Irene Grandi

Irene Grandi

Irene Grandi

Irene Grandi nació en Florencia.
Ella debutó en el Festival de música de Sanremo en la categoría nuevas propuestas con "Fuori", en 1994, que posteriormente fue ganada por Andrea Bocelli, que fue también debuta el mismo año.
Su primer álbum, Irene Grandi, contenía canciones escritas con Eros Ramazzotti ("Sposati subito") y Jovanotti ("T.V.B.").[2] En 1995, su segundo álbum, en vacanza da una vita, fue liberado. Contenía esas canciones como "En vacanza da una vita" y "Boum culo". A estos álbumes siguieron Por Fortuna purtroppo, Verde rosso e blu, Kose da Grandi y Indelebile entre otros.
En 2000, ella se ubica segunda en el Festival de música de Sanremo con una canción escrita junto con Vasco Rossi.
Interpretó la voz principal en la canción "Blue", la pista de cierre en 2003 del álbum francés Héctor Zazou del productor fuerte corriente .
En 2004, hizo su debut como presentadora de televisión con Marco Maccarini en el Festivalbar.

Sexteto Tango

Sexteto Tango en Michelangelo

Sexteto Tango

Sexteto Tango: (1968 - 1991)
Es sin duda, una de las expresiones orquestales más representativa del tango a partir de los años setenta, organizada como los sextetos tradicionales pero con una concepción vanguardista y a la vez respetuosa de la esencia del género.

Para el investigador Luis Adolfo Sierra, además del talento y prestigio de sus componentes, el Sexteto era algo más, «mucho más que laconjunción de los valiosos aportes individuales... Constituye una nota novedosa, original y de asegurada proyección... que corrobora la perfecta posibilidad de la continuación de la estructura esencial de un estilo consagrado (el de Pugliese), sin incurrir en la réplica común o en la vulgar imitación del mismo».

El Sexteto no fue una búsqueda a nuevas formas de interpretación, ni a falsos efectismos, sus integrantes sabían perfectamente lo que querían y pese al origen común de todos éllos -la orquesta de Osvaldo Pugliese- lograron un sonido propio, que fue punto de partida de otras muchas formaciones que lo siguieron y en algunos casos, lo imitaron.

Aunque suene paradójico, la idea de formar un sexteto al modo decariano, fue del propio Pugliese, a su regreso del Japón en el año 1965. Le parecía que había que reducir la formación como una manera de enfrentar la crisis que el tango padecía en esos años. Pero no lo hizo y la orquesta siguió trabajando.

A raíz de una efermedad del maestro, la orquesta interrumpe sus actuaciones y se disuelve momentáneamente. Entonces, seis de sus integrantes deciden hacer realidad la anterior idea de don Osvaldo y crean, en octubre de 1968, el Sexteto Tango.

Se trataba de una verdadera selección de excelentes músicos: los bandoneonistas Osvaldo Ruggiero y Victor Lavallén, los violines de Emilio Balcarce y Oscar Herrero, en el piano Julián Plaza, en el contrabajo Alcides Rossi y la voz de Jorge Maciel.

Al poco tiempo Pugliese se reintegra a la actividad y los muchachos actúan en las dos formaciones, para después separarse definitivamente en los mejores términos.

Debutan en el mítico escenario de "Caño 14", compartiendo cartel con la orquesta de Aníbal Troilo, el Quinteto Real, Roberto Goyeneche, Rubén Juárez, entre otros. Luego vendría su primer disco larga duración para el sello RCA-Victor, titulado "Presentación del Sexteto Tango" con obras clásicas como "Quejas de bandoneón", "Amurado" y otras propias, "La bordona" (Emilio Balcarce), "Danzarín" (Julián Plaza) y cuatro cantadas por Jorge Maciel.

Su debut televisivo fue en el popular programa "Sábados Circulares", que conducía Nicolás Mancera en el canal 13. Luego vendría su primer gira a Montevideo donde actuaron en el Hotel Victoria Plaza y en el prestigioso Teatro Solís.

En 1970 inician una prolongada gira por América, visitando Chile, Brasil, Perú, Colombia, Venezuela, Santo Domingo y que termina en Estados Unidos, en la ciudad de Los Angeles.

Cuatro años después son convocados a un importante espectáculo de tango en el Teatro Colón junto a las orquestas de Aníbal Troilo, Horacio Salgán y Florindo Sassone (este último en reemplazo de Osvaldo Pugliese que estaba convaleciente de una operación). También actuaron los cantores Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche.

De aquí en más, resulta imposible relatar la extensa actividad que tuvo el Sexteto, era el conjunto más solicitado y sus discos se sucedían sin solución de continuidad. Sus nuevas giras por América y Estados Unidos tuvieron un éxito impresionante. También recorrieron Europa en 1987, actuando con gran suceso en Berlin y después en París, en el famoso local "Les trottoirs de Buenos Aires", donde actuaron durante dos meses como único número.

Después a Japón, donde ya los conocían por su paso con Pugliese y repitieron con tanto suceso, que volvieron en dos oportunidades más.

El Sexteto Tango grabó once long plays, todos para el sello RCA-Victor y uno en Japón para CBS Columbia.

Entre sus registros más interesantes quiero destacar "Trasnoche", un bellísimo tango instrumental de Julián Plaza que tiene una melodía nostálgica y melancólica y un arreglo espectacular de su autor.

Además de Jorge Maciel el Sexteto contó con las voces de Raúl Funes y Jorge Mariano. En 1983 hicieron un disco completo con 12 temas cantados por Roberto Goyeneche, en los que se destacan el bonito vals "Esquinas porteñas" de Sebastián Piana y Homero Manzi y el tango "Estrella" de Marcelino "Cholo" Hernández y Roberto Cassinelli.

El Sexteto Tango tenía cuatro arregladores: Osvaldo Ruggiero, Julián Plaza, Victor Lavallén y Emilio Balcarce, todos además, grandes compositores.

