Bing Crosby

Bing Crosby

Bing Crosby junto a Dorothy Lamour

Harry Lillis "Bing" Crosby (Tacoma, Washington, 3 de mayo de 1903 - Madrid, 14 de octubre de 1977) fue un cantante (crooner) y actor estadounidense con una carrera artística de medio siglo.

Fue uno de los primeros artistas multimedia. Entre 1934 y 1954, Crosby tuvo un casi imbatible éxito de ventas con sus discos, grandes ratings en las emisoras de radio y películas mundialmente vistas. Es usualmente considerado como uno de los actores musicales más populares de la historia y es actualmente la voz humana más grabada electrónicamente. El prestigio artístico de Crosby es universal, máxime si tenemos en cuenta que fue una de las mayores inspiraciones para otros grandes intérpretes masculinos que lo secundaron, tales como Frank Sinatra, Perry Como, y Dean Martin.

Harry Lillis Crosby nació en Tacoma (Washington) el 3 de mayo de 1903 en una casa construida por su padre (1112 North J Street, Tacoma, Washington). Su familia se mudó a Spokane (Washington) en 1906 con el objetivo de conseguir algún trabajo. Fue el cuarto de siete hijos: cinco hombres, Larry (n. 1895-1975), Everett (n. 1896), Ted (n. 1900), Harry (n. 1903) y Bob (1913-1993); y dos mujeres, Catherine (n. 1905) y Mary Rose (n. 1907). Su padre, Harry Lowe Crosby (1871-1950), era un contable de ascendencia inglesa-estadounidense, y su madre Catherine Harrigan (1873-1964) era hija de un constructor de County Mayo de ascendencia irlandesa-estadounidense. Sus ancestros paternos, Thomas Prence y Patience Brewster, nacieron en Inglaterra y emigraron a los Estados Unidos en el siglo XVII. La familia Brewster arribó al continente en el famoso barco Mayflower.

Bing Crosby no tenía certificado de nacimiento; la fecha, por tanto, fue un secreto hasta que la iglesia católica de su juventud en Tacoma reveló su acta de bautismo que contenía la datación exacta de su nacimiento.

En 1910 Harry Lillis, con seis años de edad, descubrió una página completa en la que aparecía un artículo en la edición dominical del Spokesman-Review, The Bingville Bugle. El Bugle, sección escrita por el humorista Newton Newkirk, era en realidad una parodia que aparecía publicada en dicho periódico. Un vecino de quince años de edad, Valentine Hobart, compartía el entusiasmo de Crosby por estas parodias y llamó al diario Bingo por Bingville. De aquí surgió el apelativo de Crosby: suprimida la última vocal de la palabra Bingo, Crosby adoptó el nombre de Bing.

En el verano de 1917 Crosby trabajó en el Auditorium de Spokane, donde fue testigo de los mejores actos del día, incluyendo una actuación de Al Jolson de quien Crosby diría: «Para mí él fue el mejor artista que ha existido».

En el otoño de 1920, Bing se matriculó en la Universidad jesuita Gonzaga College en Spokane, Washington con la intención de graduarse como abogado. Mantuvo un promedio de notas de B+. Estando en Gonzaga, compró un set de batería por correspondencia. Tras una ardua práctica sus habilidades crecieron manifiestamente y fue invitado a unirse a una banda local compuesta en su mayoría por niños escolares llamada Musicaladers, conducida por Al Rinker. Logró ganar tanto dinero con este trabajo que decidió dejar los estudios durante su último año para dedicarse al mundo del espectáculo.

Aunque parcialmente eclipsado por la fuerza de otros intérpretes, sobre todo por Frank Sinatra, Bing Crosby fue con toda probabilidad la figura más popular e influyente de la música popular a lo largo de toda la primera mitad del siglo XX; sus ventas son multimillonarias y su impacto en otros cantantes, aparte de Sinatra, es indiscutible: Perry Como, Dean Martin, Michael Buble, etc.
Bing Crosby fue, ante todo, una estrella de la radio, a través de la cual se hizo presente en el hogar de millones de estadounidenses materializando una forma nueva de contacto, más íntima, más individualizada, entre el cantante y su público. El uso del novedoso micrófono le permitió amoldar su voz a las letras y no preocuparse de la fuerza como era lo habitual hasta el momento.
La voz de Crosby es cálida y basada en los graves, próxima a la de un barítono, y su forma de interpretar es ligeramente enfática en cuanto al tono. Su repertorio, vinculado sólo ocasionalmente al jazz, incluye temas de musicales, música para películas, country, canciones del oeste, estándares patrióticos, himnos religiosos, baladas étnicas (irlandesas y hawaianas) y, por supuesto, los temas de los grandes compositores estadounidenses: Kern, Porter, Van Hauesn, G. y I. Gershwin...
La novedad que introduce Crosby en sus comienzos está en que, lejos de seguir el patrón rítmico de la música europea, asume las innovaciones del jazz emergente y aporta a la canción popular el sentido del swing.
Crosby admiraba y emulaba a Louis Armstrong, como es evidente en muchas de sus primera grabaciones, como por ejemplo "Just One More Chance" (1931). El 'New Grove Dictionary Of Jazz' describe la deuda de Crosby con Armstrong de forma detallada, aunque no cite explícitamente a Armstrong: "Crosby...fue importante al introducir en la tradición del canto popular un concepto afroamericano de la canción, consistente en entender el canto como una extensión lírica del habla...Sus técnicas -alivio del peso del aliento sobre los acordes vocales, pasar de una voz predominante a una voz de registro bajo, emitir una dicción avanzada para ayudar a una enunciación distinta, cantar sobre las consonantes (una práctica de cantantes negros), y hacer un uso discreto de cualquier forma de enfatizar el texto - fueron emuladas por casi todos los cantantes populares siguientes."
En su madurez, Bing Crosby viajaba a la ciudad de La Paz, Baja California Sur,México. En esa ciudad alternó sus vacaciones familiares con una gran labor social. En Las Cruces, un balneario casi aislado, disfrutó (según sus propias palabras) de algunos de los mejores días de su vida, siempre en compañía de su familia.

Era muy aficionado al golf y falleció inesperadamente, al parecer por un infarto mientras lo practicaba, en La Moraleja, Madrid, España. En 2005, salió una biografía no autorizada escrita por sus hijos, quienes lo pintaban como un mal padre, egoísta, avaro y mezquino Fuente Wikipedia

Miguel Nijensohn

Miguel Nijensohn

NIJENSOHN, Miguel.(1 de diciembre de 1911 - 9 de mayo de 1983) (Nombre de familia: Miguel Nijenshon).
Músico. Pianista. Director. Compositor. Arreglador. Nació en Buenos Aires el 1 de diciembre de 1911. Estudió piano con Scaramuzza y con Tennesoff; cursó armonía y contrapunto con Guardo Gilardi y con Anatole Pietri. Sus comienzos en el tango tuvieron lugar en la orquesta de Roberto Firpo; en 1929 colaboró en la de Roberto Dimas Lourbes; en 1935 además de integrar el conjunto Los Poetas del Tango juntamente con Héctor Artola, Francisco Fiorentino, Antonio Bonano y Antonio Rodio, dirigió su propia orquesta con la que animó los bailables de la boite Lucerna. En 1936 trabajó esporádicamente con Eduardo Ferri, ingresando luego a la orquesta de Miguel Caló como pianista y arreglador, cometidos que volvió a cumplir en este mismo conjunto luego de desvincularse del mismo Osmar Maderna en 1945. Colaboró también con Lucio Demare y en 1955 se independizó tornando a conducir su propia formación, que esta vez registró versiones para el sello Odeón con los cantores Carlos Budini y Alberto Hidalgo, destacándose entre las mismas una valiosa interpretación orquestal del tango de Arnaldo Barsanti, Anastasio el pollo.
Posteriormente fue designado asesor musical de Radio Del Pueblo, cuando esta meritoria emisora dirigida por Antonio Maida consagró lo fundamental de su programación a ias figuras del tango. Participó en 1961 en el Primer Festival de la Canción Argentina en Italia y es compositor de las siguientes páginas: Mentiras piadosas, Caballo de calesita, Castigo, Derrota, La vendedora, Disco rayado, Sol, Decime qué pasó, Viento malo, Quise ser un dios, Vengo a verla, Un desolado corazón, Noche de alcohol, Temor, Me llamo Anselmo Contreras, Yo quiero cantar un tango, en la mayoría de los cuales colaboró en la música con José Nieso. Sus letristas fueron alternativamente, Carlos Marín, Roberto Miró y José María Suñé.
Por Horacio Ferrer
El tango y sus invitados

