viernes, 12 de marzo de 2010

El tango en Francia

El Tango en Paris
Surgen los títulos franceses de los tangos Champagne Tangó, La Gigolette, El apache argentino, Germain, Come il faut ...
En 1903 el vasco Aín habría sido el primer bailarín de tangos en París, no es seguro dado que es Aín quien lo dice y se ha comprobado que decía mentiras.
En 1907 si se sabe que el matrimonio Gobbi y Villoldo, fueron a grabar enviados por Gath y Chaves, poco después van Saborido y Aín. Bernabé Simara, Francisco Ducase, Juan Carlos Herrera. También los niños bien Ricardo Güiraldes, Vicente Madereo, y Daniel Videla Dorna.
María Luisa Candelli, platea una hipótesis. El éxito del tango en Paris está dado por que Inglaterra, que manejaba el comercio de carnes en el exterior, quería imponer nuestras carnes en Francia, entonces difundió una nueva danza, que enloqueció no sólo a Paris, sino a toda Europa. De rebote triunfa en la alta sociedad de Bs. As., que como siempre miraba a Paris que era el centro de la moda.
En la revista P.B.T. el 21-1-11 decía “En Paris bailan el tango ¿dónde? En los salones aristocráticos. ¿quiénes? Las señoras más distinguidas y los caballeros más elegantes. De ahí lo adopto la sociedad.
El barón Antonio María Demarque, yerno del Gral. Roca, hizo mucho por el tango, en 1913 organizó un concurso de tango en el Palais de Glace y luego otro en el Palace Theatre, en este último bailaron el Cachafaz, Juan Carlos Herrera y la mayoría de los famosos.
Surgen los títulos franceses de los tangos Champagne Tangó, La Gigolette, El apache argentino, Germain, Come il faut, El Marne, Puopé, Paris, Place Pigalle.
Escuchamos según indica la etiqueta del disco el Tango brasilero por la orquesta Zingara del Restaurant de Paris La Rata Mueta (es la melodía del Choclo) Una noche de garufa de E. Arolas de 1903 cuando tocaba la guitarra no el bandoneón. Fuente Roberto Selles.

A modo de referencia se informa de la biografia de dos de las interpretes de este CD.

Rina Ketty

Rina Ketty

Cesarina Pichetto, nació en Turín, Italia, en 1911. Vivió en su país natal hasta 1930 y para entonces viajó a Francia para visitar a unos tíos. Uno de sus parientes que vivía en Montmartre decidió alojarla en su casa y de esa forma ella se incorporó a la vida feliz de la llamada "Comunidad Libre de la Colina."

El centro de reunión en Montmartre era el famoso cabaret "Le Lapin Agile." En dicho lugar se daban cita los más connotados bohemios de la época, poetas, novelistas, escritores, compositores y artistas. Fascinada por la vida de cabaret y buscando cómo ganarse la vida, Rina le pidió a Frédé - dueño del cabaret que la contratara como cantante. Ella no tenía un repertorio, ni experiencia alguna, pero comenzó interpretando canciones típicas de la Villa de Montmartre, muchas de ellas de comienzos del siglo 20 y se ganó las simpatías de los asiduos al lugar. Así nació Rina Ketty.

Rina se mantuvo, con el mismo estilo, cantando en el "le Lapin Agile" por varios años, antes de cambiarlo, en 1938, a un estilo más personal y más comercial. Recordando sus raíces italianas grabó canciones de su tierra natal, adaptadas y traducidas al francés. Pronto fue reconocida en el ámbito musical profesional y recibió el "Grand Prix du Disque." A partir de ese momento comenzó a cantar de manera más exótica y profesional, estilo que se adelantó 20 años y que luego fue adoptado por muchas otras cantantes.

Para la mayoría del público no tenía relevancia el origen de sus canciones ni del contenido de las letras, eso se destaca en el hecho que dos de sus canciones más conocidas, "J'attendrai" y "Sombreros Et Mantilles" fueron adaptaciones de canciones, italiana y española, respectivamente y grabadas por Pathé en discos de 78rpm. De hecho, muchas de las canciones de la época, no trataban sobre la guerra, así que no es de extrañar el éxito de ese tipo de música.
Su carrera fue interrumpida durante la guerra, su ascendencia italiana tuvo algo que ver, y por tanto, afrontó dificultades para recuperar su fama cuando el conflicto terminó. Sin embargo, luego de mucho esfuerzo, logró reiniciar su carrera en 1945, pero esta vez en el Alhambra.

En 1954, Rina Ketty dejó Francia y se exilia en Canadá, viviendo en Quebec y Ontario, con la esperanza de comenzar una nueva carrera. Permaneció en ese país por 12 años. Al regresar a Francia, en 1965, con la intención de iniciar una segunda carrera musical, encontró que otras artistas habían ocupado el lugar que ella había ostentado por años. Para entonces, Gloria Lasso y Dalida, por cierto con el estilo de Rina, eran las reinas de la música latina. Por otro lado, los tiempos habían cambiado y otro estilo de música era la preferida del público.

Luego de cantar por unos años más en el cabaret Don Camilo en 1967 y el nuevo Alcázar en 1968, se retiró apareciendo de tiempo en tiempo en algunos especiales de TV, como La Chance aux Chansons por Antena 2. En 1991, Jack Lang, Ministro de Cultura, le otorga la medalla "Chevalier dans l'ordre des Arts et Lettres." No volvió a aparecer en público y vivió desde entonces en Cannes, en compañía de su esposo Jo Harman.

Murió a la edad de 85 años en el Hospital de Broussailles de Cannes el 23 de Diciembre de 1996.Fuente exordio.com


Lucienne Delyle

Lucienne Delyle



Lucienne Delyle (Paris, France, 16 de abril de 1917 — Monte Carlo, Mónaco, 1962) fue una cantante popular francesa. Con dicción clara y precisa abordó varios estilos. Fue una de las mas destacadas intérpretes en la línea de Édith Piaf y Lucienne Boyer.
Con su tema Mon amant de Saint-Jean de 1942, se convirtó en la mas famosa cantante popular francesa de los años 1950.
Nacida y educada como farmaceutica en Paris cantaba como amateur hasta 1939 cuando fue escuchada por Jacques Canetti que la contrató para la Radio Cité.
Al año siguiente se casó con el trompetista Aimé Barelli (1917-1995), con quien tuvo su hija Minouche Barelli (1947-2004).
En 1953, Bruno Coquatrix la invitó junto al joven Gilbert Bécaud en una gala de apertura del „Olympia".
Su carrera se vió interrumpida por una fulminante leucemia, sus ultimos conciertos fueron en Bobino hacia 1960 muriendo en 1962.Fuente Wikipedia

jueves, 11 de marzo de 2010

Carlos Do Carmo

Carlos Do Carmo en Casino Estoril en el 2008Carlos Do Carmo en Casino Estoril en el 2008

Carlos Do Carmo en Casino Estoril en el 2008Carlos Do Carmo en Casino Estoril en el 2008

Carlos Do CarmoCarlos Do Carmo


Carlos Alberto do Carmo Almeida (Lisboa, 21 de diciembre de 1939) conocido artísticamente como Carlos do Carmo es un cantante portugués que ha alcanzado dimensión internacional a través del fado.

Es hijo de la conocida fadista Lucília do Carmo y de Alfredo de Almeida, librero y hotelero. De joven, Carlos estudia hostelería en Suiza, iniciando su carrera artística en 1964, si bien ya había grabado un disco cuando tenía 9 años.

Representó a Portugal en el XXI Festival de la Canción de Eurovisión 1976, con el tema Flor de verde pinho (basado en un poema de Manuel Alegre). En el Festival RTP de la canción de aquel año fue el único intérprete, entre las últimas canciones presentadas estaban temas como “Estrela da tarde”.

De entre muchas otras, sus canciones más conocidas son: Os putos, Um homem na cidade, Canoas do Tejo, Lisboa menina e moça, Duas lágrimas de orvalho y Bairro Alto.

Ha cantado en portugués el tema El drapaire de Joan Manuel Serrat, (O ferro velho en adaptación del poeta Alexandre O'Neill), tema incluido en su disco Canoas do Tejo (LP Movieplay en 1972-CD en 1997) y en O melhor dos melhores (Tecla, 1992).

Su nombre figura entre los pioneros de la nueva discografía portuguesa, ya que su disco Un homem no país fue el primer CD editado por un artista en Portugal.

José María Nóbrega lo acompaña en la guitarra desde hace 36 años. Fue homenajeado en 2003 con motivo de sus 40 años de carrera musical.

En 2007 participó en la película Fados de Carlos Saura junto a otros grandes artistas lusos y brasileños, como Mariza, Camané o Caetano Veloso. Este largometraje es estrenado en la gran pantalla el 23 de noviembre de 2007, después de ser proyectado en diversos festivales de cine. Paralelamente al estreno de la película se realizan conciertos de presentación de la película en Madrid, Valladolid y Santiago de Compostela, en los que intervienen Camané, Mariza, Miguel Poveda y el propio Carlos do Carmo. Carlos do Carmo es galardonado con el Premio Goya a la Mejor canción original por Fado da saudade.

Ha sido embajador de la música y la cultura portuguesa a través de sus innumerables actuaciones por varios países, pasando por el Teatro Olympia de París, por las Óperas de Frankfurt y Wiesbaden, por la casa de espectáculos Canecão de Río de Janeiro, el Savoy de Helsinki y por otras muchas ciudades, como San Petesburgo, Copenague, São Paulo, entre otras. A nivel nacional destacan los conciertos en la Fundación Gulbekian, en el Monasterio de los Jerónimos, en el Casino de Estoril o en el Centro Cultural de Belém.

Es ciudadano honorario de la ciudad de Río de Janeiro y miembro de la Honra del Claustro Ibero-Americano de las Artes. Asimismo, le fue concedido un diploma por el Senado de Rhode Island (Estados Unidos) por su contribución a la divulgación de la música portuguesa, el Globo de Oro de Mérito y de la Excelencia, el Premio de la consagración de su carrera de la Sociedad Portuguesa de Autores. Es además miembro de la Orden del Infante Don Enrique. Fuente Wikipedia

miércoles, 10 de marzo de 2010

Adolfo Perez (Pocholo)

Adolfo Pérez (centro) con su bandoneón, dirigiendo su orquesta en los estudios de Radio Rivadavia (mayo de 1935).Adolfo Pérez (centro) con su bandoneón, dirigiendo su orquesta en los estudios de Radio Rivadavia (mayo de 1935).



