Laura Pausini

Laura Pausini

Laura Pausini

Laura Pausini

Laura Pausini (Solarolo 16 de mayo de 1974) es una cantante pop italiana.
Es conocida por sus baladas y canciones de amor, aunque ha cantado sobre otros temas como la pobreza, la guerra, el racismo, entre otras cuestiones sociales. Es conocida no sólo en Italia, sino también en otros países de Europa, EE. UU., Medio Oriente y América Latina. Ha cantado, además de en italiano, en castellano, portugués, inglés y recientemente en francés, en dos duetos con los cantantes Hélène Segara y Johnny Hallyday y en una versión italo-francesa de su sencillo de 2006 Yo canto -Je chante. También interpreta un dúo junto a Andrea Bocelli, "Vivere" (Vive ya), tema por el cual recibió una nueva nominación a los Latin Grammy 2008 en la categoría "Mejor Grabación del Año". A lo largo de su carrera ha vendido más de 45 millones de disco en todo el
Laura Pausini nació el 16 de mayo de 1974 en la ciudad de Solarolo, provincia de Ravena, Italia, donde creció. Laura cuenta que cuando su mamá, Gianna, estaba embarazada, su papá Fabrizio solí­a colocar música para que Laura la escuchara, ya que deseaba que su hija también fuera cantante así­ como lo era él.

El padre de Laura es músico y cantante, su madre es maestra parvularia y su hermana, Silvia, es 2 años menor que ella y a quien Laura considera como la persona más importante en su vida.

Como Laura nos cuenta en su canción "La meta de mi viaje", su padre casi siempre estaba de viaje debido a que tocaba en diferentes ciudades dentro y fuera de Italia.

Cuando Laura cumplió 8 años, su padre le preguntó qué le gustaría como regalo y ella le dijo: quiero cantar junto a ti. Fabricio fue el gran y único maestro de Laura durante todos esos años, pues ella nunca tomó clases de canto. Laura dice que solí­a mirarlo tras la puerta y ver cómo él practicaba el canto. We are the World fue la primera canción que Laura cantó. Es por eso que ésta es una canción muy especial para ella. Su papá le tradujo la letra, ya que Laura era muy pequeña y no entendí­a el idioma.

A los 12 años Laura cantó por primera vez sola en un restaurante de Bologna, y a esa misma edad grabó su primer disco con ayuda de su papá. Fue el regalo que recibió al cumplir 12 años. Laura compuso a esa edad su primera canción: Lasciarmi Dormire.

Durante su adolescencia Laura seguía tocando junto a su padre, pero el en año 1991 su papá la inscribió en el concurso Castrocaro. Laura tenía miedo de participar, pero lo hizo y aunque en esa oportunidad no ganó, sí conoció a Marco Maratti y Angelo Vasiglio y es con ellos que grabó "La Soledad".

En febrero de 1993 Laura se presenta en el Festival de San Remo y obtiene el primer lugar con 7.464 votos. Es en ese entonces que Laura se hace conocida en toda Italia y comienza su exitosa carrera musical en su país, así como en todo el mundo.

En 1994, lanzó su primer álbum en castellano, Laura Pausini, una compilación de versiones en castellano de canciones seleccionadas de sus dos primeros CDs en italiano, Laura Pausini y Laura, lo que le abrió un hueco en los países hispanos, álbum con el que logró vender más de un millón de discos en España.

En 1996 se publicó su segundo álbum en castellano, Las cosas que vives (llegó al #3 en España y vendió unas 350.000 copias), lanzó sencillos que llegaron a copar las principales listas de ventas y popularidad entre finales de 1996 y mediados de 1997, entre ellos Inolvidable, Las cosas que vives, Dos enamorados o Escucha a tu corazón.

Dos años más tarde, a finales de 1998, vio la luz Mi respuesta, donde la figura de artista más madura y la voz más elaborada de Laura eran los principales protagonistas de un disco que vendió unas 200.000 copias en España y llegó al 8 en su segunda semana de publicación. La popularidad de este disco no alcanzó las cotas de los anteriores de la cantante italiana, aunque los sencillos Emergencia de amor y En ausencia de ti se colaron entre las radios y las ventas.

Tras el disco de grandes éxitos de 2001, con el éxito del sencillo Volveré junto a ti, ya en 2002, intentó triunfar en el mercado estadounidense con el álbum en inglés From the Inside, pero éste no tuvo la aceptación esperada de parte del público.


Madurez profesional [editar]En 15 años de carrera Laura Pausini ha vendido más de 40 millones de discos (16 millones hasta 2001) y ha conseguido más de 180 discos de platino, una serie infinita de discos de oro y un disco de diamante. Entre sus reconocimientos se encuentran tres World Music Awards en 1994, 2003 y en 2007, varios I.F.P.I. Platinum Europe Awards. En el 2005 ganó el premio Premio Grammy, Grammy Latino en la categoría a Mejor Álbum Vocal Pop Latino Femenino con su álbum <>. El 8 de febrero del 2006 ganó el Grammy Americano en la categoría "Best Latin Pop Album" con su disco Escucha. Después, el 23 de febrero triunfó en Premios Lo Nuestro 2006, obteniendo un premio en la categoría "Artista Femenina del Año", y el 27 de abril suma un premio más a su carrera, obteniendo el premio Billboard Latino en la categoría "Tema Latin Pop Airplay del Año Femenino" con su tema Víveme, canción que fue el tema principal de la telenovela mexicana "La Madrastra". El 28 de febrero de 2007 obtuvo el Premio Dial 2006 otorgado por la emisora de radio española Cadena Dial a los cantantes de habla hispana,

En octubre de 2006 vio la luz su sencillo Yo canto, versión de la canción de Riccardo Cocciante, de 1979. El nuevo disco incluye canciones como Estrella gemela, de Eros Ramazzotti, No me lo puedo explicar de Tiziano Ferro, y otras como Mi libre canción de Lucio Battisti cantada a dúo con el cantautor colombiano Juanes, Por el camino de Claudio Baglioni, Como el sol inesperado o Destino Paraíso. El lanzamiento tuvo lugar el 10 de noviembre en Italia, y el 14 de noviembre en el resto del mundo.

El 2 de junio de 2007 se convierte en la 1ª Mujer en actuar en un estadio de fútbol en Italia. San Siro (Milán) es el lugar elegido para su mayor acontecimiento musical y lo llenó con 70.000 personas. También ha dicho que ahora tomará una pausa para escribir nuevas canciones que puede llamar sus propias.

El 29 de agosto de 2007, recibe una nueva nominación a los premios Grammy Latino 2007, por el disco *Yo Canto* en la categoría Mejor Álbum Vocal Pop Femenino.

El 30 de octubre de 2007, salió el álbum "The Best of Andrea Bocelli" (Lo mejor de Andrea Bocelli, en castellano): Vivere que incluye la canción Dare To Live (Vivere, en inglés) además de la versión en castellano Vive ya cantada a dúo por Andrea Bocelli y Laura Pausini.

