Carlos Mayel

Carlos Mayel

Ricardo Ruiz, Carlos Gines, Augusto Codeca y Carlos Mayel


Carlos Mayel, Ricardo Ruiz y Osvaldo Fresedo

Osvaldo Fresedo, Ricardo Ruiz y Carlos Mayel


El tango y los carnavales en 1940 (Boletin de Radio el Mundo)

Carlos Mayel y Ricardo Ruiz en la Rambla de Santa Fe, en 1940

Carlos Mayel detras (posiblemente de la señora de Homero Carpena, por su parecido con Nora Carpena)

CARLOS MAYEL, cantor y compositor - 1913-1984
CARLOS MAYEL, nació el 19 de Noviembre de 1913 en el barrio de Mataderos, Buenos Aires. Su verdadero nombre fue José Luis Anastasio, hijo de inmigrantes de la Isla del Volcán Stromboli en Sicilia, Italia. Fueron sus padres, Giuseppe Anastasio y Carolina Tesoriero (prima del famoso arquero de Boca Juniors, Américo Tesorieri). Giuseppe, murió en un accidente al caer de la torre de la iglesia de San José de Calazans, en Avda. La Plata y Directorio, cuando se estaba construyendo el edificio, el 15 de Octubre de 1915, sólo tenía 30 años de edad. Un mes después nació quien sería Carlos Mayel, el último en nacer de los cuatro hijos de ese matrimonio. Años después Carolina, de 26 años de edad, se casó con otro italiano, Nicolás Alagia, y tuvo cinco hijos más, dos de ellos también incursionaron en la música: Alfredo Alagia, como primera voz en un conjunto vocal e instrumental que formó Waldo Belloso y Ernesto Alagia que se expresa muy bien con la guitarra.

Carlos Mayel se destacó, como cantor, por su voz brillante y afinada y su estilo melodista, Se inició alrededor de 1932, en LR9 Radio Fénix, una de las primeras emisoras de Buenos Aires, con la orquesta de Héctor de Estefano. Sus primeras lecciones de guitarra las recibió de Ángel Domingo Riverol, el guitarrista de Carlos Gardel, quien lo presentaba en los distintos eventos artísticos en que Mayel actuaba. Luego pasó a la orquesta de Rómulo Mercado, que realizaba bailes en Mataderos y en toda la ciudad. Debutó con la orquesta de Osvaldo Fresedo en el año 1939 y se desempeño hasta 1942 grabando con el gran maestro 8 tangos: "Camino", "Marcas", "Careta Careta", "Nidito Azul", "Esta Noche", "Si el Corazón Supiera", "Es Costumbre o es Cariño" y "Llamada de Amor Porteño"

Cuando finalizó su actuación con Fresedo, Mayel fue invitado a visitar a Doña Bertha, la madre de Gardel, y le cantó el tango "La Mariposa", quien emocionada le regaló, un par de botas, un poncho, un sombrero y un cuadrito de Gardel dedicado y autografiado. (1942)
Antonio Sumage "El Aviador", chófer de Gardel fue gran amigo de Carlos Mayel y lo visitaba frecuentemente en su casa de Mataderos, llevando golosinas y regalos para su hijo.

Entre 1942 y 1947, acompañado por un conjunto de guitarras, realizó actuaciones como solista en confiterías, bares, clubes y distintos eventos. Tuvo una participación breve en la orquesta de Carlos Demaría.

La totalidad de la obra autoral de Mayel, supera los 300 tangos, milongas, rumbas, boleros, zambas, etc. Muchas en colaboración con Francisco Laino y otras con Celedonio Flores, Enrique Dizeo, Reinaldo Yiso, Aldo Queirolo, Francisco Amor, Carlitos Acuña, Martín Castro, Afner Gatti y otros.

Entre sus composiciones más conocidas podemos destacar: la milonga "APRONTE" grabadas por: Edgardo Donato (con la voz de Roberto Morel), por Carlos Almagro y por Edmundo Rivero. "EL DESCOLADO" grabadas por Edgardo Donato y por Ricardo "Chiqui" Pereyra, "YO NACÍ PARA PALERMO" grabada por Edgardo Donato, "BERRETINES DE BACANA", grabada por Edgardo Donato "PALITO DOCENA MEDIA", grabado por Jorge Vidal y por Carlos Mayel, la milonga "ENTRE CURDAS", grabada por Jorge Vidal, Lucrecia Merico, Ernesto Ariel, Horacio Puccio Acosta (Bar El Chino) y últimamente por Cacho Castaña, "EL MAYORAL DEL TRANVÍA", grabada por la orquesta de Alfredo De Angelis con la voz de Julio Martel y últimamente por el conjunto inglés "Tango Siempre" en el Reino Unido. También compuso "Carlitos Está en Nosotros" (tango dedicado a Gardel), la milonga "Celedonio Flores" y el tango milonga "Roberto Firpo" que proximamente, estarán al alcance de los amantes del tango.

Luego del nacimiento de su único hijo, en 1947, se alejó de las actuaciones artísticas, aunque no, totalmente. Esporádicamente realizó algunas grabaciones: Un LP para el sello Magenta, con 12 con tangos y milongas propios acompañado con guitarras. Con la orquesta de Juan Carlos Caviello grabó 5 temas, 3 con Francisco Brancatti, 5 con Ricardo Martinez Trío y 4 con las guitarras de Lorenzo Ranieri.

Si bien dejó de actuar, dejó innumerables grabaciones inéditas cantando con su guitarra, con mucho repertorio de Carlos Gardel y propio. Se puede afirmar que Carlos Mayel, compuso melodías y cantó hasta pocas horas antes de su desaparición, el 2 de Enero de 1984.Fuente de esta biografia: José Luis Anastasio(h)

Pasodoble

Las tunas han utilizado siempre pasodobles de tuna para sus representaciones


El repertorio de las bandas de música está compuesto en más de un 60% de pasodobles

El "paso-doble" o "pasodoble" es una marcha ligera, adoptada como paso reglamentario de la infantería, con una característica especial que hace que la tropa pueda llevar el paso ordinario. En su día recibióeste nombre de "pasodoble", ya fuera para desfiles militares o taurinos. También recibió el mismo nombre la danza, que fue popularizada hacia 1926. Se compone con un compás de 2/4 o 6/8.

