viernes, 18 de septiembre de 2009

Jerry Lee Lewis

Jerry Lee LewisJerry Lee Lewis

Jerry Lee LewisJerry Lee Lewis


Jerry Lee Lewis (Ferriday, Louisiana, Estados Unidos, 29 de septiembre de 1935) es un pianista y cantante estadounidense, pionero del rock and roll.

Apodado "The Killer" ("El Asesino") por su fuerte personalidad y su puesta en escena, y tras ser considerado seria alternativa frente a Elvis Presley, El Rey del Rock, su popularidad decayó durante los años sesenta y setenta por diversos escándalos. Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo junto con otros pioneros del rock y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24º de los mejores músicos del siglo.[1] Lewis es el más joven de los tres supervivientes de la primera generación de rock and roll (los otros dos son Little Richard y Chuck Berry).

Jerry Lee Lewis nació en una familia pobre de Ferriday, en Concordia Parish, en el Este de Louisiana, hijo de Elmo y Mamie Lewis. Comenzó a tocar el piano en su juventud junto a sus primos Mickey Gilley y Jimmy Swaggart, posteriormente uno de los primeros teleevangelistas. Debido al talento mostrado por Jerry Lee ya desde su infancia, sus padres hipotecaron su granja para comprarle un piano. Influenciado por la música popular entonces emitida por la radio en programas como The Louisiana Hayride o Grand Ol' Opry, mezcló los estilos de la época (country, rhythm and blues, boogie-woogie y gospel) para crear el suyo propio.

En sus primeros años de adolescencia comenzó a acudir a los guetos negros para escuchar a los cantantes de blues y el 29 de septiembre de 1949 realizó su primera aparición pública en un espectáculo montado por la compañía de automóviles Ford en su ciudad natal, interpretando el tema "Drinkin wine, spoo-dee-o-dee".[2]

En 1952, con 16 años, contrajo matrimonio con Dorothy Barton, dos años mayor que él (en esa época, en el sur de Estados Unidos, eran comunes los matrimonios a temprana edad). Ese mismo año grabó sus primeras canciones: una composición para piano llamada "New Orleans boogie" y un cover de la balada country de Lefty Frizze "Don't stay away ('til love grows old)". En septiembre de ese año su madre lo envia a una escuela religiosa de Waxahachie, Texas, para que interpretase música exclusivamente religiosa, pero pronto fue expulsado por tocar una versión de "My God is real" en estilo boogie-woogie.

En 1953, sin divorciarse de su primera esposa, se casa con Jane Mitcham cuando ésta queda embarazada del que sería el primer hijo de Lewis, Jerry Lee Lewis Jr.[3] En 1954 volvió a grabar, haciendo versiones de canciones country como "If I ever needed you" y "I don't hurt anymore".[4] En estos primeros años actuó en clubes en Ferriday, Natchez, Mississippi y Nashville (Tennessee). Al intentar aparecer en The Louisiana Hayride es rechazado ya que según los ejecutivos del programa debía tocar la guitarra y no el piano.

En 1956, después de leer un artículo sobre Elvis Presley en una revista, viaja a Memphis para probar suerte grabando en su misma compañía discográfica, Sun Records. En ese momento, el dueño de la discográfica, Sam Phillips, se encontraba en un viaje en Florida así que fue Jack Clement quien grabó sus primeras canciones para el sello: una versión de "Crazy arms" de Ray Price y una composición propia llamada "End of the road".

El 4 de diciembre de ese mismo año se produce un acontecimiento histórico cuando en una sesión improvisada en la sede de la compañía, graba varios temas junto a Elvis, Carl Perkins y Johnny Cash. Bautizados Million Dollar Quartet ("El cuarteto del millón de dólares") en un artículo periodístico aparecido días después e inmortalizados en una célebre fotografía con Elvis al piano, la grabación no vería la luz pública hasta décadas después.

Fue en 1957 cuando Lewis alcanza un éxito masivo con "Whole Lotta Shakin' Going on". En un principio, Sam Phillips no estaba convencido de grabar esta canción debido a su contenido sexual que la hacía más propia del gusto del público negro, pero finalmente acepta y se graba como cara B de un sencillo que incluía como tema principal It'll be me. "Whole Lotta shakin'" fue tocada en vivo por primera vez en un bar de Arkansas el 22 de febrero e impresionó tanto al público que la tuvieron que repetir veinticinco veces en la misma noche.[5] Por su alto contenido sexual, excesivo para la sociedad de la época, fue censurada en muchos programas de radio y televisión. Después de no ser admitida en The Ed Sullivan Show, calificada de inmoral, la presenta en The Steve Allen show, gracias al cual alcanza el número uno en las listas de country y R&B y el tercer puesto en las de pop, llegando a vender seis millones de copias en todo el mundo.[6]

Tras el éxito espectacular del sencillo, el escritor de canciones Otis Blackwell, que ya había trabajado para Elvis, compone junto a Jack Hammer el que sería el tema de mayor éxito de la carrera de Lewis, Great Balls of Fire!. No obstante, Sam Phillips tuvo que convencer al cantante para grabar la canción ya que Jerry rehusaba debido a su contenido blasfemo. El tema logra un gran éxito a nivel mundial y es número 1 en las listas de Estados Unidos y Reino Unido.

En esa época se produce la que quizá sea la anécdota más conocida en la carrera de Jerry Lee Lewis, origen de su fama de artista problemático que le daría su apodo de "The Killer": en una actuación en el Brooklyn Paramount Theatre de Nueva York, Lewis fue asignado como telonero de Chuck Berry. Como protesta, subió al escenario con una botella de coca-cola llena de gasolina con la que, mientras interpretaba Great Balls of Fire, prendió fuego al piano. Al terminar de tocar le dijo a Berry Supera esto, negro [7] .

En el verano de 1958 Lewis era el músico con más éxito del momento gracias a dos temas más: "Breathless" y "High School Confidential", que lograron altas posiciones en las listas. Esta última apareció en la banda sonora de la película del mismo nombre en la que Lewis actuó. No obstante, su carrera sufriría a finales de año un tremendo varapalo, del que en cierto modo nunca llegó a recuperarse, al conocerse un nuevo dato sobre su vida privada que escandalizó a la sociedad de la época.
Cuando Jerry Lee Lewis viajó a Menphis, conoció a Myra Gale Brown, la hija de su primo, el bajista J.W. Brown.[8] El 12 de diciembre se casaron en Hernando, Misissipi aunque todavía Lewis no se había divorciado de su segunda esposa. Myra Brown solo contaba con 13 años mientras que su esposo tenía 22, razón por la cual ocultaron el matrimonio.

El 22 de mayo de 1958 Jerry Lee Lewis llegó a Inglaterra junto con su familia, incluyendo a su esposa, aunque se le había recomendado que esta no fuese. En el aeropuerto de Londres un periodista descubre el matrimonio y al preguntar por la edad de la esposa, Lewis contesta que tiene 15 años. La prensa descubre que Myra tenía 13 años,la situación causa un gran escándalo y la popularidad de Lewis baja considerablemente; después de solo tres conciertos con muy poca audiencia, la gira se cancela.