Elba Berón

Roberto Goyeneche, Elva Beron y Anibal Troilo

Elba Berón en Radio LV8


Elba Berón

BERÓN, Elba.(31 de diciembre de 1930 - 5 de marzo de 1994)
Cancionista. Pertenece a una familia de destacados artistas populares. Si bien se consagró, durante muchos años, al repertorio criollo, alcanzó paralelamente rango indiscutido entre las mayores voces femeninas del tango. De timbre vocal muy semejante al de sus hermanos Raúl y José, trasuntó asimismo, en el estilo, la gravitación de Sofía Bozán. Intérprete profunda, desenvuelta y de gran temperamento, logró realizaciones igualmente acertadas en todas las cuerdas del género; en lo reo: De mi barrio; en lo grotesco: ¡Y a mi qué!; en lo trágico: Desencuentro; en lo romántico: Coplas; en lo arrabalero: Un embroyo, versiones todas ellas ofrecidas con la orquesta de Troilo.
Nació en la localidad de Zárate —provincia de Buenos Aires —el 31 de diciembre de 1930. Hija de Manuel Berón —cantor, compositor y guitarrista criollo— y de Antonia Iglesias, se inició en 1942 como cancionista. Desde 1946 integró con su hermana Rosa un dúo vocal de exitosa labor profesional en locales y emisoras porteñas y en el disco, a lo largo de diez años de actuación. En 1960 "Pichuco" la incorporó a su orquesta, para presentarse en Radio El Mundo y grabar discos para la Victor. Posteriormente a 1963 continuó su carrera como solista.

Elena Burke

Elena Burke

Elena Burke

Nació en la capital cubana allá por 1928, justo para ser una atrevida jovencita de voz insospechable, cuando el movimiento feeling de la cancionística cubana empezó a dar crecientes señales de vida, desde los inicios de la década del cuarenta. Ella, como muchas otras figuras de la música popular cubana, debutó en la radio y de allí muy pronto pasó al cabaret.

Antes de ser solista, sus dotes innatas de cante se alimentaron con la participación en varios de los más importantes cuartetos vocales de los años cuarenta. En ellos fermentaba el repertorio del feeling y su particular manera de decir la canción: Cuarteto de Facundo Rivera, Cuarteto de Orlando de La Rosa y las D'Aida.

En 1957, Álvarez Guedes le produjo a Elena Burke su primer disco de larga duración para su sello Gema. El puso condiciones espléndidas desde el punto de vista orquestal, para que ella enseñara sus poderosas cartas credenciales como una de las más importantes voces del cancionero en lengua hispana durante el siglo XX.
Lo demás fue madurar y darse a conocer cada vez más. Es decir, vivir intensamente cada día que se ha topado por delante. En ese tráfago vital, Elena ha logrado convertirse en vehículo muy especial de los sentimientos de la immensa mayoría de la gente. Ella es de alto aprecio entre los más humildes moradores de la mayor de las Antillas, como entre los individuos de más soberbio elitismo. Esta mujer que ha logrado, con su voz de inacabables recursos, dar siempre la impresión de que te está cantando a ti y muy cerca del oído, aunque tú seas uno de los miles de espectadores que ha colmado un coliseo para ir a disfrutarle, se ha convertido en un modo de ser de la espiritualidad cubana.

Son razones suficientes para advertir la angustia en las calles, en los hogares, en cualquier sitio de la Isla, cuando hace más o menos tres años se supo que estaba gravemente enferma en Ciudad México. Y también en esos mismos medios que se palpó como un respirar más descansado, al conocer que enferma y todo había llegado a La Habana. Ya estaba en casa y podía potenciarse la esperanza que no se nos muriera cuando más falta nos hacía.
Todos sus paisanos, pero sobretodo el habanero, se mantuvo en vilo mientras su convalecencia era estacionaria y mucha gente lloró cuando algún malvado desató el rumor de su muerte... Por eso, en el momento en que la radio y la televisión dieron la noticia de que ella volvería a la Sala Avellaneda a cantar, Cuba, como un solo corazón, se paralizó.
Todo el que cupo se metió en el Teatro Nacional de Cuba a ver a Elena el día señalado, más bien, a comprovar que era verdad que todavía era posible querer o malquerer a través de las canciones de ella, como una carpa milagrosa arma con su voz. Al fin se abrió el telón y todo el mundo se quedó callado al verla ahí, en un sillón de ruedas con un micrófono delante... El amor pudo más que la incertidumbre y poco después rompió un aplauso interminable, al que ella respondió diciendo: "Yo hubiera querido agredecerles de pie..."
Una voz del público le interrumpió: "No importa, Elena. Estás aquí con nosotros". Entonces ella empezó a cantar tímida, como una adolescente que sale por primera vez al escenario. Cantó muchas canciones tratándose de entregar toda y empezaron a gritos las peticiones.

Nadie sabía, ni quería saber, como terminaría aquello. Fue cuando a petición de un admirador que estaba en el tercer balcón, ella comenzó a cantar Yolanda, de Pablo Milanés. Todavía no había llegado ni a la mitad de la canción y se quedó en blanco. Era claro que se la había olvidado la letra. El guitarra acompañante le volvió a dar el pie, ella decía dos o tres palabras y no podía seguir... Entonces los presentes le devolvieron lo que durante décadas ella les había entregado. Un coro de más de dos mil personas se fue alzando hasta el clamor, mientras le cantaba a Elena la canción de Pablo. Desde ese momento se vio bien claro que ella nunca se iba a morir.

Después de esa noche, Elena Burke, ya sin apuros en su sillón de ruedas, sale a cantar con la seguridad que le entregaron en el Teatro Nacional. Se la ve cantando cada semana en el mítico Gato Tuerto del Vedado y también en el piano bar del Meliá Habana. Ella es todavía un resistente pulmón de la sensibilidad del cubano, a quien lamentablemente no se conoce mucho más allá de sus aguas territoriales.
Era tanta la admiración y el cariño que sentía el pueblo asistente al sepelio de “La Señora Sentimiento”, que todo el tiempo, en el cortejo, las anécdotas chispeantes, las evocaciones de canciones famosas, iban dibujando una especie de nostálgica alegría. Fallecio el 06/10/02
Enrique Núñez Rodríguez| La Habana

Mia Martini

Mia Martini

Mia Martini

Mia Martini fue una destacada cantante italiana. Su verdadero nombre era Doménica Berté. Era hermana de la también cantante Loredana Berté. Vivieron su infancia y adolescencia en el puerto de Recanati. Mía nació en Bagnara Calabra (Regio de Calabria) el 20 de septiembre de 1947 y falleció en Cardano al Campo (Varese) el 12 de mayo de 1995.

Mia comenzó su carrera artística en 1963, cantando en bares y restaurantes, como cantante de jazz. Participó —junto a su hermana Loredana, Renato Zero y varios cantantes— en la fundación de la Sociedad Italiana de Autores, Compositores e Intérpretes.

En 1969 (a los 22 años) fue encarcelada durante cuatro meses en la penitenciaria de Tempio Pausania debido a un bochornoso incidente en una discoteca. Ya en libertad, Mia viajó a Roma a probar suerte como cantante.

Debutó como cantante profesional en 1971, lanzando su primer disco, Oltre la collina (Más allá de la colina), uno de los discos más importantes de su carrera artística y del que vendió miles de copias.
Mia Martini, luego de una larga racha de éxitos, cayó en una depresión muy profunda, dicha enfermedad derivaba según numerosos artículos de prensa italiana de una gran cantidad de problemas: uno de los que más afectó a la cantante fue la disminución de contratos por parte de musicales, programas de televisión y radio, ya que se extendió el rumor de que ella portaba la mala suerte, hecho que no se correspondía con la realidad, esto sumió a la cantante más aún en su enfermedad.

