Esta pagina ha sido creada para difundir y hacer conocer nuestra música ciudadana "El TANGO" y sus artistas.
Compartimos el lugar con otros géneros, debido a que toda la música es arte, placer y ......
Aquellos que gusten de estos últimos y no conozcan el Tango, lo descubrirán y posiblemente lo empezaran a disfrutar.
sábado, 15 de agosto de 2009
Clara Nunes
Francisca Clara Nunes Pinheiro, más conocida simplemente como Clara Nunes (Caetanópolis - 12 de agosto de 1943; Río de Janeiro - 2 de abril de 1983) , fue una cantante de samba brasileña, considerada uno de los más grandes intérpretes de su país. Investigadora de la música popular brasileña, los ritmos y el folclore, también viajó varias veces a África. Conocedora de las danzas y las tradiciones afro-brasileñas, que se ha convertido en la Umbanda. Clara Nunes fue una de los cantantes más graves de las canciones Portela, su escuela de samba favorita. Fue la primera cantante brasileña a vender más de 100 mil copias, pasando un tabú según el cual las mujeres no venden discos. Ella sigue siendo una de las más populares y querida interprete musical en Brasil.
Clara fue una talentosa cuando decidió competir en un concurso de música, que se ubico en el tercer lugar en la final celebrada en São Paulo en 1959. Ella tiene un día de trabajo en una estación de radio en Belo Horizonte y cantó en clubes nocturnos. En 1965, Clara se mudó a Río de Janeiro, grabando una mezcla de boleros y canciones de samba en su primer álbum.
Después de unos discos con una variedad de estilos, firmó su nombre como cantante de samba en el decenio de 1970 y se hizo más conocido. En 1974, Clara tuvo un éxito con la samba "Conto de Areia" y su álbum vendió alrededor de 300 mil copias. Se trata de un notable número, entonces, esto ayudo y estimulando a las empresas a invertir en otras mujeres que interpretaban de samba, como Alcione y Beth Carvalho. En 1975, recorrió Europa.
Los siguientes álbumes de su transformado en uno de los "tres reinas de samba" de su tiempo, junto con los dos mencionados músicos. En la segunda mitad de la década, se pondría en venta un álbum cada año, todas ellos se venden bien histórico y con temas como "Juízo Final", "Corazón Leviano" y "Morena de Angola". Otros éxitos de su calle se "Você Passa E Eu Acho Graça", "E Baiana", "Ilu Aye - Terra da Vida", "Tristeza, Pé no Chão", "A Deusa dos Orixás", "Macunaíma", "O marzo Serenou "," Como Fuerzas da Natureza "," Guerreira "," Feira de Mangaio "," Portela na Avenida "y" Nação ".
Clara fue también famosa por canciones elaborado a los ritmos de la Umbanda, la religión afro-brasileña, y por su trajes típicos, como siempre vestidos de blanco y llevaba un montón de collares de perlas de África
Después de una mal-lograda cirugía para corregir las venas varicosas, Clara murió prematuramente en abril de 1983, causando conmoción popular Fuente Wikipedia en Ingles.
jueves, 13 de agosto de 2009
José Cura
Mundialmente aclamado por sus intensas y originales interpretaciones de personajes de opera, especialmente por Otello de Verdi y Samson de Saint-Saëns, así como por sus poco convencionales e innovadoras actuaciones en concierto, José Cura es el primer artista en haber cantado y dirigido de forma simultánea (tanto en concierto como en grabaciones) y el primero en combinar interpretaciones de canto y sinfónicas en un concierto con formato "mitad y mitad".
Cura hizo historia operística cuando, tras dirigir Cavalleria Rusticana, salió al escenario a cantar Canio de Pagliacci en la Opera de Hamburgo en febrero del 2003. Actor convincente e intérprete escénico carismático, Cura ha figurado en numerosas emisiones televisivas de opera y de conciertos en salas de todo el mundo.
Dotado de una rica y pulida voz de tenor y de una fascinante presencia escénica, José Cura ha entusiasmado audiencias desde su irrupción en la escena musical internacional. Sus inteligentes, perspicaces y algunas veces controvertidas aunque siempre intensas e inolvidables interpretaciones, le han supuesto ser nombre habitual en la marquesina de los teatros más prestigiosos del mundo, incluyendo Metropolitan Opera, Royal Opera House, Vienna State Opera, Grand Teatro Liceu, Zurich Opera House y Teatro alla Scala.
En el 2007 José Cura se ha acercado a la dirección de escena presentando el estreno mundial de La commedia è finita, un meta-espectáculo de ópera, prosa y danza para el cuál ha también realizado la escenografía. Después del gran éxito obtenido, sigue con su carrera de director y escenógrafo estrenando Un ballo in maschera de Verdi en el teatro de Opera de Colonia (2008) tras el cual llevará al escenario tres de los pilares de su repertorio: el Samson et Dalila previsto para el 2010, el Tríptico de Puccini para la Opera de Nancy y el díctico Cavalleria Rusticana / Pagliacci para el 2011.
Pero Cura es mucho más que una superestrella. Es un compositor y director cualificado, un intérprete brillante y un showman natural empeñ ado en hacer la mejor música para comprometer, entretener y educar. Sus conciertos, ya sean al aire libre frente a miles o en el entorno más íntimo de un music hall, presentan un fusión Fuente: Web de Jose Cura
miércoles, 12 de agosto de 2009
Romeo Gavioli
GAVIOLI, Romeo. Músico. Violinista. Cantor. Director. Compositor. Nació en Montevideo, barrio de La Comercial, en 1912. Se destacó, desde su extrema niñez, por las aptitudes para el canto que muy luego le permitirían crear un estilo inconfundible.
Formó parte de los coros de la iglesia de La Merced, en tanto cursaba estudios de violín con el maestro Américo Pioli. En 1926, juntamente con Mario Orrico (violín) y Guillermo Aguirre (batería) formó el conjunto Los Bemoles al que se agregaron, posteriormente, sus hermanos Lidia (pianista) y Rolando (bandoneonista). Junto con Orrico, en 1929, ingresó a la orquesta de Juan Bauer.