PÉREZ, Adolfo ("Pocholo"). (Nombre de familia: Alejandro Pérez y Gutiérrez).
Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Nació en Buenos Aires —barriada de Palermo— el 25 de mayo de 1897. Domingo Cichitti fue su maestro de bandoneón. Data su iniciación en público de 1914, actuando con un cuarteto hasta 1917 en cafés y recreos de barrio. En 1918 Juan Maglio lo requirió para integrar su orquesta; más tarde —y hasta 1931— presentó su propio sexteto en programas de Radio Nacional. Posteriormente formó un conjunto de corte evocativo con inclusión de flauta y de guitarras con el que actuó por las emisoras Callao, Prieto, Del Pueblo, La Voz del Aire y El Mundo, y con el que grabó numerosas placas fonográficas desde Una noche de garufa (1933) para la casa Odeón. Su primer tango: La compuerta (1913). Lo siguieron: El trueno, Oro 18, A mi novia, Soy un pobre gaucho. 
Horacio Ferrer

Biografia II
Bandoneonista, director y compositor (25 de marzo de 1897 - 23 de agosto de 1977)
Apodo: Pocholo. Nombre completo: Adolfo Alejandro Pérez y Gutiérrez
Está generacionalmente ubicado entre los tanguistas de 1910 y mantuvo su espíritu y estilo hasta muy entrados los años cincuenta. Cultivó en toda su carrera de músico, muy extensa por cierto, un modo musical similar al de Juan Maglio "Pacho", de quien fue su colaborador, continuador y difusor.
Se mantuvo al frente de su orquesta, característica de "la guardia vieja", hasta aproximadamente el año 1957, en que debió disolverla por problemas de salud. En este aspecto fue la suya la más genuina expresión dentro de las agrupaciones evocativas.
Nació en el barrio de Palermo, en la calle Julián Alvarez 1456, el 25 de marzo de 1897. Sus padres eran españoles, Alejandro Pérez y Dolores García.
En una entrevista, en 1974,le pregunté sobre colegas y músicos: «Entre los primeros bandoneonistas que recuerdo están "El Pardo" Sebastíán Ramos Mejía; que tocaba bien y daba lecciones; recuerdo haberlo visto en la calle donde yo vivía; no era muy oscuro de piel. Era cochero de tranvías a caballo.
«Otro de los que tengo presente, fue el carnicero Solari; tenía un bandoneón con los esquineros y la válvula de oro, pero era un instrumento de los antiguos, sin las característícas ochavas. Después estaba "El Mocho" Alfredo Fattini, que tocaba de oído. Solía actuar junto a "Natalín" Felipetti, otro bandoneonista muy antiguo. También estaba Ávila, Mamierca... Luisito Pérez, otro muy conocido que tocaba siempre en cafés.
«Arturo Severino, apodado "La vieja", tocaba muy bien con las dos manos; era músico. Al "Alemán" Arturo Bernstein, también lo escuché; no hacía variaciones, Marino García, guitarrista de mi orquesta, fue también guitarrista de Bernstein. Hasta el año 1914 fue "la Guardia Vieja"; después vino Eduardo Arolas, buen bandonconista. Las variaciones de bandoneón empezaron por los años 23... 24...»
Sus primeros pasos con el instrumento fueron con Domingo Cichitti, de oficio carnicero; un músico intuitivo que sabía muy poco de música, pero que le enseñó los rudimentos del manejo del bandoneón.
Más tarde estudió música con Alejandro Gutiérrez del Barrio, violinista y hermano de Ramón, que tocaba el piano. Debutó cuando apenas tenía 17 años, en un almacén de Las Heras y Bulnes, con un trío: "Pocholo" en el bandoneón, Enrique Greco en el violín y Elías De Lellis en la guitarra, por dos pesos cada uno por noche.
En 1915 pasaron a un café de La Paternal y de allí a bodegones de Canning y Córdoba y cafés de "turcos", porque allí se había instalado una importante comunidad de origen árabe.
Por el 16, el conjunto de "Pocholo", apodo que le venía desde la niñez, desplazó su campo operativo hacia el café Colón de Flores, donde actuó con su elenco con un cambio estructural de importancia: por primera vez sustituyó en el mismo la guitarra por el piano.
El ingreso a la orquesta de Juan Maglio aumentó la popularidad de "Pocholo", no sólo por tocar junto a él, sino porque Maglio con su generosidad hacia los colegas le grabó varias composiciones que lo prestigiaron en tal carácter.
«En 1918 entré a la orquesta de "Pacho", que en realidad era un quinteto: Maglio y yo de bandoneones, en violines "Pepino" Bonano con su violín corneta y José Suino, y el pianista Luis Suárez Tapia. Pacho fue quien dio más sabor al tango, ligaba muy bien. Arolas, en cambio, era más rítmico y gustaba más a la gente.
«Empezamos en el Bar Domínguez de la calle Corrientes al 1400; al lado, en el Iglesias tocaba Arolas con el guitarrista Camarano y creo que "Tito" Roccatagliatta en violín. A "Tito" lo escuché en el 24 en el café "ABC" con el bandonconista José Servidio. Con Maglio grabábamos en Max Glücksmann para el sello Nacional.»
Actuaron además en los cines Select Lavalle y Suipacha, e hicieron una presentación en Tandil, provincia de Buenos Aires, donde los sorprendió una gran nevada.
En 1924 se integró a la orquesta de Roberto Firpo para tocar en el primer Concurso de Tangos del Disco Nacional, donde fueron elegidos "Sentimiento gaucho" y "Amigazo". Allí no había cantor. La probable integración de la orquesta de Firpo en esta oportunidad habría sido la siguiente: piano y dirección: Roberto Firpo, bandoneones: Adolfo Pérez, Francisco Della Rocca, Rafael Rossi, Juan Bautista Guido y presumiblemente Ernesto Bianchi, violines: Elvino Vardaro, Cayetano y Emilio Puglisi y Octavio Scaglione "Piscoto" y el contrabajo: José Puglisi.
Finalizado el evento, "Pocholo" retornó a capitanear su propio elenco presentándose, durante el período comprendido entre los años 1924 a 1926, en distintos escenarios: Café Colón de Flores -donde estuviera con anterioridad-, Café "Las Orquídeas" de Artigas y Yerbal y el "Palacio de los Billares" de Rivadavia y Pedernera.
En 1924 se inicia en la radio con un terceto típico conformado por el violinista Alpidio B. Fernández, pionero de nuestra radiofonía, quien se había iniciado en 1923 en Radio Cultura -"La primera Broadcasting de Sudamérica"- y su colega bandoneonista Alejandro Scarpino.
En 1927, según Juan Silbido, se tocó por primera vez la variación del famoso tango de "Pacho", "Sábado inglés" que fue escrita por "Pocholo".
Ese mismo año unió su nombre al del pianista Ricardo Olivera, fundando el binomio "Olivera-Pocholo" que actuó en Radio Nacional hasta 1929.
«Luego me independicé y formé una nueva orquesta que integraban: en la fila de bandoneones, Francisco Bonafina, Luis García y yo. En los violines: Elvino Vardaro, Roberto y Teodoro Guisado, Osvaldo Schelotto en el piano y A. Corletto en el contrabajo.»
Más tarde se sumó al elenco la cancionista Virginia Doris, quien se inició en Radio Nacional pasando luego a Radio Del Pueblo y a Radio Callao.
Actuaron en Radio Nacional en 1930 y 1931, acompañando cantores y realizando numerosos bailes. Pasaron luego por muchas radios: La Voz del Aire, Prieto, Del Pueblo y Porteña. Hicieron algunas actuaciones en el Luna Park y en la sala del cine Rialto de la calle Córdoba 4287, también en el Teatro Nacional de Corrientes 960 y en el Smart de la misma calle.
Por el '33 volvió al tango bien evocativo, a hacer otra vez guardia vieja. Formaban la orquesta: "Pocholo", Víctor Angulo y Luis García en bandoneones, Roberto Guisado, José Bibiloni y Gerónimo Bongioni, en violines, las guitarras de Marino García, Alfredo Pirilo (a veces Ismael Gómez y Héctor Acosta), Francisco Russo en la flauta y la cantante Virginia Doris.
Esta agrupación comenzó a grabar el 16 de agosto de 1934, inaugurando su serial Odeón con la placa "Lejos de mi bien amado", vals de Gerardo Metallo y el tango de Arolas "Una noche de garufa", disco 9130, serie que se prolonga hasta diciembre del 36.
En la segunda placa grabada, con fecha 20 de setiembre del mismo año, aparece por única vez la voz de Virginia Doris interpretando el vals de J. C. Caviglia y Podestá "Loca de amor", que en el reverso contiene el tango de Bevilacqua, "Independencia".
En 1935 se alejó Virginia Doris para proseguir su carrera artística como solista con guitarras. El conjunto de "Pocholo", hizo un paréntesis en su labor discográfica hasta 1948 en que reinició su labor en Odeón, inaugurando la serie con la placa nº 30304 que en uno de sus lados lleva el tango "Las siete palabras", de autoría dudosa, pero que aquí aparece como de Maglio, y el vals de "Pocholo", "Gritos del alma". Esta segunda época se extenderá hasta el 28 de mayo de 1956.
En este tramo de su carrera, su orquesta estaba integrada por los siguientes músicos: en bandoneones, Víctor Angulo y Luis García; violines, Roberto Guisado, Teodoro Guisado y J. Bibiloni; piano: Nicolás Vaccaro; flauta, José Casanellas y en el contrabajo, Miguel Tafuri. En las grabaciones, el pianista en algunos registros fue Ismael Alloco y en otros el "potrillo" Zagnoli.
En 1956 vuelve la cancionista Virginia Doris, con quien registró su último disco que lleva el n° 41224. En uno de sus lados está el tango de Juan Carlos Cobián y Pedro Numa Córdoba "Un lamento", y en el opuesto, el vals "Violetas" de Juan Maglio y Francisco Brancatti.
Además de grabar, tuvieron algunas presentaciones radiales por Radio Splendid, Radio Belgrano y Radio Del Pueblo y algunos bailes en San Pedro y Junín, provincia de Buenos Aires.
Ya con su salud quebrantada, "Pocholo" disolvió su orquesta hacia 1957. Falleció en Buenos Aires, veinte años después. 

Oscar Zucchi 

martes, 9 de marzo de 2010

Rafaella Carra

Rafaella CarraRafaella Carra

Rafaella CarraRafaella Carra


Raffaella Carrà es el seudonimo de Raffaella Roberta Pelloni (n. Bolonia, 18 de junio de 1943) es una famosa cantante, bailarina, actriz, presentadora y autora italiana de programas de televisión.

Es conocida en Europa y América, principalmente en su país natal Italia, España y Latinoamérica, donde ha presentado exitosamente numerosos programas de TV, la mayoría de ellos en la cadena italiana RAI y en la española TVE.

