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sábado, 1 de noviembre de 2008
Kenny Rogers
Kenneth Ray "Kenny" Rogers (nacido el 21 de agosto de 1938, en Houston, Texas) es un país de América música de cantautor, fotógrafo, productor, actor y empresario.
Ha sido un gran éxito, la cartografía más de 70 hit singles a través de diversos géneros musicales y aumentar el país y el pop álbum cartas para más de 420 semanas en los Estados Unidos.
Dos de sus álbumes, El Apostador y Kenny, han figurado en los About.com encuesta de "Los 200 Más Influyentes País Álbumes nunca". Él fue votado el "cantante favorito de todos-Time" en 1986 una encuesta conjunta por los lectores de EE.UU. Hoy en día y de los Pueblos. [4] Él ha recibido cientos de premios por su música, tanto la caridad y el trabajo. Estos incluyen AMAS, Grammys, ACMs y CMAS, así como un premio Lifetime Achievement para una carrera que abarca seis décadas, en 2003 [5].
El éxito en los últimos años de 2006 incluyen despacho álbum, Agua y puentes, uno a través de la Junta afectados, que llegaron a un máximo de # 5 en el Billboard Álbumes País ventas, también la cartografía de alta en el Billboard 200. El primer single del álbum, "No puedo Unlove Usted", fue también un gráfico afectados. Resto de un artista popular en todo el mundo, al año siguiente completó una gira por el Reino Unido e Irlanda diciendo BBC Radio 2 DJ Steve Wright, el favorito de su éxito fue "El Apostador".
También protagonizó como John J. Macshayne en MacShayne: ganador se lo lleva todo y MacShayne: La Final rollo de los dados
Kenny Rogers fue el cuarto de siete hijos nacidos de Floyd Rogers, un carpintero, y su esposa Lucille, una enfermera. Rogers se graduó de Jefferson Davis High School en Houston. Según el Texas registros de nacimiento, su medio nombre es Ray, y que a veces se acreditarán en su papel de la película "Kenneth Ray Rogers."
Él ha estado casado cinco veces. Su cuarta esposa fue la actriz Marianne Gordon Rogers. Su actual esposa es la ex Wanda Miller. Él tiene una hija y cuatro hijos, entre ellos los gemelos nacidos, mientras que Rogers fue de 65.
Su carrera comenzó a mediados de los años 1950, cuando grabó con un doo-wop grupo llamado los estudiosos que habían logrado algunos éxitos con una sola llamada "pobre perrito". Rogers no era el cantante principal del grupo y más después de dos singles que se disolvió cuando su jefe fue solo.
Ahora, en el suyo propio, Kenneth Rogers (como se le facturará entonces) siguió a la ruptura con su propia única, un solo hit menor llamado "Esa Sensación de Crazy" (1958). Después de las ventas se ralentizó, Rogers se unió a un grupo de jazz llamado The Bobby Doyle Trío, que tiene una gran cantidad de trabajo en los clubes gracias a un ventilador siguientes y también registró de Columbia Records. El grupo se disolvió en 1965, y 1966 una roca de jazz único Rogers registrado para Mercury Records, llamado "Aquí el Que día lluvioso" ha fallado. Rogers también un trabajó como productor, escritor y músico de sesión para otros artistas intérpretes o ejecutantes, incluidos los artistas país Mickey Gilley y Eddie Arnold. En 1966 se incorporó a la Nueva Christy juglares como una cantante y contrabajista.
La sensación de que no eran juglares que ofrece el éxito que querían, Rogers y otros miembros Mike Settle, Terry Williams y Thelma Camacho abandonó el grupo. Ellos formaron la primera edición en 1967 (más tarde rebautizada "Kenny Rogers y la primera edición"). Chalked hasta que una cadena de éxitos tanto en el país pop y gráficos, incluido el "Somethings Burnin", "Ruby, no toma su amor a la ciudad", "Reuben James" y "Just disminuido en (para ver lo que mi condición condición En) ". En su primera edición días, Rogers tiene algo de una imagen de hippie, con pelo castaño largo, un arete, de color rosa y gafas de sol. Conocido cariñosamente en retrospectiva como "Hippie Kenny", Rogers había una mucho más suave estilo vocal que en su posterior carrera.
Cuando el grupo se dividió en 1976, Rogers lanzó su carrera como solista. Rogers pronto desarrolló un medio más de la hoja de sonido, con un poco áspero, pero expresó tuneful estilo que venden tanto a los países emergentes y las audiencias; hasta la fecha, se ha trazado más de 60 Top 40 hit singles (entre ellos más de 25 # 1's) y 50 de sus álbumes han trazado. Su música también ha sido ofrecido en principio la venta de bandas sonoras de películas, tales como convoy, Vaquero Urbano y El gran Lebowski.
Solo Artista
Para obtener una lista de singles y álbumes, ver discografía Kenny Rogers.
Después de salir de la primera edición en 1976, después de casi una década con el grupo, Rogers firmó un solo frente con United Artists. Aunque productor Larry Butler no tenía dudas acerca de Rogers talento, fue asesorado por varios colegas de no firmar Rogers, que algunos vieron como un ha-sido. Sin embargo, Butler y Rogers comenzó una colaboración que duraría cuatro años.
Rogers primera salida de su nueva etiqueta se levantó amor de mí. El trazado álbum y dos singles "Love Me Levantado" y "Aunque la sensación's Good" fueron éxitos menores. La canción "Runaway Girl" apareció en la película Trackdown. Más tarde, en 1976, Rogers publicó su segundo álbum, el auto-titulado Kenny Rogers, cuyo primer sencillo "Laura (¿Qué es Lo Que No Tengo)", fue otro éxito en solitario.
Sin embargo, el sencillo "Lucille" (1977) fue un gran éxito, alcanzando el número uno en las cartas de pop en 12 países, vendiendo más de cinco millones de ejemplares, y establecer firmemente Rogers' post-carrera Primera Edición. Sobre la base de "Lucille", el álbum Kenny Rogers llegó a # 1 en el Billboard Chart País Álbum. Más éxito fue a seguir, incluida la de varios millones de la venta del álbum El Apostador y otro internacional único Número 1, "Cobarde del Condado", tomada de la igualmente exitosa álbum, Kenny. En 1980, la Rogers / Butler asociación llegó a su fin, aunque en ocasiones reunir: en 1987 en el álbum I Prefer la luz de la luna y de nuevo en 1993 en el álbum Si sólo mi corazón hubiera una voz.
En el Kenny fines del decenio de 1970 se asoció con un amigo íntimo y el país Dottie West cantante de una serie de álbumes y duetos. Juntos el dúo tiene tres álbumes de éxito, la venta a los estadios y arenas, mientras que en gira. Sus éxitos juntos "Cada vez que dos tontos Collide", "cualquiera que no sea de mí esta noche" y "¿Qué estamos haciendo en amor" se convirtió en el país las normas. De Occidente, Kenny dijo en una entrevista TNN 1995 "Ella, más que nadie que he trabajado con cantó con tal emoción que usted realmente cree lo que canta." Rogers con West fue cuando ella murió después de sostener lesiones en un accidente de coche 1991. En 1995 protagonizó frente a Michele Lee en la CBS biopic "Grandes Sueños rotos y corazones: La Historia de Dottie West".
Más tarde, en 1980 llegó su asociación con Lionel Richie, quien escribió y produjo Rogers' # 1 hit "Lady". Richie pasó a escribir y producir Rogers' 1981 álbum Comparte tu amor, un gráfico Topper y comercial favorito con éxitos como "Yo no necesito que" (Pop # 3) ", a través de los años" (Pop # 13), y "Comparte tu amor conmigo" (Pop # 14). En 1982, lanzó el álbum El amor te convertirá Scouts. El título llegó a la pista # 13 en el Billboard Hot 100 y encabezó la AC país y gráficos. Poco después de que comenzó a trabajar con el productor David Foster en 1983 la grabación de aplastar Bob Seger cubrir "Tenemos Tonight", un dueto con Sheena Easton.
Se fue a trabajar con los Bee Gees para grabar y producir su álbum de 1983 golpeó ojos que ver en la oscuridad, con el título de la pista y, sin embargo, otro hit # 1 "Islas en el ciclo", un dueto con Dolly Parton. The Bee Gees había escrito la canción para Diana Ross [cita necesaria]. La asociación con Bee Gees sólo duró un álbum, que no fue una sorpresa teniendo en cuenta que Rogers intenciones originales fueron a trabajar con Barry Gibb sólo en una canción de Barry, pero ellos insistieron en hacer el álbum.
