada por nuevos grupos italianos de pop y rock.

En el año 1999, estuvo en el Festival de Sanremo con su marido Roberto Colombo para cantar “Non Ti Dimentico”, y fue clasificada en el segundo lugar de nuevo. Esta canción fue dedicada a Aldo Stellita (ex fundador, miembro, autor y músico de Matia Bazar) quién había fallecido inesperadamente en 1998, y quién había sido su compañero de banda. Inmediatamente después del festival, Antonella lanzó su tercer CD como solista, titulado “Sospesa”. Este álbum fue considerado como un trabajo de primera pues incluyó dos participaciones inolvidables: al maestro Ennio Morricone que la acompañó con “And Will You Love Me”, y a Giovanni Lindo Ferretti, quién escribió junto con Antonella y Roberto Colombo la canción “Di Perle e Inverni”.

Su ductilidad vocal, su gusto musical, su enérgica emoción con el público, confirmaron el valor de la artista como uno de las voces más importantes en la historia de la música italiana. En el año 2003 regresó de nuevo a la competencia de Sanremo con la canción “Di un Amore” (que obtuvo el noveno lugar), y en 2005 con “Echi D’Infinito” que ganó el premio en la categoría “Mujeres”, y al mismo tiempo el tercer lugar en la clasificación general. En el año 2005, junto con los coros de silario.it Sant'Ilario Di Rovereto y del Valle Dei Laghi di Padergnone (pueblos de la provincia de Trento), asumió el papel principal del proyecto “Echi D’Infinito”, una recuperación de canciones populares alpinas, acompañada sólo por voces humanas.

Recientemente surgió el aspecto más experimental y poliédrico de Antonella Ruggiero. Al mismo tiempo del Festival de Sanremo donde ella interpreta al público sus más hermosas canciones, con mucha frecuencia realiza giras con distintos tipos de concierto:

“Sacrarmonia”, un concierto dedicado a la música sacra del mundo;
“Homenaje a Amalia Rodrigues”, un concierto comprometido con el fado portugués y su más famosa intérprete;
“Four Steps for Broadway”, un recital dedicado a los musicales más famosos de Broadway (“Tonight”, “Over the Rainbow”, “Summertime”);
“Stralunato recital”, donde ella interpreta sus más canciones más famosas y significativas.
En el año 2007 participó una vez más en Sanremo con la canción “Canzone Fra le Guerre” (escrita en colaboración con Cristian Carrara), que alcanzó el noveno lugar al final. Durante la tercera tarde de Sanremo (dedicada a los anfitriones), ella concursó cantando sin instrumentos musicales, tan sólo acompañada de los Coros de Valle del Laghi y de S. Ilario (de región italiana de Trentino-Alto Adige).

El viaje artístico de Antonella Ruggiero evoluciona continuamente. Sin tener que abandonar la música pop que la volvió famosa también a nivel internacional, la cantante presta su poderosa voz para hacer viajar en la música y en el cantar de diferentes orígenes y culturas. Antonella Ruggiero también ha cantado muchas veces en países anglosajones. Hay que recordar la versión de “Ti Sento” que se volvió famosa en la Gran Bretaña con el título “I Feel You”. El 4 de junio de 2004, ella interpretó un concierto en el Museo de Brooklyn, Nueva York, como adelanto mundial de su CD con cantos sacros de inspiración cristiana y de varias partes del mundo. Este CD/DVD se titula “Sacrarmonia Live (Il Viaggio)” y está publicado en Italia por Egea Records. Acompañada por Mark Harris (piano), Carlo Cantina (cuerdas), e Ivan Ciccarelli (percusiones), el 25 de noviembre del 2004 ella cantó en el Sugar Club de Dublín, Irlanda. Fuente Wikipedia

martes, 18 de agosto de 2009

Bruno Lorenzoni

Bruno LorenzoniBruno Lorenzoni

Bruno Lorenzoni-Au Club 79 des Champs ElyséesBruno Lorenzoni-Au Club 79 des Champs Elysées


