Orquesta Tipica La Furca

Orquesta Tipica La Furca

Orquesta Tipica La Furca

Orquesta Tipica La Furca: Fue creada en el mes de septiembre de 1999, siendo una de las seis orquestas integrantes de un proyecto cooperativo de músicos de tango que tenía como finalidad profundizar el conocimiento del género musical, así como generar un espacio colectivo y social en el cual, músicos y público, pudieran recrear una de las identidades más importantes del Río de la Plata.

En su primer año de vida realizó distintas presentaciones en la emblemática esquina porteña de San Juan y Boedo.

Desde finales de 1999 hasta la actualidad, se presentó en “La manzana de Las Luces”, Centro cultural "La Fábrica", café "El Almacén", Club Social y Cultural “El Luchador”, en la Universidad de Buenos Aires y en el “Café Homero”, entre otros lugares. En los veranos del 2000 y 2001 la orquesta realizó giras por la costa atlántica Argentina.

A fines del 2002 La Furca grabó su primer CD, “De puro guapo”, con 14 tangos.

El grupo está integrado por músicos jóvenes con formación musical académica. Desde el estudio de la música clásica abordan el tango, con el fin de recuperar la música de las grandes orquestas que brillaron en las décadas del 40 y 50, y que luego fueron desapareciendo. Osvaldo Pugliese inspiró el estilo de La Furca, pero los arreglos son propios , en su gran mayoría. Fuente Todotango www.todotango.com.ar




Entrevista
Jóvenes, de entre 18 y 33 años, forman parte de la vigorosa oleada de orquestas surgidas en medio de la última gran crisis argentina. Un inconfundible ADN pugliesano y una doble negativa: ni cultivar la nostalgia de la gomina y el farol ni hacer rock disfrazado de tango.


En el cambio de un milenio a otro, precisamente, surgió en el país una decena de orquestas típicas de tango integradas por músicos muy jóvenes. Paradójicamente, si el factor económico –entre otros- había contribuido al desmembramiento de estas formaciones en el último cuarto de siglo pasado, ahora la crisis las exhibía como parte de una alternativa artística-laboral. Así, la Fernández Fierro, La Imperial o La Furca, por mencionar algunas, dieron un batacazo inesperado en la Argentina y aún más allá de las fronteras. De ese modo, La Furca, realizó en 2004 su primera gira europea tocando en milongas y teatros de Alemania, Italia, Noruega y Suecia, además de participar en festivales internacionales de tango como el de Berlín y Düsseldorf. Para saber cómo se produjo y por qué se sostiene este singular fenómeno que desmiente la desaparición anunciada, con empeño, de una cultura que vive, toca, canta y baila, en los barrios y cruzando el océano, Acción entrevistó a tres
integrantes de La Furca: Federico Giriboni, (33) director y chelo, Marco Ballini, (31) cantor, y Carlos Agüero (26) bandoneón.

-¿Qué hechos, factores y personas gravitaron en el surgimiento de las nuevas orquestas típicas?

Marco: -No es la primera vez que los períodos históricos artísticos tuvieron su nuevo proceso, sus vanguardias, durante el cambio de siglo. Será porque hay un espíritu de cambio inconsciente en la comunidad. A la vez, no puede obviarse la crisis: fue muy influyente sobre todo en el plano laboral. Un extremo son los cartoneros, mucha gente salió a buscar el mango de otra manera. En el caso de los músicos surgió cierta expectativa en el tango, en las orquestas típicas.

-¿Qué papel jugaron la Escuela de Música de Avellaneda y el bandoneonísta Rodolfo Mederos en el nacimiento de las nuevas orquestas?

Federico: -No se puede negar la influencia de ambos, el 80 por ciento de las orquestas salieron de ahí. Mederos formó una orquesta en la Escuela que luego se llamará Fernández Branca, después surge La Imperial y ahí nomás nosotros. Y luego, otros músicos que fueron pasando por estas orquestas o por la Escuela, o por el ambiente, han formado otras orquestas.

¿Por qué todas se referencian en Pugliese?

Federico: Creo que, simplemente, llevamos a Pugliese en el ADN. Su estilo ha sido elegido por La Furca como punto de partida, no para hacer una copia, sino en la búsqueda de una identidad propia. Y si bien Mederos fue uno de los principales impulsores de todo esto, no digo que fue algo impuesto, a la mayoría nos identificó el estilo del troesma.

Carlos: Otro aspecto tiene que ver que fue una de las orquestas que tocó hasta finales del siglo pasado, la más cercana en el tiempo para los más jóvenes.

¿Qué elementos componen el estilo Pugliese?

Federico: Son texturas musicales más complejas, identificaciones cadenciosas en la base y un juego con las intensidades y con el tiempo, siempre buscando contrastes en los distintos lenguajes de la música: movimientos, velocidad. Por caso, un tuttis (toca toda la orquesta) e inmediatamente un solo. Son cosas que pueden utilizar todas las orquestas, pero él las explotó más y de ese modo tan singular. Es una orquesta con la cual no te podés aburrir, jamás.

Carlos: Pugliese fue la más avanzado en orquesta típica, después de él no hubo ninguna que haya generado esa adhesión masiva, ni logrado un sonido más actual, más moderno, más roquero si se quiere. Es lo más alejado a los estilos tradicionales, por ejemplo de Di Sarli o Darienzo que son orquestas más restringidas. Él mantuvo un lenguaje bien tanguero y al mismo tiempo fue el más osado en incorporar cosas distintas. Supo ir más allá.

¿Cuantos integrantes tiene La Furca?

-Carlos: Somos doce con el cantor. Cuatro bandoneones, cuatro violines, contrabajo, piano y chelo.

¿Qué tipo de funcionamiento los organiza en cuanto al dinero?

Federico: Funcionamos como una cooperativa. Se divide la plata en partes iguales. La diferencia que tenemos con la orquesta de Pugliese es que ellos dividían de acuerdo al trabajo de cada integrante: el que arregla cobraba más, por ejemplo. Acá, si querés un poco injustamente, cobramos todos lo mismo.

Y además de tocar en La Furca, ¿qué hacen, de qué viven?

Federico: La mayoría de la música, dando clases por ejemplo. Ahora tenemos un pianista médico, un bandoneonísta ingeniero en sistemas pero es sólo bandoneonísta, un arquitecto que canta. Todos músicos salvo el pianista que también hace medicina familiar.

-Ustedes tomaron el estilo Pugliese como un punto de partida, luego iniciaron un recorrido que ya lleva seis años, y ¿hacia dónde van?

-Marco: -Lo que consideramos clave para el desarrollo y el crecimiento del tango en este momento es la vinculación social. Todo lo que signifique que nuevas generaciones empiecen a identificarse, a encontrar héroes, antihéroes, espacios donde divertirse y encontrarse dentro del tango. Se trata de convertir la cultura que tenemos guardada en un museo en algo vivo y cotidiano. Lo clave es el posicionamiento social del tango.

Algo de esto, ¿no se está insinuando?, porque si yo quiero ir a una milonga puedo hacerlo de lunes a lunes en Buenos Aires.

-Carlos: Sí, pero en general es baile. Yo escuché a un “caballero” decir que el tango hoy es una pareja bailando. Y con eso no hay acuerdo. No es sólo baile.

En un ensayo sobre las orquestas típicas, María Liska sostiene que el hecho de que los jóvenes se expresen en el estilo Pugliese guarda cierta vinculación con la coyuntura social, y que redefine el músico de tango cómo actor social...

Federico:- Está claro que quienes integramos una orquesta típica no esperamos convertirnos en Rockquefeller. Cuando digo que vivimos de la música no es que vivimos de la orquesta. Te dije dando clases, pero otros tocan en el subte, yo dirijo un coro, otro es luthier. O sea, la orquesta no es un modo de ganar dinero fácil. Por el contrario, los cachets son bajos y hay que dividir por 12 personas. Nos podíamos haber desintegrado miles de veces. Pero si lo seguimos es porque sentimos hacerlo, es porque tenemos algo que decir.

Marco: Con nuestra actividad estamos diciendo: “vamos a encontrarnos, vamos reconocernos como pares, vamos sabernos próximos”. El valor que tiene esta identidad cultural fue despreciada de una forma terrible, y aún lo es: basta mirar a Tinelli. De alguna manera tenemos la esperanza de cumplir, humildemente, un rol histórico: tratamos de trasmitir a las nuevas y futuras generaciones las pistas de un camino que hay que encontrar para no hundirnos en el anonimato.

-¿Qué edades tienen los integrantes de La Furca y qué segmento de público los va a ver?

Federico: Nosotros vamos de los 18 a los 33. Y el público de treinta para arriba. ¿Por qué? Porque esta orquesta no quiso disfrazar el rock de tango. Así como reniega de ponerse gomina y tocar bajo un farol con sombrero, así reniega de ponerse una remera de los Rollings y tachas, o matar pollitos en el escenario, porque no es nuestra forma de ser. Creo que tenés que tocar en el escenario vestido del mismo modo en que podés ir a comprar pan el domingo.
Fuente: Oscar Castel(Esta entrevista fue publicada recientemente en la revista Acción, a quien agradecemos la gentileza de poder reproducirla) AGENCIA DE COMUNICACION RODOLFO WALSH

Antonio Agri

Antonio Agri en junio de 1973, cuando integraba el quinteto de Piazzolla; con él Miguel Ángel Manzi, Hugo Balzo, Agri y Osvaldo Tarantino.