"Islas en el ciclo", el primer single que se publicará a partir de ojos que ver en la oscuridad en los Estados Unidos, rápidamente fue a # 1 en el Billboard Hot 100. Fue el último país solo para llegar a # 1 en el gráfico que hasta que "Asombrado" por Lonestar lo hizo en el año 2000. Sin embargo, RCA insistió en la liberación de la pista de título como el Reino Unido el primer single, la canción y se estancó en un decepcionante # 61 existe, aunque lo hizo permanecer en el top 100 durante varias semanas (cuando se liberado en los EE.UU., es más éxito, la cartografía de alta de la tabla contemporánea para adultos y haciendo que el país Comienzo de la página 30). "Islas en el ciclo" se publicó como un seguimiento único en Gran Bretaña y se vendió bien, haciendo # 7. El álbum se alcanzó # 1 en el país las cartas de ambos lados del Atlántico y que gozan de varios millones de ventas. "Tesoro Escondido", "Esta mujer" y "Evening Star" / "Noches de San Juan" fueron también todos los singles de éxito del álbum.
Poco después llegó el álbum ¿Y yo qué?, Un éxito cuyo título pista, un trío con el rendimiento Rogers, James Ingram y Kim Carnes, también fue un éxito. Si bien no ir muy alto en el país gráficos, el single "Crazy" (no confundir con el Willie Nelson-escrito Patsy Cline hit) superó gráficos del país. David Foster fue a trabajar de nuevo con Kenny Rogers en 1985 su álbum The Heart of the Matter, aunque esta vez estaba jugando Fomentar copias de la música en lugar de la producción, un papel asignado a George Martin. Este álbum fue otro éxito, va a # 1, con el título de la pista a las diez en la categoría singles charts.f
Los próximos años vieron Kenny de puntuación Comienzo de la página país varios éxitos sobre una base regular, incluyendo "hace veinte años", "Por la mañana Deseo", "Tumba de los desconocidos Love", entre otros. El 28 de enero de 1985 Rogers fue uno de los 45 artistas que se registraron en todo el mundo la caridad de la canción "Somos el Mundo" para apoyar a las víctimas del hambre en África. En enero de 1987, Kenny Rogers co-anfitrión de la American Music Awards en el Shrine Auditorium en Los Ángeles. Para 1988 a 1990, Kenny Rogers ha alcanzado el pináculo de su carrera y nuevos artistas como Garth Brooks y Alan Jackson fueron surgiendo en un clip rápido. Durante ese tiempo, dio a conocer algunos álbumes, sino que, si bien todavía los 20 principales, que ya no era la tabla Topper había sido anteriormente.
En todo el mundo el éxito
Su éxito es de todo el mundo. Él ha jugado bien muchos asistieron a los conciertos en Europa y el Lejano Oriente, donde se ha trazado numerosos singles y álbumes de la década de 1970 hasta la actualidad. Nueva Zelanda fue un gran baluarte en su primera edición días. Su mayor-1985 Hits paquete, La historia de Kenny Rogers, alcanzó el # 1 en el Reino Unido gráfico país, y cuatro años más tarde (en 1989), aún se encuentra en # 2. También trazado internacional durante ese tiempo con una serie de álbumes de estudio.
En 1983, Rogers firmado para RCA para romper un récord de dólares de los EE.UU. 20 millones de antelación. Aunque, tras el éxito de su debut en la etiqueta, los Bee Gees ojos que produce ver en la oscuridad álbum, Rogers no estaba haciendo, así como en años anteriores. No obstante, fue aún entre los primeros del mundo en las estrellas. Entre 1983 y 1990 solo se trazó no inferior a 23 Top 40 singles y 10 álbumes Top 40.
Aunque en el decenio de 1990 con la aparición de Garth Brooks, se señaló que este nuevo talento estaba vendiendo discos como nadie más había en el país la música, Rogers fue, no obstante, una fuerza dominante en incorporar la música y en su altura, fue trazar individuales (y álbumes), que fueron las carreras de la Top 40 de pop en el gráficos de todo el mundo, canciones como "Lucille", "Cobarde del Condado", "El Apostador" y "Señora" se convirtieron en los favoritos y se han mantenido tal, que Rogers uno de los más populares animadores en el circuito de turismo.
[editar] El éxito en la década de 1990
En el decenio de 1990 siguió a Rogers gráfico con singles como "En Crazy Love", "si quieres encontrar el amor" y "la más grande". De 1991 a 1994, Rogers fue sede de la Real Oeste de A & E, y en The History Channel desde 1995 (repeticiones sólo en The History Channel.). También visitó Miller durante este periodo de tiempo. De 1992 a 1995 Rogers co-propiedad y titulado Branson, Missouri, asiento 4000 del Grand Palace Theater. En 1994, Rogers publicó su "sueño" del álbum titulado reloj de Atlantic Records. Consistía de 30 y 40 de las normas de jazz, que es el tipo de música que realizó en sus primeros días con Bobby Doyle Los Tres en Houston. En 1996 lanzó un álbum Votación Por amor donde el público pidió su favorito canciones de amor y Kenny realizado las canciones (varias de sus propios éxitos fueron allí). El álbum fue el primero para el canal de TV compras QVC del sello discográfico, onQ Música. El álbum, que se vende exclusivamente por QVC, fue un gran éxito y fue posteriormente publicado en las tiendas bajo una gran variedad de títulos. Alcanzó # 1 en el Reino Unido, país gráficos bajo el título Love Songs (un título también se utiliza para diversas compilaciones), y también cruzaron incorporando a las cartas.
En 1999, Rogers anotó con el sencillo "El mejor". Una canción sobre la vida de un niño el punto de vista (miró a través de un juego de béisbol). La canción alcanzó el Top 40 de Billboard de singles chart País y es un país Music Television Número Uno de vídeo. Fue en el Rogers álbum "Ella Paseos Caballos Salvajes" el año siguiente (en sí misma un éxito Top 10). En 1999, Rogers producido también una canción específicamente para el show de ABC "Home Improvement" (protagonizada por Tim Allen y Patricia Richardson). La canción fue producida para la serie final. Se llama "Tenemos todo". La serie final de Mejoras del Hogar se llama "El largo y sinuoso camino". Se trata de tres partes. La canción se encuentra al final de la segunda parte. La canción no está en ningún álbum. Hubo un cd para que de el show, pero va por mucho dinero en eBay, cuando la de la existencia.
Más allá de la década de 1990
Kenny RogersIn el siglo 21, Rogers volvió al # 1 por primera vez en casi una década con el año 2000 solo "Me Compre una rosa", haciendo de él, a los 61, la más antigua artista en la historia de la música country para llegar a la tabla cumbre. Al hacerlo, él rompió una de 26 años, récord en poder de Hank Snow (que, en abril de 1974, fue de 59 años y 11 meses de edad cuando se anotó con "Hola Amor"). Rogers, celebrada el registro hasta 2003, cuando luego de 70 años de edad Willie Nelson se convirtió en el artista más antiguo que tiene un N º 1 sobre el país las cartas con su dúo con Toby Keith, "Cerveza Para Mi Caballos".
Rogers también publicó el álbum aclamado por la crítica Volver al Bien.
Aunque Rogers no grabar nuevos álbumes de un par de años, sigue teniendo éxito en muchos países con más paquetes de grandes éxitos. En 2004 42 Hits última, que fue la primera colección de éxitos span sus días con la primera edición de la presente, llegó a número 6 en el país de América cartas y se fue de oro. Asimismo, figuran dos nuevas canciones, "Mi mundo es de más" con Whitney Duncan y "Somos los mismos". "Mi mundo es de más" fue lanzado como una sola y fue un éxito menor. En 2005, The very best of Kenny Rogers, un doble álbum, que se vende bien en Europa. Fue el primer nuevo solo Kenny Rogers Hits Album para alcanzar el Reino Unido durante más de una década, a pesar de las muchas compilaciones de allí que no eran verdaderos éxitos de paquetes.
