Tito Rodriguez

Tito Rodriguez

Tito Rodriguez

Tito Rodriguez
Pablo Tito Rodríguez Lozada, fue un cantante, músico y director de orquesta puertorriqueño nacido el 04 de enero de 1923, en Santurce, Puerto Rico, y fallecido el 28 de febrero de 1973, en Nueva York, Estados Unidos.

Fue el segundo de los diez hijos del matrimonio formado por el dominicano José Rodríguez Fuentes y la cubana Severiana Lozada. Desde su niñez, mostró gran interés en la música y ya en su niñez organizó e integró el conjunto Sexteto Nacional, junto a su amigo desde ese tiempo, el músico Mariano Artau. Luego, a los 13 años integró el Conjunto de Industrias Nativas que dirigía el músico Ladislao Martínez, con la cual grabó su primer tema, titulado Amor perdido en 1937. Al año siguiente, le invitan a formar partedel grupo Cuarteto Mayarí junto con los guitarristas Manuel Jiménez (guitarrista) y Francisco "Paquito" Sánchez y el trompetista Plácido Acevedo. Tito tocaba las maracas y hacía la segunda voz en el conjunto, experiencia que nunca fue grabada pues permaneció solo cuatro meses con el grupo.

La isla de Puerto Rico pasaba en ese momento por una situación económica difícil influenciada por la "Gran Depresión" estadounidense; es esta circunstancia la que lleva a Tito a escribirle a su hermano, el músico y cantante Johnny Rodríguez, quien residía en Nueva York desde 1935, expresándole su deseo de marcharse. Había concluido sus estudios de bachillerato y sus padres habían fallecido, lo que precipitó su partida.

En 1939, Tito Rodríguez, con 16 años de edad, llegó a Nueva York esperanzado en trabajar como cantante y trazar su propia ruta musical. En un principio hizo apariciones en la orquesta de su hermano Johnny y poco después logró cantar con el Cuarteto Marcano, con el cual grabó sus primeros discos en Nueva York, aunque nunca formó parte de esta agrupación. Luego, integró el Cuarteto Caney y tras una pasantía breve por las orquestas de Enric Madriguera y Xavier Cugat como cantante y percusionista, presta en 1945 el servicio militar obligatorio en el ejército estadounidense.

Al licenciarse del ejército, el pianista y compositor cubano José Curbelo reclutó a Rodríguez como cantante y músico para su orquesta. Ese año, mientras la banda de Curbelo actuaba en el club nocturno "China Doll", Rodríguez conoció a una corista estadounidense-japonesa llamada Tobi Kei, con quien se casó unos meses después y tendría a sus hijos Tito Jr. y Cindy.

Como anécdota de esta época, se cuenta que un día de 1947, Rodríguez pidió permiso a Curbelo para atender a su esposa enferma, pero realmente el cantante estaba tomando licor en un bar. Curbelo lo despidió y Tito estuvo desempleado largo tiempo. Después dirigió un quinteto de corta duración y en 1948 funda la orquesta "Mambo Devils" (Diablos del Mambo). Con esta orquesta, en pleno auge delmambo, Rodriguez rivaliza con las orquestas de Tito Puente y con los Afrocubans de Machito .

Firma su primer contrato de grabación con la disquera Tico Records, la cual le obliga a cambiar el nombre de su orquesta, el cual pasó a ser Los Lobos del Mambo. Para entonces había iniciado estudios en Julliard Musical Conservatory tomando clases de percusión, vibráfono y xilófono.

Buscando nuevos mercados para su música, Rodríguez firma en 1953 un nuevo contrato con la empresa transnacional RCA Víctor y su banda pasa a llamarse "Tito Rodríguez y su Orquesta". Años después de su muerte, BMG Music reeditó en formato CD varias de estas grabaciones.

En 1955, Tito Rodríguez se percata de que el atrilero de su banda en ese tiempo, su compatriota José "Cheo" Feliciano tenía talento para ser cantante y percusionista. Gracias a ello, Rodríguez le ofrece la oportunidad de cantar junto a su orquesta en el club nocturno neoyorkino, hoy desaparecido, Palladium. Feliciano sale airoso de la prueba y Rodríguez le recomienda al músico Joe Cuba su inclusión en su sexteto.

En 1960, renuncia a RCA Víctor y firma nuevo contrato con la división discográfica de la empresa cinematográfica United Artists. En su contrato, Rodríguez puso como condición que él sería el único líder de banda musical latino que grabaría para la compañía. Su primer álbum con este sello, titulado Live at the Palladium, constituyó un éxito que fue empañado sólo por la contínua rivalidad con el músico estadounidense Tito Puente, la cual nació mientras trabajaban con la orquesta de José Curbelo. En junio de 1962, Rodríguez y su banda grabaron "Back Home In Puerto Rico" durante una estadía de dos semanas en la isla. Su regreso fue marcado por recepciones oficiales de gobierno y amplia cobertura por los medios noticiosos.

Trató de establecerse con una revista musical en la ciudad estadounidense de Las Vegas lo cual le ocasionó una gran pérdida económica. En 1963 graba junto a su orquesta un nuevo disco en vivo esta vez dedicado al Jazz Latino en el club neoyorkino Birland. Este álbum, titulado Live at Birland incluyó la colaboración de los músicos de jazz Bob Brookmeyer, Al Cohen, Bernie Leighton, Zoot Sims y Clark Terry. Pero en 1964, a causa de un veto artístico que le impedía actuar con sus músicos, Tito Rodríguez asumió el reto de cambiar radicalmente de estilo, al menos por ese momento, al interpretar boleros con acompañamiento de una orquesta de cuerdas, cuando los boleristas tradicionales no estaban en su mejor momento.

La disquera, puso el talento de Rodríguez en manos del músico, compositor y director estadounidense Leroy Holmes quien había tenido algún acercamiento con la música romántica latinoamericana. De esta colaboración, nace el álbum From Tito Rodríguez with Love (De Tito Rodríguez con amor) un auténtico éxito de ventas, que incluyó la canción "Inolvidable" del músico cubano Julio Gutiérrez. Este éxito inicial como bolerista, hace que años después de su muerte se le conociera como "El Inolvidable". La alianza entre Rodríguez y Holmes produjo unos nueve LP con interpretaciones que iban del género del bolero a la balada. A esta sucesión de LPs románticos la alternó con álbumes bailables diversos como el titulado Tito, Tito, Tito y Tito Número 1.

Los malos contratos de negocios y la controversia con sus músicos sobre el salario, le hicieron disolver su banda y mudarse a Puerto Rico en 1966. Cuando la compañía matriz de United Artists adquirió uno de los canales de televisión de Puerto Rico, Tito inició su propio programa en el cual aparecieron como invitadas diversas estrellas estadounidenses como Shirley Bassey, Tony Bennett y Sammy Davis Jr. Rodríguez pensó que como a él se le consideraba Nuyorican (neoyorkino de ascendencia puertorriqueña) no podría recibir algún premio por su programa.