Cada vez que los vuelvo a escuchar, me confirman que el tango para evolucionar no necesita apartarse de sus raíces y desnaturalizar su ritmo y menos, someter su melodía a arreglos que en muchos casos la hacen irreconocible. El Sexteto Tango constituye un ejemplo de tango legítimo y moderno cuyo recuerdo, a modo de homenaje, quise resaltar en esta breve semblanza. 
Ricardo Garcia Blaya 

Neil Sedaka

Neil Sedaka

Neil Sedaka

Neil Sedaka (Brooklyn, 13 de marzo de 1939) es un cantante pop, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building. Trabajó con Howard Greenfield para escribir muchas canciones que fueron éxitos para él mismo y para otros artistas. El registro de Sedaka se considera de tenor.

Sedaka nació de un padre inmigrante con raíces judío sefardís túrquicas y de una madre con ancestros judío askenazís. Comenzó a tocar el piano durante la juventud en una estación de radio de música clásicamientras estaba en la Juilliard School. También empezó a experimentar con el doo wop y la música de rock and roll, cantando e interpretando una vieja versión de The Tokens. Su composición Stupid Cupid fue un éxito de 1958 en la voz de Connie Francis, y Sedaka fue contratado por la RCA Records como interprete solista. Una cadena de éxitos le seguiría, al finalizar 1963.

Los bien conocidos éxitos del Billboard Hot 100 —de sus inicios como cantante— son los temas Oh! Carol (#9 de 1959), Calendar Girl (La chica del calendario, #4 de 1960), Happy Birthday Sweet Sixteen (Feliz cumpleaños, dulces dieciséis, #6 en 1961) y Breaking Up Is Hard to Do (‘es difícil romper’, o ‘es difícil decir adiós’, #1 en 1962). Oh! Carol es una canción que hace referencia a la novia de Sedaka de aquel entonces, su compañera de clase, la compositora Carole King. Pronto ella le correspondió con la canción Oh! Neil, la cual hace referencia al tema de Sedaka y a su nombre. Existe un vídeo en formato 16 mm (llamado Scopitone) para Calendar Girl

Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40 pero se vio entre los intérpretes quienes vieron sus carreras asediadas por la «invasión británica» y otros cambios de rumbo en la industria musical. Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo.

En 1973, Sedaka ayudó al grupo ABBA con la letra en inglés de la canción Ring-Ring para el concurso en Eurovisión. Comenzó a trabajar en Inglaterra al lado de Elton John, quien lo contrató para su sello Rocket Records. Siguiendo una década de larga sequía, Sedaka regresó a la atención del público, con Laughter in the rain y Bad blood. Elton John participó en los coros de esta última. Sedaka y Greenfield también coescribieron Love will keep us togheter un éxito #1 de The Captain and Tennille y el mejor disco vendido de 1975. La canción, si es escuchada cuidadosamente, revela el texto «Sedaka is back» (Sedaka regresó) en la coda, cantada por los coros de fondo.

Fue con estos temas, que Sedaka hizo un retorno positivo al escenario, que lo convirtió en una historia de regreso exitoso. Sherwin Bash (representante de The Carpenters) eligió a Sedaka para abrir las actuaciones de la pareja de hermanos. Según la biografía Carpenters: the untold story (Carpenters: la historia no contada) de Ray Coleman, Richard Carpenter ordenó el despido de Sedaka, lo que resultó en un contragolpe de los medios contra los Carpenters después de que Sedaka anunciara públicamente que estaba fuera de la gira. Richard Carpenter dio el alegato de que ordenó el despido de Sedaka porque «les estaba robando el show», manifestando que ellos estaban orgullosos del éxito de Sedaka. Sin embargo, Sherwin Bash fue despedido.

En 1976, Sedaka grabó una nueva versión de Breaking up is hard to do. La versión original exitosa de 1962 era más rápida y más juvenil, pero el remake era más lento y con cierto estilo evocando al jazz centrando sus arreglos en el piano. Esta nueva versión alcanzó el #8 de las listas de popularidad, convirtiéndose en el segundo artista en llegar a las listas de popularidad de manera exitosa dos veces con un mismo tema en versiones diferentes. The Ventures habían tenido éxito en 1960 y en 1964 con dos grabaciones distintas de Walk don't run (‘camina, no corras’). Coincidentemente el jefe de la disquera de Sedaka, Elton John poco después lograría la proeza dos veces también con Don’t let the sun go down on me (1991) y Candle in the wind. De acuerdo con el libro Billboard 40 op Hits, la versión original de Candle in the wind no llegó a los Top 40)

La segunda versión de Sedaka para Breaking up is hard to do clasificó alto en las listas de popularidad Adult Contemporary. El mismo año Elvis Presley grabo la canción de Sedaka Solitaire, en 1980 tuvo un éxito posicionado como #19 llamado Should never let you go, el cual grabó con su hija Dara.

También es el compositor del popular Is this the way to Amarillo una canción que escribió para el británico Tony Christie. Logró el #18 de las listas del Reino Unido pero llegó al #1 cuando fue relanzado en el 2005, gracias a un vídeo lleno de cameos estelarizado por Peter Kay. Sedaka grabó el mismo tema en 1977, cuando fue un éxito con la posición #44. En abril de 2006 durante un concierto en el Royal Albert Hall (en Londres), Sedaka fue presentado con un galardón del Libro de los Récords Guinness como autor del éxito más vendido del siglo 21 por su tema Amarillo.

Hasta 2009, Sedaka sigue cantando regularmente. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en octubre de 2006 fue introducido al Salón de la Fama de Long Island.

En 1985 Sedaka compuso canciones para la serie anime Z Gundam, estas incluyeron los temas de inicio Zeta-Toki wo koete (originalmente escrita en inglés como Better days are coming) and Mizu no hoshi e ai wo komete (originalmente escrita en inglés como For us to decide, pero las versiones en inglés nunca fueron grabadas. Así como el tema final Hoshizora no believe (originalmente escrita como: Bad and beautiful). Debido a las disposiciones de copyright, en la edición DVD estadounidense las canciones fueron reemplazadas por otras.

En 1994, Sedaka cedió su voz para un personaje que lo parodiaba en el Show Food Rocks, llamado Neil Mousaka.