Parece ser que el pasodoble procede de la tonadilla escénica, que era una composición que en la primera mitad del siglo XVIII servía como conclusión de los entremeses y los bailes escénicos y que luego desde mediados del mismo siglo era utilizada como intermedio musical entre los actos de las comedias
Se conoce como pasodoble el baile originado en España hacia 1533 y 1538 en el cual la mujer desarrolla un papel importante. Ella es utilizada con(normalmente) el paso 69 (libro de pasos). Utilizado en varias regiones para la celebración de eventos. Fue una parte muy importante para el desarrollo del país. Es, además, uno de los pocos bailes de pareja que se siguen conservando hoy en día; está presente en muchas fiestas (verbenas populares) y sigue formando parte de la tradición de todas las regiones de España. "A principios de siglo se relacionó con el garrotín, un baile de pareja gitano, bastante vivo y repetitivo". También se cree que este baile pudo originarse en Francia, donde se llamó pas-redouble, tocado por bandas para marchas militares desde 1780. Desde este país se fue desarrollando y extendiendo a otros territorios como una marcha rápida de infantería que regulaba el paso de los soldados.

El pasodoble es un baile muy sencillo, con figuras muy libres, por lo que resulta bastante fácil aprenderlo. La posición de la pareja es igual a la de todos los bailes de salón, uno enfrente del otro y con los cuerpos pegados ligeramente desplazados hacia la izquierda. Su ritmo básico es muy simple: un paso por tiempo y se debe permanecer todo el tiempo con los cuerpos en paralelo y con la mano izquierda y derecha del hombre y la mujer, respectivamente, unidas. El pasodoble forma parte del repertorio de las bandas de música españolas y suele constar de introducción y dos partes principales, con un ritmo aflamencado. Como danza es semejante al one-step; se diferencia en el número de pasos que se dan al bailar y en sus respectivos nombres.

Actualmente, una de las maneras por las que se ha mantenido vivo este ritmo (aparte de las bandas de música) son las Tunas, agrupaciones musicales universitarias, provenientes del siglo XII. Hoy en día, los pasodobles forman parte importante del repertorio de estas agrupaciones, sean de España o de otras regiones del mundo. Uno de los elementos característicos de los pasodobles interpretados por las tunas, es la vistosidad, ya que, además, se acompañan con ciertas piruetas denominadas Fantasía de Pandereta (tocar el instrumento con distintas parte del cuerpo, sin perder el ritmo), Baile de Bandera (mover el estandarte de la Tuna al ritmo de la canción) y el Baile de Capa (agitar la capa emulando al movimiento de los toreros). Las canciones más interpretadas por las tunas son, entre otras: "La Morena de mi Copla" (Julio Romero de Torres), "Tres Veces Guapa", "Párate", "Barrio Brujo", etc. además de contar con pasodobles creados exclusivamente para Tuna, como: "Las Cintas de mi Capa", "Tuna Compostelana", "Tuna de Ingenieros"; teniendo en cuenta que cada Tuna, en su mayoría tiene un pasodoble creado por ellos mismos, que, a manera de Himno es el distintivo de éstas canciones.Fuente Wikipedia

Werner Müller

Werner Müller

Werner Müller

Werner Müller (* 2. Agosto 1920 en Berlín ; murió 28. Diciembre 1998 en Colonia ) fue un autor , compositor , Director de orquesta , arreglador y Orquestador aleman.

Muller realmente queria ser medico o investigador"." Su padre, se aseguró que recibió una educación de música. piano y violin fueron los primeros instrumentos de Müller y a10 años aparece ya como solista en un concierto de violín de Mozart. En 1936 Müller ejecuto música militar en Bückeburg . Allí aprendió incluso trombón. Durante el servicio miliar Müller toco con el violinista s Helmut Zacharias para el Ejército estadounidense, Werner Mueller hizo con entusiasmo esta etapa .

En 1946 Müller toco con la orquesta de Kurt Widmann en banda más exitosa de Berlín. En 1949 Müller de 30 años de edad, inicia sus actuaciones en las RIAS Berlín. Su exito fue que Werner Mueller encontro la fórmula " de un swing encadenado"." Los instrumentistas de RIAS Tanzorchesters fueron reconocidos músicos como clarinettista Rolf Kühn , barítono saxofonista Helmut Brandt pianista Fritz Schulz Reichel , también el guitarrista Flor Arno .

Fue responsable del concertino de RIAS Tanzorchesters Hans-Georg Arlt con 18 cadenas de radiales. "" Realiza con exito la formacion con 4 trompetas, 4 trombones, 5 Saxophonen y 4 Rhythmusinstrumenten que le dieron un sonido característico que fascina todavía a quienes los escuchan.

Después de 18 años en Berlín Müller se translado a Colonia, realizo las actuaciones de WDR allí y fue actuo en muchos programas de televisión. Docenas de registros con el nombre "Orquesta Werner Mueller", de que muy pocos lograron en el tiempo de CD . Sus muchas grabaciones de tango y título instrumental como "Baia" de ARY Barroso o "Siboney" y "Malaguena "Ernesto Lecuona y muchos títulos más, fueron un éxito

Como autor Werner Mueller logro el éxito, en 1983 con su política thriller oro durante mil años (Goldmann Verlag). Fuente Wikipedia en Aleman

Quinteto Tiempo

Quinteto Tiempo

Quinteto Vocal Tiempo (1966-1972) El grupo tiene su origen en la ciudad de La Plata a partir de la relación entre Alejandro Jáuregui y Eduardo Molina, amigos desde niños. Ellos dos y Miguel Ángel Coloma, Sara Masi y Guillermo Masi, integraron la primera formación, dirigidos y siguiendo los arreglos de Jorge Cumbo, por entonces ya un reconocido músico de La Plata.

