Esta pagina ha sido creada para difundir y hacer conocer nuestra música ciudadana "El TANGO" y sus artistas.
Compartimos el lugar con otros géneros, debido a que toda la música es arte, placer y ......
Aquellos que gusten de estos últimos y no conozcan el Tango, lo descubrirán y posiblemente lo empezaran a disfrutar.
sábado, 7 de febrero de 2009
Rocio Jurado
María del Rocío Trinidad Mohedano, conocida artísticamente como Rocío Jurado (Chipiona, Cádiz, 18 de septiembre de 1946 - La Moraleja, Alcobendas (Madrid), 1 de junio de 2006) fue una cantante y actriz española. Se especializó en géneros musicales genuinamente españoles (copla, flamenco) así como en la balada romántica, faceta con la que alcanzó relevancia internacional. En sus últimos años experimentó con ritmos hispanos y gospel.
Nació en el número 11 de la calle Calvo Sotelo de Chipiona, en el seno de una familia humilde. Su padre, Fernando Mohedano, era zapatero y cantaor de flamenco en sus ratos libres; su madre, Rosario Jurado, era ama de casa y cantante aficionada de la música española. En su hogar aprendió a amar la música; su primera presentación en público la hizo a los ocho años, en una obra en su Colegio de La Divina Pastora. También aprendió a trabajar duro desde muy niña. Cantaba misas, participaba en festivales de su colegio y también, a los quince años, cuando falleció su padre, tuvo que echar una mano a la precaria economía familiar. Trabajó de zapatera, recolectora de frutas y aún tenía tiempo para presentarse a los concursos de Radio Sevilla.
A Rocío le llegaron a llamar «La niña de los premios», ya que ganaba todos los premios de las emisoras de radio en los cuales participaba. Como en 1958, su primer premio en Radio Sevilla, en el Teatro Álvarez Quintero, y que consistió en 200 pesetas, una botella de gaseosa y un par de medias, como ella misma confesó a una revista del corazón.
De la mano de su madre, viajó a Madrid, sin haber cumplido la mayoría de edad, donde una vieja amiga del pueblo la presentó a La Niña de los Peines y al maestro Manolo Caracol. Sin embargo, su imparable carrera artística no empezó hasta su primer encuentro con la «cantaora» Pastora Imperio.
Pastora Imperio inmediatamente contrató a Rocío para el tablao que regentaba, El Duende, uno de los primeros de la época de los tablaos. Siendo una menor, tenía que vestir ropa que la hiciera aparentar más edad para no llamar la atención de las autoridades. Su compañera, la cantaora y bailaora malagueña Cañeta de Málaga, que también había llegado a Madrid aún siendo joven a buscar fortuna con su arte y fue contratada en El Duende, recuerda en una entrevista como la joven Rocío cantó «sus alegrías, sus tientos y sus cosas de la Piquer».
Rocío siempre había dicho que nació en 1944 ya que cuando llegó a Madrid para cantar en 1960 era menor de edad. Hasta los 16 años no podía cantar en los tablaos, por este motivo es que falsificó su fecha de nacimiento.
Profesionalmente, Rocío Jurado despuntó con un repertorio mayormente de copla, género que empezaba a perder vigencia y que ella revitalizó con actuaciones enérgicas, tanto en voz como en presencia escénica. Se ha repetido varias veces una anécdota con Concha Piquer, cuando Rocío, aún jovencita, se osó a interpretar ante ella uno de sus viejos éxitos; la Piquer la recibió con frialdad, acaso al ver peligrar su liderazgo.
Popular ya en los años 60 y primeros 70, en parte por algunas apariciones como actriz en televisión y cine, Rocío dio el salto a la categoría de estrella internacional al inclinarse a un repertorio melódico, de balada romántica, con instrumentaciones orquestales y una imagen personal (maquillaje, peluquería y vestuario) al gusto anglosajón. Rocío alternó la bata de cola con suntuosos vestidos de noche, a veces muy comentados por su exuberancia. De los años 70-80 son sus éxitos Como una ola, Señora, Como yo te amo, Muera el amor...muchos de ellos debidos a Manuel Alejandro. La verdadera celebridad de Rocío radica en esta faceta, más que en la folclórica.
La declaración flamenca más contundente de Rocío Jurado llegaría años después cuando ya era una destacada intérprete de la copla y de baladas. En 1982 aplicó sus extraordinarias dotes al cante flamenco en un doble LP con la colaboración de dos máximas figuras de dicho género: el guitarrista Manolo Sanlúcar y el cantaor Juan Peña "Lebrijano". Titulado "Ven & Sígueme", descubrió que la famosa cantante también se movía con soltura por los caminos de lo jondo. A pesar de un decir lírico ya perfectamente desarrollado, la polifacética artista demuestra sus conocimientos y su compás en una serie de cantes rigurosamente tradicionales e interpretados con gran cariño.
El cineasta Carlos Saura tomó nota y se sirvió de la voz de Rocío en dos largometrajes: "El Amor Brujo" con Cristina Hoyos en 1986 y "Sevillanas" en 1992 donde interpreta junto a figuras tan relevantes del mundillo flamenco como Paco de Lucía, Camarón de la Isla, Tomatito, Lola Flores, Manuela Carrasco o Matilde Coral entre muchos otros.
En la edición de 1998 del Festival de Jerez dedicado al baile flamenco, el Teatro Villamarta tuvo que colgar el cartel de "entradas agotadas" para la gala de Rocío semanas antes que para cualquier otro espectáculo. Un homenaje unipersonal a la cantante llegó con la adaptación por bulerías de Fernanda de Utrera de "Se Nos Rompió El Amor", canción de Manuel Alejandro popularizada por Rocío.
Su voz fue reconocida a nivel internacional. Prueba de ello es el premio como la Mejor Voz Femenina del Siglo XX, que le fue concedido en el año 2000 en la ciudad de Nueva York. Además, llegó a cantar en la Casa Blanca para el -por entonces- Presidente de los Estados Unidos, Ronald Reagan.
El cáncer que la atenazó en sus últimos años la obligó a retirarse de los escenarios; con todo, a finales de 2005 grabó un programa especial para TVE, donde sacó fuerzas para asombrar al público con un completo recital interpretativo, de voz y de expresividad. Dicho espectáculo incluyó actuaciones a dúo con múltiples estrellas de la música hispana, desde Paulina Rubio, Chayanne y Mónica Naranjo, hasta Raphael. Meses después se publicó un álbum que recogía dicho espectáculo, Rocío...siempre, que alcanzó notables ventas.
Rocío fue la primera en sustituir el típico traje de volantes y lunares de las tonadilleras por elegantes trajes de noche y una apariencia internacional, pero nunca olvidó sus orígenes, y el 21 de mayo de 1976, cuando se casó con el boxeador Pedro Carrasco en el Santuario de la Virgen de Regla, vistió bata de cola, peineta y volantes.
La pareja sólo tuvo una hija, Rocío Carrasco Mohedano. En privado, alguna vez reconoció que no dispuso del tiempo suficiente para dedicarse a ejercer de madre; sus largas giras por América le mantenían más tiempo del que hubiera deseado alejada de su hija. Tras su divorcio en julio de 1989, y después de obtener la nulidad matrimonial, Rocío Jurado se casó con el torero José Ortega Cano el 17 de febrero de 1995 en la finca de su propiedad «La Yerbabuena», ante más de 1600 invitados. La ceremonia fue retransmitida en directo (y diferido) por todas las cadenas de televisión. A finales de 1999, la pareja adoptó dos niños colombianos, José Fernando y Gloria Camila.
En agosto de 2004 fue sometida a una complicada operación en el Hospital Montepríncipe de Madrid[1] , y más tarde, el 17 de septiembre de 2004 anunciaría que padecía cáncer de páncreas[2] en una rueda de prensa.
En junio de 2005, el XIV Festival de la Yerbabuena de Las Cabezas de San Juan (Sevilla) fue dedicado a ella. Con su amigo de toda la vida, Juan Peña "El Lebrijano" a su lado, Rocío Jurado aceptó emocionada el galardón que brindó a su padre y a todos los aficionados.
Tras más de un año de inactividad profesional, Rocío reapareció en el especial de TVE Rocío...siempre, con un inesperado alarde que demostró su estado de forma. El espectáculo, grabado en dos sesiones, incluía una parte de cante folclórico y otra con sus famosas baladas y demás éxitos melódicos. Algunos temas los cantó a dúo con lo más granado de la música hispana: Raphael, Mónica Naranjo, Paulina Rubio, David Bisbal, Chayanne
En enero de 2006, Rocío Jurado ingresó en el Hospital MD Anderson, en Houston (Texas), para someterse a una revisión y a una pequeña cirugía. Una reacción alérgica a uno de los medicamentos que le suministraron, le hizo ingresar en la Unidad de Cuidados Intensivos en un par de ocasiones, retrasando su regreso a España hasta finales de marzo de 2006[3] . El mismo día del regreso de Rocío Jurado a España, el Gobierno le concede la Medalla de Oro al Mérito en el Trabajo lo cual se le notifica inmediatamente pisa tierra.
El 1 de junio de 2006 Dª Rocío Mohedano Jurado fallecía a las cinco y cuarto de la madrugada en su casa de La Moraleja en Madrid , a los 59 años de edad, así lo informaba a las puertas de la residencia de Rocío a las 6 de la mañana su hermano y manager de toda una vida, Amador Mohedano Jurado. El cuerpo fue trasladado al Centro Cultural de la Villa en la Plaza de Colón de Madrid, donde se instaló una capilla ardiente para su velatorio público. Finalmente su cuerpo fue trasladado a Chipiona donde más de 20.000 personas fueron llegando durante toda la madrugada del 2 de junio para darle el último adiós. Allí sus restos descansan en paz en el cementerio de San José.
