Orquesta Filarmónica de Medellin

Orquesta Filarmónica de Medellin


Orquesta Filarmónica de Medellin

La Orquesta Filarmónica de Medellín es una Institución musical profesional, fundada en el año de 1983 por su actual Director, Maestro Alberto Correa Cadavid y por el Estudio Polifónico de Medellín, con el objetivo de estudiar y divulgar la música sinfónica y coral-sinfónica en nuestro medio.

Actualmente realiza una formidable labor con la presentación de 120 conciertos anuales; entre los cuales 20 son conciertos populares y didácticos escolares para los planteles educativos de la ciudad y el departamento, contribuyendo de esta forma a crear una cultura artística entre los jóvenes. Dichos conciertos se realizan tanto en su sede del Teatro Metropolitano como en los barrios, universidades, colegios y escuelas de la ciudad.

La Orquesta acompaña las temporadas de Ópera y de Zarzuela de la ciudad.

Ha ejecutado en unión del Estudio Polifónico de Medellín más de 35 obras sinfónico corales incluyendo oratorios, misas, cantatas profanas y óperas. Ha brindado la oportunidad de realizar sus primeros conciertos como solistas a jóvenes músicos, que ahora son verdaderos valores musicales tanto en el panorama musical nacional como internacional.

Su repertorio está conformado por más de 800 obras de todos los estilos y períodos de la música. Es la única orquesta profesional con la que cuenta actualmente la ciudad de Medellín.

Es notable la producción de música sinfónica de compositores nacionales y antioqueños, como sus versiones orquestales de música Colombiana, Tango, Bolero y las admiradas versiones sinfónicas de Queen y Beatles. Ha producido 14 discos compactos los cuales muestran su evolución en los últimos 8 años y se terminó la grabación de 2 discos más que saldrán al público en el transcurso del año.

Complementa su labor musical con la docencia, ofreciendo la oportunidad a los jóvenes estudiantes de las escuelas de música de la ciudad, de realizar pasantías en la Orquesta, bajo la tutoría de los Jefes de grupo, como también realizando talleres para sus mismos instrumentistas.

Una labor docente más será la que habrá de realizarse en la Escuela de Música de la Filarmónica, en la cual los músicos de la Orquesta, serán los profesores de los futuros Instrumentistas de la misma.

La ciudad de Medellín ha condecorado en varias ocasiones a la Filarmónica bajo diferentes gobiernos municipales y la ha declarado patrimonio cultural de a ciudad.

Nuestra institución es también una empresa que genera múltiples empleos, tanto directos (músicos supernumerarios, directores invitados, etc.) como indirectos (repartidores de afiches, volantes, transporte de instrumentos, etc.)

Nuestros directores

ALBERTO CORREA
Director Titular y Fundador

Hace 56 años comenzó sus estudios de música. Fundó el Grupo de Música Antigua en el año de 1962 y la Coral Ciudad de Envigado dos años más tarde; en 1965 fundó el Coro Masculino del Estudio Polifónico de Medellín, con el cual desarrolló una amplia labor polifónica “a capella”. Este primer grupo funcionó por tres años. Posteriormente en 1971 lo reagrupó y convirtió en Coro Mixto. En mayo de 1974 dirigió la primera versión del oratorio “El Mesías" de J.F. Handel, el cual ha sido interpretado ininterrumpidamente cada año en nuestra ciudad. En 1978 fundó la Orquesta de Cámara de Medellín con el objetivo principal de acompañar al Estudio Polifónico en sus obras de música coral sinfónica, pues desde el año de 1974, el Estudio Polifónico se había convertido en un coro sinfónico, dedicado solamente a la interpretación de obras sinfónico-corales.

En 1983 fundó la Orquesta Filarmónica de Medellín. Alberto Correa ha dirigido más de 2.800 conciertos con la mayoría de las orquestas del país y ha realizado montajes importantes como el tríptico “Los Triunfos” de Carl Orff, La Novena Sinfonía de Beethoven, oratorios como Israel en Egipto, Dixit Dominus de Handel, Cristo en el Monte de los Olivos de Beethoven, entre otros. Participó también en el montaje y presentación de 20 óperas con la Ópera de Colombia y ha realizado una inmensa labor en la difusión de la música por radio, en programas de televisión y en grabaciones de discos.

Ha sido uno de los pioneros de la musicoterapia en Colombia y ha escrito libros y artículos sobre la especialidad. Por su inmensa labor en estos 56 años de música, ha recibido innumerables reconocimientos y condecoraciones de los gobiernos nacional, departamental y de la ciudad.

FRANCISCO RETTIG
Director Asociado

En el año de 1998, la crítica argentina lo distingue con el Premio al Mejor Estreno de la Temporada, al frente de la Orquesta Sinfónica Nacional, por la Sinfonía Turangalila de Messiaen, en el Teatro Colón de Buenos Aires. En 2000, los diarios mexicanos titulan: “Majestuoso Mahler” con la Orquesta Sinfónica del Estado de México en el Palacio de Bellas Artes de la Capital mexicana. En la ocasión, se interpretó la Séptima Sinfonía de Mahler.

En Octubre del 2002, los comentarios se refieren al Maestro Rettig como un verdadero “Bruckner Spezialist” en Polonia. En USA, ocasión en que se interpretó el Requiem de Verdi con la Lancaster Symphony, ha sido aclamado por la crítica. Similar éxito ha tenido después de su presentación con la National Symphony en Beijing, China. Recientemente ha dirigido en Magdeburgo, Alemania, el estreno de la Ópera contemporánea alemana “Hochzeit an der Elbe”.

Desde Julio de 1991 hasta Junio del 2003 el Maestro Francisco Rettig se desempeñó como Director Titular de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, llevando a esta Orquesta a una destacada posición internacional. La Alcaldía de Bogotá, como reconocimiento a su labor, lo distinguió con la Orden al Mérito en el Grado de Gran Comendador, máxima distinción que se confiere a los extranjeros que prestan servicios al País. Similar distinción recibió también del Concejo Distrital de la ciudad. Nacido en Santiago de Chile y nacionalizado italiano, fue discípulo de los grandes maestros Hans Swarovsky, Sergiu Celibidache y Franco Ferrara. Su formación académica la realizó en la Musikhochschule de Colonia, Alemania, donde se graduó con máxima distinción. Recientemente el Maestro Rettig ha dirigido la versión escenificada de la Pasión según San Mateo de Bach en el Performing Arts Center de Brisbane, Australia; así como siete exitosas funciones de Turandot de Puccini en el Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México.

