Jairo

Jairo

Jairo

Jairo (Cruz del Eje, Córdoba, Argentina, 16 de junio de 1949) es un cantante argentino, cuyo nombre real es Mario "Marito" González. A lo largo de su carrera, ha interpretado temas en español, francés e italiano.

Sus comienzos como cantante fueron en el colegio, donde se unió al grupo de rock´n roll The Twisters Boys y finalmente adoptó el nombre de Marito González en los programas de concursos de los medios cordobeses

En 1970, junto a un compañero de la escuela secundaria, distribuyó un demo de doce canciones a distintas productoras musicales; de esta forma, consiguió grabar un disco simple con dos temas. El artista Luis Aguilé le hizo llegar una propuesta de trabajo, firmando un acuerdo con la distribuidora CBS y mudándose a España. En 1971 ganó el primer Premio de la Crítica y el segundo premio en el Festival de la Costa del Sol. Ese mismo año fue contratado por el sello Ariola.

Grabó junto a Astor Piazzolla varias canciones en 1981, compuestas particularmente para él por el propio Piazzolla y por Horacio Ferrer, entre las que se destaca Milonga del trovador y Hay una niña en el alba. En 1982, hacia el final de la dictadura militar, regresa a Argentina y ofrece un recital sobre la Avenida 9 de Julio, en donde interpreta ante 1.2 millones de personas su versión del tema "We shall overcome".

En 1995, con motivo de su 25 aniversario con la música, ofreció una serie de recitales en su provincia natal, de los que participaron artistas como Mercedes Sosa, Eladia Blázquez, Ana Belén, Lito Vitale, Ariel Ramírez, Jaime Torres, Peteco Carabajal, Piero, Pedro Aznar, Juan Carlos Baglietto, Víctor Heredia, La Mona Jiménez, Cacho Buenaventura y Graciela Borges, entre otros. Fuente Wikipedia

Chucho Avellanet

Chucho Avellanet

Fecha de nacimiento: 13 de agosto de 1941 Lugar: Mayagüez, Puerto Rico
Tras cuatro décadas de intensa labor, Chucho Avellanet cuenta con una sólida trayectoria artística que le mantiene como una de las voces más aplaudidas de Puerto Rico.
Su carrera artística comenzó en la década del 60 cuando integraba el trío Los Duendes. En una de sus actuaciones en el área oeste de Puerto Rico, Gaspar Pumarejo, desaparecido productor cubano, descubrió su potencial artístico y de inmediato lo reclutó para actuar en la televisión.

Chucho dio su primer gran golpe de suerte en el arte cuando, bajo la dirección de Alfred D. Herger, se integró al movimiento de la Nueva Ola y se convirtió en uno de los primeros ídolos puertorriqueños del rock con su primer éxito, "Fugitiva".
Integrando el clan de artistas de Canta la Juventud, el cantante mayagüezano comenzó a trascender en el exterior. Se presentó con éxito en Perú. Actuó en Argentina, Guatemala, México y la República Dominicana. Abarrotó los teatros de las comunidades hispanas de los Estados Unidos. Y en Venezuela, donde se convirtió en un verdadero ídolo, ocupó el primer lugar de las listas por espacio de 17 semanas con "Jamás te olvidaré".
En las postrimerías de la década del 60, Chucho pasó a integrar el grupo de artistas que grababan para el sello United Artists de los Estados Unidos. Para ellos produjo más de 15 grabaciones, entre éstas "In a Little Spanish Town" (disco grabado totalmente en inglés) y, el gran clásico de su carrera, "Love & Violins", grabado con la orquesta de Leroy Holmes. En éste se encuentra su inolvidable interpretación del tema "Mil violines".
Con UA Latino su cosecha de éxitos fue innumerable: "Canta muchachita", "Se acabó", "Ya no existe el amor", "La primera novia", "Si yo fuera rico", "Manolo", "Love Story" y "Por ti", entre otros.

En 1972 Chucho compitió en la primera edición del Festival OTI, celebrada en España. En éste representó a Puerto Rico interpretando el tema "Por ti", del desaparecido compositor Guillermo Venegas Lloveras, obteniendo un honroso cuarto lugar.
Ese mismo año, el cantante puertorriqueño se convirtió en el primer latinoamericano en actuar como estrella invitada en el concurso de Miss Universo, celebrado en el Hotel Cerromar de Dorado, Puerto Rico. Con su actuación, Chucho abrió la puerta para que posteriormente se presentaran en este programa internacional figuras como José Luis Rodríguez y Gloria Estefan y su Miami Sound Machine.

Trascendiendo de década en década, Chucho se concentró en su trabajo en la televisión. Desde los años 60 hasta la década del 80, su trabajo en la pantalla chica se resume en sus actuaciones en espectáculos como "Show Ford", "El Show de Chucho y Lissette", "Señoras y señores", "Con Chucho Avellanet" y, en su última etapa televisiva, "El Show de Chucho Avellanet".
Simultáneamente, Chucho se mantuvo como una atracción de espectáculos musicales en los principales centros hoteleros del país. Así también participó en ocho producciones cinematográficas entre las cuales se encuentran "Libertad para la juventud" y "Un amante anda suelto".
Entrando a una nueva etapa discográfica, Chucho produjo numerosos aciertos en la década del 80 como "Qué mal amada estás", "Será varón, será mujer", "Hoy me recuerdas", "Se me secó la piel" y "Abeja reina". En esta etapa graba uno de sus grandes clásicos, "Recordando a Tito Rodríguez". Igualmente incursiona como productor de sus propios discos creando el sello Unicornio. Para él, su primer proyecto contó con el respaldo del cantautor argentino Alberto Cortez.
Al entrar a la década del 90, Chucho lanzó al mercado su producción "Estoy de vuelta". Con ella llegó hasta la Feria Expo '92, celebrada en Sevilla, España, donde su actuación en el Pabellón de Sevilla fue una de las más aplaudidas del verano.
Luego de un lapso de aparente inactividad, su carrera tomó un nuevo impulso a raíz de la presentación en el Coliseo Roberto Clemente del espectáculo nostálgico: "Chucho, Lucecita y Lissette: El encuentro", celebrado en agosto de 1994, y del cual la multinacional WEA Latina editó una grabación.
De regreso al mundo de las grabaciones, el afamado cantante presentó en 2003 la producción “Ayer, hoy y siempre” en la que incluye duetos con figuras como Danny Rivera, Blanca Rosa Gil, Dagmar y Lissette.
Actualmente presenta su programa semanal a través de las ondas de WIPR Televisión, Canal 6.
Fuente; Javier Santiago web de Chucho Avellanet

Orquesta Típica Sans Souci

Orquesta Típica Sans Souci

La Orquesta Típica Sans Souci fue creada, hacia fines de 1999, con el preciso objetivo de rescatar, para el público actual, el estilo musical de las orquestas típicas de Miguel Caló y Osmar Maderna.

En su conformación, la orquesta sigue los cánones clásicos de la orquesta típica de los años cuarenta: cuatro bandoneones, cuatro violines, contrabajo, piano y vocalista. En cuanto a las orquestaciones, al no contarse con el material original en forma escrita, los músicos han tomado las instrumentaciones directamente de las grabaciones de los maestros Caló y Maderna, tomando como base los arreglos creados por el gran pianista.

La orquesta procura recrear, con el mayor apego posible, las formas originales de uno de los estilos tangueros más puros y a la vez de mayor suceso que diera a luz la célebre década del cuarenta.

La Orquesta Típica Sans Souci se ha presentado en diversos escenarios de nuestro país, incluyendo el Teatro Municipal General San Martín de la Ciudad de Buenos Aires, el Auditorio de la Facultad de Agronomía de la Universidad de Buenos Aires, el Teatro Roma de Avellaneda, El Club del Vino y en varios ciclos del Foro Gandhi.

Asimismo, la orquesta ha participado en la cuarta edición del Festival de Tango de Buenos Aires del año 2002 y en la del año siguiente. Periódicamente actúa en diversas milongas y en audiciones televisivas. Ha grabado su primer disco compacto en abril de 2003 y ha realizado entre los meses de marzo y abril, una gira por Europa, donde fue la animadora del Primer Festival Internacional de Tango de Lisboa, Portugal. Fuente Todotango www.todotango.com

Antonio Tarrago Ros

Antonio Tarrago Ros


R. Rufino, O Pugliese, A Tarrago Ross y S. Piana

Antonio Tarragó Ros nació el 18 de Octubre de 1947 en Curuzú Cuatiá, Corrientes, hijo único de Tarrago Ros y Elia Crispina Molina. Matrimonio fugaz el de sus padres, consumado por la circunstancia contundente del nacimiento de Antoñito y la insólita rigidez moral del abuelo Antonio Ros, que paradójicamente había dedicado su tiempo a escandalizar a los vecinos con posturas socialistas; inconcebibles en tal tiempo y lugar.
Apenas nacido el niño pasó al cuidado de su abuelo Antonio y sobre todo su abuela Florinda. Mientras sus padres seguían cada uno su camino, comenzó a envolverlo el mundo familiar y amoroso de una casa de catalanes anarquistas, enquistados en el corazón de Curuzú Cuatiá.

Abuela Florinda se impuso como madre amantísima y absoluta. Desconfiada de la escuela publica, a su tiempo decidió enseñarle ella misma los rudimentos del saber, a su propio gusto y convicción.
Niño extraño resulto, creciendo en una casa de locos, con los padres lejos, siguiendo cada uno su propio rumbo. Sin ir a la escuela, leyendo sin método a la dirección de la abuela. Sin religión, en esa casa de ateos de la que jamás salía a confraternizar con otros chicos de su edad que crecían y jugaban del otro lado del ligustro y siempre envuelto en las ensoñaciones del maravilloso padre ausente, que triunfaba con su música tan lejos de él.

Ese mundo mágico y peculiar se trunco abruptamente la morir la abuela a pocos meses de haber fallecido el abuelo, cuando antoñito tenia 11 años.
En esa ocasión volvieron los padres. Tarrago desde Rosario apenas recalo para el velorio y se fue recomendándole al niño que para cualquier eventualidad, ahí estaba su amigo Gualberto Panozzo, acordeonista, sodero y compadre del alma. La madre llego desde su misteriosa vida de Buenos Aires y también paso como una ráfaga, pero antes lo dejo en casa de su hermana Lala, en el mismo pueblo y desde allí al campo, a la chacra de los Giroto. Así el niño mimado y solitario, sin mas obligaciones que las que le imponía el criterio singular de la abuela, paso a ser un pequeño peón que debía trabajar para mantenerse.