El alcalde de Madrid, Alberto Ruiz-Gallardón, ha prometido poner el nombre de la cantante a una calle de la capital española y, el alcalde de su tierra natal, Chipiona, ha construido un mausoleo en su honor, en el cementerio municipal.
En el mundo del flamenco siempre ha habido personajes célebres ligados a Rocío: Curro Romero, Antonio Muñoz Cariñanos, la Duquesa de Alba, Rafael Alberti, Antonio Burgos, Jesús Quintero, Rafael de Paula, además de otros vinculados con la música como Camarón de la Isla, Raphael, Alejandro Sanz, Mónica Naranjo, María Jiménez, María del Monte, Juanita Reina o Isabel Pantoja.Fuente Wikipedia
viernes, 6 de febrero de 2009
Rodolfo Lesica
LESICA, Rodolfo. (Nombre de familia: Rodolfo Osear Aiello). Cantor. Nació en Buenos
Aires, barrio del Parque Chacabuco el 12 de noviembre de 1928. Se inició como vo-
calista en 1944, integró la orquesta de su padre Carmelo Aiello con el nombre artístico de Rodolfo Alberti y en 1950 alcanzó su espaldarazo en la recién constituida agrupación de Héctor Várela. Grabó con la misma para el sello Pampa, formando sucesivasparejas vocales con Armando Laborde, Argentino Ledesma y Raúl Lavié. Con éste se independizó en 1958 continuando luego su
carrera como vocalista de Joaquín Do Reyes y en carácter de solista, acompañado por
Alberto Nery o compartiendo el cartel con el bandoneonista y arreglador Jorge Caldara.
Ha grabado además para los sellos Odeón y Music-Hall. Desde 1969 integra el elenco
vocal del programa Grandes Valores del Tango, que emite Canal 9.
Fallecio el 19 de julio de 1984.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados
jueves, 5 de febrero de 2009
Eydie Gorme
Eydie Gormé, registrada con el nombre Edith Gormezano al nacer el 16 de agosto de 1931 en Nueva York, Estados Unidos, es una cantante a la que se le reconoce, junto con su esposo Steve Lawrence, su contribución a mantener vivo y vigente el repertorio clásico de música pop tradicional. Al día de hoy continúa dando presentaciones y giras artísticas con su esposo.
A lo largo de su extensa trayectoria ha recibido numerosos premios y distinciones, incluidos el premio Grammy y un premio Emmy.
La mezcla que hizo la pareja de baladas y breezy swing se ha combinado con la continuidad de su matrimonio y su buen humor, lo que los ha convertido en iconos norteamericanos--- aunque ninguno de los dos haya colocado un disco simple juntos o separado en el ranking de los American Top 40 desde 1963.
Los padres de Gormé eran inmigrantes de origen sefardita-español, siendo ella la menor de tres hermanos. Puesto que el español era la lengua de la familia, ella creció conociendo y hablando fluidamente este idioma.
Se graduó en la escuela secundaria William Howard Taft High School en 1946 (la misma escuela en la que estudiaba por esos años Stanley Kubrick). Posteriormente trabajó para las Naciones Unidas en Nueva York como traductora, aprovechando su dominio del español.
A la edad de tres se inició en la radio, cantando en un programa de niños. En la escuela secundaria William Howard Taft en el Bronx, Gormé era "la más bonita, animadora" de los musicales de la escuela, y cantaba. Al salir de la escuela, trabajó como intérprete de español con la Theatrical Supply Export Company, antes de decidir concentrarse en una carrera de canto, con Greengrass como su agente artístico.
Su primera grabación fue en 1950 con la Orquesta de Tommy Tucker y Don Brown, y una segunda grabación incluia a Dick Noel. MGM produjo estas dos grabaciones en discos de vinilo de 78 rpm.
Primeras grabaciones:
A: Powder And Paint Lanzamiento original: únicamente en vinilo de 78 rpm, MGM 10758
A: Cherry Stones Lanzamiento original: únicamente en vinilo de 78 rpm, MGM 10767
Años de las grandes bandas:
Ella también trabajó como cantante a pedido. Trabajó en las grandes bandas de Glenn Miller y el cantor Tex Beneke. En 1951 Eydie realizó varias grabaciones de audiciones radiofónicas que se lanzaron como discos larga duración de vinilo y, recientemente, como CD. En 1952 Eydie Gormé comenzó a grabar como solista, y sus primeras grabaciones las distribuyó el sello Coral.
Tuvo su primera gran oportunidad y conoció a su compañero de toda la vida cuando ella y al cantante Steve Lawrence los llamaron para el The Tonight Show original, que era conducido por Steve Allen. Andy Williams era también cantante de The Tonight Show en esa época.
Eyde y Steve Lawrence se casaron en Las Vegas el 29 de diciembre, de 1957. Tuvieron dos hijos, uno de los cuales falleció. Alcanzaron fama por sus famosos diálogos y muletillas en el escenario, en las que bromeaban y se burlaban de la vida de casados.
En 1995 Gormé y Lawrence fueron distinguidos por la contribución que durante su vida hicieron a la música por el Songwriters Hall of Fame.
Gormé tuvo éxito en varios simples como solista, siendo el más destacado "Blame it on the Bossa Nova" en 1963, que la condujo a ubicarse en el ranking de los mejores 40.
Ganó un Grammy Award como Mejor voz femenina en 1967, por su versión de "If He Walked Into My Life", del musical Mame. Gormé ha aparecido en numerosos programas de televisión a lo largo de su carrera, incluidos The Carol Burnett Show y The Nanny.
Ella y Lawrence participaron en Broadway en el exitoso musical Golden Rainbow, cuya gestación esta descrita en detalle en el libro de William Goldman The Season.
Gormé también alcanzó mucho éxito en el mercado de la música latina con una serie de álbumes con canciones en español. Uno de estos álbumes: Eydie Gorme canta en español, con el trío Los Panchos, fue de los que mejor se vendieron. El segundo álbum se llamó Cuatro vidas. El último álbum con Los Panchos es una colección de canciones navideñas titulado Blanca Navidad.
En dúo con su esposo, su show se llamaba "Steve and Eydie". En 1960, Steve and Eydie ganó un premio Grammy por "Mejor performance de un grupo vocal", por su canción "We Got Us". Una de sus mejores canciones como dúo fue la canción israelí "Hallelujah," ganadora del concurso Festival de la Canción de Eurovisión en 1979. La habían grabado bajo el pseudónimo de Parker y Penny.
Desde la década de 1970, la pareja centró su trabajo casi exclusivamente en el repertorio de música pop estadounidense, grabando varios álbumes con temas de compositores norteamericanos. Con el arribo del siglo XXI, la infatigable pareja anunció sus planes de reanudar sus giras, lanzando la denominada "One More For The Road" en el 2002.
En el 2006 Gormé se inició como blogger, subiendo mensajes ocasionales a la página de su sitio en Internet.Fuente Wikipedia
Trio Los Panchos
Trio Los Panchos(Enrique Cáceres, Chucho Navarro, Alfredo Gil) formacion que grabo el LP con Eydie Gorme Trío Los Panchos surge en Nueva York en Junio de 1944. Nace como parte del fenómeno de la emigración e integración Latina en un medio que le resultaba extraño y hostil. Alfredo Gil y Chucho Navarro se encuentra conHernando Aviles en Nueva York y deciden formar un trío de voces y guitarras.
La historia de cómo nace el Trío Los Panchos Se las relato de la misma forma y manera que la recibí del dilecto Juan Reséndiz Picasso — compueblano de Alfredo Gil.
"Mas o menos por junio de 1944 Se deshizo el conjunto de Felipe Gil, quedando al garete Alfredo Gil y Chucho Navarro, ninguno de los cuales era primera voz. por lo que al faltar esa primera voz de hecho los dos restantes quedaban al desamparo artístico."
"Fue una noche de ese mismo mes, a unos cuántos días de salir Felipe Gil, que fui a una fiesta que ofrecían unos amigos puertorriqueños, entre los cuales estaban Machito y su Conjunto. Bobby Capo, Servando Díaz y su Trío. Mirta Silva. entre otros que recuerdo, no sé si para festejar la boda de los mejicanos Eva Garza con Felipe Gil, o por cualquier otro motivo, porque a los artistas latinoamericanos. jamás les faltaron rnoviles para festejar. También asistieron a la fiesta Alfredo Gil y Chucho Navarro. Por sorpresa de la vida otro de los invitados, desconocido hasta entonces por Alfredo Gil y Chucho Navarro, era Hernando Avilés. Para esa fecha Hernando cantaba como solista con orquestas latinas, entre estas, la de Juanito Zanabria y la del maestro Bobby Quinton. Siendo la fiesta de tono bohemia grande, todos los presentes participaban conforme a sus talentos y posibilidades. Hernando Aviles canto "Sin Bandera”. de don Pedro Flores. Al escucharlo Alfredo Gil y Chucho Navarro al instante comprendieron que no tenían que buscar mas la primera voz que necesitaban para formar su Trío. Con un breve y ligero ensayo esa misma noche, cantaron juntos por primera vez. Surgió entonces el Trío, aunque aun sin seleccionar el nombre que pasearían por los mejores escenarios latinos."