Sintiendo el rechazo de sus compatriotas, Rodríguez regresa a Estados Unidos. El álbum "Estoy Como Nunca" marca este regreso a los escenarios de Nueva York. Por último, grabaría su disco El Doctor contentivo del tema Esa Bomba, su última canción sobre la rivalidad que sostuvo con Tito Puente.

En 1967, durante la grabación de uno de sus programas Rodríguez tuvo uno de los primeros síntomas de la leucemía, de la cual fallecería. En 1969, Rodríguez inició su labor como empresario discográfico con su sello TR Records. Enseguida viaja al Reino Unido, para grabar con músicos de aquel país su primer álbum en esta nueva etapa Inolvidable (Unforgetable) en el cual reeditó su famoso éxito de 1964 ya mencionado. A los boleros tradicionales contenidos en este LP sumó canciones de corte innovador como Amor No Es Solo Sexo. Durante el espacio entre las sesiones de grabación, le fue confirmado que padecía de leucemia aunque insistió en mantener en secreto su enfermedad.

En el año 1972 Rodríguez celebra sus 25 años de actividad como vocalista (aunque tenía más años en el medio artístico) con un espectáculo titulado 25th Anniversary Perfomance (Presentación del 25º Aniversario) el cual presentó en el Club "El Tumi" de Lima donde se realizó su última grabación en vivo. Este álbum, que incluyó sus éxitos de finales de los años 50 y los 60 fue presentado al público en enero de 1973 y despertó comentarios acerca de que esto fuera una despedida.

Desoyendo el consejo de guardar reposo, Rodríguez realizó su última presentación con la orquesta de su colega Francisco Raul Gutierrez Grillo ( Machito) en el Madison Square Garden el 2 de febrero de 1973. Este espectáculo redujo aún más la vitalidad del cantante, por lo que debió ser hospitalizado.

Finalmente, perdió la batalla contra su enfermedad y, 24 días después, el 26 de febrero de 1973, Rodríguez falleció en los brazos de su esposa. A petición del cantante, sus restos fueron llevados a Puerto Rico y fueron velados en una ceremonia que congregó a varios colegas suyos, entre ellos su antiguo rival, Tito Puente. Luego, sus restos fueron cremados y depositados en una urna junto a los de su esposa, años después.

Homenajes [editar]Cuando se formó la orquesta de salsa y jazz latino Fania All Stars (Las Estrellas de Fania) a Rodríguez se le invitó a tomar parte en la grabación de su primer álbum, lo cual declinó. Es, sin embargo, esta misma orquesta la que le rindió el primer tributo discográfico, años más tarde. Posteriormente, Danny Rivera, compatriota de Rodríguez, grabó un LP en homenaje suyo que incluyó un dúo con la voz de este. Igualmente, Chucho Avellanet cuya carrera de bolerista fue impulsada por el éxito de Tito Rodríguez, grabó otro álbum de homenaje.

Pero en 1993, al cumplirse 20 años de su desaparición, la disquera venezolana Palacio de la Música y la estadounidense West Side Latino (poseedora del catálogo de United Artist Latino) concibieron la idea de sustituir el acompañamiento original en los éxitos románticos de Rodríguez con un conjunto de voces y guitarras, escogiéndose para este fin a La Rondalla Venezolana. De esta fusión surgió el CD "Eternamente", grabación de gran éxito a la que se sumó "Nuevamente Juntos" en 1999. Estos homenajes se basaron en el deseo que tuvo Rodríguez, jamás cumplido, de grabar con guitarras.

También en 1993, el cantante de salsa y baladas Gilberto Santa Rosa realizó otro álbum titulado A Dos Tiempos De Un Tiempo con interpretaciones de boleros y salsa realizadas años atrás por Rodríguez, además de un tema especial dedicado a aquel y otro a dúo con el fallecido intérprete. Finalmente, en el año 2003 la disquera puertoriqueña Disco Hit retoma la idea de grabar la voz de Tito Rodríguez con guitarras y edita el álbum El Inolvidable: Boleros, Voces y Guitarras.

Su forma particular, sentimental y propia de interpretar el bolero y la música, le han hecho merecedor del reconocimiento internacional como uno de los grandes intérpretes de la música caribeña y del bolero. Después de su muerte y aún en vida ha tenido muchos intérpretes que siguen su estilo en el género del bolero. Fuente Wikipedia

Omar Valente

Omar Valente

Omar Valente en Japon en 1973

VALENTE, Omar. (Nombre de familia: Antonio Valente). Músico. Pianista. Bandoneonista. Contrabajista. Director.
Arregiador. Compositor. Nació en Buenos Aires, barrio de Constitución el 30 de marzo de 1937; pero comenzó sus estudios musicales en La Plata: teoría, solfeo y piano desde los siete años de edad. Debutó en 1949 en orquestas de la capital provincial, y a los doce años formó y dirigió la Orquesta Juvenil Florida, tocando en el recién inaugurado Canal 7. En 1954 integró la agrupación Los Embajadores del Tango (ex músicos de Horacio Salgan) estudiando armonía y composición con Tití Rosi.
Integró luego una formación de avanzada surgida en La Plata: el Quintango, con el que actuó hasta 1970 incluyendo presentaciones en Buenos Aires, en El Viejo Almacén. Y debutó aquel año en Caño 14, como pianista del sexteto de Enrique Mario Francini. Ya durante el verano de 1971 se unió a Néstor Marconi y a Héctor Console para formar el Vanguatrío, con el que grabaría dos discos de larga duración para Tonodisc y sin dejar el cual, colaboró en el acompañamiento de Amelita Baltar con Molles, Consolé y Camino en 1972, en el Teatro Regina; en 1973 con el quinteto de Hugo Baralis (discos Music-Hall, Teatro San Martín); con la orquesta Francini-Pontier, reconstituida ésta para una gira de setenta y dos días por Japón, ahora como bandoneón; y en 1974 como director y arreglador de la orquesta acompañante del cantor Jorge Hidalgo en disco BGM. En 1977 dirigió y escribió las orquestaciones para Virginia Luque (disco Embassy) y para Tito Martino (TM Records). Destacado entre los más diestros pianistas de su generación y por la constante búsqueda inventiva de sus arreglos, es además un inspirado compositor de temas orquestales: Ciudad Noche, Ciudad de Tango (ambos de 1969 y grabados por Hugo Baralis sobre instrumentaciones suyas) y Nace una ciu-dad (1970) formando lo que él mismo denomina como "una primera trilogía". En colaboración con Néstor Marconi, le pertenece Tema para tres. En diferentes momentos de su intensa trayectoria, ha tocado asimismo con D'Arienzo, con Gobbi y con Piro. Es arreglador y pianista de la Banda Sinfónica de la Policía de la Provincia. Fallecio el 1 de Febrero de 2006.
Horacio Ferrer

