Puerto Palabras blog de Marta Pizzo

Con letra de Marta Pizzo y musica del maestro Emilio de la Peña el tema "Cada espera es un adios" logro el primer premio SADAIC "Por una Argentina que cante"2007, en el genero Tango

Haz clik sobre la imagen, estaras dentro del blog de Marta donde podras leer la letra y escuchar el tema

Felicitaciones de "El tango y sus invitados" para Marta y el Maestro Emilio de la Peña!!!!!

Fausto Papetti

Fausto Papetti

Fausto Papetti.(Traducion automatica) Su carrera comenzó en 1957 cuando, después de haber sido parte de algunas orquestas de jazz, comenzó a tocar con el grupo que yo Campeones en la que acompaña el disco y en concierto Tony Dallara.
Al abandonar el grupo en 1959,firma de un contrato para la Durium período de sesiones como un hombre, tocando lo tan difícil para los artistas a grabar. Un día, sin embargo, el director de la gran orquesta no se desea grabar el lado B de un 45 vueltas debido a la pieza elegida, era una violenta película de verano con el mismo nombre y no llega a un acuerdo satisfactorio.
El productor, deseosos de terminar, decidió entonces hacer sin dell'orchestra convocar de inmediato y la sección rítmica de la formación consta de cuatro partes: bajo, batería, guitarra y saxo. El joven saxofonista a la que encomienda la canción de la película es, de hecho, Fausto Papetti que durante los ensayos, el desarrollo repentino de una personal melodía, el ritmo destaca la sección con la intuición perfecta.
Después de la prueba Papetti afirma estar listo para iniciar el registro, pero ya se ha hecho, sin los cuatro varones, durante el juicio propiamente dicho.
45 rondas de "violentos de Verano" se publicó en 1960 bajo el nombre de Fausto Papetti Sax y ritmos, y tiene un éxito de venta superior a la de la banda sonora original de la película, y convencer a los Durium afectar a él en el mismo año , Su primer álbum, simplemente titulado "Colección". Esta es una colección de canciones famosas de la época (como el tema musical de la película La dulce vida escrita por Nino Rota o el escándalo en el sol, para no mencionar Pero su primer amor, el jazz, con la mejilla a mejilla), organizado versión instrumental. A partir de esto, todos los registros tendrán el mismo título, cambiando sólo los números.
Entre los músicos que lo acompañaba era el famoso baterista Pupo De Luca en los años siguientes que jugar con Adriano Celentano y Enzo Jannacci luego dedicarse al cine como un actor).
Papetti se hizo muy famoso por todos los the'60s and'70s, y todos su nuevo álbum llega a la cima de ventas, también está impreso en el mercado latinoamericano.
Durante el período de mayor esplendor, the'70s, Papetti también produce dos colecciones al año, el más vendido es el 20 que vinieron en primer lugar en 1975.
Estos discos también se caracterizan por las tapas que apareció, sobre todo en the'70s, las niñas plantean discinte en ammiccanti.
Convertirse en un verdadero padre de un género, y, en la década de los 70 son sus muchos imitadores, como Johnny Sax o Piergiorgio Farina.
Para ser recogidos a continuación, ha añadido algunas álbum un tema como la antigua América, Evergreen, Francia Bonjour, Made in Italy, los ritmos de América Latina, Cinema'60s, Cinema década del 70.
En 1985, después de 25 años, ha abandonado el Durium para ir a la CBS, a partir de 1988 adquirida por Sony Music, desde 1989 las cuentas del Fonit CETRA.
Fausto Papetti ha fallecido en 1999 y está enterrado a Ospedaletti, donde vivió durante oltri veinticinco años.Traduccion automatica

Zully Goldfarb

Zully Goldfarb en la Transtienda

Zully Goldfarb en el Coliseo
Zully Goldfarb

Zully Goldfarb nació en Buenos Aires, en el Barrio de La Paternal, el 27 de abril de 1948.
A los 12 años comenzó a estudiar piano, tomando clases con profesores particulares durante 10 años, alternado estos con sus estudios.

Luego de haberse dedicado durante muchos años a dibujo, pintura y restauración de antigüedades (Participó en la restauración de dos capillas en la Catedral de Buenos Aires), decide en1997, emprender una nueva carrera, la de cantante profesional. Tras un primer intento discográfico en 1999 (el CD Mano a mano con el tango, rechazado mas adelante por ella misma), saca los extremadamente logrados Aromatango (2000) y sobre todo Tango y luz (2003), el cual contiene dos "estandartes" de la canción en idioma idish, "Friling" y "Papirosn", devueltos al género tanguero al que pertenecían originalmente.

Siempre tuvo pasión por la música, ya que a pesar de no pertenecer a una familia de músicos, su casa estaba siempre colmada de música, ya sean boleros, milongas, tangos, o canciones en idish, y de esta manera la música quedo muy grabada en ella desde muy pequeña.

Como anécdota, Zully recuerda que repasaba sus lecciones del colegio subida a una silla, tomando una escoba en sus manos a modo de micrófono, sin saber que luego de tantos años se convertiría la sillita en escenario y esa escoba en un micrófono real.

Pasaron los años y cantaba con amigos, familiares, le cantaba a su novio quien hoy es su marido, luego a sus hijos, siempre sin saber que su destino sería el canto profesional,
Sus primeras actuaciones fueron en instituciones y a beneficio, acompañada por una guitarra o con piano.

Siempre tuvo un talento especial y cuando logro desenvolverse delante del público y pudo transmitirles esa gran energía que salía dentro de ella al cantar, descubrió que la música era lo que quería, y así fue que graba su primer CD, el cual se tituló Mano a mano con el tango, el cual se edito en 1999. En este disco participaron Osvaldo Burucuá en guitarra y direccion, Fabián Adell en piano, Gustavo Paglia en bandoneón.

Luego de presentar este disco ante el publico, comenzó el trabajo de crecer y perfeccionarse cada vez mas, así que comienza a buscar nuevos músicos, nuevos profesores de canto, y un nuevo equipo de trabajo.

Luego de varios tropiezos nació Aromatango..(director musical-Norberto Vogel). Ya los músicos encajaban mejor con el tango que ella quería hacer y la elección del estudio de grabación fue más meticulosa.

Habiendo ya grabado Mano a Mano, estaba un poco más preparada, además a esta altura ya hacía presentaciones en vivo mucho más seguido y acompañada por los mismos músicos, lo cual le dio mucha más seguridad.

En su ultimo disco “Tango y Luz”,(dirección musical-Oscar De Elia) realizo una versión de «Je te dirai», uno de los temas grabados por Gardel en septiembre 1931 con la orquesta de Kalikian Gregor, para lo cual trabajo muchísimo y se perfecciono con el francés tomando clases, en las que estudio toda la letra y el significado de cada una de las palabras, para así poder darle el sentido correspondiente a su interpretación.

En agosto 2003 viajo a Costa Rica, donde realizo una serie de presentaciones en el Teatro Melico Salazar. Se translado con todo su equipo, músicos, bailarines y director musical.

Enero 2004, actuación en Uruguay, Hotel Conrad, donde reune a un publico de mas de 1000 personas que aclaman su espectáculo y le dan a Zully su merecido reconocimiento.

En estos momentos (2005) Zully esta abocada a la promoción de su ultimo disco “Tango y Luz”, así como también trabajando con los ensayos para sus próximos shows en Noviembre y Diciembre en el Club del Vino junto a músicos de renombre, en piano Pablo Saclis, (director musical), bandoneon, Omar Massa, contrabajo, Gerardo Scaglione, con quienes prepara su proximo Cd de tangos.

Durante este año Zully retoma nuevamente sus estudios de piano junto a su maestro y director musical Pablo Saclis quien la alienta en sus estudios con el fin de acompañarse en escena mientras canta, lo cual se hara realidad a su momento cuando Zully considere que puede ofrecerlo a su publico con respeto y excelencia.

Al mismo tiempo, presenta su cd en idish “Zully canta en idish”,(canciones tradicionales-director musical Cesar Lerner)), en las mejores disquerias de Bs.As., donde el publico de la colectividad judia tendra la oportunidad de escuchar a una de las pocas cantantes argentinas de origen judio que canta en Bs.As. en dicho idioma y lo introduce en la comunidad para poder revivir en ellos un idioma hablado por sus abuelos que esta en peligro de extinguirse debido a su poco uso. Con esto, Zully pretende hacer regresar, a quienes todavía les resuenan algunas de las canciones, a tiempos pasados vividos junto a seres queridos de quienes escuchaban el idish, y de esa manera, unirlos al idioma, y, quien sabe….retornarlos a el.