Hernando Avilés, en un programa que le dedicaran en el desaparecido "Show Goya”, hace muchos años, ofreció otra versión de la formación del Trío Los Panchos.
Según Hernando, allá para mayo de 1944 el había llegado de un viaje que como solista había hecho a Nueva Orleans. Conoció a Alfredo Gil y Chucho Navarro en los estudios de la "Columbia Broadcasting System”, donde se presentaba El Charro Gil y sus Caporales, que recién habían llegado de una gira. Venían disgustados y ocurrió la separación del grupo. Alfredo y Chucho le encontraron mientras caminaban por la Calle 51 y Séptima Avenida y le invitaron a formar un trío juntos. Comenzaron a ensayar y así surgió el Trío Los Panchos.
Existe otra versión en cuanto a la formación del grupo que gira igualmente en torno al Charro Gil y sus Caporales.
Dice esta otra fuente "La agrupación Los Panchos surgió al panorama artístico en el I 944, cuando el requintista mejicano Alfredo el ‘Guero’ Gil y su compatriota José de Jesús 'Chucho’ Navarro {segunda voz) viajaran a Nueva York en busca de una primera voz para formar su trío. Ambos provenían del grupo Los Caporales, dirigido por Simón (otros le llamaban Felipe), 'el Charro Gil’ (hermano del Guero), quien acababa de perecer trágicamente v. tras su muerte. el conjunto se disolvió."
Según algunos conocedores de esa época. Simón se quedo dormido mientras fumaba, cogiendo fuego el mosquitero y luego la habitación, rnuriendo él quernado.
Al comenzar la búsqueda de una primera voz para integrar el grupo de Alfredo Gil y Chucho Navarro. la primera persona en quien pensaron fue en una dama a quien conocían por ser la esposa del conocido compositor Chucho Monge. Poseía una bonita voz y un estilo que parecía ser el complemento de Chucho y Alfredo. Esta primera idea no progreso y es entonces cuando aparece Hemando Avilès. Se integran y forman el Trío que adoptaría el nombre de Los Panchos’.
1944-1951
El Trío Los Panchos, formados por Alfredo Gil, Chucho Navarro y Hernando Aviles emprenden una larga y exitosa gira por Latinoamérica dándose a conocer como "la trilogía mas perfecta de América".Fuente web de fans de Los Panchos
miércoles, 4 de febrero de 2009
Argentino Galvan
Los Astros del Tango(De izquierda a derecha) Rafael del Bagno, Mario Lalli, Enrique Francini, Julio Ahumada, Jaime Gosis,Elvino Vardaro, Galván y José Luis Bragato.
Argentino Galvan en 1955
Argentino Galvan en 1951
Argentino Galvan con los Cantores Hector Vargas y Carlos Vidal en 1949GALVAN, Argentino Liborio. Músico. Violinista. Director, Compositor. Arreglador.
1.Personalidad. Recogiendo los lineamientos precursores trazados por Julio y Francisco De Caro, Alejandro Gutiérrez del Barrio, Julio Perceval, Sebastián Lombardo, Julio Rosemberg y otros desde comienzos de la década del treinta, compartió a la par de Héctor Artola y de Mario Maurano, la primera hornada de arregladores que concedió nuevas dimensiones a los estilos clásicos y a los renovadores, sobre la base de una escritura orquestal que fue su profesión en la música y su pasión en la vida. Desde sus trabajos iniciales en dicha especialidad —de la que fue, en suma, auténtico pionero—, para las orquestas de Miguel Caló, Juan Canaro y Florindo Sassone, en torno de 1935, evidenció un agudo instinto para la concepción instrumental. Extremadamente sobrio en la estructuración de sus trabajos, fue por el contrario, de un preciosismo extremo en el desarrollo de los mismos. Cultivó, por temperamento, una modalidad "cuerdista", de solos breves y variados, generosamente dibujados y con abundante intercalación de pequeños adornos en el acompañamiento o en el claro de la melodía. Mu-chos de los arreglos que él concibió y escribió han perdurado como modelos en su siempre equilibrada amalgama de contenido emotivo, buen gusto artístico, sabor de tango y corrección musical. Son ejemplos, entre sus creaciones, la tarea de escritura que hizo para Troilo con los tangos De todo te olvidas, Buen amigo, Recuerdos de bohemia —ésta sobre la base de un preludio introductivo y un desarrollo de cinco minutos de duración en forma de fantasía—; y especialmente, su serie de cinco selecciones, a manera de "petit-suites", ligando —respectivamente—, mediante introducciones, puentes, transiciones y codas en cada una, tangos de Arolas, de Bardi, de Julio De Caro, de Canaro y de Cobián; para Osvaldo Pugliese: Adiós Bardi y El día de tu ausencia; para el septimino Los Astros del Tango: Mala junta, Flores negras, Nieblas del Riachuelo, Santa milonguita, El buey solo, etc. En distintas ocasiones presentó sus propias orquestas a las que sirvió con su talento de arreglador, motrándose, en cambio, menos feliz como director dentro de una modalidad interpretativa con cierta tendencia a la pesadez de expresión. Aun así, revistieron verdadero interés realizaciones suyas como La Beba, Tango del ángel y Nunca tuvo novio (grabados en disco T.K. estos dos); Ele-gante papirusa (grabado en disco Music-Hall). Intercaló muchas veces en sus agrupaciones timbres de escaso empleo en la instrumentación orquestal del tango; especialmente instrumentinos, guitarra española, y elementos de percusión. Fue compositor de pequeño repertorio, volcado, invariablemente al melodismo en tangos cantables como Cafetín, Por la cuesta arriba, El día de tu ausencia y Esta noche estoy de tangos, y en instrumentales como Para baile solamente y Tango en do.
2. Vida. Nació en Chivilcoy, provincia de Buenos Aires, el 13 de julio de 1913. Fue descubierto por Gobbi en 1931, durante una actuación de éste en ese pueblo. Convencido Gobbi de sus grandes aptitudes, lo persuadió a que se radicara en Buenos Aires. Siguió él ese consejo, comenzando, una vez instalado en la capital, su carrera como violinista, luego como arreglador también, de la orquesta de Florindo Sassone, en 1935, y por Radio Belgrano. Pasó luego al conjunto que Enrique Delfino conducía por Radio Splendid, continuando como director acom-pañante de Roberto Maida, en el dancing Ocean. A partir de 1937 se erigió en figura independiente —simultáneamente con sus trabajos para Miguel Caló, Juan Canaro y otros conjuntos— presentándose en Mar del Plata primero, luego en Buenos Aires en los cafés Nacional, Ebro y Tango Bar, en las salas de Palermo Palace y Palacio del Baile y, sucesivamente, en las emisoras Stentor, Belgrano, Splendid y El Mundo. Alternaron en esas formaciones suyas, los pianistas Héctor Stamponi, Jaime Gosis y Carlos Parodi; los violinistas Núñez, Francini, Bes- probán y Nieso, los bandoneonistas Ahumada y Ríos; el flautista Rulio, el oboísta Storani, el guitarrista Máximo Barbieri y los vocalistas Carlos Vidal, Alberto Aguirre, Héctor Vargas y la cancionista Giselle Morán, grabando sus versiones para las casas Music-Hall y T.K. Ésta ofreció, luego de su desaparición, un disco de larga duración titulado Pentagrama Sudamericano, sobre la base de un eclético repertorio de especies populares grabado por su orquesta. A lo largo de su carrera condujo el marco orquestal de numerosos intérpretes vocales, con muchos de los cuales llegó también al disco, como Oscar Alonso, Horacio Deval, Jorge Casal, Virginia Luque, Agustín Irusta, Eduardo Adrián, Raúl Berón, Roberto Quiroga y otros. Y en 1940 compartió la dirección con Elvino Vardaro —y arregló— la Brighton Jazz. Lo capital de su consagración profesional estuvo destinado a la colaboración con los directores más prestigiosos: Aníbal Troilo, José Basso, Osvaldo Pugliese, Francini-Pontier. Escribió también para la editorial Korn y para los conjuntos de música internacional de Eugenio Nóbile y de Efraín Orozco. Le correspondió realizar en 1954 el guión musical para el disco Columbia (dos fases de 78 r.p.m.), denominado Historiando, en el que reprodujo con llamativa ductilidad al-gunas modalidades interpretativas de trascendente ubicación en el proceso creador del tango a través de cincuenta años. Posteriormente, sobre la base de un impecable trabajo de selección musicológica realizado por Luis Adolfo Sierra, arregló las treinta y cuatro ilustraciones sonoras que se insertaron en Historia de la Orquesta Típica (folleto y disco de larga duración presentados por la casa Music-Hall en 1960). Participó también como director y como arreglador en diversos ciclos de música argentina difundidos por Radio del Estado o instrumentando y poniendo música original para la banda de sonido de varias películas argen-tinas, entre ellas: Tres Anclados en París, La Vuelta de Rocha, Los Pérez García, Captura Recomendada. En 1959, le fue confiada la responsabilidad de escribir para un pequeño grupo de cámara sobre la base de distinguidos solistas a fin de abordar un repertorio orgánico de clásicos compositores de tango. De esa labor surgió el septimino (a veces octeto) Los Astros del Tango. Fue, además, un activo propulsor gremial. Contribuyó decisivamente a la gestación y a la fundación de la Sociedad Argentina de Arregladores y de Orquestadores (SADOA), en 1953, entidad de la cual fue primer presidente. Además de las obras ya mencionadas, compuso los tangos orquestales Don Perico y Fierro a fondo, el cantable Me están sobrando las penas, las milongas Milonga con Traje Nuevo y Pa'que Trabaje el Grandote (ésta con especial lucimiento del contrabajo). Falleció en Buenos Aires el 8 de noviembre de 1960. Fuente Horacio Ferrer
martes, 3 de febrero de 2009
Abbe Lane
Abbe Lane (nacio el 14 de diciembre de 1932) es cantante y actriz.