Rogers también firmó con el Capitolio de Nashville Records y tuvo más éxito con la TV anuncian la liberación Número unos 21 en enero de 2006. Aunque este CD contiene 21 acolchados gráfico-como el título de reclamaciones (registrada entre 1976 y el día de hoy), no se trata de una colección completa de Rogers' singles # 1, omitiendo individuales tales como "Crazy en el amor" y "¿Qué Acerca de mí ? "
Gran parte de su éxito fue con el Capitolio de 1976 a 1983 (llamado United Artists / Liberty en el momento). Es muy raro que un artista de Rogers edad que se firmó a grandes discográficas. Capitolio seguida unos 21 Número de Rogers "nuevo álbum de estudio, Agua y puentes, en marzo de 2006 en el Capitolio de Nashville Records. El primer single del álbum fue "No puedo Unlove Usted", que alcanzó un máximo de # 17 en el país las cartas, después de pasar más de 6 meses en la lista de resultados, más de 50 años después de que él formó su primer grupo y 38 años después de su primer gran éxito como líder de la primera edición. "No puedo Unlove You" fue seguida con el segundo single del álbum, "los últimos diez años (Superman)," en septiembre de 2006. El tercer single, "Calling Me", que cuenta con Don Henley, se hizo popular a principios de 2007, y fue nominado para un Premio Grammy en el 2007 los Premios Grammy. También en 2007, el 1977 "Kenny Rogers" álbum fue re-publicada como jugar un doble CD, también con la de 1979 "Kenny" y este álbum una vez más poner el nombre de Kenny en las ventas en todo el mundo. Al año siguiente, otro álbum ( "A Love Song Collection") también trazado. Actualmente vive en Atlanta.
En 2003, Kenny Rogers hizo una aparición en dos episodios de Reno 911 como a sí mismo.
Hasta la fecha Rogers ha grabado 65 álbumes, ganó prácticamente todos los de adjudicación lo que hay que ganar, y así con más de 120 millones de discos vendidos, que es el N º 8 artista más vendido de todos los tiempos.
El 26 de agosto de 2008, Rogers publicó "50 años" [6] exclusivamente en tiendas de galleta en barrica. El álbum incluye grandes éxitos, además de 3 nuevas canciones. La liberación está diseñada para celebrar Kenny del 50 º año en el negocio de la música.
Fuera de la música
Rogers también tuvo éxito como actor. 1982 Su película Seis Pack, en el que desempeñó una carrera de autos-, ocupa más de $ 20 millones en los EE.UU. taquilla, mientras que hizo para la televisión de películas como The Gambler, la Navidad en los Estados Unidos, cobarde y de la Provincia (basada el éxito de sus canciones) encabezó las listas de puntuaciones. Como empresario, que colaboró con el ex Kentucky Fried Chicken CEO John Y. Brown, Jr en 1991 para poner en marcha la cadena de restaurantes de Kenny Rogers tostadores. El pollo y costillas cadena, que es similar a la de Boston Market, era conocido que aparecen en un episodio de la sitcom Seinfeld NBC llamado "El Pollo asador". En el 27 de noviembre de 1997, de la emisión de noche con Conan O'Brien, Rogers no pudo recoger su pollo en una prueba de sabor, alegando que prefería "grasa hamburguesas".
Kenny Rogers y su restaurante son sujetos de la comedia de MADtv, especialmente la suplantación realizada por Will Sasso, el boceto de la Faux-Rogers se convirtió en anfitrión de Jackass popular en la Internet. Sasso había él haciendo ruidos como "Ding Ding Ding da Di Ding Ding Ding" y obtener sloppily borracho. Rogers apareció en un episodio de 2004 de Reno 911 como a sí mismo ser sometido a incompetentes de seguridad proporcionada por starstruck diputados del sheriff a efecto cómico.
Kenny es también la inspiración detrás de la cultura pop sitios web en Internet, menwholooklikekennyrogers.com. El sitio ofrece cerca de un millar de fotos de los hombres que miran como el verdadero Kenny Rogers, así como consejos sobre cómo buscar como Kenny, lugares para ver in situ Kenny similares, e incluso un Kenny del Mes y vende camisetas y botones. Kenny se ha llegado incluso en el expediente con su favorito "Kennys" en el sitio (Hot Tub Kenny ser su favorito) y el sitio ha aparecido en Time, People, Esquire, El Nacional Enquirer, y mucho más. Fuente Wikipedia en ingles, traduccion automatica
Dolly Parton
Dolly Rebecca Parton (19 de enero de 1946) es una cantante country, compositora y actriz estadounidense.
Nació el 19 de enero de 1946 en Sevierville, Tennessee. Hija de Robert Lee Parton y Avie Lee Owens, es la cuarta de 12 hermanos. Sus hermanos son: Willadeene Parton (poeta), David Parton, Denver Parton, Bobby Parton, Stella Parton (cantante), Cassie Parton, Larry Parton (quien murió poco después de nacer), Randy Parton (cantante), los gemelos Floyd Parton (compositor) y Freida Parton, y Rachel Dennison (actriz).
Según lo que ha dicho ella misma, su familia era "pobre y sucia". Vivían en una rústica y destartalada cabaña de una sola habitación en Great Smocky Mountains, cerca de Locust Ridge. Los padres de Dolly eran feligreses de la iglesia "Asamblea de Dios", una denominación Pentecostal, y la música formaba parte de su experiencia en la iglesia. En una ocasión, contestó al ser entrevistada que su padre era un "fanático predicador pentecostal". Hoy en día, cuando Dolly se presenta en vivo, suele cantar canciones espirituales; aunque no profesa un credo claramente definido, suele decir que "los de la tierra son hijos de Dios". Uno de los secretos de Dolly Parton es que nunca había cuidado sus uñas, por eso ahora las lleva postizas.
En 1966 y a sus 20 años, se casó con Carl Dean, quien trabajaba en el negocio de la pavimentación con asfalto en Ringgold, Georgia. Se conocieron el primer día que Dolly llegó a Nashville en 1964. Dean ha permanecido con Parton, pero siempre ha evitado aparecer públicamente, por lo que rara vez la acompaña en eventos.
Dolly, comenzó a cantar desde niña en la estación de radio local y en un programa de televisión, al este de Tennessee. A los 12 años, apareció por la televisión de Knoxville y a los 13, estaba grabando en un pequeño sello musical y mostrándose a través del show Grand Ole Opry en Nashville, Tennessee. Cuando se graduó de la secundaria en 1964, se mudó a Nashville, llevando consigo muchos elementos propios del folclore del este de Tennessee.
El primer éxito de Parton fue como compositora. Escribió grandes hits para Hank Williams Jr. y Skeeter Davis. Firmó un contrato con el sello Monument Records a finales de 1965, donde intentaron presentarla como cantante pop, pero su único single "Happy, Happy Birthday Baby" no llegó a entrar en la lista Billboard Hot 100.
Acordaron entonces dedicarla a la música country, después de que compusiera "Put It Off Until Tomorrow", grabada por Bill Phillips. Aunque participó en las armonías de la canción, no aparece en los créditos. El tema llegó al sexto lugar en las listas country en 1966.
Su primer single country fue "Dumb Blonde", una de las pocas canciones que perduran hasta nuestros tiempos sin que Dolly la escribiera, que alcanzó el número 24 en las listas country en 1967. A finales del mismo año, salió su segundo sencillo, "Something Fishy", que llegó al 17º lugar. Ambos temas ayudaron a la publicación de su primer álbum: "Hello, I'm Dolly".
Parton fue invitada a unirse al programa semanal de música country, The Porter Wagoner Show, con la finalidad de reemplazar a Norma Jean, quien se retiró. Firmó un contrato con el mismo sello musical de Porter Wagoner, RCA Victor, donde estaría durante las siguientes dos décadas. Dolly y Porter iniciaron inmediatamente una exitosa trayectoria como dúo, sumado a las carreras que ambos tenía como solistas y su primer sencillo, el cover de la canción The Last Thing on my Mind de Tom Paxton, estuvo dentro de los 10 primeros lugares de las tablas country a finales del '67 y fue sólo la primera, de más de una docena de singles exitosos, que interpretaría el dueto en los años venideros.
Como compositora ha firmado grandes éxitos. Comenzó a escribir canciones country, añadiéndoles fuertes elementos de la música folclórica basados en su educación en el humilde ambiente montañés. Ejemplo de esto son sus canciones Coat of Many Colors y Jolene, que se han convertido en clásicos. Es considerada una de las narradoras más talentosas dentro del estilo country, con muchas de sus canciones basadas en personajes y eventos de su niñez.