En 1962, Sedaka contrajo nupcias con la cantante Leba y aun siguen juntos. Tuvieron dos hijos, su hija Dara es una artista que graba comerciales para radio y televisión y Marc es un destacado guionista que vive en Los Ángeles (California). Fuente Wikipedia

Rafael Rojas

Rafael Rojas


Rafael Rojas

En este reportaje, Rafael Rojas, una de las estrellas del Segundo Festival Internacional de Tango “Euroargentino” de Madrid, 9 – 10 – 11 de octubre 2009, Círculo de Bellas Artes de Madrid, cuenta experiencias suyas al colega chileno Patricio de la Paz:
Cantar, vestirse y sentir como Carlos Gardel durante 22 años tenía que rendir frutos. Hoy, Rafael Rojas tiene lugar propio en uno de los mejores shows de tango de Buenos Aires. Cada noche, de traje oscuro y pelo a la gomina, personifica allí al zorzal criollo. Y lo hace en un teatro del Abasto, el mismo barrio donde el famoso cantante pasó su infancia. Rojas, llamado el Gardel chileno, está en su mejor momento. Y viene a nuestro país el 5 de septiembre para dejarlo bien claro.
La anécdota todavía lo hace reír. Y eso que ya han pasado años. Cinco, para ser exactos. Rafael Rojas (36) llevaba entonces unos meses como parte del show de La Esquina de Gardel, donde cantaba canciones del zorzal criollo. Con tal perfección y apego al original, que muchos en el público se iban molestos pensando que el artista doblaba. Que su esfuerzo era sólo mover la boca, mientras una cinta de Gardel ponía la voz. A Rojas eso ya se lo habían comentado los mozos del restaurante, pero pensó que le tomaban el pelo. Hasta que poco después la esposa de Juan Fabbri, dueño del local, le habló bien en serio: "Rafael, vas a tener que cantar a capela 'Mi Buenos Aires querido', para que la gente se convenza de que eres tú el que canta y que esto es en vivo". Rojas obedeció y los ánimos se tranquilizaron. Con pequeñas excepciones, claro.
"Un día, al final del espectáculo, un tipo me llama y me dice que él sabía que era yo quien cantaba, pero que nadie le sacaba de la cabeza que 'Mi Buenos Aires querido' era con la voz de Gardel. Yo le pregunté si de verdad creía que era Gardel quien cantaba. Me insistió que sí. Entonces yo le doy la mano y le digo: 'Mucho gusto, Carlos Gardel para servirle'", recuerda Rojas, sin poder contener las carcajadas. Carcajadas que suenan bastante más sueltas que esa voz profunda y de fraseo rápido con la cual ha cantado incansable, durante 22 años, los tangos que alguna vez entonó el Gardel verdadero.
Porque si bien Rafael Rojas tiene hoy un lugar protagónico en el show de La Esquina de Gardel -uno de los mejores espectáculos de tango de Buenos Aires, que se presentará el martes en Viña del Mar, y el 7, 8 y 9 de septiembre en el Teatro Teletón de Santiago-, llegar ahí no ha sido fácil. Ha dejado una buena cuota de sudor, lágrimas y tangos en el camino. Su historia para convertirse en el Gardel chileno ha tenido de todo un poco. Desde cantar rancheras con sus hermanos en Alemania, siendo apenas un niño, hasta atreverse con el tango por primera vez en Uruguay, a los 14 años y venciendo una timidez espantosa. Desde apariciones en cuanto programa de la televisión chilena se le cruzó en la ruta hasta veladas inolvidables en el Café Torres de Santiago. Esas donde Menem y Anthony Quinn lo aplaudieron a rabiar.

Rafael Rojas es el sexto de siete hermanos. Y aunque nació en Cerro Navia, en 1970, muy luego -tras el golpe militar- debió partir a Buenos Aires junto a su familia. Allí, pensando encontrar más calma, su padre trató de continuar su negocio de desabolladuría y mecánica automotriz. Poco le duraría. La llegada de los militares al gobierno argentino en 1976 los hizo arrancar otra vez. El destino fue Alemania. Mientras cargaban sus maletas rumbo a Europa, ninguno podía imaginar que gastarían allá casi ocho años de sus vidas.

En tierras germanas, la familia recordaba América Latina a través de la música. El padre, antes de partir, se había aperado con una buena colección de melodías que incluían desde boleros y rancheras hasta valses peruanos. Sus hijos no sólo se acostumbraron a escuchar esas canciones; muy pronto empezaron a cantarlas. Entre las cintas paternas estaban algunas de Carlos Gardel. Pero a Rafael no le llamaron especialmente la atención. Prefería los casetes de otros artistas que admiraba en ese entonces: Pedro Infante, Jorge Negrete, Javier Solís. Para flecharse con los tangos del zorzal criollo debían pasar unos años más. Y un nuevo cambio de domicilio.
A mediados de los 80, la familia se instaló en Montevideo. En Alemania, Rafael no sólo había dejado buenos recuerdos. También a su primera novia. "La separación fue dolorosa, y fue ahí cuando me fijé en los tangos, que te machacan la mente, hablan de desgarros y patadas al corazón. Fue un acercamiento emocional", recuerda. Pero de consuelo al alma, muy rápido los tangos pasaron a ser material de canto para este joven despechado a sus 14 años.
Ni Rojas entiende mucho cómo pasó: "Yo era muy vergonzoso para cantar, pero con los tangos perdí la vergüenza". Gardel, entonces, se tornó imprescindible. Como también el payador Héctor Umpiérrez, que fue el trampolín que un chico como Rojas necesitaba.
De hecho, Umpiérrez fue el que bautizó a Rafael Rojas como Rafael Rojas. Hasta entonces, y según su libreta de familia, el joven se llamaba Israel Esmar. Nombre y apellido muy complicados, según el payador. Umpiérrez se empecinó entonces en buscar un seudónimo. Y lo halló finalmente en el segundo nombre y segundo apellido del adolescente. Con eso claro, y varios tangos de Gardel aprendidos de memoria, Rojas -ex Esmar- se paseó junto al payador por programas de televisión, por la radio y por pequeños bares donde se fue haciendo un nombre. Su nuevo nombre.
Lo del look gardeliano es cuento aparte. Y pura coincidencia, como repite Rojas hasta el cansancio. "Todas las cosas pasaron al mismo tiempo: empiezo a cantar tango, empiezo a usar gomina -pues mi pelo es muy rebelde, y la gomina estaba de moda en Uruguay-, conozco al payador y comienzo a ir a la televisión.
¡Todo eso sin haber visto nunca a Gardel en películas! Sólo por fotos. Por eso a mí me daba rabia cuando caminaba y la gente me decía que lo hacía igual que Gardel. Lo mismo cuando fumaba un cigarrillo. O sonreía". Pero no había vuelta atrás. Intencional o no, Rojas cantaba y se movía idéntico al zorzal criollo. Había nacido el Gardel chileno. Fuente Por Patricio De la Paz y Fotos Ramiro Souto nota publicada en el suplemento de cultura de www.clublatercera.cl de Chile