Antonio Agri en 1971 con otro estilista de) violín: Hugo Baralis. Foto tomada en la cantina de Pierino, Lavalle y Billinghurst.

Antonio Agri: Nació en Rosario (Santa Fe) el 5 de mayo de 1932 y murió en la ciudad bonaerense de Lomas de Zamora el 17 de octubre de 1998. Fue uno de los mayores violinistas del tango.
La frase de Piazzolla se ha repetido muchas veces: Tengo un violinista que es Vardarito, Francini y Bajour al misno tiempo, pero se llama Antonio Agri. El fenómeno había sido elegido para formar en el quinteto Nuevo Tango, en abril de 1962. Elvino Vardaro, Enrique Mario Francini, y Szymsia Bajour habían tocado ya con Piazzolla, cada uno con lo suyo, con su propio virtuosismo y su intransferible sonido. También había militado a sus órdenes otro violinista preclaro, Hugo Baralis; todos ellos, ramas de un mismo árbol a cuyo tronco, quizás indefinido aún, gustamos nombrar Negro Casimiro. David Tito Rocatagliata, Alcides Palavecino, Ernesto Ponzio, Agesilao Ferrazzano, Manlio Francia, Julio De Caro, Cayetano Puglisi, Remo Bolognini, Pepino Bonano con su violín corneta, Raúl Kaplún, Antonio Rodio, Reynaldo Nichele son otras ramas de una densa progenie que multiplica de manera desmedida el tejido de referencias y comparaciones.

Y propone, además, un calificativo inquietante: tanguero. Porque el tango requiere (o, al menos, admite) virtuosismo y musicalidad, pero sobre todo exige tanguedad. ¿Era el de Antonio Agri un violín tanguero? Esto de ser tanguero es cosa del fraseo. Y el fraseo es cosa de la entonación, cosa del dejo arrabalero, canyengue, esquinero cuando menos, con que se expresan los instrumentos músicos, comenzando por la voz humana. Y como cada tanguero tiene su propia tanguedad, que habita en su corazón pero condiciona sus oídos, toda inquisición y toda revaloración al respecto sólo pueden plantearse en jurisdicción de la más estricta subjetividad. Por eso, para unos el paradigma o poco menos de la tanguedad es Baralis. ¿Por qué razón no lo mencionó Astor como ingrediente de ese cóctel fabuloso que fue Agri?

De todas maneras, pese a su familiaridad con la música grande y a la admiración que le profesaban excelsos violinistas de aquende y allende el océano, Agri tenía él mismo un look tanguero, cierto cancherismo, cierto decir sin decirlo guarda, ahí va la posta, que trascendía suburbio. Además era modesto, afectivo, de rara calidez, de llaneza admirable, que invitaban a decir de él lo que la liturgia dice de Santa Cecilia, la patrona de la música: que ella misma era una melodía. En el caso de Agri, una melodía de arrabal.

En sus meses postreros, acosado por el cáncer, Agri había conquistado la admiración de grandes músicos y trabajaba en una obra propia, él, que negaba ser compositor. Por entonces anotaba que los europeos se entusiasman cuando escuchan los silencios bien colocados y que grandes músicos europeos se quedan maravillados por los yeites tangueros de mi violín. "Yeite" es palabra de ardua definición. Un sinónimo lunfardo es "rebusque", una suerte de apartamiento ingenioso de lo convencional o regulado. Con el mismo sentido, Piazzolla empleaba la palabra "roña". Hay tangos exquisitos, refinados, como Flores negras, como Los pájaros perdidos, pero para que suenen a tango es necesario ponerles un poquito de roña, un poquito de fango arrabalero. Sebastián Piana hablaba de cadencia, y venía a ser lo mismo. Y uno se pregunta si la tanguedad reside, al fin, en esos "yeites", en esa "roña", en esa cadencia que tal vez no puedan ser captadas por el oído más agudo si su dueño carece de un prolongado ejercicio de la porteñidad.

Agri nos dejó en plena madurez, es decir, cuando era el Agri total; cuando nadie lo habría confudido con un cóctel de Bajour, de Francini y de Vardaro. Con él se fueron sus "yeites" tangueros, totalmente personales e intransferibles, como la roña de Piazzolla y la cadencia de Piana. Nos queda, en los compactos, el sonido hermosamente canchereado de su violín y, a algunos, también, la huella de su ternura y la lección de saber ser, al mismo tiempo, en cada acorde, en cada nota, un artista exquisito, un profesional responsable y un hombre cabal, cada uno todo entero en el otro.Fuente:José Gobello

Biografia II

AGRI, Antonio Pablo. Músico. Violinista. Director. 5 de mayo 1932 - 17 de octubre 1998)
El más importante violín de la generación de 1955 y uno de los mayores arcos del tango todo. Marcadas semejanzas de estilo, sensibilidad y temperamento interpretativo con Elvino Vardaro, concurrieron—en principio— a perfilar su personalidad, absolutamente inconfundible; luego, en su originadísima manera de ejecutar y "decir" la frase, de un modo sutil, hondo, rico, que valora y expresa cada nota ejecutada. Su tarea de solista en Retrato de Alfredo Gobbi, Ciudad triste, Los Mareados, Éxtasis, Romance del diablo. La mufa, Milonga del ángel, Otoño porteño, Maria de Buenos Aires—temas todos realizados con su actuación como figura de los conjuntos de Astor Piazzolla— y en todas las realizaciones de su propia agrupación, es altamente representativa de su modalidad, en la que se aúna la gran fuerza emocional del más puro rango tanguero con el maduro dominio de su instrumento. Nació en Rosario, provincia de Santa Fe, el 5 de mayo de 1932. El maestro Dermidio Guastavino fue su profesor de música. Debutó profesionalmente en 1947—a los quince años de edad— integrando un cuarteto en Córdoba. Posteriormente se desempeñó en el conjunto Los Provincianos y en las orquestas de José Sala, José Corna y Antonio Ríos. También en su ciudad natal, integró con Antonio Ríos, José Puerta y Omar Murtagh el cuarteto Los Poetas del Tango y condujo el Quinteto de Arcos Torres-Agri. Ejecutante de la Sinfónica de Rosario, Nito Farace y José Márquez lo vincularon a Astor Piazzolla. Debutó con éste en el quinteto Nuevo Tango en abril de 1962, acompañándole, desde entonces, en todas sus presentaciones: en el Nuevo Octeto de 1963 y en las giras por el interior de la Argentina y a Río de Janeiro, Estados Unidos y Uruguay. Simultáneamente, prestó su concurso a las orquestas de Osvaldo Fresedo, Aníbal Troilo, Horacio Salgán, Roberto Pansera, Mariano Mores y al conjunto del bandoneonista Alberto Caraciolo. En 1968, siempre como violín solista, grabó María de Buenos Aires de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer, Pulsaciones y Adiós, Nonino —tres discos de larga duración con Piazzolla, en Trova—. Al año siguiente, actuó con éste en Michelángelo, y en 1970, en los recitales del quinteto de Astor en el Teatro Regina —registrados en vivo por RCA—, tocó la viola en la versión de Invierno porteño.
Desde el 10 de noviembre de 1971 integró el Conjunto 9, con el cual grabó los dos volúmenes fonográficos para Víctor, participó en las giras por catorce provincias auspiciadas por la Municipalidad de Buenos Aires, tocó —también en el 72— en Roma, en el Teatro 10 de la RAI y en el Instituto(italo-latinoamericano de Cultura; en Caracas y en Río, en el Colón y en la película Argentinísima. Cuando Piazzolla reconstituyó su quinteto, actuó con él en las turnes por Río y San Pablo (1973), en el Olimpía de París (1974) y en 1975, siguió siendo concertino destacado en la nueva formación que el compositor de Suite Troiliana presentó en Canal 13 y en La Ciudad. Desde junio de 1976 se constituyó en director de su propia agrupación de instrumentos de arco (violines, violas, cellos y bajo), debutando con dos recitales en el Teatro San Martín (sala Casacuberta). Con la colaboración de diversos arregladores —Aquiles Roggero, Roque De Pedro, Omar Torres, Rodolfo Alchourrón, Martín Darré, Rodolfo Mederos y Omar H. Valente—, cultivó un repertorio generísticamente variado, pero básicamente tanguístico, en el que volvió a ofrecer su admirable sensibilidad de intérprete. Ha tocado, también, en el Teatro del Carmen, en el Club Hípico y en Michelángelo durante toda la temporada de 1977.
Horacio Ferrer

Cecilia Milone

Cecilia Milone

Cecilia Milone

Cecilia Milone

Cecilia Milone nació en Buenos Aires el 7de marzo de 1969. A los 16 años comenzó a tomar clases particulares de arte escénico con María Vaner. Al terminar la escuela secundaria, ingresa al Conservatorio Nacional de Arte Dramático, estudios que abandonó apenas iniciados. Consiguió su primer empleo como recepcionista en un bufete jurídico y continuó tomando cursos de actuación, canto y técnica vocal.