El escándalo siguió a Lewis hasta Estados Unidos y como resultado de ello, fue casi apartado de la escena musical, pasando de ganar 100.000 dólares la noche a 250. La Sun Records lanza un sencillo llamado The return of Jerry Lee que es una entrevista en la que se utilizan partes de las canciones en tono humorístico. En el lado B se incluye Lewis Boogie, pero el disco es un fracaso y no llega a las listas. En 1959 nace su segundo hijo, Steve Allen Lewis, el nombre es en honor al presentador de televisión que presentó a Jerry.

En 1960 Sun Studios, en un esfuerzo de recuperar la carrera de Lewis, graba canciones instumentales bajo el seudónimo The Hawnk, pero el estilo de Jerry es muy reconocible y el intento fracasa.[9] El único éxito durante este periodo sería una versión del What'd I Say de Ray Charles en 1961. Su popularidad se recupera un poco en Europa (especialmente en Gran Bretaña y Alemania) hacia mediados de los años 60, pero su éxito no llega en Estados Unidos.

El domingo de pascua del 22 de abril de 1962 Steve Allen Lewis muere ahogado en la piscina a la edad de 3 años mientras estaba bajo el cuidado de su abuelo Elmo Lewis, que Jerry interpreta como un castigo por su turbulento pasado. 5 días después del entierro hace un tour por Reino Unido donde es muy bien recibido, sin embargo, desde la muerte de su hijo la relación con Myra empeora y aumenta la dependencia de las pastillas y al alcohol.

En 1963 Jerry y Myra tienen una hija, Phoebe Lewis, la cual tuvo una estrecha relación con su padre y en la actualidad es su manager. Ese mismo año vence el contrato con Sun y Lewis se incorpora a Smash Records. Ese año vuelve a hacer un tour por Europa en Inglaterra, Escocia, Alemania y Francia.

En 1964 actúa en el concierto "Live at Star Club" en Hamburgo del que saca un álbum considerado uno de los mejores y más salvajes en vivo de la historia del Rock.[10] [11] [12] [13] [14] [15]

Después de más de una década tocando rock and roll, en 1968 Lewis se centra casi exclusivamente en la música country con éxito, con muchas canciones destacando en las listas incluyendo un número 1 con To make love sweeter for you en 1969. Aunque volvió a hacer giras en cuyos conciertos se agotaban las entradas, nunca conseguiría alcanzar las alturas del éxito que tuvo antes de aquel escándalo, a pesar del gran éxito internacional de Chantilly Lace, en 1973.

La década de 1970 comienza con varias desgracias para Lewis: En 1970 su esposa le pide el divorcio, en 1971 fallece su madre y en 1973 su hijo de 19 años, Jerry Lewis Jr, muere en un accidente automovilístico. Un año después de divorciarse se vuelve a casar.

La ruina pública de su primo, el evangelista de televisión Jimmy Swaggart, no hizo más que aumentar la publicidad negativa de una ya muy problemática familia. Swaggart es también pianista, como su otro primo, la estrella del country Mickey Gilley. La hermana de Jerry Lee, Linda Gail Lewis, también toca el piano, llegando a grabar algunas canciones con Van Morrison.

El comportamiento errático de Lewis durante la última parte de la década de los 70 y principios de los 80 le condujo a una larga hospitalización cercana a la muerte por úlcera sangrante en 1984. Poco después su cuarta mujer, Jaren Gunn Pate, se ahoga en la piscina de la casa de una amiga; poco más de un año después, su quinta mujer aparece muerta en su casa por sobredosis de metadona. Jerry Lee Lewis, también adicto a las drogas, se interna voluntariamente en la clínica de desintoxicación Betty Ford. Durante los años 80 volvió a tener problemas de salud y es internado en varias ocasiones. También tiene problemas con los impuestos y llega a deber unos 3 millones de dólares.

En 1987 vuelve a tener un hijo con su sexta esposa Jerry Lee Lewis III. En 1989, una película basada en los primeros años de su carrera titulada Great Balls of Fire! (traducida al español como Gran bola de fuego) atrajo sobre él la mirada del público; el film estaba basado en el libro de la ex-esposa de Lewis, Myra, y protagonizado por Dennis Quaid haciendo de Lewis, y por Winona Ryder y Alec Baldwin.
Después de varios años sin pisar un estudio, Lewis intenta sin éxito sacar un nuevo álbum en 2004, pero el disco aparece finalmente, el 26 de septiembre de 2006 con el título de Last Man Standing e incluye 21 duetos con leyendas vivas como Little Richard, Chris Isaak, Mick Jagger, Jimmy Page, Bruce Springsteen, Ringo Starr, Neil Young, Keith Richard, BB King o Buddy Guy.

En 2007 saca un DVD en vivo de su álbum del que vende más de 500.000 copias. En 2008 actúa en la entrega de los premios Grammy, en el Capitolio de los Estados Unidos y en una gira por Inglaterra. En 2009 Jerry Lee Lewis volverá a sacar un álbum con los Rolling Stones como banda invitada Fuente wikipedia

jueves, 17 de septiembre de 2009

Alfredo Belusi

Alfredo BelusiAlfredo Belusi
Jorge Maciel, Osvaldo Pugliese y Alfredo Belusi en 1958Jorge Maciel, Osvaldo Pugliese y Alfredo Belusi en 1961



BELUSI, Alfredo. (Nombre de familia: Alfredo Belluschi). Cantor.
Nació el 10 de enero de 1924, en Los Quirquinchos (provincia de Santa Fe. )Se inició como vocalista del cuarteto Los Ases que dirigía Leónidas Montero. Integró luego las orquestas rosarinas de Raúl Bianchi, Francisco Plana y José Sala; con ésta comenzó su labor para el disco, grabando para la casa Columbia el tango de Bahr y Sucher Prohibido, durante 1953. Cantó, ya radicado en Buenos Aires, con José Basso, con Osvaldo Pugliese y, nuevamente, con Basso desde 1965.
Intérprete de voz grave, cultivó preferentemente un repertorio de tangos fuertes —Un tropezón, Bronca, El vino triste, Desencuentro y Total pa' que sirvo—, que se cuentan entre sus trabajos más representativos, vertidos a disco para los sellos Odeón, Philips, Stentor y Music-Hall. El 20 de marzo de 1969, acompañado por el cuarteto de Héctor Stamponi, debutó como solista en Caño 14. Fallecio el 1 de enero de 2001. 
Horacio Ferrer

Editado y compaginado por El tango y sus invitados

miércoles, 16 de septiembre de 2009

Michel Legrand

Michel LegrandMichel Legrand

Michel LegrandMichel Legrand


Michel Jean Legrand (*París, 24 de febrero de 1932) es un compositor y cantante francés, compuso la música de mas de 200 peliculas y fue tres veces ganador del Oscar de la Academia de Hollywood.
Hijo del compositor Raymond Legrand y hermano de la cantante Christiane Legrand.
Desde los 10 a los 21 años estudió en el Conservatorio de Música de París; después estudió siete años con Nadia Boulanger.