Alternando su labor artística de canto y de violín, actuó con Lalo Etchegoncelay y Freddy en el trío Los Carves, integrando el cual se presentó también en Buenos Aires desde setiembre de 1933. Ese mismo año, para tocar en Radio Montevideo, formó la orquesta Gavioli-Lalo, compartiendo su dirección con Etchegoncelay; fue vocalista de la orquesta de Edgardo Donato como "Romeo Gavio", grabando para tos discos Odeón numerosas placas. De regreso a Montevideo formó nuevamente su orquesta, ahora como único cartel actuando en teatros, emisoras, en giras y registrando sus realizaciones para el sello Sondor. Distinguido dirigente gremial, contribuyó en 1946 a la fundación de la Sociedad Uruguaya de Intérpretes (SUDEI). Compuso además los tangos Dame corazón, María del Carmen y Mí Montevideo entre otros, alcanzando singulares sucesos con su serie de "candombes". En la plenitud de su carrera, se quitó la vida el 17 de abril de 1957.
Por Horacio Ferrer
martes, 11 de agosto de 2009
Claudio Villa
Claudio Villa traduccion automatica del Italiano al Español
Claudio Villa, alias Claudio Pica (Roma, 1 de enero de 1926 - Padua, 7 de febrero de 1987) fue un cantante y actor italiano. Fue apodado El reccio, por su temperamento fuerte y orgulloso
Trasteverino della Lungara Street (la calle donde la cárcel romana de Regina Coeli) y muy caro ciudades all'anima populares, (en los años 50 vivió en Tittoni Angel (siempre en Trastevere), luego fue capaz de comprar, tan pronto como le permitieron sus finanzas, un nuevo apartamento en Monteverde en Folco Portinari.Di modesta familia, el padre era un cochero, su madre (el "Sora Ulpia") ama de casa, tiene junto con Domenico Modugno récord de victorias en el Festival Sanremo en 1955, con tristeza Buongiorno, 1957, con las cuerdas de mi guitarra, de 1962, con Adiós, adiós ..., y 1967, con No me crees
La primera Canoro en que el ganador con la canción "Chitarratella" un gran éxito de Carlo Buti, Claudio que le siguió. Es el mismo que Claudio se ha declarado en repetidas ocasiones que Buti era su ídolo. El reuccio en su carrera, ha grabado muchas canciones que forman parte del repertorio butiano.
En 1946, participó por primera vez, algunos locales de radio de la RAI de Roma.
En 1947, para el sello Parlophone, teniendo su primer álbum que contiene "Serenatella dulce y amarga" y "Canzoncella". 78 vueltas C-8134 es uno de los más buscados por los coleccionistas.
En 1952 se casó con la actriz Miranda Bonansea que le dará el primer hijo Mauro, el matrimonio no después de 10 años.
En 1952, interpreta "Serenata amara", su primer actuacion en cine, dirigida por Pino Mercanti. En su carrera como actor cuenta con unas treintena de películas: casi todo el mundo, sólo una excusa para cantar o ejecuciones. Las películas van desde la commedia italiano (El agujero de la banda, la Fontana di Trevi) a las historias de amor strappalacrime (canción prohibida, Primera aplausos).
El papel que más le gustaba, era que el artista Mario Valli, jugado en "Adiós Granada" (1966) por Marino Girolami. Las dos últimas películas de Claudio Villa fueron directas, en fin, de Maurizio Costanzo, (la única prueba de su película) y Renzo Arbore.
En 1962 participa con Despedida Despedida all'Eurofestival clasificado como noveno en 1967 con No vaya más lejos llega undécimo en la misma competencia.
También ganó dos ediciones de Canzonissima en 1964 con "O sole mio y con Granada en 1966 y en 1963 el Festival di Napoli con Jammo JA" con María de París, mientras que en 1965 es semifinalista en su segundo año de un disco para el verano con Sifolina , una de sus canciones menos conocidas, sino también para la Exposición Internacional de Música de Venecia luz unos meses más tarde.
En 1966 el nacimiento de una hija, Manuela, de una relación con la bailarína y Noemí Garofalo, de la que tuvo 6 años antes de que otro hijo, también llamado Claudio. El cantante no reconocio jamás a estos niños fuera del matrimonio. Manuela Garofalo, que más tarde se convirtió en la cantante con el nombre de arte Villa Manuela, sólo después de su muerte el nombre de Pica, el verdadero apellido de Claudio Villa despues de una acción legal para actuar y demostrar su paternidad.
Claudio Villa, con una voz de tenor del molde, no se renovará después de esa hora en el registro para cambiar los tiempos y las modas. En particular, seguirá estando para siempre ligada a la canción más melódica del molde típico y popular en la década del'50. Son casi la proverbial amargos enfrentamientos con los que criticó a su repertorio. Cada año el Festival de Sanremo en escena una flagrante cierta polémica con la organización y la prensa, tanto si se encontraban entre los participantes, sean excluidos. Claudio Villa, pero siempre puede contar sull'affetto de la gran opinión pública, que siguieron cada movimiento de su carrera. Sus conciertos siempre tuvo el todos contra todos.
En 1973 fue anfitrión de "Dove sta Zaza", programa presentado por el famoso Enrico Montesano y Gabriella Ferri. Con el cantante romano, su gran admirador y amigo, interpeta a pesar de la Starling, se mantuvo en la historia de la canción y la televisión italiana.
Fundada en 1976 en Roma y su hijo Mauro, una radio privada, Radio Sidney, y lleva a cabo personalmente por varios años un programa denominado Socialmente por Claudio Villa.
En 1980, Rai, tiene un gran programa para el éxito: Concerto Italiano, una serie de actuaciones en directo que recorre la historia de la canción y su éxito. La orquesta está dirigida por el maestro Ciangherotti. El símbolo del programa es "Cuando es el momento para el amor".
En 1981, tras una redada ordenada por el magistrado Gherardo Colombo y Giuliano Turone en "Villa Wanda" de Licio Gelli, se encontró una lista de la P2. Entre los 932 inscritos, estaba el nombre de Claudio Villa.