Abigail nació Francine Lassman de una familia judía en Brooklyn, Nueva York, Lane comenzó su carrera como actriz infantil en la radio, desde donde avanzó a cantar y bailar en Broadway.
Casada con Xavier Cugat desde 1952 hasta su divorcio en 1964, Lane alcanzado su mayor éxito como cantante de club nocturno, y fue que fue descripto en 1963 en un artículo en la revista "el swingingest sexpot en el mundo del espectáculo". La influencia de Cugat fue visto en su avance que favorece la música latina y los estilos de rumba. En 1958 ella protagonizó junto a Tony Randall en el musical de Broadway Oh, Capitán! pero su contrato de grabación que le impidió que figurase en el álbum del elenco original del show. En la grabación, sus canciones fueron realizadas por Eileen Rodgers. Carril más tarde grabó su canciones en un álbum como solista. El mayor éxito de sus registros de 1958 fue un álbum colaboración con Tito Puente titulado Be Mine esta noche.
Además de trabajar como, con frecuencia Lane apareció en el talk show con Cugat.
Ella atrajo la atención por sus sugerentes comentarios tales como "Jayne Mansfield niños puede convertirse en hombres, pero desde allí tomar", y también comentó que ella fue considerada "demasiado sexy en Italia". Su vestimenta para una aparición en el Jackie Gleason Mostrar era demasiado revelador y ella se encargó de llevar algo más, pero ella apareció en la muestra de la Red Skelton, Dean Martin y Jack Benny sin llamar la controversia.
Además de sus películas italianas, Lane es un artista intérprete o ejecutante sobre la frecuencia de televisión pan tostado de la ciudad durante la década de 1950. También desempeñó funciones en guest serie tales como The Flying Nun, The Brady Bunch, Hart y Hart a Vega $. Ella apareció en Twilight Zone: The Movie (1983) en el papel de una azafata de una línea aérea.
Ella tiene una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood por su contribución a la televisión, en 6381 Hollywood Boulevard. Fuente wikipedia en ingles
lunes, 2 de febrero de 2009
Lorenzo Barbero
BARBERO, Lorenzo. Músico. Violinista. Director. Compositor. Nació en la localidad de James Craig —provincia de Córdoba—, el 6 de setiembre de 1918. Hijo y nieto de músicos, su padre Francisco Lorenzo Barbero fue violinista y director de orquesta típica. Comenzó como director en 1942, con una numerosa agrupación destinada al Teatro Capítol de la capital cordobesa y como conductor en 1947 de la orquesta Copacabana. Posteriormente actuó en Buenos Aires, incluyendo en su conjunto algunos instrumentos regionales para la interpretación de un vasto e inquieto repertorio de danzas y de canciones argentinas. Colaboraron, en distintas instancias en su conjunto, el arreglador Pascual Mamonne y los vocalistas Pablo Moreno, Roberto Florio, Danielito Ray y Jorge Sobral, grabando sus versiones para los sellos Pampa y Odeón.Luego de 1970, produjo programas de TV por Canal 13.
Por Horacio Ferrer .
El tango y sus invitados
BiografiaIILorenzo Barbero
Violinista, director y compositor(6 de septiembre de 1918)
Nombre completo: Isidro Lorenzo Barbero
Su orquesta fue sencilla, con poco vuelo musical, pero muy popular. Además del tango, tenía la pretensión de abarcar todos los géneros originarios de Argentina, con espectáculos que incluían bailarines con coreografías de relativa calidad, dentro de un clima entre tanguero y folclórico. Era, posiblemente sin saberlo, parte de un proyecto político cultural propio de aquella época.
Nació en la localidad de James Craik, provincia de Córdoba. Su padre se llamaba Francisco y era violinista. De niño comenzó a aprender los secretos del instrumento al lado de su papá.
A los 12 años, la familia se trasladó a la ciudad de Córdoba, donde cursó su enseñanza secundaria y comenzó a estudiar, con el maestro Domingo Patruco, que era violinista de la orquesta sinfónica provincial.
Con su padre concurrían a los conciertos que realizaba la sinfónica, donde tomó contacto con la música clásica: Bach, Wagner, Mozart. Por supuesto que además le gustaba el tango, en especial la música compuesta por Agustín Bardi, Eduardo Arolas y Julio De Caro.
A partir del tango, nació en él la intención de crear un estilo de música, lírica auténticamente argentina. Debutó dirigiendo su orquesta a los 23 años, en el Teatro Capitol de Córdoba, con el nombre de “Agrupación Copacabana”, hasta que fue requerido por la emisora cordobesa LV2. Su agrupación estaba integrada por 20 músicos y la participación de bailarines en el marco de una escenografía bien criolla.
Al poco tiempo, Radio Splendid de Buenos Aires creó su filial en Córdoba y designó director a Luis M. Moretti, quien contrató a Lorenzo, quien logró un éxito importante que tuvo repercusión en otras provincias.
Generó distintos espectáculos con gran aceptación en el público y variados nombres: “Teatros de Tango”, “Sinfonía Variable del Tango” y “Orquesta de Cuerdas del Tango”, razón por la cual, comenzaron a contratarlo para giras en todo el interior. La primera fue por el norte argentino, llegando hasta la ciudad de Asunción, capital del Paraguay.
El éxito de esas presentaciones repercutió en Buenos Aires y fue convocado por don Jaime Yankelevich para actuar en la radio y, más tarde, en la década del 50, en la televisión oficial, en el Canal 7, recientemente creado.
La orquesta debutó en mayo de 1948, en Radio Belgrano, en “La Gran Audición Federal”, el programa más exitoso de la radiofonía argentina. Llegaba a todo el país a través de su red nacional. El encargado comercial de dicho programa era Donato Sabia y el padrino artístico, Francisco Canaro, ambos apoyaron y fueron responsables del crecimiento de Barbero.
A esta formación se la denominó “La Orquesta de la Argentinidad” y actuó junto a grandes figuras como Pedro Maffia y Alberto Castillo. El programa salía al aire los días jueves, de 21 a 22:30 horas y los domingos de 12 a 13:30 horas. La orquesta estaba integrada por 25 músicos, algunos de ellos, ejecutaban diversos instrumentos regionales, para tocar otros ritmos aparte del tango, con la idea de representar a todas las provincias argentinas.
A partir de 1951, fue requerido por le sello Odeon y en octubre, registró con los cantores Roberto Florio y Carlos Del Monte a dúo, el tema de Francisco Canaro “Tomá mate, tomá mate”. Cuatro fueron las grabaciones de Florio, las otras tres: el tango de Barbero, “La serranita”, “La virgen del perdón” y el chámame “El Recluta”, de Mario Millán Medina.
El Chocho Florio se fue a la orquesta de Francini-Pontier y lo reemplazó Jorge Sobral, a quien, posteriormente, sustituyó el uruguayo Pablo Moreno. Otros cantores, además de los nombrados, fueron: Osvaldo Ribó, Carlos Uriarte, Oscar Brizuela, Enrique Lucero, Mario Córdoba, Fontán Luna y Daniel Rey.
En 1955, se produjo el golpe contra el general Perón y Barbero, como tantas figuras del espectáculo que simpatizaban con el gobierno tuvieron algunos inconvenientes, muchos se exiliaron, otros ingresaron en las listas negras y hasta hubo quienes fueron encarcelados. Barbero siguió actuando, principalmente en distintas provincias y en países vecinos.
Durante 1956 recorrió incansablemente el país, actuando en muchísimas ciudades: Mendoza, San Rafael, Río Cuarto, Córdoba, Villa Mercedes (San Luis), Rosario; en bailes, confiterías, locales nocturnos y emisoras de radio. Hacia mediados de año actúa en la calle Florida y en Radio Belgrano de la ciudad de Buenos Aires.
En la primera mitad del año 1957, tuvo un resonante éxito en Chile, actuando en Santiago y Valparaíso. De vuelta en la Argentina, actuó en distintas emisoras y en la confitería “La Armonía” de la calle Corrientes. Fue el final. En la década del 60 se dedicó a la producción y dirección artística del sello Disc-Jockey y, en el 70, como productor del Canal 13 de televisión.
Como compositor se destacan: “Taconear porteño”, “Candombe del carnaval”, “Topacio era tu nombre”, “Volvemos a encontrarnos”, “Mi flor de percal”, “Serranita”, “Ven tesoro” y “Organito malevo”.
Abel Palermo
domingo, 1 de febrero de 2009
David Sanborn
David Sanborn es un saxofonista estadounidense. Nació el 30 de julio de 1945 en Tampa, Florida. David es principalmente asociado con los estilos musicales de smooth jazz y pop-jazz fusion, con una mezcla de rock 'n' roll/R&B. Publicó su primer álbum Taking Off en 1975, pero había estado tocando el saxofón desde niño, antes de ir al instituto.
Sanborn nació en Tampa, Florida y creció en Kirkwood, Missouri. Padeció polio en su juventud, y comenzó a tocar el saxofón por consejo de su médico para fortalecer los debilitados músculos de sus pulmones y así mejorar la respiración.