Algo que la hace especial a Zully, son los tangos que ella interpreta en idish que hacen de unión entre los tangos rioplatenses y la musica tradicional judia, con referencia a estos “tangos en idish”, es necesario aclarar que la música fue escrita a principios del siglo pasado en tiempo de tango, siendo influenciados sus autores por el ritmo que llegaba de Buenos Aires. Después de muchos años de ser cantado en Europa, ese “tango” se convirtió en algo melódico, ya que posiblemente el ritmo tanguero no les era familiar, por lo que Zully, explica su origen y los canta en su ritmo original agregándole el instrumento tipico del tango en Argentina: el bandoneon, instrumento que lo lleva firmemente al ritmo tanguero y asi lo entrega a su publico explicando el origen del mismo. Actualmente Zully hace una investigación de todos los tangos en idish que puedan existir con los que estara grabando su proximo cd de “tangos en idish”. La conjunción de todo el material que Zully interpreta esta plasmado en el espectáculo “Raices” donde muestra tangos rioplatenses (de Argentina), tangos en idish y musica tradicional judia acompañada por 15 personas en escena que incluye músicos y bailarines contemporáneos que la acompañan en los tres tipos de musica que presenta. Este espectáculo fue presentado con gran éxito en tres conocidos Teatros de Bs.As., el Teatro Coliseo, Teatro Cervantes y Teatro San Martín.

En la pagina web de Zully (www.zully.com.ar) constantemente actualizada, encontraremos un reflejo de lo que ella transito como cantante durante todos estos años, lo cual nos dara una idea del trabajos realizado con el esfuerzo de quien comienza una carrera inesperada a una edad en la que nunca se imagino que emprenderia dicho camino, pero con la convicción de quien hace lo que realmente le gusta y quiere entregar al publico lo mejor de ella.Fuente y fotos Web de Zully Goldfarb

Raúl Garello

Raul Garello en Caño 14 en 1979
Raul Garello en la Legislatura Porteña

Raul Garello en el Luna Park

Raul Garello en el Alvear

Raúl Garello con Cátulo Castillo y Horacio Ferrer en 1974

Raul Garello


Raúl Garello, a la derecha, cuando integraba la orquesta de Anibal Troilo.

GARELLO, Raúl Miguel. Músico. Director. Bandoneonista. Arreglador. Compositor.
1.Personalidad. El más trascendente de los arregladores surgidos y consolidados en los años recientes, en una orientación abierta fuera de la absorbente inventiva de Astor Piazzolla. Artista de formación musical escolástica y de pausada y firme evolución personal. Tanguísticamente educado junto a Aníbal Troilo —como orquestador, bandoneón y admirador de éste— reanuda en su estilo de escritura —y también de dirección— raíces que se nutren en toda la hondura y la belleza creadas por Argentino Galván y por Alfredo Gobbi, hasta decantarlas en una "manera" propia, de proyecciones todavía insospechadas. En su sensibilidad se amalgaman, sin sometimiento ni al pasado ni a los grandes modelos de la música contemporánea, giros rítmicos, melódicos y armónicos del universo pampeano, con otros en los que se advierte su insobornable ubicación de creador de nuestro tiempo. Ha logrado, además, hacer prevalecer sus convicciones y su música por igual, y con ejemplar modestia, en sus trabajos de acompañamiento de cantables, como en los de carácter absolutamente instrumental, afirmándose, a la par, y gradualmente, como bandoneón solista fino, decidor y temperamental, y como compositor de temas hermosos.
2. Vida. Nació en Chacabuco, provincia de Buenos Aires, el 3 de enero de 1936. "En una carpintería de mi pago —recuerda—escuché a un chico tocar el bandoneón y quedé como hechizado". Así, desde 1947, estudió su instrumento con Salvador Criscuolo, con el cual aprendió también teoría, solfeo y tonalidades. Con el quinteto de su maestro (violín, guitarra, flauta, acordeón y bandoneón), hizo su debut en público, tocando en bailes de campo. Desde 1949 hasta 1953, integró —ya en locales céntricos de su ciudad natal— la orquesta de Héctor Marsiletti. En ésta llegó a primer bandoneón, y estrenó su primer tango —Pa que vayan sabiendo— un instrumental que aportó, también, su primer arreglo. Estimulado por su hermano Rubén, se vino a Buenos Aires, con el fin de continuar sus estudios de abogacía. El violinista Nerón Bacario lo vinculó entonces a la orquesta estable de Radio Belgrano, en la que él tocaba, donde conoció a Leopoldo Federico y tomó el lugar de éste en el cuarteto de Roberto Firpo (h) —luego de la aprobación de Firpo padre—, debutando con el primero en la ciudad de Paysandú (R. O. del Uruguay). Actuó con dicho cuarteto durante un año, realizando, luego, trabajos diversos, incluida una gira por Brasil, para cumplir luego su conscripción. Desde 1953 hasta 1957 estudió armonía con Pedro Rubione, y en mayo de 1958 se incorporó al sexteto de Mario Brugni para acompañar al cantor solista Horacio Quintana en la Richmond de Esmeralda. En 1960 volvió a tocar en Brasil, con Jorge Alonso esta vez, y tras de secundar a Carlos Dante, comenzó —en 1962— a grabar con Roberto Pansera, uniendo asimismo su bandoneón a los de Alfredo de Franco y Osvaldo Piro para acompañar a Alberto Morán, junto al cual, al siguiente año, se desempeñó, por primera vez, como director. Poco después —ocupando el lugar de Alberto R. García, "Pajarito"— ingresó a la agrupación de Aníbal Troilo, con Rufino y Goyeneche como voces, participando de la grabación del primer larga duración "For Export" de Pichuco para RCA Víctor, y en el espectáculo Tango en el Odeón. Simultáneamente, colaboró con Horacio Salgán, en televisión y discos, sin dejar su plaza de ejecutante —junto a Matío, Marino y Baffa— en las filas de Aníbal Troilo, a quien secundó hasta el final. Paralelamente a su carrera de ejecutante, perfeccionó sus conocimientos: en 1958, Alicia Marsiletti lo llevó al Collegium Musicum. donde Erwin Leuschter le sugirió estudiar
con Juan Schultis (maestro, conocido como "el alemán de Castelar", y que, previamente, también le había recomendado Pascual Mamonne). Con él cursó escuela coral, canto gregoriano, armonía, composición, fuga y contrapunto desde 1958 hasta 1968, fun-damentos que le permitieron concebir los arreglos iniciales de su gran etapa: sobre La guiñada de Agustín Bardi —el primero, para la orquesta Baffa-Berlingieri, 1966— y sobre Los mareados de Cobián (para el maestro Troilo, 1967). En 1968 realizó su primer L.P. completo, arreglando y dirigiendo el acompañamiento de Julia Sandoval, al que siguieron en 1969 y 1970, otros dos desempeños similares con Roberto Rufino y con Eladia Blázquez, y en 1970 y 1971 con Rubén Juárez, más su labor de orquestador absoluto de Pichuco: entre otros, los de los tangos Pico blanco, El baqueano, La racha, Mañanitas de Montmartre, Naipe marcao, Piropos, Mi refugio, Entre sueños, Pa que bailen los muchachos, Che Buenos Aires y Bandola triste. En 1972 viajó a México, donde radicado por seis meses, tocó en Pipo's, junto a Héctor Console (bajo), Sebastián Britos (piano) y Luis Ordóñez (canto). Al regreso, se reincorporó a la orquesta de Aní-bal Troilo, y escribió numerosos arreglos para Leopoldo Federico y Osvaldo Berlingieri(orquestas numerosas de éstos, en disco Music-Hall). Y en 1974, cuando Carlitos García viajó a Japón, tomó su lugar en las veladas de El Viejo Almacén de San Telmo, con la primera formación instrumental propia: él y Abelardo Alfonsín (bandoneones), Reynaldo Nichele y Nito Farace (violines), Eugenio Pro (bajo) y Osvaldo Tarantino—también Ulises Goñi— (piano). En agosto de 1974 se unió a María Cristina Laurenz, Roberto Grela y Horacio Ferrer en La Trova Porteña, debutando en el café concert El Gallo Cojo de la calle Defensa, en una temporada que se extendió hasta marzo de 1975 con la fábula Zapadas y Chamuyos, dirigidos por Jorge Petraglia y con la colaboración de Domingo Laine en guitarrón. Volvió, luego, ese mismo año, a integrar la orquesta de Troilo, en la postrera temporada del maestro en el Teatro Odeón, siendo luego llamado por Rubén Juárez como director y arreglador de todas sus actuaciones; en Buenos Aires y Montevideo, en el 75; en 1976 en Chile y en Caracas, y a fines de año en el Astral de la calle Corrientes, donde presentó su primera gran orquesta propia, que llegó al disco Odeón en 1977 para un larga duración exclusivamente instrumental al frente de una formación de veintisiete ejecutantes: Ahumada, Federico, Matío, Suárez Paz, Baralis, Nichele, Pérez Echeverría, Console, Besprobán, Colángelo, Corríale, entre otras muy destacadas figuras de la música de Buenos Aires, con inclusión de percusión, instrumentinos y voz de coro por María Angélica Fanelli. El mismo año, acompañando a Juárez y ofreciendo solos con su agrupación, actuó en el Teatro Estrellas, a la par de conducir y escribir los marcos musicales para discos de Rufino, Rosanna Falasca, Floreal Ruiz, Goyeneche y Juárez. A su obra de compositor pertenecen, entre otros, los tangos instrumentales Che, Buenos Aires, Muñeca de marzo, Margarita de agosto, Verde nuevo, Bandola zurdo (con Leopoldo Federico), A Ernesto Sábato (con Federico y Grela), y los cantables Dice una guitarra, Trasnoche de ilusión, Llevo tu misterio, Hoy estás aquí, Buenos Aires conoce, Antes que llegue el día, Con las pocas palabras (todos con Rubén Garello); Hace 200 tangos (con Federico Silva); y Tristería, Misterio de la Porteña, Canción de adentro, Celedonio Becquer, más la habanera Danzón de la Chiflada, el vals Serenata a mi Guitarra y la milonga Lunonga (todos con música en colaboración con Roberto Grela y versos de Horacio Ferrer, pertenecientes al repertorio de La Trova Porteña). 
Por Horacio Ferrer

Semblanza II

El maestro Michel Plassón, Director de la Orquesta Nacional del Capitolio de Toulouse (Francia), ha dicho:
“De Raúl Garello sólo es posible esperar buena música”

Desde 1963 hasta 1975 participa en la Orquesta de Aníbal Troilo como bandoneonísta y arreglador.