Sus inclinaciones musicales lo llevaron siempre a escribir las letras de sus canciones e incluso a interpretarlas.

Tras el éxito de su primer álbum Amo a París, trabajó con varios grandes del jazz como Miles Davis y John Coltrane en su siguiente álbum Legrand jazz.

Cuando comenzó a trabajar en música para filmes, obtuvo un gran éxito, ya que no sólo componía canciones pegadizas sino que componía material orquestal de un fuerte sentido lírico.

Su mas conocido trabajo es Los paraguas de Cherburgo de 1963, un clásico del cine musical europeo y la primera pelicula completamente cantada y protagonizada por la joven Catherine Deneuve. Asimismo en Las señoritas de Rochefort de 1965.

Mucha de su música estaba destinada a películas francesas (como las del director Jean-Luc Godard), aunque también se implicó en la producción de películas estadounidenses, como The Thomas Crown affair (con su conocido tema The Windmills of your mind, 'los molinos de viento de tu mente'), Verano del 42 y Yentl.

Compuso la música de la serie infantil de televisión Érase una vez... la vida (1986).

En la decada de los 80 y 90 acompañó con su banda a estrellas como Bjork, Ray Charles, Diana Ross y otros, trabajando también con cantantes de ópera como Jessye Norman, Kiri Te Kanawa y Natalie Dessay.

Ha recibido 27 nominaciones al Premio Grammy ganándolo en cinco oportunidades. Fuente wikipedia

martes, 15 de septiembre de 2009

Ben Molar y 14 con el tango

Ben Molar, Ernesto Sábato y Aníbal TroiloBen Molar, Ernesto Sábato y Aníbal Troilo

Ben Molar con Ernesto Sábato y Julio De CaroBen Molar con Ernesto Sábato y Julio De Caro


Ben Molar
Este luchador infatigable de la música popular, nacido en 1915, vive en Montevideo y Corrientes, una zona hasta hace no tanto tiempo de cafés y encuentros tangueros. Fue el creador del 'Día Nacional del Tango'. Su interés y pasión por este género lo llevaron a convertirse en Académico de la Academia Nacional del Tango, Académico de la Academia Porteña del Lunfardo, Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, Miembro de la Comisión Directiva de las Escuelas Tecnológicas ORT, Miembro de la Comisión Directiva del Instituto Cultural Argentino-Israelita, Presidente Honorario de la Asociación Gardeliana Argentina y Miembro de la Comisión Directiva de la Asociación Amigos de la Calle Corrientes.

Por su iniciativa, se colocaron en 40 esquinas de la calle Corrientes placas de bronce con el nombre de reconocidas figuras del tango, como Libertad Lamarque, Mariano Mores, Enrique Cadícamo, Horacio Salgán, Tania, Tita Merello y Raúl Lavié.

Una de sus obras más importantes fue la muestra y el disco que creó y produjo: el histórico "14 con el Tango". Allí incluyó a 42 personajes del más alto nivel de la literatura, de la música y de la pintura, entre ellos: Jorge Luis Borges, Ernesto Sabato, Florencio Escardó, Aníbal Troilo, Juan D'Arienzo, Astor Piazzolla, Raúl Soldi, Raquel Forner y Carlos Cañás.

Es además autor de canciones populares, como "Final", grabada por famosos cantantes; de canciones de comedias musicales, como "Paren el mundo... quiero bajar", "Mame", "Dos Virginias para un Pablo" y "Te casarás Gaspar"; de versiones en español de canciones de Los Beatles, Paul Anka, Elvis Presley, Bill Halley, Chubby Cheker; de "Noche de paz, noche de amor" y "Replican las campanas" y, también, autor de canciones incluidas en películas.

14 con el Tango
14 CON EL TANGO. Producción del editor Ben Molar, para la casa Fermata. Combinó, en una iniciativa sin precedentes en el ámbito popular porteño, la obra de catorce compositores tanguistas (Stamponi, Pontier, Piana, Basso, Delfino, Mores, Miguel Caló, Piazzolla, De Angelis y Julio De Caro), con versos de otros tantos poetas argentinos no dedicados al tango (Escardó, Marechal, Córdova Iturburu, Borges, Tiempo, Benarós, Mastronardi, Fernández Moreno, Nalé Roxlo y Cócaro), ilustrando los temas así concebidos con creaciones plásticas de Alonso, Basaldúa, Cañás, Cogorno, Ducmelic, Forner, Forte, Grandi, Martínez Howard, Pacenza, Presas, Seoane, Soldi y Torrallardona.
El álbum que recogió los tangos grabados por la orquesta de Alberto Di Paulo y los cuadros que los interpretaron, fue presentado en 1966. Y la exposición de obras plásticas fue suceso en Buenos Aires, y luego en Israel, Grecia, España, Italia, Estados Unidos y Japón, con el auspicio de la Cancillería argentina.
El álbum está editado en numerosos países, y su promotor ha recibido, entre otros, el premio al "Boom musical del año", del Instituto de la Opinión Pública; la Medalla Primer Premio de Música Ciudadana Argentina, del IV Festival Argentino de Disco Internacional, de Mar del Plata, y la Medalla de Reconocimiento Público de la Tercera Fiesta del Tango en La Falda.
Fuentes consultadas Horacio Ferrer, Gob. ciudad Bs.As. y TodoTango

lunes, 14 de septiembre de 2009

Carmelo Zappulla

Carmelo ZappullaCarmelo Zappulla

Carmelo ZappullaCarmelo Zappulla

Carmelo ZappullaCarmelo Zappulla


Carmelo Zappulla (Syracuse, 7 de noviembre de 1955) es un cantante y actor italiano perteneciente a la línea neomelodica Napolitano.
Vivio hasta la edad de 24 años en su natal, Syracuse, comenzo cantando desde la infancia, y su primer éxito real se llama Pover ' ammore dedicado a su esposa desaparecida
Más tarde se trasladó a Nápoles para convertirse en uno de los reyes en la neomelodico Napolitano, tanto es su popularidad entre los artistas y los Napolitanos
Mientras tanto interpreta algunas películas de éxito discreto en el medio ambiente. Una parada importante en su carrera consistirá en un complejo asunto legal que obligará a la ausencia, acusado de matar el compañero de su madre, entonces se establecieron con la absolución plena de la cantante.
1 De junio de 2008 fue hospitalizado de emergencia para un corazón en el segundo hospital en el ataque capital Napolitano. Fuente Wikipedia en italiano

sábado, 12 de septiembre de 2009

Jorge Palma

Jorge PalmaJorge Palma

Jorge PalmaJorge Palma



Traduccion automatica de la web de Jorge Palma(no se realizan correciones manuales, debido a que la traduccion si bien tiene problemas de redaccion se puende entender sin mayores dificultades
Jorge Manuel d ’ Abreu Palma nació en Lisboa, 4 de junio 1950 y con sólo seis años, cuando aprendió a leer y escribir, comenzó aestudiar piano, y realizar, con sólo ocho años, su primera audiencia en el Conservatorio Nacional, siendo alumno de Maria Fernanda Chichorro.