Permaneció en el programa de Wagoner y siguió grabando duetos con él durante siete años más. Después hizo una pausa para solidificar su carrera como solista. En 1974, su canción "I Will Always Love You" alcanzó el número 1 en las listas country.
En esa misma época, Elvis Presley señaló que deseaba hacer un cover de la canción. Parton se interesó en la idea, hasta que el manager de Elvis, Colonel Tom Parker, le dijo que debería ceder más de la mitad de los derechos publicitarios si Presley grababa el tema (procedimiento rutinario para cada canción realizada por Elvis). Dolly se negó y esa decisión le impidió ganar millones de dólares por derecho de autor.
Aunque era tildada como cantante "country" y "del oeste", Parton tuvo un mayor éxito comercial como intérprete pop y actriz. En 1977, su álbum "Here You Come Again", se convirtió en su primer disco que vendió más de un millón de copias y el sencillo homónimo fue el primer tema que llegó a los diez primeros lugares de las tablas pop. Los subsiguientes singles fueron señalados en los rankings pop y country al mismo tiempo. En este período, sus álbumes se desarrollaron específicamente para su éxito (crossover) en el estilo Pop.
Durante 1987 y acompañada de Emmylou Harris y Linda Ronstadt, lanzó el disco Trio, cuya preparación llevó cerca de diez años. Luego, en el año 1993, se hizo acompañar de dos "reinas" de la música country: Loretta Lynn y Tammy Wynette. Juntas llevaron a cabo un proyecto similar a "Trio", el álbum "Honky Tonk Angels". En 1999, colaboró en "Trio II", donde nuevamente se reunían Parton, Harris y Ronstadt.
Después de veinte años con RCA, Parton cambió a Columbia Records en 1987, donde su carrera continuó prosperando. Pero a mediados de los 1990, Dolly, junto a otras cantantes de su generación, notó que su nueva música no era bienvenida en la programación de las radios country. Grabó una serie discos Bluegrass que fueron muy aclamados por la crítica, comenzando con "The Grass is Blue" en 1999 y "Little Sparrow" en 2001. Ambos ganaron premios Grammy. Su placa "Halos and Horns" (2002) incluía una versión bluegrass del clásico tema de Led Zeppelin, "Stairway to Heaven.". En el año 2005, Dolly lanzó el disco "Those Were The Days", donde interpretaba a su manera los éxitos "folk-rock" de las décadas '60 y '70. Este CD incluía la canción "Imagine" de John Lennon, "Where Do The Children Play" de Cat Stevens, "Crimson & Clover" de Tommy James y el clásico tema folk, "Where Have All The Flowers Gone".Fuente Wikipedia, traduccion automatica.
viernes, 31 de octubre de 2008
Carel Kraayenhof y su Sexteto Canyengue
Cuando oiga el nombre de Carel Kraayenhof, te sientes el corazón del tango, el bandoneón. De tango, por lo que se dice en Buenos Aires canta acerca de la vida dentro de los tres minutos.
El bandoneón, el corazón y la voz del tango, conduce los demás instrumentos en el sexteto, con pulsátiles de poder de la Canyengue: poweful el ritmo. Canyengue es todo en el tango lo que los medios de swing jazz.
La espléndida combinación con el violín, pioano, doble bajo, percusión y voz hace que el tango un apoyo y un refugio.
Kraayenhof:,, En la Argentina la respuesta del público es fantástico. El país lleno de frustraciones históricas es más que orgulloso de que un extranjero representa su tango en todo el mundo.''
Arel Kraayenhof y su Sexteto Canyengue
Canyengue - el mágico ritmo del tango --
Desde Carel Kraayenhof Sexteto Canyengue creado en 1988, se convirtió en uno de los representantes del tango moderno en Europa. Gracias a la ayuda y el respeto de la famosa tangueros como Piazolla y Pugliese, el amor por los argentinos y su tango y la pasión para hacer esta música, Sexteto Canyengue se respete en todo el mundo.
Con los seis miembros del Sexteto Canyengue, bailarines e invitados especiales de Argentina el único sonido de una orquesta típica - la gran banda de tango a partir de la tradición de 40 vínculos - cobra vida. La pasión por el tango de todos los músicos en una explosión musical en el escenario, que la Sexteto Canyengue. Fuente web de Carel Kraayenhof
miércoles, 29 de octubre de 2008
Hank Mobley
El saxofonista Hank Mobley no tuvo la agresividad de Sonny Rollins, ni el fuego de John Coltrane, ni el toque de Stan Getz, pero posiblemente fuese uno de los saxos tenores mas sensibles del hardbop y del jazz moderno. En 1950 tocó en la orquesta de Rhythm and Blues de Paul Gayten y mas tarde, tras una breve colaboración con Lester Young, tocó con Dexter Gordon y Max Roach entre 1951 y 1953. La colaboración con Max Roach supuso una experiencia personal importante para Mobley, dado que ambos buscaban un discurso musical superador del bebop. Tras una importante colaboración con el pianista, Horace Silver entre 1954 y 1955, con quien grabaría el extraordinario: "Horace Silver and the Jazz Messengers"; Mobley entró en los "Jazz Messengers" del baterista Art Blakey, una experiencia que condicionó positivamente la carrera profesional de Mobley. Más aún, Hank Mobley perteneció a la formación original de ése quinteto que renovó el lenguaje bebop, y hacia 1960 la crítica especializada lo había incluido entre el cuadro de honor del hard bop (donde estaba también Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Sonny Rollins y Max Roach).
Hank Mobley, a menudo infravalorado, perteneció al quinteto de transición de Miles Davis, cuando sustituyó en 1961 a John Coltrane, que incluía al pianista Wynton Kelly. Este quinteto, con excelentes rendimientos de Mobley, actuó en solitario y con el acompañamiento de la orquesta de Gil Evans. En los años sesenta, con la incorporación de los jóvenes rítmicos Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, ingresaría en el nuevo quinteto el tenor George Coleman, instrumentista de una pulcra sonoridad y gran inventiva. Hank Mobley por tanto, tuvo el honor de ser uno de los saxos tenores que formaron parte en algún momento del grupo de Miles Davis, pasando junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter, Dexter Gordon, George Coleman, Sam Rivers y John Coltrane a formar ese cuadro de honor que siempre constituyeron los saxos tenores de Miles.
La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Por orden cronológico, la primera, y para nosotros la mejor, es el disco grabado en 1960 para Blue Note titulado: "Soul Station" con Paul Chambers al bajo; Art Blakey en la batería y Wynton Kelly al piano. El segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería. Un disco conceptualmente ya en línea con la vanguardia jazzistica que venia pidiendo paso y representado en el baterista Billy Higgins, uno de los músicos mas importantes en la batería del jazz contemporáneo.
Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986.Fuente apoloybaco
martes, 28 de octubre de 2008
Mario Demarco
Mario Demarco, primer bandoneón de la orquesta de Gobbi. Es el segundo de izquierda a derecha. A su izquierda Alberto Garralda. Detrás Alfredo Gobbi y el cantor Jorge Maciel.DEMARCO, Mario. (Nombre de familia: Mario Domingo Lapuncina). Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Arreglador.
Formado, por temperamento, en la proyección creadora de la escuela decarista que encabezaron Osvaldo Pugliese y Alfredo Gobbi, se perfiló desde 1950, entre los mayores cultores del tango contemporáneo.