Pobre Tarragosito, fuera del cerco de ligustro de la casa ahora desmembrada y dueño del horizonte por primera vez, pero con un pan tan fatigosamente ganado.Un día, imprevistamente como siempre lo hacia, apareció de nuevo su madre y decidió que ya estaba bien de salvajadas campestres y se lo llevo al pueblo de Mercedes, cerca de Curuzú, a la casa de su otra hermana Bachita y su marido Macho Pintos.

Fue otra vuelta de tuerca a 180 grados. Bruscos cambios radicales que iban afectando al niño y trazando fuerte su personalidad.
El tío tenia un caballo de carrera que por aquella época fue el mejor amigo de Antoñito. Juntos pasaban las horas que así no resultaban tan solitarias. Un día de juegos mas violentos el caballo le mordió la espalda y el respondió castigándolo con la fusta. Pero apareció el tío Macho y arrancándosela de las manos, le cruzo repetidamente la espalda mordida a longazos. Antoñito lloro amargas lagrimas por el dolor de su primera paliza tan injusta y por su vida tan desquiciada.
Volvió a aparecer su madre otro día cualquiera para exigirle que asistiera a la escuela, pero esta vez Tarragosito armo un berrinche monumental, exigiendo de una vez por todas que quería vivir con el querido Gualberto, el amigo de siempre de su añorado padre y el único que le prometía el afecto que tan desesperadamente necesitaba.

La música siempre estuvo presente en la familia Ros. El bisabuelo Francisquet pasmaba a los curuzucuateños cuando arremetía con antiguas canciones catalanas que arrancaba de un extraño instrumento fabricado con huesos. Al padre Tarrago muy temprano lo encandilo la música de los menchos y se fue tras ella en busca de su destino y a Antoñito solo le quedaba el querido Gualberto Panozzo, que además de repartir soda pulseaba la acordeona y lo fascinaba mientras le contaba anécdotas del padre lejano.
Como no iba a querer irse a vivir con el, después de tanto trajinar por vidas ajenas en las que no podía arraigarse porque a nadie le importaba. Gualberto lo recibió en sus brazos amorosos y lo cobijo con paciencia y sensibilidad.
Cachorrito apenas sosegado, por primera vez hizo la experiencia de ir a la escuela, salteándose años, como alumno aventajado por aquella formación selectivamente autodidacta que le había dado la abuela.
Ahora su vida era algo muy parecido a la felicidad, cruzando el pueblo en el carro a caballo, repartiendo la soda junto a Gualberto y después, sentarse a su lado aprendiendo a tocar el acordeón y escucharlo hablar de su padre, al que ahora recuperaba mas tangiblemente en las palabras del amigo.
Aprendía cosas del eterno ausente que atesoraría para toda la vida y que marcaban los trazos definitivos de su destino, porque, bebía en las palabras de Gualberto, su padre y Cocomarola luchaban en una militancia acérrima por dignificar esta música tan menospreciada dentro y fuera del litoral.
Un día en que se sintió preparado, o tal vez porque las ganas del padre lo ahogaban, se largo de Curuzú con rumbo a Rosario donde estaba el legendario ausente. Se fue con nada de equipaje y dos amigos para la travesía. Partió indocumentado, ya que su abuelo se había negado sistemáticamente a "afiliarlo al estado" y un papelito arrugado con la dirección tantas veces imaginada.
Pero los tres intrépidos se encontraron con la sorpresa de que Tarragó estaba en Buenos Aires. No era justamente su hijo el que iba a volver a Curuzú fracasado en la empresa tan largamente acariciada, así que los tres decididamente continuaron viaje a la Capital, mas exactamente al internacional, un hotel de la calle Bernardo de Irigoyen al 500 donde se quedaron tres días invitados por Tarragó.

Si hubiera que resumir aquella temeraria aventura en pocas palabras, estas serian que a partir de ese momento Antonio puso en claro consigo mismo que le urgía vivir de una vez y para siempre al lado de su padre.
En esa breve estadía comenzó a vislumbrar como era aquello de la militancia chamamecera, tantas veces escuchado en las charlas de Gualberto. La vida de Tarragó distaba mucho de asemejarse a lo que el suponía debía ser la de las grandes estrellas, su padre vivía modestamente y además, no estaba bien de salud.
No paso mucho tiempo antes que se presentara ante su padre en Rosario, llevaba un tremendo golpe en la boca producto de la ruidosa despedida que le habían ofrecido sus amigos en Curuzú y plantándosele delante, le aseguro que su única intención era la de ser músico como el.
Y comenzó a trabajar con el conjunto del padre como acordeonista suplente y presentador, mientras iba descubriendo de a poco que si bien Tarragó no era la estrella fastuosa que el imaginaba desde su abandono en Curuzú, era un artista hasta los tuétanos, amado por las gentes humildes, mujeriego, discutidor y solidario. Y sin duda por ese tiempo de descubrimientos esenciales termino de perfilar su destino, enrolándose en las banderías del padre por la militancia del chamamé y seguramente también fue ahí donde se prometió a si mismo que algún día el llevaría esas música maravillosa y marginal hasta mas allá de las fronteras del país y de los prejuicios, para que sonara en igualdad de condiciones, tanto en los teatros como en las bailantas. Y hasta se habrá imaginado, abrazado a su verdulera, cruzando el escenario del teatro Colon, frente a un publico que ovacionaba de pie.
Reivindicando de una vez y para siempre a su padre y tantos otros. A su propia esencia y razón de ser.


Rosario fue una etapa trascendental para Antonito, el reencuentro con su padre lo desamputó de esa carencia infinita, lo ubico definitivamente en su lugar y le dio aire suficiente como para ir comprendiendo cuales eran los pasos a seguir, para que en el camino trazado el fuera haciendo sus aportes esenciales.
Tarragó era un valiosísimo músico tradicional y su hijo a su sombra, sentía que Rosario le soplaba vientos de renovación de los que se iba llenando con los pies fuertemente atados a sus raíces.

Fue una época de recuperaciones afectivas antiguas y un deslumbrante despertar junto a seres sensibles e inquietos que conoció y que le aportaron todo eso que estaba esperando.

El encuentro con Arsenio Aguirre y su familia, lo mismo que con el músico Chacho Muller abrió la puerta a sentimientos que venia vislumbrando. Desde el chamamé se podía expresar con belleza cosas mas importantes de lo que hasta ahora se había contado.

Intentaba trasladar a su padre estos puntos de vista, pero no coincidían. Tarragó desaprobaba y Tarragosito pateaba paredes embroncado.
Muy lentamente se iba mencionando al músico Ros, hijo que ya desvinculado profesionalmente del padre hacia un tiempito que había armado su propio grupo.

A los 20 años sintió que estaba listo para despegar. Junto sus músicas, su verdulera, contabilizo cuidadosamente todas sus ilusiones y proyectos y con tal bagaje se largo a Buenos Aires.

En apariencias la decisión de Buenos Aires podría parecer un salto al vacío en la ciudad oculta, pero no fue tan así. Antonito sabia bastante bien hacia donde apuntaba y tenia claras las metas. Por otra parte el brazo largo del padre no dejaba de ampararlo, desde el nombre que el mismo llevaba o con recomendaciones que desde Rosario no dejaba de impartir, como aquella entrevista con directivos de la CBS que nunca termino de concretarse, hasta que Julio Marbiz lo llamo a Microfón.

Por otra parte logro acceder al festival mayor de Cosquín con la mejor repercusión y un estreno absoluto del chamamé en ese escenario, hasta el momento entregado a la música del noroeste y a sus popes.
En el año 1972 Microfón sacó su primer disco "Chamamé" con 15 temas bailables aconsejados por el padre y casi inmediatamente el segundo "Sapukai", que ya marcaba claramente el giro que Antonito quería imprimirle a su música, con la línea melódica mas trabajada y letras mas elaboradas.
Pero había mucho y arduo camino por recorrer todavía. El chamamé seguía siendo inaceptable en las peñas y en las bailantas Antonito sonaba medio raro y lo tildaban de sofisticado y hasta de impostor. Ni que hablar de los programas radiales dedicados al genero en los que el trasgresor era severamente criticado.
Luchando a brazo partido, pasando hambre mas de una vez, Buenos Aires lo había atrapado definitivamente y no dejo de trabajar. Fue ganado lugares de a poco. Los detractores lo atacaron hasta la irreverencia mientras crecía su lugar por propio peso en el mundo de la música popular. Le llego el momento de ser contratado por Docta, la gran empresa que manejaba a los grandes del folklore y practimente los cientos de festivales que se hacían a lo largo y ancho del país, a los que los artistas debían cumplir maratónicamente en los meses del verano.
Lentamente su nombre crecía y en esa escalada no hubo retroceso, al año siguiente en el 73 Microfón saco su tercer L.D. "Amanecer de mi Gente" que coincidió con otro hito importante en su vida, pudo llevar al chamame al teatro Vera de Corrientes.

Poco tiempo después su "Chamarra de Santa Elena" calo tan hondo entre su gente que hasta una comparsa la incluyo como el centro del desfile del carnaval correntino de aquel año.

Se decía que la vida era hermosa, empezaban a aceptarlo y se permitía hacer la música que amaba por todo el país, mientras continuaba evolucionándola, hacia donde proponía su expresión depurarla.

Buena parte de la batalla cuyas metas se habían trazado en Rosario pocos años antes, estaban ganadas. Sin duda estaba en el buen camino, su nombre adquiría cada vez mas peso y lograba que la gente aceptara al chamamé buscando en esa expresión algo mas que divertirse.

Para rematarlo su padre le comento un día entre orgulloso y socarrón "sin duda te estas haciendo famoso, un par de veces me han llamado don Antonio".
Ya no le cabía ninguna duda, si es que alguna vez le tuviera, la ciudad oculta le había desentrañado sus secretos. Se la había ganado.