El 8 de noviembre de 2007, ganó el Grammy Latino en la categoría "Mejor Album Pop Femenino" con su disco Yo Canto.

El 30 de noviembre de 2007, se publicó el CD/DVD "San Siro 2007" del concierto en el estadio de San Siro.

El 2 de septiembre anunció en una entrevista cuál sería el nombre del nuevo disco que será lanzado el 8 de noviembre de 2008: "Primavera Anticipada". El primer sencillo de este trabajo se titulará "En cambio no" (Invece no), canción de entrada de la telenovela En nombre del amor, y el tema que da nombre al álbum será un dueto en spanglish con James Blunt.

El 14 de noviembre de 2008, es la fecha prevista según fuentes del sitio de Warner Music Italia como fecha de lanzamiento mundial del nuevo disco de Laura Pausini PRIMAVERA IN ANTICIPO / PRIMAVERA ANTICIPADA bajo el sello Atlantic Records.Fuente Wikipedia en español

Armando Lacava Biografia

Armando Lacava

LACAVA, Armando. Músico. Pianista. Director. Compositor. Nació en Bahía Blanca
el 13 de diciembre de 1915. Director acompañante de los cantores Ángel Vargas y Raúl
Iriarte en bailes, radio y discos Victor, realizo una gira que lo llevó hasta México. De regreso formó un sexteto con el vocalista "Leoncito" Beltrán para actuar por Radio Del Pueblo, secundandoen 1960 la labor del cantor Mario Bustos. En enero de 1962 nuevamente como director independiente actuó por Radio Splendid y en el Automóvil Club Argentino con las voces de Carlos Aldao y Esther Lucía y posteriormente en la whisquería Cambalache. Compositor de Un tango y nada más, Dos y una vida, El picaflor del Oeste, Lucio Paredes —cantables—y A V Moido, página orquestal.
Horacio Ferrer 

Eduardo Del Piano

Eduardo del Piano cuando dirigía la orquesta de
Angel Vargas.

Eduardo del Piano cuando integraba la orquesta de Osvaldo Fresedo. Con él, José María Rizzuti y Roberto Ray.

DEL PIANO, Eduardo. Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Arreglador. Na-
ció en Buenos Aires, en Brandsen e Isabel La Católica, plena barriada de Barracas. Alternó, desde la adolescencia, los estudios de piano con la pasión por el fútbol. Se hizo jugador por hinchismo boquense —alcanzó a militar en la segunda división del club ribereño— y se hizo bandoneonista por admiración hacia Pedro Maffia y hacia Pedro Laurenz. Integró, desde 1937, entre otras, las orquestas de Roberto Zerrillo, de Eugenio Nóbile —en Radio Belgrano—, de Armando Baliotti —en el bar Pellegrini— y de Juan Canaro, compartiendo, en esta última, una excelente fila con Abelardo Alfonsín y Domingo Matío. Estuvo, más tarde, algunos años con Ángel D'Agostino, y a partir de 1946, ya ubicado entre los estilistas de su instrumento, formó su propia agrupación para secundar, primero, al cantor Ángel Vargas en todas sus actuaciones y en los discos Victor; después, como figura independiente, con los vocalistas Mario Bustos, Osvaldo Cordó, Héctor De Rosas y Rubén Grillo, en Radio Splendid y confitería La Armonía. Su modalidad orquestal, de base decareana, se apoyó en las calidades de su bandoneón y quedó expresada en versiones estimables que él mismo arregló, como El taita, El cachafaz, La rayuela, La Beba, Milonga con variación y La revancha, grabadas todas para la casa Pathé, desde Chiqué, su primer disco. En 1955, y hasta la disolución del conjunto, pasó a realizar su labor fonográfica para Music-Hall. Compositor de los tangos cantables Esta noche en Buenos Aires, El día que vuelva, Se lustra, señor y Discos de Gardel, y del orquestal De corte

Angel Vargas

Angel Vargas en 1945


En 1947, ya desvinculado de D'Agostino debutó Vargas con acompañamiento orquestal dirigido y arreglado por Eduardo del Piano, Rodean a ambos, Aldo Campoamor, Roberto Rufino, Raúl Berón, Héctor Insúa, Astor Piazzolla, Armando Pontier, José Rótulo.


Angel Vargas(derecha) con dos amigos en 1920


Angel Vargas

VARGAS, Ángel. (Nombre de familia: JoséLomio). Cantor. Nació en Buenos Aires, barriada del Parque Patricios el 22 de octubre de 1904. Se inició cantando en cines de su barrio. Ingresó más tarde a la orquesta Landó-Matino en el café Marzotto de Corrientes; en 1931 a la de José Luis Padula y el cuarteto de Armando Consani. Ya por entonces había plasmado su particular estilo vocal en algo semejante al de Santiago Devin e influido por ciertos aspectos de la modalidad de Ignacio Corsini. Como solista, con acompañamiento de guitarras,grabó dos fases de disco para Víctor, con el tango La bruja, en una, y el Miíongón de Canaro y Manzi en la otra. Perteneció, desde 1932 como vocalista, a la orquesta de Ángel D'Agostino, formando un cartel artístico de sólido y prolongado apogeo, grabando para Víctor realizaciones tan representativas de su inconfundible modo vocal
como A pan y agua, Viejo coche, Tres esquinas, No vendrás, Palais de Glace, El cuarteador, Menta y cedrón, Ninguna. Se independizó —fugazmente— en 1944, de Alfredo Attadía, y de modo definitivo en 1947, confiando sucesivamente la dirección de su acompañamiento a Eduardo Del Piano, Armando Lacava, Toto D'Amario, Luis Stazo y José Libertella. Falleció en Buenos Aires, ei 7 de julio de 1959.Fuente Horacio Ferrer


Biografia II
Posiblemente, junto a Francisco Fiorentino, fue el modelo del "cantor de la orquesta" Tanto es así que hablar de Angel Vargas nos remite indefectiblemente a Ángel D'Agostino, el director de la orquesta de sus grandes éxitos.

Cantor de una personalidad impresionante, es el símbolo del fraseo porteño de los años cuarenta. Vargas canta como únicamente se cantó en el cuarenta.

Su fraseo era reo y compadrito pero al mismo tiempo, de un infinito buen gusto. Tenía una dulzura que disimulaba su voz pequeña pero varonil, transmitía simpatía y era sobretodo, un cantor carismático.

La dupla D'Agostino-Vargas, es a mi juicio uno de los engranajes más perfectos que nos dio el tango, sólo comparable a la de Troilo con "Fiore".

Su carrera comienza en los inicios de la década del treinta. Actúa en la orquesta del famoso y veterano músico Augusto Pedro Berto, con el seudónimo Carlos Vargas con la que se presentaba en algunas emisoras porteñas. En 1932 realiza algunas presentaciones con quien, tiempo después formaría el binomio del éxito: Ángel D'Agostino.