Fado

Fado: Pintura de José Malhoa

El fado: Nacida en Lisboa, esta melancólica música es la expresión más genuina de la cultura popular portuguesa.
Así como Buenos Aires tiene el tango como una de sus señas de identidad indelebles, El Viajero Ilustrado sabe que Lisboa, la capital de Portugal, no sólo es una de las ciudades más bellas de Europa. Entiende que si lo es, es también por la música que la identifica: el fado es, casi por definición, la canción de Lisboa, el más genuino representante de la cultura popular portuguesa. Y, por la cantidad y calidad de intérpretes y de sitios donde escuchar fado, es siempre una encantadora cita para los afortunados traqueteadores nocturnos de las callecitas de Lisboa.

El Viajero Ilustrado reconoce que Amalia Rodrigues fue la mejor exponente del fado durante más de 50 años. Dueña de una voz entre desgarrada y dulce que la hizo famosa en todo el mundo, Rodrigues le canta a Alfama, un viejo barrio de Lisboa, y a sus rincones. El fado es una expresión de nostalgia, saudade y tristeza. Literalmente quiere decir "destino" y El Viajero sabe que esta música es deudora de la añoranza, de todo aquello que se cree perdido para siempre, de lo que no volverá. También, del fuerte lazo que los portugueses tienen con el mar y, en ese sentido, con los barcos, las partidas y los regresos. En otra de las ciudades marcadas por el fado, Coimbra, el estilo es más alegre.

Durante más de 150 años, calcula El Viajero, los habitantes de Lisboa disfrutaron de su música en pequeños bares, restaurantes y cafés. Canciones que cantan tanto hombres como mujeres, el fado se acompaña con la guitarra portuguesa, con forma de mandolina y pares de ocho, diez o doce cuerdas. Su sonido no es solamente inconfundible, también es imprescindible. A partir de un diseño sencillo, esta guitarra evolucionó y hoy hay bellos modelos decorados con, por ejemplo, incrustaciones de nácar.

Desde 1998, el fado tiene un museo que resguarda y cuenta su historia. La Casa do Fado e da Guitarra Portuguesa funciona en el Recinto da Praia, un edificio del XIX, de fachada color terracota que da a la plaza Largo do Chafariz do Dentro. Las distitnas salas del museo están diseñadas con un criterio moderno y, al mismo tiempo, cálido.

Nacido de raíces africanas entre marineros, prostitutas, vagabundos y toreros, en tabernas de mala fama, a mediados del siglo XIX, el fado inspiró no sólo a grandes letristas sino también a escritores y pintores. Maria Severa fue una de las primeras cantantes de fado y su vida -algo escandalosa para la época que le tocó vivir- se narró en la primera película portuguesa con sonido.

El Viajero Ilustrado sabe que la visita al museo transcurre entre tapas de discos, partituras, programas de actuación, trofeos, centenares de fotografías, vestidos, trajes, chales. Y guitarras portuguesas, como las de Petrolino y Piscalareta, de los años 30, o una de concierto de Carlos Paredes, el guitarrista más famoso. Entre los grandes letristas, El Viajero apunta el nombre de Alfredo Duarte. Era conocido como O marceneiro (el carpintero), porque aseguran que era un artista de la madera. Duarte escribió sobre la muerte, el amor, la nostalgia: todos los temas propios del fado.

Las letras de fados, escritas con prolija caligrafía de tinta, registran también los años en que la dictadura de Antonio Salazar (1933 a 1974), una comisión de censura custodiaba que los intérpretes no cruzaran la delgada línea que, según Salazar, delimitaba la moral y las buenas costumbres. Pero el fado parece haber traspasado todas las barreras. En 1910 apareció "Republicano", cuya letra, recuerda El Viajero, festejaba la nueva república. En distintos puntos del circuito, se pueden oprimir distintos botones para seleccionar qué fado se quiere oír. Al final, vuelve la voz de Amália, que murió en 1999. El Viajero Ilustrado cree, sin embargo, que el mejor modo de conocer y disfrutar de esta música es en alguna de las casas de fado en Alfama, en el Bairro Alto, mientras se toma un caldo verde.

Así que, ya en la calle, El Viajero Ilustrado camina por la Rua da Rosa y comienza a entender dónde y por qué nació el fado. En el restaurante típico "O Forcado" entre antiguas fotos de fadistas, escucha la voz de la cantante, la guitarra y la viola, que nunca es solista y aporta el ritmo. En otra casa de fado emblemática, "Adega Mesquita", El Viajero percibe el alma portuguesa. Allí hay fado, fotos de toreros y poemas pintados en azulejos. El famoso Café Luso está abierto desde años 30. Ocupa las antiguas cocheras y bodegas del Palacio de San Roque y es uno de los edificios que resistió al terremoto de 1755. En el Barrio Alto hay muchas otras posibilidades de escuchar fado: "Adega Machado", "Senhor Vinho" y "A Severa". Para una noche de fado, El Viajero Ilustrado sabe que debe llegarse también hasta el barrio de Alfama.

Todas las mujeres que cantan fado se cubren los hombros con un largo, sutil chal negro. El Viajero Ilustado escuchó que en esa tradición hay un homenaje a la fadista Maria Severa.

Una canción de amor y saudade, una despedida de alguien que se embarca, una canción melancólica pero no triste que se escucha en el puerto de Lisboa: el fado.
Fuente: Clarin(El viajero ilustrado) del 26/08/2007

Bernstein Arturo (El Aleman)

Bernstein Arturo (El Aleman)

BERNSTEIN, Arturo Herman. ("El alemán"). Músico. Bandoneonista. Compositor.
Nació en Petrópolis (Brasil), el 17 de noviembre de 1882. Radicado en Buenos Aires desde la infancia, ejecutó inicialmente violín y guitarra en cafés de Barracas, dedicándose luego al bandoneón. Fue el primer bandoneonista del tango con profundos conocimientos musicales y dominio absoluto del instrumento, en el que también ejecutaba fragmentos de páginas europeas de concierto. Participó del auge de los conjuntos de tangos en los cafés con cama-reras de La Boca, en torno del Centenario. Acreditó con su bandoneón, y su pila de fieltros de "chops" consumidos, el café La Marina de Suárez y Necochea. Su actuación fue muy prolongada, contando con su concurso muchos locales de la época, tales como El Caburé, El Parque, T.V.O. y La Fratinola, de Martín García y Patricios, en el que actuó mucho tiempo. A partir de 1915 su actuación tuvo lugar en los locales nocturnos del centro. Compuso el excelente cuarteto denominado El Alemán, acaso el mejor de su tiempo, con Vicente Pepe (violín), su hermano Luis (guitarra) y Ventoso Pita (flauta), grabando para los discos Atlanta. En 1920 integró un conjunto con Juan Carlos Cobián (piano), Tito Roccatagliata (violín) y Ciriaco Ortiz (bandoneón) para tocar en el bar Victoria, de la ciudad de Córdoba. Cumplió su postrera actuación en 1935 con un quinteto evocativo por LS6. Fue un verdadero maestro en la enseñanza del bandoneón, con legiones de discípulos destacados, como Carlos Marcucci y Federico Scorticati. Autor de diversas obras, entre ellas: No hay partido sin revancha, La carambola, Mala suerte, La gaita, Rama caída. Falleció en Buenos Aires el 20 de setiembre de 1935. Horacio Ferrer