Se suceden las actuaciones, destacándose su adhesión al Movimiento del Nuevo Cancionero, liderado por Armando Tejada Gómez y Mercedes Sosa, y participan en El Chasqui, un espectáculo realizado por Armando Tejada Gómez en el estadio del Club Atlético Huracán en Buenos Aires. A partir de 1968 los arreglos corales quedan a cargo de Guillermo Masi, hasta su partida en 1970 (luego se vincularía con Opus Cuatro y el coro Procanto Popular).

En enero de 1969 son contratados para actuar en el Festival de Cosquín, el más importante de la música folklórica de Argentina. Cómo Quinteto Vocal Tiempo no grabaron ningún álbum propio. Su primera grabación fue en el álbum Promoción 69 (1969), junto a otras figuras destacadas del Festival de Cosquín de ese año, donde interpretan "Pobladora de luz" y "Refalosa del adiós". En 1970 grabaron su primer simple, para el sello Musicamundo, con los temas "La raíz de tu grito" y "Te recuerdo Amanda" (V. Jara). Ese mismo año graban "Canción con todos" junto a Cesar Isella, autor de la música.

En abril de 1971 obtuvieron el tercer premio en el Primer Festival de la Nueva Canción Argentina con los temas "Poema para despertar a un niño" de Alfredo Rubio y Jorge Cumbo. Graban "Breve historia de Juan" con Chañy Suárez y César Isella, incluido en el álbum Hombre en el Tiempo de éste último; participan en el histórico espectáculo Las Ruinas del Olvido, de Armando Tejada Gómez, realizado en las Misiones Jesuíticas de San Ignacio.


Quinteto Tiempo (1972 en adelante) [editar]Entre 1968 y 1971 el grupo había cambiado algunos de sus integrantes, ingresando Rodolfo Larumbe en 1969, Ariel Gravano en 1970 y Santiago Suárez en 1971. Ellos tres junto a Alejandro Jáuregui y Eduardo Molina, compondrían una formación estable, dirigidos por Carlos Groisman, que no sufriría más cambios en adelante, circunstancia inusual entre los grupos musicales. En 1972 adoptaron el nombre Quinteto Tiempo y grabaron su primer álbum El río está llamando (1973), tomando para título una canción de Julio Lacarra sobre la insurrección popular conocida como el Cordobazo.

A partir de 1975 y sobre todo con la dictadura instalada en 1976 el grupo sufrió amenazas y censura, lo que le impidió difundir su trabajo en Argentina. Con esas restricciones grabaron entre 1975 y 1982 cinco álbumes y participaron en festivales internacionales y trabajos en conjunto con otros importantes artistas latinoamericanos.

En 1984, con la recuperación de la democracia en Argentina, volvieron a poder lanzar un álbum en su país, su séptimo trabajo propio, titulado simplemente Quinteto Tiempo. Desde entonces se destacó su obra de difusión de la nueva canción latinoamericana (Vamos a andar) y Quinteto Tiempo canta a Armando Tejada Gómez (2002). Fuente Wikipedia

David Tanenbaum

David Tanenbaum

David Tanenbaum

Reconocido internacionalmente con un desempeño sobresaliente grabando , un educador carismático y un escritor y editor de sabor y de inteligencia, David Tanenbaum es uno de los guitarristas clásicos más admirados de su generación. Ha actuado en los Estados Unidos, Canadá, México, Europa, Australia, la ex Unión Soviética y Asia, y en 1988 se convirtió en el primer guitarrista estadounidense en ser invitado por el Gobierno chino. Ha sido solista con el Los Angeles Filarmónica, San Francisco Symphony, orquesta de Minnesota, Londres Sinfonietta, la Sinfónica de Oakland, ORF orquesta de Viena, con tales eminentes directores de orquesta como Esa-Pekka Salonen, Kent Nagano y John Adams.

David Tanenbaum ha sido un solista destacado en muchos festivales internacionales, las de Bath, Lucerna, Frankfurt, Barcelona y Viena así como en numerosos festivales de guitarra incluidas. En 1989, como Presidente del Congreso Americano de guitarra , él encargó cinco nuevas obras, incluyendo rosewood por Henry Brant para una orquesta de guitarras grandes. Posteriormente dirigió rosewood más de una docena de veces en cuatro continentes.

Mientras que su repertorio abarca diversos estilos, David Tanenbaum es reconocido como uno de los partidarios más elocuentes de hoy de nuevo repertorio de guitarra. Entre las muchas obras escritas para él es el concierto de guitarra de Hans Werner Henze An Aolsharfe Eine , que estrenó en toda Europa y grabado con el compositor ,la primera pieza de guitarra de Terry Riley, ascensión , cuatro obras de ganador del Premio Pulitzer 1998 Aaron Jay Kernis, dos piezas por Roberto Sierra y una suite por Lou Harrison. Actualmente trabaja con Terry Riley sobre una serie de 24 piezas de guitarra. Él ha viajado extensamente con Steve Reich y sus músicos, fue invitado a Japón en 1991 por Toru Takemitsu y ha tenido una larga relación con el moderno Ensamble. Como un músico de cámara ha colaborado con, entre otros, el Kronos, Shanghai, Alexander y Chester String cuartetos, bailarín Tandy Beal y guitarrista Manuel Barrueco. Actualmente es miembro del ensemble de guitarra mundial, que realiza regularmente tours por Europa.