José Luis Padula, autor del famoso tango "Nueve de julio", lo contrata en 1935 y graban dos temas, el tango "Brindemos compañero" y la ranchera "Ñata linda". En 1938 hace algunos estribillos para la famosa Orquesta Típica Victor y al año siguiente graba dos temas con acompañamiento de guitarras, el tango "La bruja" y "Milongón".

En 1940 comenzará su etapa fundamental al ingresar a la orquesta del pianista Ángel D'Agostino junto a quien permanecerá hasta 1946, dejando 94 temas en el disco, que constituyen verdaderas joyas del género.

Su etapa como solista la encara formando su propia orquesta, alternativamente dirigida por distintos músicos: el bandoneonista Eduardo Del Piano, el pianista Armando Lacava, y los bandoneonistas Edelmiro "Toto" D'Amario, Luis Stazo y José Libertella, en total deja registrado junto a su orquesta un total de 86 temas. También hizo interesantes grabaciones con el trío de Alejandro Scarpino.

Entre sus discos se destacan las interpretaciones de los tangos "No aflojés", "Tres esquinas", "Ninguna" y "Muchacho", el vals "Esquinas porteñas", todos con la orquesta de Angel D'Agostino y, ya en su etapa solista el tango "Ya no cantas chingolo (Chingolito)" de Antonio Scatasso y Edmundo Bianchi, acompañado por su orquesta dirigida por Armando Lacava, que tiene la particularidad doble de ser su único registro en dúo con otro cantante y que además este cantante era su hermano Amadeo Lomio.

Angel Vargas murió joven y todavía sin declinar sus condiciones interpretativas, fue sin duda uno de los más grandes artistas de nuestro tango.Fuente Garcia Blaya de Todotango


In English
Vargas, Angel. (Family name: JoséLomio). Cantor. Born in Buenos Aires neighborhood of Parque Patricios the October 22, 1904. He started singing in his neighborhood cinemas. Later joined the orchestra in the land-Matino coffee Marzotto of Corrientes in 1931 to Jose Luis Padula and the quartet Armando Consani. Already by then had expressed his particular vocal style into something akin to Santi -
Devin go and influenced by certain aspects of the modality Ignacio Corsini. As a soloist, with guitar accompaniment,
recorded two phases of disk for Victor, with tango The witch, in one, and Miíongón Canaro and Manzi in the other. He belonged, dis -
in 1932 as vocalist, the orchestra Angelo D'Agostino, forming a poster art sound and long swing, recorded for Victor achievements as representative of his unmistakable voice mode
For as bread and water, old car, three corners, not come, Palais de Glace, The cuarteador, Mint and cedrón, None. It was independent-fleetingly-in 1944, Alfredo Attadía, and so definitive in 1947, relying on the leadership of its accompanying Eduardo Del Piano, Armando Lacava, Toto D'Amario, Jose Libertella and Luis Stazo. He died in Buenos Aires, ei 7 July 1959.Fuente Horacio Ferrer


Biography II
Possibly, with Francisco Fiorentino, was modeled after "orchestra singer" So much so that talk of Angel Vargas us unfailingly refers to Angelo D'Agostino, the director of the orchestra of their greatest hits.

Singer an impressive personality, is the symbol of Buenos Aires phrasing of the forties. Vargas sings as only sang in the forties.

His phrasing was accused and compadrito but at the same time, an infinite good taste. He had a sweetness to conceal his small but manly voice, conveyed sympathy and was mainly a charismatic singer.

The duo D'Agostino-Vargas, in my opinion is one of the most perfect gears that gave us the tango, only comparable to that of Troilo with "Fiore."

His career began at the beginning of the thirties. Operates in the orchestra of the famous musician and veteran Pedro Augusto Berto, with the pseudonym Carlos Vargas with which appeared in some stations in Buenos Aires. In 1932 makes some presentations with whom, long after the team's success would be: Angelo D'Agostino.

Jose Luis Padula, author of the famous tango "Nine July", he was hired in 1935 and recorded two items, the tango "Brindemos partner" and the ranchera "Ñata nice." In 1938 makes for some famous refrains Typical Victor Orchestra and the following year he recorded two points with guitar accompaniment, tango "witch" and "Milongón."

In 1940 begin its crucial stage to join the orchestra's pianist Angelo D'Agostino who remain together until 1946, leaving 94 items on the disk, which are real gems of the genre.

His stage as the soloist faces forming his own orchestra, alternately directed by different musicians: the bandoneonist Eduardo Del Piano, pianist Armando Lacava, and bandoneonists Edelmiro "Toto" D'Amario, Jose Libertella and Luis Stazo, leaving a total registered together his orchestra a total of 86 items. Interesting also made recordings with the trio of Alexander Scarpino.

Among his records stand out interpretations of the tangos "No aflojés", "Three Corners", "No" and "Boy," the waltz "porteñas Corners", all with the orchestra and Angel D'Agostino, now in its stage soloist tango "We no longer sing chingolo (Chingolito)" by Antonio Scatasso and Edmundo Bianchi, accompanied by his orchestra led by Armando Lacava, which has the peculiarity of being his only double registration in duet with another singer and that this was his favorite singer Lomi brother Amadeo.

Angel Vargas died young and still without their decline interpretative conditions, was undoubtedly one of the greatest artists of our tango.Fuente Garcia Blaya of Todotango

Muddy Waters

Muddy Waters

Muddy Waters


Muddy Waters

McKinley MorganField (4 de abril de 1915 - 30 de abril de 1983), más conocido como Muddy Waters, fue un músico de blues estadounidense generalmente considerado el Padre del Blues de Chicago.

Nacido en Rolling Fork, Mississipi. Fue grabado por primera vez en una plantación del delta del río Misisipi por Alan Lomax para la biblioteca del congreso en 1940. Más tarde se mudó a Chicago, Illinois, donde cambio de guitarra acústica a guitarra eléctrica, volviéndose cada vez más popular entre los músicos negros de la época.

La forma de tocar de Waters es altamente característica dado su uso del slide. Su primera grabación para Chess Records mostraba a Waters en guitarra y vocales, apoyado por un contrabajo. Más tarde añadió percusión y la armónica de Little Walter para completar su clásica formación de blues.

Con su voz rica y profunda y su carismática personalidad, apoyado por un gran grupo de estrellas, Waters pronto se convirtió en la figura más reconocible del Blues de Chicago. Hasta B.B. King lo recordaría como el "Jefe de Chicago". Todas sus bandas fueron un quién-es-quién de los grandes del Blues de Chicago: Little Walter, Big Walter Horton, James Cotton, Junior Wells, Carey Bell en la armónica, Willie Dixon en el bajo, Otis Spann, Pinetop Perkins en el piano, Buddy Guy en la guitarra entre otros.

Las grabaciones de Waters de finales de los 50 y principios de los 60 son particularmente buenas. Muchas de las canciones que tocó se convirtieron en clásicos: "Got My Mojo Working", "Hoochie Coochie Man", "She's Nineteen Years Old" y "Rolling and Tumbling" son todos grandes clásicos, muy frecuentemente objetos de covers por bandas de diferentes géneros.