Es una de las figuras más importantes y amadas del espectáculo italiano. Es reconocida en su país como: «La Diva italiana» , «La Señora del espectáculo italiano» ,«La reina de la televisión » y «La más amada por los italianos».

Nacida en el seno de una familia de clase media, Raffaella comenzó su incursión en el mundo del arte casi por accidente en un viaje con su madre a Roma. Fue entonces cuando, a través de un amigo de la familia, un director la eligió por su simpatía para un pequeño papel en la película Tormento del passato a los 9 años. Posteriormente y de regreso a Bolonia, Raffaella se inscribe a los 15 años en el Instituto de Cinematografía y prosigue con su educación y formación como bailarina.

Finalmente, tras pequeños y medianos papeles en más de una quincena de películas italianas, Raffaella pega el salto que daría comienzo a su carrera. En 1965 la italiana viaja a los Estados Unidos donde aparecerá en su primer película hollywoodense. Habiendo firmado un contrato con la 20th Century Fox y siguiendo los pasos de sus coterraneas Gina Lollobrigida, Sofía Loren y Virna Lisi, la Carrá apareció en la película El coronel Von Ryan de 1965 junto a Frank Sinatra, Edward Mulhare y Trevor Howard.

Aunque pronto Hollywood notó su presencia y Raffaella prosiguió con su carrera apareciendo en otras películas, la vida que llevaba en Los Ángeles no era lo que esperaba y regresó a Italia.

A su retorno a Europa, vinieron más películas italianas, francesas y hasta una coproducción alemana con el genial actor cómico Lando Buzzanca. Destaca la película I compagni de Mario Monicelli.

Parecía que Raffaella estaba encontrando su lugar entre las luminarias del cine, pero lo más grandioso de su carrera aún estaba por llegar. Corrían los últimos años de la década del sesenta cuando el mundo cambiaba radicalmente su forma de ver y hacer arte. Y Raffaella sería pronto parte de eso.

Fascinada por la opulencia del Lido de París y deslumbrada por los nuevos conceptos que llegaban de la mano de musicales como Hair, Raffaella volvió a Italia con la cabeza llena de nuevas ideas. Así, al recibir el ofrecimiento de participar en el programa del francés Nino Ferrer, la Carrá acepta con la condición de poder usar tres minutos de aire para hacer lo que quisiera. Así, con desenfado y una gracia única, Raffaella rompe con el esquema de la cantante o bailarina estática y formal. Se mueve, sacude la cabeza en un modo nunca visto (y que luego será su sello, junto con su inconfundible melena) y es un éxito inmediato
De esta forma, los ejecutivos de la RAI no dudan en proponerla como la anfitriona del programa estrella de la televisión italiana junto a Corrado. Canzonissima 1970 será el programa que termina por afianzarla como una estrella en Italia y es entonces cuando Raffaella comienza a explotar también su faceta de cantante. Invitada por los directores del canal, pero «casi jugando» como diría ella años más tarde, graba la sintonía del programa. Y el éxito y el escándalo no se hacen esperar. Ma che musica Maestro es un éxito pegadizo que rápidamente llega al número uno del Hit Parade italiano vendiendo miles de copias del sencillo, pero es el vestuario de Raffaella lo que causó más conmoción en el público italiano. Había algo que jamás se había mostrado en la televisión pública de la península itálica: el ombligo. Y la joven intérprete, con un atuendo que hoy parece más inocente que trasgresor, logró hasta la censura del mismísimo Papa cuando al poco tiempo y generando más polémica aún, lanza el famosísimo Tuca Tuca.

Una vez afianzada su carrera con el éxito de Canzoníssima (al que sigue la edición de 1971) la ahora famosa cantante sale de gira por toda Italia con los éxitos que ya comenzaban a sonar en las discos. Pero tras casi un año recorriendo el país, Raffaella vuelve a la televisión más atareada que nunca. Canzoníssima 74 ya no contará con la conducción de Corrado, sino que será sólo la responsabilidad de Raffaella. Y es un éxito. Tanto así que ese mismo año presenta junto la cantante Mina el espectacular Milleluci.

Ahora, si bien el éxito había golpeado las puertas de Raffaella Carrà y ella se había asegurado de demostrar que no era sólo algo pasajero, la ambiciosa cantante, bailarina y conductora quería demostrar que quería y podía lograr más. Con varios éxitos en su país natal, la Carrà empieza a soñar con otros horizontes.

España quedaba tan sólo a un paso, y su primera aparición en el programa Señoras y Señores en 1975 demostró ser el comienzo de un romance duradero. Encantados por la misma frescura que había llevado a su país natal, los españoles no tardaron en enamorarse de «la bomba italiana», y el primer álbum de Raffaella (con una recopilación de lo mejor que había editado en Italia) invadió los oídos de los españoles en pocas semanas. El disco incluía además algunas versiones cantadas en castellano.

Fue entonces, cuando -sin precedentes- los ejecutivos de TVE le ofrecieron hacer un especial. La Hora de Raffaella Carrà fue un experimento exitoso y una vez más la cantante italiana cimentaba su éxito en el país vecino.

Pero como todos los europeos, Raffaella quería conquistar América. Y aunque su llegada se hizo esperar hasta 1979, ya en 1976 el éxito con sus discos y sus programas enlatados era un hecho. Pero lejos de los actuales medios de alcance global (los satélites e Internet), hacia finales de los años 70 alcanzar el éxito internacional casi obligaba la presencia física. Y así fue cuando en 1979 Raffaella llegó por primera vez a América. Argentina, Chile, Uruguay, Perú, Bolivia, Venezuela, México, Ecuador, y casi cada rincón de habla hispana en el continente sucumbieron al encanto de la estrella italiana. En ese tiempo asistió al programa Sábados gigantes, los estadios y teatros se colmaban de gente, y la histeria de los fans era tal que la Carrà debía ir con varios guardaespaldas a cualquier lugar que fuera. Y así, entre especiales para la televisión, conciertos, presentaciones siguió recorriendo cada país, inclusive filmando una película en 1979.

El ritmo alegre y desinhibido de sus temas marcó una época para la música disco de principios de los ochenta en el mundo de habla hispana e italiana. Entre sus temas más famosos destacan Fiesta, En el amor todo es empezar, ¡Qué dolor!, Rumore y Caliente, caliente. También tuvo un gran éxito con el tema Tuca Tuca, escrito por su compañero sentimental y colaborador de muchos años, Gianni Boncompagni. Estableció también una larga relación con Sergio Japino.

El éxito de la cantante italiana en los países de latinoamérica era tan fabuloso, y su persona merecedora de una atención tan especial del público, que comienza a trabajar en un ambicioso proyecto que la llevaría también a la pantalla grande y en castellano. La película Bárbara se estrenó el 12 de julio de 1980 en Argentina, tras dos meses de rodaje en la capital porteña. Coloridos cuadros musicales con gran despliegue de escenografía y vestuario eran el marco perfecto para la historia de amor de una joven cantante italiana y el príncipe de un país ficticio, interpretado por Jorge Martínez. El elenco se completaba entre otros por Irma Córdoba, Manuel Tenuta y la comiquísima Edda Díaz.

También llegaría en 1980 la idea de una co-producción entre varias cadenas de TV filmada en cinco capitales del mundo. Así cada compañía produciría un especial y sería co-propietario de los otros cuatro. Ciudad de México, Moscú, Roma, Buenos Aires y Londres fueron las cinco ciudades elegidas y sus calles y lugares más significativos fueron mostrados entre cuadro y cuadro, articulado con las actuaciones de invitados de cada lugar que le daba un sentido más autóctono a cada especial.

Después, Raffaella (que había dejado la CBS como sello discográfico) empieza a bajar el ritmo que llevaba, haciendo durante 1981 y 1982 sus últimos espectáculos en América Latina visitando Chile, donde participó en el Festival de Viña del Mar llevándose todos los premios y el título de La reina del festival de ese año.

Durante 1983 y 1984 la Carrà retoma su carrera en Italia con discos y nuevos programas de televisión. Los ejecutivos de la RAI, con la inventiva del gurú mediático Gianni Bomcompagni (ex pareja de Raffaella), encomiendan a ella lo que será una revolución en la televisión a nivel global.

Durante la década de los años 1980 la Carrà siguió presentando varios programas en la RAI y Canale 5. Especialmente popular fue Pronto, Raffaella (1983-1985) en la televisión pública italiana, que tuvo su versión en España (¡Hola Raffaella!) en los años noventa.

En Noche de Gigantes, un Late Show de Canal 13 en el año 1985, conducido por Don Francisco, Raffaela Carrà, Cantó en dicho Programa, Pedro, Pedro, Pedro..., Indicando la Tentación al Sacerdote Católico chileno Raúl Hasbún, que se santigua para evitar la Tentación. Ese Momento, También fue Revivido del archivo del canal, Para el Programa Chileno TV o no TV.
A principios de los años 90 Raffaella se traslada a España, y entre 1992 y 1994 recupera la fama de la que había disfrutado quince años antes, presentando en TVE ¡Hola Raffaella!, una emisión semanal a la que luego se agregaría A las 8 con Raffaella (1993) como un magazine diario.

Posteriormente es fichada por Telecinco para conducir En casa con Raffaella (1995), una vez que finalizó su contrato con TVE. La popularidad obtenida la convierte en acreedora del Premio TP de Oro de 1993 a la Mejor Presentadora. En 1997 TVE la «rescata» para que conduzca las campanadas de fin de año junto a Ramón García, tras la baja de última hora de Ana Obregón. Luego volvió a Italia para presentar Carramba, che sorpresa (1998-2003).

A partir de 2000, Raffaella Carrà continúa haciendo apariciones en la televisión de países latinoamericanos, además de presentar diversos programas de televisión en su país natal y en España.

A finales de 2004, Raffaella es la encargada de presentar el telemaratón "Contigo" para la TVE, que tenía como objetivo apadrinar a un gran número de niños del Tercer Mundo.

Volvió a aparecer de nuevo en España en diciembre de 2006 en la gala de celebración de los 50 años de TVE, grabada el 25 de noviembre y emitida el 7 de diciembre.

La artista italiana fue la encargada de presentar la gala Salvemos Eurovisión que ofreció Televisión Española el 8 de marzo de 2008, y que sirvió para que los espectadores eligiesen cantante para Eurovisión 2008. Además, presentó otras dos galas especiales sobre este festival.

Actualmente se encuentra en Italia conduciendo la cuarta edición de su exitoso programa Carràmba Che Fortuna el cual estará en emisión hasta principios del 2009.
Fuente Wikipedia

Iva Zanicchi

Iva ZanicchiIva Zanicchi


Iva ZanicchiIva Zanicchi


Iva Zanicchi (Ligonchio, 18 de enero de 1940) es una cantante y presentadora de TV italiana.