En Febrero de 2007, el Maestro Rettig se presentó por primera vez en Bucarest con la Orquesta Sinfónica Nacional de la Radio Televisión Rumana. Resultado de este auspicioso debut fue su inmediata contratación en forma más permanente con esta destacada Orquesta.

GONZALO OSPINA
Concertino y Director Asistente

Violinista nacido en Medellín, actualmente es Concertino y Director Asistente de la Orquesta Filarmónica de Medellín y profesor de la cátedra de violín y música de cámara de la Universidad Eafit. Sus profesores de violín fueron Raúl Emiliani, Luis Biava y Eduardo Berrío. Estudió en la Escuela Superior de Música de Medellín, en la Universidad de Antioquia y en la Universidad Corpas, en Bogotá.

En su amplia trayectoria orquestal se ha desempeñado como Concertino Alterno de la Orquesta Filarmónica de Bogotá, entre los años 1999 a 2004 y también como Concertino de la Orquesta de la Ópera de Colombia. Fue Concertino de la Orquesta Sinfónica de Antioquia y de la Orquesta de Cámara de Colombia. Así mismo, como intérprete de música de cámara ha fundado agrupaciones como el Trío de Cámara de Medellín, el Cuarteto de Cuerdas de Antioquia y el Ensamble Barroco, con el que grabó un CD de Las Cuatro Estaciones, de Vivaldi. Así mismo, ha creado el Trío y Cuarteto Arcieri, con músicos de la Filarmónica de Bogotá.

Ha sido integrante de la Orquesta Sinfónica de Galicia y de la Orquesta Mundial de Juventudes Musicales. Ha realizado conciertos en Alemania, Bélgica, España, Marruecos, Uruguay, Argentina, Costa Rica y Venezuela. En Colombia, ha ofrecido recitales con Blanca Uribe, Harold Martina, Teresa Gómez y Lise Frank y ha actuado como solista con las principales orquesta del país.

PLANTA ORQUESTAL

VIOLINES I
Gonzalo Ospina (Concertino Titular)
Manuel López (Concertino asistente)
David Hoyos
Rafael Ángel Cos
Rafael Sierra
Luís Fernando Franco
Camilo Giraldo
Wilfer Vanegas
Clara Rojas
Isabel Cristina Arango
Ana Maria López
Yhoan Daniel Saldarriaga

VIOLINES II
Juan Miguel Hechavarría (Principal)
Oscar Rendón
Fernando Sáenz
Edgar Chamorro
David Rivera
Adriana Orozco
Luís Carlos Montoya
Gloria Vieco
Sandra Catalina Restrepo
Johanna Marcela Toro

VIOLAS
Bernardo Hoyos (Principal)
Alexander Henao
Lina Loaiza
Marcela Ospina
Ana María Rojas
Diana Cristina Hincapié
Harlen D. Cano
Yeison David Montoya

CHELOS
Pavel Rusev (Principal)
Juan David Orozco
Claudia Ocampo
Diana Gutiérrez
Karen Lizeth Londoño
José Santos Camacho
Juan David Henao
Sergio Andrés Rivera

CONTRABAJOS
Ilko Rusev (Principal)
David Arenas
Orlando Ruiz
Juan Felipe Vélez

FLAUTAS
Juan Tamayo (Principal)
María Elena Orozco

OBOES
Ignacio Gil (Principal)
Gustavo Restrepo

CORNO INGLES
Paul H. Fischler *

CLARINETES
Jorge Luis Zapata P. (Principal)
Elizabeth Isaza C.


FAGOTES
Roberto Soto (Principal)
Beatriz Loaiza

CORNOS
Rodrigo Loaiza (Principal)
Esteban Avendaño
Gloria Villegas
Jairo A. Restrepo

TROMPETAS
Frank Londoño (Principal)
Alfredo Mejía
Ramón Paniagua

TROMBONES
Libardo Ospina (Principal)
Adolfo Martínez
Vladimir Hurtado R.

TUBA
David López
PERCUSIÓN
Alberto Sánchez (Principal)
Alejandro Ruiz
Sandra Gómez *
Pilar Y. Pérez *
Andrés Zoo *

TECLADO
Sebastián Quiroga
ARPA
María Clara Alarcón*

*Músico Supernumerario
Fuente web de la Orquesa Filarmonica de Medellin

Cotton Club

Cotton Club en la decada del 30'

Cotton Club en la decada del 30'

El Cotton Club es un famoso club nocturno en la ciudad de Nueva York que operaba durante la Prohibición de venta de alcohol. Si bien el club figuran muchos de los mayores artistas de la época de origien africano, como Duke Ellington, Count Basie, Bessie Smith, Cab Calloway, Los Hermanos Nicholas, Ella Fitzgerald, Louis Armstrong, Nat King Cole, Billie Holiday, y Ethel Waters, por lo general, les niega la entrada a los negros. Durante su apogeo, ha servido como un elegante punto de encuentro en el corazón de Harlem, con regulares "Noches celebridad" los domingos, en que celebridades como Jimmy Durante, George Gershwin, Al Jolson, Mae West, Irving Berlin, Eddie Cantor, Moss Hart, alcalde de Nueva York, Jimmy Walker y otras luminarias parece.

Campeón de peso pesado Jack Johnson abrió el Club De Luxe en la calle 142a y la avenida Lenox en Harlem en 1920. Owney Madden, bootlegger y un gángster, se hizo cargo del club en 1923, mientras encarcelado en Sing Sing y cambió su nombre por el Cotton Club. Aunque el club fue cerrado brevemente en 1925 para la venta de licor, se volvió a abrir sin problemas de la policía. Las bailarinas y strippers en ocasiones realizaban actuaciones para Madden en Sing Sing después de su retorno en 1933.

El club se reproduce la imagen racista de los tiempos, a menudo representa a los negros como salvajes en la selva o exóticas como "darkies" en las plantaciones del Sur. El club impuso una barra de color más sutiles en el coro de niñas a las presentadas en el club skimpy conjuntos: se espera que sea "de altura, tan, y fantástico", lo que significaba que tenían que ser por lo menos 5 pies 6 pulgadas de altura, la luz piel, y menores de veintiún años de edad. Ellington escribio "selva de música" para una audiencia de blancos.