Su influencia ha sido enorme a través de muchísimos géneros musicales: Blues, Rythm & Blues, Rock, Folk, Jazz y Country. Waters ayudó a Chuck Berry a conseguir su primer contrato de grabación.

Sus tours en Inglaterra a principios de la década de 1960 marcaron, posiblemente, la primera vez de una banda amplificada haciendo Hard-Rock allí (Uno de los críticos presentes señaló que se retiró al baño a escribir su crítica, ya que la música estaba demasiado alta). Los Rolling Stones se nombraron de esa manera por la canción de Waters de 1950: "Rollin´ Stone", también conocida como "Catfish Blues". El gran hit de Led Zeppelin "Whole Lotta Love" está basado en la canción de Muddy Waters "You Need Love", que fue escrita por Willie Dixon, quien escribió algunas de las canciones más famosas: "I Just Want to Make Love to You," "I'm your Hoochie Coochie Man," y "I'm Ready."

Otras canciones características de Muddy Waters son "Long Distance Call," "Mannish Boy," y el himno del rock/blues "I've Got My Mojo Working" (Compuesta originalmente por Preston Foster).

Muddy Waters murió en Westmont, Illinois a los 68 años de edad, y fue enterrado en cementerio de Restvale, en Aslip, Illinois, cerca de Chicago.Fuente Wikipedia en español

Roberto Fugazot Semblanza

Roberto Fugazot entre las hermanas Nelly y Nilda Omar. Sentados: Lucio Demare y Agustín Irusta(julio de 1935).

Roberto Fugazot

FUGAZOT, Roberto. Cantor. Autor. Compositor. Actor. Nació en Montevideo, barrio Goes, el 20 de junio de 1902, Culminó una breve etapa de actor aficionado integrando a los 17 años la troupe del circo Bachino.
Desde 1922 hasta 1926, radicado en la Argentina, participó también como cantor en las temporadas de los teatros Nacional, Sarmiento y Nuevo. En 1927, por intercesión de Francisco Canaro —con quien grabó entonces algunos estribillos—, embarcó hacia París juntamente con el rosarino Agustín Irusta, donde unidos ambos al pianista y compositor Lucio Demare, formaron el celebrado trio consagrado a partir del debut mismo en el Teatro Maravillas, de Madrid. Durante la prolongada actuación en España, tomó parte en la filmación de la película Boliche y grabó numerosos discos para la RCA Víctor de Barcelona; algunos como solista: Qué vachaché, Adiós muchachos. También con sus compañeros de conjunto realizó una extensa turné por capitales de Latinoamérica, desde La Habana hasta Buenos Aires, la cual se repitió tras una breve y exitosa reaparición del trío en emisoras y teatros porteños. Desde 1936 en adelante, se dedicó por entero al teatro —colaborando en carácter de figura en varias de las temporadas de comedia musical organizadas y encabezadas por Francisco Canaro—y particularmente al cine. Intervino desde Ya Tiene Comisario el Pueblo (1936) en numerosas películas: Viento Norte (1937), Hermanos (1939), Prisioneros de la Tierra (1939), El Hijo del Barrio (1940), Pampa Bárbara (1945), Los Isleros (1951) y en otras. Compositor del tango Barrio reo, fue letrista de Dandy y de Mañanitas de Montmartre, Falleció el 9 de agosto de 1971.
Horacio Ferrer

Agustin Irusta

Agustin Irusta en 1937

Agustín Irusta con Roberto Fugazzot y Lucio Demare en 1936.

IRUSTA, Agustín. Cantor. Autor. Compositor. Nació en Rosario—provincia de Santa Fe—, donde en 1924 inició su carrera de artista vinculándose a elencos teatrales. Colaboró más tarde como actor y como cantor con la compañía de Enrique Muiño, y en 1927 grabó para Víctor su primer disco: Barranca abajo y Circo criollo. Fue requerido por Francisco Canaro para hacerse cargo, juntamente con Roberto Fugazot, de los cantables de su orquesta en el concurso de tangos organizado por Max Glucksmann en el Palace Theatre. Al volver Canaro a Europa le invitó a viajar con él, llevando también a Fugazot. Una vez en París, con éste y con Lucio Demare —quien se encontraba ya actuando en Francia— quedó constituido el célebre trío cuyo debut tuvo lugar en el Teatro Maravillas, de Madrid. Compartió con sus compañeros una larga y exitosa campaña en tierras españolas, donde participaron en el rodaje de la película Boliche y registraron numerosos discos para la empresa Víctor, con estudios en Barcelona, destacándose su calidad de estilista, la musicalidad de su fraseo y la jerarquía de su voz de tenor, en varios temas que abordó como solista: Mi musa campera, ejemplar realización vocal, entre ellas. Siempre como figura del trío, cumplió dos largas turnes por países del centro y del sur de América, regresando definitivamente a Buenos Aires en 1936. Volvió a la sazón, a colaborar con Francisco Canaro, tomando parte en las representaciones de la comedia musical Mal de Amores ofrecida en 1937 en el Politeama Argentino, y grabando discos para Odeón, entre los cuales se destaca su distinguida presencia vocal en Yo era un corazón. De aquel entonces data, asimismo, su incorporación a la cinematografía argentina, con papeles de creciente trascendencia en Ya tiene Comisario el Pueblo (1936), Nobleza Gaucha (1937), Cantando Llegó el Amor (1938), Puerta Cerrada (1939), Fortín Alto (1941), Yo Conocí a esa Mujer (1942), Tres Hombres del Río (1943) y otras. Desde 1946 continuó su carrera en el cine mexicano para el que hizo también numerosas interpretaciones. A su regreso a Buenos Aires, tomó parte en la puesta de El Patio de la Morocha, de Pichuco y Cátulo Castillo, con Aída Luz y Pedro Maratea, junto a él en los roles principales. Volvió luego a partir, actuando en salas y teatros de América y de España.
Entre otros, le pertenecen los tangos Dos vidas, Dandy, A cara o cruz, Mi fortuna, Tenemos que abrirnos, Mañanitas de Montmartre.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus invitados

Mercedes Simone

Mercedes Simone
Cartelón publicitario de la película Ambición, estre-
nada el 29 de junio de 1939 con Mercedes Simone en el papel principal.