Es interesante observar que incluso Claudio Villa, además de rivales Tajoli Luciano, interpretado en los años 50 cientos de canciones caído en el olvido, pero un gran interés entre los que cabe destacar: "El Puente" "La luna en el río" y "Fontane Romane "grabado en la etiqueta de Vis Radio.
Claudio Villa inicialmente bajo la dirección del Maestro Vigil Piubeni el acta labrada Carisch varios discos para el sello Parlophone / Carisch y luego, después de algunos años, grabado como otros éxitos "Luna Rossa" o "retorno" a la etiqueta de Vis radio; successivamenteClaudio Villa cortar el disco a su CETRA (que más tarde se convirtió en Fonit-CETRA).
El anuncio de su muerte en Padua, donde había ido a trabajar para llegar al corazón, ya que es en directo por televisión por Pippo Baudo, durante la última noche del Festival de Sanremo en 1987, causando gran conmoción entre los presentes.
Su cuerpo fue cremado y sus cenizas se depositan en el cementerio de San Sebastián Rocca di Papa
En 2007, durante veinte años de su muerte, en Roma, está organizado, un gran evento (Viva Villa), con numerosos invitados, entre ellos, e incluso Gianni Morandi Gigi Proietti. Fuente Wikipedia en Italiano
lunes, 10 de agosto de 2009
Angel Dominguez
DOMÍNGUEZ, Angel Adolfo. Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Arreglador.
Nació en Buenos Aires —barriada de San Telmo— el 15 de setiembre de 1918.
Inició sus estudios de bandoneón con Alejandro Scarpino, cursando, más tarde, armonía con Roberto Peppe. Sus comienzos profesionales tuvieron lugar, a los catorce años de edad, en la orquesta de Antonio Polito, colaborando luego con Ángel D'Agostino, Osvaldo Pugliese, Elvino Vardaro, Joaquín Mora, Pedro Laurenz, Florindo Sassone, Francini-Pontier, Alberto Mancione, Astor Piazzolla y Osvaldo Manzi. Formó su propia orquesta en 1952, para acompañar al cantor Roberto Chanel en Radio Belgrano y Tango Bar, grabando para Victor, además, varias versiones instrumentales de buen estilo, El monito y Pimienta, entre ellas. Continuó después como director independiente con los vocalistas Alberto Rial y Carlos Almagro. Desde 1964, se desempeñó como director de acompañamientos orquestales de Radio Splendid, secundando luego la labor del solista Carlos Maidana. Condujo en 1966 el marco instrumental para los cantores y las cancionistas del II Festival de Música Popular realizado en la localidad de Bara dero. Tomó parte, asimismo, en los programas de televisión Nuestro Tango es Así, ¿o no?, protagonizados por el actor Ángel Magaña. Compositor de los tangos Firulietear de bandoneón (su primera obra estrenada y grabada por Pedro Laurenz), Como tú, Coralí, Santa mía, Llámame, Por qué te quiero así, Vermouth de tango, Yupanki, Cinta azul y Ahí va ja yapa —instrumental éste grabado por la orquesta de Florindo Sassone—. Falleció el 13 de setiembre de 1974 Fuente Horacio Ferrer
Roberto Chanel
Roberto Chanel
Alberto Moran, Osvaldo Pugliese al piano y Roberto Chanel con guitarra-1946
Osvaldo Pugliese, con los cantores de su orquesta Roberto Chanel (izq.) y Alberto Moran (der.)-1946CHANEL, Roberto. Cantor. Director. Compositor. (26 de noviembre de 1914 - 24 de julio de 1972)
Nombre real: Alfredo Mazzocchi, Apodo: El Turco
Nació en Buenos Aires en el barrio de Mataderos. Cumplió sus primeras actuaciones en 1937, por Radio París, y en 1939 por Radio Splendid. Alcanzó su consagración como vocalista de la orquesta de Osvaldo Pugliese. Intérprete vinculado por modalidad y por vibrato abierto al estilo de Agustín Magaldi, tuvo su fuerte en las milongas de corte lunfardesco como Tortazos, Andá que te Cure Lola, cultivando también con acierto páginas del repertorio sentimental: Farol, El día de tu ausencia, Yo te bendigo, grabadas todas con el mencionado conjunto para el sello Odeón, entre 1944 y 1948. Pasó entonces a la orquesta de Florindo Sassone, registrando esta vez sus versiones para Victor: Junada y Mano cruel se contaron entre las más difundidas. Formó luego su propia agrupación, con dirección orquestal y arreglos a cargo de Angel Domínguez; grabó a la sazón para Victor su éxito de compositor: Oración rante. Posteriormente cantó secundado por el conjunto de Oscar Castagniaro e integró como vocalista la orquesta de Joaquín Do Reyes. Corrientes bajo cero, A baraja, Hoy la espero a la salida, Mambo, Escuchame Manón, son otras páginas suyas.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus invitados
domingo, 9 de agosto de 2009
Chavela Vargas
Isabel Vargas Lizano (San Joaquín de Flores-Costa Rica, 17 de abril de 1919) es una cantante nacida en Costa Rica de nacionalidad mexicana, país en el cual ha residido por más de siete décadas, que es conocida artísticamente como Chavela Vargas.
La canción ranchera es un género musical muy masculino y sensual, cantado generalmente por hombres. Chavela solía cantar canciones normalmente interpretadas por hombres sobre su deseo por las mujeres. Vestía como un hombre, fumaba tabaco, bebía mucho, llevaba pistola y era reconocida por su característico poncho rojo. En una entrevista para la televisión colombiana en el año 2000, expresó abiertamente que era lesbiana.
Chavela Vargas huyó a México cuando tenía 17 años y posteriormente adoptó la nacionalidad mexicana. Durante muchos años cantó en las calles hasta que a los treinta se hizo cantante profesional, de la mano de José Alfredo Jiménez, cantante y compositor de sus mayores éxitos.
Su primer álbum fue publicado en 1961 y desde entonces ha grabado más de ochenta discos[cita requerida]. Se retiró a finales de los años setenta y regresó en 1991.
Apareció en la película de Julie Taymor Frida, cantando sus grandes clásicos "La Llorona" y Paloma negra. En 2003, a la edad de 83 años, se presentó en el Carnegie Hall.