Desde 1980 es Director fundador de la Orquesta del Tango de Buenos Aires.

En 1989 se presenta en el Primer Festival de Tango en Granada (España).

En 1990 actúa junto a Gary Burton en Buenos Aires.

Junto a Horacio Ferrer crean el espectáculo “Viva el Tango” el cual representan en Montevideo (Uruguay), Ámsterdam (Holanda) y en Ankara y Estambul (Turquía).

También graban el CD “Tangos en homenaje a Woody Allen”.

En 1991 actúa con su Orquesta en el Festival Latino, en Nagoya (Japón).

En 1992 graba en Toulouse (Francia) con la Orquesta National del Capitolio dirigida por Michel Plasson el CD “Gardel-Tangos” participando como arreglador y bandoneonísta.


En enero de 1996 actúa con la Filarmónica de Dresden (Alemania).

El 1º de enero de 1997 se realiza el “Concierto de Año Nuevo” en Toulouse (Francia).
En esa oportunidad asume la dirección de la Orquesta reemplazando a su Director titular Michel Plassón. Ha sido premiado por la Fundación Kónex en 1985 y 2005 y por SADAIC en 1989 y 1997 recibiendo el “Gran Premio SADAIC de composición”.

Como compositor se destaca entre sus obras: “La Danza del Fueye” interpretada por el célebre bailarín Jorge Donn, con coreografía de Maurice Bèjart, esta misma obra recibió en el año 2001 el Premio Nacional de Música.

En 1999 viaja a Francia en dos oportunidades (Mayo y Julio). Actúa en Reims, Laon, Nantes, en el Teatro Municipal de Beauvais y también en St-Etienne, donde presenta sus nuevas obras para Bandoneón y ensamble de Violoncelos.

En 2000 escribe su concierto para Bandoneón y Orquesta “Tango Lungo”.

En mayo de 2001 viaja a París (Francia) y actúa en la Sala Jean Vilar del Teatro Nacional du Chaillot.

En enero de 2002, escribe “Arlequín Porteño”, fantasía para Violín y Orquesta en tres movimientos.

En 2003 es declarado “Ciudadano Ilustre de la ciudad de Buenos Aires” y en Diciembre de ese mismo año recibe el premio a la “Trayectoria Artística del Fondo Nacional de las Artes”.

En el 2004 graba junto a Horacio Ferrer el CD “Diálogos de Poeta y Bandoneón”.

En junio ´04 se presenta en Génova 04, Italia, en el Palazzo Ducale.

En Septiembre dirige la Orquesta Alemana “Sabor a Tango” en Berlín (Alemania).

En Mayo de 2006 actúa en el Teatro Nacional Du Chaillot de Paris. En septiembre en el Auditorio Parco Della Música de Roma y sale a la venta el DVD “Diálogos de Poeta y Bandoneón”.

En septiembre del mismo año graba el CD junto a Anna Saeki “Concierto de Anna”

En Febrero de 2007 termina de escribir junto a Horacio Ferrer la ópera “El rey del tango, en el reino de los sueños”. Fuente web de Raul Garello

Carol Sloane

Carol Sloane en 1953

Carol Sloane en 1971

Carol Sloane en 1975

Carol Sloane en 1988

Carol Sloane: Hija de Claudia y Frank Morvan, nacio el 5 de marzo de 1937, en Providence, Rhode Island, pero ella nunca vivió en esa ciudad. En cambio, pasó su infancia feliz en la pequeña ciudad de Smithfield, sólo unas pocas millas al

norte de la ciudad. Sus padres trabajaban de manera constante a través de los años de la Segunda Guerra Mundial en la fábrica textil cerca de su casa.

Carol fue la afortunada miembro de una gran familia de primos, tías y tíos que todos naturalmente poseian voz para canto. Sólo un tío nunca recibió educación musical formal, y que desempeñó el saxo tenor. En 1951, su tío Joe organizó una audición para su sociedad con un grupo de baile dirigido por Ed Drew, y ella empezó a cantar la población arreglos de éxitos de la popular el día miércoles y cada sábado por la noche en la Rhodes-on-the-Pawtuxet Ballroom, que se encuentra en Cranston, Rhode Island.

En 1955, Carol se casó con un Providence disc jockey llamado Charlie Jefferds, y casi de inmediato, la pareja se encontraron en Fort Carson, Colorado, donde Charlie habia sufrido los rigores del entrenamiento básico seguido por un año obligatorio de servicio en Alemania. Regresaron a los EE.UU. en enero de 1958, y se divorció amigablemente en ese año.

Carol siguió a cantar en pequeños bares y clubes hasta que se reunió con el director de la carretera de la Les y Larry Elgart Orchestra, que fue recorriendo el parque de diversiones, salones de baile en el sur del área de Nueva Inglaterra. Ella la audición de Larry Elgart, que entonces le preguntó a venir a Nueva York con su banda. Los hermanos recientemente ha dividido la organización, Les teniendo en el territorio al oeste de Chicago, Larry para manejar todo este de Chicago. Larry Elgart sugirió que cambiar su nombre por el de Carol Sloane.

La "hoja de años" con la banda de Larry Elgart continuó hasta 1960, cuando la carretera se convirtió simplemente demasiado aburrido y demasiado difícil para ella. Después de dos años en el camino, ella sigue siendo desconocido, y no hubo canto compromisos que se tenía. Ella tuvo varios puestos de trabajo de secretaría reservado a través de agencias de Manhattan temp. Ella continuó su relación de trabajo con la antigua carretera director de la banda Elgart, que se ha convertido en un agente en la oficina del legendario Willard Alexander. Este hombre, Bob Bonis, Carol preparado para cantar en un festival de jazz en Pittsburgh en 1960, momento en el que se reunió Lambert, Hendricks y Ross.

Jon Hendricks Carol pidió si podía aprender de la LH & R libro con el fin de estar preparados para tomar Annie Ross lugar si cada vez que fue necesario. Carol de acuerdo a estudio del grupo exigente material, y continuó su secretaría conciertos. Luego, una noche a principios de 1961, cuando asistían a un rendimiento de LH & R en el Village Vanguard, Jon Carol pidió a cantar un par de canciones en su propio, después de que el legendario titular Máx Gordon le preguntó si le gustaría cantar en la club las siguientes de agosto como acto de apertura de Oscar Peterson. En sus propias palabras, "Yo stammered una aceptación, y caminó cinco pies fuera de la tierra en el camino a casa".

Otra medida fue auspicioso en silencio que se están realizando para la Carol en 1961, sin su conocimiento: Jon Hendricks hizo un argumento muy persuasivo a los productores que Carol deben incluirse en dicho año de Newport Jazz Festival como parte de las "nuevas estrellas" del programa. En la tarde de esa presentación, Carol tenía la utilización de la Ike Isaacs Trío que respaldó LH & R. El pianista, Gildo Mahones, no sabían el verso a la Rodgers y Hart canción "Little Girl Blue" tan alegremente Carol sugirió que se la cantan a capella, y lo hizo. La prensa de Nueva York por unanimidad, elogió la joven de talento, excepcional entonación y afinación, y también fue escuchado por un representante de Columbia Records. Su primer álbum, "Out of Blue" fue grabado unos pocos meses más tarde, con los arreglos por el legendario Bill Finegan, y cuenta con una orquesta de Clark Terry y Bob Brookmeyer entre los solistas.

En la década de 1960, Carol Sloane cantó en los principales clubes tales como Kelly en Chicago, donde abrió a la Jackie Mason y la asfixia Hermanos; hambre en el I, en San Francisco, donde abrió a Bill Cosby, Godfrey Cambridge y Richard Pryor; también abierto a la Phyllis Diller, Stiller y Meara y Jackie Vernon en el Blue Angel en Nueva York; se presenta regularmente en el Tonight Show con Johnny Carson y se convirtió en un miembro de la emisora de radio emitidos en Arthur Godfrey de la CBS programa semanal. Ella siguió para registrar y hacer club y concierto apariciones durante esta década hasta los Beatles y el rock 'n roll comenzó a consumir la cultura popular, obligando a algunos lugares de jazz al borde de la ruina. En 1969, Carol aceptó una oferta para cantar en un club en Raleigh, Carolina del Norte, que se encuentra la atmósfera en esa ciudad mucho menos agitado de Nueva York, con un público ansioso por escuchar y apoyar a los artistas de jazz. Ella se trasladó al sur a principios de 1970.