SIMONE, Mercedes. (21 de abril de 1904 - 2 de octubre de 1990) Cancionista. Compositora. Voz consular entre las intérpretes femeninas del tango. Creadora de un estilo inconfundible, profundo, musicalmente caracterizado por sus frecuentes portamentos y temperamentalmente definido por su gran comunicatividad y su sentido dramático de la versión vocal para el que cobró significativa importancia su gran belleza criolla. Su ductilidad le permitió abarcar con idéntica calidad las más disímiles cuerdas poéticas y musicales del tango: lo cómico en Chorra, lo descriptivo en Dei suburbio, lo evocativo en Tiempos viejos, lo melódico en Claudinette, lo canyengue en Yo soy /a milonguera.
Veinte años antes que Edmundo Rivero y en labor precursora paralela a la de éste entre los cantores, abrió para las cancionistas la brecha de las voces de baja timbradura, proyectada luego en las modalidadespor Margarita Silvestre, Nelly Ornar, Alba Solís y Susana Rinaldi entre otras. Nació en La Plata, provincia de Buenos Aires el 31 de abril de 1904. Si bien su primera vocación fue el ballet, se inició en 1925, como cancionista en Bahía Blanca en la confitería Los dos Chinos de esa ciudad, en dúo con el guitarrista Pablo Rodríguez que sería su primer esposo. Actuaron luego en el Teatro Odeón de la misma ciudad. Acompañada siempre por las guitarras de Rodríguez y Baudino debutó poco después en Buenos Aires, como parte de la compañía de vaudevilles de Julio F. Escobar en el Teatro Ópera. Cantó más tarde en el Maipo, en el Florida, en el Porteño, en el Hindú, grabando sus versiones para el sello Víctor. Debutó en radio en 1928, por ondas de Splendid
Tomó parte como cancionista y como actriz en las películas Sombras Porteñas (1935), La Vuelta de Rocha (1937), Ambición (1939). Recorrió cantando toda la Argentina y actuó en el exterior, en ciudades del Pacífico y de Centro América. Desvinculada de Victor grabó para Odeón y para T.K., acompañada sucesivamente por las orquestas de Roberto Garza y de Emilio Bramen. Compuso los tangos Cantando —que le sirve de tema característico en todas sus pre-sentaciones—, Oiga agente y Gracias a Dios. 
Por Horacio Ferrer

Cesaria Evora

Cesaria Evora


Cesaria Evora

Cesaria Evora: “Soy una mujer africana”, se define Cesaria Evora. Algo evidente para quien haya escuchado su voz espesa, envolvente, indeciblemente triste.. Una mujer, podría agregarse, del Africa Portuguesa. De una pequeña colonia en una isla llamada Mindelo, en un pequeño archipiélago conocido como Cabo Verde y situado frente a la costa de Senegal. Una hermana cultural de los descendientes de los esclavos llevados a Brasil. Quizá por eso Caetano Veloso es uno de sus seguidores más incondicionales.

La música de Cesaria Evora, « la diva descalza », se llama morna. Un género en que las letras, en criollo, hablan invariablemente de amor y de distancia (¿de qué otra cosa podría hablarse en una isla?). Una música que ha encandilado al mundo y con la que desde 1988 ha vendido casi 5 millones de álbumes en todo el planeta...

Su último trabajo, el que ahora presenta en directo, se titula Rogamar: de rogar, rezar, y mar, el siempre presente mar… Un disco fresco, melancólico, oceánico, con el que Cesaria Evora nos invita a acomodarnos cálidamente al borde de la costa africana.

Ésta es la ecuación de Cesaria Evora:

Su primer término es un archipiélago atlántico: diez islas situadas océano adentro de la costa de Senegal en dirección a las Américas; un clima saheliano cuya aridez se compensa con el constante vaivén del mar y la tambaleante oscilación de una música que ha asimilado con éxito África, Portugal, Inglaterra, la salsa, la samba, la quadrille, el lundum y el fado.

Su segundo término es una cantante cuya voz lleva indeleblemente grabada la marca de Lusitania, con un registro nostálgico y un sentido de la celebración, las danzas del día de San Juan y unos simpáticos carnavales tremendamente paganos.

Finalmente vienen las variables… Con Cesaria, hay muchas. Primero, los compositores y el extraordinario buen gusto que ella demuestra al escogerlos. En el puerto de Mindelo de la isla de São Vicente, dirían que esta artista tiene una especie de radar innato que le permite detectar los peligros y esquivar los arrecifes traicioneros, y la capacita para confiar en lo mejor – en este caso, Manuel de Novas, ex-piloto de puerto, y Teofilo Chantre, el músico de París, inextricablemente unido al cordón emocional de la saudade de su país nativo, el blues portugués. Por lo demás, Cesaria ayuda a los jóvenes talentos también… “Han nacido y crecen. Yo soy la única que envejece”, comenta bromeando. Dos de estos nuevos compositores de canciones aparecen en Rogamar, son muchachos de gran talento procedentes de Mindelo, llamados Constantino Cardoso y Jon Luz; de este modo, estilos musicales como la morna y la coladera no serán tragados por la globalización del sonido…

La emperatriz Cesaria elige de entre su repertorio de compositores según le indica su paladar (que significa “paladar” y “gusto” en portugués). “Quel flor qu’tita murchà/Quel criançà qu’tita tchorà/Quel nuvem qu’tita passà/E sodade/E tristeza… Munda ta mudà/Ma nha estoria ta f’cà”… Um Pincelada, de Teofilo Chantre y Vitorino Chantre, es poesía en estado puro que se podría traducir (aunque no habría que hacerlo necesariamente, teniendo en cuenta la belleza del fraseo) de la siguiente manera: “Esta flor que se marchita, este niño que llora, esta nube que pasa, es nostalgia, es tristeza… El mundo cambia, pero mi historia continua”. ¿Cómo deben cantarse estos versos? ¿Con tristeza? ¡De ninguna manera! Cesaria les da ritmo. Rogamar consigue enfriar lo caliente y calentar lo frío.

Otra variable en la ecuación de Cesaria es la de sus músicos. Rogamar apela a todo el talento de Fernando Andrade, aka Nando, el pianista de Cesaria desde 1999, que aporta una alegre melancolía tropical a la producción del álbum. Además, seis de los quince temas presentan a Jacques Morelenbaum, un extraordinario violonchelista brasileño, arreglista y escultor de sonido, al lado de Caetano Veloso, Mariza y Ryuchi Sakamoto.

Guitarras, piano, violines (violines de la calle intactos, directos y cándidos) y ritmos singulares… Hay miles de desconocidos detrás de las semejanzas evidentes (el mundo personal de Cesaria). Al tener ahora un estudio en Mindelo, Cesaria ha podido trabajar con músicos locales. La batucada, es decir, el conjunto de percusión de la isla de São Vicente, tiene un redoble de tambor muy especial, que se reproduce aquí. Lo mismo ocurre con los tambores del Día de San Juan (el solsticio de verano, que se celebra con gran pompa el 24 de junio), que aparecen sutiles y sincopados en Rogamar.

En resumen, Cesaria Evora es una ecuación con bastantes incógnitas. Como los secretos son un misterio, ha vendido casi cinco millones de álbumes en todo el mundo, aunque el futuro que una vez le predijeron fue una parada efímera en el sol. Desde 1988, el año de La Diva aux Pieds Nus (La diva de los pies descalzos) y su aparición en el mercado occidental, ella misma dice: “he cumplido con todas mis obligaciones…” Plenamente, podríamos añadir, y manteniendo las riendas de su propio destino. Fuente Syntorama

Orquesta Tipica La Furca

Orquesta Tipica La Furca

Orquesta Tipica La Furca

Orquesta Tipica La Furca: Fue creada en el mes de septiembre de 1999, siendo una de las seis orquestas integrantes de un proyecto cooperativo de músicos de tango que tenía como finalidad profundizar el conocimiento del género musical, así como generar un espacio colectivo y social en el cual, músicos y público, pudieran recrear una de las identidades más importantes del Río de la Plata.