Murió de un infarto cardíaco producido por una sobredosis de drogas en 1995, a la edad de 47 años, aunque un tiempo después de su muerte la prensa italiana rumoreó que, probablemente, Mia se habría suicidado. Pero jamás se supo la verdad. La critica musical Italiana, así como la europea, han afirmado en numerosas ocasiones que las piezas musicales de Mia son las más hermosas, cuidadas y sentimentales de toda la historia de la canción ligera italiana. Sin duda, la conjunción de su voz y de la temática y forma de sus obras, han hecho y hacen de esta artista uno de los grandes mitos de la música contemporánea en Europa. Fuente Wikipedia

Cristobal Repetto

Cristobal Repetto

Cristobal Repetto

En su Buenos Aires querido, CRISTÓBAL REPETTO sólo necesitó de su garganta para devolverle a la ciudad la voz tradicional del tango. Aunque apenas tiene poco más de 20 años de edad, escucharlo cantar podría fácilmente confundirnos: su voz nos recuerda a las grandes voces del pasado tanguero, ésas que solamente podían escucharse en los viejos vinilos rayados de nuestros abuelos. Lidera el pelotón de la nueva generación de artistas que le dan nueva vida al género. Desde pequeño su pasatiempo era bucear en la amplia discografía de sus padres y, ya entrada su adolescencia, formó su propio grupo musical integrado por otros compañeros de secundaria.

En 1996 es elegido para representar a su localidad en la categoría Tango, en los Torneos Juveniles Bonaerenses donde obtiene el tercer puesto ante un jurado integrado por Eladia Blázquez y Adriana Varela.

El rumor de su extraño timbre de voz se extiende por el circuito milonguero y es convocado por figuras de renombre como Osvaldo Piro y Daniel Melingo, quien a fines del 2000 lo incorpora como artista invitado en todas sus presentaciones. Con él actúa en el Festival Buenos Aires Tango, el Teatro General San Martín, Club del Vino, Café El Ciudadano (Montevideo) y la mítica Confitería Ideal.

REPETTO es dueño de un timbre de voz particular y de una interpretación que recuerda a grandes valores olvidados que nada tienen que ver con los estándares del tango actual, como Ignacio Corsini, Luis Cardei y el gran Agustín Magaldi.

En 2001 comienza a grabar de forma independiente un disco en solitario. La grabación itinerante cuenta con grandes figuras invitadas como Javier Calamaro, Rubén Goldín, Liliana Vitale y Ernesto Snajer, entre otros; pero varios percances económicos impidieron finalizar el proyecto.

Gustavo Santaolalla, quien lo había visto actuar en el canal Sólo Tango, lo convoca para su proyecto “Bajofondo Tangoclub” donde participa cantando junto a Adriana Varela. Santaolalla queda imantado por el estilo del joven cantor y le propone producirle su disco debut.

En noviembre de 2003 graban en los viejos estudios ION junto a su actual formación musical integrada por los guitarristas Daniel Yaría, Javier Amoretti y Martín Creixell; y el violinista Javier Casalla.

Pat Boone

Pat Boone

Pat Boone

Charles Eugene "Pat" Boone (nacido el 1 de junio de 1934) es un cantante, actor y escritor que fue una de las más grandes estrellas en los Estados Unidos y el mundo durante el decenio de 1950. Vendió más de 45 millones de álbumes, y participó en más de 12 populares películas de Hollywood. Boone es el talento como
cantante y actor, su todo-americano buena apariencia, su carisma y su anticuados valores a contribuido a su condición de un icono Americano. Fue una superestrella internacional durante los años 1950 y 1960 y sigue a la fecha siendo una superestrella.

Boone fue un gran éxito en múltiples formas. Se organizó una red muy popular de televisión, El Pat Boone Mostrar Chevy de 1957-1959. Ha escrito muchos libros y había un Bestseller No. 1 en la década de 1950 ( "Twixt doce y veinte", Prentice-Hall). Sus versiones de ritmo afro-americano y el blues ha encontrado un notable impacto en el desarrollo de la amplia popularidad del rock and roll. Durante sus giras en la década de 1950, Elvis Presley fue uno de sus actos de apertura.

En la década de 1960, se centró en la música Gospel y es miembro del Evangelio Music Hall de la Fama. Muchos hoy creen firmemente que debe ser miembro del Rock and Roll Hall of Fame, incluyendo encintado Mike, un ex teniente gobernador de California y fundador de encintado Records. Boone todavía mantiene el récord de del rankin de Billboard 220 semanas consecutivas en las listas con más de una canción.

Boone es también una orador motivacional, una personalidad de televisión, un comentarista político conservador y cristiano popular activista, escritor y predicador.

Principios de la vida / carrera
Boone se planteó en primer lugar en Nashville, Tennessee, un lugar que aún visita con frecuencia. El hijo del Sr. y la Sra. A.A. Boone, su familia se mudó a Nashville desde Florida cuando Boone fue de dos años. Asistió y se graduó de la Escuela Secundaria de Hillsboro en Nashville en 1952. A continuación, asistió a Lipscomb College, ahora Lipscomb University, en Nashville. Boone se crió como cristiano en la Iglesia de Cristo, la denominación y Lipscomb es muy popular la Iglesia de Cristo universidad. Boone nació en Jacksonville, Florida.

Pat Boone ha afirmado ser un descendiente directo de la American pionero Daniel Boone. Él es también un primo de dos estrellas de series de televisión occidental: el difunto Richard Boone de la CBS tienen armas de fuego, Will Travel y Randy Boone, uno de los co-estrellas de la NBC y CBS The Virginian del Cimarrón Franja.

En la universidad, que asistieron principalmente Lipscomb College en Nashville. Se graduó de la Universidad de Columbia magna cum laude en 1958 , y también asistió a la Universidad Estatal del Norte de Texas (actualmente la Universidad de North Texas). Durante su carrera universitaria, fue miembro de Kappa Alpha Orden .

Boone comenzó la grabación en 1954 para República Records. Su versión de 1955 de Fats Domino "no es que uno la Vergüenza" fue un gran éxito. Esto sentó las bases para la primera parte de la carrera de Boone, que se centró en R & B, que abarca canciones de artistas de African American blanco mercado americano.

Randy de madera, el propietario de Dot, ha emitido un R & B por el único Griffin Hermanos en 1960 llamado "Tra La La-uno" - una canción diferente que la última LaVern un Baker - y estaba dispuesta a poner otra versión después de el original no había. Este se convirtió en el lado B de la primera Boone único "Dos corazones Dos Besos", originalmente por los encantos - cuya "Corazones de Piedra" ha sido cubierto por la etiqueta de Fontane Hermanas. Una vez que la versión Boone estaba en las tiendas, que abarca más generado por la Crewcuts, Doris Day y Frank Sinatra. En el Reino Unido, la canción fue cubierto por Lita Roza, cantante de una banda con Ted Heath y su versión en las tiendas en primer lugar.

A # 1 solo en 1956 por Boone no era tanto una portada como la reactivación de siete años después una vieja canción "Casi me Perdí mi Mente", una canción que había sido cubierto en su momento por otro negro estrella, Nat King Cole, a partir del original de Joe Hunter de Marfil, que fue a beneficio de Boone versión del éxito no sólo en las regalías, pero en la situación en que estaba de vuelta en las noticias. Boone en 1957 cortar un álbum llamado simplemente "Pat", que estaba lleno de R & B se refiere.

A fines de 1950, Boone vivía en una modesta casa en Teaneck, Nueva Jersey, a pesar de su ingreso anual de $ 750.000 en el momento . Hizo apariciones regulares en ABC-TV Ozark Jubileo, auspiciada por su suegro.

Muchos de los afectados Boone individuales fueron de R & B se refiere. Entre ellas: "¿No es una vergüenza", de Fats Domino, "Tutti Frutti" y "Long tall Sally" de Little Richard, "A mi la puerta frontal (Poco Crazy Mama)" por el de El Dorados, y el blues baladas " Casi he perdido mi mente "de marfil y Joe Hunter" No Prohibir Me "de Charles Singleton. Pat también escribió la letra de la canción tema instrumental de la película Éxodo, letras que tituló "Esta Tierra es mía". (Ernest Oro había compuesto la música.)

Un devoto cristiano nacido de nuevo, que se planteó en el conservador de la Iglesia de Cristo, pero unido a una iglesia pentecostal en finales del decenio de 1960. Boone se ha negado tanto las canciones y funciones de cine que, en su opinión podría comprometer su normas, incluyendo un papel al lado de la década del sexo reinante símbolo, Marilyn Monroe. En su primera película, abril de amor (película), se negó a dar amor co-star/film interés Shirley Jones un beso en pantalla, ya que la actriz se casó en la vida real. Esta posición se contradice con lo que la revista Hustler alegó en sus enero 1984 a ser cuestión de una verdadera fotografía de una joven Pat Boone exponer sus genitales a través de un agujero en una caja de cartón. Entre sus otros logros, se organizó una serie de televisión en el fines del decenio de 1950 y comenzó a escribir una serie de libros de autoayuda para los adolescentes, incluso Twixt Doce y veinte, en la década de 1960.