Las grabaciones de David Tanenbaum, reflejan sus amplio repertorio, pueden encontrarse en Albion nueva, EMI, Nonesuch, Ars Musici, Rhino, SPG, Albany, Audiofon, Bayer, acústica de música de registros, Bridge, Stradivarius y otros. Su grabación de 2002 como solista con Esa-Pekka Salonen y la Filarmónica de Los Angeles en de John ADAM y música sentimental fue nominado para un Grammy como la mejor composición nueva. Ha realizado numerosas ediciones de música de guitarra, incluyendo la serie de conciertos de David Tanenbaum de publicaciones de solo de guitarra. También ha escrito una serie de tres libros, los estudios Essential, que analizan las Études de Sor, Carcassi y Brouwer y felicitar a sus grabaciones de esas obras sobre SPG y su capítulo sobre el resurgimiento de la guitarra clásica en el siglo XX aparece en la guía de Cambridge a la guitarra.

David Tanenbaum es actualmente Presidente del Departamento de guitarra en el San Francisco Conservatorio de música, donde recibió el Premio profesor de excelentes 1995, y él ha sido Artist-in-Residence en la escuela de música de Manhattan. Él está demando en clases magistrales en todo el mundo. Estudiantes del Sr. Tanenbaum han ganado numerosas competiciones internacionales, y sus ex alumnos ocupan puestos de enseñanza internacionalmente.

David Tanenbaum estudió guitarra con Rolando Valdez-Blain, Aaron Shearer y Michael Lorimer, que asisten a la Conservatorio de San Francisco y el Conservatorio de Peabody. Nuevos estudios incluyen trabajos con el pianista Jeanne Stark-Iochmans y harpsichordist Laurette Goldberg. Participó en la clase magistral de Nueva York de 1981 con Andrés Segovia.Fuen Web de David Tanenbaum(En ingles)

Connie Francis

Connie Francis

Connie Francis

Concetta Rosa Maria Franconero (12 de diciembre, 1938 Newark, New Jersey- ), nombre real de Connie Francis, es una cantante de música popular estadunidense. A mediados del siglo XX llegó a ser todo un ícono juvenil. En su repertorio figuran temas de muchos géneros musicales y en distintos idiomas. Algunas interpretaciones suyas de temas tradicionales en español son verdaderos clásicos en América Latina.
Acaso a instancias de sus padres, inmigrantes italianos, Concetta aprendió a tocar el acordeón siendo todavía una niña. Interpretaba acompañándose con su propia voz. Pronto se presentaría en programas de radio y televisión para noveles, a saber, Children’s Hour, The Ted Mack Amateur Hour y Arthur Godfrey Talent Scout Show. Con doce años de edad debutó en The Startime Kids, un canal de televisión neoyorquino de la NBC. Allí la querían para que cantara y no para que tocara el acordeón, por lo cual dejó el instrumento. También se le sugirió que cambiara su nombre y apellido por otros más fáciles de pronunciar en inglés, de ahí Connie Francis.

A los dieciséis años grabó, con dinero que reunieron ella y su agente musical, su primer disco, el cual contenía las canciones “Didn’t I Love Enough”, “Freddy”, “(Oh Please) Make Him Jealous” y “Goody Goodbye”. No obstante el débil impacto comercial de estas grabaciones, la multinacional MGM contrató a Connie y lanzó su segundo disco: un sencillo con “Are You Satisfied?” y “My Treasure”. Estos temas y los que grabó luego tampoco se impusieron en el mercado, razón por la cual la MGM iba a cancelarle el contrato. Tan sólo para cumplir con este, Connie, desahuciada ya de su carrera musical, grabó una versión de “Who’s Sorry Now”, una canción que había sido popular bastantes años antes. El padre de la artista fue el que, debido a su mucha influencia sobre ella, le mandó cantar dicha composición, a la que se le hicieron algunos arreglos para modernizarla. La sinigual voz de Connie se oye en la grabación con el acompañamiento vocal masculino y el fondo pianístico típicos de la época. Esta versión de “Who’s Sorry Now” llegó al cuarto puesto de la lista Billboard y al primero en las listas musicales inglesas en el año 1958. Fue por sus ventas disco de oro. Y mucho después, en el 2000, sería nombrada como una de las trescientas sesenta y cinco canciones más importantes del siglo XX.

Adquirió fama interpretando baladas ligeras, algunas de las cuales ya eran en ese entonces temas viejos. Aparte de la ya nombrada “Who’s Sorry Now”, entran en este lote “I'm Sorry I Made You Cry”, “My Happiness”, “If I Didn’t Care” y “Among My Souvenirs”. Connie les añadía los discretos sollozos que fueron la marca de su estilo musical. Combinaba su potente voz con inflexiones deliciosamente lloronas. Tal vez por eso quedó encantada al oír “Stupid Cupid”, una canción rockera que requiere una como onomatopeya. Compuesta por Neil Sedaka y Howard Greenfield, se la presentaron ellos mismos a una Connie que en una sola audición había desdeñado todas las otras canciones del tándem por considerarlas “demasiado intelectuales para los jóvenes”. Por no dejar y para buena sorpresa de Connie, los compositores interpretaron al final la pieza. Por la buena estrella de “Stupid Cupid” en las carteleras, Connie grabó “Fallin’” y “Frankie”, otras no menos espléndidas piezas de Sedaka y Greenfield, quienes más adelante escribirían para la cantante “Where the Boys Are”, tema de la película homónima.