"A pesar de todo, seguramente quise aportar muchas mas cosas de las que di", reflexiona Antonio. "Al principio, cada vez que debía suplantar a un músico todo se hacia un terrible problema porque no podía conseguir a otro que tocara en mi onda. Hoy cualquiera me puede acompañar en Maria Vá, por poner un ejemplo, porque ese tipo de armonización ya se usa en el chamamé".
Detrás de Antonio, en los setenta se venia gestando en Corrientes una afluencia de nuevos chamameceros como Pocho Roch, Mario Bofill, Teresa Parodi, el cura Zinny con los de imaguaré, Juan Genaro González Vedoya, Marily Morales Segovia y Franklin Rubeda, gentes apasionadas por darle otro vuelo a la música litoraleña, que estuviera comprometida con el pueblo y sus temáticas, pero que fuera identificatoria con el destinatario que era la misma gente que lo inspiraba.
Este movimiento por supuesto estaba en contra del chamamé simplemente paisajistas o únicamente bailable.
Los 28 años llegaron siendo una de las estrellas del chamamé que convocaron a mas de 7.000 personas en el Luna Park y donde aparecieron juntos los distintos artistas de vertientes tan opuestos como Damasio Esquivel, el Soldado chamamé, Coco Díaz, el cuarteto Santa Ana, Mary Maciel y el propio Antoñito entre otros muchos que hicieron vibrar hasta el techo en aquella, memorable noche.
"Nosotros somos una generación correntina que aporto cosas y después de nosotros, podría seguir dando nombres de los ochentistas", dice Antonio. "Se que el chamamé esta llamado a ser un boom mundial. No se si será ahora o dentro de 20 años, pero me doy cuenta de esto, porque veo las cosas que pasan cuando tocamos en el exterior".
En apenas 20 años de profesionalidad demostró fehacientemente que su vida es un chamamé y su pasión hacia esta música crónicamente incurable. Tal vez por que le toco vivir la época de la electrónica y su década es la de los Beatles y toda aquella revolución. A lo mejor porque mordió la humillación de que hasta -y sobre todo- en su propio pueblo de Curuzú Cuatiá se avergonzaba un poco de asumirse tan chamamecero ante los compañeros del secundario, quienes impregnados de prejuicio -justamente fue en contra de ese prejuicio que Antonio enarbolo la cruzada de su vida- decían que esa era música de menchos y sirvientitas y la calificaban de categoría "puaj".
A lo mejor porque su padre fue tan grande y tan lejano y tan cercano y toda la historia tan injusta. O por su condición de apasionado a ultranza de la vida y su vida ya lo dijimos, es un chamamé.
Quizá porque todo le resulto tan difícil y tan fácil al mismo tiempo. O será porque sin duda el es un elegido, pero lo cierto es que lo logro.
La primera etapa esta ampliamente cumplida: su música suena tanto en los estadios masivos de rock como en las bailantas, en los teatros como en la televisión.

Con su "Suite Chamamecera" llevo esta música "puaj" al ámbito erudito. Algunas de sus canciones son clásicos de clásicos en el genero. Ha recibido tantos premios como casi años tiene de vida profesional. Grabo 24 L.D., algunos en el exterior y compuso música para cine y teatro. Sus melodías entrañables alcanzan el fraseo definitorio para la emoción y su tratamiento rítmico eleva la esencia chamamecera a alturas insospechadas. Como si todo esto no bastara, se probo como actor carismático y es un personaje publico cuya opinión se consulta porque es sabido que toma partido en serio por las razones que cree justas.

Si, sin ninguna duda la primera etapa de su militancia chamamecera, de su militancia de vida esta ampliamente cumplida. Ahora esta luchando con las mismas fuerzas y con las mismas ganas que hace 20 años, que en Antonio no es poco decir, para elevar esta música a estatura internacional.

"En el exterior se nos conoce poco todavía", casi se disculpa. "Viajamos sin promoción previa y es como que la gente se acerca al teatro mas que nada para enterarse de quienes son esos locos que traen música; pero al escucharla, se mueren de placer. Por ahora son viajes de siembra, nos va bien, pero siempre cuesta mucho hacer el próximo, aunque yo estoy preparando uno para México nuevamente. Estamos geográficamente muy lejos de todo, los pasajes son muy caros y nosotros no tenemos cachet alto, así que para salvar los gastos hay que abrochar actuaciones por todas partes. En estas ocasiones seria capaz de tocar hasta en los velorios si me dejaran. Son viajes muy cansadores y a la vez muy estimulantes. Es empezar todo de nuevo como cuando recién llegue a Buenos Aires, hay que explicar quienes somos y que hacemos, levantarse temprano, tomar unos mates y ponerse las pilas para salir a hacer promociones, pero esta bien, considero que es muy importante dar a conocer esta música. Y todo esto me apasiona; y por sobre todas las cosas me gusta tocar. Si llegara a pasar algún tiempo sin hacerlo, sentiría que algo adentro mío se esta pudriendo".

Claro, como el agua clara, Antonio sabe que si la canción "Gracias a la vida" no estuviera ya maravillosamente compuesta el tendría que hacerlo, porque es agradecido y valora que le haya dado tanto.

Hoy considera que ha crecido y ha alcanzado cierta serenidad. Se siente bien consigo mismo, con su música, sus hijas y afectivamente, mira con bienestar el trecho recorrido y con sus ilusiones, el que le falta recorrer; para alcanzar todo esto ha trabajado y trabaja mucho, le quito y le quitara todavía muchas horas al sueño. A pesar de su vehemencia es un tipo ordenado y básicamente sano, que da mucho tiempo de su vida y de su pasión a cada empresa. También reconoce que se equivoco muchas veces y que recién ahora esta aprendiendo a sacar "la pata del acelerador a tiempo", aunque todavía le cuesta mucho porque, es bien sabido que cuando se apasiona con una idea, es capaz de pasarle por encima como un arado al que se le oponga, solamente con la fuerza de su convicción. Fuente Artistas Argentino en USA

Beltango Quartet (en la actualidad quinteto)

Aleksandar Nikolic

Ivana Nikolic

Nikola Boskovic

Oliver Pastor

Beltango Quartet: cuando se realizo la grabacion de "Tango nuevo" sus componentes eran:
Accordion:Aleksandar Nikolic, Piano: Ivana Nikolic, Violin: Oliver Pastor, Double-bass: Nikola Boskovic
En la actualidad Beltango en un Quinteto en la que permanecen los dos primeros integrantes del cuarteto.
Beltango fue creado en 1998 con el deseo de aproximarse a la cultura de la musica de Astor Piazzolla en el Nuevo tango. Consiguio su objetivo originalmente en Europa y posteriomente fue reconocido en Argentina, Su origen es Servio y en una primer etapa reemplazaron el bandoneon por el acordeon. En la actualidad Alesandar Nikolic, alterna en sus presentanciones acordeon y bandoneon.

En la web de Beltango estan el siguiente comentario realizado por el hijo de Astor Piazzolla en el año 2002:
Estoy orgulloso que exista un grupo como Beltango en el mundo, tocando la musica de mi padre como se debe tocar. Sinceramente me sorprendio ver y escuchar como en un lugar tan distinto al nuestro, se pueda interpretar con el mismo sentimiento la musica de Astor Piazzolla. Evidentemente, la musica de mi padre es totalmente universal, y asi lo demuestra Beltango, con su maravillosa interpretacion.
Daniel Piazzolla

Francesco Guccini

Francesco Guccini

Francesco Guccini es un cantante y escritor italiano, nacido en Módena el 14 de junio de 1940. Los avatares de la Segunda Guerra Mundial hacen a su familia llevarlo, con escasos meses de edad, a Pàvana (pequeño pueblo del apenino tosco-emiliano de donde procedía su padre), donde transcurre su infancia.

Cursó estudios de Magisterio, de los que no llegó a titularse oficialmente hasta que en 2002 varias universidades de Emilia-Romagna y la Toscana le concedieron conjuntamente la Licenciatura "ad honorem" en Ciencias de la Educación Primaria.

Su primer L.P., Folk Beat n.1 aparece en 1967. Hasta la fecha ha publicado otros catorce trabajos discográficos originales y cinco discos en directo. Entre los primeros destacan L'isola non trovata (1970), Radici (1972), Signora Bovary (1987) y D'amore, di morte e di altre sciocchezze (1996). Entre sus grabaciones en directo, su referencia fundamental sigue siendo el doble disco Fra la via Emilia e il West, de 1984.

Entre su obra literaria destaca su debut, con un libro de memorias de su infancia que tituló Croniche Epafaniche (juego de palabras entre "epifánicas" y el nombre del pueblecito, Pàvana -téngase en cuenta que la uve italiana tiene una gran similitud fonética con la efe, siendo una la variante sonora y la otra la variante sorda), al que habría de seguir Vacca d'un cane. Sus novelas policiacas escritas "a cuatro manos" con el escritor Loriano Machiavelli, como la primera de ellas, Macaronì, o Un disco dei Platters. Y su obra de interés filológico Dizionario italiano-pavanese. Fuente Wikipedia

Juan Carlos Baglietto

Juan Carlos Baglietto

1972
Integra sus primeros grupos: "Via Veneto" (covers), "Confidencias" (proyección folclórica). Paralelamente trabaja algunos años animando fiestas infantiles bajo el nombre de "Juan Tolón". Bastante tiempo después en un reportaje concedido al periodista Marcelo Figueras decia: "... de ellos -de los chicos- obtuve la desinhibición en el escenario, porque así es como son, si les gusta, te matan a besos, si no les caés bien te escupen un ojo con la misma naturalidad..."