En 1991, recién cumplidos sus 22 años, fue seleccionada como la protagonista femenina de la obra musical "Drácula", de Pepe Cibrián y Ángel Mahler.


En 1993, realizó su primera labor en televisión en algunos capítulos de "Son de diez"; ese mismo año logra su primer contrato en la tira: "Con pecado concebidas" (Canal 9). En 1998, a partir de una incursión en el ciclo "Verdad – Consecuencia", fue convocada para ser parte de la exitosa "Gasoleros".


Dentro de su labor teatral vale destacar: "Masculino singular", junto a Jorge Rivera López y a Beatriz Taibo (1995); "La zapatera prodigiosa" (1996); y "Boeing Boeing, producción de Nito Artaza con las actuaciones de: Rodolfo Ranni, Fabián Gianola y Ana Acosta.

Milone presentó en el año 2000 su primer trabajo discográfico como cantante solista "Besos brujos – Entre tangos y boleros". Este disco surgió a partir del espectáculo "Cecilia Milone, entre tangos y boleros", que la actriz y cantante presentó en La subasta, Mar del Plata y en el Complejo La Plaza.

Integró la compañía de "Lo que el turco se llevó", junto a Nito Artaza, Miguel Ángel Cherutti, Graciela Alfano y Mario Sánchez, que se puso en escena en el Teatro Atlas de Mar del Plata (temporada 99’/2000), y en el Teatro Astral de la Capital Federal.

Durante el 2001 presentó su espectáculo "Cecilia Milone, una mujer" y filmó la película "Sólo un ángel", junto a Osvaldo Laport, aún no estrenado.

En el 2002 actuó en "Poné a Francella". En 2003 protagonizó nuevamente "Drácula" junto a Juan Rodó en el Teatro Ópera y emprendió una gira por nuestro país que se extendió durante todo el año. Con Rodó interpretó Musicales Argentinos en el Teatro Gran Rex.

Actualmente, protagoniza junto a Ana Acosta, Catherine Fulop, Anita Martínez y Julia Zenko "El show de las divorciadas", pieza de Manuel González Gil y Martín Bianchedi que se ofrece en el Complejo La Plaza.

Durante el 2005 participó en la tira "Los secretos de papá" y ofreció su show "La morocha del abasto". El 19 de octubre, debutó en el Teatro Metropolitan junto a Carlos Perciavalle y un gran elenco en "Corrientes, esquina glamour", de Gerardo Sofovich.

A partir de enero de este año presentó en Mar del Plata su unipersonal "Recuerdos surtidos" todos los lunes en el Hotel Costa Galana, con el que obtuvo una nominación al premio "Estrella de Mar". Fuente Gobierno de Mendoza

Roberto Maida

Roberto Maida en Paris en 1933

MAIDA, Roberto. (Nombre de familia: Domingo Maida). Cantor. Compositor. Voz clásica entre las de los vocalistas que actuaron de 1925 a 1940, su estilo, de características propias procedió —en lo fundamental—del de Carlos Gardel. Nació en Buenos Aires, barrio de Balvanera el 3 de marzo de 1906. Debutó cantando en público en eí escenario del 2do. Coliseo y actuó asimismo en el Select Buen Orden. En 1928 juntamente con Alfredo, Ricardo y Carlos Malerba, Alberto Cima y Miguel Caló, integró parte de la embajada de tango que formó Cátulo Castillo para actuar en ciudades de España. Con dicho grupo cantó en Sevilla, Barcelona y Madrid, desvinculándose luego del mismo para viajar a París. A su regreso ingresó a la compañía de revistas que en el Teatro Sarmiento regenteaban Romero y Bayón Herrera con Sofía Bozán, Gloria Guzmán y Pedro Quartucci como figuras. Con ellos volvió a actuar en Europa durante 1931. A su regreso en febrero de 1934 Francisco Canaro lo incorporó a su orquesta, con sus más celebradas realizaciones: los tangos Frío, Condena, Cambalache, entre ellas. En 1937 dirigida por Argentino Galván presentó su propia orquesta en el Dancing Ocean. Posteriormente en 1942, integró como vocalista la orquesta de Antonio Sureda ensus actuaciones por radio Belgrano. Fue compositor de varios tangos. Entre los mismos Baile de disfraz y Aquellas cartas. 
Gentileza de Horacio Ferrer para el Tango y sus invitados

Alberto Castellanos

Alberto Castellanos en radio el Mundo en Abril de 1939

CASTELLANOS, Alberto. Músico. Pianista. Director. Compositor. Arreglador. Estudió inicialmente violín con Roberto Torterolo, cursando más tarde piano con Luis Romaniello y composición con Constantino Gaito. Debutó profesionalmente junto a René Bathon, director orquestal de la compañía del coreógrafo Diaghilev, que había llegado a Buenos Aires para actuar en el Teatro Colón.
Colaboró, luego, durante cuatro años, con la Pavlova; al cabo de esta labor, fue contratado por la compañía Glucksmann para formar y dirigir una pequeña orquesta de salón; la condujo en el Grand Splendid y entre sus músicos se contaron Remo Bolognini, José María Castro y Albérico Spátola. Cuando el advenimiento del cine sonoro —época en que fueron suprimidas las orquestas en las salas cinematográficas—la casa de grabaciones Columbia requirió sus servicios para dirigir una agrupación orquestal estable. Con ésta acompañó en el disco a diferentes intérpretes vocales, la cancionista Tania, entre ellos. Fue, a la sazón, apalabrado por Carlos Gardel —ya éste en su postrera etapa de proyección internacional— para que le sirviera de asesor musical en su próxima actividad. Partió en compañía del cantor el 7 de noviembre de 1933, a bordo del "Conte Biancamano". Se trasladaron de inmediato a Nueva York, donde él escribió los arreglos de acompañamiento para la orquesta que dirigió Hugo Mariani, secundando las presentaciones de Gardel en la National Broadcasting Company. Colaboró también con éste en las composiciones, los arreglos y la conducción instrumental de las películas Cuesta Abajo (estrenada en 1934) y El Tango en Broadway (estrenada en 1935) dos tangos suyos se incluyeron en ellas: Viejo tiempo (que grabó la orquesta de Rafael Canaro en París) y Ausencia (que años después registró en disco la orquesta de Osmar Maderna). Estas dos composiciones, de exquisita realización melódica ambas, y Nuestra casita —concebida dentro de idéntica tesitura y grabada por Fresedo luego del 40—formaron lo capital de su obra de compositor juntamente con Saudade, el menos difundido de sus tangos. Una vez concluida su tarea en Estados Unidos, regresó a Buenos Aires —desertando, por tanto, de la gira que llevó a Gardel y a la mayoría de sus acompañantes a la muerte. Durante muchos años se desempeñó como director artístico de Radio El Mundo. Falleció en Buenos Aires el 23 de setiembre de 1959. 
Horacio Ferrer

Mireille Mathieu

Mireille Mathieu

Mireille Mathieu

Mireille Mathieu

Mireille Mathieu: Justo van a hacer 30 años que esta gran cantante francesa comenzó su extraordinaria carrera, al presentarse el domingo 21 de noviembre de 1965 en uno de los programas más vistos de la televisión francesa, “Télé-Dimanche” como concursante del “Jeu de la Chance”, sección en la cual jóvenes aficionados de la canción demonstraban sus aptitudes. Aquel día, la entonces desconocida Mireille Mathieu interpreto una melodía bastante popular en Francia: “Jézébel”, del repertorio de Edith Piaf, desaparecida apenas dos anos antes. La respuesta del publico en el estudio, así como la de los televidentes, fue inusual. Evidentemente, esta chica venida del sur del Francia a Paris con el sueno de convertirse en cantante profesional, tenia una voz privilegiada y una presencia que hizo despertar de inmediato la simpatía en todos aquellos que acababan de descubrir a la que pronto seria una de las mas grandes figuras de la canción mundial.
El señor Johnny Stark (fallecido en 1989), empresario artístico muy reconocido en Francia, se hizo cargo de esta joven promesa desde el primer momento, haciendola en menos de un ano una artista de talla internacional. Habiendo viajado ya, en estos pocos mese, a algunas naciones de Europa y a los Estado Unidos de América, en el otoño de 1966 aparece la primera grabación de Mireille Mathieu: “Mon Crédo”, escrita especialmente para ella por Paul Mauriat, en un disco de 45 RPM conteniendo otros tres temas, del cual son vendidas mas de 1 millón 220 mil copias en cinco meses, solamente en Francia. Este sencillo apareció de igual modo de Alemania, Argentina, Brasil, Canada, Dinamarca, España, Estados Unidos, Gran Bretaña, Israel, Italia, Japón, México, Portugal y otros. El álbum de larga duración “En direct de l”Olympia”, que incluía “Mon Crédo” y otros temas que alcanzaron un éxito notable en toda Europa, como “Un homme et une femme”, “Qu’elle est belle”, “Celui que j’aime”, “Viens dans ma rue”, también fue editado en todos los países mencionadas y hasta algunos mas, como África del Sur, Líbano o Uruguay.