Salvo algunas y esporádicas apariciones televisivas, como Campanile sera con Mike Bongiorno, las lecciones de canto y un tour por la región romana, inicia su carrera propiamente en 1961 veinciendo en un festival para principiantes patrocinado por la Gazzetta di Reggio Emilia.

En 1962, a través de Gianni Ravera, se inscribe en el Festival Nacional para nuevas voces de Castrocaro, arribando a la final: dada para favorita, durante la noche final una laringitis no le permite cantar a máxima potencia su portentosa interpretatión.

Su voz "negra" conquista las discográficas de la nueva firma Ri-Fi, firmando un contrato.

Su primer disco se distribuye en mayo de 1963, y contiene las canciones Zero in amore y Come un tramonto escritas para ella, y dirigida por el maestro Gorni Kramer.

En junio de ese mismo año graba otro LP de 45 rpm compuesto de los temas Tu dirai y 6 ore.

En ese tiempo, el discográfico Tonino Ansoldi, hijo del dueño Ansoldi, e alma de la casa discográfica RI-Fi, se casa con élla. Así pasó de ser una de las artistas de punta de una importante casa discográfica, y ahora con vínculo de parentela.

Ese año participa en el Festival de la Canción Italiana en Suiza con el tema Quando verrai y en el concurso "Ribalta per Sanremo", antesala de Sanremo Giovani.

En 1964 tiene un enorme suceso Come ti vorrei, versión italiana de Cry to me de Salomon Burke. La promoción de este tema vino inicialmente del "Burlamacco d'Oro de Viareggio" y sucesivamente en varios programas televisivos. Y su "45 rpm" alcanza el primer puesto en la clasificación de los discos más vendidos. La cantante manifiesta su predilección por el estilo Rhythm & blues y por la música negra en general.

En 1965 después de un enorme suceso recibido por sus LP, la invitan al Festival de San Remo dove presenta el tema I tuoi anni più belli compuesta por Mogol con música de Enrico Polito. No obstante su calidez, no accede a la final, Iva se crea su propio mercado en especial con los jóvenes.

En ese año es finalista al "Disco del verano", donde presenta la canción Accarezzami amore. Su casa discográfica saca su primer álbum Iva Zanicchi conteniendo sus éxitos en 45 rpm, y el tema Ma l'amore no, sabiamente arreglado por Augusto Martelli, que la cantante propone al programa La prova del nove presentado por Corrado Mantoni.

En 1966 participa en la segunda vuelta del Festival de San Remo con La notte dell'addio compuesta por Alberto Testa, que accede al "Disco del verano" con Fra noi, llegando casi a la final. En ese año es invitada al Festival de Nápoles, cantando Ma pecché' y Tu saje 'a verità, y en la Scala Reale, con trasmisión financiada por la "Lotteria Italia", presentando Fra noi, que la hace llegar a la finalísima, donde ejecuta su nuevo single Monete d'oro.

En 1967 se alza con la victoria en el Festival de San Remo donde interpreta Non pensare a me con Claudio Villa. Vuelve al "Disco del verano" al presentar la canción Quel momento. Sale al mercado su segundo álbum titulado Fra noi conteniendo Le montagne conocida como Ci amiamo troppo cover de River Deep, Mountain High de Ike y Tina Turner.

Descubierta como una habitué de las manifestaciones cantoras, el año sucesivo participa en San Remo presentando Per vivere, escrito por Umberto Bindi con un insólito crescendo que le permite desarrollar todo su carisma interpretativo. En el "Disco del verano" presenta sin mucha fortuna la canción Amor amor; y en "Canzonissima" canta Senza Catene, cover de Unchained melody de Righteous Brothers. Otro tema de éxito es La felicità. Sale su LP Unchained Melody

En 1969 obtiene su segunda victoria en San Remo donde canta Zingara en copia con Bobby Solo con un suceso increíble en ventas. Este tema se convierte en favorito y queda indiscutiblemente sellada sus virtuosa interpretación. Posiblemente sea su canción más famosa. Esta victoria le permite representar a Italia en el Festival de Eurovisión en Madrid con Due grosse lacrime bianche. En "Canzonissima" presenta Vivrò, cover de My prayer de Platters.

En 1970 conquista un meritorio tercer puesto en el Festival de San Remo presentando L'arca di Noè, escrita por Sergio Endrigo, uno de los primeros temas "herméticos" de la historia musical italiana.

En "Canzonissima" canta Un uomo senza tempo, el tema convocante de su nuevo álbum Iva senza tempo. En la fase sucesiva presenta Un fiume amaro, de su nuevo álbum Caro Theodorakis... Iva , un disco con doce canciones escritas por el cantautor griego Mikis Theodorakis: fue la primera cantante italiana de cantar del autor de Danza di Zorba, siguieron, Milva y Ornella Vanoni. La canción tiene un notable suceso pero el álbum, escrito en un periodo de dolor de la artista, signó de manera negativa la carrera de Iva, que estaba siendo señalada por algunos críticos musicales como cantante triste.

Se presenta en la finalísima con Una storia di mezzanotte ecrita por Nicola Di Bari clasificando sexta. En noviembre de ese año debuta como conductora radiofónica en el programa "Il gioco dei tre", donde, además de cantar, recitaba breves escenas con Antonio Guidi.

Realiza un video con Giuseppe Ungaretti para promover Un uomo senza tempo.

En ese año entra al mercado otro álbum Iva senza tempo

En enero de 1971 desarrolla un rol de actriz para la trasmisión Gli amici del bar, con la dirección de Maurizio Corgnati, el ex marido de Milva. A comienzos de abril de ese año publica el álbum Caro Aznavour donde interpreta con bravura algunos temas del chansonnier francés Charles Aznavour con Ed io tra di voi.

Fue un suceso notable marcando su madurez interpretativa y su ascendente fibra artística, como las propuestas en el álbum Shalom un LP con cantos hebraicos, y con Sciogli i cavalli al vento.

En el "Disco del verano" obtiene amplio consenso con uno de sus temas más famosos La riva bianca la riva nera, un himno pacifista, clasificado tercero en la manifestación estiva. Ese mismo tema fue segundo del Festivalbar.

En 1972 en la finalísima de "Canzonissima" 1971 presenta Coraggio e paura conquistando la tercera posición, mientras en la edición de Un disco per l'estate proponiendo Nonostante lei arriba a la final.

En la trasmisión televisiva Sai che ti dico? con Sandra Mondaini y Raimondo Vianello, Iva dedica una fantasía musical a un autor o a un intérprete, naciendo la idea del álbum Fantasia

En diciembre de ese año publica su nuevo álbum Dall'amore in poi con Amazing grace traducido por Paolo Limiti resultó La mia sera, y Mi ha stregato il viso tuo, presentada en la finalísima dr Canzonissima (3ª posición).

En febrero de 1973 recibe una extraordinaria ovación en el Madison Square Garden de Nueva York (única cantante italiana en haber tenido un concierto) con su tour por EE. UU. y Canadá. En este año su casa discográfica publica tres álbumes:

Le giornate dell'amore con la canción homónima y con I colori di diciembre, que fuera "banda sonora" del filme A Venezia... un diciembre rojo-shocking escrita para ella por Pino Donaggio
Eccezionale Iva, resumen de canciones ya editadas. Es invitada al teatro Olympia de París, dando varios conciertos, y a fines de ese año, canta Amare, non amare. En ese mismo año se reúne con Franco Simone, Fred Bongusto y con Corrado Castellari para publicar un álbum natalicio con el título Dolce notte santa notte.
En 1974, obtiene su tercera victoria en el Festival de San Remo con Ciao Cara come stai escrita por Cristiano Malgioglio. Con Testarda io (del álbum Io ti propongo) escrito por Roberto Carlos se la confirma como estrella del firmamento canoro italiano, y se puso en el primer puesto de clasificación de venta de álbum por varias semanas, saca su primer álbum en castellano, para el mercado latino con el título ¿Chao Iva cómo estas?.

En 1975 sale su álbum Io sarò la tua idea con algunos temas del hermano Castellari, e inspirados de imágenes libres transcriptas de Federico García Lorca.

En los años sucesivos aunque Iva siente la crisis discográfica, sigue interpretando y obteniendo espacio para ser cantautor.

En 1976 decide renovar su género y llama a autores como Umberto Balsamo y Cristiano Malgioglio para escribirle, para su próximo álbum Confessioni que traía temas como I discorsi tuoi, Confessioni, Che uomo sei. Al final del año publica un álbum de canciones clásicas Cara Napoli que cantó a so modo, y con la colaboración dr Tullio De Piscopo. Sale su tema para niños Mamma tutto de buen suceso discográfico.

En el Festival de San Remo 1977 es invitada como huésped de honor donde canta Arrivederci Padre.

En 1978 decide mostrar a su público la versión sexy con el álbum Playboy, un producto bien confeccionado por Cristiano Malgioglio, autor de gran parte de las canciones contenidas, Pronto 113, Agrodolce, Tu… Playboy, Quanto dura poco l'estate, escritas para ella por Donatella Rettore. Aunque Giuni Russo escribe uno de sus temas, en formato 45 rpm, publicado Mal d'amore

Participa en el Festivalbar con la canción Con la voglia di te promoviendo su álbum homónimo. La muerte de un ser querido, y la crisis de la casa Ri-Fi marcó un periodo difícil de su carrera discográfica.

En 1979 firma un contracto con una nueva casa discográfica, la Traccia, publicando su 45 rpm A parte il fatto/Capirai.

En 1980 publica el álbum D'Iva con una versión en castellano versión castellana para el mercado latino.

En 1981 saca por una casa discográfica española un nuevo LP, Ardente, con sonoridad dance, con gran popularidad en España y en América del Sur.

Siempre en el 1981 incide en su tercer álbum en castellano para el mercado latino Nostalgias.

En 1982 sale otro álbum en castellano para el mercado latino Yo, por amarte

En 1984 vuelve al mercado discográfico italiano presentándose en el Festival de San Remo con Chi mi darà escrita de su autoría "Malgioglio e Balsamo", dándole un discreto suceso. En esa ocasión mostró por primera vez su nariz, retocada con cirugía estética.

En Saint-Vincent propone Quando arriverà que daba el título al homónimo álbum.

En el transcurso del año participa en un programa Mediaset conducido por Johnny Dorelli y Ornella Muti, "Premiatissima", una gala cantora donde presenta algunos temas del pasado como una versión de Va pensiero que trata del Nabucco de Verdi, La notte, célebre canción de Adamo y la versión italiana de Strangers in the Night de Frank Sinatra que en italiano quedó Sola più che mai, que Iva puso en el álbum Iva 85.