1975
Se suma a AMI (Asociación de Músicos Independientes).

1977 - 1979
Forma "Irreal" integrado por Daniel Wirtz (bateria), Sergio Sainz (bajo), Juan Chianelli (teclados), Piraña Fegúndez (percusión y flauta) y Beto Corradini (guitarra). En Agosto de 1979, se realiza en Tucumán el 1er. "Encuentro Nacional de Rock del Interior". Toca Irreal (Rosario), junto a Redd (Tucuman) y Trigémino (Buenos Aires). La banda se disuelve un mes antes de grabar su primer álbum, en 1979.
1980 - 1981
Participa de una serie de conciertos con una banda integrada por: Fito Páez (teclados), Silvina Garré (voz) y Zappo Aguilera (percusión). Lo "descubren" distintos productores de Buenos Aires y lo invitan a participar en el "Encuentro de Música Popular", que organizado por la revista Humor, va realizarse en el Estadio Obras Sanitarias. Baglietto completa su banda incorporando a Rubén Goldín (guitarras y voz), Sergio Sainz (bajo) y Marco Pussineri (bateria). El 7 de agosto se presentan en Obras sorprendiendo al público y a la crítica con su calidad interpretativa, la fuerza de la banda y la excelencia de los temas, entre los que se destacan las composiciones de Fito Paez, Adrian Abonizio, Ruben Goldín y Jorge Fandermole, todos rosarinos. Hacia fines de año, firma contrato con EMI-Odeon y graba su primer álbum. "Tiempos Difíciles".

1982
Se publica "Tiempos Difíciles", su primer LP, que sale a la venta en abril de 1982, alcanzando en solo un mes el disco de oro (30.000 copias). Es el primer artista en argentina que con un disco debut alcanza vender esta cifra. Participa en el 3er. Festival de Rock de La Falda. Se presenta el 14 de Mayo en el Estadio Obras. En agosto se publica en Chile "Tiempos Dificiles". Sobre final de año se publica su segundo disco "Actuar para vivir". Hoy "Tiempos Difíciles" lleva vendidas mas de 130.000 unidades.

1983
Fito Páez y Silvina Garré dejan la banda. Se publica "Baglietto", su tercer LP. Regresa Triunfal al Festival de La Falda. Paul McCartney despues de escuchar varios discos de música contemporanea argentina dijo sobre Juan Carlos Baglietto: "...Técnicamente no es ninguna maravilla, pero su voz es extremadamente interesante. Maneja un amplio espectro de tonalidades, ... hay algo en su voz que traduce melancolía...". Realiza una gira de Promoción por Chile -Actua en el Festival de Viña del Mar- y Mexico. Realiza un ciclo de conciertos en el Teatro Astral los dias 11,12,13,18,19 y 20 de noviembre.

1984
Se publica "Baglietto & Compañia", mitad recopilación y mitad de temas originales. Vuelve a presentarse en el Festival de Rock de La Falda. Viaja a España en una gira de promoción. Se une a Nito Mestre, Celeste Carballo y Obeja Negra. Juntos recorreran el pais y Chile presentando "Porque Cantamos". La gira culmina en Buenos Aires, en el Teatro Coliseo, en donde se grabó un disco en vivo que publicó el año siguiente el sello EMI.

1985
Fito Páez habia estado tocando en la banda de Charly Garcia. En marzo se presentan, cada uno con su respectiva banda, en el Chateau Rock ‘85, en Cordoba. En junio acuerdan presentar juntos el material de sus últimos trabajos, hacen tres shows en el Estadio de Obras y otro en el estadio de Rosario Central. En la segunda mitad del año graba "Modelo Para Armar", sale publicado este mismo año y lo presenta el 27, 28 y 29 de diciembre en el Teatro Opera. La escenografía vistió al toda la sala de un gran taller y Juan baja en una bicicleta colgada de un cable en el arranque del show.

1986
Se presenta en Barrancas de Belgrano en el ciclo de conciertos organizados por la Secretaria de Cultura de la Municipalidad convocando a cerca de 40.000 personas. Presenta en Obras sanitarias su nueva placa "Acné" con renovadas versiones de temas que ya forman parte de la historia del rock nacional. La puesta en escena muestra un Wincofón gigante donde el plato hace las veces de tarima de músicos y un rayo de laser dibuja un disco que cae al comienzo del show. Realiza una gira por varias ciudades del pais : Rosario, Mar del Plata, Córdoba, Catamarca, ante multitudes en estadios al aire libre. Antes de terminar el año graba y publica su 8vo. LP "Mami".

1987
Realiza presentaciones por el interior del país presentando su placa "Mami" con marionetas gigantes, bailarinas y una impactante escenografía. Prepara una gira latinoamericana con presentaciones en Cuba, Teatro Carlos Marx, junto a Fito Páez, y otras en Mexico y Perú con su banda.

1988
Logra concretar el proyecto del estudio de grabación propio. Produce álbumes de Abonizio, Corradini-Campos, Anabel López (hermana de Silvio Rodríguez) y de Tania Libertad y prepara demos propios. Viaja a la U.R.S.S. para representar a la Argentina en el Festival Mundial de la Juventud, junto a León Gieco y Litto Nebbia, entre otros.

1989
Vuelve a tocar en el Chateau Rock. Viaja a Corea del Sur para representar a la Argentina el Festival Mundial de la Juventud. Realiza una gira por México, Suecia y Holanda. Se presentan junto a Silvina Garré en el Teatro Opera, el exito es total, realizan 7 funciones en este teatro y una semana despues se presentan en el Luna Park con entradas totalmente agotadas. Graban el disco: "Baglietto-Garré"
1990
El éxito de este disco, los lleva a prolongar las actuaciones, esta vez con una gira por todo el país, que los ocupa por varios meses.
Graba "Ayúdame a mirar", desarma la banda que lo venía acompañando con algunos cambios desde sus comienzo y arma un grupo compuesto por 3 guitarras y percusión. Lo presenta el 17, 18 y 19 de agosto en el Teatro Opera. La puesta en escena muestra una banda totalmente acustica sobre un fondo de tres pantallas con slides que "cambian" la escenografia tema a tema. Realiza una gira por Ushuaia, Rio Grande, Rio Gallegos, Comodoro Rivadavia, Viedma, Bahia Blanca y Santa Rosa presentando este espectáculo, igual al que se vió en Buenos Aires.

1991

Publica "Postales de este lado del mundo" producido por Lito Vitale. Rinden homenaje a la música argentina y sus creadores. Las postales más representativas de nuestro pais. Lo presenta en el teatro Opera, junto al cuarteto de Lito Vitale el 19, 20 y 21 de diciembre.

1992
Se presenta en el Festival de Cosquin. En junio viaja con su banda a España a presentarse en la Exposición mundial de Sevilla, Expo Sevilla ’92 en representación de la Argentina junto a otros artistas. A su regreso se presenta en Cordoba, Rosario y La Plata. Nuevos cambios en su banda, se van Pollo Raffo y Marco Pusineri y llegan Claudio Cardone y Marcelo Novatti

1993
Se presenta en el Festival de Cosquín. En junio actua en Rosario junto a la Orquesta Sinfonica Provincial, con arreglos de Leo Sujatovich. El 21 de Setiembre se presenta en Mendoza junto a Silvina Garré, en la Plaza Independencia ante mas de 20.000 personas. Viaja a Los Angeles para grabar un nuevo CD, es el primero realizado fuera del pais. Publica "Corazón de Barco", a los pocos meses realizando una actuación en Tucuman ante 15.000 personas, se cae del escenario y se fractura la mandibula. Despues de una operación permanece 2 meses sin poder abrir la boca y sin poder cantar por mas de 5. El 17 de octubre de 1993 publica en Pagina/12 su versión de lo que estaba viviendo en ese momento. Gana el premio ACE, como solista pop por su CD "Corazón de Barco" Se presenta en el Teatro General San Martin dentro del ciclo de "Clasicos Populares". Actua en los Festejos por los "10 Años de democracia" junto a otros artistas con un show multitudinario en la Av. 9 de Julio.

1994
Se presenta en el Festival de Cosquín, tiene junto a otros artistas, un altercado con Guarani. Es declarado Ciudadano Ilustre de la ciudad de Rosario. Se presenta en el Teatro General San Martín en los festejos por los 50 Años del teatro. Presenta "Corazón de Barco" en Córdoba, Rosario, Mar del Plata, Santa Rosa, Neuquen y Comodoro Rivadavia. Toca junto a su banda en el Monumento a la Bandera de Rosario convocando a una verdadera multitud.
2000
"Postales del alma" del duo Baglietto - Vitale es distinguido con el premio Grammy Latino al Mejor álbum de Tango, el premio lo entregan en setiembre en Los Angeles, pero el duo no viaja a recibirlo ya que esa misma noche estaban partiendo hacia una nueva gira por el interior del país. Una semana después viajan a Londres, para presentarse en el Barbican Centre, junto a otros artistas argentinos.

A lo largo de todo el año visitan las siguientes ciudades: Campana, Mar del Plata (Teatro Auditorium - en dos oportunidades - y Villa Victoria), Santa Teresita, Necochea, Villa Gesell, Neuquen, Carlos Paz, Mina Clavero, La Cumbre, Anfiteatro de Mataderos (en dos oportunidades), Quilmes, Country Banco Provincia, Conrad (Punta del Este), Montevideo, Pehuajó, Chivilcoy, Concepcion (Tucuman), Santiago del Estero, Catamarca, San Miguel de Tucuman, Salta, Jujuy, Escobar, San Nicolas, Club Lagartos, Rio IV, Villa Maria, Avellaneda, Bernal, Santa Fe, Cordona (El Colono), San Francisco, Rafaela, Lujan, La Tratienda (en tres oportunidades), Mar del Plata (La Subasta), Merlo, Mercedes, Lomas de Zamora, Comodoro Rivadavia, Puerto Madryn, Trelew, Bahia Blanca, Club Hebraica, Rosario, (Teatro Astengo), Venado Tuerto, Santa Rosa, Neuquen, Bariloche, San Martin de los Andes, Pergamino, Tandil, Resistencia, Corrientes, Mendoza, Villa Mercedes, San Juan, San Pedro, Carmen de Areco, Balcarce, Azul, Centro Cultural Recoleta, Cordoba (Sala de las Américas; se realiza una nueva presentación del espectáculo "El Grito Sagrado" en Mendoza. Reciben el Premio "Estrella de Mar" en el rubro mejor grupo musical.
Publican un nuevo CD, "No Olvides...", grabado en vivo y lo presentan el 1 y 2 de diciembre en el Teatro Opera.