Aunque Sanborn es asociado con el estilo smooth jazz, ha explorado las fronteras del free jazz en su juventud, estudiando con Roscoe Mitchell y Julius Hemphill. En 1993, volvió a este género cuando apareció en Tim Berne's Diminutive Mysteries, dedicado a Hemphill.
Ha sido un apreciado músico de sesión desde finales de la década de los 1960s. Ha tocado junto a bien conocidos artistas, como Eric Clapton, Roger Daltrey, Stevie Wonder, Paul Simon, Jaco Pastorius, the Brecker Brothers, David Bowie, Bruce Springsteen, Little Feat, Bob James, James Taylor, Al Jarreau, George Benson, Joe Beck, Donny Hathaway, Elton John, Gil Evans, Carly Simon, Guru, Linda Ronstadt, Billy Joel, Roger Waters, Steely Dan, Ween, The Eagles, el grupo alemán Nena, y la estrella japonesa del pop Utada Hikaru.
Sanborn ha trabajado tanto en programas de radio como de televisión. Por ejemplo, desde finales de la década de 1980s, ha sido invitado regularmente de la Paul Shaffer's band en el programa nocturno de David Letterman. De 1988-89, colaboró en el espectáculo nocturno de música en la NBC con Jools Holland.
Sanborn ha ganado numeroso premios, que incluyen un Grammy por Voyeur (1982), Double Vision (1987) y el sencillo instrumental Close Up (1988). En televisión, Sanborn es bien conocido por su sólo de saxo en el tema para el exitoso drama de la NBC L.A. Law. También ha participado en música para películas, como Lethal Weapon y Scrooged. Fuente Wikipedia
sábado, 31 de enero de 2009
Kerry Stratton
En el curso de su carrera internacional,Kerry Stratton ha dirigido Kerry Stratton orquestas en Europa, Norteamérica y Asia. Después de haber ganado un nivel en la conducción de la Universidad de McGill en Montreal. Stratton posteriormente completó estudios de postgrado en el Conservatorio de
Viena por Sir Charles Mackerras, la Academia Chigiana en Siena, Italia, y L'Ecole Pierre Monteux con Charles Bruck.
Desde 1988, Kerry Stratton ha sido Director y Director Musical de la Filarmónica de Toronto, la orquesta con residencia en el Toronto Centre for the Arts. Durante su mandato, Stratton ha desarrollado la orquesta de un conjunto de aficionados a una orquesta profesional, con una temporada de la serie principal de conciertos, programas educativos, para recaudar fondos y en toda la provincia un calendario de gira.
Como parte de su programa de desarrollo de la audiencia, Stratton desarrollado con gran éxito un curso de educación de adultos, denominado "Un poco de música nocturna". Su innovador formato incluye conferencias, debates y música en vivo, en una íntima y no intimidante atmósfera. Stratton fundo "Grand Salon" un tribunal de palma orquesta, dedicado a la música de principios del siglo 20, y toca para un público entusiasta en todo el Canadá. Desde 1992, ha sido también Director Musical de la Huntsville Festival de las Artes, de Ontario, con una orquesta en residencia, que acompaña a artistas.
Además, a través de su compañía, Producciones Internacional del Turismo, que ha creado para viajes canadienses orquestas de renombre, como la orquesta de George Solti, Budapest, Viena el Concierto-Verein y de la Filarmónica Checa. Stratton contrataciones han incluido el Concierto de la Orquesta de Budapest, Hungría Cámara Solistas, Sala Filarmónica de Praga, Filarmónica de Cámara de Bohemia, Orquesta de la Radio Eslovaca, Orquesta Filarmónica Eslovaca Estado, Estado de Mexico Symphony Orchestra, Orquesta de Cámara de Lituania, la Filarmónica de Seúl, Orquesta de Londres (Ontario), Kitchener Waterloo Symphony, Calgary Philharmonic Orchestra, Orquesta de Radio Praga, Filarmónica de Zagreb, Filarmónica Janacek. En enero de 2001, se convirtió en el primer canadiense para llevar a cabo la Camerata de San Petersburgo en el Teatro Hermitage en el Palacio de Invierno. En diciembre de 2004 hizo su debut con la Sinfónica de Pekín en un concierto en la Ciudad Prohibida. Por sus servicios a la cultura checa y eslovaca, Stratton 2000 es el ganador del Premio de Masaryk. Kerry Stratton también se ha comprometido a ampliar el repertorio de los conciertos y grabó la música orquestal. Incluido en su discografía es el estreno mundial de grabación de Franz Liszt del De Profundis, con la Orquesta Sinfónica del Estado húngaro en el Hungaroton etiqueta. Su grabación en Dorian Documentos celestes titulado Fantasía, las características de este y otros trabajos del compositor Alan Hovhaness. Un largo tiempo devoto de compositores de Europa del Este, grabó una colección de Serenatas eslavo, con la Sinfónica de Moscú en Dorian Records, que el Washington Post llama "un placer". Dvorak Universal distribuye su programa grabado con la Orquesta de Radio Praga. En 2006 grabó un programa de Brahms-con la famosa Orquesta Sinfónica de Nuremberg. fuente web de Kerry Stratton.
Kerry Stratton también es amada por el público de Toronto como anfitrión y profesor de la popular "Noche de Música" Un poco de música de reconocimiento curso para toda la vida los estudiantes.
viernes, 30 de enero de 2009
Roberto Grela
Roberto Grela con Leopoldo Federico tocando en Tangonorte de Avenida Alvear en Octubre de 1969.
Roberto Grela y Rodriguez en 1923GRELA, Roberto. Músico. Guitarrista. Director. Compositor. (28 de junio de 1913 - 6 de septiembre de 1992)
1. Personalidad. El mayor guitarrista del tango en su género. Fue heredero y continuador aventajado de la línea de ejecutantes que animada por Manuel Parada, Oscar Alemán, Rosendo Pesoa, Rafael Iriarte y otros, promovió la jerarquización de la guitarra en la interpretación de la música popular rioplatense. Artista de sensibilidad exquisita y rara capacidad musical asimiló a su instrumento el fraseo brillante y ligado de la tradición bandoneonística, imprimiéndole un sello inconfundible. Pulsando sus cuerdas con púa de carey obtuvo una sonoridad diferente —menos pura acaso que la del timbre natural del instrumento, pero magníficamente musical de todos modos— bien manifiesta en las refinadas versiones de su propio conjunto— El baqueano, Corrales viejos, A San Telmo, Margarita Gauthier —grabadas para el sello T.K. y en sus realizaciones con Aníbal Troilo—. Suponen éstas —sobre la base de un pleno y sustantivo entendimiento mu- sical y temperamental— una desconocida dimensión en el tango de tipo intimista, con la acertada inclusión de guitarrón y de contrabajo como voces de apoyo. Creaciones auténticas son La cachila, A Pedro Maffia, Taconeando, A la Guardia Nueva, El abrojito (discos T.K.) y Madame Ivonne, Maipo, Ivette, Mi noche triste y La maleva (discos Víctor), donde se alternan los pasajes de punteo en las cuerdas tiples con la expresión más apagada, intensa y profunda de los bordoneos. En una tesitura más propensa a la exposición preciosista y más briosa en su tratamiento interpretativo, son por igual bien representativas de su sensibilidad las versiones de Guardia vieja —auténtico "capo lavoro"—, De vuelta al bulín, Griseta, Yo te bendigo, el vals Un Momento, la Selección de tangos de Astor Piazzolla, realizadas con Leopoldo Federico, y Bien nuestro y Ausencia, acompañado por la orquesta de Carlos García. Compositor de repertorio reducido pero muy selecto dio a conocer en sucesivas instancias de su carrera, Las cuarenta —su mayor suceso—, Callejón y Viejo baldío, dos tangos de muy sentida línea melódica, la Canción Triste, de gran belleza, y los tangos de corte milonga Minguito Tinguitella, Bien nuestro y A San Telmo, obras del más genuino clasisismo milonguero.
2. Vida. Nació en el barrio de San Telmo —Cochabamba 773— el 28 de junio de 1913. Miembro de una familia de artistas populares se inició en la música tocando un mandolín, siguiendo las huellas de sus tíos Octavio y Juan, quienes solían celebrar en el patio de su casa natal largas tertulias en compaña del famoso Manuel Parada. Siempre a punta de pura in-tuición, trocó el mandolín por la guitarra; tenía entonces siete años de edad. Durante los diez siguientes, se fue fogueando en el cordal del instrumento al amparo de su admiración por los grandes ejecutantes del tiempo aquel y de su propio talento. En 1930 despuntó su labor de profesional, acompañando al cantor Roberto Maida por LR3. Desde entonces y a través de veinte años, transformando paulatinamente las formas elementales del acompañamiento tradicional imperantes hasta su advenimiento, secundó la tarea vocal de Charlo —con quien actuó también en Montevideo en el cine Justicia—, Fernando Díaz, Alberto Serna, Osvaldo Cordó, Jorge Casal y otras muchas figuras en discos, radiotelefonía, teatros, locales nocturnos y televisión. En 1952, al programarse la puesta en escena de El Patio de la Morocha en el Teatro Enrique Santos Discépolo fue requerido por Troilo para dar marco en escena, a su bandoneón. Con el agregado de "Kicho" Díaz(bajo) y de Edmundo Zaldívar (h.) (guitarrón) quedó constituido el desde entonces popular y calificado cuarteto, con el cual tomó parte en audiciones por Radio Municipal, canales de TV y en el concierto ofrecido durante 1963 en el Estudio Auditorio del SODRE, en Montevideo. Simultáneamente con su labor en dicho conjunto integró en 1953 con Pichuco, Francini, Salgán y Díaz un quinteto de ases para el homenaje recordatorio a Juan Carlos Cobián y creó y dirigió su agrupación de cuerdas, con Ernesto Báez, Roberto Lainez y Eugenio Pro como principales colaboradores grabando para T.K. En 1961 fue llamado por la casa Columbia para poner nuevo acompañamiento a cuatro estilos criollos grabados por Carlos Gardel en 1913, complejo, sutil y delicado cometido que realizó con maestría.