Esposito Genaro. ("El tano Genaro")

La Cubanita de ESPÓSITO Genaro. ("El tano Genaro")

ESPÓSITO, Genaro. ("El tano Genaro").Nacio el 17 de Febrero de 1886 en el barrio de San Telmo de la capital Argentina.
Músico. Bandoneonista. Director. Compositor.
Fue una de las figuras auténticamente representativas del tango en los primeros veinte años del siglo. En plano inmediato al de Pacho y Greco, su nombre se contó entre los ídolos populares en torno de cuya actuación se afianzó la gran divulgación de los tangos como música bailable. Maestro de bandoneón, Anselmo Aieta se contó entre sus discípulos. Fue más tarde otro de los aventurados artistas que contribuyeron con su esfuerzo personal al apogeo del tango en Europa. Así como Arólas fue el crédito de Barracas; Maffia el de Flores; Marcucci el de Wilde, y Fresedo el de Paternal, él lo fue de la barriada de San Telmo donde nació. Actuó durante mucho tiempo en los cafés con camareras de La Boca. Resultó clásica su presencia en el palco del Royal, de Suárez y Necochea, con Agustín Bardi (violín y José Camarano (guitarra).
Acompañado de Harold Philips (piano) y Alcides Palavecino (violín) hizo luego sus interpretaciones en otro local: La Marina. En 1912, con Vicente Pepe (violín), Vicente Pecci (flauta) y Guillermo Saborido (guitarra), actuó en el Palais de Glace. Posteriormente formaron en su cuarteto Julio Doutry "El francés" (violín), José Camarano(guitarra) y José Dionisio Fuster (flauta) actuando en el bar Iglesias de Corrientes. Con este conjunto grabó numerosos discos para los sellos Era, Columbia y Víctor. Tiempo después tocó en Le Petit Parisién e integró la orquesta de Eduardo Arólas durante las presentaciones de éste en Montevideo, tocando también como atracción, en el café Zunino. En 1920 se alejó con rumbo a París —en compañía de Manuel Pizarro— donde formó orquesta para tocar en el cabaret Le Perroquet, en el foyer del Casino de París. Continuó su carrera de músico en Francia. Falleció en París, en 1950. Fue compositor del tango La cubanita. Fuente Horacio Ferrer

Emma Milan

Emma Milan

Emma Milan

EMMA MILAN nació en 1964 en el sudeste de Francia, no muy lejos de Italia, de donde son oriundo parte de su familia. En 1983, ella se establecieron en París para completar sus estudios universitarios y enseñar a español. En consecuencia cursos paralelos cantando y descubrió una pasión por el tango. Esta expresión musical nacida a orillas del Río de la Plata, combinado con textos de una belleza meteórica es para ella como un obvio: encuentró para su camino. Luego vienen encuentros con artistas argentinos que confirma en su determinación. Con el tiempo, favorece la íntimas atmósferas, rodeados por la mayoría de guitarras a menudo uno o dos y un bandoneón además a veces contrabajo, instrumentos que vibran y conversan con la voz. En los últimos años, EMMA MILAN ha actuado en Ginebra, Berlín, Amsterdam, Rotterdam y en Argentina a dos veces (octubre de 2002 Centro Cultural General San Martín y en el teatro ND Ateneo de Buenos Aires, así como en la provincia de Corrientes en el noreste de Argentina.) "En Francia canta en Toulouse (día y el espacio Claude Nougaro teatro) en Périgueux, en Rennes (la barcaza show) en Bourges (Festival Les Euphoniques), a Mazamet (espacio Apolo) en Albi (Festival"A fin de semana con ellos"), en Niza (teatro de verde), Assier (Festival de Assier)..." Puede escuchar en habitaciones parisinas como New Morning, la langosta de Zapata, La Maroquinerie, Le Limonaire, casa de América Latina y el antiguo teatro de la cuadrícula. También ha participado en varios programas de de radio musicales en Francia como en una meseta, o en todos los aspectos más destacados. En el año 2004 que canta Dortmund, en el Instituto francés de Casablanca en Argentina a la Clasica y Moderna en Francia para muchos de los organizadores, incluyendo Forbach, la escena nacional un verano Bourges y Adiam 78. _ PRESSE "En fase de su generosidad y su expresividad se refiere a las horas de tango argentino tradicionales más bellas." LA _ de ADEN del mundo - la Inrockuptibles - "la profundidad de emoción, la belleza de voz y el peso de la noche son de un recital de Emma Milán en un momento muy fuerte y conmovedor". "Simplemente desgastada por un bandoneón y guitarra, la voz de Emma Milán parece simplicidad trágico." GILLES PRESNITZER _ "su voz representa un poderoso vínculo entre aceras sombra Buenos Aires y París húmedo de piedra". "Esta cantante al sello elegante lo ha dejado llevar por la belleza de las palabras elegidas para expresarse". Bouziane Daouadi - liberación _ "no se trata de un niño de la borne o se trata de un cantante que roto todos los estilos al tango, sino de unas palabras de amor de joven mujer y su poesía". Valérie Jourdan - revista de Bayan _ "Emma Milán da cuerpo a las palabras, palabras en un idioma especial y vincular...!" Dominique Dejalot - la REPUBLICAIN - "Emma Milán perpetúa el vínculo histórico-cultural y sentimental entre Francia y el tango... como una arteria que conduce al corazón." MONDOMIX Fuente web de Emma Milan en Frances

Eddie Calvert

Eddie Calvert

Eddie Calvert (marzo 15to, 1922-agosto 7, 1978) fue un trompetista Inglés, que logró sus mayores éxitos en la década de 1950. Calvert tuvo en el Reino Unido, el número uno instrumental 2 veces en 1954, con "Oh mein Papa".