Texas Tornados

Texas Tornados


Texas Tornados

Texas Tornado era una banda Texana y su música era una fusión de rock, country y distintos estilos de México. La combinación inicial de estos músicos ocurrió casi por casualidad en un concierto de un conocimiento mutuo. Después de realizarse Freddy Fender, Flaco Jiménez, Kevin West, Entonces Meyers, Jorge "Pac-MAN" Díaz y Doug Sahm delante de una audienciade San Francisco, todos sabían probablemente se podrían adoptar los lazos verdaderos en que se sentían en su música a otro nivel. Después de que realizaran inicialmente como la Revue Tex-Mex, tomaron el título Tornado de Texas, después del Sahm canción y álbum de ese nombre.

Otra informacio del nacimiento del grupo dice que se formaron cuando discográficas y ejecutivos buscan atraccion sus en las ventas de música regional el grupo por intermedio Sahm y Meyers alrededor de 1990, y les hicieron llegar un resumen de toda la vida de los amigos y colaboradores Fender y Jiménez. Sahm había lanzado álbumes bajo el nombre de Texas tornado tan pronto como el decenio de 1970, algunos con Fender o Meyers. Jiménez y Meyers desempeñan en debut de Atlantic Records del Sahm en 1971. Como Fender dijo una vez "ha oído hablar de nuevos niños en el bloque?, somos los chicos de viejas calles".

Individualmente, este cuarteto ha tenido gran éxito. San Benito-el nativo Freddy Fender fue una cruz - sobre la historia de éxito de todo el mundo con éxitos como "antes de las cataratas de Teardrop siguiente" y "Wasted días y noches de Wasted".

Flaco Jiménez ha desempeñado en actos que van desde los Rolling Stones a Dwight Yoakam. También es conocido como el "padre de la música de conjunto" (Flaco toca el acordeón ).

Meyers ha compartido el escenario con La Allman Brothers Band y Bob Dylan. También es miembro del Music Hall de la fama de Texas. Doug Sahm y entonces Meyers fueron ambos miembros de la banda de pop-rock de los años sesenta el Quinteto de Sir Douglas, con éxitos como "Ella es sobre un mover" y "Mendocino" a su favor. Sahm, Meyers y Jiménez son de la zona de San Antonio.

El debut de 1990 de la banda se registró en versiones ingleses y españolas. El Tornado de Texas se realizo en todo el mundo, en lugares como la inauguración presidencial de Bill Clinton, el Festival de Jazz Montreaux, así como apariciones regulares en la Ayuda agrícola y el ganado de Houston y Rodeo.

Entre sus otros álbumes Live From The Limo, esto fue el último álbum que conste que caracterizó la completa línea de productos, como Sahm murió en 1999, el año de su lanzamiento. otros que tenían problemas de salud en años posteriores, murieron en 2006. Su álbum Live de Austin 2005 fue una grabación de un rendimiento de 1990 en la serie Austin City Limits.

Personas a veces consultan sus letras como Spanglish debido de la mezcla de inglés y español en la misma canción, además para pronunciar las letras españolas en un acentuar de América, que es evidente en sus visitas, "(Hey Baby) Paso". Un ejemplo es la letra: "no saben te amo / y mi corazón es real?", donde el corazón de la palabra (en inglés para "corazón") incorrectamente se pronuncia / ˌkɔrəˈsoʊn /, con un evidente acento estadounidense, en lugar de [koɾaˈson]. El álbum debut se ofreció en versiones en español e inglés.Fuente wikipedia en Ingles

Cuarteto D'Coté

Cuarteto D'Coté
Martín Pantyrer, Gustavo Hunt, Nicolás Porley, Gustavo Musso

Cuarteto D'Coté

D'Coté ha tenido buena repercusión en lo que es el ámbito tanguero de Buenos Aires, logrando no sólo ser aceptados (pese a lo novedoso), sino también elogiados por músicos, críticos, bailarines y el público en gral.
Para lograr este reconocimiento, el cuarteto se presentó en gran cantidad de escenarios, desde milongas (ámbitos de baile) hasta el Teatro Colón (evento convocado por la "Fundación Ástor Piazzolla").

A lo largo de su carrera, D`coté se ha presentado en gran cantidad de escenarios. Algunos de los más importantes son:

Salón Dorado del Teatro Colón (convocados por Fund. Astor Piazzolla)
Salón Dorado Casa de la Cultura del G.C.B.A.
Centro Cultural S. Martín (Salas A-B)
Facultad de Derecho (Salón de actos-UBA)
Centro Cultural Ricardo rojas (UBA)
Teatro Regio y Plaza Cortazar (Festival Internacional de Tango de Bs As)
Centro Cultural Plaza Defensa (G.C.B.A)
Centro Cultural del Sur (G.C.B.A)
Palais de Glace
Bar “Notorious”
Bar “Tobago”
“Templum”
“Club del Vino”
Aula Magna Universidad Nacional del Comahue (Neuquén)
Teatro de la Ciudad (Neuquén)
Milongas y salones de baile
La Catedral
Salón Canning
Torquatto Tasso
Dandy
El Beso
También, D`coté ha realizado una serie de giras artísticas a través de diferentes países europeos. Desde el año 2001 al 2004, se han concretado cuatro viajes que han abarcado los países de Alemania, Holanda, Austria, Suiza y Polonia, en los cuales han logrado, con éxito, participar en un número importante de milongas y eventos. Fuente web de D`Coté

João Gilberto

João Gilberto

João Gilberto

João Gilberto (Juazeiro, 10 de junio de 1931) es un músico considerado, junto con Antônio Carlos Jobim (más conocido como Tom Jobim), uno de los creadores del género musical bossa-nova. Su nombre completo es João Gilberto Prado Pereira de Oliveira. También cantante de jazz, uno de sus éxitos fue "Garota de Ipanema" (La chica de Ipanema). Es uno de los mejores músicos de jazz latino.