En 1964 encabezó juntamente con Rivero, Salgán, Francini, Berlingieri, Ciríaco Ortiz y otros, el espectáculo Tango representado en el Teatro Colón con Troilo como figura central. Y a partir de 1966 en Caño 14 de la calle Uruguay, y discos Columbia y Music-Hall, prestigió juntamente con Leopoldo Federico el cuarteto San Telmo. En 1974 integró junto a María Cristina Laurenz, Raúl Garello y Horacio Ferrer, La Trova Porteña, en El Gallo Cojo de San Telmo. A más de sus composiciones ya citadas, dio a conocer los tangos Color gris, Amarga despedida, De punta y taco y el vals Bendito, con Horacio Ferrer, Mí zambita rea, y con éste y con Raúl Garella, Celedonio Becquer, Danzón de la chiflada, Tristería y Serenata a mi guitarra, entre otras.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados
jueves, 29 de enero de 2009
Marta Sanchez
Don Antonio Sánchez Camporro, "bajo" en el mundo de la ópera y de nombre artístico Antonio Campó, conoció a Doña María Paz López Pestonit durante la representación de la tragedia "La Orestíada" en la antigua Plaza de Toros de La Coruña. Don Antonio era de Gijón (Asturias) y Doña María Paz era de Santiago de Compostela.
El 16 de Junio de 1965 se casaron y fruto de esa unión, el 8 de Mayo de 1966 nacieron en la maternidad de Santa Cristina en Madrid sus dos únicas hijas: las mellizas Paz y Marta. Al nacer prematuramente tuvieron que estar en la incubadora pero Marta lo hizo durante más tiempo debido a su menor peso.
El bautizo de ambas criaturas tuvo lugar en la Parroquia de San Antonio de la Florida (Madrid), en el verano de 1.966 y bajo un sol resplandeciente. Los padrinos de Marta fueron el gran tenor Don Alfredo Kraus, gran amigo de Don Antonio y la hermana de éste. Como buen asturiano que era Don Antonio, organizaron la fiesta en la popular sidrería "Casa Mingo".
Sus primeras amigas fueron Laura y Patricia, hijas de Don Alfredo Kraus. Casi siempre jugaban juntas y se lo pasaban muy bien representando obras teatrales. A Marta siempre le gustaba destacar y por eso prefería el papel de Reina. También le gustaba mucho pintarse y maquillarse. Solía acompañar a su madre al Rastro con cierta frecuencia y cuando jugaba en casa con sus tiendas, repetía con mucha gracia lo que decían los charlantes del Rastro, aunque era muy pequeña y casi no sabía hablar.
Cuando iban visitas a su casa, siempre salían con regalos que Marta les hacía. Era muy generosa. No podía ver a una niña sin muñecas y como ella siempre tenía dos, regalaba una. También era muy espontánea y sincera. Decía todo lo que se le pasaba por la cabeza. En una ocasión iba con su madre por la calle y se cruzaron con un señor. Marta dijo: "Este señor, ¡qué abrigo más bonito lleva!". El señor, agradecido, les miró, y Marta añadió: "¡Pero qué feo es!". El hombre se quedó sin saber qué decir.
A los tres años ya mostraba mucho interés por el mundo de la música. Le gustaba bailar, cantar y disfrazarse. Jugaba con sus compañeros de colegio a las princesas y se disfrazaba con trajes de ópera. No era tímida y no sentía vergüenza en bailar e interpretar papeles entre familiares y amigos. El primer juguete que tuvo fue un osito que le trajo su padre de Alemania, en una ocasión en que fue a cantar a aquel país.
Con cuatro o cinco años empezó a cantar "Gwendoline" de Julio Iglesias. Luego se lanzó con el flamenco, con "Maria de la O" que le enseñó su abuelo. Mostraba cierto interés por conocer América y cuando le preguntaban su nombre, ella siempre inventaba nombres americanos, que ni se entendían, pero era muy divertido escucharla.
A los cinco años veía en la televisión las películas de "Mari Sol" y siempre quería tener los ojos azules como ella. Se enfadaba con Dios por no habérselos dado. Su madre tenía que contarle la mentira piadosa de que si se portaba bien, los tendría de mayor. Tampoco le gustaba su pelo y se lo estiraba.
Siempre tuvo una relación muy intensa con su hermana Paz. Dormían juntas en la misma habitación y compartían juegos, secretos, ropa y libros. De pequeñas vestían igual y ya de mayores, se cambiaban la ropa. Sin embargo, sus caracteres eran muy diferentes. Mientras Paz era más tranquila y quizás algo más tímida, Marta era todo lo contrario. La relación entre ambas siempre ha sido estupenda y nunca ha habido problemas entre ellas. Se contaban sus cosas y se aconsejaban mutuamente.
Ambas hermanas sentían mucho cariño hacia los animales. Tuvieron de todo tipo: pollitos, patos, perros.. Un día aparecieron en casa con un perro que habían comprado en el Rastro por 200 pesetas, pero lo tuvieron que regalar porque sus padres no querían animales en casa.
Marta era muy inquieta, de las que empezaban montones de cosas y no acababa ninguna. Un día quería tomar clases de castañuelas, y a la semana lo dejaba. Después comenzaba con la guitarra y también se cansaba. Desde los diez años y durante la adolescencia se cansaba enseguida de todo. En una época también le dio por hacer patinaje sobre hielo y ballet. Después quiso aprender solfeo y resulta que casi sabía más que el profesor. Era un torbellino.
El día de su primera comunión le regalaron sus padres una guitarra, y a los 13 años ya componía canciones. Siempre iba con su guitarra y su cuaderno de notas, donde realizaba sus composiciones. Incluso en una ocasión ganó un premio con la canción "María, una amiga más" dedicada a la Virgen María y que interpretó en el colegio acompañada de su guitarra. Con estas canciones dedicadas a la Virgen ganaba muchos concursos en el colegio y es que Marta sentía mucha admiración por la Virgen. Siempre han sido una familia muy católica.
Solía veranear con sus padres y su hermana en la localidad pontevedresa de Sanjenjo. Allí fue donde comenzar a salir en pandilla con sus amigos y amigas. Si estaban en la Coruña solían ir a pasear por la hípica, la plaza de Vigo y La Solana.
A los 14 años hizo su primera aparición televisiva en el programa infantil de los sábados a la mañana, "Sabadabadá" presentado por Torrebruno en televisión española, donde había una sección dedicada a niños que querían demostrar sus dotes artísticos. Marta, acompañada de la guitarra que le habían regalado sus padres, dejó a todos atónitos demostrando su desparpajo ante las cámaras.
Durante doce años estudió en el colegio Veritas de Somosaguas en Madrid, un colegio regido por religiosas y muy estricto en sus costumbres. Siempre que iba al colegio le faltaba algún ejercicio por hacer, por lo que recibía siempre un castigo de las monjas. Marta suspendía casi todas las asignaturas porque se pasaba el día pensando en su futuro, imaginándose a sí misma como una conquistadora a quien le sobraban admiradores y que acabaría casándose con un millonario. No fue estudiosa, aunque cuando se lo proponía conseguía buenas notas. Su habitación estaba llena de libros. Tenía un pupitre blanco en el que pasaba largas horas simulando que estudiaba. Al lado de los pesados libros de Matemáticas e Historia tenía tebeos, inseparables compañeros. Le gustaba matar los ratos de estudio pintándose las uñas, escribiendo poesías y haciendo garabatos sobre las cuartillas. Otra cosa que le gustaba era dibujar novias vestidas de blanco. Cualquier cosa era mejor que estudiar. La relación con los compañeros de clase era muy buena. Se hacía querer. Siempre compartía con el resto de sus compañeros el material escolar.
A los 15 años se había convertido en una bella jovencita que llevaba casi siempre su pelo rizado en una coleta y que hacía estragos entre los chicos del barrio. Le gustaba vestir tanto de negro como de colores vistosos. Le gustaba mucho maquillarse, aparentando más edad de la que tenía. Le atraía mucho bailar y todos los fines de semana se iba a la discoteca Pachá de Tribunal en Madrid a divertirse con sus amigos. Se pasaba horas y horas bailando al son de la música.
Le entusiasmaba diseñar su propio vestuario y según dicen no lo hacía mal. Todos sus diseños se los llevaba a Paquita, una modista que vivía en el mismo barrio. Paquita convertía los bocetos que Marta diseñaba en realidad para que Marta pudiera lucirlos. La ropa le fascinaba desde muy pequeña, al igual que los cambios de 'look' y de peinado.
Pero tal y como ella suponía, su futuro profesional no estaba precisamente en los estudios, sino en el mundo artístico, en el que comenzó muy pronto. De hecho, en el último año escolar se cambió al colegio "Cumbre" de Madrid, pero al final lo dejó, porque ya se metió de lleno en la música.
Sus padres hubiesen preferido ver a su hija prepararse para estudiar una carrera pero no se opusieron a que se dedicara a la música, porque veían que era lo que más le gustaba. Por ese motivo, recibió todo el apoyo por parte de su familia.