Las versiones de Tierra adentro, Sin tacha, Canaro, La catrera y otras, registradas para el disco Pathé con su primera orquesta, evidenciaron, ya, cuanto de original, en una manera personalísima de sentir, de plasmar musicalmente y de expresar en lo emocional el tango, ofrecería luego en sus trabajos de arreglo para Osvaldo Pugliese—Quejumbroso, Emancipación, Suipacha, A mis compañeros, Patancha, grabados todos en Odeón, por dicho conjunto—; en sus acompañamientos para Edmundo Rivero—Corrientes y Esmeralda, De vuelta al bulín, Venite conmigo (discos Philips)—; para Argentino Ledesma —Pebeta linda yo te quiero (discos Odeón)—; Para Jorge Sobral—Pregonera, Te llaman malevo, Rondando tu esquina (discos Columbia)—. Y, desde luego, en las interpretaciones de corte instrumental logradas en la conducción de su orquesta como figura independiente y registradas para el sello Solfeando: Sensitivo, A San Telmo, Muy picante y particularmente, Solfeando, síntesis integral, éste, de sus novedosas ideas musicales. Lo más interesante de todas ellas —entre otros aspectos— está referido, en lo musical, al modo de cimentar el arreglo sobre un denso movimiento de bajos en permanente contraste de tiembre y de colores instrumentales, con la sutil aparición de los diseños milongueros en el trabajo de los violines, constantemente entretejidos a los solos de bandoneón —melódicos o armónicos— a las intervenciones del piano o a los temas contrapunteados en la cuerda; y en lo interpretativo, a la gran tensión emocional que, desde el punto de vista de la expresión, tienen sus realizaciones, por la siempre inesperada transición de lo romántico a lo milonguero, lograda con un señorío y un aplomo que empieza en la neta fibra con-ductora de su bandoneón cadenero. Ejecutante de excepción, su personalidad bandoneonística se ha manifestado conforme a dos modalidades de trascendente importan-cia y de antagónico contenido; aquello que, en sus arreglos para bandoneón solo, es la filigrana de exquisitos preciosismo y el tratamiento armónico de dulcísima concepción—su versión de Nieblas del Riachuelo es un ejemplo en alto grado representativo—se vuelve milonga, zapada y del más puro rango canyenguero no bien entra a presidir, con su instrumento, a los doce o catorce elementos de un conjunto orquestal, aun en la sutileza de sus solos fraseados y en la difícilmente superable calidad de sus variaciones fraseadas, como las que ejecuta en Sin tacha, El arranque, Mal de amores o Entrador (discos Pathé, 1951) o en La bordona. Sus composiciones, esencialmente volcadas al tango de corte milonga, reflejan su personalidad de intérprete; entre ellas: Entrador, Patancha, Solfeando, Sensitivo. Nació en Buenos Aires el 5 de agosto de 1917. Estudió música, desde la niñez, al cuidado del maestro Joaquín Clemente, quien fuera director de la Banda Municipal. Posteriormente, se perfeccionó cursando armonía, contrapunto e instrumentación con Julián Bautista. Tuvo lugar su iniciación profesional en 1939, como músico acompañante de la cancionista Fanny Loy, por Radio Belgrano. Al siguiente año, comenzó su carrera como bandoneón de orquesta; integró los conjuntos de Antonio Rodio, de Enrique Do Lorenzo, de Juan Canaro y —fugazmente— de Miguel Caló, antes de incorporarse al de Alfredo Gobbi, junto a quien encontró el adecuado clima de estilo para su temperamento, y del cual sólo se desvinculó en 1951, para formar su primera agrupación. En el año 1954, Julio De Caro requirió sus servicios, pasando —tras de otra breve actuación con Gobbi— a formar en la fila de bandoneones de Pugliese, con quien colaboró, además, como arreglador hasta 1959. En carácter de arreglador y de primer bandoneón integró, al año siguiente, el conjunto Stamponi-Lavié, al cual imprimió su inconfundible estilo, igualmente expresado por sus intervenciones en el acompañamiento del cantor Edmundo Rivero —como primer atril, bajo la conducción de Héctor Stamponi y luego como director—. Tanto durante su labor junto a Rivero, como junto a Roberto Rufino, se presentó en el cine Ópera y en la programación de Radio El Mundo. Fue, en 1962, Argentino Ledesma quien le confió la escritura y dirección de su marco orquestal, para la grabación de discos, así como para actuaciones cumplidas en Chile y en Buenos Aires. En 1964 integró una destacadísima línea de bandoneones en la orquesta de Joaquín Do Reyes, colaborando, también, por segunda vez y hasta la disolución del conjunto, con la agrupación de Alfredo Gobbi. Sobre la base de un grupo de juveniles y bien dotados ejecutantes, bajo su tutela, rehizo en 1965 su conjunto, al frente del cual grabó ocho tangos en su propio sello editor Solfeando y se presentó desde el primero de agosto en el Palacio Güemes. Posteriormente, continuó su labor como arreglador de acompañamientos para los solistas Miguel Montero, Rodolfo Lesica y Jorge Sobral, con quienes actuó en radio, televisión, bailes, giras y discos Columbia y Odeón. Compuso los cantables Astillas, Si sale chancleta, Desde que te dije adiós y Llegando a puerto.
Horacio Ferrer
domingo, 26 de octubre de 2008
Adolfo Carabelli
Adolfo Carabelli: Pianista, compositor y director(8 de septiembre de 1893 - 25 de enero de 1947) Nombre completo: Adolfo Leandro Carabelli
En 1947 se apagaba la vida de quien fuera uno de los músicos de formación más completa que tuvo el tango, a la vez que uno de los menos valorados y ya por aquellos años disperso en el olvido; y esto último, quizá por decisión propia. Moría solo, en su casa de la ciudad de San Fernando, el otrora brillante pianista Adolfo Carabelli.
En esa misma localidad de la provincia había nacido el 8 de septiembre de 1893; en el mismo San Fernando que ya era cuna del poeta Verminio Servetto y que poco después lo sería de otro gran músico: Francisco Pracánico.
Desde muy pequeño Carabelli cursó estudios de piano, composición, armonía y contrapunto, siempre con una orientación exclusivamente clásica (la única que dictaban los conservatorios de aquellos años) y con la fortuna de recibir lecciones de los mejores profesores en cada especialidad. Hacia los quince años, convertido en un virtuoso de primer orden y ya con varios conciertos en salas de Buenos Aires, sus educadores consideraron que no tenían más para ofrecerle y le recomendaron que embarcase rumbo a Europa, para perfeccionar su instrucción bajo la tutela de los grandes maestros italianos de entonces.
Fue aceptado como alumno en el Liceo de Bologna, lo que significó un gran beneficio para la vocación del joven. Allí tuvo ocasión de cultivarse con Alberto D'Erasmo, Luiggi Torti y Ferruccio Busoni, creador de la ópera Doctor Fausto. Recibido de Maestro Compositor a los veintiún años, le esperaba un destacado porvenir como autor y concertista en el Viejo Continente; pero la inminencia de la Gran Guerra lo obligó a retornar a la Argentina y ya de nuevo en su país complementó su cultura académica con lecciones a cargo de Gianneo y Schiumma, otros dos reconocidos docentes activos por ese entonces.
En 1917, mientras integraba el "Trío Argentina" difundiendo música clásica, conoció al pianista Lipoff (que había llegado a Buenos Aires como acompañamiento de la bailarina Anna Pavlova) y tras este encuentro su carrera dio un giro substancial. Lipoff traía consigo amplios conocimientos de jazz; Carabelli quedó deslumbrado con esta expresión y a ella se volcó definitivamente. Formó un rubro instrumental primero con Lipoff y luego con el pianista danés Friederickson; de ahí en adelante, Carabelli aplicó todo su saber clásico en el ritmo norteamericano. La primera orquesta que dirigió fue bautizada River Jazz Band.
Condujo luego, a instancias de una radio porteña recién inaugurada, una orquesta que ya llevaba su propio apellido. Con ella llegó a grabar discos para la marca Electra. Dado lo defectuoso del sonido de este sello (el concepto de edición que tenían sus propietarios puede parecer "primitivo" para una época en la que coexistían grabaciones técnicamente muy avanzadas, como las que publicaba Victor o Nacional Odeón), hoy resulta difícil apreciar en su justa medida las características de este primer acceso fonográfico que verificó Carabelli; no obstante, constituyen un auténtico documento sonoro del jazz en este período, que llega hasta 1925 aproximadamente.
La verdadera amplitud de la capacidad de Carabelli queda registrada a partir de 1926, cuando Victor lo contrata para que asuma la dirección artística del sello, encargándole al mismo tiempo la formación de una orquesta que alterne el jazz con la música típica. Gracias a Carabelli, a partir de entonces el plantel de Victor se jerarquizó más todavía, logrando la incorporación de notables músicos y seleccionando un atractivo repertorio. A la vez, el desarrollo de las grabaciones ortofónicas consiguieron una calidad de audición insospechada apenas unos meses antes.