A lo largo de sus primeros veinte anos como estrella de la canción, Mireille Mathieu obtuvo éxitos por todo el mundo: sus discos eran editados en los cinco continentes; igualmente, realizo presentaciones personales y conciertos en un gran numero de naciones. A partir de 1966 y durante buena parte de los anos setenta, se convirtió en las mas grande vendedora de discos en su país como en el resto de Europa, particularmente en Alemania, donde es enormemente apreciada. Por citar un par de ejemplos, “Paris en colère” (tema de la película “Paris, brûle-t-il/Arde Paris” rebaso los 670 mil ejemplares vendidos en 1966-1967; el sencillo “Pardonne-moi ce caprice d’enfant” vendió unas 540 mil copias en 1970. En 1985, Mireille Mathieu celebro estas primeras dos décadas con un par de álbumes: La demoiselle d’Orléans/Made in France” y “Les grandes chansons françaises”. Este ultimo LP apareció en Alemania, Argentina, Brasil, Canada, Corea del Sur, España, Francia, Italia, Japón, México, Portugal, Suecia, Venezuela, Yugoslavia. Como en sus primeros anos, continuaba tendiendo un nombre que interesaba en todo el mundo, sumando para entonces mas de 100 millones de discos vendidos. En enero y febrero de 1986 presento un espectáculo en el Palacio de los Congresos de París: “Mireille Mathieu Made in France”, donde interpreto sus mas grandes éxitos así como nuevas canciones de sus dos últimos álbumes. Tras trece anos de no actuar en Paris, esta temporada de conciertos tuvo un éxito extraordinario, con llenos de casi 4 mil espectadores cada noche a lo largo de 30 fechas.

En los anos subsecuentes, la actividad de Mireille Mathieu no disminuyo. De hecho, ha continuado conquistando nuevos públicos. Durante abril y mayo de 1986 estuvo en China, siendo las primera cantante extranjera invitada por el Gobierno de la República Popular China. Para esta serie de conciertos, fue necesario desplazar 15 toneladas de equipo desde Francia. El recibimiento por parte del publico chino fue excepcional. Ademas, habiendo grabado ya en alemán, español, francés, ingles, italiano y japones, realizo una canción en lengua china, la canción “Moliroah” (Flor de jazmín), en vista des impacto que causo su interpretación durante los recitales en este país. Para finales de 1986, en Pekín y Shanghai habían sido vendidos 3 millones de casetas. En junio de 1987 visito la entonces URSS para dar una serie de 10 conciertos en Moscu y otros 10 en Leningrado (San Petersburgo); las salas de ambas ciudades, con capacidad para 20 mil y 18 mil espectadores respectivamente, se encontraron totalmente llenas en cada una de estas presentaciones. Durante esta gira, Mireille Mathieu fue acompañada por 95 músicos de la Orquesta Sinfónica de Radio Moscu mas 12 músicos franceses y los Coros de la Armada Roja, integrados por 80 elementos.

En 1988, sus canción “Ma délivrance” (Mi entrega) ocupo el primer lugar durante varias semanas en el Canada francófono (Québec). En Francia, sus canciones de mayor éxito en los anos recientes han sido “L’enfant que je n’ai jamais eu” (El hijo que nunca he tenido, 1988), “La violence, celle qui tue avec les mots” (la violencia, esa que mata con las palabras, 1989) y “Ce soir je t’ai perdu” (Esta noche te he perdido, 1990). Ofrece de nuevo una temporada de conciertos en el Palacio de los Congresos de Paris, ano recibe un Disco de Oro en España por las ventas de su primer álbum en español, “Embrujo”, aparecido no solamente en España, pero también en los Estados Unidos, México, Francia, y Venezuela.

Un otro álbum en español, que tuve mucho suerte por su grande publico en España, salio en 1991: “Una mujer”, donde canta, entre otras, algunas canciones de su carrera francesa en español: Santa María del mar, y dos canciones de Piaf: Señor (Mon Dieu) y La vie en rose.

Un disco en 1993, “Mireille Mathieu chante Piaf” es un homenaje a la legendaria cantante francesa Edith Piaf, fue presentado en Francia el 11 de octubre de 1993, fecha de sus trigésimo aniversario luctuoso; también salio en los Estados Unidos en enero de 1994, donde esta siempre disponible. También apareció una versión grabada íntegramente en alemán, “Untar dem Himmel von Paris” (Bajo el cielo de París).

La discografía de Mireille Mathieu es sumamente extensa. A lo largo de estas tres décadas ha grabado alrededor de 40 discos de larga duración en francés, casi 30 en alemán, numerosos sencillos en alemán, español, francés, ingles, e italiano, recopilaciones de éxitos aparecidas en distintos países, grabaciones en vivo de conciertos en Canada, Francia, Japón, Líbano y URSS. En la realización de sus discos han intervenido personalidades reconocidas internacionalmente en el mundo de la música: Paul Mauriat, Placido Domingo, Julio Iglesias, Charles Aznavour, Don Costa, Lee Holdridge, Francis Lai, Michel LeGrand, Paul Mauriat, Ennio Morricone, Jean Claudric, y Barry Manilow, entre otros.

En los últimos dos anos, su actividad se ha centrado en la promoción del álbum, “Mireille Mathieu chante Piaf”, realizando programas de televisión o conciertos en Alemania, China, España, Finlandia, Francia e Italia. Entre sus proyectos inmediatos esta la promoción de su nuevo álbum francés, “Vous lui direz”, salio el 20 de noviembre 1995, un día antes de su aniversario de 30 anos de carrera. En octubre, fue en Canada con motivo de la salida des CD “Mes plus belles chansons d’amour”, recopilación de sus mas grandes éxitos en ese país. Y por supuesto, celebrar con su publico en el mundo entero treinta anos de canciones, a cumplirse de 21 de noviembre de 1995.

Fuente: Redactado por Julio Alejandro Báez Barrientos, D/F. México, octubre 1995 de la web de Mireille Mathieu

Manuel Pizarro

Manuel Pizarro, primero desde la izquierda, en París con Gardel, el empresario Pierotti,Roberto Maida, el cónsul Escofés, y su hermano Salvador en el Villa Rosa Pigall(1931).



Manuel Pizarro, con su bandoneón (centro) con los músicos de su orquesta en París, 1925: Domingo Pizarro, Carlos Filipotto, Miguel Tanga, Godofredo Minet, Eduardo Blotz y Dávila Miranda.

PIZARRO, Manuel. Músico. Bandoneonista.
Director. Compositor. Nombre asociado a la permanencia del tango en Europa, adonde llegó juntamente con una pléyade de ejecutantes rioplatenses en pleno apogeo de nuestra música popular en el ámbito internacional. Porteño, inició lo fundamental de su trayectoria como segundo bandoneón de la orquesta de Eduardo Arólas durante la ac-
tuación del celebrado compositor de La talia en el cabaret Tabarín. Arribó a Marsella el 6 de agosto de 1920 debutando en el dancing Fontaine de París poco después. Número central del afamado cabaret El Garrón realizó incontables giras por el Báltico, el Mediterráneo y el Cercano Oriente. Propietario de L'Aiglon donde actuó a lo largo de
muchos años con los cantantes Roberto Maida y Juan Giliberti. Grabó discos para la Odeón de Francia. Compositor de algunos tangos difundidos como Todavía hay otarios y Noches de Montmartre, pertenecen también a su repertorio Quién me ha visto y quién me ve, Amigos, No sufras corazón, Batacazo, Pablo Podestá, El rebote, ilusión
y Una noche en El Garrón.

Kenny Rogers

Kenny Rogers

Kenny Rogers

Kenneth Ray "Kenny" Rogers (nacido el 21 de agosto de 1938, en Houston, Texas) es un país de América música de cantautor, fotógrafo, productor, actor y empresario.
Ha sido un gran éxito, la cartografía más de 70 hit singles a través de diversos géneros musicales y aumentar el país y el pop álbum cartas para más de 420 semanas en los Estados Unidos.
Dos de sus álbumes, El Apostador y Kenny, han figurado en los About.com encuesta de "Los 200 Más Influyentes País Álbumes nunca". Él fue votado el "cantante favorito de todos-Time" en 1986 una encuesta conjunta por los lectores de EE.UU. Hoy en día y de los Pueblos. [4] Él ha recibido cientos de premios por su música, tanto la caridad y el trabajo. Estos incluyen AMAS, Grammys, ACMs y CMAS, así como un premio Lifetime Achievement para una carrera que abarca seis décadas, en 2003 [5].

El éxito en los últimos años de 2006 incluyen despacho álbum, Agua y puentes, uno a través de la Junta afectados, que llegaron a un máximo de # 5 en el Billboard Álbumes País ventas, también la cartografía de alta en el Billboard 200. El primer single del álbum, "No puedo Unlove Usted", fue también un gráfico afectados. Resto de un artista popular en todo el mundo, al año siguiente completó una gira por el Reino Unido e Irlanda diciendo BBC Radio 2 DJ Steve Wright, el favorito de su éxito fue "El Apostador".

También protagonizó como John J. Macshayne en MacShayne: ganador se lo lleva todo y MacShayne: La Final rollo de los dados
Kenny Rogers fue el cuarto de siete hijos nacidos de Floyd Rogers, un carpintero, y su esposa Lucille, una enfermera. Rogers se graduó de Jefferson Davis High School en Houston. Según el Texas registros de nacimiento, su medio nombre es Ray, y que a veces se acreditarán en su papel de la película "Kenneth Ray Rogers."