2001
Desde que en enero de 1999, Juan Carlos Baglietto, comenzara a trabajar con Lito Vitale, el duo por primera vez enfrenta el desafío de trabajar con material inédito. El disco que estará en la calle en días más incluye temas nunca grabados anteriormente, de autores como Adrián Abonizio, Jorge Fandermole, Roque Narvaja. También hay temas propios : "Malas Plabras" el tema que abre el disco tiene letra de Baglietto y música de Vitale y Gonzalez, aires renovados en tiempos difíciles.
El duo que se consolidó en años anteriores como uno de los grupos mas exitosos de la actualidad, presenta un nuevo CD, que desde su nombre, no pasará inadvertido.

En tres años llevan realizados
• 230 Shows durante la gira 99-2001
• 102.000 kms. recorridos
• 260.000 personas vieron sus conciertos

2 Giras Solidarias realizadas por 31 ciudades, donando la suma de 227.000 $ a las escuelas beneficiadas.

En el 2001, el duo realizó shows por distintos lugares del país, destacandose el show de Parque Sarmiento, junto a Fito Páez, ante 120.000 personas y en la Fiesta de la Vendimia en Mendoza ante 28.000. Actuaron también en : Salta, Tucuman, Jujuy, Santiago del Estero, Mar del Plata, Villa Gesell, Cordoba, Carlos Paz, Alta Gracia, Rio III, Villa Gral. Belgrano, Cipolletti, Zapala, Villa La Angostura, Santa Fe, Parana, entre otras ciudades. Fuente Web de Juan Carlos Baglieto

Lito Vitale

Lito Vitale

Lito Vitale (Héctor Facundo Vitale; Villa Adelina, provincia de Buenos Aires 1 de diciembre de 1961), es un compositor y pianista argentino.

Talentoso pianista, fue inicialmente alumno de su madre, la profesora Esther Soto. Junto con otros colegas músicos vecinos del partido de San Isidro en el Gran Buenos Aires, formaron la Cooperativa de Música «MIA» (iniciales de «Músicos Independientes Argentinos») cuando contaba sólo 13 años. «MIA» se hizo popular en los ambientes de rock progresivo a fines de los años 1970.

Otros músicos arrancaron a través de MIA, incluyendo a su hermana Liliana, a la cantante Verónica Condomí, y a los instrumentistas Juan del Barrio y Daniel Curto.

Después de «MIA», Vitale comenzó una serie de colaboraciones con muchos músicos argentinos. Actúo y grabó con Dino Saluzzi, luego con Bernardo Baraj (saxo) y con Lucho González (guitarra) formó el grupo «El Trío». Esta formación adaptó clásicos de tango, milonga, y folclore, siendo muy populares entre los estudiantes, audiencias de jazz, y programadores de radio, una especie de equivalente local de artistas del sello ECM como Pat Metheny o el cuarteto europeo de Keith Jarrett.

En los años 1990, Vitale grabó tangos con Juan Carlos Baglietto, recibiendo un Premio Grammy de música latina por dicha colaboración en el año 2000. También durante esos años, Vitale grabó jazz con Lucho González y con el flautista Rubén Mono Izarrualde. Con ésta formación asistió al Festival de Jazz de Montreux de 1998.

Vitale ha compuesto bandas de sonido para muchas películas argentinas. Obtuvo el prestigioso Premio Konex en dos oportunidades: como arreglador en 1995, y como instrumentista en 2005.
Estuvo en la despedida de Julio Bocca.Fuente Wikipedia

Julia Elena Dávalos

Julia Elena Dávalos

Julia Elena Dávalos

Nació en Salta dentro de una familia de poetas como su padre Jaime, responsable de la renovación que sufrió el Folklore en la década del cincuenta, y su abuelo Juan Carlos, quien fuera miembro de la Academia Argentina de Letras.

Eligió el mundo de la música y siempre mantuvo una visión crítica hacia el negocio musical. “Yo siempre iba a cantar con mi papá, de algún modo eso conllevaba que yo sufriera mucho porque mi papá era un hombre transgresor y subía al escenario a decir lo que la gente no quería oír. Jamás entré a este oficio pensando que era un trabajo que me diera plata, ni entré enamorada del éxito. Para mí el éxito es algo despreciable, algo que da dolor, comprometiendo hasta tu más profunda intimidad.”

Julia Elena es una juglar y una verdadera folklorista, toca todos los instrumentos, la guitarra, el charango, el bombo, el cajón, el cuatro venezolano. Empezó su carrera con los Hermanos Ávalos. Luego cantó con Margarita Palacios, Marta de los Ríos, con Libertad Lamarque, con Mariano Mores y su orquesta y con Eduardo Falú. “Yo nací en Salta por alguna razón, y en mi Tata compartí a don Atahualpa Yupanqui, que ya había compartido la mesa con mi abuelo y a casa venían todos changos jóvenes que después fueron "Los Fronterizos", "Los Chalchaleros". Siento que soy un montón de mujeres que están en un cuerpo”.

Es autora de innumerables temas como "La Ollera", “Yo soy mujer”, “Viva nadie,viva pueblo !”, “Changuito patitas pilas”, “Indio coya, gaucho...hermanos”, “La alhajita”, “Santa Rosa de Lima”, “La gaucha de Güemes”, “Changuito bombisto” y “Diableríos y salamancas”.

Tiene veintiún placas discográficas en su haber de las que podemos citar “Canciones” con Cacho Tirao, “La Historia”, “Canciones de amor”, Gracias a la Vida, y Allpa Kamaska con Jaime Torres.

Además Julia Elena es una consagrada artísta plástica. Fuente "El portal de Salta"

Carlos Vicente Geroni Flores

Orquesta Carlos Vicente Geroni Flores

Carlos Vicente Geroni Flores

FLORES, Carlos V. G. (Nombre de familia: Alejandro Carlos Vicente Geroni).
Músico. Pianista. Director. Compositor. Nació en Buenos Aires, en Corrientes y Esmeralda, el 22 de marzo de 1895. A los cinco años de edad inició sus estudios musicales, cursando piano con Ernesto Dragonsch y en el Conserservatorio Real de Lisboa del que egresó con una beca al Brasil para estudiar contrapunto y armonía en la filial brasileña del Conservatorio Real de Lisboa del que egresó con títulos de profesor superior de piano y de violín, en 1911. Sus primeras presentaciones en público las realizó en Buenos Aires, interpretando a compositores europeos, en el Prince George's Hall y en el Salón La Argentina.
Actuó luego como violín concertino de la orquesta del elenco de operetas Cittá di Milano. Sin embargo, su pasión por el tango lo unió poco después a Enrique Saborido en un atrevido proyecto de viajeros: seguir las huellas pioneras de Ángel Villoldo y de Alfredo y Flora Gobbi por Europa.
Así lo hicieron, actuando con marcado suceso en Roma, Amberes, Londres y París, donde él tocó el piano y Enrique Saborido ofreció exhibiciones de la danza del tango.
Y al estallar la Primera Guerra Mundial regresaron a Buenos Aires. A partir de 1915, ya en los umbrales de su madurez de artista, contribuyó a la par de Eduardo Pereyra, de Juan Carlos Cobián, de Enrique Delfino—todos ellos ejecutantes de buena formación técnica para la época— a la rápida evolución pianística que se verificó a la sazón y la cual fue el cimiento de toda una corriente de estilos, en orquesta o en solo, llevada a su primer apogeo por José M. Rizzuti, Francisco De Caro, Osvaldo Pugliese y otros. Una de sus más señaladas actuaciones tuvo lugar en el foyer del Teatro de la Ópera, donde reemplazó a Delfino en un dúo de piano y violín con Agesilao Ferrazano, cuya refinada modalidad marcó una época; Alhambra, tango romanza suyo, de rica melodía, grabado para la casa Víctor, es una muestra perfectamente representativa de esa labor. Se presentó, en carácter de solista de piano, en el café Colón, de la Avenida de Mayo, formando asimismo su sexteto en el que alternaron entre otros, Manlio Francia, Agesilao Ferrazano, Bernardo Germino, Arturo Bettoni (violines) y Carlos Marcucci, Juan B. Guido y Ricardo Brignolo (bandoneones), registrando siempre para Víctor versiones como El secante, de Brignolo, en estilo próximo, aunque valorativamente por debajo, a los de Cobián o Fresedo. Obtuvo a la sazón un augural suceso de compositor con el tango Melenita de oro, que, llevó letra de Samuel Linnig y estrenó la actriz Manolita Poli el 25 de agosto de 1922 durante las representaciones del saínete Milonguíta, ofrecido en el Teatro Nacional. Re-frendó la calidad melódica de esta composición con otro tango de 1923: La cautiva, consagrado en el disco ese mismo año por una memorable realización vocal de Carlos Gardel. A éstos siguieron, entre otros, Maniquí, Campana de piafa, La traición, Pajarraco, Melancólica casita, Andate con la otra, Virgen del perdón, Sólo se quiere una vez y la música para el romance de Reta y Viale La Sangre de las Guitarras, estrenado en 1929. En 1931 resolvió volver a Europa. Le acompañaron en esa ocasión los bandoneonistas Moresco, Gino y Presas y los vio-linistas Marcy y Canfrance, así como el "chansonnier" Alfredo Marino. Actuó con su conjunto sucesivamente, en locales, teatros y emisoras de Río de Janeiro, Islas Canarias, África del Norte, Italia y ciudades diversas de España. Una creciente racha de circunstancias adversas le llevó a la disolución de su orquesta. Y, anclado en Lisboa, ganó para su vida con lecciones de piano y de canto. Poco a poco, sin embargo, fue rehaciéndose, y ya en plena recuperación es-piritual fue llamado para musicalizar la película Pan Nuestro, rodada en Portugal y en la cual participó también como actor.
Una vez terminada esa actuación, retornó a España, donde luego nació su vocación por la pintura, a la que se entregó con idéntica pasión que a la música y en la cual alcanzó a descollar con exposiciones altamente cotizadas en distintos centros artísticos de Europa. Falleció en Madrid a los cincuenta y ocho años de edad, en casa del conde de Arcentales, el 22 de junio de1953. 
Por Horacio Ferrer

José Mário Branco

José Mário Branco

José Mário Branco (nacido en Porto, 25 de mayo de 1942) es un músico y compositor portugués.