No obstante, el club también ayudó a lanzar las carreras de Fletcher Henderson, quien encabezó el primer grupo que tocaba allí en 1923, y Ellington, cuya orquesta fue la banda de la casa existe desde 1927 a 1931. El club no sólo dio Ellington a través de la exposición nacional por radio procedentes de ellos, le permitió desarrollar su repertorio, mientras que la composición no sólo la música de baile para la muestra, sino también los acercamientos, las transiciones, acompañamientos, y "la selva" efectos que le dio la libertad para experimentar con los colores y los arreglos orquestales que rara vez había bandas de gira. Ellington grabó más de 100 composiciones en esta época, mientras que la construcción del grupo que lideró durante casi cincuenta años. El club finalmente relajado su política de excluir a los clientes negro ligeramente en deferencia a la solicitud de Ellington.


Cab Calloway y The Cotton Club Orquesta, en 1934 el bandCab Calloway trajo la orquesta de su revista Brown Sugar al club en 1930, en sustitución del grupoEllington después de su partida en 1931; Jimmie Lunceford la Calloway sustituye la banda en 1934, mientras que Ellington, Armstrong, Calloway y regresó para llevar a cabo en el club en los años posteriores. El club fue también el primer show de oportunidad de negocio para Lena Horne, quien comenzó allí como corista a la edad de dieciséis. Dorothy Dandridge realizado allí mientras todavía uno de los Dandridge Hermanas, mientras que Coleman Hawkins y Don Redman desempeñado allí como parte de la banda de Henderson. Toque bailarines Bill "Bojangles" Robinson, Sammy Davis Jr. (como parte de la Voluntad Mastin Trío), y la estrella Nicholas Hermanos allí.

El club blanco también se refirió a la cultura popular del día. Walter Brooks, que había producido el éxito de Broadway Junto aleatoria, fue el propietario nominal. Dorothy Fields y Jimmy McHugh, uno de los más destacados equipos de escribir canciones de la época, y Harold Arlen siempre las canciones de las revistas, uno de los cuales, "mirlos de 1928", con las canciones "Yo no puedo darle nada más que amor "y" Diga Diga Doo ", fue producida por Lew Leslie en Broadway.

Cerrado temporalmente en 1936 después de los disturbios en Harlem con el año anterior, el Cotton Club reabierto más tarde ese año en Broadway y la calle 48. Para el bien de que se cerrara en 1940, bajo la presión del aumento de los alquileres, la evolución de los gustos y una investigación federal en la evasión de impuestos por los propietarios de club nocturno de Manhattan. El Barrio Latino en su club nocturno abrió el espacio y el edificio fue demolido en 1989 para dar paso a un hotel. Un nuevo club con el mismo nombre se inauguró en 1978 en Harlem.

Una rama de la costa oeste de la Cotton Club existía en Culver City, California, a finales de los años 1920 y principios de 1930, con los artistas intérpretes o ejecutantes de la Cotton Club original, como Armstrong, Ellington y Calloway.

The Cotton Club es una película dirigida por Francis Ford Coppola, que ofrece una fictionalized la historia del club en el contexto de las relaciones raciales en la década de 1930 y las batallas entre Madden, Dutch Schultz, Vincent "Mad Dog" Coll, Lucky Luciano, y Ellsworth "baches" Johnson.fuente Wikipedia en ingles

Roberto Florio

Roberto Florio(derecha)con R.Araya
Alfredo De Angelis, Juan Carlos Godoy y Roberto Florio

Roberto Florio: Cantor(9 de noviembre de 1929 - 5 de octubre de 1993)
Nombre completo: Roberto Ángel Florio Apodo: Chocho
Resulta que "Don Chicho", obrero textil, había armado en su casa un telar y buscaba la ayuda de algún joven que supiera el oficio, lo necesario para que además le enseñara a su sobrino, un pibe de 14 años. Cuando lo encontró hubo días que los muchachos quedaban solos por unas horas, entonces, pese al ruido de las máquinas, el mayor de ellos se ponía a cantar tangos y tuvo la sorpresa que de inmediato, el chico, mientras aprendía el trabajo, comenzó a seguirlo en su actitud tanguera. Desde entonces, amigos para toda la vida. El mayor pasó a ser conocido como Jorge Casal y el otro, Roberto Florio. El tiempo los vio crecer artísticamente, pero cada uno siguió su propio camino.

Jorge Durán

Jorge Duran, Jose Basso y Oscar Ferrari

DURAN, Jorge. (Nombre de familia: Alfonso Durán). (19 de enero de 1924 - 20 de agosto de 1989) Cantor. Nació en la provincia de San Juan
Sus comienzos a partir de 1940, en audiciones de LV5 Radio Los Andes, de San Juan. Integró luego las orquestas de Emilio Balcarce, Horacio Salgán, Carlos Di Sarli —ésta en dos etapas—, Francisco Rotundo y José Basso. Entre sus realizaciones más representativas se cuentan los tangos Porteño y bailarín, Tus labios me dirán, Un tango y nada más, Yo, Cosas de tango, Whis-ky y Nubes de humo, grabados todos con Di Sarli en Victor, y En la vía, Hágame el favor, Mamboretá y Anoche a las dos, con José Basso, en Odeón. Cantó en la Orquesta Símbolo Osmar Maderna, y luego de 1957 se independizó formando el conjunto Florio-Durán con el también cantor Roberto Florio, con dirección y arreglos orquestales de acompañamiento a cargo del pianista Orlando Trípodi, registrando entonces sus versiones para Victor. Siguió, luego, como solista. Fuente Horacio Ferrer

Al Bano Carrisi

Albano Carrisi

Albano Carrisi

Su padre lo llamó Albano porque él había combatido en Albania durante la Segunda Guerra Mundial.
Debuta en el mundo de la canción en el Festival de la Rosa en 1966 y en la televisión en Settevoci, programa presentado por Pippo Baudo. En 1967 obtiene su primer éxito con la canción Nel sole, que obtiene el primer lugar de la lista de éxitos de ventas de 45 giras en Italia. Enseguida canta Io di notte, L'oro del mondo y Il ragazzo che sorride, última canción escrita por Mikis Theodorakis que se inspira en los trágicos eventos en Grecia de 1967, la instalación del poder del Régimen de los Coroneles".

En 1968 participa por primera vez en el Festival de San Remo con La siepe y la crítica le otorga el premio especial de la Mejor Canción. En 1969 participa en el concurso Un disco per l'estate con Pensando a te (Pensando en ti).

El 26 de julio de 1970 se casa con Romina Power,con quien había cantado a dúo Storia di due innamorati (Historia de dos enamorados), con la que tuvo 4 hijos: Cristel, nacida en 1985 (quien participará en La Fattoria, versión italiana de La granja de los famosos; Romina, nacida en 1987; Yari, nacido en 1973 e Ylenia, nacida en 1970 y desaparecida en Nueva Orleans en 1994.