En su primer año de vida realizó distintas presentaciones en la emblemática esquina porteña de San Juan y Boedo.

Desde finales de 1999 hasta la actualidad, se presentó en “La manzana de Las Luces”, Centro cultural "La Fábrica", café "El Almacén", Club Social y Cultural “El Luchador”, en la Universidad de Buenos Aires y en el “Café Homero”, entre otros lugares. En los veranos del 2000 y 2001 la orquesta realizó giras por la costa atlántica Argentina.

A fines del 2002 La Furca grabó su primer CD, “De puro guapo”, con 14 tangos.

El grupo está integrado por músicos jóvenes con formación musical académica. Desde el estudio de la música clásica abordan el tango, con el fin de recuperar la música de las grandes orquestas que brillaron en las décadas del 40 y 50, y que luego fueron desapareciendo. Osvaldo Pugliese inspiró el estilo de La Furca, pero los arreglos son propios , en su gran mayoría. Fuente Todotango www.todotango.com.ar




Entrevista
Jóvenes, de entre 18 y 33 años, forman parte de la vigorosa oleada de orquestas surgidas en medio de la última gran crisis argentina. Un inconfundible ADN pugliesano y una doble negativa: ni cultivar la nostalgia de la gomina y el farol ni hacer rock disfrazado de tango.


En el cambio de un milenio a otro, precisamente, surgió en el país una decena de orquestas típicas de tango integradas por músicos muy jóvenes. Paradójicamente, si el factor económico –entre otros- había contribuido al desmembramiento de estas formaciones en el último cuarto de siglo pasado, ahora la crisis las exhibía como parte de una alternativa artística-laboral. Así, la Fernández Fierro, La Imperial o La Furca, por mencionar algunas, dieron un batacazo inesperado en la Argentina y aún más allá de las fronteras. De ese modo, La Furca, realizó en 2004 su primera gira europea tocando en milongas y teatros de Alemania, Italia, Noruega y Suecia, además de participar en festivales internacionales de tango como el de Berlín y Düsseldorf. Para saber cómo se produjo y por qué se sostiene este singular fenómeno que desmiente la desaparición anunciada, con empeño, de una cultura que vive, toca, canta y baila, en los barrios y cruzando el océano, Acción entrevistó a tres
integrantes de La Furca: Federico Giriboni, (33) director y chelo, Marco Ballini, (31) cantor, y Carlos Agüero (26) bandoneón.

-¿Qué hechos, factores y personas gravitaron en el surgimiento de las nuevas orquestas típicas?

Marco: -No es la primera vez que los períodos históricos artísticos tuvieron su nuevo proceso, sus vanguardias, durante el cambio de siglo. Será porque hay un espíritu de cambio inconsciente en la comunidad. A la vez, no puede obviarse la crisis: fue muy influyente sobre todo en el plano laboral. Un extremo son los cartoneros, mucha gente salió a buscar el mango de otra manera. En el caso de los músicos surgió cierta expectativa en el tango, en las orquestas típicas.

-¿Qué papel jugaron la Escuela de Música de Avellaneda y el bandoneonísta Rodolfo Mederos en el nacimiento de las nuevas orquestas?

Federico: -No se puede negar la influencia de ambos, el 80 por ciento de las orquestas salieron de ahí. Mederos formó una orquesta en la Escuela que luego se llamará Fernández Branca, después surge La Imperial y ahí nomás nosotros. Y luego, otros músicos que fueron pasando por estas orquestas o por la Escuela, o por el ambiente, han formado otras orquestas.

¿Por qué todas se referencian en Pugliese?

Federico: Creo que, simplemente, llevamos a Pugliese en el ADN. Su estilo ha sido elegido por La Furca como punto de partida, no para hacer una copia, sino en la búsqueda de una identidad propia. Y si bien Mederos fue uno de los principales impulsores de todo esto, no digo que fue algo impuesto, a la mayoría nos identificó el estilo del troesma.

Carlos: Otro aspecto tiene que ver que fue una de las orquestas que tocó hasta finales del siglo pasado, la más cercana en el tiempo para los más jóvenes.

¿Qué elementos componen el estilo Pugliese?

Federico: Son texturas musicales más complejas, identificaciones cadenciosas en la base y un juego con las intensidades y con el tiempo, siempre buscando contrastes en los distintos lenguajes de la música: movimientos, velocidad. Por caso, un tuttis (toca toda la orquesta) e inmediatamente un solo. Son cosas que pueden utilizar todas las orquestas, pero él las explotó más y de ese modo tan singular. Es una orquesta con la cual no te podés aburrir, jamás.

Carlos: Pugliese fue la más avanzado en orquesta típica, después de él no hubo ninguna que haya generado esa adhesión masiva, ni logrado un sonido más actual, más moderno, más roquero si se quiere. Es lo más alejado a los estilos tradicionales, por ejemplo de Di Sarli o Darienzo que son orquestas más restringidas. Él mantuvo un lenguaje bien tanguero y al mismo tiempo fue el más osado en incorporar cosas distintas. Supo ir más allá.

¿Cuantos integrantes tiene La Furca?

-Carlos: Somos doce con el cantor. Cuatro bandoneones, cuatro violines, contrabajo, piano y chelo.

¿Qué tipo de funcionamiento los organiza en cuanto al dinero?

Federico: Funcionamos como una cooperativa. Se divide la plata en partes iguales. La diferencia que tenemos con la orquesta de Pugliese es que ellos dividían de acuerdo al trabajo de cada integrante: el que arregla cobraba más, por ejemplo. Acá, si querés un poco injustamente, cobramos todos lo mismo.

Y además de tocar en La Furca, ¿qué hacen, de qué viven?

Federico: La mayoría de la música, dando clases por ejemplo. Ahora tenemos un pianista médico, un bandoneonísta ingeniero en sistemas pero es sólo bandoneonísta, un arquitecto que canta. Todos músicos salvo el pianista que también hace medicina familiar.

-Ustedes tomaron el estilo Pugliese como un punto de partida, luego iniciaron un recorrido que ya lleva seis años, y ¿hacia dónde van?

-Marco: -Lo que consideramos clave para el desarrollo y el crecimiento del tango en este momento es la vinculación social. Todo lo que signifique que nuevas generaciones empiecen a identificarse, a encontrar héroes, antihéroes, espacios donde divertirse y encontrarse dentro del tango. Se trata de convertir la cultura que tenemos guardada en un museo en algo vivo y cotidiano. Lo clave es el posicionamiento social del tango.

Algo de esto, ¿no se está insinuando?, porque si yo quiero ir a una milonga puedo hacerlo de lunes a lunes en Buenos Aires.

-Carlos: Sí, pero en general es baile. Yo escuché a un “caballero” decir que el tango hoy es una pareja bailando. Y con eso no hay acuerdo. No es sólo baile.