En el 1963 ganó segundo premio y una indicación Mención honorífica un musical juvenil internacional celebrado en Palma de Mallorca, realizo sus estudios, Camões Lyceum, primero Después en una escuela en Mouriscas, cerca de Alicante.

EL año siguiente-1964-eventualmente un año clave en la vida Jorge Palma, ya que marca un punto de inflexión en sus preferencias y las prácticas musicales y se retira de la música clásica y se dedica al pop/rock , comprensión de la Base de esfuerzos autodidacta de guitarra.

EL su primer intento de supervivencia y la autonomía como un músico fue en 1967, en Algarve, donde, junto con músicos de Santarém, se integra a los niños negros, unos pocos meses de experiencia.

En el 1969 se dedica al rock pesado, mientras que estudia en la facultad de Ciencias de Lisboa. Con la inclusión de una sección de metales, Está es una banda de calidad de sonido con más jazz-rock, histórico y participa en el Festival de la edición Vilar de Moros, en 1971. En ese momento, el fruto de vive con los distintos músicos-Rão Kyao, John Maló, Rui Cardoso, Victor MAMEDE, entre otros-comienza el nivel de trabajo de la escritura musical y sus primeras canciones, curiosamente en Inglés y por escrito, con una sola y las versiones de álbum.


UN año más tarde, se edit su primer single en Portugués, tras un trabajo aprendizaje y mejora en los registros en nuestro idioma, con el poeta José Carlos escribiedno dos Santos fue el siguiente punto es el retorno a los Estados Unidos, y Asimismo, los primeros pedidos de composición y la orquestación para otros intérpretes.



El primer LP-"con un viaje en la Palma" en 1975, coincide con un período de duro trabajo como orquestrador (llegado al trabajo, en este Estado, con Amália Rodrigues), compositor y letrista, incluida la participación en la primera posguerra canción de Eurovisión 25 De abril, en colaboración con Peter Osório y Nuno Nazareth Fernandes.

En el 1977 lanzó su segundo álbum largo duración-' teh momento " -

El años-1978 y 1979-están centrados en Francia, principalmente en París, donde es paseos bares, al aire libre y metro, jugando Bob Dylan, Leonard Cohen, Paul Simon y Crosby, Stills & Nash, entre otros. Volvió a Portugal durante los atrasos de año 1979 durante unos meses en el nido de Águilas en el castillo, en Lisboa y escrituras su tercer álbum original - "cualquier Lo con una canción de pala "-seguido actuaciones vivir, solista o con el Grupo acústico "La Banda ".

en el principio de los años 80, volvió a París con su segunda esposa (Grace Lamy), devolviendo a continuación, en 1982, para grabar el doble LP, "acto seguido", que estaba prevista para ser un álbum en vivo, sino por Finalmente fue quemado altibajos de la producción en el estudio y un muy corto espacio de tiempo.

En el 1983, cuando yo iba a regresar a sus estudios música, su primer hijo nació, Vincent, quien dedicó una pieza ("Castor") de su quinto álbum originales-alas y plumas "publicadas en 1984, teñido por varios conciertos, tanto en Portugal, tanto en Francia, habiendo pasado a través de Italia, una vez más donde se desempeñan en las calles.

EL el año próximo 1985-está marcada por publicar su sexto disco original y una de las características más aclamadas -" Un error que parte de la noche "-que es obtuvieron el single "déjame en paz", con enorme risa éxito. Este trabajo se diferencia con algunas primas, incluidos los "siete oro" y "trofeo Gente nueva, después de haber sido definido por algunos críticos como "el lado derecho de Jorge Palm" o "la Palma de oro ". A raíz de este trabajo ha largo recorrido por Portugal, es decir Islas, su primer gran presentación en Lisboa en el Aula Magna.

En 1986, el general completado el curso y registró su piano Séptimo original álbum-"trimestre" -que era un trabajo marcado por los problemas entre George Palma y Publisher, especialmente por intento de cumplimiento un tipo particular de la calidad del sonido.

El años se han caracterizado por sus estudios de piano Tras haber completado los maestros de piano en Lisboa, en 1990, curiosamente un año después de haber lanzado su octavo y último álbum hasta ahora cuarto originales de amor "- considerado por los periódicos "públicos" y "diarios Noticias ", como uno de los álbumes de siglo Nivel de la música portuguesa. Debe señalarse que, Esto funciona, marque también salida de Jorge Etiqueta EMI Palm-Valentin de Carvalho-que se negó edición de "barrio" de amor el paso a PolyGram.

En el 1991, "sólo", un álbum revisita intimista, donde viejos temas, sólo con voz y piano. Esta labor, se otorgó una "siete de Y diario de noticias "revista" fue uno de los siglo de álbumes de música en Portugal. Varios conciertos seguidos por el país, algunos de ellos en los teatros más importantes del país, que han durado para el año siguiente, que también ha la formación de "Banda de Palma", que Jorge Palma se reúne con músicos de Roxette & Zé Pedro y la FIFA (Kalú) y radio Macao (flak y Alex).

1993 es el año en el que está escrito y contabilizado "Pandilla de Palma: Johnny guitarra sobre" significa una segundo revisita Jorge Palma a su trabajo, pero ahora en un formato, desde entonces es una roca de proyecto. Ayuda a los álbum "Sopa", censurado, firma la Carta y préstamos el "yo estoy atascado en."

EL el año siguiente se caracteriza por una serie de conciertos por todo el país, ya sea solo o con la banda, los conciertos son Luiz, 4 y 5 de noviembre, que se enviaría más tarde por RTP.

en el año siguiente, sigue siendo actuaciones a lo largo de el país, es decir, por el Casino de Estoril, donde dio conciertos "íntimas", con la producción musical de Peter Osório.También participó, como invitado en Bo Diddley "desconectado" de Roxette & patadas, letrista de Antena 3 y fue compositor y músico en "espíritus amazes ”, un álbum con varios nombres de Portugués y música de producción Manuel Faria, un ex Trovante. Sin embargo, nació a Francisco, su segundo hijo.

En el De 1996, Jorge Palma aceptó la invitación para integrar "River Grandes "unirse al Tim (Roxette & patadas), John Gil (día de San Valentín ALA), Rui Veloso y Vitorino, y puede considerarse como un retorno al trabajo Música tradicional portuguesa, que eventualmente como resultado un gran éxito comercial. En el mismo año, musicou poemas de Regina Guimarães para "Lux", en Tenebris pieza de jóvenes Brecht transportado en la escena por la compañía de teatro de Braga y también participó "niños de Rimbaud espectáculo" en el colaboración con Sergio Godinho, JohnFiebre, Rui Reininho y Al Berto. También participa el álbum "canciones de JuanLóio "y ver a crearse"frágil", por André Sardet, ” “ fotografías, su álbum de debut. También es en 1996, que el EMI-Valentin de Carvalho lanza recopilación "Me deja risa" dentro de la colecciónCarabela, que incluye algunas alas de álbum de temas y las sanciones "," el lado equivocado de la noche "y" Minguante ".

en el año próximo 1997 - más allá de los conciertos habituales, participa en algún trabajo, como es el caso de "todos Esto sky "nit es montañoso, donde son revisitados temas Fausto Bordalo días y también el álbum "voz y guitarra", un puesto de trabajo notable, producidos por Manuel Paulo Felgueiras ( Valentine ala), que se unió a una gama de artistas, que han elegido los temas y actuaron sólo con voz y guitarra. Ese año todavía está marcado por publicar el segundo día de "Río Grande" de álbum concierto-esta vez un álbum en vivo (resultante un concierto doble dado en inglés erämaan Viimeinen "). UN gran valor para este disco es el estreno de un tema hasta sin precedentes de Jorge de Palma -"Que usted otra vez."