También apareció en Babel, la película de Alejandro González Iñárritu, cantando "Tú Me Acostumbraste", inmortal bolero de Frank Domínguez.
Actualmente vive con su pareja en su casa en una playa de la península de Nicoya, pacifico central costarricense y también en México, donde tiene muchos amigos intelectuales, periodistas y del medio cultural y artístico de la República Mexicana.
Durante 2009, con motivo de su 90 aniversario, el Gobierno de la Ciudad de México le rindió un sentido homenaje nombrándola ciudadana distinguida. A este evento concurrieron, de manera presencial y a través de video, multiples personalidades del ámbito artístico, cultural y periodístico de Iberoamérica, entre los que se cuentan la cantautora Julieta Venegas, la interprete Eugenia León, el escritor Carlos Monsivaís, la periodista Carmen Aristegui y sus entrañables amigos Joaquín Sabina y Pedro Almodovar.
Aparece inmortalizada en la canción "Por el bulevar de los sueños rotos" de Joaquín Sabina y Álvaro Urquijo. Fuente Wikipedia
sábado, 8 de agosto de 2009
Arminda Canteros
La celebrada pianista argentina Arminda Canteros falleció en 2002 y, aunque su legado discográfico es reducido, tuvo una considerable reputación en su época . En 1989 realizó su grabación más famosa, Tangos de la Vieja Guardia y de Vanguardia, que escuché por casualidad! Como tenía muy pocas referencias acerca de la pianista, contacté a Estela Telerman, que (citándola) me dijo "fue una pianista virtuosa a nivel mundial que tuvo una gran cantidad de alumnos de música, pero le encantaba tocar tango (verdadero tango). Cuando la contrataron para tocar tangos por radio, como no era bien considerado que una joven pianista clásica en la Argentina de los treinta tocara tango, usó un seudónimo para la transmisión de sus programas radiales: Juáncho. El público estaba fascinado con sus interpretaciones. Pero por desgracia, en la década del cincuenta Arminda Canteros tuvo un accidente de auto que la llevó al borde de la muerte. Sin embargo, veinte años más tarde, después de una milagrosa recuperación, Eduardo Delgado, ex alumno suyo y ahora profesor, la convenció que se mudara a Nueva York. Desde allí no quedaba más que un paso hasta el estudio de grabación de la Universidad McGill, responsable de lo cual fue otro ex alumno suyo: Alcides Lanza. Allí registró este maravilloso álbum, en el cual ejecutó sus propios arreglos de los tangos que había tocado durante años, incluyendo cuatro tangos de Piazzolla. Nuevamente citando a Estela :"Si uno escucha el ritmo feroz de su mano izquierda nunca se imaginaría que es una señora de 78 años la que está tocando" Fuente: Foros Tangueros http://tangueros.mforos.com
miércoles, 5 de agosto de 2009
Antonio Aguilar
Pascual Antonio Aguilar Barraza (17 de mayo de 1919 – 20 de junio de 2007). Fue un actor, cantante, productor, guionista y jinete experto mexicano. Su discografía sobrepasa los 160 álbumes con ventas de más de 25 millones de copias. Al despuntar la década de los cincuenta debutó como actor en el cine, al tiempo que se inició como cantante, faceta de su carrera que se extiende hasta los primeros años del 2000. De sencillo trato, Antonio Aguilar esconsiderado ya una leyenda de la música popular mexicana, y el último entre los grandes Iconos y figuras como Pedro Infante, José Alfredo Jiménez, Jorge Negrete entre otros. Actuó en 167 películas y ha recorrido el mundo junto a su esposa Flor Silvestre y sus hijos Antonio Aguilar Jr y Pepe Aguilar. Es reconocido como la persona que introdujo el deporte mexicano de la Charrería a audiencias internacionales y es por esto que lo apodan El Charro de México.
Pascual Antonio Aguilar Barraza nació el 17 de mayo de 1919 en la ciudad de Villanueva, Zacatecas. En su infancia vivió en una hacienda (de Tayahua), adquirida por sus ancestros a principios del siglo XIX. La hacienda, conocida com La Casa Grande de Tayahua, fue construida en 1596. Su madre, María de los Ángeles Barraza, cantaba en una iglesia en Villanueva (Zacatecas) y es ella a quien atribuye Antonio su vocación por el canto. Su padre fue Jesús Aguilar. Mariano, un tio de Antonio, intentó pagarle la carrera de aviación en Nueva York pero éste le retiró su apoyo al enterarse que cambió su carrera por una beca para cantantes en La Gran Manzana (Nueva York). Fue a Hollywood para estudiar canto de 1940 a 1941 y cuando empezó a trabajar en Tijuana, ganaba a la semana 12 dólares. Regresó a la Ciudad de México en 1945 y, desde entonces, siguió estudiando canto, de tal manera que podía interpretar lo mismo canciones del género popular que operístico. Al principio empezó cantando boleros pero después se cambió al traje de charro cuando en Puerto Rico le sugirieron que cantara la música del campo.
Recibió del Bachiller Álvaro Gálvez la oportunidad de cantar en la XEW en julio de 1950, y a partir de ahí empezó a despuntar como estrella. En los inicios de la televisión hizo para el Canal 2 el programa Música a Bordo. (¿Quién es quién?. Por Carlos Haro. Revista de Revistas, No. 2284, 20 de diciembre de 1953, P. 78)
Incursionó en el cine, en pequeños papeles. En 1952, obtuvo su primera parte importante, en El casto Susano; en 1953 fue contratado como actor exclusivo de Filmex: “Diez películas lleva hechas Antonio Aguilar, entre ellas dos coestelares Un rincón cerca del cielo (1952) y Ahora soy rico (1952); las demás estelares” (Del seminario al set. Por Clara Montes. México Cinema, No. 95, 15 de enero de 1953, PP. 14–16)
En 1956 recibió su primera oportunidad estelar, en Tierra de hombres, de Ismael Rodríguez. En su trayectoria, destacaron sus múltiples comedias rancheras y su reiterada caracterización de personajes populares e históricos, como Heraclio Bernal, Pánfilo Natera, Benjamín Argumedo, Emiliano Zapata, Felipe Carrillo Puerto, Gabino Barrera y Lucio Vázquez. Igualmente, resaltó su interés, por dar la oportunidad a realizadores y temas poco convencionales o alejados de la vena puramente comercial.