Carol trabajo tanto como un cantante, como secretaria judicial para los próximos años, con el tiempo de regresar a Nueva York para comenzar una turbulenta relación con un legendario pianista de jazz, Jimmy Rowles. Jimmy la reputación de un maestro como acompañante y solista fue sólido e indiscutible, pero su alcoholismo hizo su situación a menudo tormentosa. Lo hizo, sin embargo, tire de él mismo juntos el tiempo suficiente para jugar Ella Fitzgerald cuando Tommy Flanagan izquierda después de casi veinte años de acompañar a la gran cantante. Jimmy de la tenencia de la tierra era mucho más corto: sólo dos años en el exterior. A continuación, decidió regresar a Los Angeles, y lo hizo a finales de 1980. Carol también salió de Nueva York, esta vez de regresar a su querida Nueva Inglaterra.

Ella llegó a Boston en enero de 1981, aceptó un trabajo en un prestigioso bufete de abogados, con prontitud y tiraron la idea de una "ordinaria" la vida cuando un amigo le preguntó a regresar a Carolina del Norte para ayudar a él en su nuevo club cena recientemente abrió sus puertas en Chapel Hill. El lugar era hermoso, cómodo y verdaderamente un escenario perfecto para cualquier artista, y Carol reservado a sus amigos en el club: Shirley Horn, Joe Williams, George esquila, Marian McPartland, Anita O'Day, Jackie y Roy, y por supuesto, la gran Carmen McRae. Este club logró todos los últimos de dos años, un logro notable. Carol también organizó un programa de radio NPR en la filial en Chapel Hill. En 1984, mientras canta en un club de Boston, se reunió el hombre a quien finalmente se casan.

Su matrimonio con Buck Spurr tuvo lugar en noviembre de 1986, y Carol ha vivido en el área de Boston desde entonces. Ella grabó dos álbumes for Contemporary en 1988 y 1989 y, a continuación, firmado con Concord Jazz en 1991, la grabación solo seis álbumes y giras Japón muchas veces como parte de la Concord Fujitsu-Festival. Carol permaneció ocupado haciendo su debut con la Orquesta pop de Boston en el Symphony Hall, Boston, en 1998, luego con el pop de Nueva York Orquesta en 1999, y registró un álbum homenaje a Duke Ellington en la etiqueta DRG ese mismo año. En marzo de 2000, comenzó una segunda carrera en la radio, la sede de la Jazz Matinee, una de cuatro horas del programa de jazz, cinco días a la semana en WICN-FM, la filial de NPR en Worcester, Mass jazz Este show tuvo un año completo de tiempo para producir, hasta que, en la primavera de 2001, un pesado calendario de ejecución del hecho necesario para dejar a Carol WICN a reanudar las giras y también grabar un nuevo CD. En 2001, Carol firmó un contrato con la famosa HighNote Jazz etiqueta que haya expedido el primer cd titulado "Nunca se fue". Esto ha sido seguido por el de "Whisper dulce".

Carol de la última grabación, "Querido Duque", recientemente se publicó en abril de 2007, sobre la Arbors etiqueta. Con Brad Hatfield en el piano y Ken Peplowski en saxo tenor y clarinete, este CD contiene 15 canciones de Ellington, más material de Billy Strayhorn "Día Significado de los sueños".

La flor favorita de Carol es la rosa blanca. Fuente Web de Carol Sloane




In English
Carol Sloane was born to Claudia and Frank Morvan on March 5, 1937, in Providence, Rhode Island, the older of two daughters, but she never lived in that city. Instead, she spent her happy childhood in the small town of Smithfield, just a few short miles north of the city. Her parents worked steadily through the years of World War II in the textile mill near their home.

Carol was the lucky member of a large family of cousins, aunts and uncles who all possessed natural singing voices. Only one uncle ever received formal musical education, and he played the tenor sax. In 1951, her Uncle Joe arranged an audition for her with a society dance band led by Ed Drew, and she began singing the stock arrangements of popular hits of the day each Wednesday and Saturday night at Rhodes-on-the-Pawtuxet Ballroom, located in Cranston, Rhode Island.

In 1955, Carol married a Providence disc jockey named Charlie Jefferds, and almost immediately, the couple found themselves at Fort Carson, Colorado where Charlie endured the rigors of basic training followed by a one-year obligatory tour of duty in Germany. They returned to the US in January 1958, and were amicably divorced in that year.

Carol continued to sing in small bars and clubs until she met the road manager of the Les and Larry Elgart Orchestra, which was touring the amusement park ballrooms in the southern New England area. She auditioned for Larry Elgart, who then asked her to come to New York with his band. The brothers had recently split the organization, Les taking the territory west of Chicago, Larry to handle everything east of Chicago. Larry Elgart suggested she change her name to Carol Sloane.

The "road years" with the Larry Elgart band continued until 1960, when the road simply became too boring and too difficult for her. After two years on the road, she was still unknown, and there were no singing engagements to be had. She took various secretarial jobs booked through Manhattan temp agencies. She continued her working relationship with the former road manager of the Elgart band, who had become an agent in the office of the legendary Willard Alexander. This man, Bob Bonis, arranged for Carol to sing at a jazz festival in Pittsburgh in 1960, at which time she met Lambert, Hendricks and Ross.

Jon Hendricks asked Carol if she could learn the LH&R book in order to be prepared to take Annie Ross' place if that ever became necessary. Carol agreed to study the group's exacting material, and continued her secretarial gigs. Then, one night in early 1961, when attending a performance of LH&R at the Village Vanguard, Jon asked Carol to sing a couple of tunes on her own, after which the legendary proprietor Max Gordon asked her if she'd like to sing at the club the following August as opening act for Oscar Peterson. In her own words, "I stammered an acceptance, and walked five feet off the ground on the way home".

Another auspicious move was quietly being made for Carol in 1961, without her knowledge: Jon Hendricks made a very persuasive argument to the producers that Carol should be included in that year's Newport Jazz Festival as part of the "New Stars" program. On the afternoon of that presentation, Carol had the use of the Ike Isaacs Trio which backed LH&R. The pianist, Gildo Mahones, didn't know the verse to the Rodgers & Hart song "Little Girl Blue" so Carol blithely suggested she would sing it a cappella, and did so. The New York press unanimously praised the young woman's talent, exceptional intonation and pitch, and she was also heard by a representative of Columbia Records. Her first album,"Out of the Blue" was recorded a few short months later, with arrangements by the legendary Bill Finegan, and an orchestra boasting Clark Terry and Bob Brookmeyer among the soloists.

In the 1960's, Carol Sloane sang in major clubs such as Mr. Kelly's in Chicago where she opened for Jackie Mason and the Smothers Brothers; at the hungry I in San Francisco where she opened for Bill Cosby, Godfrey Cambridge and Richard Pryor; she also opened for Phyllis Diller, Stiller and Meara and Jackie Vernon at the Blue Angel in New York; she appeared regularly on the Tonight Show with Johnny Carson and became a regular member of the radio cast on Arthur Godfrey's CBS weekly program. She continued to record and make club and concert appearances during this decade until the Beatles and rock 'n roll began to consume the popular culture, forcing some jazz venues to the edge of ruin. In 1969, Carol accepted an offer to sing in a club in Raleigh, North Carolina, found the atmosphere in that city very much less hectic than New York, with an audience eager to hear and support jazz artists. She relocated to the south at the beginning of 1970.

Carol worked both as a singer and a legal secretary for the next several years, eventually returning to New York to begin a turbulent relationship with a legendary jazz pianist, Jimmy Rowles. Jimmy's reputation as a master accompanist and soloist was solid and undisputed, but his alcoholism made their situation often stormy. He did, however, pull himself together long enough to play for Ella Fitzgerald when Tommy Flanagan left after almost twenty years of accompanying the great singer. Jimmy's tenure was much shorter: only two years at the outside. He then decided to return to Los Angeles, and did so at the end of 1980. Carol also left New York, this time returning to her beloved New England.

She arrived in Boston in January, 1981, accepted a job in a prestigious law firm, and promptly threw away the idea of an "ordinary" life when a friend asked her to return to N.C. to help him in his new supper club recently opened in Chapel Hill. The venue was beautiful, comfortable and truly a perfect setting for any artist, and Carol booked her friends into the club: Shirley Horn, Joe Williams, George Shearing, Marian McPartland, Anita O'Day, Jackie & Roy, and of course, the great Carmen McRae. This club managed to last all of two years, a remarkable accomplishment. Carol also hosted a radio show at the NPR affiliate in Chapel Hill. In 1984, while singing in a Boston club, she met the man whom she would eventually marry.

Her marriage to Buck Spurr took place in November, 1986, and Carol has lived in the Boston area since that time. She recorded two albums for Contemporary in 1988 and 1989, then signed with Concord Jazz in 1991, recording six solo albums and touring Japan many times as part of the Concord-Fujitsu Festival. Carol stayed busy making her debut with the Boston Pops Orchestra at Symphony Hall, Boston in 1998, then with the New York Pops Orchestra in 1999, and recorded a tribute album to Duke Ellington on the DRG label that same year. In March 2000, she began a second career in radio, hosting The Jazz Matinee, a four-hour jazz program, five days a week on WICN-FM, the NPR affiliate in Worcester, Mass. This jazz show took a full year's time to produce, until, in the spring of 2001, a heavy performance schedule made it necessary for Carol to leave WICN to resume touring and also record a new CD. In 2001, Carol signed a contract with the famous HighNote Jazz label which issued the first cd titled "I Never Went Away". This has been followed by "Whisper Sweet".