Por aquel entonces era una apasionada de Barbara Streisand y Olivia Newton John, y más tarde de Prince, U2, Ilegales, Mecano, Génesis, Fleetwood Mac y Durán-Durán. Entonces soñaba con ser una número uno y luchó por ello. Cuando veía a los artistas firmar autógrafos, se decía a si misma que pronto llegaría su turno.
Cuando cumplió los 18 años (1984), encargó su primer "book", las fotos con las que se dio a conocer, su carta de presentación para los productores de las diferentes casas discográficas. El fotógrafo recuerda perfectamente esa jornada con Marta, entonces una perfecta desconocida, una de las muchas que encargaban un "book" para empezar a moverse en busca de una primera oportunidad. Esa joven le pareció completamente diferente, en todo momento muy segura de sí misma, de cómo quería salir en las fotos, de lo que la favorecía y lo que no. De hecho, ella misma guiaba al fotógrafo, y se mostraba absolutamente convencida de que el éxito la aguardaba no muy lejos.
Su primera oportunidad como cantante le llegó con el grupo "Cristal Oskuro", que en aquél entonces necesitaban vocalista. Era un grupo de chicos que tocaban música pop. Marta estuvo apenas siete meses, llegando a actuar en pequeños círculos. Incluso participó en un concurso organizado por la Comunidad de Madrid en la discoteca "Zodiaco" y en el que consiguieron la tercera plaza. Entre las muchas personas que vieron el espectáculo se encontraba Tino Azores, técnico de sonido del conocido grupo "Olé Olé". Se quedó tan maravillado con la voz de Marta que le propuso incorporarse al grupo, sustituyendo a Vicky Larraz, anterior cantante.
Así, y a la edad de 19 años, comenzó su brillante trayectoria con el grupo español "Olé Olé", que la llevaría a una carrera profesional repleta de éxitos. Con el primer dinero que ganó en el mundo de la canción se compró unos zapatos de tacón alto que le costaron 15.000 pesetas.
En las Navidades de 1985, a nivel de radio, empezó a escucharse "Lilí Marlen", primer éxito con el grupo "Olé Olé". Este single salió a la luz en Enero de 1986, llegando a ser número uno. Su primera actuación televisiva fue en el programa "Tocata", emitido el 15 de Enero de 1986. Aquí se dio a conocer ante los televidentes. El primer elepé "Bailando sin salir de casa" fue editado en Mayo de 1986. Con este álbum se hicieron sus sueños realidad, consiguiendo su primer disco de oro. El éxito continuó con temas como "Déjame Sola" y "Mirame bien" (blues auténtico), aunque su preferido fue la balada "No te necesita".
Su segundo elepé "Los caballeros las prefieren rubias" fue editado en Mayo de 1987, coincidiendo con el lanzamiento del primer single "Sola", llegando al número uno. Las ventas superaron las 150.000 copias. Con el lanzamiento de este disco hizo un cambio radical en su imagen. Abandonó la melena castaña (Abril de 1987) y convirtió su pelo en rubio platino, en homenaje a la admirada y mítica Marilyn Monroe. Recibió una gran cantidad de premios entre los que destacaron "Premio Naranja 87", "Premio Julieta 87" (por su simpatía y atención a la prensa) y "Long-play de oro" por las ventas obtenidas.
A partir de ese momento sus cambios de imagen fueron constantes en su carrera profesional, pero siempre conservando su melena rubio. Su popularidad fue en aumento, convirtiéndose en una de las artistas más famosas de España. Sus apariciones en la prensa y televisión eran constantes, creando un estilo propio y convirtiéndose en la belleza del momento, con toda la prensa volcada en ella.
El año 1988 fue su consagración definitiva como una de las estrellas más carismáticas de la música pop española y la mujer más atractiva de nuestro país. Además grababa con "Olé Olé" un spot televisivo, patrocinado por Coca Cola en el que se podía escuchar el estribillo de "Supernatural", canción que se encontraba en el tercer elepé del grupo, "Cuatro hombres para Eva", editado el 3 de Junio de 1988.
En los primeros meses de 1989 cruzó por primera vez el charco y comenzó una amplia gira por países sudamericanos como México, Chile (donde recibieron el premio "Antorcha de Plata" por la respuesta del público), Ecuador y Colombia.
Pero su "boom" llegó con el lanzamiento en 1990 del grandioso elepé "1990", el cuarto álbum del grupo, que se convirtió en uno de los elepés más escuchados. Las ventas llegaron a las 200.000 copias (doble disco de platino). La producción corrió a cargo de Nile Rodgers, un productor neoyorquino muy conocido integrante del mítico grupo "Chic". Además Marta debutó como compositora con los temas "Canción para mi padre" y "El está muy bien". La canción del álbum por excelencia fue "Soldados del amor". El éxito de este último elepé les hizo grabar cinco temas en inglés.
Los días 24 y 25 de Diciembre de 1990 "Olé Olé" actuó en el Golfo Pérsico para animar las navidades a los marineros españoles destinados allí. Todo salió estupendamente y fue retransmitido por televisión española.
En 1991 "Olé Olé" recibió el premio "Aplauso 92" en Miami por ser el mejor grupo pop latino del año.
En junio de 1991 Marta se vio obligada a posar desnuda para una publicación con lo que se produjo un gran "boom" en todo el país.
Sorprendentemente y tras haber permanecido 6 años en el grupo "Olé Olé", Marta decide abandonar la formación en octubre de 1991 para dar un salto en su carrera profesional. Así se instala en Nueva York para preparar su lanzamiento como solista bajo la producción de la compañía discográfica "PolyGram".
En el año 1992 Marta debuta en el mundo del cine con la película "Supernova" junto a actores y actrices de la talla de Javier Gurruchaga, Gabino Diego, Neus Asensi, Ángel Alcazar, Guillermo Montesinos, David Gil y Chus Lampreave. La película no tuvo demasiado éxito así que su incursión en el mundo del cine pasa totalmente desapercibida. La canción de esta película "Everlasting" significa el lanzamiento como cantante solista, aunque no se publica en ningún disco.
En Noviembre de 1993 lanza al mercado su primer disco como solista con el nombre de "Mujer". Tiene una gran acogida por parte del público, sobre todo su primer single "Desesperada" que logra colocarla en los primeros puestos tanto de España como del resto del mundo.
El éxito alcanzado con este su primer disco queda completado con el éxito personal al contraer matrimonio el 29 de diciembre de 1994 con su novio Jorge Salatti en una ermita en Toledo; pero esta felicidad no dura mucho tiempo ya que un año después anuncian su separación.
El 9 de mayo de 1995 presenta en Madrid su segundo disco en solitario "Mi mundo". Este trabajo es mucho más maduro que el anterior y significa el asentamiento como artista. En él se tocan temas muy actuales en nuestra sociedad como es el SIDA.
En Febrero de 1997 sale a la luz el que será su tercer disco en solitario "Azabache", un disco repleto de grandes temas y con unas colaboraciones muy destacadas como el productor Nile Rodgers y el guitarrista Slash. "Azabache" tiene varios temas compuestos por la propia Marta y que la convierten en una gran compositora. En fin, un disco para quitarse el sombrero.
También en este mismo año colabora en la banda sonora original de una película producida por Tarantino, "Curdled". Interpreta junto al famoso guitarrista Slash y bajo la producción de Nile Rodgers la canción "Obsession", tema principal de la película. Por otro lado colabora con el tenor italiano Andrea Bocelli en su disco "Romanza" con la canción "Vivo por ella". Esta canción tiene un éxito apoteósico sobre todo en América.
En el año 1998 y aprovechando su tirón como cantante la ofrecen colaborar en la banda sonora de la serie de dibujos animados "El nuevo mundo de los gnomos", emitida por televisión. Interpreta un total de 3 canciones, dos de ellas a dúo con el famoso compositor y productor Albert Hammond.
En Septiembre de 1998 y justo antes de lanzar su nuevo trabajo discográfico la vida le da un duro golpe a nuestra Marta, su padre Don Antonio fallece de un paro cardiaco. Desde ese momento su vida sufre un giro de 180º.
En Octubre de 1998 se publica su cuarto disco en solitario "Desconocida". En él expresa sus sentimientos más profundos. Destacan sus bellas baladas que se contraponen con ritmos pegadizos. Un disco muy importante para ella y que dedica a su padre. El público responde muy bien y la premia con unas ventas muy buenas. Una de las canciones que más éxitos le da con este trabajo es "Desconocida". Merece mención especial la colaboración de Carlos Jean en los remixes de esta canción.
El 7 de mayo de 2002 lanza al mercado su quinto disco en solitario "Soy yo", bajo el nuevo sello musical "Muxxic". Casi tres años de silencio en los que Marta ha estado cuidadosamente eligiendo los temas que componen este excelente trabajo. Es un disco con una calidad enorme y donde Marta juega todo lo que quiere con su voz.
El 20 de julio de 2002 se produce un acontecimiento muy importante en la vida de Marta, su boda con el empresario de publicidad Jesús Cabanas en Madrid. Una celebración íntima a la que asistieron amigos y familiares.
Con "Soy yo" comienza a obtener los frutos que nunca había recibido. Comienzan los premios musicales: "Premio Ondas" al "mejor video-clip" por "Soy yo" (28 de diciembre 2002) y el "Premio Amigo" a la "mejor solista femenina española" (13 de enero de 2003).