En un ensayo sobre las orquestas típicas, María Liska sostiene que el hecho de que los jóvenes se expresen en el estilo Pugliese guarda cierta vinculación con la coyuntura social, y que redefine el músico de tango cómo actor social...

Federico:- Está claro que quienes integramos una orquesta típica no esperamos convertirnos en Rockquefeller. Cuando digo que vivimos de la música no es que vivimos de la orquesta. Te dije dando clases, pero otros tocan en el subte, yo dirijo un coro, otro es luthier. O sea, la orquesta no es un modo de ganar dinero fácil. Por el contrario, los cachets son bajos y hay que dividir por 12 personas. Nos podíamos haber desintegrado miles de veces. Pero si lo seguimos es porque sentimos hacerlo, es porque tenemos algo que decir.

Marco: Con nuestra actividad estamos diciendo: “vamos a encontrarnos, vamos reconocernos como pares, vamos sabernos próximos”. El valor que tiene esta identidad cultural fue despreciada de una forma terrible, y aún lo es: basta mirar a Tinelli. De alguna manera tenemos la esperanza de cumplir, humildemente, un rol histórico: tratamos de trasmitir a las nuevas y futuras generaciones las pistas de un camino que hay que encontrar para no hundirnos en el anonimato.

-¿Qué edades tienen los integrantes de La Furca y qué segmento de público los va a ver?

Federico: Nosotros vamos de los 18 a los 33. Y el público de treinta para arriba. ¿Por qué? Porque esta orquesta no quiso disfrazar el rock de tango. Así como reniega de ponerse gomina y tocar bajo un farol con sombrero, así reniega de ponerse una remera de los Rollings y tachas, o matar pollitos en el escenario, porque no es nuestra forma de ser. Creo que tenés que tocar en el escenario vestido del mismo modo en que podés ir a comprar pan el domingo.
Fuente: Oscar Castel(Esta entrevista fue publicada recientemente en la revista Acción, a quien agradecemos la gentileza de poder reproducirla) AGENCIA DE COMUNICACION RODOLFO WALSH

Antonio Agri

Antonio Agri en junio de 1973, cuando integraba el quinteto de Piazzolla; con él Miguel Ángel Manzi, Hugo Balzo, Agri y Osvaldo Tarantino.

Antonio Agri en 1971 con otro estilista de) violín: Hugo Baralis. Foto tomada en la cantina de Pierino, Lavalle y Billinghurst.

Antonio Agri: Nació en Rosario (Santa Fe) el 5 de mayo de 1932 y murió en la ciudad bonaerense de Lomas de Zamora el 17 de octubre de 1998. Fue uno de los mayores violinistas del tango.
La frase de Piazzolla se ha repetido muchas veces: Tengo un violinista que es Vardarito, Francini y Bajour al misno tiempo, pero se llama Antonio Agri. El fenómeno había sido elegido para formar en el quinteto Nuevo Tango, en abril de 1962. Elvino Vardaro, Enrique Mario Francini, y Szymsia Bajour habían tocado ya con Piazzolla, cada uno con lo suyo, con su propio virtuosismo y su intransferible sonido. También había militado a sus órdenes otro violinista preclaro, Hugo Baralis; todos ellos, ramas de un mismo árbol a cuyo tronco, quizás indefinido aún, gustamos nombrar Negro Casimiro. David Tito Rocatagliata, Alcides Palavecino, Ernesto Ponzio, Agesilao Ferrazzano, Manlio Francia, Julio De Caro, Cayetano Puglisi, Remo Bolognini, Pepino Bonano con su violín corneta, Raúl Kaplún, Antonio Rodio, Reynaldo Nichele son otras ramas de una densa progenie que multiplica de manera desmedida el tejido de referencias y comparaciones.

Y propone, además, un calificativo inquietante: tanguero. Porque el tango requiere (o, al menos, admite) virtuosismo y musicalidad, pero sobre todo exige tanguedad. ¿Era el de Antonio Agri un violín tanguero? Esto de ser tanguero es cosa del fraseo. Y el fraseo es cosa de la entonación, cosa del dejo arrabalero, canyengue, esquinero cuando menos, con que se expresan los instrumentos músicos, comenzando por la voz humana. Y como cada tanguero tiene su propia tanguedad, que habita en su corazón pero condiciona sus oídos, toda inquisición y toda revaloración al respecto sólo pueden plantearse en jurisdicción de la más estricta subjetividad. Por eso, para unos el paradigma o poco menos de la tanguedad es Baralis. ¿Por qué razón no lo mencionó Astor como ingrediente de ese cóctel fabuloso que fue Agri?

De todas maneras, pese a su familiaridad con la música grande y a la admiración que le profesaban excelsos violinistas de aquende y allende el océano, Agri tenía él mismo un look tanguero, cierto cancherismo, cierto decir sin decirlo guarda, ahí va la posta, que trascendía suburbio. Además era modesto, afectivo, de rara calidez, de llaneza admirable, que invitaban a decir de él lo que la liturgia dice de Santa Cecilia, la patrona de la música: que ella misma era una melodía. En el caso de Agri, una melodía de arrabal.

En sus meses postreros, acosado por el cáncer, Agri había conquistado la admiración de grandes músicos y trabajaba en una obra propia, él, que negaba ser compositor. Por entonces anotaba que los europeos se entusiasman cuando escuchan los silencios bien colocados y que grandes músicos europeos se quedan maravillados por los yeites tangueros de mi violín. "Yeite" es palabra de ardua definición. Un sinónimo lunfardo es "rebusque", una suerte de apartamiento ingenioso de lo convencional o regulado. Con el mismo sentido, Piazzolla empleaba la palabra "roña". Hay tangos exquisitos, refinados, como Flores negras, como Los pájaros perdidos, pero para que suenen a tango es necesario ponerles un poquito de roña, un poquito de fango arrabalero. Sebastián Piana hablaba de cadencia, y venía a ser lo mismo. Y uno se pregunta si la tanguedad reside, al fin, en esos "yeites", en esa "roña", en esa cadencia que tal vez no puedan ser captadas por el oído más agudo si su dueño carece de un prolongado ejercicio de la porteñidad.