Carol's latest recording, "Dearest Duke", is recently released in April of 2007 on the Arbors label. Featuring Brad Hatfield on piano and Ken Peplowski on tenor sax and clarinet, this cd contains 15 tunes of Ellington material plus Billy Strayhorn's "Day Dream".
Ms. Sloane's favorite flower is the white rose. Fuente web de Carol Sloane

Roberto Caló

Roberto Caló en 1938

CALÓ, Roberto. (Nombre de familia: Francisco Caló). Cantor. Director. Compositor.
Nació en abril de 1923. Hermano de Miguel, Salvador, Antonio, Armando y Juan Caló, se inició como "chansonnier" en la orquesta de este último, actuando luego como solista en las emisoras La Nación, Prieto y París. Integró posteriormente el conjunto de su hermano Miguel grabando para Odeón algunos tangos en 1939 como Nostalgias y Dulce amargura. A fines de la década del cuarenta constituyó su propia orquesta; desfilaron por ella, a través de quince años de actuación, ejecutantes tan destacados como Ernesto Franco, Julio Medovoy, Osvaldo Ta-rantino, Sebastián Luis Garreta, Leo Lípesker y los vocalistas Oscar Larroca, Jorge Maciel, Carlos Roldan, Roberto Rufino, Alberto Santillán, Héctor De Rosas y Enrique Campos. Grabó su primer disco en 1950 para el sello Orfeo con Selección de tangos de Aníbal Troilo (Y no puede ser, Total p'que sirvo, Medianoche, Barrio de tango, Tres y dos, María, Che bandoneón, Toda mi vida) arreglo instrumental de su entonces pianista Julio Medovoy, y El metejón, vocalizado por Larroca. Siempre sobre la base de arreglos de interés, aunque con cierta propensión a los tiempos de ejecución demasiado rápidos, registró luego para el mismo sello buenas versiones de La cachila, En fa menor, La catrera; y en Víctor, Sacale chispas. Se consagró más tarde a la actividad empresarial al frente de la confitería Patio de Tango, de la calle Corrientes. Compositor de los tangos Después que te perdí, Te vi llegar, No culpes al amor —cantables— y Colores, Flauteando, En fa menor —instrumentales. Fallecio el 26 de abril de 1985. Horacio Ferrer

Yehudi Menuhin

Menuhin en los 60'

Yehudi Menuhin

Yehudi Menuhin nació en Nueva York el 22 de abril de 1916, estudiando violín desde los cuatro años de edad con Sigmund Anker en San Francisco, su primer maestro; y debuta a los 7 años con la Sinfónica Española. Posteriormente amplió sus estudios con Louis Persinger, que a los 8 años lo hace debutar profesionalmente. Su presentación en Nueva York con 10 años fue un fulgurante éxito que le sirvió para debutar en Europa en 1927.

En el viejo continente se pone en manos de George Enescu, entonces descubrió que "interpretar equivalía a ser", como reflejaría más adelante en su diario. Paulatinamente iría desarrollando y madurando sus criterios y valores más característicos, entre los que destacarán la capacidad de trabajo, la autoexigencia, así como una concepción del arte estrechamente interrelacionado con la vida. "Recuerdo vivamente mi primera lección con Enescu. Mi madre me llevó a su casa y esperamos en el salón, al poco rato apareció el maestro con su violín y comenzó a tocar una Partita de Johann Sebastian Bach. Ahí verdaderamente comenzó mi amor por el instrumento".

En noviembre de ese mismo año presenta en Nueva York el Concierto para violín opus 61 de Beethoven bajo la batuta de Fritz Busch, convirtiéndose entonces en la portada de los principales diarios del pais. Rápidamente se organizaron giras de conciertos por Estados Unidos, Berlín (1928) y Londres (1929). Su primera grabación fonográfica data de esta época.

En los años 30, Menuhin estudia simultáneamente con Enescu, cuya influencia en la estética musical del muchacho fue definitiva, y con Adolf Busch. Su madurez es tal que cuando Fritz Kreisler renuncia a grabar el concierto para violín opus 61 de Elgar, del que era dedicatario, es Menuhin el elegido para realizar el registro fonográfico con el propio Elgar (75 años) a la batuta.

Su actividad en el bando aliado durante la Segunda Guerra Mundial le llevó a dar 500 conciertos en diversos destacamentos de las tropas. De esta época existe un film propagandístico en el que Menuhin interpreta el Vuelo del Moscardón y el Ave María de Schubert.

Menuhin asumió con gran valentía la defensa de Wilhelm Furtwangler cuando éste fue acusado de colaboración con el régimen nazi. El violinista no sólo publicó escritos al respecto, sino que en un acto extraordinariamente antipopular se convirtió en el primer judío en tocar con la Orquesta Filarmónica de Berlín, con Furtwangler al frente, tras el episodio nazi.

Desde 1959 Menuhin se instaló en Londres, haciéndose cargo del Festival Bath (1958-68), el Festival Windsor (1969-1972) y el Gstaad Festival. En esta época se sitúa el comienzo de su interés por el vegetarianismo y la cultura india.

En 1962 funda cerca de Londres la escuela superior de música que lleva su nombre.

Durante los últimos años de su vida abandona el instrumento para dedicar casi todo su tiempo a la dirección orquestal.

Conocido también como humanista y filántropo, en 1960 recibió el Premio Nehru de la Paz y en 1992 fue embajador de buena voluntad de la Unesco.

Falleció en Berlín el 12 de Marzo de 1.999.

La carrera artística de Menuhin, desarrollada a lo largo de siete décadas, es una de las más espectaculares de nuestro tiempo. Como violinista, primero, y, luego, como director de orquesta, ha protagonizado las más importantes convocatorias de los principales escenarios internacionales, junto a los mejores solistas y formaciones orquestales.

Aliando la técnica irreprochable con una comprensión extraordinaria de la música, trabajó un repertorio muy amplio, de Bach, Ravel y Beethoven a la música de vanguardia, de la música barroca a las improvisaciones de jazz con Stéphane Grappelli. Le gustaba acompañar y dar a conocer todas las músicas.

Su fascinación por las distintas culturas lo llevará a tocar, tanto con Ravi Shankar, como con sus amigos cíngaros, cuya causa defenderá, destacando así que la búsqueda de la belleza y el compartirla con los demás son valores universales.

A lo largo de toda su vida, Yehudi Menuhin se preocupó por las grandes cuestiones de este siglo: tan sensible a la educación como a los derechos de las minorías, convirtió en una cuestión de honor el concretar siempre sus acciones. Nunca dejó de librar combates por la música, la paz y la convivencia entre los hombres; ante todo, fue un humanista comprometido con la defensa de los derechos humanos. A lo largo de su carrera de músico emprendió sin tregua la defensa de los más débiles, lo que le valió numerosas distinciones, entre las que cabe destacar la de "Lord", el Premio Mundial de la Paz en 1979, el Premio Nerhu de la Paz en 1960 y el Premio Príncipe de Asturias a la Concordia en 1997.

En 1945 intervino en el concierto de inauguración de la ONU y volvió a actuar en Alemania, preconizando la superación de las graves secuelas de la guerra. En numerosas manifestaciones públicas defendió la tolerancia y cooperación entre diferentes pueblos y culturas.

En 1992 promovió la constitución de la Fundación Yehudi Menuhin a la que asignó como cometidos prioritarios la integración social de niños desfavorecidos a través de actividades artísticas, la defensa de los derechos de las minorías culturales, el fomento de la tolerancia cultural y la creación de redes de cooperación internacional en los ámbitos de la educación y la cultura.

Era un hombre comprensivo, abierto a todo tipo de opiniones y creencias. Era "un hombre bueno" en el sentido machadiano. Era el ejemplo viviente de esa frase tan sencilla y tan genial de Sancho Panza: "Señora, donde hay música no puede haber cosa mala".

El año 97, al recibir el Premio Príncipe de Asturias, junto con Rostropovich, dijo en su discurso que quizás ellos eran los eslabones del hombre nuevo, el hombre que se debería dedicar con todas sus fuerzas a enseñar y propagar la música entre los niños, con la firme creencia de que así se mejoraría el mundo.

Todos los que amamos y vivimos la musica nunca podremos agradecer suficientemente, toda una vida de Menuhin, dedicada a los demás: como violinista, como director de orquesta, como profesor y como persona entregada y preocupada por la defensa de los derechos humanos y el apoyo a los más desfavorecidos. Fuente Fundacion Yehudi Menuhin España

Stéphane Grappelli

Stéphane Grappelli en los 60'

Stéphane Grappelli

Stéphane Grappelli (1908-1997) disfrutó de una larga, prolífica y distinguida carrera como el principal instrumentista de violín en el jazz. Su música y su swing se le recodará siempre unido a la génesis del jazz en Europa de la mano del extraordinario grupo creado en Paris por Django Reinhardt - el mejor guitarrista de jazz europeo- y denominado el "Hot Club Quintet de France". Sólo en la última parte del siglo XX, otro violinista, Jean Luc Ponty, perteneciente a otra generación de músicos diferentes, se le ha acercado como posible rival.