La British Invasion Boone terminó la carrera como hitmaker, aunque continuó la grabación en todo el decenio de 1960. En la década de 1970, pasó al evangelio y el país, y continuó actuando en otros medios de comunicación también. Actualmente está trabajando como disc jockey de un popular show de radio oldies y dirige su propia compañía, que ofrece una salida para las nuevas grabaciones de los grandes de 1950 que ya no pueden encontrar un lugar con las principales casas discográficas.

Boone en 1953 se casó Shirley Lee Foley, hija de la música country Red Foley y gran cantante Judy Martin. Tuvieron cuatro hijas: Cheryl Lynn Boone, Boone Linda Lee, Deborah Ann alias "Debby" Boone, y Laura Gene Boone. En los años 1960 y 1970 la familia Boone gira como cantantes Evangelio y del Evangelio álbumes, tales como Pat Boone La Familia y La Familia que reza.

En la década de 1970, Pat fundó el sello discográfico y León Cordero Records. Que artistas como Pat, Pat Boone La Familia, Debby Boone, Dan Peek, DeGarmo y clave, y Dogwood .

En 1978, Boone se convirtió en el primer objetivo de la Comisión Federal de Comercio de la represión de reclamación falsa producto anotaciones por celebridades. Había aparecido con su hija Debby en televisión para reclamar que los cuatro de sus hijas había encontrado un preparado llamado Acné estatinas-una "ayuda real" para mantener su piel clara. La FTC presentó una demanda contra el fabricante, sosteniendo que el producto no es realmente mantener la piel libre de manchas. Boone firmó una orden de consentimiento en el que prometió no sólo para detener los anuncios que aparecen en el pago, pero alrededor del 2,5% de cualquier dinero que la Comisión Federal de Comercio o los tribunales podrían ordenar la restitución a los fabricantes a los consumidores. Boone dice, a través de un abogado, que sus hijas en realidad hizo uso de estatinas-Acné, y que estaba "consternado al enterarse de que la eficacia del producto no se ha establecido científicamente que a su juicio" .


Religión
Pat Boone fue criado en la Iglesia de Cristo denominación. Eventualmente, se convirtió en una parte del movimiento carismático. Se dice que Pat Boone fue testigo de una profecía dada a continuación, el Gobernador Ronald Reagan de que sería presidente de los Estados Unidos [cita necesaria]. Pat Boone asiste a la Iglesia del Camino en Van Nuys, California, y ha servido como anfitrión de programas de televisión cristiana de Trinity Broadcasting Network.


Reciente carrera
En 1997, Boone liberados en un metal Humór: No Mas Sr. Guy de Niza, una colección de metales pesados se refiere. Para promocionar el álbum, se presentó en los American Music Awards en cuero negro, escandaloso público y perder su respetabilidad entre sus más grandes circunscripción, los cristianos conservadores.

Luego fue despedido de América del Evangelio, un programa de televisión sobre la Trinity Broadcasting Network. Alrededor de un año después, murió en la controversia y muchos aficionados, incluidos Jack Hayford, aceptó su explicación de la de ser un traje de cuero "la parodia de sí mismo." Trinity Broadcasting luego reintegrados él, y América del Evangelio fue traído de vuelta.

En 2003, la Asociación de Música Evangelio Nashville, Tennessee reconocido su evangelio grabación inducir el trabajo de él en su Evangelio Music Hall de la Fama. En septiembre de 2006, publicado Boone Pat Boone R & B Clásicos - Estamos Åre Familia, con versiones de 11 éxitos de R & B, incluyendo el título de pista, además de "Papa's Got A New Bag," Soul Man "" Get Down Tonight, "" Una mujer necesita amor ", y otros seis clásicos.

En 2007, Pat Boone fue investido en el Hit Parade del Salón de la Fama, así como la Christian Music Hall of Fame.

Boone y su esposa viven en Los Ángeles. Son miembros de La Iglesia del Camino en el Valle de San Fernando. Su tiempo de un vecino fue Ozzy Osbourne y su familia. Boone la portada de la canción de Osbourne "Crazy Train" se convirtió en el tema de El Osbournes. (Aparece en la banda sonora Osbournes.) Ozzy Osbourne Boone dijo una vez que "nunca se quejó de una vez" sobre la vida junto a su menor a la familia tradicional.


Política
En 2006, Boone escribió un artículo de WorldNetDaily, en el que sostenía que los Demócratas y otros que estaban en contra de la guerra de Iraq no puede, bajo ninguna circunstancia, ser considerados patrióticos. [8] Él fue entrevistado por Neil Cavuto en Fox News, donde expresó su indignación contra los opositores de George W. Bush (a saber, las Dixie Chicks), que sus críticas de la Presidenta no mostró "el respeto a sus mayores." Otro artículo defendido Mel Gibson después de que el actor se registró que un anti - semitas Rant .

A principios de 2007, Boone escribió dos artículos afirmando que la teoría de la evolución es un "absurdo", "absurdo" "quiebra religión falsa". Más tarde, escribió un editorial en forma de un cuento de hadas donde un joven príncipe encantado fue seducido por un enano, tiene SIDA y, a continuación, sobredosis

En el 2007 las elecciones para gobernador de Kentucky, Pat Boone campaña de titular republicano Ernie Fletcher pregrabados automatizado con un mensaje telefónico que se indica que el candidato del Partido Demócrata Steve Beshear apoyará "todos los homosexuales causa". Como parte de la campaña, Boone le preguntó: "Ahora, ¿quiere un gobernador de Kentucky que desea ser otro de San Francisco?" Esto causó una gran controversia y la reacción de Boone.

Más recientemente, él John McCain ayudó a la campaña presidencial de 2008, prestando su voz a la campaña de llamadas automatizado.

El 06 de diciembre de 2008 Pat Boone escribió un artículo para WorldNetDaily que señala las analogías entre los derechos de los homosexuales recientes protestas (algunas de las cuales se han convertido violentos como el bombardeo de una misionera evangélica en la Columbia Británica, el vandalismo de una Iglesia en Lansing, MI gay activista, y las amenazas de violencia contra los que apoyan la Prop. 8 en California), y los recientes ataques terroristas en Mumbai, India. Se recuerda a los lectores de la toma de rehenes, la explosión de bombas y el asesinato sistemático de las condiciones caóticas de matanza. En él se afirma que el matrimonio es una institución bíblicamente ordenado, que el gobierno no tiene parte en la definición. A continuación, se establece que la igualdad de derechos para las mujeres, los negros y la esclavitud no eran "obtenidos por las amenazas y manifestaciones violentas y los disturbios civiles", sino más bien a través de un debido proceso. Concluye advirtiendo que si no está marcada, el "hedonista, irresponsable, egoísta ciegamente objetivos y tácticas de relaciones sexuales en casa, los jihadistas se degeneren en actos vil, violenta y destructiva."

La Campaña de Derechos Humanos (una organización activista de la igualdad de derechos) responde a este artículo: "Pat Boone normalmente no justifican un segundo pensamiento, aun cuando su única reclamación a la fama en estos días es su valiente homofobia, pero su inquietante comentario a este derecho - ala sitio no puede quedar sin respuesta ", dijo Campaña de Derechos Humanos Presidente Joe Solmonese. "Su comentario marca una nueva baja en la retórica anti-gay. Y sin embargo, también demuestra la profundidad del odio de estos demagogos hacia la comunidad LGBT. La mayoría de los estadounidenses se asombró al ver este nivel de vitriolo viene de alguien que se presentó como la America's sweetheart ".


[editar] Como portavoz Chevrolet
Pat Boone bien cuidadas, limpias, cortadas, muchacho ganó una imagen a largo plazo producto de la aprobación del contrato de General Motors durante finales del decenio de 1950, con una duración a través de los años 60.

Boone logró Dinah Shore cantando las alabanzas de los productos modificados genéticamente: "Ver los EE.UU. en su ... Chevrolet Chevrolet a través de su unidad los EE.UU., América es la mayor de toda la tierra!" En 1989 el documental Roger & Me, Boone dijo que primero fue un Chevrolet Corvette de la línea de productos, pero después de que él y su esposa comenzó a tener hijos, a un niño de un año, GM le suministra una camioneta también.

Boone, quien ha apoyado a un número indeterminado de productos y servicios en el transcurso de su carrera, dijo que más gente lo identificaba con el Chevrolet que cualquier otro producto.