Agri nos dejó en plena madurez, es decir, cuando era el Agri total; cuando nadie lo habría confudido con un cóctel de Bajour, de Francini y de Vardaro. Con él se fueron sus "yeites" tangueros, totalmente personales e intransferibles, como la roña de Piazzolla y la cadencia de Piana. Nos queda, en los compactos, el sonido hermosamente canchereado de su violín y, a algunos, también, la huella de su ternura y la lección de saber ser, al mismo tiempo, en cada acorde, en cada nota, un artista exquisito, un profesional responsable y un hombre cabal, cada uno todo entero en el otro.Fuente:José Gobello

Biografia II

AGRI, Antonio Pablo. Músico. Violinista. Director. 5 de mayo 1932 - 17 de octubre 1998)
El más importante violín de la generación de 1955 y uno de los mayores arcos del tango todo. Marcadas semejanzas de estilo, sensibilidad y temperamento interpretativo con Elvino Vardaro, concurrieron—en principio— a perfilar su personalidad, absolutamente inconfundible; luego, en su originadísima manera de ejecutar y "decir" la frase, de un modo sutil, hondo, rico, que valora y expresa cada nota ejecutada. Su tarea de solista en Retrato de Alfredo Gobbi, Ciudad triste, Los Mareados, Éxtasis, Romance del diablo. La mufa, Milonga del ángel, Otoño porteño, Maria de Buenos Aires—temas todos realizados con su actuación como figura de los conjuntos de Astor Piazzolla— y en todas las realizaciones de su propia agrupación, es altamente representativa de su modalidad, en la que se aúna la gran fuerza emocional del más puro rango tanguero con el maduro dominio de su instrumento. Nació en Rosario, provincia de Santa Fe, el 5 de mayo de 1932. El maestro Dermidio Guastavino fue su profesor de música. Debutó profesionalmente en 1947—a los quince años de edad— integrando un cuarteto en Córdoba. Posteriormente se desempeñó en el conjunto Los Provincianos y en las orquestas de José Sala, José Corna y Antonio Ríos. También en su ciudad natal, integró con Antonio Ríos, José Puerta y Omar Murtagh el cuarteto Los Poetas del Tango y condujo el Quinteto de Arcos Torres-Agri. Ejecutante de la Sinfónica de Rosario, Nito Farace y José Márquez lo vincularon a Astor Piazzolla. Debutó con éste en el quinteto Nuevo Tango en abril de 1962, acompañándole, desde entonces, en todas sus presentaciones: en el Nuevo Octeto de 1963 y en las giras por el interior de la Argentina y a Río de Janeiro, Estados Unidos y Uruguay. Simultáneamente, prestó su concurso a las orquestas de Osvaldo Fresedo, Aníbal Troilo, Horacio Salgán, Roberto Pansera, Mariano Mores y al conjunto del bandoneonista Alberto Caraciolo. En 1968, siempre como violín solista, grabó María de Buenos Aires de Astor Piazzolla y Horacio Ferrer, Pulsaciones y Adiós, Nonino —tres discos de larga duración con Piazzolla, en Trova—. Al año siguiente, actuó con éste en Michelángelo, y en 1970, en los recitales del quinteto de Astor en el Teatro Regina —registrados en vivo por RCA—, tocó la viola en la versión de Invierno porteño.
Desde el 10 de noviembre de 1971 integró el Conjunto 9, con el cual grabó los dos volúmenes fonográficos para Víctor, participó en las giras por catorce provincias auspiciadas por la Municipalidad de Buenos Aires, tocó —también en el 72— en Roma, en el Teatro 10 de la RAI y en el Instituto(italo-latinoamericano de Cultura; en Caracas y en Río, en el Colón y en la película Argentinísima. Cuando Piazzolla reconstituyó su quinteto, actuó con él en las turnes por Río y San Pablo (1973), en el Olimpía de París (1974) y en 1975, siguió siendo concertino destacado en la nueva formación que el compositor de Suite Troiliana presentó en Canal 13 y en La Ciudad. Desde junio de 1976 se constituyó en director de su propia agrupación de instrumentos de arco (violines, violas, cellos y bajo), debutando con dos recitales en el Teatro San Martín (sala Casacuberta). Con la colaboración de diversos arregladores —Aquiles Roggero, Roque De Pedro, Omar Torres, Rodolfo Alchourrón, Martín Darré, Rodolfo Mederos y Omar H. Valente—, cultivó un repertorio generísticamente variado, pero básicamente tanguístico, en el que volvió a ofrecer su admirable sensibilidad de intérprete. Ha tocado, también, en el Teatro del Carmen, en el Club Hípico y en Michelángelo durante toda la temporada de 1977.
Horacio Ferrer

Cecilia Milone

Cecilia Milone

Cecilia Milone

Cecilia Milone

Cecilia Milone nació en Buenos Aires el 7de marzo de 1969. A los 16 años comenzó a tomar clases particulares de arte escénico con María Vaner. Al terminar la escuela secundaria, ingresa al Conservatorio Nacional de Arte Dramático, estudios que abandonó apenas iniciados. Consiguió su primer empleo como recepcionista en un bufete jurídico y continuó tomando cursos de actuación, canto y técnica vocal.

En 1991, recién cumplidos sus 22 años, fue seleccionada como la protagonista femenina de la obra musical "Drácula", de Pepe Cibrián y Ángel Mahler.


En 1993, realizó su primera labor en televisión en algunos capítulos de "Son de diez"; ese mismo año logra su primer contrato en la tira: "Con pecado concebidas" (Canal 9). En 1998, a partir de una incursión en el ciclo "Verdad – Consecuencia", fue convocada para ser parte de la exitosa "Gasoleros".


Dentro de su labor teatral vale destacar: "Masculino singular", junto a Jorge Rivera López y a Beatriz Taibo (1995); "La zapatera prodigiosa" (1996); y "Boeing Boeing, producción de Nito Artaza con las actuaciones de: Rodolfo Ranni, Fabián Gianola y Ana Acosta.

Milone presentó en el año 2000 su primer trabajo discográfico como cantante solista "Besos brujos – Entre tangos y boleros". Este disco surgió a partir del espectáculo "Cecilia Milone, entre tangos y boleros", que la actriz y cantante presentó en La subasta, Mar del Plata y en el Complejo La Plaza.

Integró la compañía de "Lo que el turco se llevó", junto a Nito Artaza, Miguel Ángel Cherutti, Graciela Alfano y Mario Sánchez, que se puso en escena en el Teatro Atlas de Mar del Plata (temporada 99’/2000), y en el Teatro Astral de la Capital Federal.

Durante el 2001 presentó su espectáculo "Cecilia Milone, una mujer" y filmó la película "Sólo un ángel", junto a Osvaldo Laport, aún no estrenado.

En el 2002 actuó en "Poné a Francella". En 2003 protagonizó nuevamente "Drácula" junto a Juan Rodó en el Teatro Ópera y emprendió una gira por nuestro país que se extendió durante todo el año. Con Rodó interpretó Musicales Argentinos en el Teatro Gran Rex.

Actualmente, protagoniza junto a Ana Acosta, Catherine Fulop, Anita Martínez y Julia Zenko "El show de las divorciadas", pieza de Manuel González Gil y Martín Bianchedi que se ofrece en el Complejo La Plaza.

Durante el 2005 participó en la tira "Los secretos de papá" y ofreció su show "La morocha del abasto". El 19 de octubre, debutó en el Teatro Metropolitan junto a Carlos Perciavalle y un gran elenco en "Corrientes, esquina glamour", de Gerardo Sofovich.

A partir de enero de este año presentó en Mar del Plata su unipersonal "Recuerdos surtidos" todos los lunes en el Hotel Costa Galana, con el que obtuvo una nominación al premio "Estrella de Mar". Fuente Gobierno de Mendoza