Grappelli, nació en Paris y fue en su juventud un músico autodidacta, si bien asistió al conservatorio de Paris desde 1924 hasta 1928. En 1927 se interesó por el jazz y comenzó a trabajar profesionalmente en cines y teatros aunque todavía, esas orquestas eran de baile como la estrafalaria "Gregor et ses Grégoriens". Antes de que terminase la década conoció a quien le iba a cambiar la vida musicalmente hablando, el guitarrista belga de raza gitana, Django Reinhardt. Empezaron coincidir en sesiones musicales de manera informal hasta convertirse en el embrión de un grupo que tocaría un jazz excitante y desenvuelto con una base rítmica aportada por las guitarras de Django y su hermano. El "Hot Club Quintet de France" nació oficialmente en 1934 y no tardó mucho tiempo en convertirse en un combo muy popular por toda Europa. Grappelli estuvo con Django cinco largos y fructíferos años, y abandonó el grupo en 1939 con la II Guerra Mundial apuntando en el horizonte.

Se trasladó a Londres donde actuó como solista en varios clubes y también colaboró con el pianista, George Shearing. Terminada la guerra regresó a Francia en 1946 y la muerte de Django un año antes, hizo que enfocara su carrera al margen del grupo creado por ambos. Por aquella época el papel del violín en el mundo del jazz era muy minoritario y Grappelli no obtuvo el reconocimiento y el favor del publico hasta muy entrada la década de los sesenta. En 1969 participó en el festival de jazz de Newport y se unió en 1972 al trío del guitarrista, Diz Dizley. Desde entonces y practicamente hasta su muerte, Stéphane Grappelli, grabó y viajó sin descanso por todo el mundo con diferentes tríos- su formato preferido- e incluso participó fuera del jazz con músicos adscritos a otras corrientes musicales como con el pianista, André Previn o el violinista de música clásica, Yehudi Menuhin. Fuente Apolybaco

Charlo

Charlo en 1924

Charlo con la Orquesta de Lucio Demare

Charlo, Corsini, Julio De Caro, Ernesto Famá y Francisco Lomuto

Charlo con Mercedes Simone, Gardel, Francisco Canaro y Osvaldo Fresedo, en 1933.

Charlo en mayo de 1936.

CHARLO. (Nombre de familia: Juan Carlos Pérez de la Riestra). Músico. Cantor. Pianista. Compositor. Autor. Dentro de la corriente de voces formadas en la escuela de Carlos Gardel y aparecida poco después del advenimiento artístico de éste, fue uno de los intérpretes que se expresó con mayor independencia de estilo. Barítono, con tendencia a tenor en sus comienzos —de buena tesitura siempre— su timbre, de perfecta adaptabilidad para el tango y una manera de frasear angulosa y propensa al virtuosismo vocal, caracterizaron su personalidad de intérprete, altamente representada en versiones como las que alcanzó en los tangos Olvido, Las cuarenta, Nostalgias, Y qué más, Ave de paso, Cobardía. Ejerció una vasta influencia artística en cantores que le sucedieron y que tomaron su estilo como punto de referencia, Armando Moreno y Alberto Marino, entre ellos. Su dúctil temperamento musical compartió en toda su trayectoria el canto con la ejecución de varios instrumentos—como guitarra, piano y acordeón —revelando en éstos su buen gusto para la armonización, reflejado siempre en la elección de sus acompañamientos, en particular los guitarrísticos, que renovó sensiblemente con la colaboración de Roberto Grela; luego de 1932. La más llamativa de sus facetas musicales ha sido, sin duda, la de compositor. Enraizado por la modalidad de su caudalosa inventiva melódica a los hombres de la tendencia que crearon y promovieron Delfino y Cobián, alternó en ella con Mora, Pichuco, Demare, Malerba, Laurenz, Rodio, en la proyección del refinado repertorio de cantables que perfiló de manera inconfundible a los tangos de la década del treinta. Composiciones suyas como Horizonte, Ave de paso, Tormento, Viejas alegrías y otras que dio a conocer luego, como Sin lágrimas, Fueye, La barranca, Rondando tu esquina, Zorro plateao, Tango en Colombia, están ya incorporadas a la mejor antología de obras de su género. Cultivó también con verdadero interés el tango para orquesta, con Don Alvaro, y especialmente con Diquero y Barbeta —que dedicó a Homero Manzi—.
Nació en La Pampa en la estancia El Avestruz, el 6 de junio de 1907. En la escuela rural de Puán, localidad próxima, recibió su instrucción primaria. En el Conservatorio de Santa Cecilia, del mismo pueblo, el maestro Alejandro Leone le impartió los primeros conocimientos musicales, cursando en La Plata los estudios secundarios. Mudó luego con su familia a Buenos Aires, residiendo en el barrio de Belgrano. En esa época abandonó las aulas llamado por cierta bohemia juvenil que lo empujó a su carrera de artista. Inició ésta en 1924, como cantor y como pianista en las transmisiones precursoras de Radio Cultura, y en discos Electra con Morochita y Ensueño azul, como placa inicial.
Su debut en público tuvo lugar al año siguiente en el Teatro de la Comedia, de la calle Carlos Pellegrini, durante la representación de los saínetes Pim pam pum Rataplán y Pinta Brava; para el segundo compuso su tango primero del mismo nombre, con letra de Mario Battistella. En 1925, grabó su primer disco para Victor: Costurerita y Pobre varón. Poco después, por intercesión de Mauricio Godard, director artístico de la casa Odeón, fue escuchado por Francisco Canaro, quien lo invitó para cantar los estribillos de las obras presentadas en los con-cursos organizados por Glucksmann; su disco de debut en Odeón: Ramona y Lindo tipo de varón (1928). Presentado como figura, cantó luego con Canaro en un festival realizado en el Teatro General Belgrano de la calle Cabildo. Colaboró también con la orquesta de Francisco Lomuto. En 1932 hizo su primera actuación en Montevideo, en el cine Cervantes; y, tres años más tarde, en Río de Janeiro, donde con un marco ambiental carioca, compuso sobre versos de Cadícamo, el tango Ave de paso. Durante la primera época del cine sonoro tuvo papeles en varias películas, entre ellas: Puerto Nuevo, en 1936, junto a Pepe Arias, Sofía Bozán y Alicia Vignoli dirigido por Amadori, y Carnaval de Antaño, de 1940, junto a Parravicini y a la Bozán, dirigido por Romero, además de Los Muchachos se Divierten y Los Troperos. En 1939 actuó acompañado por la orquesta Demare-Vardaro en LR3.
Realizó muchas y largas incursiones por el exterior, habiendo alcanzado junto a su entonces esposa, la actriz y cancionista Sabina Olmos, un señalado suceso en Portugal en 1959, con el espectáculo de su creación Estampas de Hispanoamérica, ofrecido en la televisión y en el Casino de Estoril, en el Gran Hotel Embajador y en la boite Bico Dourado, de Lisboa. Residió largo tiempo en España, donde participó en películas de cine, ciclos radiales y televisivos y temporadas teatrales en Madrid y otras ciudades peninsulares. Actuó en Colombia y en Venezuela; regresó más tarde a Buenos Aires, en la cual, durante las sucesivas instancias de su labor, le acompañaron conjuntos orquestales dirigidos y arreglados por Héctor Stamponi o Roberto Pansera. En 1968 hizo un ciclo por LR5, relatando la historia de sus obras. A más de los tangos ya mencionados, compuso estos otros: Sin ella, Dios te salve, Linda pinta de varón, No me olvides, Sin cariño, Tango de la ausencia, El bailarín de tangos, el vals Tu pálida voz y la milonga Oro y Plata. Fue presidente de la Unión Argentina de Variedades. 
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus invitados

Sarah Vaughan

Sarah Vaughan

Sarah Vaughan

Sarah Vaughan

Sarah Vaughan: NOMBRE REAL: SARAH LOIS VAUGHAN. Nacio el 27 de marzo de 1924-Fallecio 4 de abril de 1990
Hija de un carpintero guitarrista aficionado al blues, y de madre lavandera pero pianista y organista en la Iglesia, la cantante Sarah Vaughan estaba destinada desde pequeña a inclinarse por la música, integrándose en la Iglesia Baptista del Monte-Sión como organista, pianista y miembro del coro. En 1943 su vida tomó contacto con el jazz cuando ganó el concurso anual del Apollo Teathre de Harlem para cantantes noveles. Ella Fitzgerald, que había ganado ese mismo concurso la década anterior, le animó y fue presentada al cantante Billy Eckstine, quién a su vez la recomendó a su jefe de orquesta, el pianista, Earl Hines.