[editar] Baloncesto intereses
Boone fue un fanático del baloncesto y había intereses de propiedad en dos equipos. Era dueño de un equipo en la Liga de Hollywood Studio denominado "Cooga Moogas". El Cooga Moogas incluido Bill Cosby, Rafer Johnson, Gardner McKay, Don Murray, y Denny "Tarzán" de Miller [16].

Con la fundación de la American Basketball Association Boone el 2 de febrero de 1967, se convirtió en el propietario mayoritario de la liga del equipo de Oakland, California. [16] El equipo fue nombrado el Oakland americanos pero más tarde fue rebautizado como los Oakland Oaks, el nombre en las que desempeñó de 1967 a 1969. [16] El Oaks ABA 1969 ganó el campeonato [17].

A pesar de los Oaks éxito en la cancha, el equipo tuvo graves problemas financieros. Una de las razones era que el Oaks fueron el único equipo en la ABA de juego en un mercado local con la competencia directa de un equipo de la NBA, los Golden State Warriors. En agosto de 1969 el Bank of America amenaza con excluir a $ 1,2 millones a la Oaks, [18] y el equipo fue vendido a un grupo de empresarios en Washington, DC, y Washington se convirtió en el Gorros [19].

Terry Plutón en el libro de la ABA, Balones sueltos, Boone relató sus días como un propietario y señaló que había una oportunidad de comprar en el entonces expansión Dallas Mavericks de la NBA en 1981, pero se negó.Fuente Wikipedia en ingles (traduccion automatica)

Carlos Gardel

Carlos Gardel con Isabel de Valle en 1931

Carlos Gardel con Irineo Leguizamo en 1931

Carlos Gardel en El dia que me quieras

Carlos Gardel en New York en 1931

Carlos Gardel con Nona Maris en Cuesta abajo en 1934

Carlos Gardel y Azucena Maizani (Buenos Aires.1933)

Carlos Gardel en la Costa Azul (1931), con el barón y la baronesa de Wakefield y el famoso futbolista del Barcelona, Samitier.

Libreta de enrolamiento de Carlos Gardel.

Carlitos, con Charles Chaplin en Niza

Astor Piazzolla con Carlos Gardel
Astor Piazzolla en 1934, interpreta un pequeño papel de canillita en las escenas iniciales de El Día que me Quieras. Película Paramount protagonizada por Carlos Gardel.Con ellos en la foto Tito Lusiardo

Con la actriz Blanca Vischer en una escena de ElTango en Broadway (1934), filmada en Estados Unidos

Foto de la izquierda: Con los hermanos Juan (izquierda) y DomingoTorterolo.

Foto de la derecha: Carlos Gardel con Elías Alippi y César Ratti, en el hipódromo de Palermo acompañados porel jockey Domingo Torterolo.

Carlos Gardel y Razzano en Mar del Plata (febrero de1916). Cantaron en el Teatro Odeón, en la compañía de Orfilia Rico.



Gardel canta en Radio Belgrano en setiembre de1933.


Gardel fotografiado en Barcelona (1932).

Carlos Gardel con Isabel del Valle.

Carlos Gardel en 1922, cuando cantó con Razzano para Jacinto Benavente. Carlitos aparece entre Barbieri y don Jacinto; (a la derecha) Razzano y "El Negro" Ricardo. Fotografía tomada en el Colegio Internacional de Olivos.

Gardel con Imperio Argentina, en una escena de la
película Melodía de Arrabal filmada en Francia

Carlos Gardel-Razzano y José Ricardo (1917).


El gran fotógrafo oriental Rafael Caruso logró estatoma de Gardel en Montevideo (1933).


El dúo Gardel-Razzano (1922).


Carlitos con ropas criollas en tiempos de sus primeros triunfos en Europa.

Carlos Gardel con Ignacio Corsini (agosto de 1933).


Carlos Gardel (1933). Con él, Horacio Pettorosi.


Carlos Gardel en 1912

Carlos Gardel en 1911


Carlos Gardel en 1912


Carlos Gardel con Eduardo Bonessi, Guillermo Barbieri y "El Negro" Ricardo en la provincia de San Luis,
durante una gira.


Carlos Gardel en 1910


Carlos Gardel en 1905



Carlos Gardel en 1908

Carlos Gardel en 1916

GARDEL, Carlos. Músico. Cantor. Compositor. 1. Ubicación personal. Fue el creador—en lo artístico—, el primer cultor emocional y estéticamente genuino —en lo histórico— y el mayor intérprete —en lo valorativo— de las formas vocales del tango. Su personalidad integral gravitó, además, en todo el panorama de la música popular y en el estilo espiritual de las ciudades del Río de la Plata, de los que fue la figura más representativa; en vida, primero, y luego en la ascendente proyección afectiva y social de su legendaria memoria.
2. Ubicación histórica. Fue hombre de la generación de 1910, gestora de la transformación profunda que hizo del tango primerizo un género perfectamente diferenciado de arte musical. Alternó en ella con los compositores y con los ejecutantes —Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martínez, Fresedo, Roccatagliata, Carlos V. G. Flores— que, en distintas latitudes de temperamento, promovieron la génesis del tango cantable con caracteres melódicos rítmicos y armónicos propios, y con los letristas que encabezados por Pascual Contursi aportaron la equivalente dimensión literaria. Él, a su vez, rompiendo revolucionariamente con las arcaicas maneras vocales que, representadas por Ángel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodríguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma y otros, habían prevalecido hasta entonces, dio a ese flamante y auspicioso repertorio para canto, la exacta configuración interpretativa. Sus versiones de Flor de fango(Gentile-Contursi), Milonguita (Delfino-Linnig), Mi noche triste (Castriota-Contursi), De vuelta al bulín (Martínez-Contursi), Mar-got (Ricardo-C. E. Flores), Carne de cabaret (Lambertucci-Roldán) y Pobre Paica (Cobián-Contursi), grabadas en discos Nacional Odeón entre 1918 y 1920, lo mostraron ya en toda la originalidad que desarrolló y enriqueció a lo largo de su breve carrera posterior.
3. Fisonomía creadora. En el plano vocal, irreprochable de afinación, de impostación, plena en todas las notas de equilibrado y parejo vibrato, su voz de barítono, de caudal mediano y próxima a las dos oc-tavas en su tesitura, fue cambiando de color a través de los años. Pero su inesperado e inconfundible timbre, su característica presencia sonora, quedaron radicalmente y para siempre identificados con el tango. No fue que tuviera él "voz de tango"; éste—más bien— nació de su voz. En el plano musical, le fue natural el refinamiento y la imaginación para tratar la línea melódica, dividiéndola, acentuándola, matizándola con exquisito e invariable buen gusto, todo lo cual, juntamente con su marcada tendencia al "tempo rubato" y a su instinto innato del ritmo —creador en alto grado del propio ritmo del tango— concurrió a perfilar su inconfundible fraseo. En lo interpretativo tuvo la rara aptitud de poder recrear, en un solo e indivisible acto de expresión, el texto musical y el texto literario. Esto es, cantando y "diciendo" a la vez con precisa y simultánea comprensión del contenido y de la intención de cada tango diferente: festivo en Qué querés con esa cara; compadecido en Pobre corazoncito; nostálgico en El bulín de la calle Ayacucho; cachador en Tierrita; coloquial en Mano a mano; trasnochado en Y reías como loca; melancólico en La per-canta está triste; arrabalero en Del barrio de las latas; romántico en Trovas; sentencioso en Pompas; grotesco en Chorra; irónico en Se acabaron los otarios; burlesco en Otario que andás penando; pretensioso en Si soy así; trágico en Cuesta abajo; reflexivo en Meditando; compadre en Taconeando, aun- que con una constitutiva inclinación a teñir toda su riquísima gama de intérprete con una pátina de melancolía profunda.