Bruno LORENZONI comenzó sus estudios musicales a los 3 años, su primera presentacion la realizo a los 4 años y medio y como excepcional para un niño de esta edad obtiene una primera mencion, algo nunca visto en la historia del acordeón hasta la fecha!
La prensa unánimemente elogia a Bruno Lorenzoni
París-por la noche: "el nuevo mundo es détroné, el acordeonista campeón más joven no es americano, es frances, se denomina Bruno LORENZONI y tiene sólo 4 años".
Diario Petit: "un prodigio pequeño se mueve alo más profundo del alma, estaremos en presencia de un segundo MOZART?."
Le Petit Parisien: "Bruno Lorenzoni fue la gran atracción del concurso, aquí hay un pequeño acordeonista que promete..."
Ver en él un gran músico floreciente, sus maestros de acordeón hacen todo lo posible para hacer cambiar de instrumento, Bruno, por lo tanto, aprende violín, permaneciendo fiel al acordeón.
Los premios y recompensas alternativos:
Primer premio del rey de Bélgica.
Primer premio en la competencia mundial de París.
Grand Prix de la Presidencia de la República.
La sotisficacion por estudiar la armonía, la fuga y el punto de contre todos su instrumento de trabajo.
Primera composición a la edad de 8 años, se admitió en el SACEM a los 16 años.
Formada por películas, musicalisa 34 programas de televisión incluyendo los códigos más conocidos:
"Truck stop", "Schmilblic", "s All ' Achète"", la imagen es usted","Turn paseos","los juegos de 20 horas","Les Petits documentos de la Navidad"...
A través de sus registros, muy diversos en estilo, crea mucha sensibilidad musical, una gran técnica y un sentido profundo de la improvisación.
La formación ideal de ocho músicos conducidos por Bruno LORENZONI ofrece conciertos, bailando por la noche y galas...Fuente Web de Bruno Lorenzoni(Traduccion automatica con arreglos manuales, puede haber alguna diferencia de matices pero no de fondo)

lunes, 17 de agosto de 2009

Pasodoble

Las tunas han utilizado siempre pasodobles de tuna para sus representacionesLas tunas han utilizado siempre pasodobles de tuna para sus representaciones


El repertorio de las bandas de música está compuesto en más de un 60% de pasodoblesEl repertorio de las bandas de música está compuesto en más de un 60% de pasodobles


El "paso-doble" o "pasodoble" es una marcha ligera, adoptada como paso reglamentario de la infantería, con una característica especial que hace que la tropa pueda llevar el paso ordinario. En su día recibióeste nombre de "pasodoble", ya fuera para desfiles militares o taurinos. También recibió el mismo nombre la danza, que fue popularizada hacia 1926. Se compone con un compás de 2/4 o 6/8.

Parece ser que el pasodoble procede de la tonadilla escénica, que era una composición que en la primera mitad del siglo XVIII servía como conclusión de los entremeses y los bailes escénicos y que luego desde mediados del mismo siglo era utilizada como intermedio musical entre los actos de las comedias
Se conoce como pasodoble el baile originado en España hacia 1533 y 1538 en el cual la mujer desarrolla un papel importante. Ella es utilizada con(normalmente) el paso 69 (libro de pasos). Utilizado en varias regiones para la celebración de eventos. Fue una parte muy importante para el desarrollo del país. Es, además, uno de los pocos bailes de pareja que se siguen conservando hoy en día; está presente en muchas fiestas (verbenas populares) y sigue formando parte de la tradición de todas las regiones de España. "A principios de siglo se relacionó con el garrotín, un baile de pareja gitano, bastante vivo y repetitivo". También se cree que este baile pudo originarse en Francia, donde se llamó pas-redouble, tocado por bandas para marchas militares desde 1780. Desde este país se fue desarrollando y extendiendo a otros territorios como una marcha rápida de infantería que regulaba el paso de los soldados.

El pasodoble es un baile muy sencillo, con figuras muy libres, por lo que resulta bastante fácil aprenderlo. La posición de la pareja es igual a la de todos los bailes de salón, uno enfrente del otro y con los cuerpos pegados ligeramente desplazados hacia la izquierda. Su ritmo básico es muy simple: un paso por tiempo y se debe permanecer todo el tiempo con los cuerpos en paralelo y con la mano izquierda y derecha del hombre y la mujer, respectivamente, unidas. El pasodoble forma parte del repertorio de las bandas de música españolas y suele constar de introducción y dos partes principales, con un ritmo aflamencado. Como danza es semejante al one-step; se diferencia en el número de pasos que se dan al bailar y en sus respectivos nombres.

Actualmente, una de las maneras por las que se ha mantenido vivo este ritmo (aparte de las bandas de música) son las Tunas, agrupaciones musicales universitarias, provenientes del siglo XII. Hoy en día, los pasodobles forman parte importante del repertorio de estas agrupaciones, sean de España o de otras regiones del mundo. Uno de los elementos característicos de los pasodobles interpretados por las tunas, es la vistosidad, ya que, además, se acompañan con ciertas piruetas denominadas Fantasía de Pandereta (tocar el instrumento con distintas parte del cuerpo, sin perder el ritmo), Baile de Bandera (mover el estandarte de la Tuna al ritmo de la canción) y el Baile de Capa (agitar la capa emulando al movimiento de los toreros). Las canciones más interpretadas por las tunas son, entre otras: "La Morena de mi Copla" (Julio Romero de Torres), "Tres Veces Guapa", "Párate", "Barrio Brujo", etc. además de contar con pasodobles creados exclusivamente para Tuna, como: "Las Cintas de mi Capa", "Tuna Compostelana", "Tuna de Ingenieros"; teniendo en cuenta que cada Tuna, en su mayoría tiene un pasodoble creado por ellos mismos, que, a manera de Himno es el distintivo de éstas canciones.Fuente Wikipedia