Sin embargo, en la orquesta de Carabelli tenían más cabida el jazz y otros ritmos que la música típica; y fue así hasta que a comienzos de la década del treinta comenzaron a aparecer más regularmente las grabaciones de tangos. Para 1931 el suyo era ya un conjunto netamente identificado con lo porteño, contando con ejecutantes como Federico Scorticati, Ciriaco Ortiz, Luis Petrucelli y Carlos Marcucci en bandoneones; Elvino Vardaro, Manlio Francia y Rossi en violines; su hermano Orlando Carabelli en contrabajo; y él mismo en piano, dirección y arreglos. De vez en cuando se incluían otros instrumentos para reforzar determinados sonidos o para lograr algunos efectos. También pasaron por sus atriles Vicente Gorrese, Humberto Constanzo, Renato Zaffignani y Cachito Presas, por citar sólo unos pocos más. Entre los vocalistas estuvieron Charlo, Mercedes Simone, Carlos Lafuente, Luis Díaz, Alberto Gómez (bajo el pseudónimo "Nico") y el dúo Gómez-Vila, entre otros. Algunos discos se publicaban como "Adolfo Carabelli y su Orquesta", otros como "Adolfo Carabelli y su Orquesta Típica" y otros como "Adolfo Carabelli y su Jazz Band"; este rótulo era indistinto para la agrupación, según se ampliara o no la formación instrumental para dar cabida a batería, pistón, fagot, serrucho, etcétera, según la exigencia de uno u otro ritmo grabado.
Entre los tangos más célebres de su orquesta típica figuran las auténticas creaciones que hizo de "Mi refugio" (1931), "Cantando", de Simone (1931, con el agregado vocal de Simone y Alberto Gómez a dúo), "Felicia" (1932), "Por dónde andará" (1932), "Inspiración" (1932), "Mar adentro" (1933), etcétera. También son recordadas algunas versiones con estribillo de tangos que normalmente se ejecutan de modo puramente instrumental, como "Rodríguez Peña" (1932) y "El trece" (1932). Entre sus interpretaciones de música internacional, se destacan el fox trot "¿Cuál es su hobby?" (1931), la rumba "Negra consentida" (1932), el pasodoble "Soldadito del amor" (1934) y la canción que era éxito por Carlo Buti, aquí a la usanza local: "Vivir" (1935).
Sin figurar en las etiquetas, condujo también la célebre Orquesta Típica Victor. El talento de Carabelli otorgó una identidad reconocible a esta orquesta, ubicándola entre las mejores de su momento, y muchas veces empleando los mismos intérpretes que Carabelli convocaba para su formación propia.
Al igual que varias publicadas por Victor, y como la misma Orquesta Típica Victor que arreglara, la de Carabelli existía sólo para el disco; sus integrantes eran directores o miembros destacadosde otros conjuntos y se reunían al sólo efecto de dejar grabaciones. Para sus actuaciones en público Carabelli dirigía otra orquesta, aunque más dedicada al jazz; con ésta obtuvo renombre durante los años treinta propalándose a través de varias emisoras, como LR4 Radio Splendid y LR6 Radio Mitre.
En el cine nacional participó en la musicalización de las películas "De la sierra al valle" (1938, dir.: Ber Ciani); "Ambición" (1939; dir.: Adelqui Millar); "El ángel de trapo" (1940, dir.: José Ferreyra) y "Pájaros sin nido" (1940; dir.: José Ferreyra).
Pero a partir de 1935 su serie de grabaciones comenzó a espaciarse, hasta que en el año 1940 dejó su último disco: el Victor 38.913, conteniendo el fox trot "Pero hay una melena" y el "pasodoble torero" "Manolito Bienvenida". Se decía que un drama sentimental lo estaba afectando a un nivel tan profundo que todo en él declinaba irremediablemente. Terminó siendo despedido del sello Victor, y desde entonces sólo se dedicó a la enseñanza en su domicilio de San Fernando.
Alejado por completo del ambiente artístico, Carabelli murió el 25 de enero de 1947. Al día siguiente fallecía su vecino Servetto.
Antes de su redescubrimiento a mediados de los años noventa, en 1980 se reeditaron un par de sus grabaciones de tango en un long play evocativo titulado "Las orquestas olvidadas"; pero en su caso el olvido ya le había ganado en vida.
Héctor Ángel Benedettide
sábado, 25 de octubre de 2008
Armando Laborde
Armando Laborde con Alberto Echague, el pianista Salamanca y el bandoneón de Héctor Várela todos integrantes de la orquesta de Juan D'ArienzoArmando Laborde Cantor (27 de abril de 1922 – 12 de diciembre de 1996) Nombre real: José Atilio Dattoli
El estilo de la orquesta de Juan D'Arienzo tuvo sus adeptos en gran parte de la comunidad tanguera, de modo especial entre los fanáticos del baile, quienes se entusiasmaban por su ritmo picado y veloz.
También hubo quienes lo escucharon con indiferencia, gustosos de orquestas más musicales, mejor elaboradas y con otro tipo de repertorio. Pero nadie dudó en aquel tiempo, año 1935 en adelante, que gracias a su aparición el tango volvió a ocupar una posición privilegiada en un momento en que la música norteamericana estaba prevaleciendo.
Músicos con una concepción moderna del tango, alejados estilísticamente de D'Arienzo, no dejan de reconocer que para el resurgimiento del género, hoy se necesitaría la aparición de un nuevo D'Arienzo. Dicho esto como un ejemplo, como una expresión de deseos, ya que las circunstancias son muy distintas.
A partir de 1940, D'Arienzo tuvo dos cantores emblemáticos.Uno fue Alberto Echagüe, con un repertorio profundamente dramático, por momentos rozando lo ridículo y, en otros casos, humorístico y arrabalero.
El otro, Armando Laborde, un excelente cantor de grandes condiciones innatas, afinado y con un timbre agradable, del que muchos se han preguntado qué hubiera pasado si este hubiera intervenido en otras orquestas, más elaboradas y de ritmo más pausado. Pero lo cierto es que el ritmo de D'Arienzo lo atrapó y en esto tuvo mucho que ver el éxito de la orquesta y la buena paga. Hasta tal punto que en dos oportunidades se retiró para buscar otros rumbos y regresó. Sus retornos a la orquesta fueron acogidos con beneplácito ya que cantor y director se necesitaban mutuamente.
Alguna vez el cantor confesó: «Juan te mataba, a la velocidad que tocaba no había garganta que aguantase».
Su labor en la sala de grabación se extendió durante cuarenta años, desde su debut en el disco el 26 de diciembre de 1944 con los temas "Magdala" y "Color de cielo", hasta 1984, cuando acompañado por la orquesta del bandoneonista Alberto Di Paulo realiza diez temas para el sello Magenta, que nada agregan a su carrera, reiterando algunos éxitos de otrora y con la única novedad de "Malena".
No dejó nunca de ser un muchacho de barrio, tanto en su forma de expresarse como en sus pensamientos sencillos pero acertados.
En un largo reportaje que le hice me dijo: «Nací como José Atilio Dattoli, el 27 de abril de 1922, aunque legalmente figuro como nacido el día 30, porque mi viejo, de oficio carnicero, se olvidó al inscribirme tres días más tarde, de la fecha, todo por causa de las carreras de caballos. Hice la escuela primaria, luego el secundario y sabía de contabilidad... Luego sí, hice lo mío, cantaba con pequeños conjuntos de mi barrio, Palermo. Hice varias pruebas en algunas radios con orquestas conocidas: Manuel Buzón, Ricardo Tanturi y Horacio Salgán, entre otras. Me llevaban los amigos, pero nunca me convocaron.»
«Hasta que un día mi amigo el compositor Alberto Tavarozzi me llama al café donde yo paraba con mis amigos para tomar una copa y jugar a las cartas después del trabajo. Me dice que lo convenció a Juan D'Arienzo para que me tomara una prueba, atento que el maestro andaba buscando una voz, por la renuncia del cantor Héctor Mauré. Me prestaron unos pesos para tomar un taxi y me fui corriendo a Radio El Mundo. Lo esperamos como dos horas a D'Arienzo pero este no vino, a esa altura del partido yo creí que era un cuento de Tavarozzi, quien muchas veces solía imaginar más de lo debido.
«Pero al otro día, a la tardecita, me vuelven a llamar, esta vez era la voz de D'Arienzo. Horas más tarde me tomó la prueba, canté como veinte tangos y me aceptó. Después me enteré que el director estaba en duda entre Carlos Bermúdez, ex cantor de la orquesta de Pedro Laurenz, y yo. Optaron por mi juventud, por mi buena pinta y que era desconocido.
«El maestro me dijo: "Se tiene que aprender dos temas, se va a la casa de Juancito Díaz (pianista) y ensayan hasta que los saque".»