En 1975 interpretan Dialogo (Diálogo) y en 1976 participan en Eurovisión con We'll live it all again (Lo viviremos todo de nuevo) .

En 1981 interpretan Sharazan y al año siguiente toman parte en San Remo con Felicità (Felicidad), que se clasifica en segunda posición. Vuelven al festival en 1984 con Ci sarà y en 1985 están de nuevo en Eurovisión con Magic oh magic.

En 1987 aparecen los discos Nostalgia canaglia (Nostalgia canalla), tercero en San Remo, y Libertà (Libertad). Sigue luego Cara terra mia, otra vez tercero en Sanremo en 1989. En 1991, la pareja interpreta en el Festival Oggi sposi.

Cuando sale el álbum Dangerous Al Bano afirma que Michael Jackson le robó una parte del tema musical de una canción de 1987, I Cigni di Balaka en su canción You Will Be There.

En 1995, Al Bano entabla querellas. En mayo de 1999, un tribunal romano acusa a Michael Jackson de plagio, y lo condena a pagar una multa de 4.000.000 de liras, antes de suspender esta decisión de multa, los abogados de Michael Jackson lo llaman. Un experto en musicología determinó que 37 notas de 40 eran idénticas.

En un proceso civil, Al Bano también fue citado por un tribunal milanés quien encontró que Michael Jackson era inocente del cargo de violación de derechos de autor.

En 1996 Al Bano comienza una carrera en solitario con È la mia vita (Es mi vida), seguida de Verso il sole en 1997 y Ancora in volo (Aún en vuelo) en 1999. Ese mismo año se separa de su esposa, Romina, y convive, sin matrimonio, con la presentadora de televisión Loredana Lecciso, con la cual vivió desde 2001 hasta noviembre de 2005 y ha tenido dos hijos: Yasmine, nacida en 2001 y Bido,en 2002.

Su relación con Loredana Lecciso ha llevado últimamente al cantante a aparecer a menudo en programas de televisión y en la prensa del corazón, a veces incluso contra su voluntad, hasta el punto de dar un puñetazo a un invitado en "La vita in diretta".

Participó en la tercera edición de la emisión de telerrealidad de RAI denominada "La isla de las celebridades", pero cuando estaba en Samana, Loredana declaró la voluntad de abandonarlo y partir con sus dos hijos. Por consiguiente, abandonó voluntariamente la emisión en el episodio del 19 de octubre de 2005.

Su relación con Loredana Lecciso y su participación en la emisión de telerrealidad contribuyó, indudablemente, a relanzar su popularidad en Italia, disminuida en los últimos años posiblemente a causa de las malas elecciones artísticas que explotaban mal su voz.

En noviembre de 2006 Arnoldo Mondadori Editore publica su autobiografía, escrita a cuatro manos con Roberto Allegri "È la mia vita"(Es mi vida, del título de la canción de 1996). Curiosamente, para hablar de sus dos señoras, Romina y Loredana, decidió dejar dos páginas en blanco.

Hereda de su padre, Don Carmelo, una empresa vínícola Tenute Carrisi. Explota sus conocimientos de marketing y de viticultura para relanzar su marca, que actualmente es conocida en el mundo entero. En homenaje a su padre, llamó a uno de sus vinos "Don Carmelo". La empresa también abrió una pizzería. Sus últimos años los dedicó a su tierra y a patrocinar al equipo "New Basket Brindisi" (Nuevo Balloncesto Brindisi), que participa en el campeonato italiano de serie B1. Participó con la canción Nel perdono en el Festival de San Remo de 2007.Fuente Wikipedia

Romina Power

Romina Power

Romina Power

Nacida en Los Ángeles, California, es hija del actor Tyrone Power y de la actriz Linda Christian.

Sus padres se divorciaron en 1956 y entonces parte con su madre y hermana a vivir en Italia. El 26 de julio de 1970 se casa con el cantante Al Bano, con quien había cantado el dúo Storia di due innamorati (Historia de dos enamorados). Tuvieron cuatro hijos: Cristel, nacida en 1985 (que participará en La Fattoria, versión italiana de La ferme célébrités); Romina, nacida en 1987; Yari, nacido en 1973 e Ylenia, nacida en 1970 y desaparecida en Nueva Orleans en 1994.

En 1975 interpretan Dialogo y en 1976 participan en el Festival de Eurovisión con We'll live it all again. En 1981 interpretan Sharazan y al año siguiente están en San Remo con Felicità (Felicidad), que se ubica en la segunda posición. Vuelven al Festival en 1984 con Ci sarà y en 1985 participan de nuevo en Eurovisión con Magic oh magic. En 1987 aparecen los discos Nostalgia canaglia (Nostalgia Canalla), tercero en San Remo, y Libertà (Libertad). Posteriormente sigue Cara terra mia, nuevamente tercero en San Remo en 1989. En 1991, la pareja interpreta en el Festival Oggi sposi. En 1996 Al Bano comienza una carrera en solitario y en 1999 ambos se divorcian. Posteriormente Al Bano se va a vivir, sin matrimonio, con la animadora de televisión Loredana Lecciso, con la cual tuvo dos hijos.

Configuraron uno de los dúos musicales más afamados de la música romántica.

Romina Power además ha declarado su pública admiración por su padre Tyrone Power (cuyo parecido físico es notable) y ha sido promotora de mantener la imagén de este en cada oacasión que lo amerite.Fuuente wikipedia

Alberto Mastra

Alberto Mastra con Julian Centeya

MASTRA, Alberto. (Nombre de familia: Alberto Mastrascusa) ("Carusito").
Músico. Guitarrista. Autor. Bohemio y poeta en cuya guitarra y en cuya voz encontraron prolongación fiel los cantores del Montevideo popular del pasado. Guitarrista zurdo que no cambió la disposición del encordado y logró así extraer de su instrumento sonoridades vedadas a los ejecutantes de academia; peregrino y pintor de miniaturas plasmó en su canto y en sus bordoneos una obra de compositor y de letrista que recogió con exquisita y sensitiva hondura las figuras y los paisajes del ayer. Así sus milongas Miriñaque, El Criollito Oriental, Maldonado, Con permiso, Así fui yo, Zanjones, en las que perduran algunas de las característi-cas de ritmo y de sabor propias de las milongas del bajo. Nació en Montevideo, el 9 de noviembre de 1909 en la vecindad de la esquina de Gaboto y Paysandú atrás del molino Mané que evoca él en su milonga, Así fui yo, y en su poema Harina Amarga.
Se inició en lo suyo, alternando con los payadores y los cantores Pepo, Juan y Pedro Medina, Aníbal Melgarejo, Narciso Mederos. Formó luego su trío que actuó en Montevideo y en Buenos Aires junto con su esposa Josefina Barroso. Grabó diez piezas de su repertorio en un disco de larga duración editado por el sello Sondor. Como figura de tango dentro de Una personalidad muy original que recuerda sin embargo, en algunas de sus facetas la frescura trovadoresca de un Villoldo y la hondura de pensamiento de un Discépolo, se ofreció en páginas como Un tango para Estercita, Aguántate Casimiro y Mi viejo el remendón, llevadas al disco las tres por Aníbal Troilo su más asiduo y representativo intérprete. Falleció el 10 de abril de 1976.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus invitados