Biografía
Albert Edward Calvert nació en Preston, Lancashire, Inglaterra, y se crió en una familia donde la música de su banda de música local presentó reiteredamente. Pronto fue capaz de reproducir una variedad de instrumentos, y era más logrado en la trompeta. Tras la Segunda Guerra Mundial se graduó de ejecutante como aficionado en bandas de música a los compromisos profesionales con orquestas de baile popular de la época, incluida la de Geraldo además de Billy Ternet y pronto se hizo conocido por el virtuosismo de sus actuaciones. Después de su exposición en la televisión con la Orquesta Negro Stanley, un locutor entusiasta lo presentó como el "hombre con la trompeta de oro" - una descripción acertada de que permaneció con él durante el resto de su carrera musical.

Estilo de Calvert fue inusualmente individualista, y se convirtió en un músico conocido en la BBC Radio y televisión durante la década de 1950. Grabo por primera vez para Melodisc, ca 1949-1951 siguio grabando para el sello Columbia y entre sus discos figuraban dos números uno del Reino Unido, "Oh mein Papa" y, más de un año después, "Cherry Pink and Apple Blossom White". Fue el primer músico británico en lograr dos números uno. "Oh mein Papa", que también se vendió bien en los Estados Unidos, encabezó las listas británicas durante nueve semanas (en ese entonces un récord de éxitos del Reino Unido), y recibió el disco de oro otorgado por primera vez para una pista instrumental Reino Unido.

Sus exitos en ese momento eran "John y Julie", tomado de la banda sonora de la película de John y Julieta, y "Mandy", su último gran éxito. Otras grabaciones incluyen "Stranger In Paradise" (1955), "El hombre del brazo de oro" (1956) y "Celos" (1960). Calvert también co-escribió "Mi hijo, mi hijo" en 1954 - una carta-primeros de Vera Lynn. Su tema de la película, El hombre del brazo de oro fue prohibida por la BBC. A pesar de que el hecho de que se trataba de un disco instrumental, un portavoz de la BBC dijo: "La prohibición se debe a su coneccion con una película sobre las drogas"

A medida que la industria de la música entró en la era menos inocente de la década de 1960, las entregas musicales Calvert se hizo menos apreciado por los compradores de registro. En 1968 se había convertido en Calvert desilusionado por la disminución de su fortuna y dejó el Reino Unido, y se fue a vivir a Sudáfrica.

Murió de un ataque al corazón en Salisbury en 1978, durante una gira de conciertos de Rhodesia. Tenía 56 años de edad. Fuente Wikipedia en Ingles

Julian Plaza

Julian Plaza en 1979

Julian Plaza cuando gano el ACE de oro(Sup. Clarin)

Julian Plaza
Julian Plaza en la orq. Carlos Di Sarli en 1958
Cuarteto de bandoneones a capella integrado por Alfredo Marcucci, Ernesto Franco, Julián Plaza y Atilio Corral

PLAZA, Julián. Músico. Bandoneonista. Pianista. Compositor. Arreglador.
Se formó estéticamente en los conceptos de estilo que dieron fisonomía al tango de la Generación de 1940, desde la temprana aparición que lo convirtió —apenas adolescente— en uno de los ejecutantes más requeridos y mejor conceptuados. Se proyectó luego en primera línea de inquietud renovadora, de conducta profesional y de permanencia en la creación, entre los jóvenes artistas que a su vez otorgaron personalidad, interés y jerarquía al tango de la generación de 1955. A ésta pertenece él por sensibilidad, por actuación y por obra, compartiendo esa ubicación con otros tanguistas de edad semejante y parecidas ideas musicales: Atilio Stampone, Víctor Lavallén, Leopoldo Federico, Osvaldo Berlingieri, Simón Bajour, Osvaldo Requena y Osvaldo Tarantino, con quienes ha defendido y postulado en común aquellas ideas en numerosas y calificadas realizaciones. Conocedor a fondo de los secretos y de los "modismos" que hacen a las modalidades orquestales más disímiles, integró con idéntica competencia agrupaciones de tan opuesta concepción como las de Carlos Di Sarli y Miguel Caló. Ese dominio de las corrientes interpretativas de cuño tradicional combinado al estudio de las disciplinas musicales—que cumplió junto a Julián Bautista— y a su imaginación, le permitió también encarar la escritura instrumental de dos orquestas típicas que son pilares del tango evolucionado: Aníbal Troilo y Osvaldo Pugliese. En su labor de arreglador para estos dos directores, así como en los que a su turno concibió para Atilio Stampone y Enrique Francini, o en la tarea profesional de orquestaciones estándar escritas para la editorial Korn está lo capital de su carrera.
Y los invariables rasgos de buen gusto, de sobriedad, de superación y de búsqueda que conceden muy luego relevancia al momento más valioso de esa trayectoria: su contribución al Sexteto Tango. Seis arreglos de muy diferente pensamiento orquestal la ilustran: son los que plasmó para los tangos A fuego lento, Quejas de bandoneón, Mala junta, Danzarín, Nochero soy, éste en colaboración con Osvaldo Ruggiero al igual que el realizado sobre Milonga del 900. En la rica elaboración de su música firmemente estructurada, moderada en la ornamentación, valiosa por su desarrollo armónico, se transparenta de algún modo indirecto o patente— la gravitación que sobre buena parte de los orquestadores de su misma hornada, ha ejercido la absorbente personalidad de Astor Piazzolla. Juicio que cabe extender a su constante producción de compositor de largos períodos alternados con dibujos rítmicos hábilmente desarrollados con tendencia al empleo de los tonos mayores. Esta faceta suya se anunció hacia 1954 con un tango estrenado por Miguel Caló A lo moderno. Y se continuó luego con seis obras dadas a conocer cada dos años aproximadamente desde 1956 hasta 1968 a saber: Sensiblero, Danzarín, Melancólico, Nostálgico, Buenos Aires-Tokio y Disonante, todos refrendados por el éxito.
Ha compuesto asimismo tres milongas de llamativo contenido renovador: Nocturna —sobre diseños de milonga ciudadana—, Payadora —con reminiscencias de milonga criolla— y —Morena —con elementos melódicos y rítmicos inspirados en la variedad convencionalmente denominada "milonga candombe".
Nació en La Pampa en 1928. Debutó profesionalmente en 1943 como integrante de la orquesta de Edgardo Donato; formó más tarde en el conjunto de Antonio Rodio —1945 y en el de Miguel Caló desde 1949— en varias instancias, como bandoneón y arreglador de dicha agrupación. En compañía de Atilio Stampone y de Alfredo Marcucci, emprendió entonces una larga turné por ciudades de Europa y del Cercano Oriente integrando con aquéllos la orquesta de Eduardo Bianco. A su regreso y paralelamente con su tarea junto a Miguel Caló, formó en un cuarteto de bandoneones "a cappella" con Alfredo Marcucci, Ernesto Franco y Atilio Corral. Desde 1956 se contó entre los colaboradores de Carlos Di Sarli, tocando también en las formaciones de Atilio Stampone; se vinculó durante 1959 a la orquesta de Osvaldo Pugliese. Perteneció a ésta por nueve años animando todas las actuaciones de la misma en radio, teatros, disco, televisión y en las giras por la URSS, China y por el Japón. En abril de 1968 ya como pianista unió su nombre a los de Emilio Balcarce, Osvaldo Ruggiero, Víctor Lavallén, Osear Herrero y Alcides Rossi, quienes juntamente con el vocalista Jorge Maciel, fundaron el Sexteto Tango grabando sus realizaciones para los discos Victor y CBS. Fallecio el 19 de abril de 2003. 
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados

Irene Grandi

Irene Grandi

Irene Grandi

Irene Grandi nació en Florencia.
Ella debutó en el Festival de música de Sanremo en la categoría nuevas propuestas con "Fuori", en 1994, que posteriormente fue ganada por Andrea Bocelli, que fue también debuta el mismo año.
Su primer álbum, Irene Grandi, contenía canciones escritas con Eros Ramazzotti ("Sposati subito") y Jovanotti ("T.V.B.").[2] En 1995, su segundo álbum, en vacanza da una vita, fue liberado. Contenía esas canciones como "En vacanza da una vita" y "Boum culo". A estos álbumes siguieron Por Fortuna purtroppo, Verde rosso e blu, Kose da Grandi y Indelebile entre otros.
En 2000, ella se ubica segunda en el Festival de música de Sanremo con una canción escrita junto con Vasco Rossi.
Interpretó la voz principal en la canción "Blue", la pista de cierre en 2003 del álbum francés Héctor Zazou del productor fuerte corriente .
En 2004, hizo su debut como presentadora de televisión con Marco Maccarini en el Festivalbar.

Sexteto Tango

Sexteto Tango en Michelangelo

Sexteto Tango

Sexteto Tango: (1968 - 1991)
Es sin duda, una de las expresiones orquestales más representativa del tango a partir de los años setenta, organizada como los sextetos tradicionales pero con una concepción vanguardista y a la vez respetuosa de la esencia del género.

Para el investigador Luis Adolfo Sierra, además del talento y prestigio de sus componentes, el Sexteto era algo más, «mucho más que laconjunción de los valiosos aportes individuales... Constituye una nota novedosa, original y de asegurada proyección... que corrobora la perfecta posibilidad de la continuación de la estructura esencial de un estilo consagrado (el de Pugliese), sin incurrir en la réplica común o en la vulgar imitación del mismo».

El Sexteto no fue una búsqueda a nuevas formas de interpretación, ni a falsos efectismos, sus integrantes sabían perfectamente lo que querían y pese al origen común de todos éllos -la orquesta de Osvaldo Pugliese- lograron un sonido propio, que fue punto de partida de otras muchas formaciones que lo siguieron y en algunos casos, lo imitaron.

Aunque suene paradójico, la idea de formar un sexteto al modo decariano, fue del propio Pugliese, a su regreso del Japón en el año 1965. Le parecía que había que reducir la formación como una manera de enfrentar la crisis que el tango padecía en esos años. Pero no lo hizo y la orquesta siguió trabajando.

A raíz de una efermedad del maestro, la orquesta interrumpe sus actuaciones y se disuelve momentáneamente. Entonces, seis de sus integrantes deciden hacer realidad la anterior idea de don Osvaldo y crean, en octubre de 1968, el Sexteto Tango.

Se trataba de una verdadera selección de excelentes músicos: los bandoneonistas Osvaldo Ruggiero y Victor Lavallén, los violines de Emilio Balcarce y Oscar Herrero, en el piano Julián Plaza, en el contrabajo Alcides Rossi y la voz de Jorge Maciel.

Al poco tiempo Pugliese se reintegra a la actividad y los muchachos actúan en las dos formaciones, para después separarse definitivamente en los mejores términos.

Debutan en el mítico escenario de "Caño 14", compartiendo cartel con la orquesta de Aníbal Troilo, el Quinteto Real, Roberto Goyeneche, Rubén Juárez, entre otros. Luego vendría su primer disco larga duración para el sello RCA-Victor, titulado "Presentación del Sexteto Tango" con obras clásicas como "Quejas de bandoneón", "Amurado" y otras propias, "La bordona" (Emilio Balcarce), "Danzarín" (Julián Plaza) y cuatro cantadas por Jorge Maciel.

Su debut televisivo fue en el popular programa "Sábados Circulares", que conducía Nicolás Mancera en el canal 13. Luego vendría su primer gira a Montevideo donde actuaron en el Hotel Victoria Plaza y en el prestigioso Teatro Solís.

En 1970 inician una prolongada gira por América, visitando Chile, Brasil, Perú, Colombia, Venezuela, Santo Domingo y que termina en Estados Unidos, en la ciudad de Los Angeles.

Cuatro años después son convocados a un importante espectáculo de tango en el Teatro Colón junto a las orquestas de Aníbal Troilo, Horacio Salgán y Florindo Sassone (este último en reemplazo de Osvaldo Pugliese que estaba convaleciente de una operación). También actuaron los cantores Edmundo Rivero y Roberto Goyeneche.

De aquí en más, resulta imposible relatar la extensa actividad que tuvo el Sexteto, era el conjunto más solicitado y sus discos se sucedían sin solución de continuidad. Sus nuevas giras por América y Estados Unidos tuvieron un éxito impresionante. También recorrieron Europa en 1987, actuando con gran suceso en Berlin y después en París, en el famoso local "Les trottoirs de Buenos Aires", donde actuaron durante dos meses como único número.

Después a Japón, donde ya los conocían por su paso con Pugliese y repitieron con tanto suceso, que volvieron en dos oportunidades más.

El Sexteto Tango grabó once long plays, todos para el sello RCA-Victor y uno en Japón para CBS Columbia.

Entre sus registros más interesantes quiero destacar "Trasnoche", un bellísimo tango instrumental de Julián Plaza que tiene una melodía nostálgica y melancólica y un arreglo espectacular de su autor.

Además de Jorge Maciel el Sexteto contó con las voces de Raúl Funes y Jorge Mariano. En 1983 hicieron un disco completo con 12 temas cantados por Roberto Goyeneche, en los que se destacan el bonito vals "Esquinas porteñas" de Sebastián Piana y Homero Manzi y el tango "Estrella" de Marcelino "Cholo" Hernández y Roberto Cassinelli.

El Sexteto Tango tenía cuatro arregladores: Osvaldo Ruggiero, Julián Plaza, Victor Lavallén y Emilio Balcarce, todos además, grandes compositores.