Cantante, que aprendió a tocar la guitarra sin profesor, João Gilberto se fue para la ciudad de Rio de Janeiro el año 1950. Tuvo algún éxito cantando en la banda Garotos da Lua. Después de ser expulsado de la banda por rebeldía, pasó algunos años sin trabajo, pero con la idea pertinaz de crear una nueva forma de expresión musical con la guitarra.

Su esfuerzo finalmente dio resultado y, tras conocer a Tom Jobim —pianista y compositor con educación clásica pero a quien también le gustaba la música jazz estadounidense—, lanzaron el movimiento que se conoció como Bossa nova.

La cucarachiña (nueva ola) era una destilación del ritmo de percusión y sincopado de la samba, en una forma simplificada que podía ser tocada en una guitarra sin acompañamiento. Se atribuye a João Gilberto la creación de esta técnica. También introdujo una nueva forma de cantar, a bajo volumen, con la pronunciación de las sílabas hecha algunas veces antes y algunas veces después de la base rítmica y con la voz entrenada para eliminar casi cualquier ruido de la respiración y otras imperfecciones.

En 1958 llegó la primera presentación comercial de este nuevo estilo, con el disco Canção do Amor Demais de la cantante Elizeth Cardoso, que incluía composiciones de Jobim acompañadas de letras de Vinícius de Moraes. Poco tiempo después João Gilberto grabó su primer disco, llamado Chega de Saudade. La canción que le da título al disco de Gilberto también estaba en el álbum de Cardoso y fue un éxito en Brasil. Esta obra lanzó la carrera musical de João Gilberto, y también el movimiento musical Bossa Nova. Además de varias composiciones de Tom Jobim, el disco contenía varios sambas y canciones populares de los años 30 pero arregladas con el distintivo estilo de la bossa nova. En 1960 y 1961, Gilberto lanzó otros dos discos que contenían canciones compuestas por una nueva generación de cantantes y compositores como Carlos Lyra y Roberto Menescal.

Alrededor de 1962 la bossa-nova ya había sido adoptada por músicos de jazz estadounidenses como Stan Getz. Este último invitó a João Gilberto y Tom Jobim para que colaboraran en lo que acabó convirtiéndose en uno de los discos de jazz más vendidos de la historia, Getz/Gilberto. De este trabajo destaca la composición de Jobim/de Moraes "Garota de Ipanema" (La Chica de Ipanema; en su versión inglesa, The Girl from Ipanema), que se convirtió en una canción clásica del pop internacional y llevó a la fama a Astrud Gilberto, mujer en aquel entonces de João Gilberto y cantante en esta pieza.

El disco siguiente, Ela é Carioca, fue lanzado el año 1968, cuando João Gilberto estaba residiendo en México. El disco João Gilberto, lanzado en 1973, representa un cambio desde la creación de la bossa nova. En 1976 fue lanzado The Best of Two Worlds, con la participación de Stan Getz y de la cantante brasileña Miúcha, hermana de Chico Buarque que se había convertido en esposa de João Gilberto en abril de 1965. El disco Amoroso (1977) tuvo arreglos del músico Claus Ogerman.

En el disco de 1980 Brasil, João Gilberto trabaja con Gilberto Gil, Caetano Veloso y María Bethania, quienes a finales de los 60 habían creado el movimiento Tropicalismo basándose en la bossa nova y fusionándola con elementos de rock. En 1991 lanzó João, un disco particular por no contar con ninguna composición de Tom Jobim y, en su lugar, utilizar canciones de Caetano, Cole Porter y composiciones en español. El trabajo João Voz E Violão, lanzado en 2000, marcó una vuelta a los clásicos de la bossa-nova y tuvo la producción musical de Caetano Veloso.

João Gilberto lanzó también grabaciones en vivo. Como ejemplos, Live in Montreux, Prado Pereira de Oliveira y Live at Umbria Jazz. Su personalidad tiene fama de excéntrica y perfeccionista.Fuente wikipedia

Lito Vitale

Lito Vitale

Lito Vitale Cuarteto-1988

Lito Vitale había participado de uno de los proyectos musicales más ambiciosos de la década de los '70: MIA, Músicos Independientes Asociados. Luego, junto a Bernardo Baraj y Lucho González formó El Trío, que logró editar dos discos. Su primera placa, "El Trío" (1985), alcanzó a vender cerca de 35.000 copias, todo un record para una producción independiente. La segunda, "Vitale-Baraj-González" (1986), no logró tanta difusión.

Ya en los '90 armó el Lito Vitale Cuarteto, grupo con el cual llegó a editar cinco álbumes. Junto a Marcelo Torres (bajo), Manuel Miranda (vientos) y Christian Judurcha (batería), debutaron con "La senda infinita" (1990). "Viento sur" (1991) es un poema sinfónico, según su definición, un trabajo conjunto entre Lito y María Elena Walsh.

En 1992 compuso "Kuarahy", un ballet que Julio Bocca bailó en el Luna Park.

A mediados de 1992 Lito Vitale comenzó un espacio diario en Canal 13, en el cual recreó versiones propias de temas populares, nacionales y extranjeros, con destacados invitados, con su banda o simplemente con sus teclados. Tal fue su éxito que terminó siendo ternado para el Premio Martín Fierro al Mejor Programa Musical de 1994.