Desde mediados de los años sesenta fue argumentista y guionista, y produjo un número importante de cintas, entre ellas varias de las que fue protagonista.
De enorme fama como cantante, tanto en México como en muchos sitios del continente americano, también realizó múltiples presentaciones de su espectáculo ecuestre, acompañado de su esposa, Flor Silvestre, y de sus vástagos, quienes ya incursionaron en el cine al lado de su padre.
Como actor se cuentan títulos como: Ahora soy rico (1952), La cama de piedra (1957), La cucaracha (1958), Ahí vienen los Argumedo (1961), Los hermanos del Hierro (1961), El Alazán y el Rosillo (1964), Peregrina / El asesinato de Carrillo Puerto (1973), Albur de amor (1979) y Astucia (1985).
Dentro de la veintena de filmes que produjo se encuentran: El ojo de vidrio (1967), Volver, volver, volver (1975), Benjamín Argumedo / El rebelde (1978), Los triunfadores (1978), Los gemelos alborotados (1981), Noche de carnaval (1981), El tonto que hacía milagros (1982), Lamberto Quintero (1987), Triste recuerdo (1990) y La güera Chabela (1992).
Actualmente Antonio Aguilar es el único hispano en llenar el Madison Square Garden de Nueva York en seis noches consecutivas
Los padres de Antonio, Ángela Barraza y Jesús Aguilar, tuvieron otros seis hijos: José Roque, Salvador, Guadalupe, Luis Tomás, Mariano y Josefina. Antonio se casó con la también actriz y cantante Flor Silvestre (Guillermina Jiménez), y su hijo menor, José "Pepe" Aguilar, es uno de los cantantes más populares en México y ganador de un Grammy (música México-Americana). El hermano mayor de Pepe, Antonio Jr., también es destacado cantante y excelente jinete. Josefina, la hermana de Antonio, es madre de la cantante Guadalupe Pineda.Fuente Wikipedia
martes, 4 de agosto de 2009
Alberto Castillo
Alberto Castillo con Francisco Canaro
Alberto Castillo
Alberto Castillo
Orquesta Ricardo Tanturi con Alberto Castillo
Alberto CastilloCASTILLO, Alberto. (Nombre de familia: Alberto De Luca). Cantor. Actor. Nació en Buenos Aires en el barrio de Mataderos,el 7 de diciembre de 1914. Cursó sus estudios en la Facultad de Medicina de Buenos Aires, obteniendo en 1942 su grado de médico especialista en ginecología. Durante la etapa de practicante del hospital Alvear, ya había manifestado su vocación por el canto, en el cual fue alentado por distintos artistas, Juan Carlos Cobián, Vicente Martínez Cuitiño y Carlos Roldán, entre ellos.
Cantó en 1934, con Armando Neira; en 1935,con Augusto Berto; en 1937, con Mariano Rodas. En 1938, durante una fiesta estudiantil que fue animada por la orquestatípica Los Indios, de Ricardo Tanturi sus compañeros le pidieron que cantara con ésta. Ingresó al conjunto en 1939, llamando inmediatamente la atención su manera novedosa de interpretar el tango, a la que unía, en lo musical, una perfecta afinación. Su primer disco el vals Recuerdo grabado el 8 de enero de 1941. Noches de Colón, A otra cosa, che pebeta, Tango, Madame Ivonne, Así se baila el tango —también grabó en discos Víctor— expresaron, entre otras versiones suyas con Tanturi, el advenimiento de un vocalista distinto. En 1944, se independizó confiando la dirección de su acompañamiento al violinista y arreglador Emilio Balcarce. A éste lo sucedió en tal responsabilidad Enrique Alessio, permaneciendo luego y durante muchos años, como director de su orquesta el también bandoneonista Ángel Condercuri. Realizó, en distintos momentos de su trayectoria giras por el sur y centro y el norte de América, temporadas teatrales y varias películas: Adiós, Pampa Mía (dir.:Manuel Romero, 1946), El Tango Vuelve a París (dir.: Romero, 1948), Un Tropezón Cualquiera da en la Vida (dir.: Romero 1959), Alma de Bohemio (dir.: Julio Saraceni), Por Cuatro Días Locos (dir.: Saraceni, 1954). Su"slogan" artístico fue siempre, "el cantor de los cien barrios porteños". Fuente Horacio Ferrer
A los 87 años, falleció ayer el cantante de tangos Alberto Castillo, que se encontraba internado en el Sanatorio Bazterrica de la ciudad de Buenos Aires, a causa de una neumonía, según informaron médicos de la institución. Sus restos eran velados anoche en el Salón Dorado de la Legislatura porteña. Decir que Alberto Castillo tenía un "estilo particularísimo de cantar", o, como esbozó Julián Centeya, "no se parece a ninguna voz" es decir nada. Ningún cantor (ningún intérprete de la música popular) deja de tener su "particular estilo". Eso se dice cuando no se tiene nada que decir. Porque es evidente que cada cual tiene ineludiblemente una voz distinta, un distinto registro, un timbre personal, un modo de frasear o matizar especial. El canto de Castillo se diferencia del de los demás cantantes del tangos (aunque se lo asocie temerariamente por el gracejo burlón, arrabalero y de "cadencias reas" a Rosita Quiroga, Sofía Bozán o Tita Merello) por su modo de expresar las palabras, dando énfasis a los acentos prosódicos, mientras que las sílabas débiles se escondían en la articulación de la frase. Su voz de tenor era vibrante, siempre emocionada y entregada de lleno a cada tema. Pero Castillo nunca gritó, jamás vociferó, aun en los momentos en que expandía su voz con esa cálida unción de los cantantes sentimentales. Castillo desgranaba matices y era clarísimo -como su impecable afinación- en la dicción, detalle que suele escapar a la mayoría de los cantores de tango, y que Goyeneche supo hacer de ella un culto acendrado, dejando así su ejemplo imperecedero. Castillo sostenía que su modo de cantar favorecía a los bailarines: "La gente se mueve gracias a mi modo de cantar", aseguraba. El verdadero nombre de Alberto Castillo era Alberto Salvador De Lucca. Nació el 7 de diciembre de 1914 en el barrio de Mataderos, precisamente en Juan Bautista Alberdi al 4700. Era el quinto hijo de un matrimonio de inmigrantes italianos: Salvador De Lucca y Lucía Di Paola. Se inició en la música de pequeño. En algún tiempo lidió con el violín, pero su pasión era cantar en cuanta oportunidad se le presentaba durante su adolescencia. A los 15, en su barra, lo sorprendió el guitarrista Armando Neira y le propuso llevarlo a su grupo. Allí fue su debut profesional. Su nombre artístico era entonces el de Alberto Dual. Otras veces se hacía llamar Carlos Duval. Cantó en las orquestas de Julio De Caro en el 34, de Augusto Pedro Berto al año siguiente, y en la de Mariano Rodas en 1937. En 1938, dejó la orquesta y se dedicó a estudiar medicina. Pero su pasión musical pudo más y ya un año antes de recibirse ingresó en la Orquesta Típica Los Indios, que dirigía el dentista-pianista Ricardo Tanturi.