En el 1998 Jorge Palma tuvo un año lleno de trabajo. Hubo muchos los conciertos que dio el país, tras haber sido en Más cintas de Lisboa y Oporto las quemaduras y participó en "Festival Otoño en Lisboa, su participación en Expo 98 conciertos, por ejemplo, en solidaridad con Guinea Bissau, además, en su propio nombre y otro invitado Castelo Muge, incorporado un proyecto inédito-"y las voces Junta" -que se unió a los dos cantantes y Pirin búlgaro Grupo Conjunto folclórico. 1998 también está marcada por haber sido el director musical del espectáculo "aquellos que nacieron Después de nosotros ", a través de todo el país, una coproducción de los artistas y Compañía de teatro de Braga basada en textos de Bertold Brecht, Kurt Weill musicados por Hans Eisler por sí mismo Brecht y, sobre el tema "B.B. pobres", por Jorge Palma.El elenco este espectáculo, aparte de Jorge Palma, también fue parte actriz Lia gama, entre muchos otros.

EL año de 1999 se caracterizó por una serie de conciertos y también algunas participaciones en programas de televisión más allá de su contribución brillante en el álbum de homenaje a Roxette & 20 años patadas-" XX bandas "-habiendo (re) interpretan, acompañado por Guitarra flak, el tema "Teherán", con una letra de Juan Suave (Lisboa, un poeta que acompañó a Jorge Palma, cuando jugó en la calle). También participaron el álbum "marcado" Mafalda Veiga, un Duet-"Tatuajes"-que fue el único de trabajo y tuvo la oportunidad en compañía de Fernando Tordo, a visitar Timor Oriental.

En el 2000, Jorge Palma nuevamente a través del país, dando una serie de conciertos, habiendo universal puso en marcha el “ me da luz ”, que canciones reunificada álbumes “ barrio amor ” ” y “ solamente y asumió como un enorme éxito comercial, más de treinta mil unidades vendidas, permitiendo, por semanas para ocupar las ventas nacionales superiores.El éxito de este álbum ha llevado a la fecha de la nueva álbum, grabado, estaban siendo aplazada, ya que el lanzamiento estaba previsto para octubre, aplazado a diciembre y luego a 2001. Incluso en 2000, Jorge Palma participa en el álbum de homenaje Rui Veloso, junto con flak, (re) interpretar ” “, Afurada así como haber prestado su voz a ” “ Laura, canción pertenecientes a la banda sonora de Tele-película ” “ la novia.

2001 ha estado marcada por contabilización ” “ Jorge Palma, su nuevo álbum original tras constantes demora. El álbum ha logrado un gran éxito, junto al público y crítica, porque en la primera semana, alcanzaron la tercera de la parte superior las ventas nacionales y disco de plata. Meses antes de fue reimpreso el álbum ” “ acto seguido, que siguen siendo Hubo en formato de CD, como Jorge bien Palm ha dado numerosos conciertos en todo el país – destacando que abrió el tercer día de Festival sudoeste, aparte de la primera coliseus Lisboa y Porto en noviembre- y han escrito un tema para ” “ mal estado, el nuevo discográfico de trabajo Paulo Gonzo, dar voz a “ también me dice Todos ”, abriendo tema telenovela ” “ codicia, y el piano, “ hambre ” (en el que siempre), una cuestión de Estreno de pomelo.

En el 2002, Jorge Palma ganó el premio José Alfonso – en su disco ” “ Jorge Palma – y fue llamado a los globos de oro, en las categorías de mejor artista individual y mejor música.¿También los tres conciertos acústicos Ofreció, en junio, en el teatro Villaret, acompañado por hijo Vincent y que fueron editados en un doble CD, lanzado en septiembre, con el título de los asesinos “ ” tiempo, son temas de treinta y tres revisitados de su trabajo. El disco es un gran éxito.En noviembre será relanzado “ nada Música de U.s. ”, su tercer álbum originales y hasta finales del año deben ser contabilizado más de un disco con el río grande, con la salida del Sr. Vitorino, para designar como “ la cabeza en el aire ”.

Como alguien dijo, "un día en Jorge Palma destaca la capacidad de redescubrir música, crear un Cómo atractivo, visualización, aprovechar emociones, sentimientos y atraer a más personas adjuntar a su soledad en el piano, una mezcla de querer ser solamente, pero con todos los demás ".

Es Sin duda uno de los mejores cantantes y compositores actual, un diseñador con sueños realizados canciones, Pueden implicar a diferentes audiencias, incluyendo un público más joven a través del cual consiguió establecer un grupo de seguidores empedernidos, a pesar de durante doce años grabó cualquier álbum originales.

Y, Esta es la distancia de Jorge Palma, que, como JohnSuave define "es casi como una historia "un caminante propio.

viernes, 11 de septiembre de 2009

Ettore Stratta

The royal philharmonic orchestraThe royal philharmonic orchestra

Ettore StrattaEttore Stratta

Ettore Stratta and Brian TorfEttore Stratta and Brian Torf


Principalmente durante la década de 1990, el conductor y productor Ettore Stratta construyó una carrera discográfica en la refundacion de varias marcas de la música popular en sinfónica de acuerdos a su estilo orquestal. Algunas veces eso lo lleva a incursionanar en la música latinoamericana (como Sinfónica de Boleros, Symphonic Tango, Bossa Nova y sinfónico) y algunas veces eso significa la elección de estándares compatibles en el mundo del jazz y el pop para crear registros con los estados de ánimo constante (como en el Viaje Sentimental y 2000 como Time Goes By: Great Love Songs of the 20th Century). Él también hace las colecciones más específicas, como un tributo a la ciencia-ficción bandas sonoras de películas (Música de las galaxias) y, curiosamente, a Elvis Presley (Elvis Sinfónica, grabado - por supuesto - con la Orquesta Sinfónica de Memphis). Stratta ha grabado con la Royal Philharmonic Orchestra, la Orquesta Sinfónica de Londres, y las cadenas de fantasía, entre otros grupos, y no mostró señales de desaceleración tras el cambio de milenio

jueves, 10 de septiembre de 2009

John Coltrane

John ColtraneJohn Coltrane

john coltraneJohn Coltrane

John ColtraneJohn Coltrane

John Coltrane (Hamlet, 23 de septiembre de 1926 - Nueva York, 17 de julio de 1967), apodado Trane, fue un saxofonista (tenor y soprano) y compositor estadounidense de jazz. Aunque también muy controvertido, se trata de uno de los músicos más relevantes e influyentes de la historia del jazz, a la altura de otros artistas como Louis Armstrong, Duke Ellington, Charlie Parker y Miles Davis. Casado, en segundas nupcias, con la pianista de jazz Alice Coltrane (1937-2007).