Precisamente en 1995 lanza "Pantallas", su disco recopilación de todas las cortinas musicales compuestas para la televisión ("Poliladron", "Sheik"), para cine ("Patrón") y para los Juegos Panamericanos disputados en Mar del Plata.

Ese mismo año editó "La memoria del tiempo", una selección de fragmentos de música clásica que él mismo arregló e interpretó. Las voces las agregaron Mercedes Sosa, Jairo, Sandra Mihanovich, Litto Nebbia, Juan Carlos Baglietto, entre otros. Vitale aclara que no es el objetivo del trabajo divulgar la música clásica, sino solamente sacarse un gusto personal. "Intenté, con el máximo respeto, tomar los temas clásicos como populares y presentarlos como canciones" (La Prensa, 27/11/95).

Vitale insistió con el formato de trío en 1997, al retomar junto a Lucho González el camino iniciado 12 años antes, pero esta vez con Rubén Izaurralde en reemplazo de Baraj.

En septiembre del 2001, Vitale fue el artífice de un nuevo reencuentro para El Trío. "No sabemos si significará el cierre de un ciclo o la apertura de otro, pero sí creemos que podremos revivir el espíritu de felicidad permanente que supimos sentir entonces", prometieron.

En el 2003 presentó el Lito Vitale Quinteto, con el espectáculo "Un solo destino", integrado por temas instrumentales y recreaciones de clásicos populares argentinos. La banda estaba integrada por Ernesto Snajer (guitarra), Diego Clemente (aerófonos), Guido Martínez (bajo), Pipi Piazzolla (batería) y Martín González (percusión), como músico invitado.

"Vivo en Argentina" fue editado en el 2005 con un nuevo quinteto. El disco no incluye temas nuevos, pero sí reversiones de "El día que me quieras", "Hombres de honor" y "Sin código", éstas dos últimas bandas de sonido de programas televisivos.

En 2007, Vitale dio un vuelco en su carrera: editó "El otro", el primer disco en el cual toca la guitarra y canta. En sus propias palabras, "siempre toqué música instrumental desde el piano, esto de grabar un CD como cantante es completamente nuevo y me genera (a mis 45 años) una adrenalina bastante grosa. Me lancé a componer música con un sentido popular y tomando ritmos nuestros y latinoamericanos, luchando contra mi ‘solemnidad’, así empecé a gozar como loco de la cumbia y el cuartetazo. También empecé a escribir algunas letras y me sentí ‘raro’ pero me encantó poder contar un poco con mis palabras algunas cosas. Para mí el disco es un cachetazo a los prejuicios, con la idea de relajarnos un poco y disfrutar de la vida lo más posible. Disfrutar de todo y cuidar a los que amamos es una buena manera de ver las cosas. Los problemas siempre están, para algunos más y para otros menos, pero el arte también está y el arte ‘popular’ está más cerca todavía de nosotros, no lo dejemos escapar". Fuente rock.com.ar

Patricia Sosa

Patricia Sosa

Patricia Sosa

Patricia Sosa

Patricia Sosa (n. en Buenos Aires, 23 de enero de 1956) es una cantautora argentina con influencias de rock, soul y blues. Ha incursionado en la campo de la actuación, incluyendo participaciones en televisión (Poliladron, RR D. T., Chiquititas, Un cortado, historias de café), cine (Noche de ronda de Marcos Carnevale) y teatro (Las hijas de Caruso, El principito, Teatro por la identidad).

Su carrera musical comenzó en 1971 cuando se incorporó a la banda Nomady Soul, en la que cantaba en inglés. Realizó giras internacionales y permaneció allí por seis años.

Luego de abandonar la formación se unió al grupo La Torre. Con él grabó siete discos, hasta que en 1990 se lanzó al mercado musical como cantante solista. Debutó en Buenos Aires en el Teatro Coliseo, punto de partida de una gira por el interior del país y Latinoamérica.

Al año siguiente grabó en vivo lo que sería su segundo álbum. A éste le siguió Luz de mi vida (1992), su mayor éxito, que vendió más de 300.000 copias. A esta altura ya había dejado de lado su imagen de chica dura rockera y se acercó más al estilo romántico y melódico.

En 1994 editó Suave y profundo. Para su presentación en el Gran Rex contó con la colaboración de Juan Carlos Baglietto. Muchos críticos coincidieron en que todas las canciones de Patricia sonaban igual.

En 1995 fue invitada por Celia Cruz para hacer un dueto y Emilio Estefan la convocó para participar en la BSO de lo que serían los Juegos Olímpicos en Atlanta. Allí compuso una canción y puso su voz a Puedes llegar, una canción en la que se codeó con Gloria Estefan, Jon Secada, Ricky Martin, Plácido Domingo, Roberto Carlos y Julio Iglesias, entre otros.

Tras muchos años de silencio, en el 2000 reapareció en la televisión para interpretar a Paula, la villana de la telenovela infantil Chiquititas. La telenovela, además, la llevó a presentarse durante 80 funciones en el Teatro Gran Rex, donde Patricia cantaba como solista en una canción llamada Mío (compuesta por Cris Morena, que demostraba la avaricia y el poder de su personaje). Más tarde, esta misma canción (sólo el estribillo) es reutilizada en Floricienta, en voz de Isabel Macedo (Delfina, en la novela).

Dos años más tarde editó No me dejes de amar (2002).

Toda se llama el álbum recopilatorio con 14 de sus más selectas canciones, desde su etapa en La Torre. En 2006 participó en Showmatch siendo jurado de Cantando por un sueño. Además, presentó su segundo disco en vivo más un impresionante DVD, el cual fue galardonado con el Premio Gardel. Este disco fue íntegramente grabado en vivo, es un recorrido por sus grandes éxitos. Incluyó importantes participaciones, entre otras, de Sandra Mihanovich, Juan Carlos Baglietto y Carica.

En 2007 editó un nuevo disco de estudio llamado Lija y terciopelo, que incluye tres cóvers, entre ellos una reversión de Mueve, mueve, otra vez de La Torre, y un dúo con Ricardo Montaner. Contó con una nominación al Premio Carlos Gardel como «Mejor álbum pop solista femenino».