Carlos Dante

Carlos Dante con Alfredo D'Angelis y Julio Martel en 1946

Carlos Dante en 1935

Carlos Dante con Pedro Noda en 1936

Carlos Dante Testori (12 de marzo de 1906 - 28 de abril de 1985)
Nació en el barrio de Boedo, siendo el menor de cinco hermanos. Cursó sus estudios primarios en una escuela católica, donde ayudó a decir misa y cantó en ceremonias: hay testimonio de que esta sería la más temprana de sus experiencias como cantante. Abandonó sus estudios secundarios para emplearse en la casa La Piedad; más tarde, convertido en un muchacho de elegante aspecto, trabajó como modelo de la tienda Los 49 Auténticos, en lo que podría deducirse que fue un paso previo a sus actuaciones como galán de teatro. En efecto, se enroló en la compañía del conjunto Santiaguito, haciendo algunas exhibiciones en las que asumía el papel de joven seductor.

Su latente vocación como cantor logró expandirse en 1927, y de un modo por demás vertiginoso. En agosto debutó como estribillista de Francisco Pracánico y su orquesta típica, como parte de un espectáculo en plena calle Corrientes (cine Astral) donde intervinieron Carlos Gardel y la Jazz Band González, para hacer luego una temporada en Mar del Plata. Pracánico grababa por entonces en el sello Electra -llegó incluso a ser su director artístico-, lo que para el cantor, como se verá adelante, significó una conexión fundamental. Dante pasó también, aunque fugazmente, por la orquesta de Pedro Maffia y por Los Ases del Tango (Aieta, Navarro, D’Arienzo, Cuervo, Visca y Corletto).

El sello Electra lo incorporó a su catálogo en 1928 bajo su doble condición de cantor solista y de estribillista de orquesta. Así, efectuó una docena de registros con acompañamiento de guitarras (en uno, además, hay piano) y algunos pocos más con acompañamiento de la orquesta de Juan D’Arienzo; para luego invertir roles y aparecer como chansonnier de D’Arienzo, repitiendo en varias ocasiones temas que ya había hecho como solista. No obstante dejar un total de casi cincuenta temas grabados para Electra, el particular repertorio que fomentaba esta empresa -por lo general intrascendente- y los perceptibles problemas de sonido, sumado a la falta de reposiciones, impiden que esta etapa de Dante pueda ser hoy apreciada con claridad. Pero sin duda fortaleció su presencia en el medio artístico, llamando la atención de Francisco Canaro, quien le dio una oportunidad fabulosa al incorporarlo a su embajada musical por países de Europa.

Canaro lo contrata con el objetivo de que fuera estribillista de la orquesta de su hermano Rafael, y con él se embarca en abril de 1929 para debutar en mayo en la sala Empire, de París. En Niza tiene ocasión de volver a cantar en un programa junto a Gardel, y luego viaja a Alemania y España. En este país la orquesta de Rafael Canaro efectúa grabaciones para Regal (una subsidiaria de la poderosa Columbia), en las que naturalmente interviene Dante: el cantor ya tiene tres docenas más de grabaciones para capitalizar en su currículo. Emprenderán el regreso en 1932.

Dante siguió vinculado a Francisco Canaro, quien en noviembre de 1932 lo hizo intervenir en cuatro registros, dos de ellos a dúo con Ángel Ramos. En 1934 se convirtió en cantor de la orquesta típica de Miguel Caló, atravesando con este director el crítico período que significó para el tango la mitad de aquella década, y realizando más grabaciones.

Independizado de Caló en 1936, Dante formó un dúo nacional con Pedro Noda, quien acababa de desvincularse de Agustín Magaldi. El dúo Dante-Noda tuvo una aceptación inmediata y se mantuvo hasta 1940, llegando a dejar seis registros discográficos (cuatro para Victor y dos para Odeón), de los cuales dos correspondieron a solos por Dante. Por estos días fue incluido en la película Muchachos de la ciudad (dir.: José A. Ferreyra, 1937), película que fuera casi unánimemente calificada por la crítica como elemental, modesta, incluso vulgar, pero a la vez agradable de ver. Dante cantó para ella Ciudad, con la orquesta de Elvino Vardaro (para el disco, Dante la hizo con guitarras). Luego aparecería en otra película, Un bebé de París (dir.: Manuel Romero, 1941).

Pero a pesar de tener trabajo continuo, Dante se empleó en la administración de Yacimientos Petrolíferos Fiscales, manteniéndose allí por diecisiete años. No deja de llamar la atención que mantuviera este puesto aún en años muy intensos de su carrera artística. Alguna intervención ocasional en la Compañía de Comedias Victor y su paso durante 1943 por la orquesta de Nicolás D’Alessandro no hacían sospechar el increíble suceso que estaba aguardándolo y que lo convertiría en uno de los cantores de orquesta más representativos de la década del cuarenta.

Hacia mediados de 1944 el director Alfredo de Ángelis había sufrido la desvinculación de Floreal Ruiz y buscaba un cantor para hacer pareja con Julio Martel. Fue un verdadero acierto que convocara a Dante para cubrir la vacante que dejara Ruiz: sus estilos se emparentaban, pero el de Dante hizo “florecer” la orquesta y demostró ser el que mejor se ajustaba a los arreglos propuestos por De Ángelis.

Dante debutó en agosto de 1944, en una actuación en el café Marzotto. De allí en más se sucedieron éxitos, siendo contratados sin interrupción por clubes, confiterías y salones de baile, y constituyendo un hito fundamental para la historia de la radiofonía con las emisiones del Glostora Tango Club por LR1 Radio El Mundo. Los discos Odeón de De Ángelis con Dante y Martel alcanzaron tiradas verdaderamente masivas, y no en vano sesenta años después podrá afirmarse que la orquesta fue un auténtico “fenómeno social”. Llegan a intervenir en el film El cantor del pueblo (dir.: Antonio Ber Ciani, 1948) haciendo el tango Pregonera, uno de sus auténticos “hits”. En 1951 en reemplazo de Martel entró Oscar Larroca, convirtiéndose en el nuevo compañero de dúo de Dante.