Hijo de maestros de escuela, se crió en Oporto y también estudió Historia en la Facultad de Humanidades de la Universidad de Coimbra. Exponente de la intervención de la música portuguesa, comenzó su carrera en el nuevo Estado, después de haber sido perseguido y exiliado en Francia entre 1963 y 1974. Trabajó con José Afonso, Sérgio Godinho, Luís Represas, Fausto Camané, entre otros, con quien participó en conciertos y en álbumes como cantautor editado y / o responsable de arreglos musicales. También escribió y cantó para el teatro, el cine y la televisión. En 1974 fundó el GAC - Grupo de Acção Cultural y grabaron dos discos.

Entre intervención de la música, el destino y otras obras son sus famosos discos deben permanecer unidos, a la margen de un camino y su trabajo nocturno, en el movimiento revolucionario, su grabacion mas conocida es FMI que la realizo con sus sueños rotos en Portugal. Este último fue prohibido por la transmisión por radio, la televisión o la exhibición pública . A pesar de ello, el FMI será probablemente su obra más conocida. Su último álbum, lanzado en 2004, titulado Superar la resistencia es un homenaje al pueblo de Timor que soportaron décadas de ocupación por las fuerzas de Indonesia poco después de 25 de abril. La ideología socialista se expresa en muchas de sus letras.

En 2006, 64 años, José Mario Branco, inició una licenciatura en Lingüística en la Facultad de Humanidades de la Universidad de Lisboa. Terminó su 1er año con un valor promedio de 19,1 y es considerado el mejor estudiante de su curso. Le entregaron premios a él, que rechazó, diciendo que era "algo normal en una carrera académica." Fuente Wikipedia en Portugues

Virgilio Exposito

Virgilio Exposito

Extraordinario pianista, talento de una precocidad asombrosa (a los 14 compuso “Maquillaje”), autor de cientos de obras, polémico conversador (se ganó un exilio del ambiente tanguero cuando aludió a la sexualidad de Gardel), Virgilio Expósito conformó con su hermano Homero una de las sociedades artísticas más importantes de la música argentina. Hoy se cumplen 12 años de su muerte, y Radar lo homenajea con esta entrevista inédita, dada poco antes de morir a quienes hoy trabajan en una biografía de los hermanos, en la que Virgiliorecorre su vida, la canción gauchesca que escuchó de niño y dio grandes poetas populares, la increíble aventura de Homero, que los llevó a estudiar el jazz cuando ya se sabían todos los tangos, el modo inesperado en que su bolero “Vete de mí” cambió la música en Cuba, lo que lo llevó a convertirse en un intérprete internacional en sus últimos años, las conversaciones entre los dos mientras componían “Naranjo en flor” y la respuesta que les daba a los jóvenes cuando le preguntaban qué significaba eso “era más blanda que el agua”. Además, el recuerdo de los últimos músicos con los que colaboró: Litto Nebbia y Andrés Calamaro.Domingo, 25 de octubre de 2009

Enrevista para pagina 12 por Por GABRIEL PATRONO Y PABLO BOBADILLA

En la primera declaración de la última entrevista que dio antes de morir, Virgilio Expósito recordó: “Mi viejo nos puso estos nombres, Homero a mi hermano y Virgilio a mí, y parece que nos anticipaba el camino por el que más tarde anduvimos”. Era una frase que repetía en sus conciertos, siempre antes de tocar alguna canción compuesta junto a su hermano, el poeta Homero. Sus vidas y sus obras están ligadas. Componiendo todos los días, entre ambos construyeron un repertorio ineludible dentro del tango canción. Composiciones como “Maquillaje”, “Chau no va más”, “Naranjo en flor” y el bolero “Vete de mí”, del que se han grabado más de 400 versiones, incluyendo las de Bola de Nieve y Caetano Veloso. Fue uno de los músicos más representativos de la generación del ’40. En la última década de su vida colaboró con artistas sobresalientes del rock argentino, primero con Litto Nebbia, luego con Charly García en la banda de sonido de Funes, un gran amor, y después con Andrés Calamaro, tuvo de alumnos a Juan Carlos Baglietto y a Max Masri, uno de los creadores del tango electrónico. También abonó el terreno del proto rock argentino: a fines de la década de los ’50 se convirtió en productor discográfico de Billy Cafaro y viajó a Estados Unidos tocando en un barco con una orquesta de jazz. Apenas una parte del camino que anduvo junto a su hermano y en el que los puso Manuel Juan Expósito. El padre había sido criado en la Casa de Niños Expósitos, el hogar de huérfanos de la calle Montes de Oca, en Buenos Aires, hasta que se escapó de su familia adoptiva, se fue hacia Banfield y después a Zárate, donde comenzó a trabajar en una panadería, luego se empleó en el ferry que transportaba los trenes hacia Entre Ríos, llegó a dominar cuatro idiomas y más tarde fundó una confitería con la que se convirtió en pastelero de profesión, a la vez que se mantuvo activo como poeta y director de teatro con ideas anarquistas.


En dos casetes TDK quedó guardada la hilacha de voz de Virgilio contando su vida, habló lento, tranquilo, pausado. Se le notaba el cansancio, pero se entusiasmaba al hablar de la obra de Francisco Canaro, de Astor Piazzolla, recuperaba la vitalidad mientras revolvía sus cosas en busca de viejas partituras que citaba y tocaba en el piano, en el living de su piso en Recoleta en el que se amontonaban dos teclados, una computadora, carpetas y estanterías con discos y adornos de su esposa. Era 1997 y sus dos hermanos ya habían fallecido: Homero en 1987 y Luis María en 1992. Había dado clases desde la mañana y estaba en la semana de una mudanza. Fueron cerca de dos horas de anécdotas y recuerdos, habló de lo que quiso pasando del piano al sillón, recitando y cantando fragmentos de sus obras, forzando a que las preguntas interrumpieran su monólogo. Era como si supiese que le quedaba poco tiempo. Fundamentalmente mostró su compromiso con el trabajo y su pasión por el camino emprendido. Contaba su vida cantando sus obras, una ternura recia viaja en su voz chiquita y áspera.
HOMERO Y VIRGILIO ESTUDIAN LOS CLASICOS Y LOS NUEVOS


“Piazzolla decía: ‘A mí me nefriega (sic) todo lo que dicen estos tipos. Ahora lo voy a torcer, voy a hacer lo que yo quiero y si no les gusta, que se vayan a la mierda’. Algunos tipos dicen que hay un Piazzolla, vamos a decir, hasta el tango de Pichuco y otro después del tango de Pichuco. Yo digo que hay dos partes en mi vida: hasta los 9 años y después de los 9 años. Mi hermano Homero era un tipo muy inquieto. Cuando yo tenía 9, él ganó un concurso literario, ahí cumple quince y papá le dice: ‘Bueno, cumplió quince años y va a tener un día solo en Buenos Aires, haga lo que usted quiera. Acá tiene 200 pesos’. ¡Era un sueldo! Entonces Homero vino por primera vez a Buenos Aires solo, se bajó en Retiro y dijo: ‘Si mi papá caminó hasta Banfield, yo voy a caminar hasta llegar adonde yo quiera’. Empezó a caminar por la calle Maipú y se fue, atravesó Corrientes y encontró la primera casa de música, la casa Breyer, que vendía pianos. Entra y dice: ‘Yo de tangos lo sé todo, creo que debo tener todo. Yo busco otra cosa, otros nombres, otra idea’. Entonces, el vendedor le dice:


–Usted debería meterse en asuntos de jazz.


–¿De jazz? ¿Cómo es?


–Vea, siga, camine treinta o cuarenta metros más y se va a encontrar con la casa Neuman.


Va a esa casa que tenía toda la música importada que se pueda imaginar, editada por ellos mismos, y mi hermano se llevó doscientos pesos de música. Incluido todo, todo, ¿eh? No quedaba nada. Cayó en mi casa con la ‘Rhapsody in Blue’, con el álbum de Duke Ellington, toda la música de Gershwin, todo, todo, todo lo que había. Y entonces me dice: ‘Mirá, esto va a ser un despelote, así que si no empezamos por ordenarnos un poco se nos va a armar un quilombo. Porque vos fijate hasta dónde hemos llegado. Tocá este tango que vos tocás’, y yo toqué ‘Churrasca, mi churrasquita’ (canta).


–Es una cosa incipiente al lado de todo esto que es música popular, eso es muy incipiente.


–Y... pero es de Lomuto –le dije.


–Está bien que es de (Francisco) Lomuto. ¡Te digo que es incipiente al lado de lo que hacen estos tipos! A ver tocá esto.


Yo miro y le digo:


–Pero a mí no me van a alcanzar los dedos, esto es difícil.


–Bueno, entonces ponete a estudiar, empezá por orden, a ver, cazá esto.


–Pero acá dice medio tempo y yo no sé cómo será, ¿qué será?


–Yo tengo algunos discos que traje, vamos a escuchar y ahí vamos a ver cómo es.


Y ahí empezamos y le dimos a todo este asunto del jazz que parecía hasta mentira. Yo a los 20 días tocaba ‘Sofisticated Lady’ de Duke Ellington como si fuera una cosa corriente y era una música muy mejorada la que habíamos encontrado. Le decía a Homero: ‘Esto es raro’, y él me decía: ‘Esto ahora es raro para nosotros que estamos acostumbrados a otra música. A corto plazo todo esto es antiguo para nosotros’.


Homero tenía sus rayes. Efectivamente al poco tiempo era antiguo para nosotros. Y bueno, ahí descubrimos cómo era aquella música. Descubrimos cómo se llamaban las partes de una pieza de música: tema, repetición del tema, después un verse o un puente y después repetición del tema para fin. Cuatro veces ocho compases, en 32 compases estaba todo.