En el año 2008, Patricia Sosa, presentó su último disco en dos shows en el Teatro Gran Rex. Días después, fue invitada para cantar en el Salón Blanco de la Casa de Gobierno, siendo su show transmitido por televisión. También participó como invitada en el programa Yo quiero ser la protagonista de Hairspray.Fuente Wikipedia
Fuente fotos web de Patricia Sosa

Giora Feidman

Giora Feidman

Giora Feidman

Giora Feidman (nacido el 26 de marzo de 1936) es un clarinetistas argentino que se especializa en música klezmer.
Giora Feidman nació en Buenos Aires, Argentina, donde sus padres judíos de Besarabia emigraron a Argentina para escapar de la persecución. Feidman proviene de una familia de músicos de klezmer. Su padre, abuelo y bisabuelo hacian música para bodas, bar mitzvahs y celebraciones de vacaciones en el shtetls de Europa oriental. Feidman se casó con Ora Bat-Chaim, en 1975
Comenzó su carrera en Buenos Aires como miembro de la prestigiosa Orquesta Sinfónica de Teatro Colón. Dos años más tarde emigró a Israel para convertirse en el más joven clarinetista para tocar con la Orquesta Filarmónica de Israel. Fue miembro de la orquesta durante más de 20 años. A principios del decenio de 1970 comenzó su carrera de solista. Ha actuado con la Orquesta Sinfónica de Berlín, el Cuarteto Kronos, la Philarmonica de Polonia , la orquesta Philarmonica de cámara de Munich y la orquesta de radio de Munich.

El Director de cine Steven Spielberg lo invitó a desempeñar los solos de clarinete para la banda sonora de la lista de Schindler, que ganó siete Premios Oscar.

Feidman fundó el programa de clase magistral, que tiene lugar cada año en Safed, Israel y el seminario "Clarinete y Klezmer en la Galilea". Fuente Wikipedia en Ingles.

Ornella Vanoni

Ornella Vanoni

Ornella Vanoni

Ornella Vanoni (Milán, Italia, 22 de septiembre de 1934) es una cantante de música melódica y actriz italiana, una de sus intérpretes de música ligera más reconocida internacionalmente.
Tras estudiar en el extranjero, Vanoni vuelve a Milán y se acerca al mundo del espectáculo, iniciándose en 1953 como actriz en la escuela del Piccolo Teatro de Milano dirigida por Giorgio Strehler, su maestro y compañero sentimental durante cuatro años. Strehler le propone cantar tres canciones en los entreactos de I Giacobini de Zardi, que son muy apreciadas por el público y la crítica. En 1956 debuta como actriz en la obra Seis personajes en busca de autor de Pirandello.

En 1960 se casa con el empresario Lucio Ardenzi, dos años más tarde nace su hijo, Cristiano. En 1961, graba su primer disco 45 rpm para la discográfica Ricordi, que posee los derechos de toda la nueva generación de cantautores. Sus primeros éxitos como cantante llegan con las conocidas como Canzoni della Mala, un repertorio popular que retrata con dramatismo la mala vida milanesa, junto a algunos temas de Gino Paoli. Ornella Vanoni participa ya en el programa televisivo "Canzonissima" y en varias competiciones (en 1964, con Tu si' 'na cosa grande gana el Festival de Nápoles junto a Domenico Modugno), recita en teatro y da sus primeros pasos en la comedia musical con Rugantino de Garinei & Giovannini, junto a Aldo Fabrizi y Nino Manfredi. Después de ésta llegarían otras experiencias interpretativas, sería secundaria o protagonista de títulos como Amore pericolisi.

En 1965 se separa de su marido, intensifica su actividad como cantante e inicia una trayectoria estelar, llena de éxitos que la lanzan a la fama y la convierten por su elegancia y sensualidad interpretativa en "gran señora" de la canción italiana, junto a Mina Mazzini. En la segunda mitad de los años 60 inicia una relación artística y sentimental con Gino Paoli, quien escribe para ella Senza fine, un gran éxito en Italia. También en 1965 participa por primera vez en el Festival de Sanremo, en el que participará en siete ocasiones, en 1968 quedaría en segunda posición con el tema Casa bianca, cantado a dúo con Marisa Sannia, tema que se haría muy popular.

Su repertorio se enriquece también de temas de autores como Domenico Modugno, Burt Bacharach, Charles Aznavour y Gilbert Bécaud, entre otros. En 1967 logra grandes éxitos televisivos en los que Ornella Vanoni se afirma como refinada y sensual intérprete de la canción melódica italiana.

En 1970 participa en el Festival de Sanremo con el tema Eternità, aunque fue con el single siguiente con el que obtuvo su mayor éxito: L'appuntamento (La cita), original en portugués Sentado à beira do caminho de Roberto Carlos y Erasmo Carlos, la versión italiana incluye también la autoría de Bruno Lauzi, llegando al número uno de la lista de éxitos. En 1973 también grabaría la canción de Roberto Carlos Detalhes con el título de Dettagli, otro de sus grandes éxitos. En España se hacen muy populares, donde también obtienen gran éxito su canción Io ti darò di più y la versión que hizo en la banda sonora de la película Anónimo veneciano. En 1974 grabaría dos álbumes excepcionales: A un certo punto y La voglia di sognare.

En 1976, graba en directo un disco histórico La voglia, La pazzia, L´incoscienza, L´allegria con Toquinho y Vinícius de Moraes, con gran éxito y de gran repercusión musical, popularizando la música de estos grandes autores brasileños en Italia.

En los años 80, Ornella se confirma como la “señora de la canción italiana”, un título que es reconocido por su refinamiento y sus éxitos discográficos continuos. En 1986 Vanoni alcanza uno de sus sueños, la grabación Ornella &…, el álbum doble de atmósfera jazz, con un casting de artistas del jazz internacional como Herbie Hancock, Gerry Mulligan, George Benson o Gil Evans.