Contratada con apenas diecinueve años por Earl Hines como cantante y segunda pianista de la orquesta, tuvo la inmensa fortuna de que por aquella formación pasaran los jóvenes músicos de New York que estaban cambiando el jazz con el sonido nuevo conocido como bebop: Charlie Parker y Dizzy Gillespie. La huelga de grabaciones decretada por la Federación Americana de Músicos, impidió que ese periodo primitivo de Sarah al frente de la orquesta de Hines, y posteriormente con la orquesta de Billy Eckstine no fuese grabado. La única excepción es el tema grabado en diciembre de 1944 titulado: "I'LL Wait And Pray". Con una formación adquirida en los círculos "boopers", Dizzy Gillespie la introdujo en los estudios de grabación de pequeñas casa discográficas independientes: primero fue una sesion para Continental organizada por el critico, Leonard Feather en diciembre de 1944, poco después, en mayo de 1945, interpreta junto al quinteto de Parker y Gillespie, una versión de "Lover Man" para la casa "Guild". En 1946, un contrato para Musicraft supone su espaldarazo definitivo y posibilita su expresión artística en distintos contextos: canta desde acompañante de grupos swing dirigidos por el pianista, Teddy Wilson y el violinista, Stuff Smith, a orquestas de cuerda o con el pianista Bud Powell, el baterista, Kenny Clarke y otros boopers en una magnifica sesion.

Extraordinariamente apreciada en los círculos del jazz moderno, se casó con el trompetista George Treadwell y en 1947, obtuvo su primer gran éxito de ventas con "Its Magic". En 1949, cuando firmó contrato con el poderoso sello Columbia, obtuvo el primer puesto de las grandes revistas especializadas en jazz en la categoría de cantantes. La década de los cincuenta fue su mejor época como cantante. Afortunadamente supo reprimir los intentos de su casa discográfica para convertirla en una especie de estrella moderna de la canción y su aparición al frente de un octeto con Miles Davis en 1950 cantando una excelente versión de "Mean to Me" la consagró definitivamente como una gran cantante de jazz. Se prodigaron sus actuaciones en el Carnegie Hall, realizó su primera gira europea en 1951 con un éxito absoluto y todavía el éxito fue mayor en la posterior de 1954. Insatisfecha con su contrato en Columbia ya pesar de sus extraordinaria ganancias económicas, Sarah abandono en 1953, a la terminación del contrato, su relación con el poderoso sello y buscó una discográfica mas acorde con sus planteamientos musicales.

En 1954 fichó por el sello Mercury, donde estuvo hasta 1959, y posteriormente, en la ultima fase de su carrera, fue contratada desde 1963 hasta 1967 por el sello Roulette. En ambos, Sarah Vaughan dejó su mejor legado discográfico. Para la filial de Mercury, "Emarcy", Sarah Vaughan grabó entre 1954 y 1959, en directo o en estudio y con su fabuloso y regular trío: el pianista, Jimmy Jones, el contrabajista, Joe Benjamín y el baterista, Roy Haynes, una serie de discos extraordinarios y al menos una obra maestra absoluta con la colaboración del trompetista, Clifford Brown: El álbum titulado: "Sarah Vaughan" (Emarcy, 1954). Un breve periodo fuera de Mercury, fue aprovechado por la cantante para firmar por el sello Reprise, a principios de los sesenta. Su vuelta a la casa Mercury, no fue tan fructífera como el periodo anterior, y frente a fantantiscas grabaciones como la acaecida en 1963 en directo desde el Tivoli Garden en Copenhague, se encuentran intrascendentes versiones de Los Beattles o de la canción pop.

En 1967 su retirada de los estudios se vio compensada por la intervención en numerosos programas televisivos, principales festivales, teatros y clubes. En 1971, firma por el sello Mainstrean con quien estuvo hasta 1974, dejando en sus arcas un extraordinario concierto en Japón. En 1978, el productor Norman Granz la incorporó a su elenco de artistas y a su sello Pablo, donde permaneció hasta 1982 dejando tambien algunos discos extraordinarios como el dedicado a la música de Duke Ellington. En 1982 colaboró con Michael Wilson Thomas y varias orquestas filarmónicas interpretando el repertorio de Gershwin, obteniendo un premio Grammy por la grabación que la CBS efectuó en su concierto de Los Ángeles. En 1989, grababa un dueto con Ella Fitzgerald sobre "Birdland" bajo la dirección de Quincy Jones, pero el tabaco había empezado a quebrantar su salud y murió, victima de un cáncer de pulmón en abril del siguiente año.Fuente apolybaco

Tanguele - The Pulse Of Yiddish Tango ( Informacion del espectaculo que se presenta a traves de los continentes)

Tangele

Juan Lucas Aisemberg and Gustavo Beytelmann

Lloica Czacki

Lloica Czackis voice & research//Juan Lucas Aisemberg viola///Gustavo Beytelmann / Ivo De Greef piano////Created by Lloica Czackis////Musical arrangements by Gustavo Beytelmann/////Dramaturgy by Joëlle Rouland

Tangele es el punto de encuentro entre dos culturas fuertes: la canción idish y el tango. El espectáculo presenta el recorrido del tango idish a través de los continentes. Tangos en idish originales del teatro idish de Buenos Aires y New York durante los años 1930 y ‘40 y de guetos y campos de concentración europeos.

Tangele es un homenaje al arte de sobrevivir y de reinventarse. Concebido por Lloica Czackis a partir de su fascinación por la cultura idish, el proyecto ha recibido varios premios, con subsiguientes publicaciones, conferencias y conciertos en instituciones y festivales internacionales: en Londres, Brighton, Sheffield, Leeds, Newcastle, Nottingham, Bristol, Cardiff, Paris, Bruselas, Berlin, Frankfurt, Viena, Nueva York, Los Angeles y Boston.

Esta es la primera que este repertorio es interpretado por músicos que emergieron de la tradición del tango. Lloica Czackis, a la vez cantante de música clásica de folklore latinoamericano, interpreta tambien el repertorio de cabaret de los años 1930 y '40 y es considerada como la principal connaisseuse del tango idish en el mundo. Juan Lucas Aisemberg, violista en la Deutsche Oper de Berlín, creció en la tradición del tango y ofrece conciertos internacionalmente. Gustavo Beytelmann, reconocido compositor y pianista argentino, reinterpretó esta música y realizó los arreglos musicales a la manera del tango argentino. Joëlle Rouland, directora de teatro, concibió la dramaturgia del espectáculo.

Un poco de historia...

El tango nació en el crisol que fue la Buenos Aires de los 1900s, como resultado de la fusión entre las culturas de inmigrantes europeos, incluyendo a judíos, con el aporte de ritmos afro-argentinos. En la década de 1910 se estableció en Europa Occidental y al poco tiempo llegó a la Europa del Este. Salones de baile y cabarets bailaban al son de la novedad latinoamericana, mientras compositores europeos, entre ellos judíos, comenzaban a crear nuevos tangos. Inevitablemente, durante la Segunda Guerra Mundial el tango pasó a formar parte de la vida en los guetos y los campos de concentración, donde sus habitantes lo adoptaron nuevamente, entonces en idish, como un vehículo para expresar sus experiencias y su esperanza de libertad. Los Nazis no sólo toleraron esta música, sino más aún, la utilizaron como una herramienta macabra: a las Lagerkapellen, las orquestas de los campos, se les obligaba a tocar el Tango de la Muerte mientras los prisioneros caminaban hacia las cámaras de gas. En circunstancias diferentes y más felices, músicos judíos viviendo en Buenos Aires y en Nueva York escribieron tangos para el teatro idish, para musicales y el teatro de revista, durante los años 1930 y ’40. La esencia híbrida del tango explica en parte porqué fue continuamente adoptado y transformado durante su extraordinario recorrido a través del mundo. El tango idish no es más que un episodio de esa crónica y un ejemplo de la tendencia de los judíos a adaptarse al etos de sus países adoptivos. En términos más generales, demuestra el fruto de la aceptación mutua entre culturas.Fuente Tanguele

Articulo de La Nacion el 14 de noviembre de 2002 sobre el espectaculo y la historia del tango Yiddish

Londres descubre una forma del tradicional género
Tangele: el tango yiddish
La argentina Lloica Czackis logra un éxito sostenido
Colas larguísimas para sacar entradas
El concierto, con 17 canciones y la historia del género, emociona al público sin distinciones religiosas ni étnicas