En 1958 y tras dejar cerca de ciento cuarenta grabaciones con De Ángelis, Dante se retira de la orquesta. Poco después hace lo propio Larroca, y aprovechando el buen recuerdo que dejaran juntos entre el público, forman un dúo con el que hicieron algunas giras e incluso grabaron discos en 1959; pero el impacto inicial no se mantuvo y no mucho después se separaron.

Dante, ya definitivamente cantor solista, se hizo acompañar primero por un quinteto típico; luego por Víctor Braña, al que siguieron Jorge Dragone primero y Roberto Pansera después; más adelante Aquiles Roggero, Oscar de la Fuente y otros. Con ellos se presentó en un sinfín de locales céntricos y del interior del país, e incluso de Uruguay, Chile, Colombia y otros; también grabó para Discofonía, Alanicky, Doma y RCA Victor. Se retiró el 31 de diciembre de 1974, tras estar cinco décadas vinculado a lo artístico.

Junto con Francisco Fiorentino y Ángel Vargas, Dante fue uno de los pocos cantores de orquesta que entre 1935 y 1940 supo evolucionar respondiendo a la necesidad de la época por desarrollar modos distintivos, que imprimieran características personales a las orquestas en donde tenían intervención. De la trascendencia de su carrera han quedado como testimonio trescientas grabaciones, una importante obra como compositor (Dante puso música o música y letra a muchos temas, entre los que pueden citarse A Magaldi, El retrato de los viejos, Esta noche me despido, Por eso te quiero, Primer beso, Tu pollera azul, Vive el cantor, etcétera) y el recuerdo de sus admiradores. fuente www.10tango.com

Nicolas D'Alessandro

Esta breve Biografia del maestro Nicolas D'Alessandro, se complementa con el informe del trabajo titanico para poder editar este LP
En nuestro género, suele ocurrir que excelentes instrumentistas y capaces directores orquestales no lleguen a a la cupide de sus aspiraciones a pesar de de sus merecimientos. Este es el caso de Nicolas D'Alessandro, bandoneonista, compositor y director cuya discografia es escasa en proporcion a sus méritos interpretativos. Por ello para efectuar este trabajo de recopilación nos vimos en la necesidad de recurrir a acetatos (78rpm) particulares con las naturales deficiencias tecnicas y el logico desgaste por el tiempo transcurrido.
Pero no obstante, las dificultades expuestas ofrecemos la publico estos inhallables registros en la seguridad-que valen la pena-.
Al promediar el año 1943 se se presenta ante los micrófonos de L.R.1 Radio El mundo, el maestros Nicolas D'Alessandro con su cantor Carlos Dante, que se hallaba alejado del ambiente artistico dedicado a otras funciones. Fue a instancias del violinista Norberto Bernasconi perteneciente al plantel de la orquesta, que el cantor se reincorporo al ámbito musical colaborandondo esta agrupación por el lapso de 6 meses haciendo radio y Cabaret Marabú. De esta unio hemos rescatado 4 notables realizaciones: Soñar y nada mas, Cuando no existas mas, Uno y Juan Tango. Paginas pertenecientes al primer quinquenio de la famosa década del 40. Al mismo tiempo este antologico larga duracion nos brinda la oportunidad de volver a disfrutar de otra de nuestras mas importantes voces: la de Carlos Acuña, actualmente radicado en la madre patria donde actua con singular suceso. En efecto este vocalista actuó durante dos temporadas veraniegas en la desaparecida boite del Casino de Mar del Plata, de donde fueron tomadas estas dos memorables versiones: Vieja Carreta Cuando te vuelva a ver, ambas pertenecientes al director de la orquesta.
En la faz B del siguiente LP se presenta al notable conjunto del maestro Nicolas D'Alessandro en seis realizaciones puramente orquestales donde nos demuestra su capacidad de conducción. 
Hector Ernie

Soloists of the Moscow Contemporary Music Ensemble

Soloists of the Moscow

En 1992, conocido en el mundo entero el violista Yuri Bashmet fundó la orquesta de cámara Solistas de Moscú reuniendo a un grupo de jóvenes ejecutantes propuestos por sus profesores como los mas logrados, graduados y dotados del Conservatorio de Moscú.

Ahora en su segunda formación, Solistas de Moscú se ha establecido, en palabras de la prensa internacional, como "uno de los mejores del mundo" ( "Davar", Israel), "la voz de la nación" ( "IL Tempo" , Italia). El conjunto ha actuado en cuarenta países de los cinco continentes y realiza con regularidad viajes de Europa, América, Japón, Australia y Nueva Zelanda, y ejecuta en salas de conciertos tan prestigiosas como el Carnegie Hall en Nueva York, Musikverein de Viena, Concertgebow de Amsterdam, Suntory Hall de Tokio, Salón de la Filarmónica de Berlín, Barbican en Londres, Tivoli, en Copenhague, Cité de la Música de París, la Academia de Santa Cecilia en Roma, y muchos otros.

El repertorio de Solistas de Moscú es rico y diverso, compuesto por obras maestras de la de la musica clasica, las obras de compositores contemporáneos y las obras del pasado que se realiza con menos frecuencia. Los programas de Los Solistas de Moscú a menudo se caracteriza por estrenos interesantes y desafiantes de nuevas obras de compositores vivos. Ampliar el repertorio para orquesta de cuerdas es parte de la misión del grupo.

Muchos de los músicos más grandes del mundo han actuado como solistas con el conjunto, incluida la Sviatoslav Richter, Gidon Kremer, Mstislav Rostropovich, Sarah Chang, Viktor Tretiakov, James Galway, Lynn Harrel, Olga Borodina, Yu Man y otros.

Solistas de Moscú ha participado en importantes festivales de música incluyendo el Festival de Rostropovich en Evian (Francia), festivales de música en Montreux y Verbier (Suiza), Festival de Música de Sydney, Bath Festival de Música (Inglaterra), "Paseo-conciertos" en Londres de la Albert-Hall, " prestigio de la Música "en Pleyel, París, Sony-clásica en Teatro de los Campos Elíseos," semaines Musicales en Tours (Francia), "Noches de diciembre" (Moscú), y muchos otros.