Su trayectoria musical, marcada por una constante creatividad y siempre dentro de la vanguardia, abarca los principales estilos del jazz posteriores al bop: hard bop, free jazz y jazz modal. La discografía de Coltrane es considerable: grabó alrededor de cincuenta discos como líder en doce años, y apareció en más de una docena de discos guiado por otros músicos.

La obra de Coltrane está conscientemente vinculada al contexto sociohistórico en que fue creada (en concreto, a la lucha por los derechos civiles de los negros) y, en muchas ocasiones, busca una suerte de trascendencia a través de determinadas implicaciones religiosas (como se puede advertir en la que es considerada por la crítica su obra maestra, A Love Supreme).

Una de las aportaciones más reseñables de Coltrane es la que se refiere a la extensión de los solos de jazz, al eliminar cualquier límite temporal a los mismos y dejar su extensión al arbitrio de las necesidades del intérprete (de ahí que muchos temas de Coltrane sobrepasen, por ejemplo, los treinta minutos).

Nacido en un pueblo de Carolina del Norte, Coltrane fue hijo de John R. Coltrane, un profesor y músico aficionado, y de Alice (Blair) Coltrane. Dos meses después de nacer, su abuelo materno, el Reverendo William Blair, fue nombrado regidor anciano de la A.M.E. Zion Church por lo que la familia se trasladó a High Point (NC), donde crecería John. Tras graduarse en 1939 en primaria, su padre, sus abuelos y su tío fallecieron, dejando diezmada la familia. Su madre hubo de trabajar como criada para sostener a la familia. El mismo año, John se unió a una orquesta de la comunidad en la que vivía en la que tocó el clarinete y el corno alto en Mi bemol; en su orquesta del instituto tocaría ya el saxofón. A comienzos de la Segunda Guerra Mundial, su familia se mudó a Nueva Jersey en busca de trabajo, dejando a John con unos amigos. Cuando en 1943 se graduó en el instituto, se trasladó en junio a Filadelfia donde la familia entera quedó reunida de forma provisional.

Fue reclutado por la Marina en 1945 y un año más tarde volvería a Estados Unidos. Coltrane trabajó en varios empleos durante los años cuarenta (siendo saxo alto) hasta que se unió a "Dizzy Gillespie's big band" en 1949. Permaneció con Gillespie hasta la separación de la banda en mayo de 1950 (ahora tocando saxo tenor) y luego se unió a un pequeño grupo de Gillespie hasta abril de 1951, cuando volvió a Filadelfia para asistir a la escuela.

A principios de 1952 se unió a la banda de Earl Bostic, y en 1953, después de algunos roces con Eddie Vinson, se unió a un pequeño grupo de Johnny Hodges (durante un tiempo libre de este saxofonista de la orquesta de Duke Ellington), quedándose hasta mediados de 1954.

Aunque existen grabaciones de Coltrane tan tempranas como del año 1946, sus pares en ese momento no reconocieron el genio de este joven músico. Su verdadera carrera se extiende desde 1955 a 1967, durante los cuales le dio nueva forma al jazz moderno e influenció a generaciones de nuevos músicos. Coltrane estaba libre en Filadelfia en el verano del 55 cuando recibió una llamada del trompetista Miles Davis. Davis, cuyo éxito a finales de los años 40 fue seguido por varios años de deficiente producción, quería comenzar de nuevo y formar un quinteto. Coltrane estuvo en la primera formación del grupo de Davis desde octubre de 1955 hasta abril de 1957. Un periodo en que se grabaron algunos de los discos más influyentes de Davis y fue cuando se evidenciaron las primeras señas del crecimiento de Coltrane. Este clásico primer quinteto, es mejor representado por dos sesiones de grabación maratonianas realizadas para Prestige en 1956. Se disolvió a mediados de abril.

Durante la última parte de 1957 Coltrane trabajó con Thelonious Monk en el "New York's Five Spot", la legendaria sala. Luego volvió a unirse a Miles en enero de 1958, donde permaneció hasta abril de 1960, tocando habitualmente junto al saxo-alto Cannonball Adderley y el baterista Philly Joe Jones como un sexteto. Durante este tiempo participó en memorables discos como "Milestones" y "Kind Of Blue" y además grabó sus más influyentes discos con su grupo, "Blue Train" y "Giant Steps". A finales de su estadía con Davis, Coltrane comenzó a tocar el saxo soprano.

Coltrane formó su primer grupo, un cuarteto, en 1960. Tras pasar por el mismo músicos como Steve Kuhn, Pete LaRoca y Billy Higgins, el grupo se estabilizó con el pianista McCoy Tyner, el bajista Steve Davis y el batería Elvin Jones.

Durante su estancia con Miles, Coltrane había firmado un contrato con Atlantic Records, para quien grabó el disco Giant Steps. Su primera grabación con su nuevo grupo fue My Favorite Things. El grupo exploraría la espiritualidad en trabajos como "A Love Supreme". "A Love Supreme" es una obra lírica de cuatro partes basado en un simple acorde de bajo.

Coltrane muere de cáncer de hígado en el Huntington Hospital en Long Island, Nueva York el 17 de julio de 1967.

Ravi Coltrane, hijo de John Coltrane siguió los pasos de su padre y se convirtió en saxofonista.Fuente Wikipedia

miércoles, 9 de septiembre de 2009

El Desquite (Sexteto)

El Desquite (Sexteto)El Desquite (Sexteto)

El Desquite(Sexteto)El Desquite sus integrantes


EL Desquite se define como sexteto
Formación de clase tanguera por excelencia, desde 1920 De Caro, Cobián, Fresedo, Maffia, y otros se han expresado cabalmente con esta planta orquestal de dos bandoneones, dos violines, bajo y piano.