Durante esa trasmisión se nota en la redacción del programa, la buena intervención de Iva, y le viene una oferta de conducir un quiz por la mañana en "Canale 5" con el título Facciamo un affare, conduciéndolo durante la temporada televisiva 1985/1986. La sigla de Facciamo un affare era Da domani senza te y era cantada por Iva.

En 1987 se afirma conduciendo OK il prezzo è giusto con Gigi Sabani. El programa logra un grandísimo suceso de público e Iva lo conduce por buenos trece años, en catorce ediciones (una por añ, más una del verano de 1989). Fue en este periodo que su carrera televisiva empaña su precedente carrera discográfica.

En 1987 saca el LP Care colleghe, homenaje a sus colegas más famosos;

En 1988 saca Nefertari (álbum 1988), con algunas canciones de jóvenes autores. El álbum entró en la clasificación de "Tv, Sorrisi e Canzoni" y, en el curso del año, Iva participa en el programa "Super classifica show", donde presenta su video Kajàl.

En 1989 conduce la primera noche en Canale5 con el especial Gran festa italiana

Iva participa en varias trasmisiones musicales:
en 1989 Una rotonda sul mare con Come ti vorrei y C'era una volta il festival con Zíngara con la cual se adjudica el cuarto puesto.
En 1990 conduce en primera noche del Canale 5 Holiday on ice.

Durante el verano de ese año participa en la segunda edición de Una rotonda sul mare, cantando Testrada io y Vivrò.

En 1991 está en "Five Record" con el álbum Come mi vorrei, interpretando con la tradición "soul y rhythm" en blues. Disco de gestación larguísima, con una versión de Pugni chiusi: el cover italiana de Woman in Love de Barbra Streisand qu pasó a Forte più forte.

Durante el verano conduce de lunes a sábado Estate 5.

En enero de 1992 Iva conduce Sabato Ok.

En 1993 conduce Sei meno meno un programa con protagonistas pequeños niños.

En 1995 conduce La grande avventura trasmisión de festejos de 15 años de Canale 5, y de Una sera ci incontrammo

Participa en Viva Napoli, venciendo con Tu ca nun chiagne

En los 1990s se consolida su suceso televisivo, con Ok il prezzo è giusto.

Entre 1996-97 conduce en Rete 4 Iva Show dedicado a historias de gente común e inspirado en la popular trasmisión televisiva americana de Oprah Winfrey. La primera edición salía sábados a las 18.00, la 2ª edición (setiembre 1997 a febrero de 1998) al anochecer.

Se dedica a la política en 1999, candidateándose con Forza Italia, pero no es electa.

Después de haber abandonado Ok il prezzo è giusto, en 2000 Carlo Conti la llama para darle la conducción de Domenica In. El pase a Radiotelevisione Italiana RAI pero no la gratificó y, torna a Rete 4, conduciendo el programa Sembra ieri, por Testarda io y sucesivamente Ed io tra di voi: se trataba de un talk-show con personajes sobre todo del pasado musical, que coincidía en parte con la onda del suceso del análogo programa de Paolo Limiti.

En 2001 publica el single Ho bisogno di te, y un libro, Polenta di castagne, recordando en clave irónica la historia de su familia.

En 2003 Iva torna al Festival de San Remo con Fossi un tango, y publica un nuevo álbum dedicado al tango, con su intención de reproponerla como intérprete, pero no obtiene el suceso esperado: además clasifica en el festival con el último puesto. El CD Fossi un tango con algunos tangos famosos como Caminito y Bésame Mucho, arreglados de manera moderna por Mario Lavezzi, y algunos temas inéditos escritos por Luis Bacalov, Aldo Donati, Loriana Lana, Avion Travel, y un espiritual dueto con Teo Teocoli.

En 2004 Iva realiza con otros artistas una tournée en Sudamérica en colaboración con Radio Italia.

En 2005 conduce en Canale 5 un simpático programa de cocina "Il piattoforte", que iba desde el 8 de enero los sábados y domingos. En marzo es opinóloga del Festival de San Remo conducido por Paolo Bonolis

El 11 de marzo, Iva está en el reality show "Music Farm", conducido por Simona Ventura.

El 9 de julio parte con "Fra di noi": extraordinaria tournée para cantar por toda Italia, después de 15 años.

El 6 de setiembre sale "I prati di Sara", su segundo libro que cuenta la historia de Ilde y de Emma.

El 4 de diciembre va por TV, la ficción "Caterina e le sue figlie" donde Iva interpreta con bravura a la empleada postal Liliana.

En 2006 retorna al Festival de San Remo, pero no como cantante, sino comentarista para "Verissimo".

El 2 de julio presenta a Paolo Manila la 5° edición del "Milano Gospel Festival", que va por "Telepace".

El 21 de julio Iva Zanicchi está en tournée con Shel Shapiro.

En setiembre comienza a girar con Virna Lisi en la ficción "Caterina e le sue figlie 2", donde interpreta nuevamente a Liliana.

El 29 de octubre Iva entra oficialmente en el cast de "Buona domenica" conducida por Paola Perego, donde cada domingo se comenta algunos momentos musicales.

En 2007 se la ve muy copada en "Buona domenica", y allí el 13 de mayo, Iva presenta en anteprima absoluta "Amaro amarti" su nueva canción escrita para ella por Tiziano Ferro que irá en su nuevo álbum.

Además está preparando "Amaro amarti tour 2007", para partir el 4 de julio por toda Italia. Fuente Wikipedia

lunes, 8 de marzo de 2010

Sebastián Piana

Sebastian Piana, Ciriaco Ortiz, Maffia y MarcucciSebastian Piana, Ciriaco Ortiz, Maffia y Marcucci

Partitura de Misa ReaPartitura de Misa Rea


PIANA, Sebastián. Músico. Pianista. Compositor. Arreglador. Director. Maestro de música. Entre los artistas de más extensa trayectoria que haya tenido nuestra música popular, se ha distinguido por la jerarquía y la sostenida inventiva de su obra de compositor de formidable clásicos: bastará la mención de Sobre el pucho, El pescante, Arco iris, Tinta Roja y Milonga Triste, para ubicar inmediatamente su talento, su corazón de hombre de Buenos Aires y el nobilísimo cuño de su inspiración. Figura del Boedo renovador y superador de la estética popular en torno de 1930 compartió con José González Castillo, Pedro Maffia, Hornero Manzi y Cátulo Castillo un movimiento que obligó a todos los autores a la decantación y al refinamiento. Con Manzi, particularmente logró él lo que hasta entonces parecía imposible encontrarle un rumbo diferente a un viejo género: la milonga. Su producción en conjunto, lo pone a la altura de los mayores creadores de nuestra música.
Hijo de un inmigrante piamontés llegado a la Argentina en 1890 a los ocho años de edad. Nació en el barrio de Almagro en la calle Bogado, el 15 de marzo de 1903. Vivió su infancia en Villa Crespo. Su padre también llamado Sebastián, era peluquero y a la vez músico. Amigo de Adolfo Pugliese—-padre de Osvaldo— y de Pedro Maffia, su padre tocaba piano, guitarra y mandolín e integraba los primitivos grupos de tango en los cafés de La Paloma y Tontolín, a los que lo llevó desde muy chico. Comenzó estudiando el violín con su tío Pedro Bertolero—muy buen compositor pero mediocre docente —en 1910. Como no sentía dicho instrumento abandonó durante dos años la música; hasta que se volcó hacia el piano bajo la tutela de Antonio D'Agostino. Se recibió de profesor superior de piano en 1920 cursando estudios de perfeccionamiento con el maestro Ernesto Drangosch hasta la desaparición de éste. Desde 1917 sin embargo, actuó en plena adolescencia como pianista de cines mudos, en varietés y en diversas formaciones orquestales en las que ejecutaba fantasías, óperas, dado que su padre pretendía hacer de él un músico completo.
Compuso a los 17 años de edad sus primeros tangos estimulado por las renovadoras concepciones de Agustín Bardi y de Juan Carlos Cobián: Sabor popular, La tapera y El hombre orquesta. El primero y el último de estos títulos le fueron sugeridos por José González Castillo amigo de su padre, que tendría un importante papel en su vida: por intercesión suya comenzó a trabajar como pianista en el cine Park de la cadena de Glucksmann, sala en la que actuó varios años. Con don José compuso Sobre el pucho en 1922, tango que fue presentado al concurso de obras con letra organizado por los cigarrillos Tango y entre 136 postulantes obtuvo el segundo lugar, tras El ramito, de Filiberto. Fue éste inmediatamente grabado por Gardel, su primer gran éxito personal.
Dio a conocer luego con letra de Ribeiro, Cachito de cielo; y en 1923 colaborando nuevamente con González Castillo y con el hijo de éste, Cátulo Castillo en la música, ofreció Silbando estrenado por Azucena Maizani en la revista Poker de Ases, en el viejo Teatro San Martín. Águila Real (dedicado al aviador Claudio Mejía) fue su siguiente obra uniéndose poco después a Pedro Maffia—que sería su cuñado— en la dirección de una academia de música en la calle Salguero donde comenzó su carrera de docente
Precisamente con Maffia compuso Arco Iris, tango consagrado segundo en los concursos
de Glucksmann y grabado por Francisco Canaro. Escribió luego en 1929, Milonga clásica —tango para orquesta— y con Cátulo Castillo la música para El ciego del violín, versos de Hornero Manzi que estrenó Roberto Fugazot en Patadas y Serenatas en el Barrio de las Latas, y que se titularía definitivamente Viejo ciego. Dentro de su colaboración con Manzi llegó en 1931 otro éxito fundamental: Milonga sentimental, a la que siguieron Milonga del 900, Milonga Triste, Juan Manuel, Milonga de los Fortines, Pena Mulata, Milonga de Puente Alsina, Canción por la Niña Muerta, y los tangos El pescante y De barro. Integró la orquesta de Pedro Maffia esporádicamente cuando la misma tenía dos pianos (el otro era Vicente Demarco) dirigió el acompañamiento de Mercedes Simone hasta formar su orquesta típica Candombe, con la que grabó para RCA Victor. Vinculado a la cinematografía argentina hizo la música para las películas Vidalita, Arrabalera, Derecho Viejo y He Nacido en Buenos Aires, así como para La Boina Blanca, pieza teatral de Goicoechea y Cordone, mientras volvió a resplandecer su repertorio tanguístico con otras páginas de antología: Tinta roja, Juan Tango y No aflojes, y el vals Caserón de Tejas. Profesor del Conservatorio Municipal Manuel de Falla y maestro de canto coral en la enseñanza primaria, dio a conocer también Misa de Gloria (coral a tres voces) y Escenas de Ballet. Además de las composiciones populares ya citadas, le pertenecen, en distintos momentos de su trayectoria, los tangos Recién pudo llorar, Trampa, Una aventura más, Lobo de mar, Campanas de dolor, Estuviste bien, Pirulo, Misa rea, Princesa arrabalera, El misterioso soy yo; Dale, dale, Billetes, y Son cosas del ayer. Fallecio el 17 de julio de 1994 .