Conciertos de Solistas de Moscú han sido registradas por Onyx y Sony BMG y realizaron emisiónes en televisión y radio en una serie de países, entre ellos las emisiones de la BBC, la Radio de Baviera, Radio France, NHK, y otros.

In English
In 1992, world renowned violist Yuri Bashmet founded the Moscow Soloists chamber orchestra by gathering together a group of young string players nominated by their professors as the most accomplished and gifted graduates of the Moscow Conservatory.

Now in its second formation, Moscow Soloists has established itself, in the words of the international press, as "one of the best in the world" ("Davar", Israel), "the voice of the nation" ("IL Tempo", Italy). The ensemble has performed in forty countries on five continents and regularly tours Europe, America, Japan, Australia and New Zealand, appearing in such prestigious concert venues as Carnegie Hall in New York, Musikverein in Vienna, Concertgebow in Amsterdam, Suntory Hall in Tokyo, Philharmonic Hall in Berlin, Barbican in London, Tivoli in Copenhagen, Cite de la Music in Paris, Academia Santa Cecilia in Rome, and many others.

The repertory of the Moscow Soloists is rich and diverse, comprised of masterpieces from the Classical canon, the works of contemporary composers, and works from the past which are less frequently performed. The programs of the Moscow Soloists are often marked by premieres of interesting and challenging new works by living composers. Expanding the repertoire for string orchestra is part of the mission of the group.

Many of the world's greatest musicians have performed as soloists with the ensemble, including Sviatoslav Richter, Gidon Kremer, Mstislav Rostropovich, Sarah Chang, Viktor Tretyakov, James Galway, Lynn Harrel, Olga Borodina, Yu Man and others.

Moscow Soloists has participated in major musical festivals including Rostropovich's Festival in Evian (France), Musical Festivals in Montreux and Verbier (Switzerland), Sydney Music Festival, Bath Music Festival (England), "Promenade-concerts" in London's Albert-Hall, "Prestige de la Music" in Pleyel, Paris, Sony-Classical in Champs-Elysees Theatre, "Semaines Musicales en Tours" (France), "December Nights" (Moscow), and many others.

Concerts by Moscow Soloists have been recorded by Onyx and Sony BMG and broadcast on television and radio in a number of countries, including broadcasts by the BBC, Bavarian Radio, Radio France, NHK, and others

Estela Raval

Estela Raval


Estela Raval

Nació bajo el signo de Tauro un 19 de Mayo ,en Buenos Aires ,Argentina en el seno de una humilde familia de inmigrantes italianos; nadie podia imaginar entonces que una estrella de la canción estaba naciendo y que la música romántica coronaba ese dia a una de sus mas grandes intérpretes. Palma Nicolina Ravallo ,su verdadero nombre ; vivió su niñez rodeada del amor de sus padres y de sus 8 hermanos ,era la menor de la familia ,fué muy destacada en los estudios,cariñosa y amaba todo lo que fuera música ; sin duda alguna habia nacido para el arte.

Desde los 4 años de edad ya se subia a una mesa para cantar demostrando a todos su precoz talento y apoyada por sus padres y sus hermanos realiza estudios de canto ,baile y declamación.

Se inicia profesionalmente a los 12 años de edad junto a su hermano Manuel Ravallo "Colorado", quien tocaba el bandoneón mientras ella cantaba y bailaba folklore vestida de gaucho.

Empezaba a dar sus primeros pasos en el mundo del arte ,cuando vino una perdida familiar muy grande...la muerte de su padre ... esto imprime un cambio total en la vida de Estela ... " Mi padre era mi mejor admirador ,para el cantaba y bailaba ,el era un aficionado de la música y precisamente fué el quien me puso el nombre de Estela ,porque decia que yo iba a dejar una estela de éxitos en la vida ,no entendia entonces que eso podría llegar a ser una hermosa realidad " lamento mucho que no haya podido ver mis logros ,pero antes de morir me dijo ...tu padre Francisco ,cada vez que actues ,estará siempre viendo y aplaudiendo tus actuaciones, por eso cada vez que salgo a escena evoco su nombre y como soy muy católica siempre rezo una oración antes de salir al escenario" .



Luego de superar esta dura etapa ,Estela juto a su cuñada y concuñada forman el trio "Las Palomitas" que luego fuera cambiado por "Las Alondras" al existir un grupo con el mismo nombre ,este era un conjunto lírico integrado por una rubia ( Estela ) una pelirroja y una morena ,cantaban en castellano y portuguez. Con este trio Estela hizo su primera gira por sudamerica, permaneciendo un año en el Brasil. Al regreso a Buenos Aires de dicha gira ,es cuando conoceria a quien luego seria su esposo ,Ricardo Romero... Lo recuerdo como si fuera hoy ... comenta Estela ... fué un 28 de Diciembre de 1950 "dia de los santos inocentes ", estabamos con una de las chicas del trio paseando y disfrutando de nuestro regreso por las calles de Buenos Aires ,cuando de casualidad entramos a tomar un refresco a la entonces confiteria "Ruca " ,de donde salia música de fiesta ,ahi se solian realizar diferentes eventos,como despedidas de soltero y cosas por el estilo ,alli se encontraba trabajando Ricardo,quien era trompetista de la orquesta de Jazz "Los Colegiales ", yo era amiga del baterista y este me presentó a Romero, nos hicimos buenos amigos y luego de algunas saliditas llegamos a ser novios .... Ricardo Romero era un excelente músico y trompetista ,por lo que fué solicitado para integrar el conjunto que secundaria las actuaciones de la estrella cubana "Maria Antonieta Pons" . Mientras tanto en 1953 ,Estela se integra como Lady Crooner a la orquesta del reconocido maestro Raúl Fortunato con quien grabó el tema " Solito contigo ".



Estela y Ricardo sostuvieron un romance de 4 años como novios para finalmente contraer matrimonio el dia 5 de Enero de 1954 ,fué una boda muy sencilla, que concluyó con una luna de miel en Mar del Plata. Por aquel entonces lejos estaban de imaginar que el destino de ambos ,estaria ligado para siempre en lo afectivo y lo profesional. Ricardo dejó la orquesta de los Colegiales ,para integrarse como trompetista junto con Estela a la orquesta de Raúl Fortunato.Por ese año Estela también grabó otros temas como " Canario triste " junto a Bob Sullivan y "Que se yo " con Ricardo Romero ,quien también grabó el tema "Me lo dijo Adela" . Entre otros temas de esta época de Estela destacaron "Ave Maria no Morro","Estambul" "Tristeza del Herrero ", "El trencito ", "Canario Rojo (con la orquesta de Luis Gouvea y sus Kings Serenaders). En 1955 Estela fué premiada como la mejor cantante de Jazz del año por su labor con la orquesta de Fortunato, dejando registrados con el temas como "Señor Arenero ", "chi chi chi ", "Las lavanderas de Portugal ", "Mis manos ", "Es pecado mentir " y junto con Ricardo Romero "Cosita buena " y "El aguacero ". Ambos alternaban los trabajos en la orquesta con presentaciones como numero vivo en los intervalos del cine "Metro",llegando a ser muy reconocidos en el ambiente artistico.