LONDRES.- No es habitual que trescientas personas hagan cola durante una hora en Londres, pasando del frío de la calle al infernal apretujamiento de una sala acostumbrada a no albergar a más de cien espectadores, para escuchar, en su mayoría de pie, a tres artistas extranjeros.
Pero éste fue el sorprendente resultado de "Tangele, el pulso del tango yiddish", un espectáculo concebido por Lloica Czackis, una joven mezzosoprano argentina de origen alemán radicada en Inglaterra desde 1997. El término tangele combina la argentinidad del tango con el emotivo le (pequeño o querido) del yiddish.
Con el sensible aporte del argentino, en su caso de origen húngaro, Juan Lucas Aisemberg en viola y el acompañamiento del rosarino Gustavo Beytelmann en piano, Lloica emocionó a la audiencia hasta hacerle olvidar el sofocón de las limitaciones de espacio impuestas por The Spitz, una sala reacondicionada del segundo piso de lo que una vez fue el mercado de frutas y verduras de Londres, Spitalfields, eje del viejo barrio judío de la capital inglesa.
El concierto, compuesto por 17 canciones con arreglos de Beytelmann, coincidió con el 64° aniversario de la "Kristallnacht" ("Noche de los Cristales Rotos"), la violenta jornada que confirmó, mediante la destrucción de miles de sinagogas, negocios y hogares, el inicio de la política nazi de exterminio de los judíos. Formó parte, además, del London ArtsFest, el festival anual de la cultura hebraica dedicado este año a poner de relieve las culturas de Europa del Este, y mereció el apoyo del Jewish Music Institute Millennium Award.
Aun así, no todos los que compraron tickets en The Spitz profesaban la religión de Abraham ni se criaron detrás de la Cortina de Hierro. El interés por la música nacida del crisol de razas de los arrabales porteños se ha extendido más allá de las fronteras religiosas o étnicas. La frase "Tango que me hiciste "goi" (gentil) y sin embargo te quiero", escrita en el programa, se reflejó a la perfección en la audiencia.
El repertorio consistió en dos partes. La primera fue dedicada a la música proveniente de los guetos y campos de concentración durante la Segunda Guerra Mundial.
Lloica explicó cómo el tango de Buenos Aires, fruto de inmigrantes italianos, españoles, franceses y, por supuesto, judíos, se estableció en el Viejo Continente y pasó a formar parte inevitablemente de la comunidad hebraica europea.
"Los habitantes de los guetos lo adoptaron, en idioma yiddish, como un vehículo para expresar sus arduas vidas -destacó-. Irónicamente también los nazis lo utilizaron como una herramienta macabra: a las orquestas de los campos se las obligaba a tocar el "Tango de la muerte" mientras los prisioneros caminaban hacia las cámaras de gas."
Canciones como "Friling" ("Tiempo de primavera"), compuesta en el gueto de Vilna en 1943 por Shmerke Kaczerginsky (que emigraría luego a la Argentina), y "Dos tango fun Oshvientshim" ("El tango de Auschwitz"), de autor anónimo, dieron muestras del carácter contrastante del "tangele" frente a su par argentino. Ambos comparten el dolor y la nostalgia por una vida mejor pero, aun en la peor de las circunstancias, las composiciones yiddish culminan con un voto de esperanza.
"¡Alambres de púa nos amenazan, pero la libertad nos llama!", es el último verso de la canción que salió de Auschwitz gracias a la memoria de sus sobrevivientes.
La segunda parte del show ofreció tres ejemplos del tango yiddish nacido en Nueva York bajo la latina influencia de Rodolfo Valentino, para terminar con la premiére europea de cuatro piezas escritas en el Buenos Aires de la década del 40. Entre ellas "Vu iz dayn shmeychl?" ("¿Dónde está tu sonrisa?") y "Ikh vel laydn in der shtil" ("Sufriré en silencio"), de Jeremía Ciganeri y Abraham Szewach.
Sin embargo, fue la entonación de "Sur", en un porteñísimo castellano aterciopelado por la voz de Lloica Czackis, lo que desató el último y más contundente aluvión de aplausos.
Por Graciela Iglesias Para LA NACION

In English

Tangele is the meeting point between two powerful cultures: Yiddish song and tango. The show presents the voyage of the Yiddish tango across the continents. Original songs from the Yiddish theatre in Buenos Aires and New York during the 1930s and ‘40s and from European ghettos and concentration camps.




Tangele is a tribute to the art of surviving and reinventing oneself. Conceived by Lloica Czackis from her fascination with the Yiddish culture, the project has received support from various institutions, leading to academic lectures, publications, workshops and concert engagements in international venues and festivals: in London, Brighton, Sheffield, Leeds, Newcastle, Nottingham, Bristol, Cardiff, Paris, Brussels, Berlin, Frankfurt, Vienna, New York, Los Angeles and Boston.



This is the first time this rediscovered repertoire is performed by musicians that come from the tradition of the tango. Lloica Czackis, a singer of classical music and Latin American folk, performs also the repertoire of cabaret of the 1930s and '40s. She is considered to be the connoisseuse of Yiddish tango around the world. Juan Lucas Aisemberg, a viola player in the Deutsche Oper, Berlin, was brought up in the tango tradition and performs internationally. Ivo De Greef is a sought after pianist of tango and contemporary music. Gustavo Beytelmann, the renowned Argentinian composer and pianist, has reinterpreted these songs music and arranged them in the manner of argentinian tango. Joëlle Rouland, French theatre director, has conceived the dramaturgy of the show.



A little history...

The tango was born just before the turn of the 20th Century in Buenos Aires as the resulting blend of the cultures of Italian, Spanish, French and Eastern European Jewish immigrants, and Afro-Argentine rhythms. In the 1910s the tango took Western Europe by storm, soon reaching Eastern Europe. Ballrooms and cabarets featured this Latin American import; and composers, Jews amongst them, started to write new tangos. Inevitably, during the Holocaust it became part of the life of ghettos and concentration camps, where tango, now in Yiddish, was once again adopted as a vehicle to express the experience of inmates and their hopes for freedom. Not only did the Nazis allow this music, they forced Lagerkapellen, the camp orchestras, to play the Tango of Death to accompany prisoners as they were marched to the gas chambers. In different and happier circumstances, Jewish musicians living in Buenos Aires and New York – many of whom were émigrés – wrote Yiddish Tangos for the Yiddish Theatre, musicals and Jewish revues. The mixed nature of tango probably explains why it has been continuously embraced and transformed during its extraordinary voyage around the world. Yiddish Tangos are only an episode in this chronicle, an example of the Jews' tendency to adapt to the ethos of their adoptive countries and also, more generally, the mutual acceptance and fruitful interaction between peoples Fuente Tangele

Lloica Czackis

Lloica Czackis

Lloica Czackis

Lloica Czackis

Lloica Czackis nació en 1973 en Karlsruhe, Alemania, de padre argentinos. Viviendo en Venezuela, se familiarizó con el folklore latinoamericano, interpretándolo con su familia. Luego comenzó estudios de canto con Ana Sirulnik y de dirección coral en la Universidad Católica Argentina en Buenos Aires, y en 2000 completó sus estudios en la Guildhall School of Music & Drama, en Londres, con Vera Rosza y David Pollard, becada por el Fondo Nacional de las Artes/British Council.

El repertorio de Lloica Czackis abarca un espectro musical desde el renacimiento al avant garde, incluyendo el oratorio, la ópera, y obras escritas especialmente para ella. Con el New London Chamber Choir apareció en los principales festivales europeos de música contemporánea, tambien como solista. En el 2001 realizó una gira por los Estados Unidos con la producción de Carmen de London City Opera. Lloica Czackis ha ofrecido recitales y conciertos solistas en salas de la Argentina tales como el Salón Dorado de la Casa de la Ciudad de Buenos Aires, el Teatro Colón, el Centro Cultural Recoleta y La Scala de San Telmo, mientras que en Europa figuró en St-Martin-in-the-Fields, Rosslyn Hill Unitarian Chapel, Guilford Cathedral, el Linbury Studio en la Royal Opera House, Fairfield Halls, Lauderdale House, Bolívar Hall, Canning House y The Spitz, en el Reino Unido, y en París, Berlin, Dresden, Frankfurt y Viena.


Desde 1999 Lloica Czackis concibe e interpreta programas de música latinoamericana y europea del siglo XX, tango y cabaret. Su espectáculo Tánguele: El Pulso del Tango Idish, que presenta canciones del teatro idish en Buenos Aires y Nueva York y de guetos y campos de concentración europeos, fue premiado con una Millennium Award del Jewish Music Institute, Reiuno Unido. Con arreglos musicales del reconocido compositor y pianista argentino Gustavo Beytelmann, tambien al piano y con Juan Lucas Aisemberg en viola, Tánguele fue estrenado el 9 de noviembre del 2002 en el East End de Londres, atrayendo invitaciones de numerosos festivales alrededor de Europa.

En el 2003 Lloica apareció junto al pianista y especialista en música Yiddish Zalmen Mlotek en el lanzamiento del Foro Internacional de la Cultura Idish en 2003, en Londres, y participó como actriz y cantante en la obra teatral Davka de Jane Liddell-King en el Teatro ADC en Cambridge (Reino Unido). También estrenó Terezín Karussell, un recital de canciones de cámara y cabaret escritas antes y durante la estadía de sus autores en el gueto de Terezín, con David Bloch al piano, en el Festival Brundibár 2003, en Manchester. Luego repitió este programa con Miriam Brickman y Andrew Quartermain en Londres y en el Festival Leamington 2004, Reino Unido.

Paralelamente a su carrera musical, Lloica Czackis investiga el tango idish. Ha presentado su trabajo en la revista inglesa Jewish Quarterly (Vol. 50 No. 1 (189) Primavera 2003; pp. 45-52), en el libro Recreando la Cultura Judeoargentina/2- Literatura y Artes Plásticas (Editorial Milá, Buenos Aires, 2004), y en charlas ilustradas alrededor del Reino Unido, en Limmud en Leeds y Newcastle, el Concejo de Cristianos y Judíos en Cardiff, Davar en Bristol, 'Klezmer in Sheffield, el Centro de Sobrevivientes del Holocausto, el Centro de Refugiados Judíos de Bosnia, el Instituto de Estudios Latinoamericanos y la Escuela de Estudios Orientales y Africanos de la Universidad de Londres. También publicó artículos sobre músicos judíos argentinos. Lloica es la Vladimir and Pearl Heifetz Memorial Fellow 2004/5 del YIVO Institute for Jewish Research, en Nueva York, y completó un DEA (Mphil) en la École des Hautes Études en Sciences Sociales, en París. Fuente web de Lloica Czackis