Horacio Ferrer.

domingo, 7 de marzo de 2010

David Gilmour

David Gilmour con Amadou y Marian en la Union Chapel LondresDavid Gilmour con Amadou y Marian en la Union Chapel Londres

David GilmourDavid Gilmour


Sir David Gilmour CBE (Cambridge, 6 de marzo de 1946) es un músico inglés conocido por ser el vocalista, guitarrista y compositor principal junto a Roger Waters de la banda inglesa de rock progresivo Pink Floyd tras el abandono de Syd Barrett. Junto con su trabajo en esta banda, Gilmour ha colaborado en otras publicaciones como productor y ha estado envuelto activamente en ONGs a lo largo de su carrera. En el año 2003 fue condecorado con la Orden del Imperio Británico.

Sir David Jon Gilmour nació en Cambridge, Reino Unido, hijo de un zoólogo profesor en la Universidad de Cambridge y de una profesora y editora de cine. Acudió a la escuela Perse en Cambridge, situada al lado del instituto en el que cursaba sus estudios Syd Barrett, de quien se hizo amigo. David y Syd solían juntarse a tocar la guitarra, y David le enseñaba a tocar canciones de los Rolling Stones. En 1963 formó la banda Joker's Wild, con algo de popularidad localmente, que abandonó en 1966 para viajar por España y Francia con unos amigos. La mala situación en la que vivía, llegando incluso a ser tratado en un hospital por malnutrición y tomar empleos casuales como modelo, hizo que regresase a Inglaterra en 1967.

Gilmour entró en Pink Floyd en enero de 1968, convirtiendo a la banda en un quinteto durante un corto periodo de tiempo. En esos momentos, su trabajo consistía en sustituir a Syd Barrett cuando éste no podía continuar con los conciertos. Cuando Barrett dejó el grupo, Gilmour se convirtió en el guitarrista y en uno de los vocalistas (junto con Roger Waters y Richard Wright) del grupo. Después de la publicación de The Dark Side of the Moon y Wish You Were Here, Waters se hizo con el control de la banda, componiendo la mayoría de las canciones de Animals y The Wall. Wright fue despedido durante la grabación de The Wall, y las relaciones entre Waters y Gilmour se deterioraron durante las sesiones de The Final Cut y el rodaje de la película The Wall.

En 1985, Roger Waters anuncia a traves de un comunicado, que abandonaba la banda, y manifestaba que Pink Floyd dejo de ser una fuerza creativa viable, y de esta manera asumiendo que la banda (sin él) habia llegado a su fin. No obstante Gilmour y Nick Mason publicaron un comunicado en el cual anunciaban la salida oficial de Waters y que los dos músicos pensaban continuar sin él. A partir de este anuncio, comenzó una gran batalla legal en torno al uso del nombre de la banda. Gilmour y Mason pensaron en sumar a Wright al regreso de Pink Floyd, lo cual ayudaría en la puja por el uso del nombre. La condición sería que Wright contribuiría en los shows en vivo tocando teclados, pero recibiría la paga de un músico de sesión y su nombre aparecería en los créditos del disco de retorno (A Momentary Lapse of Reason). De esta forma, el trío logra ganar la batalla legal y quedarse con el uso exclusivo del nombre, pero Waters recibiría un canon fijo por show de Pink Floyd en los cuales se hiciera alusión a ideas de Waters, como los cerdos inflables, el helicóptero, el avión incendiado, etc.

Gilmour, de este modo, asumió el control casi total de la banda, y compuso A Momentary Lapse of Reason con algunas contribuciones de Mason y escasas de Wright. De hecho, en los primeros shows de presentación del disco, ni Mason ni Wright tocaron, ya que no se encontraban en condiciones de tocar en vivo por el largo tiempo sin tocar que llevaban. Respecto de esto, Gilmour dijo que la gira de A momentary lapse realmente trajo a sus amigos "de vuelta a la vida" (nótese lo similar de la expresión al tema "Coming back to life" del posterior disco Division Bell).

"Tenía numerosos problemas con la dirección de la banda en el pasado reciente, antes de que Roger se fuese. Yo pensaba que las canciones tenían muchas palabras, porque su significado específico era muy importante, y la música se convertía en un mero vehículo para las letras, no inspiraba. Dark Side of the Moon y Wish You Were Here fueron muy exitosos no sólo por las contribuciones de Roger, sino también porque había un mejor equilibrio entre la música y las letras como lo hay en los álbumes más recientes. Eso es lo que estoy intentando hacer con A Momentary Lapse of Reason, más enfoque en las letras, restaurando el equilibrio".

En 1994, y luego de una de las giras más exitosas comercialmente en la historia de la música, el trío de vuelve a reunir en los estudios para componer y publicar The Division Bell, en el cual tanto Mason como Wright y obviamente el mismo David, tocarían todas sus partes, y Wright colaboraría con el aporte de un tema. La respectiva gira fue capturada en CD y DVD bajo el nombre PULSE,en la cual repasarían gran parte del repertorio de Floyd.

En 1986, Gilmour adquirió la casa flotante Astoria, en el río Támesis y la transformó en un estudio de grabación. La mayor parte de los últimos álbumes de Pink Floyd, así como el disco en solitario de Gilmour, On An Island, fueron grabados allí.

El 2 de julio de 2005, Gilmour tocó con Pink Floyd (incluyendo a Waters) en el Live 8. La actuación incrementó temporalmente en un 1.343% las ventas del disco Echoes: The Best of Pink Floyd. Como resultado, Gilmour donó todos sus beneficios del concierto a organizaciones de caridad y ONG's.

El 3 de febrero de 2006, en una entrevista al diario italiano La Repubblica, anunció que era muy improbable que Pink Floyd se reuniesen para hacer giras y escribir material nuevo. "Creo que lo suficiente es lo suficiente. Tengo 60 años. No tengo la oportunidad de trabajar mucho más. Pink Floyd fue una parte importante de mi vida, me lo pasé maravillosamente, pero se acabó. Para mí es mucho menos complicado trabajar solo".

En diciembre de 2006, Gilmour publicó un tributo a Syd Barrett, que había muerto en julio de aquel año, que consistía en su propia versión del primer single de Pink Floyd, "Arnold Layne". Fue grabado en directo en el Royal Albert Hall de Londres, y contiene además las versiones de algunas de las canciones de Pink Floyd interpretadas por el teclista de la banda, Richard Wright, y por el invitado especial David Bowie. El single entró en el puesto 19 de la lista UK Top 75, y se mantuvo ahí durante tres semanas.

Otros proyectos
Entre sus compromisos con Pink Floyd, David Gilmour ha trabajado también como guitarrista de sesión para importantes músicos de los 80', como productor discográfico o ingeniero de sonido para Syd Barrett, Kate Bush, Grace Jones, Tom Jones, Elton John, B.B. King, Paul McCartney, Sam Brown, Jools Holland, Bob Dylan, Pete Townshend, The Who, Supertramp, Levon Helm, Robbie Robertson, Alan Parsons y varios grupos de caridad, entre otros.

También grabó tres álbumes en solitario, de los cuales David Gilmour (1978) y About Face (1984) llegaron al top 40 en los EE.UU. y consiguieron el disco de oro. Más recientemente, Gilmour publicó su tercer álbum, On An Island (6 de marzo de 2006, el día de su 60º cumpleaños), que debutó en el primer puesto en el Reino Unido,[5] en el quinto en Suecia y Alemania y en el sexto en EE.UU., además de conseguir el disco de platino en Canadá. En este álbum aparecen colaboraciones de artistas como Robert Wyatt, David Crosby, Graham Nash, Phil Manzanera o Richard Wright, entre otros.

Gilmour realizó una gira por Europa, EE.UU. y Canadá para promocionar este disco, que se extendió desde el 10 de marzo hasta el 31 de mayo de 2006, y también entre julio y agosto de ese mismo año. En esta gira se grabó un DVD doble titulado Remember That Night - Live At The Royal Albert Hall, que fue publicado el 17 de septiembre de 2007, que además contiene un documental sobre la gira y apariciones de David Bowie y Robert Wyatt. Gilmour publicó otra actuación en vivo, que tuvo lugar el 26 de agosto de 2006 en Gdansk, Polonia ante más de 100.000 personas. Este trabajo, llamado"live in Gdansk" incluye en sendas ediciones cds del concierto en directo y un dvd con la grabación del mismo.

Aunque Gilmour es básicamente conocido por su trabajo como guitarrista, también es un competente multi-instrumentalista, puesto que toca el bajo, los teclados, la batería, la armónica y el saxofón.

Su estilo de ejecución de la guitarra se puede resumir en dos grandes características: por un lado, lo simple de sus ejecuciones, y por el otro, lo complejo de su equipamiento.

En cuanto a la ejecución en si, Gilmour se caracteriza por lograr muy emotivos solos a partir de escalas simples. En sus solos puede apreciarse el uso casi exclusivo de las escalas pentatónicas con las "Blue's note", en combinación con escalas mayores (ver como ejemplo, "Coming back to life", "Another brick in the wall part II", "Sorrow", etc.). Gilmour también gusta de improvisar sus solos muy a menudo, apartándose de las grabaciones. Gilmour tiene fraseos muy característicos, que además de su singular sonido, lo apartan del resto de los guitarristas. También se caracteriza por la no rapidez de sus solos y por el uso exhaustivo de Bends. Gilmour utiliza mucho el recurso del "Tremolo arm" de su guitarra, lo cual permite darle más vida y color a sus impresionantes "string bendings".

Respecto de su equipamiento, Gilmour utiliza una gran cantidad de efectos de sonido, el cual puede resumirse en una perfecta mezcla de la tecnología clásica con la moderna. Siguiendo los discos de Pink Floyd, la técnica como el set de efectos de Gilmour se va mejorando y en cierta medida, expandiendo. A modo de resumen, puede caracterizarse los distintos set de efectos de Gilmour en 4 grandes períodos:

1) Hasta Dark Side, Gilmour utilizaba un set bastante sencillo, que constaba de un wah-wah Vox, un booster Colorsound, un Dallas Arbiter Fuzz-face y un delay a cinta Binson Echorec, todo ello a través de sus típicos amplificadores Hiwatt DR103 con cabinetes WEM 4X12, de los cuales ya no se despojaría. Aquí incursiona con el famoso pedal "Uni-vibe", típico de la canción "Breathe".