Cada vez que los vuelvo a escuchar, me confirman que el tango para evolucionar no necesita apartarse de sus raíces y desnaturalizar su ritmo y menos, someter su melodía a arreglos que en muchos casos la hacen irreconocible. El Sexteto Tango constituye un ejemplo de tango legítimo y moderno cuyo recuerdo, a modo de homenaje, quise resaltar en esta breve semblanza. 
Ricardo Garcia Blaya 

Neil Sedaka

Neil Sedaka

Neil Sedaka

Neil Sedaka (Brooklyn, 13 de marzo de 1939) es un cantante pop, pianista y compositor frecuentemente asociado a The Brill Building. Trabajó con Howard Greenfield para escribir muchas canciones que fueron éxitos para él mismo y para otros artistas. El registro de Sedaka se considera de tenor.

Sedaka nació de un padre inmigrante con raíces judío sefardís túrquicas y de una madre con ancestros judío askenazís. Comenzó a tocar el piano durante la juventud en una estación de radio de música clásicamientras estaba en la Juilliard School. También empezó a experimentar con el doo wop y la música de rock and roll, cantando e interpretando una vieja versión de The Tokens. Su composición Stupid Cupid fue un éxito de 1958 en la voz de Connie Francis, y Sedaka fue contratado por la RCA Records como interprete solista. Una cadena de éxitos le seguiría, al finalizar 1963.

Los bien conocidos éxitos del Billboard Hot 100 —de sus inicios como cantante— son los temas Oh! Carol (#9 de 1959), Calendar Girl (La chica del calendario, #4 de 1960), Happy Birthday Sweet Sixteen (Feliz cumpleaños, dulces dieciséis, #6 en 1961) y Breaking Up Is Hard to Do (‘es difícil romper’, o ‘es difícil decir adiós’, #1 en 1962). Oh! Carol es una canción que hace referencia a la novia de Sedaka de aquel entonces, su compañera de clase, la compositora Carole King. Pronto ella le correspondió con la canción Oh! Neil, la cual hace referencia al tema de Sedaka y a su nombre. Existe un vídeo en formato 16 mm (llamado Scopitone) para Calendar Girl

Entre 1960 y 1962, Sedaka tuvo 8 temas dentro del Top 40 pero se vio entre los intérpretes quienes vieron sus carreras asediadas por la «invasión británica» y otros cambios de rumbo en la industria musical. Sus sencillos comenzaron a declinar en las listas de popularidad, antes de desaparecer por completo.

En 1973, Sedaka ayudó al grupo ABBA con la letra en inglés de la canción Ring-Ring para el concurso en Eurovisión. Comenzó a trabajar en Inglaterra al lado de Elton John, quien lo contrató para su sello Rocket Records. Siguiendo una década de larga sequía, Sedaka regresó a la atención del público, con Laughter in the rain y Bad blood. Elton John participó en los coros de esta última. Sedaka y Greenfield también coescribieron Love will keep us togheter un éxito #1 de The Captain and Tennille y el mejor disco vendido de 1975. La canción, si es escuchada cuidadosamente, revela el texto «Sedaka is back» (Sedaka regresó) en la coda, cantada por los coros de fondo.

Fue con estos temas, que Sedaka hizo un retorno positivo al escenario, que lo convirtió en una historia de regreso exitoso. Sherwin Bash (representante de The Carpenters) eligió a Sedaka para abrir las actuaciones de la pareja de hermanos. Según la biografía Carpenters: the untold story (Carpenters: la historia no contada) de Ray Coleman, Richard Carpenter ordenó el despido de Sedaka, lo que resultó en un contragolpe de los medios contra los Carpenters después de que Sedaka anunciara públicamente que estaba fuera de la gira. Richard Carpenter dio el alegato de que ordenó el despido de Sedaka porque «les estaba robando el show», manifestando que ellos estaban orgullosos del éxito de Sedaka. Sin embargo, Sherwin Bash fue despedido.

En 1976, Sedaka grabó una nueva versión de Breaking up is hard to do. La versión original exitosa de 1962 era más rápida y más juvenil, pero el remake era más lento y con cierto estilo evocando al jazz centrando sus arreglos en el piano. Esta nueva versión alcanzó el #8 de las listas de popularidad, convirtiéndose en el segundo artista en llegar a las listas de popularidad de manera exitosa dos veces con un mismo tema en versiones diferentes. The Ventures habían tenido éxito en 1960 y en 1964 con dos grabaciones distintas de Walk don't run (‘camina, no corras’). Coincidentemente el jefe de la disquera de Sedaka, Elton John poco después lograría la proeza dos veces también con Don’t let the sun go down on me (1991) y Candle in the wind. De acuerdo con el libro Billboard 40 op Hits, la versión original de Candle in the wind no llegó a los Top 40)

La segunda versión de Sedaka para Breaking up is hard to do clasificó alto en las listas de popularidad Adult Contemporary. El mismo año Elvis Presley grabo la canción de Sedaka Solitaire, en 1980 tuvo un éxito posicionado como #19 llamado Should never let you go, el cual grabó con su hija Dara.

También es el compositor del popular Is this the way to Amarillo una canción que escribió para el británico Tony Christie. Logró el #18 de las listas del Reino Unido pero llegó al #1 cuando fue relanzado en el 2005, gracias a un vídeo lleno de cameos estelarizado por Peter Kay. Sedaka grabó el mismo tema en 1977, cuando fue un éxito con la posición #44. En abril de 2006 durante un concierto en el Royal Albert Hall (en Londres), Sedaka fue presentado con un galardón del Libro de los Récords Guinness como autor del éxito más vendido del siglo 21 por su tema Amarillo.

Hasta 2009, Sedaka sigue cantando regularmente. Tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en octubre de 2006 fue introducido al Salón de la Fama de Long Island.

En 1985 Sedaka compuso canciones para la serie anime Z Gundam, estas incluyeron los temas de inicio Zeta-Toki wo koete (originalmente escrita en inglés como Better days are coming) and Mizu no hoshi e ai wo komete (originalmente escrita en inglés como For us to decide, pero las versiones en inglés nunca fueron grabadas. Así como el tema final Hoshizora no believe (originalmente escrita como: Bad and beautiful). Debido a las disposiciones de copyright, en la edición DVD estadounidense las canciones fueron reemplazadas por otras.

En 1994, Sedaka cedió su voz para un personaje que lo parodiaba en el Show Food Rocks, llamado Neil Mousaka.