Seudónimo definitivo : El 8 de enero de 1941 se publicó el primer disco de Tanturi con el cantor Alberto Castillo, su flamante y definitivo seudónimo, a instancias de Pablo Osvaldo Valle, un hombre de radio. Allí, con el vals "Recuerdos", alcanzó su primer gran éxito. El paréntesis tanguero no le impidió recibirse de ginecólogo y de instalar su consultorio en la casa de sus padres. Por un lado, Alberto Salvador De Lucca atendía a las señoras y, por otra, Alberto Castillo consolidaba su papel de cantor de tangos. La dualidad hizo que muchas de sus pacientes acudieran al consultorio para hacerse atender por el cantor. Pero las tentaciones no pudieron con el artista que llevaba adentro. El 6 de junio de 1945 -disfrutando ya su condición de ídolo- se casó con Ofelia Oneto. Con ella tuvo tres hijos: Alberto Jorge (ginecólogo y obstetra), Viviana Ofelia (veterinaria e ingeniera agrónoma) y Gustavo Alberto (cirujano plástico). Su estilo ya estaba definido: sus movimientos de un lado al otro del escenario, sus inclinaciones frente al micrófono, que manejaba con su mano derecha muy cerca de sus labios, su pañuelo en el bolsillo del saco, el cuello de la camisa desabrochado y la corbata aflojada constituían toda una marca. Castillo se consideraba bien de pueblo y alguna vez tropezó con algún pituco que se ofendía por las letras de los tangos. Así ocurrió que, en 1944, la policía debió interrumpir el tránsito frente al teatro Alvear de la calle Corrientes. En ese tiempo, ya no pertenecía a la orquesta de Tanturi. Su inclinación hacia las expresiones más reas lo acercaron al candombe, junto a bailarines negros, como fue el caso de Charon (Osvaldo Sosa Cordero) que compartió la fama del ídolo. El ritmo estaba en "Siga el baile", el "Baile de los morenos", "El cachivachero" o el escrito por él "Candonga". La capacidad para inventar letras se tradujo en tangos como "Yo soy de la vieja ola", "Muchachos, escuchen", "Cucusita", "Así canta Buenos Aires", "Un regalo del cielo", "A Chirolita", "¡Adónde me quieren llevar!", "Castañuelas", "Cada día canta más", más dos marchas "La perinola" y "Año nuevo".
El cine lo convirtió en actor natural. Su debut fue en 1946 con "Adiós pampa mía". Le siguieron "El tango vuelve a París" (1948) junto a Troilo: "Un tropezón cualquiera da en la vida" (1948), con Virginia Luque, "Alma de bohemio (1948), "La barra de la esquina" (1950), "Buenos Aires mi tierra querida" (1951), "Por cuatro días locos" (1953), "Ritmo, amor y picardía" (1955), "Música, alegría y amor" (1956) y "Luces de candilejas" (1958) en estas tres con la rumbera Amelita Vargas, y "Nubes de humo" (1959). El último éxito de Castillo fue en 1993, cuando grabó "Siga el baile" con Los Auténticos Decadentes, en el disco de la banda "Fiesta monstruo", y se ganó a la muchachada de fin de siglo, tal como lo había logrado con la de los años 40. Habrá que recordar, entre sus temas identificatorios: "Noches de Colón" (1926), grabado en 1941, y "Muñeca Brava (1942) y "Así se baila el tango (1942) con Tanturi; "Los cien barrios porteños", uno de sus clásicos en forma de vals, grabado en 1945 y esgrimido durante toda su carrera, el candombe montevideano "Siga el baile", otro de sus caballitos de batalla, grabado en 1953 para el sello Odeón, que lo volvió a grabar en 1960 y finalmente en el ya mencionado 1993, y "Yo soy de la vieja ola", con letra escrita por el propio Castillo en protesta por la irrupción de la Nueva Ola, grabado en 1959. Fuente René Vargas Vera Diario La nación 24 de Julio de 2002
Alfredo del Rio
Alfredo del Río: Cantor(5 de noviembre de 1932 - 21 de septiembre de 1978)
Nombre real: Alfredo Jesús Pérez
ue una de las voces interesantes del tango, al que quizás llegó una década más tarde -cuando el tango ya iniciaba su etapa declinante- pero su recuerdo permanecerá siempre entre todos aquellos que lo conocimos y gozamos de su compañía. Sus grandes condiciones vocales, su especial sentido interpretativo, su disciplina y responsabilidad en el cuidado de su voz, hicieron de él un gran profesional.
Tuve la suerte de compartir con Alfredo, durante dos años, las clases de vocalización con el querido maestro Digiorgio, en Ciudadela, pero fundamentalmente su amistad.
Fueron inolvidables las noches de la Richmond en los años 1955 y 1956, donde hablábamos mucho de canto, sobre todo de Carlos Gardel, pero también donde me confesara su gran admiración por Agustín Magaldi.