Connie grabó en 9 idiomas durante su carrera incluyendo: inglés, italiano, francés, alemán, japonés, yiddish, portugués y español, en este último cabe destacar la interpretación que Connie hace del legendario tema de Ernesto Lecuona "Malagueña" y de las inolvidables "Solamente una vez" y "Granada" de Agustín Lara. "Mi tonto amor" es su éxito más popular en México. Es preciso sin embargo señalar que también adaptó algunos de sus éxitos en el mercado estadounidense al español. Es el caso de "Donde hay chicos". Su primer álbum fue precisamente en italiano, siguiéndole posteriormente diversas interpretaciones en el idioma italiano. "Wher the Boys Are" y "Stupid Cupid" son algunos de los éxitos de Neil Sedaka y Howard Greenfield que más versiones han tenido. "Everybody's Somebody Fool" logró fama al aparecer en el filme del mismo nombre. Ahí Francis actuó un personaje interpretando el tema. Actuó en 1960 en la película "Where the Boys Are". En la primera mitad de los 60 estelarizó 3 filmes más: "Follow the Boys"(1963), "Looking for Love"(1964) y "When the Boy's Meet the Girls"(1965). Llegó a ser la más joven anfitriona en cantar en Las Vegas, en donde cantó durante 28 días anuales durante 9 años. En 1961 tuvo éxito al estelarizar su propia emisión televisiva patrocinada por Brylcreem titulada Kicking Sound Around actuando al lado de Tab Hunter, Eddie Foy Jr. y Art Carney. Apareció en el Show de Ed Sullivan el 1 de Julio de 1962 con el cantante frances Johnny Hallyday en una emisión que fue escenificada en el famoso Moulin Rouge (Molino Rojo) de París. En 1963 actuó frente a la Reina Elizabeth II en el Teatro Alhambra en Glasgow Escocia. Ya en 1967 había colocado 35 hits dentro de los Top 40 y 3 números uno en su historial. Por ser Connie amante de la música Country grabó también algunos álbumes del género. En 1969 hizo un modesto regreso a la cartelera musical con su rema "The Wedding Cake". Volvió a las listas de popularidad con el tema country "There's Still a Few Good Love Songs Left in Me". También sus éxitos iniciales fueron llevados a este estilo musical en las voces de Marie Osmond, Susan Raye, Margo Smith y Debby Boone. Durante la guerra de Vietnam Connie cantó temas para las tropas americanas. Francis concluyó su carrera de grabaciones en 1969. En 1973 regresó con "The Answer", una canción escrita para ella. Su hijo Joey nació en 1974. La tragedia le alcanzaría cuando en 1974 sufrió una violación en un hotel luego de una presentación en Westbury, Nueva York. Una cirugía nasal fue necesaria para corregir su sensibilidad al aire acondicionado lo que limitó severamente sus aptitudes para cantar durante 4 años. Su hermano sería asesinado en 1981.

La autobiografía de Francis, "Who's sorry Now?" fue publicada en 1984. Connie fue diagnosticada con Trastorno Bipolar, un padecimiento que implica severas depresiones y periodos de gran euforia, usa la droga Lithium para equilibrar sus estados anímicos. Connie sigue activa en la actualidad cantando y actuando por todo el mundo con el mismo atractivo que se le ha conocido, sus actuaciones siempre tienen localidades agotada.Fuente Wikipedia

Anna Lena Brundin

Anna Lena Brundin(a la izquierda)

Anna Lena Brundin

Anna-Lena Brundin, Nombre real: Anna-Lena Terese Bergelin Nacio el 12 abril de 1959 en Lund, Malmöhus Condado, Suecia, es una escritora sueca, humorista y cantante.

Brundin nació y se crió en Lund, pero ahora vive en Estocolmo y es propietaria de un apartamento en Montmartre, en París. Está casada con el periodista Olof Brundin.

Brundin se hizo famosa en un programa diario de televisión en vivo, incluyendo facetas de Nancy y Carina y Marja y Agneta como lo hizo con Lill-Marit Bugge a finales de 1980. Ha traducido canciones de Edith Piaf a Skåne. Ella toca y canta y es cómica- la Y tiene una banda de movimientos y musica, junto con Ann Westin, Zeid Andersson y Yvonne Impuesto Montañas.Fuente Wikipedia en sueco

Jerry Lee Lewis

Jerry Lee Lewis

Jerry Lee Lewis

Jerry Lee Lewis (Ferriday, Louisiana, Estados Unidos, 29 de septiembre de 1935) es un pianista y cantante estadounidense, pionero del rock and roll.

Apodado "The Killer" ("El Asesino") por su fuerte personalidad y su puesta en escena, y tras ser considerado seria alternativa frente a Elvis Presley, El Rey del Rock, su popularidad decayó durante los años sesenta y setenta por diversos escándalos. Su figura ha sido rehabilitada en las últimas décadas, entrando a formar parte en 1986 del Salón de la Fama del Rock dentro del primer grupo junto con otros pioneros del rock y posteriormente del Salón de la Fama del Rockabilly. En 2003 la revista Rolling Stone lo situó en el puesto 24º de los mejores músicos del siglo.[1] Lewis es el más joven de los tres supervivientes de la primera generación de rock and roll (los otros dos son Little Richard y Chuck Berry).

Jerry Lee Lewis nació en una familia pobre de Ferriday, en Concordia Parish, en el Este de Louisiana, hijo de Elmo y Mamie Lewis. Comenzó a tocar el piano en su juventud junto a sus primos Mickey Gilley y Jimmy Swaggart, posteriormente uno de los primeros teleevangelistas. Debido al talento mostrado por Jerry Lee ya desde su infancia, sus padres hipotecaron su granja para comprarle un piano. Influenciado por la música popular entonces emitida por la radio en programas como The Louisiana Hayride o Grand Ol' Opry, mezcló los estilos de la época (country, rhythm and blues, boogie-woogie y gospel) para crear el suyo propio.

En sus primeros años de adolescencia comenzó a acudir a los guetos negros para escuchar a los cantantes de blues y el 29 de septiembre de 1949 realizó su primera aparición pública en un espectáculo montado por la compañía de automóviles Ford en su ciudad natal, interpretando el tema "Drinkin wine, spoo-dee-o-dee".[2]

En 1952, con 16 años, contrajo matrimonio con Dorothy Barton, dos años mayor que él (en esa época, en el sur de Estados Unidos, eran comunes los matrimonios a temprana edad). Ese mismo año grabó sus primeras canciones: una composición para piano llamada "New Orleans boogie" y un cover de la balada country de Lefty Frizze "Don't stay away ('til love grows old)". En septiembre de ese año su madre lo envia a una escuela religiosa de Waxahachie, Texas, para que interpretase música exclusivamente religiosa, pero pronto fue expulsado por tocar una versión de "My God is real" en estilo boogie-woogie.