Él ha estado casado cinco veces. Su cuarta esposa fue la actriz Marianne Gordon Rogers. Su actual esposa es la ex Wanda Miller. Él tiene una hija y cuatro hijos, entre ellos los gemelos nacidos, mientras que Rogers fue de 65.

Su carrera comenzó a mediados de los años 1950, cuando grabó con un doo-wop grupo llamado los estudiosos que habían logrado algunos éxitos con una sola llamada "pobre perrito". Rogers no era el cantante principal del grupo y más después de dos singles que se disolvió cuando su jefe fue solo.

Ahora, en el suyo propio, Kenneth Rogers (como se le facturará entonces) siguió a la ruptura con su propia única, un solo hit menor llamado "Esa Sensación de Crazy" (1958). Después de las ventas se ralentizó, Rogers se unió a un grupo de jazz llamado The Bobby Doyle Trío, que tiene una gran cantidad de trabajo en los clubes gracias a un ventilador siguientes y también registró de Columbia Records. El grupo se disolvió en 1965, y 1966 una roca de jazz único Rogers registrado para Mercury Records, llamado "Aquí el Que día lluvioso" ha fallado. Rogers también un trabajó como productor, escritor y músico de sesión para otros artistas intérpretes o ejecutantes, incluidos los artistas país Mickey Gilley y Eddie Arnold. En 1966 se incorporó a la Nueva Christy juglares como una cantante y contrabajista.

La sensación de que no eran juglares que ofrece el éxito que querían, Rogers y otros miembros Mike Settle, Terry Williams y Thelma Camacho abandonó el grupo. Ellos formaron la primera edición en 1967 (más tarde rebautizada "Kenny Rogers y la primera edición"). Chalked hasta que una cadena de éxitos tanto en el país pop y gráficos, incluido el "Somethings Burnin", "Ruby, no toma su amor a la ciudad", "Reuben James" y "Just disminuido en (para ver lo que mi condición condición En) ". En su primera edición días, Rogers tiene algo de una imagen de hippie, con pelo castaño largo, un arete, de color rosa y gafas de sol. Conocido cariñosamente en retrospectiva como "Hippie Kenny", Rogers había una mucho más suave estilo vocal que en su posterior carrera.

Cuando el grupo se dividió en 1976, Rogers lanzó su carrera como solista. Rogers pronto desarrolló un medio más de la hoja de sonido, con un poco áspero, pero expresó tuneful estilo que venden tanto a los países emergentes y las audiencias; hasta la fecha, se ha trazado más de 60 Top 40 hit singles (entre ellos más de 25 # 1's) y 50 de sus álbumes han trazado. Su música también ha sido ofrecido en principio la venta de bandas sonoras de películas, tales como convoy, Vaquero Urbano y El gran Lebowski.


Solo Artista
Para obtener una lista de singles y álbumes, ver discografía Kenny Rogers.
Después de salir de la primera edición en 1976, después de casi una década con el grupo, Rogers firmó un solo frente con United Artists. Aunque productor Larry Butler no tenía dudas acerca de Rogers talento, fue asesorado por varios colegas de no firmar Rogers, que algunos vieron como un ha-sido. Sin embargo, Butler y Rogers comenzó una colaboración que duraría cuatro años.

Rogers primera salida de su nueva etiqueta se levantó amor de mí. El trazado álbum y dos singles "Love Me Levantado" y "Aunque la sensación's Good" fueron éxitos menores. La canción "Runaway Girl" apareció en la película Trackdown. Más tarde, en 1976, Rogers publicó su segundo álbum, el auto-titulado Kenny Rogers, cuyo primer sencillo "Laura (¿Qué es Lo Que No Tengo)", fue otro éxito en solitario.

Sin embargo, el sencillo "Lucille" (1977) fue un gran éxito, alcanzando el número uno en las cartas de pop en 12 países, vendiendo más de cinco millones de ejemplares, y establecer firmemente Rogers' post-carrera Primera Edición. Sobre la base de "Lucille", el álbum Kenny Rogers llegó a # 1 en el Billboard Chart País Álbum. Más éxito fue a seguir, incluida la de varios millones de la venta del álbum El Apostador y otro internacional único Número 1, "Cobarde del Condado", tomada de la igualmente exitosa álbum, Kenny. En 1980, la Rogers / Butler asociación llegó a su fin, aunque en ocasiones reunir: en 1987 en el álbum I Prefer la luz de la luna y de nuevo en 1993 en el álbum Si sólo mi corazón hubiera una voz.

En el Kenny fines del decenio de 1970 se asoció con un amigo íntimo y el país Dottie West cantante de una serie de álbumes y duetos. Juntos el dúo tiene tres álbumes de éxito, la venta a los estadios y arenas, mientras que en gira. Sus éxitos juntos "Cada vez que dos tontos Collide", "cualquiera que no sea de mí esta noche" y "¿Qué estamos haciendo en amor" se convirtió en el país las normas. De Occidente, Kenny dijo en una entrevista TNN 1995 "Ella, más que nadie que he trabajado con cantó con tal emoción que usted realmente cree lo que canta." Rogers con West fue cuando ella murió después de sostener lesiones en un accidente de coche 1991. En 1995 protagonizó frente a Michele Lee en la CBS biopic "Grandes Sueños rotos y corazones: La Historia de Dottie West".

Más tarde, en 1980 llegó su asociación con Lionel Richie, quien escribió y produjo Rogers' # 1 hit "Lady". Richie pasó a escribir y producir Rogers' 1981 álbum Comparte tu amor, un gráfico Topper y comercial favorito con éxitos como "Yo no necesito que" (Pop # 3) ", a través de los años" (Pop # 13), y "Comparte tu amor conmigo" (Pop # 14). En 1982, lanzó el álbum El amor te convertirá Scouts. El título llegó a la pista # 13 en el Billboard Hot 100 y encabezó la AC país y gráficos. Poco después de que comenzó a trabajar con el productor David Foster en 1983 la grabación de aplastar Bob Seger cubrir "Tenemos Tonight", un dueto con Sheena Easton.

Se fue a trabajar con los Bee Gees para grabar y producir su álbum de 1983 golpeó ojos que ver en la oscuridad, con el título de la pista y, sin embargo, otro hit # 1 "Islas en el ciclo", un dueto con Dolly Parton. The Bee Gees había escrito la canción para Diana Ross [cita necesaria]. La asociación con Bee Gees sólo duró un álbum, que no fue una sorpresa teniendo en cuenta que Rogers intenciones originales fueron a trabajar con Barry Gibb sólo en una canción de Barry, pero ellos insistieron en hacer el álbum.

"Islas en el ciclo", el primer single que se publicará a partir de ojos que ver en la oscuridad en los Estados Unidos, rápidamente fue a # 1 en el Billboard Hot 100. Fue el último país solo para llegar a # 1 en el gráfico que hasta que "Asombrado" por Lonestar lo hizo en el año 2000. Sin embargo, RCA insistió en la liberación de la pista de título como el Reino Unido el primer single, la canción y se estancó en un decepcionante # 61 existe, aunque lo hizo permanecer en el top 100 durante varias semanas (cuando se liberado en los EE.UU., es más éxito, la cartografía de alta de la tabla contemporánea para adultos y haciendo que el país Comienzo de la página 30). "Islas en el ciclo" se publicó como un seguimiento único en Gran Bretaña y se vendió bien, haciendo # 7. El álbum se alcanzó # 1 en el país las cartas de ambos lados del Atlántico y que gozan de varios millones de ventas. "Tesoro Escondido", "Esta mujer" y "Evening Star" / "Noches de San Juan" fueron también todos los singles de éxito del álbum.

Poco después llegó el álbum ¿Y yo qué?, Un éxito cuyo título pista, un trío con el rendimiento Rogers, James Ingram y Kim Carnes, también fue un éxito. Si bien no ir muy alto en el país gráficos, el single "Crazy" (no confundir con el Willie Nelson-escrito Patsy Cline hit) superó gráficos del país. David Foster fue a trabajar de nuevo con Kenny Rogers en 1985 su álbum The Heart of the Matter, aunque esta vez estaba jugando Fomentar copias de la música en lugar de la producción, un papel asignado a George Martin. Este álbum fue otro éxito, va a # 1, con el título de la pista a las diez en la categoría singles charts.f

Los próximos años vieron Kenny de puntuación Comienzo de la página país varios éxitos sobre una base regular, incluyendo "hace veinte años", "Por la mañana Deseo", "Tumba de los desconocidos Love", entre otros. El 28 de enero de 1985 Rogers fue uno de los 45 artistas que se registraron en todo el mundo la caridad de la canción "Somos el Mundo" para apoyar a las víctimas del hambre en África. En enero de 1987, Kenny Rogers co-anfitrión de la American Music Awards en el Shrine Auditorium en Los Ángeles. Para 1988 a 1990, Kenny Rogers ha alcanzado el pináculo de su carrera y nuevos artistas como Garth Brooks y Alan Jackson fueron surgiendo en un clip rápido. Durante ese tiempo, dio a conocer algunos álbumes, sino que, si bien todavía los 20 principales, que ya no era la tabla Topper había sido anteriormente.