domingo, 16 de agosto de 2009

TangoSeis Ensamble

Ensamble TangoSeisEnsamble TangoSeis

Gilberto PereyraGilberto Pereyra Bandoneon de TangoSeis

Vicky SchaetzingerVicky Schaetzinger piano de TangoSeis


Tangoseis nació en 1995 con la idea de proponer un repertorio de monografico basado en la música de Astor Piazzolla, cuando todavía el autor se inserta rara vez en temporadas de conciertos las que eras casi desconocido al público.
En 1996 las ediciones Musicali Pagani, quien siempre publican música de Astor Piazzolla en Italia, producen el primer cd de Tangoseis Loco yo puntual vos.
Desde 1997 Tangoseis funciona como un grupo como solo con orquestas italianas diferentes: orquesta a. Toscanini Emilia Romagna, la orquesta de cámara Milán clásico, la orquesta sinfónica Haydn de Trento y Bolzano, la cámara de Padua y el Véneto, la Grecia orquesta Magna de la orquesta de Taranto y participa en diferentes tournèes en Alemania, Italia y Austria.
En 1998 periódico La Repubblica dedica una página de ese título de Boca a orillas del sul Naviglio a Tangoseis. Tangoseis Argentina encanto.
De ese año, la cantante preferido por Piazzolla, en sus diferentes composiciones , Milva, se exhiben en todo el mundo con Tangoseis.

Desde 1999 el repertorio del Grupo se extiende hasta el tango tradicional gracias a la prestigiosa colaboración con uno de los mayor bandoneonista argentino, Roberto Alvarez. Esta oportunidad es promovida por el Festival de tango del Milenio en Turín.
En septiembre de 2000 Tangoseis realiza una serie de conciertos en Argentina con Milva, la orquesta de Padua y el Véneto y Daniel Binelli, bandoneonista de fama internacional.
En octubre que el Grupo publica el Hotel Astor, reimpreso cd, a continuación, en Alemania con más de 10.000 ejemplares vendidos.
En enero de 2001 Tangoseis trae escena, con Stabile de Teatro de Bolzano, un número de réplicas de la labor de Astor Piazzolla María de Buenos Aires, con Milva en el papel principal de María. Para esta ocasión el Grupo crece instrumentalmente: se convierte en Tangoseis Ensamble y recoge una enorme cantidad de público y crítica.
La temporada pasa en un espíritu de innovación artística. Para confirmar el espíritu continuado de la investigación, que es precisamente y volver a ejecutar los caminos ya transitados por Astor Piazzolla y Gerry Mulligan, Tangoseis y el famoso guitarrista Paolo Fresu proponer su Cumbre de nuevo, donde tango y jazz se reúnen una vez más para contar la historia pueden de dos culturas acompañadas por una misma pasión (junio de 2001, Festival de Jazz Vignola).
También el teatro brinda la oportunidad para unirse a las fuerzas y pensamientos diferentes: Tangoseis en la escena con Milva y David Riondino en Peter gancho de Michele Serra, escrita específicamente para la música del compositor Marco Tutino, que da Tangoseis un su primer trabajo (noviembre de 2001, arena de Verona).
En 2002 Tango seis Ensamble trae la María de Buenos Aires, operita cuyo elenco incluye el cantante argentino Jose Angel Trelles con éxito en teatros más importantes en Alemania, Holanda y Japón. Por otra parte, en colaboración con el Conservatorio de Adria y el Bel de Teatro de Padua, trabajo está siendo también a nivel nacional, con dirigida por Roberto Innocente.
La temporada 2002-2003 ve la reanudación de Peter hook en una larga tournèe en los teatros italianos más importantes y en julio de 2003 Tangoseis realiza la dirección artística de la primera edición del Festival de Libertango en Sassari. En las tres noches de Festival presenta los bailarines de renombre internaconal Ricardo y Laura Melo, la cantante argentina Paola y actor David Riondino.
En el 2003-2004 Tangoseis llamadas en producción espectáculo de teatro musical clips de Gardel con texto de Franco Finocchiaro y con la participación del actor Nicola Alcozer de la temporada.
2004, En particular, es una valiosa concertistica las actividades que incluyan la participación en los luz conciertos Festival de jazz de Umbria, temporada de la Koncerthaus de Wiener en Viena, a la del teatro Lacabittus de Atenas y el jazz alto histórico club BlueNote de Milán, además de la llamada a uno de los nombramientos más prestigiosos de tango en Italia: la gira internacional de Festival de tango de inicio de in, organizado en Turín por Teatro Regio ciudad y la Asociación Unión Cívica.
En noviembre Tangoseis trae escena a espectáculo de teatro de Milán Filodrammatico Tangasos. Que siempre se dedicó completamente y pidió una nueva puesta extraordinaria, este evento tubo la participación de la Luis Castro y Claudia Mendoza, bailarines y de la cantante Argentina, Paola dirigida por Kunaki de IDA y costumbres del argentino estilista Soppeno de Florencia.
En el mismo período que la Fundación Cinemateca italiana produce el Tanguedia, dirigida por Paul Lipari, Tangoseis aparece como el grupo líder.
El etiqueta Abeat público pasión a.s. cd donde Tangoseis también ha afectado a algunas composiciones originales.
En 2005 Tangoseis público dos canciones en el cd doble Anoranzas, mostrando el quinteto de Astor Piazzolla, a Beba Pugliese orquesta y otros grandes intérpretes del tango argentino contemporáneo.
Participan, junto con el famoso par de bailarines Adrian Aragón y Erica Boaglio, la televisión de Argentina emite Zelig, seguido por diez millones de televidentes.
En junio daran conciertos en España, exibiendose en el Palau de música Barcelona espléndorosamente y el Palacio Municipal de Regina en Madrid.
En verano Tangoseis acompaña a uno de los elencos del tango más importante del mundo: Tango X DOS, dirigido por Miguel Angel Zotto. Esta es la primera vez que un grupo italiano es elegido y no hay gratificación mejor para celebrar nuestro décimo aniversario de las actividades que será el 18 de septiembre. Fuente web de Tangoseis
Traduccion del italiano al español automatica con correciones manuales, por lo que pueden existir algun error de forma pero no de fondo.