2) Ya en Wish you were here su sonido comienza a complejizarse, con el añadido de los pedales "phasers" de MXR. En el disco Animals este sonido es llevado al extremo con el pedal phase100 de MXR. Aquí hace incursión su gran pedal, de cual utiliza hasta estos días, el Big Muff de Electro-Harmonix.

3) En la gira de Animals terminaría de complejizarse su sonido de fines de los setenta, con el añadido del mencionado Big Muff en reemplazo del Fuzz-face y el también célebre Electric-Mistress de Electro-Harmonix. Gilmour explota al máximo el uso de los compresores como el Dynacomp de MXR. Tampoco se despoja del Booster Colorsound, el cual utilizaría como overdrive también. Este fue el sonido típico de The wall, de The Final Cut y del primer y segundo disco solista de Gilmour.

4) Tras un período de experimentación y renovación, la cual puede apreciarse en el disco A momentary lapse of reason, Gilmour comienza a reeemplazar sus viejos pedales por los modernos pedales Boss, así deja el Colorsound para utilizar el Superoverdrive de Boss, los delays digitales, suma el compresor CS-3 de Boss, cambia los flangers por los Chorus, utiliza el HM-2 de Boss, dándole un uso similar al Big-Muff, el cual conservaría. El set de Gilmour comienza a tomar dimensiones gigantes y su sonido alcanza su máxima calidad en el disco Delicate sound of thunder y PULSE, en gran parte gracias a su ingeniero de sonido Phil Taylor.

Actualmente, Gilmour ha optado por volver a utilizar sus efectos clásicos y dejar de lado el equipamiento tan sofisticado que ha desarrollado hasta fines de los 90's.

Respecto de su gran afinidad por los efectos de pedal, Gilmour ha manifestado ser "un guitarrista limitado técnicamente, por lo cual los efectos ayudaron a darle a su sonido una mayor complejidad".

Al comienzo de su carrera con Pink Floyd, Gilmour tocó con multitud de guitarras de marca Fender, aunque uno de sus solos más populares ("Another Brick in the Wall Part 2") fue grabado con una Gibson Les Paul. Gilmour posee una gran colección de guitarras, la cual incluye una gran variedad de guitarras Grestch, Gibson acústicas, Taylor, Martin, y desde ya una buena cantidad de Stratocaster de Fender, entre ellas la célebre Stratocaster con el número de serie "#0001".

En 1996, Gilmour fue incluido en el Salón de la Fama del Rock and Roll como miembro de Pink Floyd. En agosto de 2006, su solo en "Comfortably Numb" fue votado por los espectadores de la estación de radio Planet Rock como el mejor de la historia.

David Gilmour tiene ocho hijos de dos matrimonios distintos. Sus cuatro primeros hijos los tuvo con su primera mujer, Virginia "Ginger" Hasenbein, (Alice, Clare, Sara y Matthew). Mientras que de su segundo matrimonio posee tres hijos de sangre y uno adoptado: Joe, Gabriel, Romany y Charlie, fruto de la relación de Polly Samson, su segunda mujer, con Heathcote Williams.

David ha trabajado también con varias ONGs, entre las que se encuentran Oxfam, Crisis, la Asociación Europea de Salud y Enfermedad Mental, Greenpeace o Amnistía Internacional.

Además de su talento para la música, Gilmour ha desarrollado también su pasión por la aviación, llegando a fundar su propia compania aérea, Intrepid Aviation, que acabó vendiendo Fuente Wikipedia

sábado, 6 de marzo de 2010

Rolando Pomo

Rolando PomoRolando Pomo


Cantante, musico y compositor, Rolando Pomo nacion en 1955 en el seno de una tipicia familia porteña. Criado en el barrio de Saenz Peña y formado musicalmente en Buenos Aires. En 1978 se radico en Estocolmo, donde viene realizando desde entoces una destacada tarea de difusion de la musica y la cultura Argentina, tanto en el reino de Suecia como en el resto de la peninsula escandinava y los paises Bálticos.
En 1980 funda el el grupo "Tizon" con otro musicos latinoamericanos y a lo largo de 1981 se presenta tambien, en un muy celebrado duo con la cantante sueca Kaya Ahlander.
En 1982 se instala en Mexico integrando el "Grupo Sur". De regreso a Estocolmo en 1983 se suma al grupo " Coiron" y a mediados de 1984 graba y pesenta en Estocolmo, "Pais" su primer disco como solista.
Funda y dirge en 1985 el "Coro Latino Americano" y en 1991 el "Coro intenacional de Rinkeby"
En 1992 particia de la fundacion del grupo vocal "Abril"
Presenta en 1995 en gira con el pianista sueco Has Oe Olsson el espectaculo "Solo Tango"
En 1998 participa de la fundacion del grupo vocal "Octaedro" y en 2002 de la segunda fundacion del "Coro latino Americano"
En el 2003 realiza una exitosa gira con de conciertos tangueros con Rolando Pomo Tango Quintecto.

Grabra con Fernando Marzan Quinteto y en 2004 presenta en Buenos Aires y Estocolmo "Pasional", su segudo disco como solista.
En 2007 Tambien con Fernando Marzan Quinteto, graba y presenta en Buenos Aires, bajo el auspicio del instituto Universatario Naciona de arte(IUNA", Barrio de tango su tercer disco como solista. Fuente web de Rolando Pomo

viernes, 5 de marzo de 2010

Joe Cocker

Joe CockerJoe Cocker

Joe Cocker
Joe Cocker


John Robert Cocker, más conocido como Joe Cocker (n. Sheffield; 20 de mayo de 1944) es un músico de rock y blues inglés.

Joe Cocker inicia su carrera musical en la ciudad de Sheffield (Inglaterra), lugar donde nace, participando en algunas pequeñas bandas desde la edad de 15 años. La primera de ellas se llamaba The Avengers (bajo el nombre artístico de Vance Arnold), seguida de Big Blues en 1963 y The Grease Band (1966). Su primer single, llamado I’ll Cry Instead, fue el primero en contener varios covers de The Beatles.

Después de éxitos menores en Gran Bretaña con el single "Marjorine", tiene su momento de éxito con una versión innovadora de "With a Little Help from My Friends", otra versión de The Beatles del álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, en el cual incorporan al guitarrista principal de Led Zeppelin Jimmy Page, liderando la lista de singles de Gran Bretaña en noviembre de 1968 por una semana.

En 1969, a los 25 años, participó en el Festival de Woodstock, donde interpretó las siguientes canciones:

"Delta Lady"
"Some Things Goin' On"
"Let's Go Get Stoned"
"I Shall Be Released"
"With a Little Help from My Friends"
Cocker logra un segundo éxito en Gran Bretaña con la canción de Leon Russell "Delta Lady". Nuevamente alcanza grandes logros con sus versiones de The Beatles, en especial en 1970 con su versión de "She Came in Through the Bathroom Window" del álbum Abbey Road.

Mientras su éxitos británicos demostraron ser difíciles de mantener, disfrutó varios éxitos en los Estados Unidos con "Cry Me a River" y "Feelin' Alright" de Dave Mason. En 1970 su versión del famoso tema "The Letter" de The Box Tops, que apareció en álbum en vivo Mad Dogs and Englishmen, se convirtió en su primera canción en ser posicionada entre las 10 mejores en Estados Unidos.

En 1969 es invitado al Ed Sullivan Show. En el escenario, muestra una gran intensidad física, agitando sus brazos y tocando una guitarra de aire, dándole ocasionalmente apariencia superflua a su banda.

A principios de los ’70 estuvo involucrado en problemas con abuso de drogas, incluyendo problemas con el alcohol. Pero logró su recuperación para su regreso a escena en las décadas de 1980 y 1990, con éxitos que incluían:

"Up Where We Belong", (Canción ganadora del premio Óscar escrita por Buffy Sainte-Marie e interpretada por Jennifer Warnes para la película An Officer and a Gentleman)
"You Are So Beautiful"
"You Can Leave Your Hat On"
"When The Night Comes"
"N'oubliez Jamais"
" Unchain My Heart"
"Feels Like Forever", de la película The Cutting Edge

Joe Cocker en julio de 2007.Cocker participó de la apertura de Woodstock '94, como uno de los pocos que habían tocado en el festival original en 1969. En el mismo fue muy bien recibido.

Esporádicamente participa en giras.

Se lo conoce a veces como "The Sheffield Soul Shouter" (El alma Gritona de Sheffield)

En el 2007 participó de la película "A través del universo", interpretando la canción "Come Together".Fuente Wikipedia

miércoles, 3 de marzo de 2010

Camaron de la Isla

Camaron de la IslaCamaron de la Isla


José Monge Cruz (San Fernando, 5 de diciembre de 1950 - Badalona, 2 de julio de 1992), conocido artísticamente como Camarón de la Isla, o simplemente Camarón, fue un cantaor flamenco andaluz. Revolucionario del flamenco, está considerado el mejor cantaor de la historia.

José Monge Cruz nació en la localidad de San Fernando, en Cádiz (España), el 5 de diciembre de 1950. Hijo de Juana Cruz Castro y Juan Luis Monge Núñez, fue el penúltimo de ocho hermanos de familia gitana. El apodo por el que es conocido le fue dado por un tío suyo, de nombre José, debido a su delgadez, pelo rubio y piel blanca, que en su opinión le hacían parecer un camarón. Por otro lado, la ciudad de San Fernando se halla ubicada en la Isla de León, por lo que es conocida como la Isla, topónimo que Camarón añadiría a la segunda parte de su apodo para formar su nombre artístico.

De niño estudió en el Colegio de las Carmelitas, sección beneficencia, hasta que dejó la escuela para ayudar a su padre, gran aficionado al cante flamenco, en la fragua donde trabajaba. La casa de los Monge era frecuentada por los grandes cantaores de la época de toda Andalucía a su paso por San Fernando y allí el pequeño José comenzó a escuchar a artistas como Manolo Caracol o Antonio Mairena. Cuando su padre falleció a causa del asma, siendo aún muy joven, la familia pasó por apuros económicos, por lo que desde los siete años de edad Camarón comenzó a cantar en distintas tabernas y en la estación del tranvía de San Fernando. En 1958 comienza a cantar de forma esporádica en la Venta de Vargas de San Fernando. Lo hace por las tardes, ya que debido a su corta edad no se le permite asistir de noche. Allí lo escuchan por primera vez los grandes cantaores de la tierra.

En 1962, con doce años, gana el primer premio del Concurso Flamenco del Festival de Montilla (Córdoba). Empieza a extenderse su fama y se inicia como profesional en el mundo del cante en compañía de su mejor amigo de entonces, el cantaor Rancapino. Juntos frecuentan las ferias más importantes de Andalucía, demostrando su arte en las casetas en las que actúan. A partir de entonces canta junto a Dolores Vargas y la Singla, entre otros, y hace varias giras por Europa y América enrolado en la compañía de Juanito Valderrama. En 1966 gana el primer premio en el Festival del Cante Jondo de Mairena del Alcor y posteriormente se traslada a Madrid con Miguel de los Santos.