En 1953, sin divorciarse de su primera esposa, se casa con Jane Mitcham cuando ésta queda embarazada del que sería el primer hijo de Lewis, Jerry Lee Lewis Jr.[3] En 1954 volvió a grabar, haciendo versiones de canciones country como "If I ever needed you" y "I don't hurt anymore".[4] En estos primeros años actuó en clubes en Ferriday, Natchez, Mississippi y Nashville (Tennessee). Al intentar aparecer en The Louisiana Hayride es rechazado ya que según los ejecutivos del programa debía tocar la guitarra y no el piano.

En 1956, después de leer un artículo sobre Elvis Presley en una revista, viaja a Memphis para probar suerte grabando en su misma compañía discográfica, Sun Records. En ese momento, el dueño de la discográfica, Sam Phillips, se encontraba en un viaje en Florida así que fue Jack Clement quien grabó sus primeras canciones para el sello: una versión de "Crazy arms" de Ray Price y una composición propia llamada "End of the road".

El 4 de diciembre de ese mismo año se produce un acontecimiento histórico cuando en una sesión improvisada en la sede de la compañía, graba varios temas junto a Elvis, Carl Perkins y Johnny Cash. Bautizados Million Dollar Quartet ("El cuarteto del millón de dólares") en un artículo periodístico aparecido días después e inmortalizados en una célebre fotografía con Elvis al piano, la grabación no vería la luz pública hasta décadas después.

Fue en 1957 cuando Lewis alcanza un éxito masivo con "Whole Lotta Shakin' Going on". En un principio, Sam Phillips no estaba convencido de grabar esta canción debido a su contenido sexual que la hacía más propia del gusto del público negro, pero finalmente acepta y se graba como cara B de un sencillo que incluía como tema principal It'll be me. "Whole Lotta shakin'" fue tocada en vivo por primera vez en un bar de Arkansas el 22 de febrero e impresionó tanto al público que la tuvieron que repetir veinticinco veces en la misma noche.[5] Por su alto contenido sexual, excesivo para la sociedad de la época, fue censurada en muchos programas de radio y televisión. Después de no ser admitida en The Ed Sullivan Show, calificada de inmoral, la presenta en The Steve Allen show, gracias al cual alcanza el número uno en las listas de country y R&B y el tercer puesto en las de pop, llegando a vender seis millones de copias en todo el mundo.[6]

Tras el éxito espectacular del sencillo, el escritor de canciones Otis Blackwell, que ya había trabajado para Elvis, compone junto a Jack Hammer el que sería el tema de mayor éxito de la carrera de Lewis, Great Balls of Fire!. No obstante, Sam Phillips tuvo que convencer al cantante para grabar la canción ya que Jerry rehusaba debido a su contenido blasfemo. El tema logra un gran éxito a nivel mundial y es número 1 en las listas de Estados Unidos y Reino Unido.

En esa época se produce la que quizá sea la anécdota más conocida en la carrera de Jerry Lee Lewis, origen de su fama de artista problemático que le daría su apodo de "The Killer": en una actuación en el Brooklyn Paramount Theatre de Nueva York, Lewis fue asignado como telonero de Chuck Berry. Como protesta, subió al escenario con una botella de coca-cola llena de gasolina con la que, mientras interpretaba Great Balls of Fire, prendió fuego al piano. Al terminar de tocar le dijo a Berry Supera esto, negro [7] .

En el verano de 1958 Lewis era el músico con más éxito del momento gracias a dos temas más: "Breathless" y "High School Confidential", que lograron altas posiciones en las listas. Esta última apareció en la banda sonora de la película del mismo nombre en la que Lewis actuó. No obstante, su carrera sufriría a finales de año un tremendo varapalo, del que en cierto modo nunca llegó a recuperarse, al conocerse un nuevo dato sobre su vida privada que escandalizó a la sociedad de la época.
Cuando Jerry Lee Lewis viajó a Menphis, conoció a Myra Gale Brown, la hija de su primo, el bajista J.W. Brown.[8] El 12 de diciembre se casaron en Hernando, Misissipi aunque todavía Lewis no se había divorciado de su segunda esposa. Myra Brown solo contaba con 13 años mientras que su esposo tenía 22, razón por la cual ocultaron el matrimonio.

El 22 de mayo de 1958 Jerry Lee Lewis llegó a Inglaterra junto con su familia, incluyendo a su esposa, aunque se le había recomendado que esta no fuese. En el aeropuerto de Londres un periodista descubre el matrimonio y al preguntar por la edad de la esposa, Lewis contesta que tiene 15 años. La prensa descubre que Myra tenía 13 años,la situación causa un gran escándalo y la popularidad de Lewis baja considerablemente; después de solo tres conciertos con muy poca audiencia, la gira se cancela.

El escándalo siguió a Lewis hasta Estados Unidos y como resultado de ello, fue casi apartado de la escena musical, pasando de ganar 100.000 dólares la noche a 250. La Sun Records lanza un sencillo llamado The return of Jerry Lee que es una entrevista en la que se utilizan partes de las canciones en tono humorístico. En el lado B se incluye Lewis Boogie, pero el disco es un fracaso y no llega a las listas. En 1959 nace su segundo hijo, Steve Allen Lewis, el nombre es en honor al presentador de televisión que presentó a Jerry.

En 1960 Sun Studios, en un esfuerzo de recuperar la carrera de Lewis, graba canciones instumentales bajo el seudónimo The Hawnk, pero el estilo de Jerry es muy reconocible y el intento fracasa.[9] El único éxito durante este periodo sería una versión del What'd I Say de Ray Charles en 1961. Su popularidad se recupera un poco en Europa (especialmente en Gran Bretaña y Alemania) hacia mediados de los años 60, pero su éxito no llega en Estados Unidos.