Estos jóvenes integrantes de El Desquite son quienes ahora nos deleitan con sus arreglos, armonizaciones, solos y, sobre todo, con la jerarquía de su expresión.
Sus integrantes son:
Guillermo Ferrer (bajo),Alejandro Zárate (bandoneón),Erica Di Salvo (violín),Fulvio Giraudo (piano), Federico Pereiro (bandoneón) y Leonardo Williman (violín)
Direccion musical: Erica Di Salvo y Fulvio Giraudo

martes, 8 de septiembre de 2009

Alazan

AlazanAlazan


Alazán es un dúo musical formado en sus comienzos por las madrileñas Aroa, Sara Y Encarna, hija, hermana y sobrina respectivamente de Juan Salazar, componente y fundador de Los Chunguitos y de sus hermanas Toñi Y Encarna (Azúcar Moreno). En sus inicios fueron un trío, hasta el año 2003 en que Aroa tomó la decisión de dejar el grupo. En el año 2000 ganaron el Festival de Benidorm con Alcanzarás la Luna, su primer éxito, y título de su primer álbum producido por Daniel Muneta, el cual puso el nombre al entonces trío. Con Alcanzarás la Luna quedaron quintas en "Eurocanción", donde se presentaron para representar a España en el festival de Eurovisión. Posteriormente registraron otros 4 trabajos más, el último de los cuales Digan lo que digan están actualmente promocionando. Fuente Wikipedia

lunes, 7 de septiembre de 2009

Alberto Di Paulo

Alberto Di PauloAlberto Di Paulo

Alberto Di PauloAlberto Di Paulo

Alberto Di PauloAlberto Di Paulo


DI PAULO, Alberto. (Nombre de familia: Antonio Di Paolo). Músico. Bandoneonista.
Director. Arreglador. Nació en Buenos Aires—Parque Centenario— el 12 de julio de 1929. Aprendió bandoneón de oído con el instrumento de su primo Américo Caggiano, quien luego, ya de modo disciplinado, le impartió las nociones fundamentales. Calixto Sallago fue, después, su maestro. Seinició como ejecutante hacia 1943. Integró orquestas de barrio y la agrupación de Emilio Balcarce, junto a quien asomó su vocación de arreglador. Actuó también, con Elvino Vardaro —en 1948— y con la orquesta de Ratti en el cabaret Casanova. Se independizó con los elementos de dicha formación para presentarse en el salón La Argentina. Esta nueva alineación actuó ya, bajo su propio nombre; además escribió los arreglos tocando, asimismo, en La Armonía de la calle Corrientes. Dejó entonces la profesión activa para consagrarse al estudio: cursó armonía, contrapunto e instrumentación al cuidado de Cayetano Marcoli. Y en 1957, tras de dos años de inactividad, rehizo sus filas para reaparecer como director acompañante de los cantores Echagüe y Laborde. En 1960, cumplió idénticas funciones junto a Alberto Marino, vinculándose a la RCA. En dicha empresa, colaboró con Mario Cosentino en la escritura de la orquesta de Xavier Cugat, y en 1962 fue llamado para registrar su primera placa de larga duración, con doce clásicos del repertorio cantable, pero arreglados para orquesta sola. Ya figuraban entre sus colaboradores inmediatos el primer violín de Carlos Arnaiz, el piano de Eberto Sassone, el cello de Adriano Fanelli. Actuó, entonces en diversos programas de televisión. En 1966 fue requerido por Ben Molar, a fin de hacerse cargo de la dirección musical integral del álbum Catorce con el Tango: hizo de él dos versiones, una con canto y otra solamente instrumental. Durante 1967, a fin de promover internacionalmente dicho álbum, viajó a Europa; y en 1969 colaboró en una segunda producción de Fermata: "Catorce con Cobián y Cadícamo". Buen ejecutante, arreglador de ideas musicales progresistas, es también un refinado director, vinculado, por sensibilidad, a las tendencias melódicas del tango orquestal.Fuente Horacio Ferrer

domingo, 6 de septiembre de 2009

Richard Galiano

Richard GalianoRichard Galiano

Richard GalianoRichard Galiano


Richard Galliano cambió la historia del acordeón: hoy podemos hablar de hablar de "antes" y "después" Galliano. "
( Yasuhiro Kobayashi - acordeonista japonés, Björk del acompañante).

Richard Galliano con éxito, a través de su énfasis musical en la melodía, ritmo, y la armonía, en la imposición que antes de su instrumento en contextos musicales era ignorado en festivales de jazz-it (Marciac, Vienne, Montreal, etc.) y salas de concierto clásico (Academia Santa-Cecilia en Roma, el teatro des Campos Elíseos en París, Milán ' s la Scala, etc..).

Nació en Cannes en 12 de diciembre de 1950. Estudió piano y acordeón con su padre, Lucien Galliano , antes de proseguir sus estudios musicales en el Conservatorio de Niza, presidida en ese momento por organista Pierre Cochereau . Estudió contrapunto, armonía y trombón, graduado con un 1er Prix d ' excelencia en 1969. En paralelo con este aprendizaje musical tomó parte en competiciones internacionales acordeón. Jugando J.S. Bach, Tchaikovsky, Ravel y Gershwin , ganó primer premio en el acordeón "Copa del mundo" dos años consecutivos (Valencia, España, de 1966 y 1967, Calais, Francia), así como premio del Presidente en 1968 (bajo Presidente Charles de Gaulle).


En 1973 abandonó el sur de Francia para París. Por varios años colaboró con Claude Nougaro, Barbara, Serge Reggiani, Charles Dick Annegarn (Frères) Aznavour, Juliette Gréco, Georges Moustaki y Zizi Jeanmaire. Su actuación de dúo con el cantante Allain Leprest para el álbum Voce A Mano le ganó el Grand Prix du Disque de la Academia Charles Cros. En el ámbito de cancion francesa, debemos mencionar también sus encuentros musicales con la cantante Catherine Ringer (del grupo Rita Mitsouko ) en la Cité de la música (París) y en el Festival de Jazz Antibes en Juan-Les-Pins.


En 1983 Astor Piazzolla invitó a Richard Galliano a ser el solista de bandoneón en la Comédie Française en su música original para acompañar a William Shakespeare "Sueño de una noche de verano", dirigida por Jorge Lavelli . Fue el comienzo de una larga amistad entre los dos hombres que duró hasta la muerte de Piazzolla en 1992.


Entre 1980 y 2003 Richard Galliano compartió el escenario con grandes músicos en conciertos de todo el mundo (París, Nueva York, Moscú, Londres, Buenos Aires, Montreal, San Francisco, Istanbul, etc..). Tocó con: Chet BAKER, Ron CARTER,
Joe ZAWINUL, al FOSTER, Pierre MICHELOT , Birèli LAGRENE, Jean François Jenny CLARK, Eddy LOUISS ,
Philip CATHERINE, Aldo ROMANO , Daniel HUMAIR , André CECCARELLI, Charlie HADEN , M ichel PORTAL ,
Didier LOCKWOOD, Maurice VANDER, Jimmy GOURLEY, Steve POTTS, StefanoBOLLANI, Hervé SELLIN, DE Hamilton HOLANDA, Lolo BELLONZI, Enrico RAVA, Toots THIELEMANS, Bobby MC FERRIN,
Jean Charles CAPÓN, George MRAZ , Mark FELDMAN , Larry Granadero , Scott COLLEY , Clarence PENN ,
Gil GOLDSTEIN, Jan GARBAREK , Paquito DI RIVER A, Michel PETRUCCIANI , Gilberto GIL , SIVUCA ,
SOLA marcialL, Philippe AERTS , SALIS Antonello , Richard BONA , Manu KATCHÉ, Paolo FRESU , Jan LUNDGREN,
Daniel GOYONE, DOMINGUINHOS
y muchos otros.

Durante este período también compuso numerosas obras originales, muchos de los cuales fueron aclamados por la prensa y el público.

En 1991 Richard Gallian crea el estilo de "New Musette" y lo grabó con Philip Catherine (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Aldo Romano (batería) para el registro de la etiqueta Label Bleu.