sábado, 15 de agosto de 2009

Clara Nunes

Clara NunesClara Nunes

Clara Nunes
Clara Nunes

Clara Nunes
Clara Nunes


Francisca Clara Nunes Pinheiro, más conocida simplemente como Clara Nunes (Caetanópolis - 12 de agosto de 1943; Río de Janeiro - 2 de abril de 1983) , fue una cantante de samba brasileña, considerada uno de los más grandes intérpretes de su país. Investigadora de la música popular brasileña, los ritmos y el folclore, también viajó varias veces a África. Conocedora de las danzas y las tradiciones afro-brasileñas, que se ha convertido en la Umbanda. Clara Nunes fue una de los cantantes más graves de las canciones Portela, su escuela de samba favorita. Fue la primera cantante brasileña a vender más de 100 mil copias, pasando un tabú según el cual las mujeres no venden discos. Ella sigue siendo una de las más populares y querida interprete musical en Brasil.

Clara fue una talentosa cuando decidió competir en un concurso de música, que se ubico en el tercer lugar en la final celebrada en São Paulo en 1959. Ella tiene un día de trabajo en una estación de radio en Belo Horizonte y cantó en clubes nocturnos. En 1965, Clara se mudó a Río de Janeiro, grabando una mezcla de boleros y canciones de samba en su primer álbum.
Después de unos discos con una variedad de estilos, firmó su nombre como cantante de samba en el decenio de 1970 y se hizo más conocido. En 1974, Clara tuvo un éxito con la samba "Conto de Areia" y su álbum vendió alrededor de 300 mil copias. Se trata de un notable número, entonces, esto ayudo y estimulando a las empresas a invertir en otras mujeres que interpretaban de samba, como Alcione y Beth Carvalho. En 1975, recorrió Europa.

Los siguientes álbumes de su transformado en uno de los "tres reinas de samba" de su tiempo, junto con los dos mencionados músicos. En la segunda mitad de la década, se pondría en venta un álbum cada año, todas ellos se venden bien histórico y con temas como "Juízo Final", "Corazón Leviano" y "Morena de Angola". Otros éxitos de su calle se "Você Passa E Eu Acho Graça", "E Baiana", "Ilu Aye - Terra da Vida", "Tristeza, Pé no Chão", "A Deusa dos Orixás", "Macunaíma", "O marzo Serenou "," Como Fuerzas da Natureza "," Guerreira "," Feira de Mangaio "," Portela na Avenida "y" Nação ".

Clara fue también famosa por canciones elaborado a los ritmos de la Umbanda, la religión afro-brasileña, y por su trajes típicos, como siempre vestidos de blanco y llevaba un montón de collares de perlas de África

Después de una mal-lograda cirugía para corregir las venas varicosas, Clara murió prematuramente en abril de 1983, causando conmoción popular Fuente Wikipedia en Ingles.