Me dice: ‘Los mexicanos, fijate vos, se han afanado de aquí para hacer el bolero’. Vemos efectivamente que estaba con la misma medida del bolero, nada más que uno estaba en 4x4 y el otro iba en el ritmo del bolero. Ahí nos dimos cuenta de que había que estudiar en serio las canciones para saber componer. Yo componía canciones que me parecían, apenas como me parecían y Homero les ponía letra. Así hicimos una canción que se llamaba ‘Vete de mí’.”
ATENTO HASTA DORMIDO


Virgilio nació el 3 de mayo de 1924 en Campana, pero a los tres días se mudó a Zárate, nació 5 años después que su hermano Homero y cinco años antes que Luis María, sus padres eran Manuel Juan Expósito y Rafaela del Giúdice Cafaro. En los cinco años que separan el nacimiento de Homero del de Virgilio, el hermano mayor se ganó gracias a sus imitaciones y actuaciones el apodo de “Mimo”; también ganó un premio por disfrazarse de lámpara y su apodo de infancia se convirtió en el nombre de la confitería que la familia Expósito abrió y dirigió en Zárate.


Virgilio comenzó a estudiar el piano a la edad de cuatro años, se formó en música clásica y estudió con el violinista alemán Juan Elhert, que formó a una generación de músicos que integraron su orquesta y luego se lanzaron al público de Buenos Aires: Armando Pontier y los campanenses Héctor “Chupita” Stamponi y Cristóbal Herreros. Cursó sus estudios primarios en Zárate y el secundario en el Liceo Militar de Escobar, donde enseñaba música Alberto Ginastera.


Viajando en tren conoció a su primera esposa: Ofelia Inés Bertolotti. Sentada junto al piano vertical alemán en el que Virgilio aprendió a tocar, Mónica, la mayor de sus cuatro hijos, cuenta: “El vivía acá en Zárate y mi mamá en Escobar, y él tenía que tomar el tren para ir a Escobar para casarse por civil. Se fue a tomar el tren y, como siempre, llegaba corriendo, siempre a último momento, toda la vida fue igual. Corrió en la estación al tren que ya había salido, se cayó entre el andén y la vía y todos los vagones, que no sé cuántos eran, le pasaron por encima y le golpearon la cabeza, entonces en cambio de casarse estuvo internado, todo roto. Desde ese momento le quedó una disritmia cerebral que la llevó toda su vida: podía estar en el cine viendo la película y de pronto parecía dormirse, porque se le dormía una parte del cerebro, pero otra le quedaba despierta. ¿Entonces qué pasaba? La gente que iba con él podía pensar que se dormía y podía comentar lo que quería. Pero cuando veías que se despertaba, te contestaba lo que vos estabas diciendo. La gente quedaba atónita. La disritmia te afloja, es un mal bombeo de la sangre del corazón y quedaba así. Tengo fotos de él dormido dirigiendo una orquesta. Arrastró esta disritmia desde los veinte años durante toda su vida. Pero no murió de eso, él murió por un aneurisma de aorta abdominal que tenía un montón, cuando lo abrieron creían que tenía uno, pero tenía un montón. El sabía que el día que lo operaran de eso se iba a morir porque había tenido infartos pasivos. Me pidió permiso para operarse luego de descomponerse y me dijo: ‘Me quiero operar porque quiero vivir’”.
EL TANGO Y EL BOLERO, UN SOLO CORAZON
¿”Vete de mí” fue una de las primeras obras que compusieron juntos?


–No. Debe haber sido la obra número 150, porque todos los días componíamos una o dos canciones. Ya para ese entonces el cantante Gregorio Barrios había grabado algunas cosas mías. Cuando hicimos “Vete de mí”, decíamos: “Che, qué tema tan difícil, está siempre arriba, esto no lo va a querer grabar nadie”... Hasta que decidimos evitar el verse de 8 compases que va en el medio, donde cambia la melodía por otra cosa. Dijimos: “Vamos a hacer dos partes de 16 compases”. Y ahí hicimos un bolero. Hoy, “Vete de mí” es la canción que más ha transformado al género del bolero; nosotros le pusimos bolero a “Vete de mí” porque teníamos quién nos iba a grabar. Estaba este chico cantando boleros, y le dije: “Ponele que es bolero y chau”. En ese momento se va a Cuba el otro cantante de bolero que recién había podido lograr algo, que cantaba igual que Gregorio Barrios, lo imitaba: Daniel Riolobos. Trajo a dos chicas chilenas que eran muy buenas, Sonia y Miriam, les monté el bolero a las chicas para que tuvieran una obra para estrenar, cantaban una maravilla. Se fueron a Cuba y la primera carta que recibo de él me dice: “Hace tres horas que estoy en La Habana, entonces antes de cambiarme para ir a trabajar a la noche me dicen: Vaya y crúcese ahí, se va a encontrar en el bar con algún músico. Fui y no era un bar, era una boîte. Había un tipo cantando, extraordinario, me quería morir: el tipo era el mozo”. Esa era la primera impresión que yo tuve de Cuba. El que cantaba era el mozo, quiere decir que ése es un pueblo donde todo el mundo canta. La cuestión es que “Vete de mí” fue un despelote. Se enloquecieron.


Poco antes de la entrevista, Virgilio había visto el documental titulado Vete de mí. “Trabajo yo y este cubano... ¿cómo se llama?”. Virgilio se perturbó varios minutos por el olvido. “Fiuuuuuuuú, ¿cómo puede ser que no me acuerde el nombre de este tipo? Cuestión que el bolero entró. En una segunda carta, Riolobos me dice: ‘¿Te acordás que te decía que los mozos cantan? En una sola noche tuve que cantarlo cinco veces porque la gente quería que yo cantara ese bolero y nada más. Si te digo que tengo un éxito acá, lo tengo con tu bolero’. Yo decía: ¿con mi bolero? Hace 52 años de esto. Cuando me llamó el director del documental me dijo: ‘Me he dado cuenta de que su bolero es uno de los más grandes lazos que tenemos con los cubanos’. Yo le dije: ‘Pero, ¿qué tiene que ver?’. ‘No hay un cubano que no sepa Vete de mí’, me dijo.”


Virgilio contó que la película lo emocionó tanto que la primera vez no pudo terminar de verla. “¡Bola de Nieve se llama la persona que no recordaba! En el documental yo hago de Virgilio Expósito, voy al puerto y despido al barco en el que se va Riolobos; en Florida toco un tema de Bola de Nieve, después toco ‘Vete de mí’. Aparecen imágenes de Bola de Nieve cuando estaba vivo y coleando, gritando por una ventana. Es excepcional lo que este muchacho hizo en 18 minutos. Con decirte esto te digo todo: mientras van los títulos finales, van dos barquichuelos, como dos canoas: son dos pianos. Y entran a flotar así en el mar y cuando se encuentran en el medio de la cosa, este de acá que es rubio lo saluda al de allá que es un negro, Bola de Nieve, y la cosa sigue y sigue así hasta que se van cuando se pierden los pianos.”
UN TIPO DE 5 MIL AÑOS


Litto Nebbia le propuso registrar para el sello Melopea las composiciones clásicas de la dupla que conformó con su hermano Homero. Aceptó y grabó en poco tiempo dos discos, Cancionística y Melódica. Una obra intensa, emocionante, y una muestra de la honestidad artística de un músico que transitaba serenamente el final de una larga y apasionante vida. Con una voz mínima y un acompañamiento de lo más sutil transmite lo que esas canciones, que conocieron cientos de versiones, quisieron decir en el momento de su creación.


Para acompañar los discos, Virgilio accedió a unas pocas y emotivas presentaciones en las que se exhibió solo, en piano y voz. Se presentó en la explanada de la Biblioteca Nacional como invitado de Nebbia, tocó con él y Fats Fernández, y fue ovacionado por una multitud. En 1997, Juan Carlos Baglietto presentó el 6 y el 7 de junio en el teatro Opera el espectáculo Baglietto - 15 años, con artistas invitados. Virgilio cantó con él “Naranjo en flor” y la versión quedó grabada. Días después, Virgilio viajó a Europa de gira. Allí grabó por última vez: con Calamaro, en España, el 20 de junio. Acá no tocaba con tangueros y estaba marginado dentro del ambiente del tango. El decía que era por su forma de cantar, pero muchos creen que se debía a una entrevista en Página/12 en la época de presentación de Cancionística (1993), en la que dijo que Carlos Gardel era un genio musical, pero que nunca se le habían conocido novias o mujeres, y que estaba solo. Más allá del enojo de muchos tangueros, Virgilio nunca se encerró en el tango: tuvo orquesta típica desde los 16 hasta los 17 años, de jazz desde los 18 hasta los 22 y a los 23 fue director de la Orquesta de Radio Splendid. Durante los ’60 se fue durante 8 años a Brasil, donde trabajó para la RCA Victor y grabó dirigiendo una orquesta con Neil Sedaka y Paul Anka cantando en español. De vuelta en Argentina en los ’70 fundó dos sellos: Azur y Pincén, el primero abocado a grabaciones de poesía, ediciones de cantantes como Georges Brassens, y el segundo especializado en material político con títulos como Perón habla a la juventud, Chau Gatica, Eva Perón en la hoguera y Vietnam. También compondría “Chau no va más” con Homero y cambiarían nuevamente el rumbo del tango con una letra distinta sobre el fin de las relaciones amorosas y una postura vitalista: “Siempre vivir / ¡vivir intensamente! / porque ¿sabés qué es vivir? / Vivir es cambiar, / en cualquier foto vieja lo verás”. Virgilio había cambiado una vez más sobre el final: pasó de autor a intérprete de renombre internacional en sus últimos años de vida.
Durante los ’60, Virgilio Expósito viajó durante ocho años a Brasil, donde trabajó para la RCA Victor y grabó dirigiendo una orquesta (derecha) y grabando incluso con Neil Sedaka y Paul Anka cantando en español (arriba dos de esos discos). FOTOS: GENTILEZA MONICA EXPOSITO, RETOCADAS POR PABLO MARTINEZ


¿De dónde surge la inspiración para la composición?


–Si yo hubiera tenido que vivir todo lo que he escrito sería un tipo de 5 mil años; con esto te quiero decir que se escribe sobre todo con imaginación. Yo nunca sé lo que va a pasar en los temas que escribo, empiezo a escribir y pueden pasar las cosas más inimaginables. Lo que es difícil es plantear un tema en forma clara, y resolverlo. Para mí es importante que el personaje de la canción no sea un tipo sucio.
¿A qué se refiere con que no sea sucio?