4. Esbozo temperamental. En el indesglosable todo de su creación, hubo la convicción de un arte en el que se combinaron su naturaleza anímica entre picaresca y solemne de hombre del bajo ciudadano, con las hondas raices de su criollismo —conocedor de cuanto había de manifiesto o de sobreentendido en lo que cantaba— y su señorío de hombre de clase por imperio espiritual.
5.Gravitación artística. La influencia de su personalidad que vivida y fecunda superó largamente a su muerte, y que se había afianzado luego de 1925, nació con su advenimiento mismo y alcanzó a enriquecer todos los aspectos del tango. Fue incitación para músicos y para letristas, los cuales lo sirvieron con un repertorio copioso del que, en medida importante, procedió la evolución y la diferenciación en estilos y tendencias de las composiciones cantables, a las que contribuyó él mismo con una obra de primera fila —Soledad, Arrabal amargo, Volvió una noche, Cuesta abajo, Volver, Golondrinas—, especialmente durante sus años postreros. Gravitó, intenso y dominante, en las corrientes vocales: únicamente pudieron sustraerse totalmente a su influjo, algunos de sus contemporáneos, como Ignacio Corsini, Agustín Magaldi y la mayor parte de las cancionistas; y fue absorbente su maestría, incluso para aquéllos que formados en su admiración y en su escuela —Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularmente Rivera— se expresaron en modalidades de jerarquía, con mayor independencia. La fuerza ordenadora y el contenido precursor de su manera de sentir y de tratar musicalmente el tango, concomitantes a los quefueron propios de la corriente decarista, influyeron por lo profundo en toda la familia de estilos orquestales auspiciada por ésta, inclusive en sus más avanzados cultores.
6. Trascendencia popular. Su arte, su naturaleza, su conducta, su temperamento, su
fisonomía, ejercieron una verdadera fascinación para varias generaciones, como una manera plena de confirmarse en todo cuanto define a lo porteño y a lo rioplatense. De esa pura y sencilla exaltación emocional, se alimentó el cariño y la imaginación popular que gestó, luego de su muerte, la legendaria imagen suya. Vivificado por el disco de fonógrafo —en el cual permanece su voz— o por la película de cine —en la que perdura su fisonomía—, su enorme fantasma se agregó a la doméstica constelación mitológica del Plata, junto a los Carriego, Arolas, Pepino el 88, Florencio Sánchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, pero compendiándolos en una sola e ideal representación espiritual.
7. Biografía. Los orígenes nacional y familiar, y la fecha y lugar de nacimiento, son cuatro aspectos capitales de su vida en torno de los cuales no hay todavía definitiva certeza: los documentos y los testimonios personales son contradictorios por igual, tan susceptibles de duda los unos como los otros. Una partida expedida en la ciudad de Toulouse —sur de Francia— lo ubica nacido en ésta el 11 de diciembre de 1890, hijo de Berthe Gardés—tolosana, también— y de padre desconocido. Esta fecha fue desvirtuada más tarde por él mismo en su testamento ológrafo (noviembre de 1933), al declararse nacido el 10 de diciembre de 1890, y por su compañero de labor artística José Razzano, quien dio otra —11 de diciembre de 1887—en el libro Vida de Carlos Gardel, (contada por José Razzano y escrita por Francisco García Jiménez), fecha que él también dio para toda su documentación personal. Un documento de identidad testimonia su nacimiento en el Departamento de Tacuarembó (R. O. del Uruguay), posibilidad sobre la cual el investigador uruguayo Erasmo Silva Cabrera ha escrito un ensayo ubicándolo como hijo del coronel oriental Carlos Escayola. De acuerdo con la primera hipótesis, su nombre familiar fue Charles Romuald Gardés; conforme a la segunda, fue Carlos Escayola. Su infancia y su adolescencia aparecen también envueltas en un misterio hecho de referencias orales desencontradas e imprecisas sobre la vida en Buenos Aires hasta 1912, residiendo con Berthe Gardés—quien fuera o no su madre, se comportó como tal hasta su muerte— en Corrientes al 1500, casi Rodríguez Peña, primero; des-pués, en la casa de la calle Jean Jaurés 735, barrio del Mercado del Abasto. Los principios de su trayectoria de artista corresponden a esa época, refrendados ya por menciones en la prensa: integró en 1912 un dúo con Francisco Martirio y un trío vocal de repertorio criollo con éste y con José Razzano, conjunto que debutó en un festival realizado en la Casa Suiza de la calle Rodríguez Peña y se convirtió, poco después en cuarteto con la incorporación de Saúl Salinas ("El víbora") para cantar en la localidad de Zarate durante el carnaval de 1913. Desvinculado Salinas, el trío Gar-del-Martino-Razzano continuó su gira por la provincia de Buenos Aires; y en Gral. Viamonte quedó reducido a dúo por la deserción de Martino. Ese mismo año hizo su primera serie de grabaciones fonográficas en solo y para la casa Columbia, integrada por catorce canciones campesinas en quese acompañó él mismo con elementales rasgueos de guitarra; la placa inicial, por orden de aparición en la venta, contuvo sus interpretaciones de La Mañanita y Me Dejaste. A fines de 1913, formando el dúo con Razzano, debutó en el cabaret Armenonville, presentándose durante 1914 como fin de fiesta de las representaciones de la compañía Ducasse-Alippi en el Teatro Nacional (enero), con Perdiguero-Casaux en el Apolo (marzo), con Arellano-Tesada-Aranaz- Mancini en Rosario de Santa Fe (junio), con Vitone-Pomar en Córdoba (julio), con Rico Mangiante en el Moderno de Buenos Aires (octubre) y, en este mismo escenario, para un concierto de la Sociedad Argentina de Compositores (noviembre). Al año siguiente cantó con Razzano en Montevideo, en el Teatro Royal y en el 18 de Julio, como parte del elenco de Arellano, integrando el cual viajó a Río de Janeiro en la puesta de Juan Moreira, que se estrenó en el mes de noviembre en el Teatro San Martín. En esta ocasión se agregó a su dúo el guitarrista José Ricardo. En 1916 acompañó —siem-pre con Razzano —la actuación de Orfilia Rico en el Odeón de Mar del Plata (febrero) y al recién constituido binomio de actores Muiño-Alippi en las salas del Marconi y del Nuevo, pasando en octubre al Esmeralda, donde cantó en solo Mi noche triste, primer tango que interpretó en actuaciones públicas. Durante esa misma temporada, desempeñó un pequeño papel en la filmación de la película Flor de Durazno, que dirigió el dramaturgo Francisco Defilippis Novoa, y volvió a Montevideo con Razzano, en la compañía de Rogelio Juárez y Lola Membrives, de actuación en el Urquiza. Llamado por Glucksmann, grabó el dúo —el 9 de abril de 1917— para Odeón, su placa inicial con la canción de Ángel Villoldo Cantar Eterno, quedando confiado a un solo de Razzano —la cifra Entre Colores— la faz complementaria de ese primer disco de fonógrafo. Y continuaron las presentaciones teatrales, en el Esmeralda —nuevamente— con Blanca Podestá; Alberto Ballesteros y Salvador Rosich, en el San Martín y en el Empire; con Florencio Parravicini, luego, en San Nicolás, durante una gira por provincias que incluyó un contrato cumplido por el dueto en Chile. En 1918, año de sus dos primeros tangos cantados para el disco —Flor de fango y Mi noche triste (éste apareció antes que aquél en la venta)—, actuó con el dúo en Montevideo: Teatro 18 de Julio y festival benéfico en el Parque Hotel. Desde entonces, marcadamente a partir de 1922, su figura fue cobrando señalada supremacía respecto de la de Razzano, quien paulatinamente disminuyó la intervención en los registros fonográficos. Con los guitarristas José Ricardo y Guillermo Barbieri (incorporado éste al acompañamiento en 1921), y una vez cumplidos los compromisos artísticos en la escena del Florida porteño y del 18 de Julio montevideano con el elenco de Enrique De Rosas y Matilde Rivera, embarcaron con estos actores rumbo a España; debutaron en diciembre en el Teatro Apolo de Madrid. De regreso, grabó —a fines del 24—, como solista, secundado por la orquesta de Francisco Canaro, algunas versiones para Odeón, la primera de las cuales fue el tango La garconníére; y, en 1925 —temporada de su debut en la radiotelefonía por ondas de Splendid—, llevó al disco dos tangos: Perdón, viejita y Fea, con marco orquestal dirigido por Osvaldo Fresedo. Desde setiembre de ese año —fecha de su desvinculación de Razzano—continuó su carrera de artista como figura independiente y con un segundo viaje a Es-paña; cantó en el Romea de Madrid y grabó a partir de Echaste buena, una serie de caras para la Odeón de Barcelona, labor que cumplió acompañado únicamente por José Ricardo. Luego de una fugaz reaparición en Buenos Aires —que incluyó audiciones en Radio Prieto—, volvió a los escenarios españoles, esta vez con Ricardo y Barbieri, sus dos guitarristas. Durante los dos años siguientes, sumado ya José María Aguilar al acompañamiento, actuó en París: Teatro Fémina, cabaret Florida y discos de la Odeón francesa —en 1928— y Teatro Ópera y Empire —enero y febrero de 1929—; en abril y mayo, cantó en el Principal Palace de Barcelona y en el Avenida de Madrid. Volvió en junio a Buenos Aires, tomando parte en una serie de películas breves dirigidas por Eduardo Morera, actuando en el Teatro Florida, ante micrófonos de Radio Nacional y en la sala del Artigas de Montevideo. Regresó a Europa durante el siguiente año, debutando en Niza e interpretando el papel protagónico en Luces de Buenos Aires, película que, dirigida por Adelqui Millar, se rodó en Joinville con Gloria Guzmán; Pedro Quartucci y otros elementos de la compañía del Teatro Sarmiento en gira en los demás roles de importancia, y el sexteto de Julio De Caro. En setiembre de 1931, luego de haber registrado un segundo lote de versiones para la Odeón de París, reapareció en el Broadway de Buenos Aires con los guitarristas Guillermo Barbieri, Ángel Domingo Riverol y Julio Vivas. De 1932 es su serie de películas Paramount, durante la cual em-pezó a colaborar con él, como argumentista y letristas de canciones, Alfredo Le Pera: Espérame (Direc: Louis Gasnier), La Casa es Seria (Dir.: Jacquelux), Melodía de Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). Tras otra fugaz presentación por Radio Belgrano retornó a Europa, grabando en Barcelona, el 22 y 23 de julio, una tanda de placas con el violín de Solsona y el piano de Juan Cruz Mateo, y el 6 de noviembre en la Argentina, sus últimas versiones para Odeón: Madame Ivonne, Tu Diagnóstico, El Tirador Plateado. Dos meses antes había realizado una breve temporada en el Teatro 18 de Julio de Montevideo y pocos días después viajó rumbo a París, en el "Conte Biancamano", acompañado por sus músicos Alberto Castellanos y Horacio Pettorossi. De allí se trasladó a Nueva York, cantando por la NBC (National Broadcasting Corporation) con un marco orquestal concertado por Hugo Mariani. En 1934 y 1935 filmó sus cinco películas para la Paramount en Norteamérica: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango en Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), El Día que me Quieras (Dir.: John Reinhardt, 1935), Tango Bar (Direc: John Reinhardt, 1935) y escenas para Cazadores de Estrellas (Dir.:Norman Taurog, 1935). En marzo de dicho año cantó desde Nueva York para Radio Belgrano de Buenos Aires, en tanto que la RCA Víctor imprimía en discos los canta-bles incluidos en su labor cinematográfica: el tango Amargura fue el último que interpretó para el surco y la canción criolla Apure Delantero Buey —grabados ambos los días 19, 20 y 23 de marzo— la postrera realización suya —sin distinción de géneros— para la fonografía. A principios de abril inició su gira por ciudades latinoamericanas. Comenzada en San Juan de Puerto Rico, dicha turné lo llevó sucesivamente a Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena y Medellín. El 23 de junio cumplió la actuación final de su carrera en el Teatro Real de Bogotá. El 24 de junio de 1935, elaparato que lo llevaba desde esa ciudad hacia Calí, hizo escala en Medellín, en el aeródromo Olaya Herrera, sobre cuya pista, al recomenzar el viaje se estrelló en tierra contra otro avión, determinando su muerte.
Además de las composiciones ya mencionadas, dio a conocer los tangos Mano a mano, Ave sin rumbo, Mi alhaja (luego Medallita de la suerte), Noche fría, Desdén, Estudiante, Melodía de arrabal, Me da pena confesario, Tomo y obligo, Silencio, Recordando, Evocación, Amor, Sus ojos se cerrarón y Mí Buenos Aires Querido. Fuente Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel


In English Automatic Traducion
GARDEL, Carlos. Music. Cantor. Composer. 1. Ubica staff. He was the creator-in-the artistic, emotional and aesthetically cultor first genuine in-the-historical interpreter and the largest-in terms of value-vocal forms of tango. His personality comprehensive gravitation also across the landscape of popular music and spiritual style of the cities of Rio de la Plata, which was the most representative figure in life, first, and then in the upward projection affective and social development of his legendary memory. 2. Ubica historic. He was man of the generation of 1910, manages the profound transformation that gave tango a genre perfectly first time differential of musical art. Alternator on it with composers and performers-Bardi, Firpo, Arolas, Delfino, Canaro, Castriota, Martinez, Fresedo, Roccatagliata, Charles V. G. Flores-who, in different parts of temperament, promoted the genesis of tango vocalist with melodic rhythmic and harmonic characters themselves, and with lyricists who headed Pascual Contursi contributed the equivalent literary dimension. He, in turn, breaking revolutionarily with archaic ways that voice, represented by Angel Villoldo, Pepita Avellaneda, Flora Rodriguez, Alfredo Gobbi, Arturo Mathon, Linda Thelma and others, had prevailed until then, gave this brand new and auspicious for repertoire singing, the exact configuration interpretative. His renditions of Flower of mud (Contursi-Gentile), Milonguita (Delfino-Linnig), My sad night (Castriota-Contursi), Back to bulín (Martinez-Contursi), Mar-got (Ricardo Flores-EC), Meat cabaret (Lambertucci-Roldan) and Poor Paice (Cobián-Contursi), recorded on discs National Odeon between 1918 and 1920, and it showed throughout the originality that enriched and developed throughout his career shortly thereafter. 3. Fisonomía creative. In terms of voice, impeccable pitch, impost, in full of all notes and evenly balanced vibrato, his baritone voice, flow and medium next to the two oc-TAV in his position, was changing color across year. But his unexpected and unmistakable timbre, its characteristic sound presence, were radically and forever identified with the tango. It was not that he had "voice of tango"; latter-rather-was born of his voice. In musical terms, it was natural refinement and imagination to deal with the melodic line, dividing, accentuated by qualifying with exquisite and invariable good taste, all of which, together with its strong tendency to "tempo rubato" and his innate instinct of pace-maker in high degree of self-paced tango-attended outline his unmistakable phrasing. In the interpretive had the rare ability of being able to recreate in a single and indivisible act of expression, the musical text and the literary text. That is, and chanting "saying" at the same time and simultaneously with precise understanding of the content and intent of each different tango: a festive want to do this face; compadecido in Poor heart; nostalgic bulín in the street Ayacucho; Cachadora in Tierrita; colloquial Hand in Hand; outdated and laughed at as crazy; melancholy in per-sung is sad; arrabalero in the neighborhood of cans; trove in romantic; judgmental in Pompas; grotesque in Chorra; ironic in Goodbye Otari; burlesque in Otario that andás penando; pretensioso If I am in well; tragic in Cuesta abajo; thoughtful meditation on; compadre in Taconeando, even though with a constituent inclination to colour all his rich range of interpreter with a patina of deep melancholy. 4. Outline temperamental. In indesglosable all of creation, there was the conviction in an art that combined their nature animosity between picaresque and solemn man under citizen, with its deep roots criollismo-connoisseur of what had been apparent or understood in what they sang-lordship of man and his classmates by spiritual empire. 5.Gravitación artistic. The influence of his personality that lived long and fruitful surpassed his death, and which had been strengthened after 1925, was born with its advent to enrich himself and reached all aspects of tango. It was incitement to musicians and lyricists, which is served with a repertoire of copious that, in a major way, proceeded evolution and differentiation in styles and trends compositions vocalist, who helped himself with a piece of front row - Soledad, Arrabal bitter, returned one night, Cuesta abajo, back, Golondrinas, especially during his years last. Gravitation, intense and dominant voice on the pattern: only able to completely escape its influence, some of his contemporaries, as Ignacio Corsini, Agustin Magaldi and most of the female singers, and was acquiring his master, even for those who trained in their admiration and their school-Charlo, Alonso, Lesende, Marino, Berón, particularly Rivera-were expressed in forms of hierarchy, with greater independence. The strength and substance ordering forerunner of the way and try to feel musically tango, concomitant to quefueron own flow Decaro, influenced by the deep throughout the family orchestral styles sponsored by it, including its most advanced cultores . 6. Transcendence popular. His art, its nature, conduct, his temperament, his physiognomy, brought a real fascination for several generations, as a fully confirmed in all that defines what the Buenos Aires and River Plate. That pure and simple emotional exaltation, is fed affection and the popular imagination that gesture, after his death, his legendary image. Enlivened by the phonograph record-which remains in his voice-or the film-which persists in its appearance, its huge ghost was added to the domestic constellation mythological del Plata, along with Carriego, Arolas, Cucumber the 88, Florencio Sanchez, Carlos de la Púa, Gabino Ezeiza, but compendium in one spiritual and ideal representation. 7. Biography. The national origins and family, and date and place of birth, are four aspects of his life in capitals around which there is still no definitive certainty: documents and personal testimonies are equally contradictory, so one could doubt as others. A departure issued in the southern city of Toulouse-France-born it places him on December 11, 1890, son of Berthe Gardés-Toulouse, too-and an unknown father. This date was later invalidated by himself in his will ológrafo (November 1933), to declare born on December 10, 1890, and his artistic work colleague Joseph Razzano, who gave another -11 December 1887-in the book Life of Carlos Gardel (counted by Jose Razzano and written by Francisco Garcia Jimenez), when he also gave to all his personal documentation. An identity document testifies to its source in the Department of Tacuarembó (RO of Uruguay), a possibility about which the investigator Uruguayan Erasmo Silva Cabrera has written an essay, identified as the son of Colonel Carlos Eastern Escayola. Under the first scenario, his family name was Charles Romuald Gardés; under the second, Carlos was Escayola. His childhood and adolescence are also wrapped in a mystery fact references oral desencontradas and imprecise about life in Buenos Aires until 1912, residing with Berthe Gardés-or who was not her mother, behaved as such until his death in-flows to 1500, almost Rodriguez Pena, first; af-ter, at the home of Jean Jaurés 735 Street, Market neighborhood of Abasto. The principles of his career as artist correspond to that time, already endorsed by mentions in the press: in 1912 he joined a duo with Francisco Martyrdom and a vocal trio repertoire of Creole with him and with Jose Razzano, set to debut at a festival held in House Switzerland