El domingo de pascua del 22 de abril de 1962 Steve Allen Lewis muere ahogado en la piscina a la edad de 3 años mientras estaba bajo el cuidado de su abuelo Elmo Lewis, que Jerry interpreta como un castigo por su turbulento pasado. 5 días después del entierro hace un tour por Reino Unido donde es muy bien recibido, sin embargo, desde la muerte de su hijo la relación con Myra empeora y aumenta la dependencia de las pastillas y al alcohol.

En 1963 Jerry y Myra tienen una hija, Phoebe Lewis, la cual tuvo una estrecha relación con su padre y en la actualidad es su manager. Ese mismo año vence el contrato con Sun y Lewis se incorpora a Smash Records. Ese año vuelve a hacer un tour por Europa en Inglaterra, Escocia, Alemania y Francia.

En 1964 actúa en el concierto "Live at Star Club" en Hamburgo del que saca un álbum considerado uno de los mejores y más salvajes en vivo de la historia del Rock.[10] [11] [12] [13] [14] [15]

Después de más de una década tocando rock and roll, en 1968 Lewis se centra casi exclusivamente en la música country con éxito, con muchas canciones destacando en las listas incluyendo un número 1 con To make love sweeter for you en 1969. Aunque volvió a hacer giras en cuyos conciertos se agotaban las entradas, nunca conseguiría alcanzar las alturas del éxito que tuvo antes de aquel escándalo, a pesar del gran éxito internacional de Chantilly Lace, en 1973.

La década de 1970 comienza con varias desgracias para Lewis: En 1970 su esposa le pide el divorcio, en 1971 fallece su madre y en 1973 su hijo de 19 años, Jerry Lewis Jr, muere en un accidente automovilístico. Un año después de divorciarse se vuelve a casar.

La ruina pública de su primo, el evangelista de televisión Jimmy Swaggart, no hizo más que aumentar la publicidad negativa de una ya muy problemática familia. Swaggart es también pianista, como su otro primo, la estrella del country Mickey Gilley. La hermana de Jerry Lee, Linda Gail Lewis, también toca el piano, llegando a grabar algunas canciones con Van Morrison.

El comportamiento errático de Lewis durante la última parte de la década de los 70 y principios de los 80 le condujo a una larga hospitalización cercana a la muerte por úlcera sangrante en 1984. Poco después su cuarta mujer, Jaren Gunn Pate, se ahoga en la piscina de la casa de una amiga; poco más de un año después, su quinta mujer aparece muerta en su casa por sobredosis de metadona. Jerry Lee Lewis, también adicto a las drogas, se interna voluntariamente en la clínica de desintoxicación Betty Ford. Durante los años 80 volvió a tener problemas de salud y es internado en varias ocasiones. También tiene problemas con los impuestos y llega a deber unos 3 millones de dólares.

En 1987 vuelve a tener un hijo con su sexta esposa Jerry Lee Lewis III. En 1989, una película basada en los primeros años de su carrera titulada Great Balls of Fire! (traducida al español como Gran bola de fuego) atrajo sobre él la mirada del público; el film estaba basado en el libro de la ex-esposa de Lewis, Myra, y protagonizado por Dennis Quaid haciendo de Lewis, y por Winona Ryder y Alec Baldwin.
Después de varios años sin pisar un estudio, Lewis intenta sin éxito sacar un nuevo álbum en 2004, pero el disco aparece finalmente, el 26 de septiembre de 2006 con el título de Last Man Standing e incluye 21 duetos con leyendas vivas como Little Richard, Chris Isaak, Mick Jagger, Jimmy Page, Bruce Springsteen, Ringo Starr, Neil Young, Keith Richard, BB King o Buddy Guy.

En 2007 saca un DVD en vivo de su álbum del que vende más de 500.000 copias. En 2008 actúa en la entrega de los premios Grammy, en el Capitolio de los Estados Unidos y en una gira por Inglaterra. En 2009 Jerry Lee Lewis volverá a sacar un álbum con los Rolling Stones como banda invitada Fuente wikipedia

Alfredo Belusi

Alfredo Belusi

Jorge Maciel, Osvaldo Pugliese y Alfredo Belusi en 1961

BELUSI, Alfredo. (Nombre de familia: Alfredo Belluschi). Cantor.

Nació el 10 de enero de 1924, en Los Quirquinchos (provincia de Santa Fe. )Se inició como vocalista del cuarteto Los Ases que dirigía Leónidas Montero. Integró luego las orquestas rosarinas de Raúl Bianchi, Francisco Plana y José Sala; con ésta comenzó su labor para el disco, grabando para la casa Columbia el tango de Bahr y Sucher Prohibido, durante 1953. Cantó, ya radicado en Buenos Aires, con José Basso, con Osvaldo Pugliese y, nuevamente, con Basso desde 1965.

Intérprete de voz grave, cultivó preferentemente un repertorio de tangos fuertes —Un tropezón, Bronca, El vino triste, Desencuentro y Total pa' que sirvo—, que se cuentan entre sus trabajos más representativos, vertidos a disco para los sellos Odeón, Philips, Stentor y Music-Hall. El 20 de marzo de 1969, acompañado por el cuarteto de Héctor Stamponi, debutó como solista en Caño 14. Fallecio el 1 de enero de 2001. 

Horacio Ferrer

Editado y compaginado por El tango y sus invitados

Michel Legrand

Michel Legrand

Michel Legrand

Michel Jean Legrand (*París, 24 de febrero de 1932) es un compositor y cantante francés, compuso la música de mas de 200 peliculas y fue tres veces ganador del Oscar de la Academia de Hollywood.
Hijo del compositor Raymond Legrand y hermano de la cantante Christiane Legrand.
Desde los 10 a los 21 años estudió en el Conservatorio de Música de París; después estudió siete años con Nadia Boulanger.

Sus inclinaciones musicales lo llevaron siempre a escribir las letras de sus canciones e incluso a interpretarlas.

Tras el éxito de su primer álbum Amo a París, trabajó con varios grandes del jazz como Miles Davis y John Coltrane en su siguiente álbum Legrand jazz.