«Era fin de año y casi sin tiempo para ensayar con la orquesta grabé mis dos primeros temas, me temblaban las piernas.»
Todo esto transcurría pocos días antes del viaje que D'Arienzo tenía proyectado al Uruguay para la temporada en el lujoso Hotel Carrasco de Montevideo. Respecto a esta gira Laborde, comentó: «Allí empezaron las notas periodísticas, todos querían saber quién era el nuevo cantor de D'Arienzo. Entre tantas preguntas, una metida de pata, fue cuando me preguntaron qué orquesta me gustaba y yo respondí “la de Aníbal Troilo”. A la noche D'Arienzo casi me mata y me gritó “a usted la única orquesta que le gusta es D'Arienzo”.»
Otra anécdota interesante fue la de su nombre artístico: «Fui por varios días “el cantor sin nombre”. A veces me ponía uno y al día siguiente lo cambiaba. Pero a raíz de mis grabaciones en Buenos Aires, el sello discográfico exigía un nombre definitivo para la etiqueta del disco, entonces ocurrió lo increíble. Una noche que regresábamos en el ómnibus, desde el Hotel Carrasco al centro de Montevideo, a D'Arienzo se le ocurre preguntarle al conductor cómo se llamaba:
«¿Yo señor D'Arienzo?»
«¡Sí, usted!”. Con ese vozarrón tan ronco, tan suyo.»
«Yo me llamo Armando Laborde.»
«Ya está, ese es tu nombre.»
«Y así nació mi nombre artístico.»
Volviendo a su discografía junto a D'Arienzo con quien grabó 145 temas quiero destacar "Con alma de tango", de D'Arienzo y Carlos Waiss, "Desde aquella noche", de Fulvio Salamanca y Carlos Bahr, y "Una y mil noches", de Alberto San Miguel, Oreste Cufaro y Carlos Bahr. Todos de la primera etapa con el maestro.
Luego continúa con Héctor Varela con quien graba 24 temas, de los cuales sobresale "Noches de cabaret", de Alberto San Miguel y Antonio Fiasche.
En 1952 vuelve a la orquesta de D'Arienzo con un éxito entre otros: "El vino triste", de D'Arienzo y Manuel Romero.
En 1957 forma un rubro con el cantor Alberto Echagüe secundados por la orquesta dirigida por Alberto Di Paulo, grabando cuatro temas, y en 1959 regresa con Héctor Varela.
En 1964 retorna por segunda vez a la orquesta de D'Arienzo, en la que permanece hasta 1974, grabando uno de sus máximos éxitos, "Yuyo brujo", de Héctor Varela, Benjamín García y Carlos Bahr.
Sin duda, Armando Laborde fue un cantor admirado por los degustadores del mejor tango, su éxito se emparentó con el de D'Arienzo, pero paradójicamente, sus dotes artísticas no fueron aprovechadas en la medida de sus merecimientos Fuente Nestor Pinzon de Todotango www.todotango.com.ar (Gracias a Todotango)
viernes, 24 de octubre de 2008
Juan Antonio Morteo

Juan Antonio Morteo:Pianista, tecladista, compositor, arreglador y director de orquesta.
Realizó sus estudios de música en el Conservatorio Milanese de la Capital Federal, recibiéndose con la mas alta calificación a los 18 años.
Más adelante realizó sus estudios de Armonía y Contrapunto con el Profesor: Sebastián Piana.
Posteriormente estudió Música y Danzas Folklóricas Argentinas de la mano de: Ismael Moreno, José María de Hoyos, y otros.
Su natural inclinación por la música ciudadana (su padre Egidio "Yiyo" Morteo fue pianista de Domingo Federico, Lorenzo Barbero y otras orquestas), hizo que a los 19 años formara su propia orquesta, con la que debutó en la por ese entonces LS 10 Radio Libertad en un programa conducido por el recordado "negro" Brizuela Méndez, Orlando Marconi y María Ester Vignola.
Fue tan importante la repercusión con el público presente en el auditórium, que el director artístico lo invitó a presentarse con su orquesta en el mejor programa de la radio: "Lluvia de Estrellas" conducido por Alejandro Romay, (en ese entonces, Director General de dicha emisora) y que salía al aire todos los Domingos a mediodía.
Nuevamente el éxito corona esta presentación, y permite que Alejandro Romay le ofrezca actuar en la radio con su orquesta (por entonces integrada casi en su totalidad por muy jóvenes músicos).
Es así, que luego de un mes de presentaciones y reportajes por distintos programas donde se va afianzando en el gusto de los oyentes, comienza un ciclo que se irradia todos los sábados de 21 a 22 hs. como artista exclusivo de Bodegas y Viñedos Perpigñan, en el salón Auditórium, con la presencia de numeroso público que durante un año colmó las instalaciones para ver y escuchar a Juan Antonio Morteo y sus "Estrellas del Tango".
Al tener que cumplir con el servicio militar obligatorio, lamentablemente debe dejar su incipiente carrera y disuelve su orquesta.
Cumplida su obligación, un ex bandoneonísta suyo le ofrece unirse al conjunto que acompañaba a "el cantor de las madres y de las novias": Alberto Margal. Con el que trabaja en Radio Argentina y bailes durante varios meses, hasta que por una circunstancia fortuita concurre con varios amigos a una Peña folklórica, descubriendo con entusiasmo la riqueza de la música nativa, motivo por el cual, forma un conjunto para ejecutar todas las danzas argentinas.
En menos de un año, se encuentra entre los más contratados por las peñas de Capital y Gran Bs.As. Graba sus primeros larga duración, actúa en distintos programas de TV. durante aproximadamente 7 años, como: "Feria de la Alegría", "Recorriendo Provincias", "Todo Argentino"(estos dos últimos como Director musical), y otros.
Actúa también en distintos programas radiales: "Un alto en la huella", "Mañanitas camperas", "El fogón de las Peñas" y muchos más.
Paralelamente es profesor de Danzas Argentinas en distintas Instituciones como: club Cultural y Dep."17 de Agosto",club "Chacarita Jrs.", "Asociación Akarense" y otras.
Es creador de algunas danzas de proyección folklórica como "La Carreta" y compositor de otras como: "Minuet Colonial", "Feliz Cumpleaños" y muchísimas más que se bailan en todas las Peñas Folklóricas Argentinas.
Durante 7 años consecutivos tiene el halago de participar junto a Don Antonio Barros, el muy querido "Papá Ventanero" durante los famosos carnavales de "Una Ventana al Éxito", con los que obtienen siempre el 1er. puesto en recaudaciones, en clubes como Comunicaciones, San Lorenzo y Vélez Sarsfield.
Luego de más de 22 años de actuación con el género folklórico, abandona la actividad.
Y ahora vuelve nuevamente a su primer amor ... el tango, para presentarse en el sello discográfico Discos MBM como director, compositor y pianista.
El 22 de Enero de 2001, es honrado en la ciudad de Mar del Plata con el Premio "FARO DE ORO" en mérito al trabajo realizado en nuestro CD "Todos para el Tango" Vol. 2 (dedicado a: Jorge Bocacci)
jueves, 23 de octubre de 2008
Cesar Olguin
Con una trayectoria de más de 25 años de intensa labor musical dentro y fuera del tango, se ha presentado en los más importantes escenarios y salas de conciertos del país; como el Palacio de Bellas Artes, la Sala Nezahualcoyotl , el Auditorio Nacional; en los festivales culturales de Zacatecas, Xalapa, Aguascalientes, en el Sinaloa de las Artes, Centro Histórico de la Ciudad de México, Instrumenta Oaxaca y el Festival Internacional Cervantino entre otros.
Tiene en su haber 13 trabajos discográficos: "Suite Piazzollana", "Solo como un perro", "Ni tan sólo, ni tan perro", "Tango de Mier y Pesado", "Sólo como un perro 2", "Bandoneón y Guitarra", "Tango Secreto" (Ediciones Pentagrama), "Tangostinato" junto al grupo japonés "Adokín" (Liao Records - Japón), "Five for Tango" con el Cuarteto Latinoamericano de Cuerdas, "De Piazzolla en trío", "Tercetango", "Las Cuatro Estaciones" con la Camerata de Coahuila y "Jalousie" con el Cuarteto Latinoamericano (Quindecim recording).