in the street and became Peña Rodríguez, shortly after a quartet with the addition of Saul Salinas ( "viper") to sing in the town of Zarate during the carnival of 1913. Salinas split, the trio Gar-of-Martino-Razzano continued his tour of the province of Buenos Aires and in Gral. Viamonte was reduced to a duo by the defection of Martino. That same year he made his first series of phonographic recordings in the house alone and to Columbia, composed of fourteen songs in peasant cate accompanied himself with elementary rasgueos guitar; initial plate, in order of appearance in the sale, kept their interpretations of The Mañanita and left me. In late 1913, forming the duo with Razzano, debuted at the cabaret Armenonville, appearing during 1914 so as party representations of the company-Alippi Ducasse at the National Theater (January), with Perdiguero-Casaux in the Apollo (March ), With Arellano-TES-Aranaz-Mancini in Rosario de Santa Fe (June), with Viton-Pomar in Cordoba (July), with Rico Mangiante in the Modern Buenos Aires (October) and, in this scenario, for a concert of the Society of Composers Argentina (November). The following year he sang with Razzano in Montevideo, at the Theatre Royal and in the July 18, as part of the cast of Arellano, integrating which traveled to Rio de Janeiro in the making of John Moreira, which premiered in November at the Teatro San Martin. On this occasion was added to its duo guitarist Jose Ricardo. In 1916-always accompanied with Razzano-performance Orfilia Rico at the Odeon of Mar del Plata (February) and the newly formed team of actors Muiño-Alippi in the halls of Marconi and the New, moving in October to Esmeralda, where he sang in My only sad night, that first tango interpreted in public performances. During that same season, played a small role in the filming of the movie peach blossom, who led the playwright Francisco Defilippis Novoa, and returned to Montevideo with Razzano, in the company Rogelio Juarez and Lola Membrives, action in the Urquiza. Called by Glucksmann, recorded the duet-the April 9, 1917 - for Odeon, its initial plate with the song Angel Villoldo Eternal Song, being entrusted to a single-figure Razzano Among Colors-the face of that first record supplementary of phonograph. And continued theatrical presentations, in the Emerald-again-with White Podesta; Alberto Ballesteros and Salvador Rosich, in St. Maarten and the Empire, with Florencio Parravicini, then, in San Nicolas, during a tour of provinces which included a contract performed by the duet in Chile. In 1918, the year of its first two tangos sung for the hard-Flower of My mud and sad night (he appeared before him in the sale) - she appeared with the duo in Montevideo: Theatre festival on July 18 and beneficial in the Park Hotel. Since then, sharply from 1922, his figure was brought gaining supremacy over the Razzano, who gradually fell intervention in the recordings. With the guitarists Jose and Ricardo Guillermo Barbieri (incorporated it in the accompanying 1921), and once completed commitments in the artistic scene of Florida Buenos Aires and Montevideo on July 18 with the cast of Enrique De Rosas and Matilde Rivera, embarked with these players headed to Spain; debuted in December at the Teatro Apollo in Madrid. In return, recorded in the late-24 - as soloist, supported by the orchestra Francisco Canaro, some versions for Odeon, the first of which was the tango The Garconniere and, in 1925-his debut season in radiotelephony Splendid-wave led to record two tangos: Sorry, viejita and Fea, with orchestral framework led by Osvaldo Fresedo. Since September this year, date of untying-Razzano continued his career as an artist and independent figure with a second trip to Spain is; sang in the Romea Madrid and recorded from Echaste good, a series of expensive for the Odeon Barcelona, which played accompanied only by Jose Ricardo. After a fleeting reappearance in Buenos Aires that included hearings on Radio-Prieto, Spaniards returned to the stage, this time with Ricardo and Barbieri, his two guitarists. During the next two years, joined Jose Maria Aguilar and the accompanying acted in Paris: Theatre Fémina, Florida and cabaret records of the French-Odeon in 1928 - and Opera Theater and Empire-January and February 1929 - in April and May , Sang in the Main Palace in Barcelona and Madrid Avenue. He returned to Buenos Aires in June, taking part in a series of short films directed by Eduardo Morera, acting at the Teatro Florida, before microphones National Radio and the chamber of Artigas Montevideo. He returned to Europe during the next year, debuting in Nice and interpreting the leading role in lights of Buenos Aires, film, directed by Adelqui Millar, was filmed in Joinville with Gloria Guzman, Pedro Quartucci and other elements of the Company Theatre in Sarmiento revolves other important roles, and the sextet Julio De Caro. In September 1931, after having registered a second batch of releases for the Odeon in Paris, reappeared in the Broadway of Buenos Aires with the guitarists Guillermo Barbieri, Angel Domingo Riverol and Julio Vivas. From 1932 is his series of films Paramount, during which em-fish to work with him as a script writer and lyricists of songs, Alfredo Le Pera: Espérame (Director: Louis Gasnier), La Casa is Seria (Dir.: Jacquelux) Melody of Arrabal (Dir.: Louis Gasnier). After another brief presentation on Radio Belgrano returned to Europe, recorded in Barcelona on 22 and July 23, a round plate with the violin and piano of Solsona Juan Cruz Matthew, and November 6 in Argentina, their latest Odeon versions: Madame Ivonne, Tu Diagnostics, Silver shooter. Two months earlier had made a brief season at the Theatre on July 18 in Montevideo and a few days later traveled to Paris direction, "Conte Biancamano, accompanied by his musicians and Horacio Alberto Castellanos Pettorossi. From there he moved to New York, singing by the NBC (National Broadcasting Corporation) with an orchestral framework agreed upon by Hugo Mariani. In 1934 and 1935 filmed his five films for Paramount in North America: Cuesta Abajo (Dir.: Louis Gasnier, 1934), El Tango on Broadway (Dir.: Gasnier, 1935), The day you love me (Dir.: John Reinhardt , 1935), Tango Bar (Director: John Reinhardt, 1935) and scenes for Hunters Stars (Dir.: Norman Taurog, 1935). In March of that year sang from New York to Radio Belgrano in Buenos Aires, while the RCA Victor records printed in the sing-able included in his film work: the tango Bitterness was the last thing interpreted for the furrow and the folk song Striker Apure Ox-taped both 19, 20 and March 23-the realization his second season-irrespective of gender-for phonography. In early April he began his tour of Latin American cities. Began in San Juan, Puerto Rico, said Turner took him successively to Caracas, Maracaibo, Barranquilla, Cartagena and Medellin. On June 23 met the performance end of his career at the Teatro Real in Bogota. On June 24, 1935, elaparato that it was carrying from that city to Cali, Medellin stopped in at the Olaya Herrera airport, whose runway, to restart the trip crashed ashore against another plane, determining their death. In addition to the aforementioned compositions, released tangos Mano a mano, Ave aimlessly, Alhaj My (then Medallita of luck), Cold Night, Desdén, Student, suburb of melody, I'm confesario penalty, Volume and obligations, Silence, recalling, evocation, Love, Your eyes are cerrarón and Mi Buenos Aires Querido. Source Horacio Ferrer. Fotos Libro de El Tango y web de Carlos Gardel