En 1962, Sedaka contrajo nupcias con la cantante Leba y aun siguen juntos. Tuvieron dos hijos, su hija Dara es una artista que graba comerciales para radio y televisión y Marc es un destacado guionista que vive en Los Ángeles (California). Fuente Wikipedia

Rafael Rojas

Rafael Rojas


Rafael Rojas

En este reportaje, Rafael Rojas, una de las estrellas del Segundo Festival Internacional de Tango “Euroargentino” de Madrid, 9 – 10 – 11 de octubre 2009, Círculo de Bellas Artes de Madrid, cuenta experiencias suyas al colega chileno Patricio de la Paz:
Cantar, vestirse y sentir como Carlos Gardel durante 22 años tenía que rendir frutos. Hoy, Rafael Rojas tiene lugar propio en uno de los mejores shows de tango de Buenos Aires. Cada noche, de traje oscuro y pelo a la gomina, personifica allí al zorzal criollo. Y lo hace en un teatro del Abasto, el mismo barrio donde el famoso cantante pasó su infancia. Rojas, llamado el Gardel chileno, está en su mejor momento. Y viene a nuestro país el 5 de septiembre para dejarlo bien claro.
La anécdota todavía lo hace reír. Y eso que ya han pasado años. Cinco, para ser exactos. Rafael Rojas (36) llevaba entonces unos meses como parte del show de La Esquina de Gardel, donde cantaba canciones del zorzal criollo. Con tal perfección y apego al original, que muchos en el público se iban molestos pensando que el artista doblaba. Que su esfuerzo era sólo mover la boca, mientras una cinta de Gardel ponía la voz. A Rojas eso ya se lo habían comentado los mozos del restaurante, pero pensó que le tomaban el pelo. Hasta que poco después la esposa de Juan Fabbri, dueño del local, le habló bien en serio: "Rafael, vas a tener que cantar a capela 'Mi Buenos Aires querido', para que la gente se convenza de que eres tú el que canta y que esto es en vivo". Rojas obedeció y los ánimos se tranquilizaron. Con pequeñas excepciones, claro.
"Un día, al final del espectáculo, un tipo me llama y me dice que él sabía que era yo quien cantaba, pero que nadie le sacaba de la cabeza que 'Mi Buenos Aires querido' era con la voz de Gardel. Yo le pregunté si de verdad creía que era Gardel quien cantaba. Me insistió que sí. Entonces yo le doy la mano y le digo: 'Mucho gusto, Carlos Gardel para servirle'", recuerda Rojas, sin poder contener las carcajadas. Carcajadas que suenan bastante más sueltas que esa voz profunda y de fraseo rápido con la cual ha cantado incansable, durante 22 años, los tangos que alguna vez entonó el Gardel verdadero.
Porque si bien Rafael Rojas tiene hoy un lugar protagónico en el show de La Esquina de Gardel -uno de los mejores espectáculos de tango de Buenos Aires, que se presentará el martes en Viña del Mar, y el 7, 8 y 9 de septiembre en el Teatro Teletón de Santiago-, llegar ahí no ha sido fácil. Ha dejado una buena cuota de sudor, lágrimas y tangos en el camino. Su historia para convertirse en el Gardel chileno ha tenido de todo un poco. Desde cantar rancheras con sus hermanos en Alemania, siendo apenas un niño, hasta atreverse con el tango por primera vez en Uruguay, a los 14 años y venciendo una timidez espantosa. Desde apariciones en cuanto programa de la televisión chilena se le cruzó en la ruta hasta veladas inolvidables en el Café Torres de Santiago. Esas donde Menem y Anthony Quinn lo aplaudieron a rabiar.

Rafael Rojas es el sexto de siete hermanos. Y aunque nació en Cerro Navia, en 1970, muy luego -tras el golpe militar- debió partir a Buenos Aires junto a su familia. Allí, pensando encontrar más calma, su padre trató de continuar su negocio de desabolladuría y mecánica automotriz. Poco le duraría. La llegada de los militares al gobierno argentino en 1976 los hizo arrancar otra vez. El destino fue Alemania. Mientras cargaban sus maletas rumbo a Europa, ninguno podía imaginar que gastarían allá casi ocho años de sus vidas.

En tierras germanas, la familia recordaba América Latina a través de la música. El padre, antes de partir, se había aperado con una buena colección de melodías que incluían desde boleros y rancheras hasta valses peruanos. Sus hijos no sólo se acostumbraron a escuchar esas canciones; muy pronto empezaron a cantarlas. Entre las cintas paternas estaban algunas de Carlos Gardel. Pero a Rafael no le llamaron especialmente la atención. Prefería los casetes de otros artistas que admiraba en ese entonces: Pedro Infante, Jorge Negrete, Javier Solís. Para flecharse con los tangos del zorzal criollo debían pasar unos años más. Y un nuevo cambio de domicilio.
A mediados de los 80, la familia se instaló en Montevideo. En Alemania, Rafael no sólo había dejado buenos recuerdos. También a su primera novia. "La separación fue dolorosa, y fue ahí cuando me fijé en los tangos, que te machacan la mente, hablan de desgarros y patadas al corazón. Fue un acercamiento emocional", recuerda. Pero de consuelo al alma, muy rápido los tangos pasaron a ser material de canto para este joven despechado a sus 14 años.
Ni Rojas entiende mucho cómo pasó: "Yo era muy vergonzoso para cantar, pero con los tangos perdí la vergüenza". Gardel, entonces, se tornó imprescindible. Como también el payador Héctor Umpiérrez, que fue el trampolín que un chico como Rojas necesitaba.
De hecho, Umpiérrez fue el que bautizó a Rafael Rojas como Rafael Rojas. Hasta entonces, y según su libreta de familia, el joven se llamaba Israel Esmar. Nombre y apellido muy complicados, según el payador. Umpiérrez se empecinó entonces en buscar un seudónimo. Y lo halló finalmente en el segundo nombre y segundo apellido del adolescente. Con eso claro, y varios tangos de Gardel aprendidos de memoria, Rojas -ex Esmar- se paseó junto al payador por programas de televisión, por la radio y por pequeños bares donde se fue haciendo un nombre. Su nuevo nombre.
Lo del look gardeliano es cuento aparte. Y pura coincidencia, como repite Rojas hasta el cansancio. "Todas las cosas pasaron al mismo tiempo: empiezo a cantar tango, empiezo a usar gomina -pues mi pelo es muy rebelde, y la gomina estaba de moda en Uruguay-, conozco al payador y comienzo a ir a la televisión.
¡Todo eso sin haber visto nunca a Gardel en películas! Sólo por fotos. Por eso a mí me daba rabia cuando caminaba y la gente me decía que lo hacía igual que Gardel. Lo mismo cuando fumaba un cigarrillo. O sonreía". Pero no había vuelta atrás. Intencional o no, Rojas cantaba y se movía idéntico al zorzal criollo. Había nacido el Gardel chileno. Fuente Por Patricio De la Paz y Fotos Ramiro Souto nota publicada en el suplemento de cultura de www.clublatercera.cl de Chile