–Que el personaje que yo describo en la canción no cometa un acto vil, eso yo no lo puedo tolerar. En mi juventud yo me sabía todos los tangos porque de tango estaba minado. Venía un poco de la canción gauchesca. Los autores eran tipos como El Viejo Pancho, grandes poetas, de eso vale decir que siempre hubo grandes figuras en la canción popular. Cuando uno revisa un libro de canciones de una época se encuentra con que hay obras de Francisco Canaro. Canaro tiene un tango que se llama papappan papana tirirtitu papapa (canturrea) se llama... A ver... (se pone a revolver carpetas). La letra es de Julio Romero y la música es de Canaro. Estas canciones cantaba Gardel en sus primeras conquistas, era un fenómeno (sacude otra partitura que encuentra buscando la anterior). Mirá cómo escribía Roberto Firpo un tango, era un musicazo; no era un tango, era una orquestación, mirá acá: ésta es la parte que hacían los bandoneones, bandoneón bien fraseado, violines, variaciones para bandoneón. Escribía todo, un maestrazo era.
¿Dejaba lugar para la improvisación del músico?


–No, no había improvisaciones, el tango era todo escrito (encuentra otra partitura). ¡“Tomo y obligo”! Qué bueno...
¿Cómo hacía un compositor en sus inicios para que alguien se interesara en grabar sus temas?


–Se la escribía a otro; fijate “El pagaré”: no tiene ni nombre de autor. Y se vendían estas piezas, se agarraba toda la guita el editor. “La espera”, “Silencios”... había muchas obras. Este tango es del 1900 (sostiene una partitura), dice “Guardia Vieja” y no tiene ni fecha de edición, y es la editorial Riccordi. Para que te des una idea lo que hizo Canaro en el año 1914.


Se levanta, va hasta su piano Fender digital y empieza a tocar.


–¡Qué me decís, es del año ’14! Mucha gente habló muy mal y cualquier cosa de Canaro. Pero esto es de 1914. Después hubo tangos que fueron modernos, pero este tango es una barbaridad. La orquesta de Canaro tenía un bandoneón, un violín, una guitarra, un contrabajo y un piano: fijate la calidad de cosas que tiene. Todos los Canaro sabían música y escribían. Rafael, uno de los últimos, también era un fenómeno.
En cuanto a sus composiciones, ¿usted elegía el cantante?


–Muchas veces los hacíamos para nadie, para que queden ahí. Muchas veces decíamos: “Este tango es ideal para que lo cante, por ejemplo, Floreal Ruiz”. Entonces lo íbamos a buscar. “Naranjo en flor” la grabó él, fue el primero. Cuando se fue Piazzolla de la orquesta de Pichuco Troilo fue el primer tema que sacaron, lo ensayaron durante 23 días seguidos de lunes a domingos una hora y media, porque era un tema sumamente difícil para la época. Yo no sabía componer de otra manera, no lo sabía hacer más fácil. Hoy lo hubiera hecho más fácil. Empezó con la parte del medio, era lo único que teníamos.


Virgilio garúa unos acordes en el piano y canta: “Primero hay que saber sufrir, después amar, después partir y al fin andar sin pensamiento... / Perfume de naranjo en flor, promesas vanas de un amor que se escaparon en el viento. / Después... ¿qué importa el después? Toda mi vida es el ayer que me detiene en el pasado, / eterna y vieja juventud que me ha dejado acobardado / como un pájaro sin luz”.


–Era muy difícil de cantar, nos faltaba la otra parte. Yo escribía la música y mi hermano Homero iba poniendo la letra. La verdad es que no sabíamos qué más decir porque imaginate que con lo que teníamos ya estaba todo dicho. Yo le decía: “Y ahora ¿qué carajo vas a hacer?”. “Y ahora voy a dar explicaciones: ‘Era más blanda que el agua, que el agua blanda, / era más fresca que el río, / naranjo en flor / Y en esa calle de estío, calle perdida, / dejó un pedazo de vida / y se marchó’”... Yo seguía con la música: “¿Y ahora?”. “Ahora hacé algo fácil. Al tipo ya lo mataste cantando, repetí notas, hacé algo fácil” (toca la parte instrumental).


Todo lo que resulta fácil también ha costado; era una tontería, pero había que hacerla: había que hacer 16 compases con eso. La segunda vez dice: “¿Qué le habrán hecho mis manos? / ¿Qué le habrán hecho / para dejarme en el pecho / tanto dolor? / Dolor de vieja arboleda, / canción de esquina / con un pedazo de vida, / naranjo en flor”. No importaba lo que digas ahí, si ya todo estaba dicho en la primera parte.
CUATRO PASITOS
Ahora se habla de un auge del tango, hay muchas academias de baile...


–En este país no pasa absolutamente nada. Auge del tango hay en Alemania, en Bélgica. Pero un auge increíble: en cualquier lugar salen 80, 90 parejas a bailar, y no bailan con todos los retorcijones que bailan acá en la televisión, que se necesitan dos folletos explicativos para poder bailar... No. Bailan sencillamente, dos pasitos para acá dos pasitos para allá, un pasito para el costado, una vuelta y cuatro veces y chau. Todos bailan diferente y bailan cuatro pasos. Mientras existan esos profesores de baile, el tango no va a caminar. Porque ésa es la verdad: ¿a qué maestro de baile fueron las sirvientas? ¿Los obreros? El pueblo todo que salía a bailar. El día que los argentinos no vayan a ningún maestro y digan: “Yo salgo, me dijeron que son dos pasitos así y dos pasitos para allá y bailaré con esos dos pasitos como pueda”. Así bailo con mi mujer, así baila tu mamá con tu papá y así bailaban los tipos que bailaban antes. El pueblo, ¿cómo carajo va a salir a bailar con esos profesores de baile?
¿Cómo lo contactaron del sello Melopea?


–Un día me encontré con Litto Nebbia y me dijo: “Tenés que venir a grabar para que quede un documento de tus tangos, de tus composiciones, de tu forma de cantar. Porque vos te vas a morir, como nos morimos todos y no hay derecho a que no quede un registro del trabajo de un tipo como vos. No digo que cantes los temas de otros. Vení y cantá tus temas”. Porque yo canto sin vibrato, sin gritar, viste lo que hacen los cantores de tango, se hacen los tenores, yo no quiero saber nada de eso. Yo digo. Por cantar así les llevo ventaja a todos los gritones al pedo, en poco tiempo me han invitado de todas partes del mundo, Alemania, Bélgica, Francia. Y el año que viene puedo irme a los mismos lugares, que me van a invitar de nuevo.
En el tango tampoco hubo un recambio de músicos, cantan tangos viejos.


–No hay porque tampoco hay intérpretes. ¿Cómo te explicás que haya en este país 300 cantantes mujeres y no llegue a 20 hombres? Ahora se están largando a cantar tangos tipos que antes cantaban otros géneros... Baglietto, por ejemplo, no canta cualquier cosa, sabe lo que está diciendo. Así también hay otros que me llaman y me dicen: “Hola, ¿qué quiere decir ‘más blanda que el agua’? Te lo pregunto porque quiero hacer ese tango y quiero saber lo que estoy diciendo”. Entonces yo doy una explicación. Digo: “Puedo hablarte muy en serio sobre el agua, te podría decir que existen aguas duras, después de aguas duras hay medio duras y medio blandas, y después aguas blandas. Es una clasificación física o química del agua. Pero el agua blanda no tiene nada que ver. Cuando el poeta dice: ‘¡Qué tristeza de olor de jazmín!’, ¿me querés decir dónde mierda está la tristeza en el olor de los jazmines? Está diciendo una cosa bonita, no una cosa concreta”.
¿Se arrepiente de alguna de sus composiciones?


–No, porque yo cuando voy a lanzar un tema para que sea interpretado, ya lo tengo muy estudiado. Mi hermano me decía: “Cuando la obra se te escapa de las manos, no tiene más correcciones; antes de largar una obra fijate muy bien lo que hiciste, porque lo que dijiste va a quedar para siempre”. Para darte un ejemplo, yo a los 14 años compuse el bolero “El momento”, que dice una pavada porque un chico de esa edad mucho no puede decir: “Hay en la vida momentos felices cual sueños y son realidad, / esos momentos mi vida son estos momentos y no durarán”. Hoy lo escucho y es perfecto. Es bastante concreto, no tiene mucho vuelo poético.
¿Su mujer es un apoyo para esas correcciones?


–Mis mujeres han sido grandes apoyos, cada una a su debido tiempo. Hasta ahora tuve cuatro mujeres.
¿Fueron críticas de su obra?


–No, la primera fue la madre de mis hijos, suficiente, ¿no es cierto? La segunda era más crítica, la tercera más crítica y esta cuarta es algo grande, es una hinchapelotas (risas).


La voz de Virgilio se achicaba más y tomaba grandes respiros. Se puso el saco del traje con el que había recibido a los periodistas en su casa y pidió que lo acompañaran a tomar un taxi. El grabador siguió prendido. La revista en que iba a salir la entrevista no sobrevivió al segundo número y nunca fue publicada hasta ahora. A los pocos días, Virgilio falleció.
¿Hay otro proyecto con Litto? El es un gran respetuoso de la música de acá. ¿Le gusta el trabajo que ha hecho?


–Sí, tengo un disco más para hacer, para Miami, son unas canciones que hablan mucho de actitudes y ámbitos de Miami. Tenía ganas de hacerlo ahora. Voy a ver qué pasa. A Litto lo tengo que ver mañana. Para mí, hay músicos de la Capital y músicos del interior. Y yo me llevo bien con Litto porque él es de Rosario y yo soy de Zárate, y nosotros no tenemos nada que ver con los porteños. A los porteños ya no les interesa nada y a nosotros sí. Podemos hablar dos días seguidos de música y sabemos perfectamente de lo que estamos hablando. A mí me vienen a ver de Zárate cinco, seis, diez tipos, ponele, pero el tema tiene que ser la canción. Porque de otra cosa no me gusta hablar, yo no soy de Boca, ni de Racing, ni de nada. Yo soy músico, ésa es la verdad.
Muchas gracias, la verdad es que la charla fue muy sustanciosa.

–¿Sustanciosa? ¡Para vos, pibe! Mucha suerte y espero que les haya servido. Espero que el artículo no sea decepcionante. Fuente Pagina 12