En 1968 Camarón llega a ser fijo en el tablao de Torres Bermejas de Madrid, donde permanecería durante doce años acompañado a la guitarra por Paco Cepero. Su nombre comienza a ser cada vez más conocido y participa en la película Casa Flora, protagonizada por Lola Flores. En Torres Bermejas conoce al guitarrista Paco de Lucía, con el que grabaría nueve discos entre 1969 y 1977, dirigido por el padre del tocaor, Antonio Sánchez Pecino, en los que también colabora el hermano de Paco, Ramón de Algeciras. Durante esos años se produce su evolución como cantaor, pasando de un estilo ortodoxo a otro más personal. Su primer disco, El Camarón de la Isla con la colaboración especial de Paco de Lucía, título que Sánchez Pecino repetiría durante los siguientes álbumes para preservar la carrera de su hijo como solista, supuso el principio de una revolución musical, y los tangos extremeños Detrás del tuyo se va incluidos en este disco fueron el primer éxito del dúo.

En 1976 contrae matrimonio con Dolores Montoya, La Chispa, con la que tendría cuatro hijos. La boda se celebró en la localidad de La Línea de la Concepción, apadrinado por su hermano Manuel y la bailaora Manuela Carrasco. En 1979, bajo el nombre de Camarón, sin la referencia a su ciudad natal, publica La leyenda del tiempo, disco que supone una auténtica revolución en el mundo del flamenco al incluir sonoridades propias del mundo del jazz y el rock. En él hay varias adaptaciones de poemas de Federico García Lorca con música de Alameda, que fueron coproductores del álbum, además de Ricardo Pachón, Kiko Veneno y los hermanos Rafael y Raimundo Amador. A partir de este momento comienza su colaboración con el guitarrista Tomatito y se desvincula por un tiempo de Paco de Lucía.

En 1986 es condenado a un año de prisión menor por un delito de imprudencia temeraria con resultado de muerte tras un accidente de circulación en el que fallecieron dos personas. El cantaor no ingresó en prisión por carecer de antecedentes penales. En mayo de 1987 actúa tres días seguidos en el Cirque d'Hiver de París con un éxito absoluto.

En 1989 graba Soy gitano, el disco más vendido de la historia del flamenco, en el que colabora el guitarrista Vicente Amigo. De 1992 data el último disco publicado en vida de Camarón, Potro de rabia y miel, que contó con las guitarras de Paco de Lucía y Tomatito. La grabación de este disco tuvo que ser interrumpida debido al diagnóstico de un cáncer de pulmón, ocasionado por su grave adicción al tabaco, que, junto al consumo de drogas, acabaría con su vida unos meses después, tras viajar infructuosamente a Estados Unidos en busca de una posible cura.

El 2 de julio de ese mismo año falleció en Badalona (Barcelona) a la edad de 41 años. Fue enterrado en su localidad natal de San Fernando. Su féretro fue envuelto con la bandera gitana.

Su vida fue llevada al cine en 2005 por el director Jaime Chávarri en la película Camarón, protagonizada por el actor Óscar Jaenada y la actriz Verónica Sánchez.
Fuente Wikipedia

martes, 2 de marzo de 2010

Trio Esquina (César Stroscio (bandoneón), Pino Henríquez (guitarra eléctrica), Hubert Tissier (bajo)

Trio Esquina (César Stroscio (bandoneón), Pino Henríquez (guitarra eléctrica), Hubert Tissier (bajo) Trio Esquina (César Stroscio (bandoneón), Pino Henríquez (guitarra eléctrica), Hubert Tissier (bajo)

César StroscioCésar Stroscio

Hubert TissierHubert Tissier

Pino HenríquezPino Henríquez

Leonardo SanchezLeonardo Sanchez quien desde 2004 alterna con Pino Henriquez


César Stroscio apareció en la escena tanguera cuando surgió en los años 70 el grupo del Tata Cedrón, del que fue uno de los fundadores. Allí –en una época en la que todos los bandoneonistas jóvenes mostraban en su estilo interpretativo claras influencias de Astor Piazzolla- su toque introspectivo, lírico y cargado de melancolía lo hacían aparecer –al menos para los relativamente conocedores- como un (único) continuador de la forma de tocar el bandoneón del por ese entonces casi ignorado Eduardo Rovira. Radicado en Francia desde 1975, en una gira del grupo del Tata decidió quedarse allí y no volver al país, dadas las persecuciones políticas existentes hacia artistas considerados de izquierda. Allí se dedicó a la enseñanza, grabando recién en 1988 un disco con el poeta Juan Gelman, en el que se intercalaban solos de bandoneón de tangos clásicos con poemas recitados. En 1992 formó junto al guitarrista Pino Henríquez y el contrabajista Carlos Carlsen (también ex integrante del Cuarteto de Cedrón), a los que se agregaba la cantante Susana Rizzi, el Trío Esquina, grabando su primer disco con esa formación. Su disco siguiente, ahora reeditado aquí, fue en 1995 Azul y vos, con el francès Hubert Tissier en el bajo en reemplazo de Carlsen y ya sin la cantante. Hay que decir que la referencia anterior a Rovira no es casual ya que el grupo adoptó su nombre de un tema de Rodolfo Alchourron arreglado por el bandoneonista y el tema que da el título al disco está dedicado a él. Por si esto fuera poco, de las primeras cuatro composiciones del disco, tres pertenecen a Rovira y la otra, 5 de abril, está también arreglada por él. Los temas del gran autor y bandoneonista son ofrecidos en interpretaciones notables, así A Evaristo Carriego está presentado en una interpretación profundamente emotiva, con un gran solo de bandoneón, Sónico revela las virtudes contrapuntísticas de Rovira y Que lo paren, tal vez la última composición importante conocida del autor, está expuesto en una extensa versión de más de 8 minutos de duración en la que Stroscio ofrece su solo más febril y extravertido. De las restantes obras hay que destacar la introspectiva interpretación de Buenos Aires, hora cero, de Piazzolla y la de la vibrante milonga de Anselmo Aieta Corralera, que cierra la placa. Cabe resaltar también la perfecta amalgama de Stroscio con Henríquez y Tissier en un disco más que recomendable.
El siguiente disco del trío, Tangos para el Corto Maltés aparentemente surgió de una idea aparecida en una noche etílica, que llevó a un encuentro con el notable historietista Hugo Pratt en el que se pergeñaron algunos temas inspirados en el comic y otros basados en sus gustos (reales o imaginados). La muerte de Pratt en 1998 dejó en alguna medida trunco el proyecto pero el disco salió finalmente en 2001 y ahora es también reeditado aquí. Los dos primeros temas, inspirados en los personajes del comic son el conmovedor Corto y Louise, con un magnífico solo de Stroscio y La senegalesa, que mezcla ritmos de la milonga y el candombe. Hay dos temas de Piazzolla, el conocido Decarísimo y el mucho menos transitado y notable El penúltimo, que parece gustaba mucho a Pratt. El resto son clásicos que –o bien eran del gusto del escritor o los integrantes del trío así lo suponían- y así nos podemos encontrar con excelentes versiones de Maipo y La cachila, de Eduardo Arolas, Ojos negros, de Vicente Greco y Mi refugio, de Juan Carlos Cobián entre otros, en los que el trío da sobradas muestras de su afiatamiento y permite grandes solos de Stroscio, sobre todo, pero también de Pino Enríquez, con la sólida base rítmica que proporciona Hubert Tissier. Otro disco excelente que, lamentablemente, es por ahora el último del trío que –cabe señalar- también ha hecho varias presentaciones aquí en vivo, en este caso con Ricardo Capria reemplazando a Tissier en el bajo. Jorge García. Fuente El amante.com

lunes, 1 de marzo de 2010

Amalia Rodriguez

Amalia RodriguezAmalia Rodriguez

Amalia Rodriguez en el Carnegie HallAmalia Rodriguez en el Carnegie Hall


Amália Rodrigues, cuyo nombre completo era Amália da Piedade Rebordão Rodrigues (Lisboa, 23 de julio de 1920 (según la partida de nacimiento) – Lisboa, 6 de octubre de 1999) fue la más importante de las cantantes de fado de Portugal del siglo XX. Es conocida como "La Reina del Fado" siendo la figura más conocida e influyente fuera de las fronteras de Portugal a través de sus múltiples actuaciones internacionales, incluyendo TV y películas.

Si bien ella siempre afirmó que había nacido el 1 de julio, se ha fijado su nacimiento oficialmente el 23 del mismo mes en el seno de una familia humilde con diez hijos que residía en el barrio lisboeta de Beira Baixa. Ya desde niña era conocida en su entorno por sus aptitudes para la canción. Después de unos años en diferentes trabajos, debutó en el año 1939 en el Retiro da Severa, un local muy conocido por los amantes de la música popular. Un año después contrajo matrimonio con el guitarrista Francisco da Cruz. Su primera actuación fuera de Portugal fue en Madrid, en el año 1943, cuando conoció, entre otras personalidades de la época, a Imperio Argentina -junto a la que llegó a actuar en algunas ocasiones- y a Manolete. Sus primeras grabaciones -de un total estimado de 170- datan de 1945 y fueron realizadas en Brasil. Recibió reconocimiento internacional a partir de ese momento y llegó a actuar en escenarios de renombre en Nueva York, París y Moscú.

Tras la caída de la dictadura de Oliveira Salazar, hubo quien acusó a la artista de haber colaborado con el régimen, en concreto con la policía secreta. En 1990 se retiró y, a partir de ese momento se dedicó a escribir poemas y sólo realizó contadas actuaciones hasta la fecha de su muerte, en 1999. Entonces se supo que había colaborado económicamente con el Partido Comunista Portugués durante la clandestinidad.

Amalía Rodrigues falleció el 6 de octubre de 1999 en su casa lisboeta y fue enterrada en el Cementerio de Prazeres, después de un funeral de estado multitudinario realizado en la Basílica da Estrela. Un año después de su fallecimiento la Asamblea de la República de Portugal decide honrar su memoria con el traslado de sus restos al Panteón Nacional, situado en la Iglesia de Santa Engrácia, la ceremonia se lleva a cabo el 9 de julio de 2001, desde entonces reposa en la sala de los escritores ilustres.La casa en la que vivía Amália, en la Rua São Bento número 193, situada junto a la Asamblea de la República Portuguesa, se abre como Casa Museo de Amália Rodrigues en el mes de agosto de 2001 para preservar su legado artístico y su figura.Fuente Wikipedia