En todo el mundo el éxito
Su éxito es de todo el mundo. Él ha jugado bien muchos asistieron a los conciertos en Europa y el Lejano Oriente, donde se ha trazado numerosos singles y álbumes de la década de 1970 hasta la actualidad. Nueva Zelanda fue un gran baluarte en su primera edición días. Su mayor-1985 Hits paquete, La historia de Kenny Rogers, alcanzó el # 1 en el Reino Unido gráfico país, y cuatro años más tarde (en 1989), aún se encuentra en # 2. También trazado internacional durante ese tiempo con una serie de álbumes de estudio.

En 1983, Rogers firmado para RCA para romper un récord de dólares de los EE.UU. 20 millones de antelación. Aunque, tras el éxito de su debut en la etiqueta, los Bee Gees ojos que produce ver en la oscuridad álbum, Rogers no estaba haciendo, así como en años anteriores. No obstante, fue aún entre los primeros del mundo en las estrellas. Entre 1983 y 1990 solo se trazó no inferior a 23 Top 40 singles y 10 álbumes Top 40.

Aunque en el decenio de 1990 con la aparición de Garth Brooks, se señaló que este nuevo talento estaba vendiendo discos como nadie más había en el país la música, Rogers fue, no obstante, una fuerza dominante en incorporar la música y en su altura, fue trazar individuales (y álbumes), que fueron las carreras de la Top 40 de pop en el gráficos de todo el mundo, canciones como "Lucille", "Cobarde del Condado", "El Apostador" y "Señora" se convirtieron en los favoritos y se han mantenido tal, que Rogers uno de los más populares animadores en el circuito de turismo.


[editar] El éxito en la década de 1990
En el decenio de 1990 siguió a Rogers gráfico con singles como "En Crazy Love", "si quieres encontrar el amor" y "la más grande". De 1991 a 1994, Rogers fue sede de la Real Oeste de A & E, y en The History Channel desde 1995 (repeticiones sólo en The History Channel.). También visitó Miller durante este periodo de tiempo. De 1992 a 1995 Rogers co-propiedad y titulado Branson, Missouri, asiento 4000 del Grand Palace Theater. En 1994, Rogers publicó su "sueño" del álbum titulado reloj de Atlantic Records. Consistía de 30 y 40 de las normas de jazz, que es el tipo de música que realizó en sus primeros días con Bobby Doyle Los Tres en Houston. En 1996 lanzó un álbum Votación Por amor donde el público pidió su favorito canciones de amor y Kenny realizado las canciones (varias de sus propios éxitos fueron allí). El álbum fue el primero para el canal de TV compras QVC del sello discográfico, onQ Música. El álbum, que se vende exclusivamente por QVC, fue un gran éxito y fue posteriormente publicado en las tiendas bajo una gran variedad de títulos. Alcanzó # 1 en el Reino Unido, país gráficos bajo el título Love Songs (un título también se utiliza para diversas compilaciones), y también cruzaron incorporando a las cartas.

En 1999, Rogers anotó con el sencillo "El mejor". Una canción sobre la vida de un niño el punto de vista (miró a través de un juego de béisbol). La canción alcanzó el Top 40 de Billboard de singles chart País y es un país Music Television Número Uno de vídeo. Fue en el Rogers álbum "Ella Paseos Caballos Salvajes" el año siguiente (en sí misma un éxito Top 10). En 1999, Rogers producido también una canción específicamente para el show de ABC "Home Improvement" (protagonizada por Tim Allen y Patricia Richardson). La canción fue producida para la serie final. Se llama "Tenemos todo". La serie final de Mejoras del Hogar se llama "El largo y sinuoso camino". Se trata de tres partes. La canción se encuentra al final de la segunda parte. La canción no está en ningún álbum. Hubo un cd para que de el show, pero va por mucho dinero en eBay, cuando la de la existencia.


Más allá de la década de 1990

Kenny RogersIn el siglo 21, Rogers volvió al # 1 por primera vez en casi una década con el año 2000 solo "Me Compre una rosa", haciendo de él, a los 61, la más antigua artista en la historia de la música country para llegar a la tabla cumbre. Al hacerlo, él rompió una de 26 años, récord en poder de Hank Snow (que, en abril de 1974, fue de 59 años y 11 meses de edad cuando se anotó con "Hola Amor"). Rogers, celebrada el registro hasta 2003, cuando luego de 70 años de edad Willie Nelson se convirtió en el artista más antiguo que tiene un N º 1 sobre el país las cartas con su dúo con Toby Keith, "Cerveza Para Mi Caballos".

Rogers también publicó el álbum aclamado por la crítica Volver al Bien.

Aunque Rogers no grabar nuevos álbumes de un par de años, sigue teniendo éxito en muchos países con más paquetes de grandes éxitos. En 2004 42 Hits última, que fue la primera colección de éxitos span sus días con la primera edición de la presente, llegó a número 6 en el país de América cartas y se fue de oro. Asimismo, figuran dos nuevas canciones, "Mi mundo es de más" con Whitney Duncan y "Somos los mismos". "Mi mundo es de más" fue lanzado como una sola y fue un éxito menor. En 2005, The very best of Kenny Rogers, un doble álbum, que se vende bien en Europa. Fue el primer nuevo solo Kenny Rogers Hits Album para alcanzar el Reino Unido durante más de una década, a pesar de las muchas compilaciones de allí que no eran verdaderos éxitos de paquetes.

Rogers también firmó con el Capitolio de Nashville Records y tuvo más éxito con la TV anuncian la liberación Número unos 21 en enero de 2006. Aunque este CD contiene 21 acolchados gráfico-como el título de reclamaciones (registrada entre 1976 y el día de hoy), no se trata de una colección completa de Rogers' singles # 1, omitiendo individuales tales como "Crazy en el amor" y "¿Qué Acerca de mí ? "

Gran parte de su éxito fue con el Capitolio de 1976 a 1983 (llamado United Artists / Liberty en el momento). Es muy raro que un artista de Rogers edad que se firmó a grandes discográficas. Capitolio seguida unos 21 Número de Rogers "nuevo álbum de estudio, Agua y puentes, en marzo de 2006 en el Capitolio de Nashville Records. El primer single del álbum fue "No puedo Unlove Usted", que alcanzó un máximo de # 17 en el país las cartas, después de pasar más de 6 meses en la lista de resultados, más de 50 años después de que él formó su primer grupo y 38 años después de su primer gran éxito como líder de la primera edición. "No puedo Unlove You" fue seguida con el segundo single del álbum, "los últimos diez años (Superman)," en septiembre de 2006. El tercer single, "Calling Me", que cuenta con Don Henley, se hizo popular a principios de 2007, y fue nominado para un Premio Grammy en el 2007 los Premios Grammy. También en 2007, el 1977 "Kenny Rogers" álbum fue re-publicada como jugar un doble CD, también con la de 1979 "Kenny" y este álbum una vez más poner el nombre de Kenny en las ventas en todo el mundo. Al año siguiente, otro álbum ( "A Love Song Collection") también trazado. Actualmente vive en Atlanta.

En 2003, Kenny Rogers hizo una aparición en dos episodios de Reno 911 como a sí mismo.

Hasta la fecha Rogers ha grabado 65 álbumes, ganó prácticamente todos los de adjudicación lo que hay que ganar, y así con más de 120 millones de discos vendidos, que es el N º 8 artista más vendido de todos los tiempos.

El 26 de agosto de 2008, Rogers publicó "50 años" [6] exclusivamente en tiendas de galleta en barrica. El álbum incluye grandes éxitos, además de 3 nuevas canciones. La liberación está diseñada para celebrar Kenny del 50 º año en el negocio de la música.


Fuera de la música
Rogers también tuvo éxito como actor. 1982 Su película Seis Pack, en el que desempeñó una carrera de autos-, ocupa más de $ 20 millones en los EE.UU. taquilla, mientras que hizo para la televisión de películas como The Gambler, la Navidad en los Estados Unidos, cobarde y de la Provincia (basada el éxito de sus canciones) encabezó las listas de puntuaciones. Como empresario, que colaboró con el ex Kentucky Fried Chicken CEO John Y. Brown, Jr en 1991 para poner en marcha la cadena de restaurantes de Kenny Rogers tostadores. El pollo y costillas cadena, que es similar a la de Boston Market, era conocido que aparecen en un episodio de la sitcom Seinfeld NBC llamado "El Pollo asador". En el 27 de noviembre de 1997, de la emisión de noche con Conan O'Brien, Rogers no pudo recoger su pollo en una prueba de sabor, alegando que prefería "grasa hamburguesas".

Kenny Rogers y su restaurante son sujetos de la comedia de MADtv, especialmente la suplantación realizada por Will Sasso, el boceto de la Faux-Rogers se convirtió en anfitrión de Jackass popular en la Internet. Sasso había él haciendo ruidos como "Ding Ding Ding da Di Ding Ding Ding" y obtener sloppily borracho. Rogers apareció en un episodio de 2004 de Reno 911 como a sí mismo ser sometido a incompetentes de seguridad proporcionada por starstruck diputados del sheriff a efecto cómico.