Seguramente, esa era la causa de su estilo "magaldiano", aunque más tanguero. Sus versiones de "Triste destino" y "Disfrazados" certifican esta opinión.
Nació en el barrio de Parque Patricios, en la ciudad de Buenos Aires. Hijo de Eduardo Alfredo Pérez y Aurora Margarita Domínguez. Su padre guitarrero y cantor, no sólo le transmitió su vocación, además lo estimuló, lo acompañó y fue el mayor admirador de Alfredito.
A los 12 años de edad debuta en el histórico café de la calle Boedo "El arco iris", en 1945 continúa en "El parque goal", de la avenida de Mayo. Luego es requerido por el director Miguel Ángel Giordano.
En el año 1948 actúa con la orquesta de Enrique Alessio hasta que éste, en 1950, pasa a integrar como primer bandoneonista la orquesta de Juan D'Arienzo, en reemplazo de Héctor Varela.
A partir de entonces, prosigue su carrera como solista, hasta que el gran Pedro Laurenz, quien reaparece en 1952 con su orquesta, lo convoca, y con él llega al disco por primera vez, para el sello Odeón.
El 25 de junio de 1952, la orquesta graba el instrumental de Juan de Dios Filiberto "Quejas de Bandoneón", y en el acople, "Cuando me entres a fallar", de José María Aguilar y Celedonio Flores, con la voz de Alfredo del Río. Después seguirán: "La gayola" de Rafael Tuegols y Armando Tagini, "Puente Alsina" de Benjamín Tagle Lara y "Nunca es tarde (Todavía estas a tiempo)" de Eduardo Pereyra y Celedonio.
En octubre de 1954 se produce el acontecimiento más importante de su carrera, su incorporación a la orquesta dirigida por "El violín romántico del tango", don Alfredo Gobbi, por la desvinculación del exitoso cantor Jorge Maciel, quien se había pasado a la orquesta de Osvaldo Pugliese. El otro vocalista de Gobbi era otro gran cantor: Tito Landó.
Esta orquesta fue admirada no sólo por sus seguidores, sino también por directores y músicos del tango, como los casos de Aníbal Troilo y Astor Piazzolla, quienes luego del fallecimiento de Gobbi, le dedicaran un tango cada uno, "Milonguero triste", Troilo y "Retrato de Alfredo Gobbi", Piazzolla.
La primera grabación fue en diciembre de 1954 para el sello Víctor, con el tango de Arturo Gallucci y Raúl Hormaza "El hijo cruel". Pero el hecho que marcaría al binomio Gobbi-Del Río, ocurriría al día siguiente, cuando registraron un tema que durante muchos años sería favorito del público y del que se vendieron miles de ejemplares: "Triste destino". Tango muy curioso, con una letra exótica que escapa a la temática común de los tangos y que pertenece a Agustín Magaldi, con la colaboración de su medio hermano Antonio Tello, y que el propio Magaldi, lamentablemente, no alcanzó a llevar al disco.
A partir de este momento, los discos del binomio tienen un gran éxito comercial. Luego vendrán dos obras maravillosas, de dos poetas contemporáneos, de alta sensibilidad y gran calidad poética: "Por una muñeca" de Manuel Barros y la milonga "A mis manos" de Julio Camilloni. Es de destacar que las melodías de esos poemas fueron compuestas por Emilio Balcarce y Alfredo Gobbi respectivamente.
Luego seguirán "Un tango para Chaplin", y en el reverso a dúo con Tito Landó el vals "Que nadie sepa mi sufrir", los tangos "Lágrimas de sangre", "Te estaba esperando", "Sin madre" y a dúo con Landó "Tuya" y el vals "El solitario", siendo este el último tema que graba en esta etapa con Gobbi.
A fines de 1956 es tentado, con un jugoso ofrecimiento económico, por el director Francisco Rotundo, y pasa a integrar su orquesta compartiendo el escenario con Enrique Campos.
Durante su paso con Rotundo dejo grabado para el sello Odeón "Dicha pasada", un tema que estaba olvidado por los intérpretes y que, a partir de esta grabación, comienza a tener nuevamente vigencia en los repertorios de la mayoría de los cantores.
Otros registros fueron : "Destino en flor", "Nunca es tarde" y el tango de Antonio Tello, de gran éxito en la década del ´30 por el gran Agustín Magaldi, "Disfrazados", en donde Alfredo realiza una interpretación memorable de gran calidad vocal.
A mitad de 1957 se desvinculó de Rotundo y junto al bandoneonista Eduardo Rovira, quien a su vez se separa de la orquesta de Gobbi, formaron el rubro Del Río-Rovira. Se presentaron en Radio Splendid y grabaron para el sello Allegro, dejando impreso en el surco los tangos: "Frente a un espejo" y "Yo quería ser feliz", junto al instrumental de Astor Piazzolla "Bando". Lamentablemente, funcionó poco tiempo, en los primeros meses de 1958 se disuelve la formación y Del Río vuelve a la orquesta "de sus amores", a la del querido maestro Gobbi.
Con Tito Landó vuelven a grabar las que serían las últimas piezas de una de las más brillantes orquestas de la historia del tango. Esta despedida se realizó en el sello Orfeo, en abril del 58 donde participa a dúo con Landó en el vals "Mi colegiala" y solo, en el hermoso tango "Dame tiempo", de Alberto Podestá, Cristóbal Ramos y Francisco Yoni. En 1959 Landó abandona la orquesta y entra en su lugar Ángel Díaz, "El paya", quien ya había estado en 1949.
En 1961, Alfredo es requerido por el maestro José Basso, para suplir a Alfredo Belusi. Con Basso graba tres temas, la milonga "Cobrate y dame el vuelto" y los tangos "Una historia más" y "Volver", el otro cantor de Basso era "El Tata" Floreal Ruiz.
Son los tiempos, en que el trabajo del tango comienza a reducirse a pequeños espectáculos, a casas de comida y a algunas giras. Prácticamente desaparecen las grandes orquestas y la actividad de la mayoría de los cantores era escasa.