El día 1 de agosto de 2003 se produce el día más feliz en la vida de Marta puesto que viene al mundo su hija Paula. Un acontecimiento que la llena de felicidad. Algo que estaba esperando desde hacía ya mucho tiempo. Este feliz alumbramiento tiene lugar a las 23:50 horas. El parto se produce mediante cesárea, pero sin complicaciones. La niña mide 49 centímetros y pesa 2,800 kilogramos. La felicidad invade a toda la familia.
En el año 2004 comienza a preparar un disco de grandes éxitos, con la compañía discográfica "Universal". Pero todo se ve interrumpida de manera trágica ya que el día 9 de julio fallece su hermana melliza Paz a causa de un cáncer contra el que llevaba luchando más de tres años. Una pérdida que esperemos pueda sobrellevar toda su vida.
El día 25 de septiembre bautiza a su hija Paula en Madrid, más en concreto en la iglesia San Pablo, una celebración íntima que reúne a toda la familia.
El día 22 de noviembre de 2004 sale al mercado el disco de grandes éxitos, con tres canciones inéditas, dos nuevas versiones y canciones que han marcado la carrera de Marta. No hace falta decir que el éxito es rotundo.
El día 7 de noviembre de 2005 sale a la venta un DVD de la gira 2005 grabado en La Coruña. Es el primer DVD en directo que sale al mercado. Este trabajo está íntegramente dedicado a su hermana Paz y a su hija Paula. Un trabajo muy recomendable para todos los fans.
El día 23 de abril de 2007 sale al mercado su nuevo y esperado trabajo "Miss Sánchez", bajo la producción excelente de Carlos Jean, un disco muy completo y bailable que llena las pistas de baile de todo el pais y con el que tiene un rotundo éxito. La gente estaba esperando con impaciencia este nuevo trabajo puesto que Marta llevaba muchos años sin editar un disco nuevo íntegro.
Marta ha demostrado ser toda una profesional encima de los escenarios. Tiene una voz muy personal, estilo propio y el magnetismo de una estrella. Más no se puede pedir. Todo un lujo para la música de nuestro país. Esperemos que el futuro le sea más propicio, si cabe. Desde aquí desearle todo lo mejor.Fuente Web de Marta Sanchez
miércoles, 28 de enero de 2009
Julio Martel
Julio MartelJulio Martel: Cantor Nombre real: Julio Pedro Harispe (14 de mayo de 1923)
Fue, junto a Carlos Dante, la otra voz emblemática de la orquesta de Alfredo De Angelis. Él fue el barítono, de voz varonil y fraseo delicado, con estampa de galán y dueño de una
singular bonhomía. Sus versiones de "Pregonera", "Pastora" y "Remolino", a dúo con Dante, son inolvidables. (Comentario de la dirección)
Nació en Baigorrita, un pueblito vecino a Junín en el noroeste de la provincia de Buenos Aires. Su padre declaró en el Registro Civil que había nacido el 6 de agosto, aunque la fecha real fuera el 14 de mayo de 1923. Es el tercero de seis hermanos, sólo uno de ellos sería también cantor, Raúl Oscar más conocido por su seudónimo Lalo Martel.
En 1928 la familia Haripse se traslada a la ciudad de Caseros, pegada a Buenos Aires. Su padre era el responsable del mercado local y, a la madrugada, con un carrito que tiraba Julio, cargaban los corderos que se mandaban al matadero de San Martín.
En 1936 se mudan a la localidad de Munro y Julio comienza a cantar. Aparece en un programa del viejo teatro "Magazine", del 18 de agosto de 1939, donde figura como cantor nacional con su nombre real, acompañado por las guitarras de Hernádez y Vega. Con letras más destacadas, figura en programa del cine "Atalaya", en el del "Salón azul" y en otros concurridos lugares de esparcimiento del Munro de aquellos años.
En 1941, su madre firma el contrato que lo convierte por primera vez en vocalista de orquesta típica, ya que era menor de edad. La orquesta era la del maestro Juan Giordano, que exclusivamente se presentaba en la temporada estival en los salones del hotel Hurlingham de Mar del Plata y en invierno en las reuniones del City Hotel de Buenos Aires. Hacían un repertorio internacional y, según me contó Julio, la pieza más festejada era el pasodoble "El sombrero".
Con el inicio del año 1943 le llega la gran oportunidad. El contrabajista Roberto Vivas, compañero en la orquesta de Giordano, le avisó que en Radio El Mundo estaban seleccionando cantores para la orquesta de Alfredo De Angelis. Se inscribió, hizo la prueba acompañado en piano por Juan Larenza y lo eligieron entre cientos de participantes.
Cuando festejaban su triunfo, en una mesita del bar "Mi refugio" que estaba al lado de la emisora, el glosista Néstor Rodi, a la vez secretario de la orquesta de De Angelis, pidió un coñac. El mozo le trajo un "Martell" y Rodi le dijo al cantor: «Así te vas a llamar desde ahora».
Debutó en el palco del café "Marzzotto", junto al cantor Floreal Ruiz, interpretando el tango "No creas" (de Benjamín Holgado Barrio y Luis Castiñeira).
El 23 de a setiembre de 1943, graba su primer disco, el tango "Que buena es" (de A. Ferreira e Hipólito Oneca) y, hasta su último registro el 12 de diciembre de 1950, "Tus palabras y la noche" (de Emilio Aguirre y Carlos Cacciari), dejó para la historia 63 tomas solo y 17 a dúo con Carlos Dante.
El éxito acompañó a la orquesta y sus cantores. Actuaron en la Federación de Box, de la calle Castro Barros; en mayo del '44 debuta en el dancing "Tibidabo" e inaugura el "Tango Bar". Al año siguiente, en el Club Argentinos Juniors, donde estrenaron "Pregonera" (de Alfredo De Angelis y José Rótulo).
Pero la consagración de Martel junto a Carlos Dante en la orquesta de De Angelis fue, sin duda, cuando en 1946 Oscar Luis Mazza, director de Radio El Mundo, le propone al director un contrato exclusivo en el programa "Glostora Tango Club" para actuar de lunes a viernes de 20:00 a 20:15 horas, precediendo a la exitosa radio comedia "Los Pérez García" en su nuevo ciclo.
Fueron muchas las creaciones personales que realizó Martel con De Angelis. Temas que se estrenaban en el "Glostora" y al día siguiente las cantaba el publico o las silbaba por la calle.
Hubo muchos tangos que cantó y que lamentablemente no llevaron al disco, por ejemplo: "Qué viejo estoy", "Sufra", "Yira yira", "Guapo y varón" y "Violetita", entre otros. Una mención especial para "Por qué te habré conocido", de Rodolfo Scasidi y Carlos Cubría, este último bandoneonista de la orquesta, ya que fuera el último tango que interpretó Martel, con lágrimas en los ojos, al despedirse de la orquesta en los carnavales del Club Gimnasia y Esgrima de La Plata en 1951.
También quedó sin grabar una exitosa milonga del payador Martín Castro, "Presumido", cantada por el dúo Dante-Martel.
Junto con De Angelis incursionó en el cine, cantando a dúo con Dante el tema "Pregonera", en el film "El cantor del pueblo" (1948) y a fines de ese año hace de galán en la película "El ídolo del tango", junto a la actriz Graciela Lecube. En esa película interpreta tres tangos de Rodolfo Sciammarella: "De igual a igual", "Comencé jugando" y "No tiene importancia".
Desvinculado de Alfredo De Angelis, debuta como solista en Santiago de Chile, luego lo hace en Montevideo (Uruguay), donde actúa en radio, televisión y escenarios nocturnos. Allí, en 1952, graba el tango "Nacional", de José Puglia y Edgardo Pedroza, dedicado al club de fútbol de esa ciudad.
De regreso en Buenos Aires, el bandoneonista Oscar Castagniaro, recientemente desvinculado de la orquesta de Osvaldo Pugliese, lo invita a participar de su nueva formación. Debutan en la confitería "La armonía" y tiene como compañero al cantor Roberto Chanel. Actúan también en Radio Belgrano y en muchos bailes y escenarios porteños.
En 1956, vuelve a convertirse en solista, auspiciado por una reconocida marca de pinturas, "Colorín", y debuta en Radio Belgrano con su propia orquesta dirigida por el violinista Américo Podestá. Con ella graba para el sello Odeon 4 temas: "Pobre colombina", "Lechuza", "Por qué no has venido" y "Fueron tres años".
Después hace un exitoso ciclo de audiciones con público por Radio Argentina, al final de la cual realiza una gira por América, con la intención de seguir hasta los Estados Unidos. Pero en Colombia tuvo una acogida tan grande que se quedó un largo tiempo. Allí grabó para el sello Sonolux, de Medellín, 20 temas acompañado por el bandoneonista Enrique Méndez (quien había ido con él desde Buenos Aires), el pianista Armando Lacava (quien se hallaba transitoriamente allí) y músicos locales
Al regresar de Colombia, Julio Martel tenía pensado abandonar el canto y dedicarse a su quinta. Su última actuación fue en el club Santa Elena de la ciudad de Luján (70 kilómetros al oeste de la ciudad de Buenos Aires), el 20 de diciembre de 1959.
El 6 de agosto de 2001 cumplió 78 años. Vive de los derechos de intérprete, lo que comprueba que sus grabaciones siguen teniendo un importante éxito.
En su querido barrio de Munro es un prócer. En el 80º aniversario de esa localidad, en 1992, fue paseado en auto descubierto y los vecinos lo saludaban efusivamente y desde los balcones le arrojaban flores. Le hicieron un festival en su honor y pusieron su nombre a una plaza.
Fuente: Alberto Principe en Todo Tango www.todotango.com
Se agradece a Alberto Principe y Todo tango.
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