Kenny es también la inspiración detrás de la cultura pop sitios web en Internet, menwholooklikekennyrogers.com. El sitio ofrece cerca de un millar de fotos de los hombres que miran como el verdadero Kenny Rogers, así como consejos sobre cómo buscar como Kenny, lugares para ver in situ Kenny similares, e incluso un Kenny del Mes y vende camisetas y botones. Kenny se ha llegado incluso en el expediente con su favorito "Kennys" en el sitio (Hot Tub Kenny ser su favorito) y el sitio ha aparecido en Time, People, Esquire, El Nacional Enquirer, y mucho más. Fuente Wikipedia en ingles, traduccion automatica

Dolly Parton

Dolly Parton

Dolly Parton

Dolly Rebecca Parton (19 de enero de 1946) es una cantante country, compositora y actriz estadounidense.
Nació el 19 de enero de 1946 en Sevierville, Tennessee. Hija de Robert Lee Parton y Avie Lee Owens, es la cuarta de 12 hermanos. Sus hermanos son: Willadeene Parton (poeta), David Parton, Denver Parton, Bobby Parton, Stella Parton (cantante), Cassie Parton, Larry Parton (quien murió poco después de nacer), Randy Parton (cantante), los gemelos Floyd Parton (compositor) y Freida Parton, y Rachel Dennison (actriz).

Según lo que ha dicho ella misma, su familia era "pobre y sucia". Vivían en una rústica y destartalada cabaña de una sola habitación en Great Smocky Mountains, cerca de Locust Ridge. Los padres de Dolly eran feligreses de la iglesia "Asamblea de Dios", una denominación Pentecostal, y la música formaba parte de su experiencia en la iglesia. En una ocasión, contestó al ser entrevistada que su padre era un "fanático predicador pentecostal". Hoy en día, cuando Dolly se presenta en vivo, suele cantar canciones espirituales; aunque no profesa un credo claramente definido, suele decir que "los de la tierra son hijos de Dios". Uno de los secretos de Dolly Parton es que nunca había cuidado sus uñas, por eso ahora las lleva postizas.

En 1966 y a sus 20 años, se casó con Carl Dean, quien trabajaba en el negocio de la pavimentación con asfalto en Ringgold, Georgia. Se conocieron el primer día que Dolly llegó a Nashville en 1964. Dean ha permanecido con Parton, pero siempre ha evitado aparecer públicamente, por lo que rara vez la acompaña en eventos.

Dolly, comenzó a cantar desde niña en la estación de radio local y en un programa de televisión, al este de Tennessee. A los 12 años, apareció por la televisión de Knoxville y a los 13, estaba grabando en un pequeño sello musical y mostrándose a través del show Grand Ole Opry en Nashville, Tennessee. Cuando se graduó de la secundaria en 1964, se mudó a Nashville, llevando consigo muchos elementos propios del folclore del este de Tennessee.

El primer éxito de Parton fue como compositora. Escribió grandes hits para Hank Williams Jr. y Skeeter Davis. Firmó un contrato con el sello Monument Records a finales de 1965, donde intentaron presentarla como cantante pop, pero su único single "Happy, Happy Birthday Baby" no llegó a entrar en la lista Billboard Hot 100.

Acordaron entonces dedicarla a la música country, después de que compusiera "Put It Off Until Tomorrow", grabada por Bill Phillips. Aunque participó en las armonías de la canción, no aparece en los créditos. El tema llegó al sexto lugar en las listas country en 1966.

Su primer single country fue "Dumb Blonde", una de las pocas canciones que perduran hasta nuestros tiempos sin que Dolly la escribiera, que alcanzó el número 24 en las listas country en 1967. A finales del mismo año, salió su segundo sencillo, "Something Fishy", que llegó al 17º lugar. Ambos temas ayudaron a la publicación de su primer álbum: "Hello, I'm Dolly".

Parton fue invitada a unirse al programa semanal de música country, The Porter Wagoner Show, con la finalidad de reemplazar a Norma Jean, quien se retiró. Firmó un contrato con el mismo sello musical de Porter Wagoner, RCA Victor, donde estaría durante las siguientes dos décadas. Dolly y Porter iniciaron inmediatamente una exitosa trayectoria como dúo, sumado a las carreras que ambos tenía como solistas y su primer sencillo, el cover de la canción The Last Thing on my Mind de Tom Paxton, estuvo dentro de los 10 primeros lugares de las tablas country a finales del '67 y fue sólo la primera, de más de una docena de singles exitosos, que interpretaría el dueto en los años venideros.

Como compositora ha firmado grandes éxitos. Comenzó a escribir canciones country, añadiéndoles fuertes elementos de la música folclórica basados en su educación en el humilde ambiente montañés. Ejemplo de esto son sus canciones Coat of Many Colors y Jolene, que se han convertido en clásicos. Es considerada una de las narradoras más talentosas dentro del estilo country, con muchas de sus canciones basadas en personajes y eventos de su niñez.

Permaneció en el programa de Wagoner y siguió grabando duetos con él durante siete años más. Después hizo una pausa para solidificar su carrera como solista. En 1974, su canción "I Will Always Love You" alcanzó el número 1 en las listas country.

En esa misma época, Elvis Presley señaló que deseaba hacer un cover de la canción. Parton se interesó en la idea, hasta que el manager de Elvis, Colonel Tom Parker, le dijo que debería ceder más de la mitad de los derechos publicitarios si Presley grababa el tema (procedimiento rutinario para cada canción realizada por Elvis). Dolly se negó y esa decisión le impidió ganar millones de dólares por derecho de autor.

Aunque era tildada como cantante "country" y "del oeste", Parton tuvo un mayor éxito comercial como intérprete pop y actriz. En 1977, su álbum "Here You Come Again", se convirtió en su primer disco que vendió más de un millón de copias y el sencillo homónimo fue el primer tema que llegó a los diez primeros lugares de las tablas pop. Los subsiguientes singles fueron señalados en los rankings pop y country al mismo tiempo. En este período, sus álbumes se desarrollaron específicamente para su éxito (crossover) en el estilo Pop.

Durante 1987 y acompañada de Emmylou Harris y Linda Ronstadt, lanzó el disco Trio, cuya preparación llevó cerca de diez años. Luego, en el año 1993, se hizo acompañar de dos "reinas" de la música country: Loretta Lynn y Tammy Wynette. Juntas llevaron a cabo un proyecto similar a "Trio", el álbum "Honky Tonk Angels". En 1999, colaboró en "Trio II", donde nuevamente se reunían Parton, Harris y Ronstadt.

Después de veinte años con RCA, Parton cambió a Columbia Records en 1987, donde su carrera continuó prosperando. Pero a mediados de los 1990, Dolly, junto a otras cantantes de su generación, notó que su nueva música no era bienvenida en la programación de las radios country. Grabó una serie discos Bluegrass que fueron muy aclamados por la crítica, comenzando con "The Grass is Blue" en 1999 y "Little Sparrow" en 2001. Ambos ganaron premios Grammy. Su placa "Halos and Horns" (2002) incluía una versión bluegrass del clásico tema de Led Zeppelin, "Stairway to Heaven.". En el año 2005, Dolly lanzó el disco "Those Were The Days", donde interpretaba a su manera los éxitos "folk-rock" de las décadas '60 y '70. Este CD incluía la canción "Imagine" de John Lennon, "Where Do The Children Play" de Cat Stevens, "Crimson & Clover" de Tommy James y el clásico tema folk, "Where Have All The Flowers Gone".Fuente Wikipedia, traduccion automatica.

Carel Kraayenhof y su Sexteto Canyengue

Sexteto Canyengue

Sexteto Canyengue

Cuando oiga el nombre de Carel Kraayenhof, te sientes el corazón del tango, el bandoneón. De tango, por lo que se dice en Buenos Aires canta acerca de la vida dentro de los tres minutos.
El bandoneón, el corazón y la voz del tango, conduce los demás instrumentos en el sexteto, con pulsátiles de poder de la Canyengue: poweful el ritmo. Canyengue es todo en el tango lo que los medios de swing jazz.

La espléndida combinación con el violín, pioano, doble bajo, percusión y voz hace que el tango un apoyo y un refugio.

Kraayenhof:,, En la Argentina la respuesta del público es fantástico. El país lleno de frustraciones históricas es más que orgulloso de que un extranjero representa su tango en todo el mundo.''

Arel Kraayenhof y su Sexteto Canyengue
Canyengue - el mágico ritmo del tango --

Desde Carel Kraayenhof Sexteto Canyengue creado en 1988, se convirtió en uno de los representantes del tango moderno en Europa. Gracias a la ayuda y el respeto de la famosa tangueros como Piazolla y Pugliese, el amor por los argentinos y su tango y la pasión para hacer esta música, Sexteto Canyengue se respete en todo el mundo.