La crisis también le llegó a Alfredo. Sus actuaciones eran esporádicas. Hasta que el 21 de septiembre de 1978, próximo a cumplir los 46 años, un síncope se lo llevó de este mundo. Dos días antes había realizado la que sería su última actuación en el "Club de los muchachos de Villa Madero", acompañado por el bandoneón de Eduardo Corti y las guitarras de los hermanos Cordone. El último tema que cantó fue la milonga "La duda", del guitarrista y payador Pedro Pombo.
Los temas grabados por Del Río fueron, 15 con Gobbi, 4 con Laurenz, 5 con Rotundo, 3 con Basso y 2 con Rovira.
Abel Palermo
lunes, 3 de agosto de 2009
Duke Ellington
Edward Kennedy "Duke" Ellington, nació en el seno de una familia que nunca pasó necesidades económicas ya que su padre era mayordomo de una casa de gente adinerada y su madre procedía de una familia negra acomodada. Recibió además de una excelente educación burguesa un porte de elegancia aristocrática que llevaría durante toda su vida, de ahí el apodo de "Duke" (Duque) que le pusieron sus amigos. Su educación musical empezó con el piano de su madre y aunque recibe clases de dos profesores, todavía tardaría bastante tiempo en aprender a leer música. En 1919 abandona los estudios de diseño y decoración, decide casarse con con una amiga de la infancia y busca en la música su profesión.
Es en 1921 cuando Duke Ellington, forma su primer y propio grupo con músicos locales al que llamaría "The Duke's Serenaders" primero y luego los famosos "The Washingtonians" con Elmer Snowden, como responsable de la banda. En 1923, deciden dar el salto a New York y la experiencia no es muy positiva pero logran tocar durante algunas semanas en la banda de Wilbur Sweatman, que actuaba en el "Lafayette Theatre". Tras algunas idas y venidas de Washington a la Gran Manzana, consiguen un contrato en el club "Hollywood" donde una noche los escucha tocar Bix Beiderbecke quien observa con gran atención el sonido de la sordina "wa-wa" que producen el trompetista, Bubber Miley y el trombonista, Charlie Irvis. Ese particular sonido sería decisivo en la elaboración del discurso musical de Duke Ellington.
Duke EllingtonEn 1924, con los conocimientos musicales muy perfeccionados, la WHN, una emisora de radio local transmite el show desde el Hollywood club que ahora ha cambiado de nombre y se llama "Kentucky Club". la banda comienza a ser conocida y empiezan a salirle contratos en otras ciudades cercanas a New York. Entre 1924 y 1926 se incorporan a la banda músicos decisivos en la orquesta de Ellington, entre ellos, temporalmente el clarinetista, Sidney Bechet y el saxo barítono, Harry Carney, el primer gran especialista de ese instrumento en la historia del jazz y que permanecerá con Ellington toda su vida. Esta es la orquesta que en 1927, con una sólida formación, bien rodada y con sonido propio, daría el gran salto a la fama cuando fueron contratados para tocar en el "Cotton Club" de Harlem, un local regentado por el gangster, Owney Madden, desde 1923 y que se había puesto de moda en New York hasta el punto que era frecuentado por publico exclusivamente blanco, gente de dinero y de la alta sociedad neoyorquina. Allí estuvo cuatro años y cuando salió en 1931, estaba recubierto de gloria.
Duke EllingtonDuke Ellington con Richard Nixon
Entre 1927 y 1945, después de crear para el jazz el "jungle style" Duke Ellington y su orquesta alcanzan en este periodo la cumbre de su madurez artística y creativa. La orquesta de Duke Ellington en los años cuarenta era sin duda la que poseía los mejores solistas y los instrumentistas mas virtuosos de la época y la revista Down Beat le situó en varias ocasiones por refrendo popular por encima incluso de la de Benny Goodman. Tras el declive de las bigbands, Ellington, fue el único líder de orquesta que nunca disolvió la suya. A falta de contratos pagaba a sus músicos con los dineros ingresados por sus derechos de autor y utilizaba su orquesta para componer con ella y oír su música. Pero algunos de sus solistas se marcharon entre finales de la década de los cuarenta y principios de los cincuenta para iniciar sus carreras en solitario. A la marcha de Ben Webster, Barney Bigard, Tizol y otros, se unió una definitiva en 1951, la de su amigo, Johnny Hodges. La prensa que antes no le escatimaba elogios, anunciaba casi a diario la desaparición de la orquesta.
En 1955 vuelve a la banda Johnny Hodges y Ellington respira aliviado y entran en nomina una serie de músicos que darían todavía mucho juego al sonido Ellington. Entre las incorporaciones mas sonadas, están los saxofonistas, Paul Gonsalves y Jimmy Hamilton, el clarinetista, Russell Procope, el trombonista, Quenti Jackson, y los trompetistas, Cat Anderson y Clark Terry. Con estos músicos y cierto escepticismo, Ellington es invitado a actuar en el Festival de Jazz de Newport de 1956. Lo que pasó aquella noche está escrito en los anales del jazz. Duke Ellington, sacó de su chistera creativa dos temas compuestos en 1937, "Diminuendo in Blue" y "Crescendo in blue" y decidió encima del escenario servirlos unidos, separándolos simplemente con un interludio a cargo de Gonsalves. Y ahí se produjo el milagro. Los arrolladores veintisiete "chorus" seguidos de jazz puro y duro que improvisó el saxofonista, empujado por una rítmica ejemplar le dieron la vuelta al historia. Las sillas volaban por encima de las cabezas de los atónitos y rugientes espectadores y a la mañana siguiente toda la prensa anunciaba en grandes titulares "Ellington ha vuelto"
A partir de ahí comenzaron las giras, los conciertos por todo el mundo, los discos grabados y en los últimos diez años de su vida se dedico a componer suites y conciertos sacros y su vida se apagó cuando el 24 de mayo de 1974 un cáncer terminó con su vida. Ellington ocupa para siempre, el trono de los mas grandes creadores del jazz junto a Louis Armstrong y Charlie Parker, y es sin duda alguna uno de los mas grandes compositores del Siglo XX cualquiera que sea la música que se considere y su legado es una herencia cultural que permanecerá siempre entre nosotros.Fuente apoloybaco



