En 1993 la Academia du Jazz le otorgó el Premio de Django Reinhardt, nomenclatura le mejor músico de jazz del año. El mismo año, grabó el álbum Viaggio, su primero como parte de un contrato exclusivo con la etiqueta de Jazz Dreyfus , con Biréli Lagrène (guitarra), Pierre Michelot (bajo) y Charles Belonzi (batería). Nominado para el anual Victoires de la música, el álbum recibió el d Django ' O Premio para mejor álbum del año

En 1995 Richard Galliano registroLaurita, con Joey Baron (batería), Palle Danielsson (bajo) y tres otros huéspedes prestigiosos: Toots Thielemans (armónica), Didier Lockwood (violín) y Michel Porta l (clarinete).

En 1996 su tercer álbum de Jazz Dreyfus , tango de Nueva York, grabado en Nueva York con Foste Al r (batería) George Mraz (bajo) y Biréli Lagrène (guitarra), ganó un premio en la Victoires de la música.

El álbum siguiente, Blow Up, registrado en 1997 en un dúo con Michel Portal , se encontro con un éxito fenomenal, vendiendo más de 100.000 ejemplares y ganando numerosos premios: Victoire de la música, el Premio de Vian de Boris (Academia du Jazz) y mejor álbum internacional (música jazz).

En 1998 Richard Galliano grabado francés Touch con Jean-François Jenny-Clark (bajo), Daniel Humair (batería), Michel Portal (saxofón), André Ceccarelli (batería), Rémi Vignolo (bajo) y Jean Marie Ecay (guitarra). El álbum, nominado para el Victoires de la música y premiado mejor álbum internacional por música jazz, fue lanzado después de cinco años de gira por el trío de Galliano/Jenny-Clark/Humair . Por desgracia su lanzamiento fue triste por la muerte del amigo Jean-François Jenny-Clark..

En 1999 Richard Galliano registró su sexto álbum de Jazz Dreyfus , Passatori, en Florencia, Italia, con jugadores de cadena de la orquesta de cámara toscano L ' orquesta della Toscana y pianista Stefano Bollani , jugando un programa de composiciones originales y obras de Astor Piazzolla . Passatori fue nominado para el Victoires de la música.

Jazz Dreyfus lanzó un conjunto de caja de tres discos de conciertos sin liberar el mismo año, que comprende un álbum como solo grabado en el Festival de jazz de Umbria en Orvieto, 31 de diciembre de 1998, un dúo con Michel Portal grabado en Hamburgo, 29 de octubre de 1998 y un trío con Daniel Humair y Jean-François Jenny-Clark registrados en el Festival de jazz de Montreux, el 10 de julio de 1996.

El año 2001 vio la liberación de dos álbumes - Gallianissimo y Face To Face. La primera es una gran recopilación de sus años con Dreyfus Jazz y el segundo un nuevo estudio de grabación en un dúo con Eddy Louiss . Este último ganó el 2001 Django d ' Or Premio y fue nominado para el Victoires de la música.

Diez años después de la muerte de Astor Piazzolla , Jazz Dreyfus lanzo en 2003 un concierto en su honor grabado en vivo directo-a-doble en el Festival de Willisau el 29 de agosto de 2002 como un Septeto con Jean-Marc Phillips-Varjabédian (violín solo), Lyonel Schmit (segundo violín), Jean-Marc Apap (viola) Raphaël Pidoux (cello), Stéphane Logerot (bajo) y Hervé Sellin (piano).

La formación de Septeto, que dio su nombre al álbum (Piazzolla Forever), era única en tocar en festivales de jazz y clásicas en (Festival de jazz de Niza, Amsterdam Concerttown, Festival de jazz de Montreux, teatro des Campos Elíseos, etc..).

Todo esto sin olvidar las ediciones de Blue Rondo à la Turk (1980) y sur de Blues Sena como un trío con el cellista Jean-Charles Capon y Gilles Perrin (vibraphone et percussions), Salsamba (1983) con Chet Baker (trompeta) y músicos brasileños, All (1985) con un quinteto latino en el que Richard Galliano desempeñado melodía de accordina (instrumento de viento con clave) y Panamanhattan (1990) como un dúo con el bajista estadounidense Ron Carter .

Richard Galliano nunca se ha preocupado por ser el mejor acordeonista pero más bien siempre se ha preocupado con dar a su público lo mejor de sí mismo, de "tocando la música de su mundo" y profundizando en sus diversas raíces musicales - italiano, Mediterráneo, jazz, francés cancion y la música clásica.

Él ha inspirado a toda la nueva generación de acordeonistas internacionales. Hoy muchos jóvenes músicos para tocar su música y "copiar" su estilo (las versiones más de 50 de su "Valse à Margaux"). Además algunos de sus ex alumnos han iniciado carreras musicales interesantes y ricos, incluyendo Peer Glovingen (con Gidon Kremer ) y Daniel Mille .

En agosto de 2002, para la anual Down Beat Poll, Richard Galliano es llegar primero de "nueva generación" en la categoría "varios instrumentos".

En mayo de 2003, Richard Galliano es que aparecen con Michel Portal en la Scala de Milán (grabación del álbum Live "Conciertos").

En los años 2004/05, después de la inscripción del álbum Trio de Nueva York , Richard realiza un gira con la sección de ritmo estadounidense: o bien Larry Grenadier sobre bass y Clarence Penn en tambores o Clarence con Scott Colley en el bajo. La segunda gira de trío culmina en el Theatre des Champs Elíseos en París en mayo de 2005. En junio del mismo año, Richard vuelve a París para grabar un DVD de Piazzolla Forever Septet en el teatro des Bouffes du Nord, el lugar exacto donde el proyecto había sido lanzados tres años antes: después de 250 conciertos teniendo en cuenta en todo el mundo, el Septeto está terminando su colaboración en la sede de su comienzo, aunque este evento de alto perfil aún permanecen disponibles en el futuro para conciertos especiales.

En marzo de 2006, R.Galliano invitado con su sección de ritmo de Nueva York el invitado muy especial Gary Burton , mundo vibráfono comienza el famoso maestro, por iniciativa de la Cité de la música en París y esta giras de proyecto ampliamente y va ser viajar por una vez más en el otoño de 2007. Una grabación tuvo lugar en Nueva York en agosto de 2006 y verá la luz en septiembre de 2007 para el sello italiano Camjazz.

Pero es definitivamente el proyecto de Tangaria, un cuarteto especial con violín (la increíble Alexis Cardenas desde Venezuela), bass (de Philip Catherine mate Philippe Aerts ) y otro jugador fino de Venezuela, percusionista Rafael Mejias , con el brasileño invitado especial sobre la mandolina, Hamilton de Holanda , que será lo más destacado del año 2007, con una extensa gira en el verano de 2007, agregar la fina tambores de Clarence Penn . Grabado con algunos invitados especiales brasileños en Sao Paulo en septiembre de 2006, el álbum estará fuera en febrero de 2007 para Milán Records, una etiqueta que conoce muy bien a la labor de Astor Piazzolla .Fuente Web Richard Galiano.