En los años 90 inicia una colaboración con Mario Lavezzi, productor y compositor (Insieme, Stella nascente o Piccoli Brividi). En 1996, su disco Sheherazade se convierte en disco de oro en Italia. Alberi es la canción con la que Ornella Vanoni participa de nuevo en el 49° Festival de la Canción de Sanremo. En esta ocasión le fue otorgado el premio a su carrera musical.

En 2001, publica dos álbumes con versiones de los años sesenta y setenta y en 2002, junto a Sergio Bardotti, canta el mejor repertorio de Burt Bacharach: todos los temas en italiano con traducción propia, es editado en el álbum Sueños prohibidos; Ornella y las canciones de Bacharach. En el 2003 se publica el álbum Noi, donne noi, escrito de Mario Lavezzi, e interpretado por Ornella Vanoni y Nancy Brilli. En 2004, el tema L´appuntamento en su voz se incluye en la banda sonora de la película Ocean's Twelve.


Ornella Vanoni en escena, 2008.En septiembre de 2004, después de casi veinte años de su anterior encuentro artístico, vuelve junto a Gino Paoli con un nuevo álbum de temas inéditos Ti ricordi? No non mi ricordo y también se publica el libro Noi due, una lunga storia escrito con Enrico De Angelis, seguido de una gira de conciertos. El éxito conjunto es refrendado con la publicación del doble álbum CD y DVD VanoniPaoli Live. En 2007 edita el disco Una bellissima ragazza, el primer disco con temas inéditos en solitario desde Argilla (1997), con el que emprende una intensa gira teatral por las más importantes ciudades italianas, en la misma vuelve también a los escenarios de España en 2008 tras dos décadas, y lo hace con sendas presentaciones en el Auditorio Nacional de Madrid y en el Palau de la Música Catalana de Barcelona Fuente Wikipedia

Gino Paoli

Gino Paoli, Rea, Rava, Bonaccorsi, Gatto

Gino Paoli (pronunciación italiana Pàoli) (Monfalcone, GO, 23 de septiembre de 1934) es un músico y cantautor italiano.

Gino PaoliEs reconocido como uno de los más grandes representantes de la música ligera italiana de los sesenta y setenta.

Ha escrito e interpretado grandes canciones como "Il cielo in una stanza", "La gatta", "Senza fine", "Sapore di sale", "Questa lunga storia d'amore", "Averti addosso"; ha participado en numerosas ediciones del Festival de San Remo; ha colaborado con numerosos escuelas de música en la realización de álbumes y singles; ha compuesto música para bandas sonoras de películas...

De niño Paoli se translada de Monfalcone a Génova, ciudad a la que estará siempre ligado.

Tras haber estado en muchos trabajos muy alejados de la música, llega a la casa discográfica Ricordi acompañado por sus amigos Luigi Tenco y Bruno Lauzi. Es con la Ricordi con la que graba su primer single: La Gatta.fggg

Al inicio de los años 60, cuando apenas ha entrado en el mundo de la música, conoce a Ornella Vanoni con quien mantiene una relación amorosa, que le inspiró alguna de sus canciones de amor más famosas: "Senza fine" y "Il cielo in una stanza" (llevada al éxito por Mina).

En 1963 lleva al éxito Sapore di sale (de cuya letra y música -como en la práctica totalidad de las canciones por él interpretadas- es el autor). Canción que tuvo gran repercusión internacional. Parece ser que Ennio Morricone intervino en la misma introduciendo algún arreglo.

En el mismo año Gino Paoli intenta suicidarse disparándose al corazón y, aunque se salva, es imposible quitarle el proyectil de la cavidad torácica.

Gino Paoli tras algunos años de silencio vuelve en 1974 con el álbum I semafori rossi non sono Dio (homenaje a Joan Manuel Serrat) y en 1977 con Il mio mestiere: en ambos álbumes muestra una visión más madura y concreta de la vida.

En la segunda mitad de los 80, Paoli publica numerosos álbumes, como La luna e mister Hyde y Averti addosso (1984), Cosa farò da grande (1986), L'ufficio delle cose perdute (1988), Ciao, salûtime un po' Zena y Matto come un gatto dedicado a Piero Ciampi (1991). En 1985 Gino Paoli y Ornella Vanoni hacen un tour triunfal por Italia, del cual se hará un álbum en directo llamado Insieme.

En 1992 publica su álbum Senza contorno, solo... per un'ora , del que formara parte la canción La bella e la bestia de la Disney, interpretada con su hija Amanda Sandrelli (hija del cantante y de la actriz Stefania Sandrelli) y parte de la banda sonora de la película homónima de la Disney.

En 1996 publica su Appropriazione indebita en el cual Paoli reelabora algunos clásicos de Charles Aznavour, James Taylor, John Lennon y de otros grandes músicos internacionales.

En 2004 publica su disco Ti ricordi? No, non mi ricordo que tiene duetos con Ornella Vanoni
Como buscador de talentos, Paoli descubre y lanza al éxito a algunos de los más grandes nombres de la música italiana. Estamos hablando de nombres como el de Lucio Dalla o el del gran cantautor genovés Fabrizio De André.

Muchas canciones escritas po Paoli han sido interpretadas por otros cantantes de otras generaciones, aunque musicalmente distantes de su estilo musical: Claudio Villa, Carla Boni, Umberto Bindi, Luigi Tenco (de quien Paoli es gran amigo), Gianni Morandi, Patty Pravo y Franco Battiato, Zucchero Fornaciari. El guitarrista de Jazz Wes Montgomery, en su álbum del 1967 Movin' Wes hace un cover de Senza fine. Hemos de señalar la colaboración con la Pravo que dio origen a unas ejecuciones espléndidas de la cantante veneciana en "Non andare via" de 1970 (memorable su actuación en el show de fin de año en Francia en "Bravo Pravo" y en Canzonissima '70) y "Di vero in fondo" de 1971.

En el 2000 colabora con Giuliano Palma and The Bluebeaters en una versión de dos piezas históricas: Domani y Che Cosa C'è.

En la película de Isabel Coixet, Mi vida sin mí, podemos escuchar la canción de Paoli Senza fine así como en muchas otras películas y anuncios.Fuente Wikipedia