Como solista se ha presentado con la Orquesta Filarmónica de México, Orquesta de Cámara de Bellas Artes, OFUNAM -Orquesta Filarmónica de la Universidad Autónoma de México-, Camerata de Coahuila, Orquesta Sinfónica de Aguascalientes, Orquesta Filarmónica de Chihuahua, Orquesta de la UDLA, Orquesta de la UP, Orquesta de Cámara de Universidad Michoacana, Orquesta Sinfónica Juvenil de la Universidad Veracruzana, con la Orquesta de Baja California y con la Orquesta Sinfónica de Guanajuato bajo la dirección del mtro. Enrique Batíz, entre otras.
Recientemente con la Orquesta de Baja California estrenó su suite "Tres Piezas" para Bandoneón y Orquesta.
Ha realizado giras por Argentina, Francia, Estados Unidos, Japón y Nueva Zelanda. Fuente web de Cesar Olguin
martes, 21 de octubre de 2008
Pablo Mainetti
Pablo Mainetti, nace en Buenos Aires en 1971, demostrando desde chico un particular interés por la música del tango, y es por eso que a los 14 años empieza a estudiar el bandoneón. El tomar contacto con su instrumento le genera curiosidad sobre cómo fueron construidas esas obras que se utilizan para dicho proceso musical.
Conocer la artesanía de la composición fue un elemento que influyó no sólo en la manera de escribir, sino también en la forma de interpretación de esta música, ya sea solo, en grupos de cámara u orquestas.
Comenzó sus estudios con Rodolfo Mederos, para continuar luego con Daniel Binelli, Julio Pane y Néstor Marconi.
Realizó estudios de armonía, contrapunto, orquestación y composición con Rodolfo Mederos, Gabriel Senanes y Daniel Montes.
Luego de una exitosa presentación en la Expo Sevilla ‘92, en dónde interpreta una obra de Rodolfo Mederos, con coreografía de Oscar Aráiz, se establece en Barcelona, en donde inicia la carrera de compositor en el Conservatorio Profesional de Badalona, con Alejandro Civilotti, para luego de seis años, regresar a la Argentina.
Desarrolla su actividad como bandoneonista con distintas orquestas, bajo la dirección de maestros como Atilio Stampone, Osvaldo Berligieri, Daniel Binelli, Néstor Marconi, Julio Pane, Raúl Garello, Carlos García, Leopoldo Federico, Julián Plaza, Emilio Balcarce, Sexteto Mayor, Orquesta del Tango de la Cdad. de Bs. As., Orquesta Juan de Dios Filiberto, Quinteto de la Fundación Ástor Piazzola, Octeto Electrónico Ástor Piazzola, Tango For Ever, Tango X Dos, Gustavo Santaolaya, Leo Sojatovich, Selección Nacional del Tango, y Café de los Maestros, entre otros.
Toca como solista, el Concierto de Bandoneón de Ástor Piazzola con la Orquesta del Teatre Liure (Barcelona), la Orquesta de la Cdad. de Granada, y la Orquesta Nacional de España, bajo la dirección de Josep Pons, grabado para el Sello Harmonía Mundi, y la Real Filarmonía de Galicia, bajo la dirección de Manuel Valdivieso.
Solista también con la Orquesta Sinfónica de Niza .
Junto a la Orquesta Filarmónica de Letonia , graba como solista de bandoneón la Misa a Bs. As. de Martín Palmieri. Del mismo autor estrena como solista el Concierto para Bandoneón, Mateo Opera sobre texto de Armado Discépolo. También toca la obra Pueblo Joven de Ástor Piazzola y Horacio Ferrer con la Orquesta Sinfónica de Córdoba bajo la dirección de Luis Gorelik.
Toca con la Ópera de Roma, conciertos de verano, en el Festival de Otoño de Madrid en el Círculo de Bellas Artes junto a la Orquesta del Teatre Liure.
Dirige la orquesta del espectáculo Tango-Tango, en el Cristal Palast Variete de Leipzig.
En el Ludwings Burger Schlo Bfestpiele (Alemania), toca a dúo con el guitarrista Marcos di Santi.
Escribe la música de los ballets “Diario de Unas Horas” y “Gestos del Camino”, para la compañía de baile Lanonima Imperial (España). También compone una obra para Marimba y Quinteto, “Milonga para Miles” para trompeta, bandoneón y orquesta de cuerdas (Homenaje a Miles Davis) y “Tres Rincones”, música en tres movimientos para bandoneón y orquesta de cuerdas. “Fuga Parisina” obra para Bandoneón y Orquesta de Cámara.
Lidera su propio Quinteto de Tango, con el que realiza giras por Argentina y el mundo: Festival de Tango “La Cité de la Musique” (París), Academia Chigiana de Siena (Italia), Vicenza (Italia), Festival de Porto Alegre (Brasil), Lincoln Center Festival (Nueva York), Festival de Tango de Portugal. Forma parte del “Tango Reflections Trío”, junto a Adrián Iaies y Horacio Fumero.
Acompaña a cantantes consagrados como Roberto Goyeneche, María Graña, Eladia Blázquez, Susana Rinaldi, Raúl Lavie, Guillermo Fernández, Amelita Baltar, entre otros.
Con su Quinteto graban dos discos: “Gran Hotel Victoria” y “Tres Rincones” (nominado al Grammy 2004 como Mejor Álbum de Tango).
Es convocado por Joan Manuel Serrat, La Bersuit (“La Argentinidad al Palo”), Kevin Johansen, Soledad, Carlos Cano, entre otros grupos y solistas, a grabar como invitado temas que incorporan el sonido del bandoneón.
Es invitado del prestigioso show de Ute Lemper en Bs.As. en el Teatro Coliseo, y del Quinteto de Gustavo Bergalli y Joe Lovano. Fuente web de Pablo Mainetti
lunes, 20 de octubre de 2008
Enrique Alessio
ALESSIO, Enrique. Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Surgió en 1938 entre las figuras de la Generación del Cuarenta, como primer atril de una fila de bandoneones que integraron junto a él, Manuel Daponte y Luis Bonnat, en la orquesta de Osvaldo Pugliese. Continuó en ésta cuando, a fines de 1939, y desde el palco del café Nacional, ese conjunto se proyectaba hacia el triunfo definitivo. Participó en las primeras grabaciones de dicho conjunto destacando su excelente estilo. A partir de 1945, sucedió a Emilio Balcarce como maestro-director del acompañamiento del cantor Alberto Castillo, registrando entonces sus trabajos para el sello Odeón. En 1948 continuó su carrera como director independiente, presentándose con el vocalista Mario D'Elía y grabando para el sello Pampa varias realizaciones instrumentales de mérito, dentro de un estilo reminiscente del de Pugliese; Tiny, El remate y El recodo se contaron, en este aspecto, entre sus creaciones de mayor interés. Luego de 1950 y ya disuelta su agrupación se vinculó a la de Juan D'Arienzo, desempeñándose como primer bandoneón muchos años.
En 1957, rehizo su conjunto con la participación estelar del solista José Berón, registrando esa vez sus trabajos para la casa Odeón y actuando en los programas de Radio El Mundo. Compositor de muchos tangos de fugaz apogeo en el repertorio de D'Arienzo, Mi amor y tu amor, Nosotros, El hipo, Te odio y te quiero, dio a conocer, además, Un tango para mi vieja y en colaboración con Carlos Lazzari un hermoso tango-milonga de corte moderno, Julie.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus Invitados
José Berón
BERÓN, José. Cantor. Hermano de Elba y de Rosa, de Raúl y de Adolfo Berón, nació, como éstos en Zárate, provincia de Buenos Aires. Se inició en público hacia 1930, formando dúo con Raúl, junto a quien actuó en Montevideo, en el cabaret Kity Dance y en emisoras y locales de la capital porteña. Su depurada y calificada modalidad vocal, semejante en timbre, en intención y en fraseo a la de sus hermanos Elba y Raúl, se destacó durante su prolongada actuación como solista, integrando también algunas orquestas como figura: entre ellas, la de Emilio Orlando en 1942 y la de Enrique Alessio por ondas de Radio El Mundo en 1957, grabando para Odeón. Posteriormente, registró un disco de larga duración con acompañamiento de piano y de guitarras para el sello Music-Hall, durante 1959, sobre la base de un repertorio de canciones criollas y de tangos, con versiones muy destacadas de Barrio reo, La mariposa y Yira yira.
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