Con los seis miembros del Sexteto Canyengue, bailarines e invitados especiales de Argentina el único sonido de una orquesta típica - la gran banda de tango a partir de la tradición de 40 vínculos - cobra vida. La pasión por el tango de todos los músicos en una explosión musical en el escenario, que la Sexteto Canyengue. Fuente web de Carel Kraayenhof

Hank Mobley

Hank Mobley

Hank Mobley

El saxofonista Hank Mobley no tuvo la agresividad de Sonny Rollins, ni el fuego de John Coltrane, ni el toque de Stan Getz, pero posiblemente fuese uno de los saxos tenores mas sensibles del hardbop y del jazz moderno. En 1950 tocó en la orquesta de Rhythm and Blues de Paul Gayten y mas tarde, tras una breve colaboración con Lester Young, tocó con Dexter Gordon y Max Roach entre 1951 y 1953. La colaboración con Max Roach supuso una experiencia personal importante para Mobley, dado que ambos buscaban un discurso musical superador del bebop. Tras una importante colaboración con el pianista, Horace Silver entre 1954 y 1955, con quien grabaría el extraordinario: "Horace Silver and the Jazz Messengers"; Mobley entró en los "Jazz Messengers" del baterista Art Blakey, una experiencia que condicionó positivamente la carrera profesional de Mobley. Más aún, Hank Mobley perteneció a la formación original de ése quinteto que renovó el lenguaje bebop, y hacia 1960 la crítica especializada lo había incluido entre el cuadro de honor del hard bop (donde estaba también Art Blakey, Horace Silver, Clifford Brown, Sonny Rollins y Max Roach).

Hank Mobley, a menudo infravalorado, perteneció al quinteto de transición de Miles Davis, cuando sustituyó en 1961 a John Coltrane, que incluía al pianista Wynton Kelly. Este quinteto, con excelentes rendimientos de Mobley, actuó en solitario y con el acompañamiento de la orquesta de Gil Evans. En los años sesenta, con la incorporación de los jóvenes rítmicos Herbie Hancock, Ron Carter y Tony Williams, ingresaría en el nuevo quinteto el tenor George Coleman, instrumentista de una pulcra sonoridad y gran inventiva. Hank Mobley por tanto, tuvo el honor de ser uno de los saxos tenores que formaron parte en algún momento del grupo de Miles Davis, pasando junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter, Dexter Gordon, George Coleman, Sam Rivers y John Coltrane a formar ese cuadro de honor que siempre constituyeron los saxos tenores de Miles.

La discografía como líder de Hank Mobley comprende desde 1955 cuando grabó para Blue Note su álbum de presentación titulado: "The Hank Mobley Quartet", hasta 1974, y además de ser extensa, es de una calidad media extraordinaria y en la que sobresalen dos títulos que bien podrían catalogarse como obras maestras. Por orden cronológico, la primera, y para nosotros la mejor, es el disco grabado en 1960 para Blue Note titulado: "Soul Station" con Paul Chambers al bajo; Art Blakey en la batería y Wynton Kelly al piano. El segundo disco imprescindible en la discográfica de Mobley es el titulado: "Dippin'" grabado en 1965 también para la Blue Note y probablemente el ultimo disco importante del músico. En "Dippin" tocan, Lee Morgan a la trompeta, Harold Mabern al piano, Larry Ridley al bajo y Billy Higgins a la batería. Un disco conceptualmente ya en línea con la vanguardia jazzistica que venia pidiendo paso y representado en el baterista Billy Higgins, uno de los músicos mas importantes en la batería del jazz contemporáneo.

Hank Mobley tuvo muy claro lo que debía aportar como jazzista. El hard bop era su razón de ser y lo fue por siempre hasta que falleció en 1986.Fuente apoloybaco

Mario Demarco

Mario Demarco, primer bandoneón de la orquesta de Gobbi. Es el segundo de izquierda a derecha. A su izquierda Alberto Garralda. Detrás Alfredo Gobbi y el cantor Jorge Maciel.

DEMARCO, Mario. (Nombre de familia: Mario Domingo Lapuncina). Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Arreglador.
Formado, por temperamento, en la proyección creadora de la escuela decarista que encabezaron Osvaldo Pugliese y Alfredo Gobbi, se perfiló desde 1950, entre los mayores cultores del tango contemporáneo.
Las versiones de Tierra adentro, Sin tacha, Canaro, La catrera y otras, registradas para el disco Pathé con su primera orquesta, evidenciaron, ya, cuanto de original, en una manera personalísima de sentir, de plasmar musicalmente y de expresar en lo emocional el tango, ofrecería luego en sus trabajos de arreglo para Osvaldo Pugliese—Quejumbroso, Emancipación, Suipacha, A mis compañeros, Patancha, grabados todos en Odeón, por dicho conjunto—; en sus acompañamientos para Edmundo Rivero—Corrientes y Esmeralda, De vuelta al bulín, Venite conmigo (discos Philips)—; para Argentino Ledesma —Pebeta linda yo te quiero (discos Odeón)—; Para Jorge Sobral—Pregonera, Te llaman malevo, Rondando tu esquina (discos Columbia)—. Y, desde luego, en las interpretaciones de corte instrumental logradas en la conducción de su orquesta como figura independiente y registradas para el sello Solfeando: Sensitivo, A San Telmo, Muy picante y particularmente, Solfeando, síntesis integral, éste, de sus novedosas ideas musicales. Lo más interesante de todas ellas —entre otros aspectos— está referido, en lo musical, al modo de cimentar el arreglo sobre un denso movimiento de bajos en permanente contraste de tiembre y de colores instrumentales, con la sutil aparición de los diseños milongueros en el trabajo de los violines, constantemente entretejidos a los solos de bandoneón —melódicos o armónicos— a las intervenciones del piano o a los temas contrapunteados en la cuerda; y en lo interpretativo, a la gran tensión emocional que, desde el punto de vista de la expresión, tienen sus realizaciones, por la siempre inesperada transición de lo romántico a lo milonguero, lograda con un señorío y un aplomo que empieza en la neta fibra con-ductora de su bandoneón cadenero. Ejecutante de excepción, su personalidad bandoneonística se ha manifestado conforme a dos modalidades de trascendente importan-cia y de antagónico contenido; aquello que, en sus arreglos para bandoneón solo, es la filigrana de exquisitos preciosismo y el tratamiento armónico de dulcísima concepción—su versión de Nieblas del Riachuelo es un ejemplo en alto grado representativo—se vuelve milonga, zapada y del más puro rango canyenguero no bien entra a presidir, con su instrumento, a los doce o catorce elementos de un conjunto orquestal, aun en la sutileza de sus solos fraseados y en la difícilmente superable calidad de sus variaciones fraseadas, como las que ejecuta en Sin tacha, El arranque, Mal de amores o Entrador (discos Pathé, 1951) o en La bordona. Sus composiciones, esencialmente volcadas al tango de corte milonga, reflejan su personalidad de intérprete; entre ellas: Entrador, Patancha, Solfeando, Sensitivo. Nació en Buenos Aires el 5 de agosto de 1917. Estudió música, desde la niñez, al cuidado del maestro Joaquín Clemente, quien fuera director de la Banda Municipal. Posteriormente, se perfeccionó cursando armonía, contrapunto e instrumentación con Julián Bautista. Tuvo lugar su iniciación profesional en 1939, como músico acompañante de la cancionista Fanny Loy, por Radio Belgrano. Al siguiente año, comenzó su carrera como bandoneón de orquesta; integró los conjuntos de Antonio Rodio, de Enrique Do Lorenzo, de Juan Canaro y —fugazmente— de Miguel Caló, antes de incorporarse al de Alfredo Gobbi, junto a quien encontró el adecuado clima de estilo para su temperamento, y del cual sólo se desvinculó en 1951, para formar su primera agrupación. En el año 1954, Julio De Caro requirió sus servicios, pasando —tras de otra breve actuación con Gobbi— a formar en la fila de bandoneones de Pugliese, con quien colaboró, además, como arreglador hasta 1959. En carácter de arreglador y de primer bandoneón integró, al año siguiente, el conjunto Stamponi-Lavié, al cual imprimió su inconfundible estilo, igualmente expresado por sus intervenciones en el acompañamiento del cantor Edmundo Rivero —como primer atril, bajo la conducción de Héctor Stamponi y luego como director—. Tanto durante su labor junto a Rivero, como junto a Roberto Rufino, se presentó en el cine Ópera y en la programación de Radio El Mundo. Fue, en 1962, Argentino Ledesma quien le confió la escritura y dirección de su marco orquestal, para la grabación de discos, así como para actuaciones cumplidas en Chile y en Buenos Aires. En 1964 integró una destacadísima línea de bandoneones en la orquesta de Joaquín Do Reyes, colaborando, también, por segunda vez y hasta la disolución del conjunto, con la agrupación de Alfredo Gobbi. Sobre la base de un grupo de juveniles y bien dotados ejecutantes, bajo su tutela, rehizo en 1965 su conjunto, al frente del cual grabó ocho tangos en su propio sello editor Solfeando y se presentó desde el primero de agosto en el Palacio Güemes. Posteriormente, continuó su labor como arreglador de acompañamientos para los solistas Miguel Montero, Rodolfo Lesica y Jorge Sobral, con quienes actuó en radio, televisión, bailes, giras y discos Columbia y Odeón. Compuso los cantables Astillas, Si sale chancleta, Desde que te dije adiós y Llegando a puerto. 
Horacio Ferrer