En ese mismo año pasaron a integrar la orquesta del trompetista Tullio Gallo, formando luego con este mismo y el trombotista Jorge Pataro el cuarteto vocal "Los 4 Bemoles ",grabando algunos temas para la Columbia Argentina y realizando una gira por los países limítrofes ,luego Pataro seria reemplazado por Amado Brancolini. Entre los éxitos con este conjunto se recuerdan " Dos Pimpollos ", "Marcelino ", "Quiero un hipopotamo para Navidad "," Isla de capri ", " Bésame ", " Muchachita de Portugal "," Buen dia tristeza ", " Rock mambo " y una nueva versión de "Ave Maria no morro". Como solista Estela también grabó algunos temas con el maestro Lucio Milena como "....". Ricardo Romero siempre se dijo "He tenido la suerte de casarme con una mujer que posee una hermosa voz , es como una bella pintura a la que agregandole el marco adecuado haria de ella un hermoso cuadro "... Al regreso de la gira con "Los 4 Bemoles ',paseando por las calles de Buenos Aires divisaron frente a ellos un enorme cartel que anunciaba la presentacion de "Los Platters " ( Los Plateros ) en Buenos Aires lo que sirvió de inspiración para llegar al numero exacto y formar el grupo vocal latinoamericano mas famoso de todos los tiempos "LOS CINCO LATINOS ", con ellos Estela y Ricardo verian cristalizados todos sus sueños de cantarle al mundo , lo demás es otra historia ...Fuente web de Estela Raval

Juan Jose Mosalini

Juan Jose Mosalini

Juan Jose Mosalini y su Quinteto

Nacido en Buenos Aires , Argentina, en 1943 de una familia de artesanos apasionadamente músicos, Juan Jose Mosalini se inicia al bandoneon a partir de la edad de 8 años impregnandose , gracias a su padre de la tradicion de la música popular de Argentina. Se convierte en musico profesional a los 17 años , obteniendo el primer premio de un concurso « Nace una estrella » de la television, canal 13 de Buenos Aires.
Forma parte de varias orquestas : Jorge Dragone, Leopoldo Federico,Jose Baso, Horacio Salgan, Osvaldo Pugliese,Astor Piazzolla, entre otras y acompaña a cantantes como : Edmundo Rivero, Roberto Goyeneche, Susana Rinaldi. Durante la decada del 70 funda el Quinteto Guardia Nueva, e integra el conjunto Generacion Cero, dirigido por R. Mederos. Integra el grupo ALAS y graba ba con el Cantante Espinetta, todas estas experiencias forman parte de un moviemiento de música popular de vanguardia.
En 1977 se instala en Francia que elige como su nueva patria musical. Junto a otros músicos argentinos como Gustavo Beytelmann, Thomas Gubitch, Enzo Gieco, entre otros, forma el grupo TIEMPO ARGENTINO ; Calurosamente acogido por la prensa , este grupo participa en numerosas giras europeas y se producen en teatros parisienses como el Palacio de las artes y el Olympia.
En 1978 prosigue sus investigaciones innovadoras grabando un disco de bandoneon solo. Verdadero dialogo entre el musico y su instrumento sabiendo reunir poesia y virtuosidad ; con un prologo de Julio Cortazar, grabado por el mismo. Logra la unanimidad de la critica y consagra a Mosalini en el medio artistico.
En 1980 funda un nuevo conjunto « CANYENGUE » con el que graba dos temas para la edicion HEXAGONE
En 1982, se crea el celebre trio MOSALINI-BEYTELMANN-CARATINI (Bandoneon, piano y contrabajo) el cual grabara tres C.D. LA BORDONA, IMAGENES, y VIOLENTO .
En 1984 participa en el WORLD Music Reunion en BADEN BADEN (Alemania) como representante de Argentina, dejando como testimonio una grabacion.
Juan Jose Mosalini compone musicas de peliculas, entre otras : « DOUBLE FACE », « LE QUATRIEME POUVOIR » de Serge Leroy, « LE GENIE DU FAUX » cuatro episodios para France 2 y « CŒUR DE MARBRE » de Stephane Kurc.
En 1988 Mosalini dirige una colección de bandoneon a pedido de ediciones Henry Lemoine.
En 1989 crea el primer curso de bandoneon en la escuela Nacional de musica de Gennevilliers donde es profesor desde entonces.
Compone con Enzo Gieco y Atahualpa Yupanqui la cantata « LA PALABRA SAGRADA » para coro de adultos, coro de niños , dos cantantes solistas y orquesta, creada para festejar el bicentenario de la revolucion francesa.
En 1992 crea la gran orquesta de tango con la cual actua desde entonces en todo el mundo. Con dicha formacion graba dos C.D. « BORDONEO Y 900 » y « CIUDAD TRISTE». Edita su segundo C.D. de bandoneon solo « CHE BANDONEON »
Compone la musica de PARIS TANGO poema coral con un libreto de Horacio Ferrer, y se estrena en Paris con la coral VITTORIA dirigida por Michel Piquemal.
Su pasion con la musica en todas sus formas lo ha hecho acercarse tambien a los músicos clasicos para hacer descubrir el lenguaje del tango, tanto a orquestas sinfonicas como a otro tipo de formaciones ; Mosalini toco como solista junto al cuarteto Enesco, la orquesta de Picardia, la orquesta nacional de Lille, La orquesta nacional de Bordeaux, la orquesta de Hong Kong , orquesta sinfonica de Munich, entre otras. Graba con la orquesta de Bass Normandie un album con el guitarrista Leonardo Sánchez y estrena su obra titulada « FANTASIAS CAMPERAS Y URBANAS». Durante el festival de tango del Palais Chaillot de paris recibe la medalle de la ciudad de Buenos Aires en reconocimiento a su trabajo y la difusion de la música argentina en todo el mundo.
Recientemente grabo un C.D. para el label mañana , con el Cuarteto de cuerdas Benaim. Se titula « CLASICO Y MODERNO », sobre composiciones originales de Gustavo Beytelmann. Fuente web de Juan Jose Mosalini