Cuando comenzó a trabajar en música para filmes, obtuvo un gran éxito, ya que no sólo componía canciones pegadizas sino que componía material orquestal de un fuerte sentido lírico.

Su mas conocido trabajo es Los paraguas de Cherburgo de 1963, un clásico del cine musical europeo y la primera pelicula completamente cantada y protagonizada por la joven Catherine Deneuve. Asimismo en Las señoritas de Rochefort de 1965.

Mucha de su música estaba destinada a películas francesas (como las del director Jean-Luc Godard), aunque también se implicó en la producción de películas estadounidenses, como The Thomas Crown affair (con su conocido tema The Windmills of your mind, 'los molinos de viento de tu mente'), Verano del 42 y Yentl.

Compuso la música de la serie infantil de televisión Érase una vez... la vida (1986).

En la decada de los 80 y 90 acompañó con su banda a estrellas como Bjork, Ray Charles, Diana Ross y otros, trabajando también con cantantes de ópera como Jessye Norman, Kiri Te Kanawa y Natalie Dessay.

Ha recibido 27 nominaciones al Premio Grammy ganándolo en cinco oportunidades. Fuente wikipedia

Ben Molar y 14 con el tango

Ben Molar, Ernesto Sábato y Aníbal Troilo

Ben Molar con Ernesto Sábato y Julio De Caro

Ben Molar
Este luchador infatigable de la música popular, nacido en 1915, vive en Montevideo y Corrientes, una zona hasta hace no tanto tiempo de cafés y encuentros tangueros. Fue el creador del 'Día Nacional del Tango'. Su interés y pasión por este género lo llevaron a convertirse en Académico de la Academia Nacional del Tango, Académico de la Academia Porteña del Lunfardo, Ciudadano Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires, Miembro de la Comisión Directiva de las Escuelas Tecnológicas ORT, Miembro de la Comisión Directiva del Instituto Cultural Argentino-Israelita, Presidente Honorario de la Asociación Gardeliana Argentina y Miembro de la Comisión Directiva de la Asociación Amigos de la Calle Corrientes.

Por su iniciativa, se colocaron en 40 esquinas de la calle Corrientes placas de bronce con el nombre de reconocidas figuras del tango, como Libertad Lamarque, Mariano Mores, Enrique Cadícamo, Horacio Salgán, Tania, Tita Merello y Raúl Lavié.

Una de sus obras más importantes fue la muestra y el disco que creó y produjo: el histórico "14 con el Tango". Allí incluyó a 42 personajes del más alto nivel de la literatura, de la música y de la pintura, entre ellos: Jorge Luis Borges, Ernesto Sabato, Florencio Escardó, Aníbal Troilo, Juan D'Arienzo, Astor Piazzolla, Raúl Soldi, Raquel Forner y Carlos Cañás.

Es además autor de canciones populares, como "Final", grabada por famosos cantantes; de canciones de comedias musicales, como "Paren el mundo... quiero bajar", "Mame", "Dos Virginias para un Pablo" y "Te casarás Gaspar"; de versiones en español de canciones de Los Beatles, Paul Anka, Elvis Presley, Bill Halley, Chubby Cheker; de "Noche de paz, noche de amor" y "Replican las campanas" y, también, autor de canciones incluidas en películas.

14 con el Tango
14 CON EL TANGO. Producción del editor Ben Molar, para la casa Fermata. Combinó, en una iniciativa sin precedentes en el ámbito popular porteño, la obra de catorce compositores tanguistas (Stamponi, Pontier, Piana, Basso, Delfino, Mores, Miguel Caló, Piazzolla, De Angelis y Julio De Caro), con versos de otros tantos poetas argentinos no dedicados al tango (Escardó, Marechal, Córdova Iturburu, Borges, Tiempo, Benarós, Mastronardi, Fernández Moreno, Nalé Roxlo y Cócaro), ilustrando los temas así concebidos con creaciones plásticas de Alonso, Basaldúa, Cañás, Cogorno, Ducmelic, Forner, Forte, Grandi, Martínez Howard, Pacenza, Presas, Seoane, Soldi y Torrallardona.
El álbum que recogió los tangos grabados por la orquesta de Alberto Di Paulo y los cuadros que los interpretaron, fue presentado en 1966. Y la exposición de obras plásticas fue suceso en Buenos Aires, y luego en Israel, Grecia, España, Italia, Estados Unidos y Japón, con el auspicio de la Cancillería argentina.
El álbum está editado en numerosos países, y su promotor ha recibido, entre otros, el premio al "Boom musical del año", del Instituto de la Opinión Pública; la Medalla Primer Premio de Música Ciudadana Argentina, del IV Festival Argentino de Disco Internacional, de Mar del Plata, y la Medalla de Reconocimiento Público de la Tercera Fiesta del Tango en La Falda.
Fuentes consultadas Horacio Ferrer, Gob. ciudad Bs.As. y TodoTango

Carmelo Zappulla

Carmelo Zappulla

Carmelo Zappulla

Carmelo Zappulla

Carmelo Zappulla (Syracuse, 7 de noviembre de 1955) es un cantante y actor italiano perteneciente a la línea neomelodica Napolitano.
Vivio hasta la edad de 24 años en su natal, Syracuse, comenzo cantando desde la infancia, y su primer éxito real se llama Pover ' ammore dedicado a su esposa desaparecida
Más tarde se trasladó a Nápoles para convertirse en uno de los reyes en la neomelodico Napolitano, tanto es su popularidad entre los artistas y los Napolitanos
Mientras tanto interpreta algunas películas de éxito discreto en el medio ambiente. Una parada importante en su carrera consistirá en un complejo asunto legal que obligará a la ausencia, acusado de matar el compañero de su madre, entonces se establecieron con la absolución plena de la cantante.
1 De junio de 2008 fue hospitalizado de emergencia para un corazón en el segundo hospital en el ataque capital Napolitano. Fuente Wikipedia en italiano