viernes, 21 de mayo de 2010

Danzon

DanzonDanzon


En los 40‘s empieza a tomar importancia la música tropical, que es alegre y
bailable, y en los Estados Unidos de Norteamérica, llama la atención la música
mexicana; se empezaron a formar orquestas y conjuntos tropicales como: Lobo y
Melón, la orquesta de Ángel Chino Flores (autor del danzón El Grullo)

El Danzón es un género bailable de origen cubano derivado de la danza criolla creado por el compositor matancero Miguel Failde y Pérez en 1879. Forma parte de la música tradicional de Cuba y México.

El nombre de este género musical no es más que el aumentativo de danza, aquel baile colectivo de figuras. En la segunda mitad del siglo XIX la danza criolla estaba muy de moda; se cristaliza entre fines del siglo XIX y principios del XX. En Cuba se interpreta con mayoría de instrumentos de viento, con piano, flauta, violines y percusión cubana. En México se agregaron saxofones a las orquestas de danzón - denominadas danzoneras -, y también el género es interpretado por mariachis y marimbas.

Se derivó como resultado de la transculturación de la danza y contradanza europea que llegó a fines del siglo XVIII por vía de las cortes españolas, las migraciones de franceses y de Haití, que incluían negros y mulatos. Estos bailes de salón recibieron las influencias mestizas del armonioso y al Son criollo. Estos bailes se asentaron en la isla caribeña hasta que se convirtieron en la danza y contradanza cubanas. Aunque mantenían el influjo afro en su ritmo, ahora poseían una mayor libertad expresiva que permitía a la pareja enlazarse con más sensualismo. La danza aumentó sus partes formativas y extendió su tiempo bailable, por lo que se le empezó a llamar Danzón.

El primer Danzón conocido, titulado "Las Alturas de Simpson" fue escuchado por vez primera el 1 de enero de 1879 en el Liceo de Matanzas. Lo interpretaba una "Orquesta típica" de viento, que contaba con cornetín, un trombón de pistones, un figle, dos clarinetes en DO, dos violines, un contrabajo, dos timbales y un güiro criollo. Dicha orquesta estaba dirigida por Miguel Faílde que era el autor del Danzón.

El Danzón de Faílde se conforma de tres partes de 16 compases, que se denominan: Introducción, parte o trío de clarinete y trío de metales. Interpretado por la llamada "Orquesta típica" (mencionada anteriormente) aunque años después se interpretó también con la orquesta llamada "Charanga Francesa".

El nuevo ritmo produjo en los bailadores un sorprendente impacto. Las alturas de Simpson fue uno de los danzones más escuchados. En las noches se veían obligados los músicos a repetirla a petición de los danzantes.

En la primera y segunda década del siglo XX el Danzón comenzó a perfilar su forma definitiva e incorporar elementos de otros géneros cubanos, principalmente del Son. El musicólogo Helio Orovio en uno de sus textos nos dice que "En el 1910, José Urfé, compositor, director y clarinetista, revoluciona el Danzón cubano al insertar, en su parte final, un montuno de son al estilo de los figurados de los treseros orientales". Este Danzón fue titulado "El bombín de Barreto".

Surgieron creadores como Raimundo Valenzuela, Enrique Peña, Chencho Cruz, Corbacho, Felipe Valdés, Antonio María Romeu, Eliseo Grenet, Ricardo Reverón y Pablo O'Farrill, que con sus aportes mejoraron el aspecto interpretativo.

Comenzando el segundo cuarto del siglo XX, se desarrollaron en Cuba excelentes orquestas en la interpretación de danzones como la de Antonio María Romeu, en la que tuvo una destacada participación como cantante Barbarito Díez.

Fuera de alguna innovación de tipo instrumental el Danzón no sufrió alteraciones hasta que el matancero Aniceto Díaz mezcló varios elementos del mismo con otros del Son y creó su danzonete en 1929.

Siguiendo con la inflencia del Son Orestes López contrabajista de la orquesta "Arcaño y sus Maravillas" crea su "Danzón Mambo" en 1939 al que le incorporó al final del Danzón un motivo sincopado como el del "Tres" en el Son dando origen a un nuevo estilo rítmico en el Danzón que alcanza su mejor definición en el Mambo de Peréz Prado y el Cha-cha-chá de Enrique Jorrín.

El Son Montuno, género que surge en la zona oriental de Cuba y que sustituyó paulatinamente la popularidad del Danzón entre los bailadores, generó tal aceptación al llegar en la primera década del siglo XX a La Habana que con los años se convirtió en el género musical cubano más influyente de ese siglo en el ámbito nacional e internacional, dejando al danzón y su baile como un "género del pasado".

Con el surgimiento del danzonete, el Cha-cha-chá y el Mambo, el danzón entró en decadencia.

El danzón llegó a México por el año 1890 a través de Yucatán, extendiéndose después a otras zonas. Reafirmó gran popularidad en México, gracias a la afluencia de músicos cubanos como la Orquesta Aragón, Beny Moré o Dámaso Pérez Prado que llegaron a ser un elemento activo en la vida cultural de ese pueblo.

Ha tenido mucho arraigo en México, concretamente en el Puerto de Veracruz, a donde lo llevaron los inmigrantes cubanos, y actualmente forma parte importante de la cultura y tradiciones de dicha ciudad, donde ha sido adoptado como un elemento propio de su identidad.

En el Distrito Federal ha causado gran impacto, actualmente se concentran en esta ciudad la mayor cantidad de bailadores, musicos danzoneros, salones y plazas para bailarlo.

El término utilizado en México para una orquesta de danzón es danzonera. Las agrupaciones de mariachi también interpretan danzones.Fuente Wikipedia

jueves, 20 de mayo de 2010

Carlos Jaramillo

Carlos JaramilloCarlos Jaramillo

Carlos JaramilloCarlos Jaramillo


CARLO JARAMILLO: Nombre real: CARLOS OCTAVIO JARAMILLO ESTRADA: Nació en el barrio Campos Valdéz de la ciudad de Medellín, Departamento Antioquia , el
7 de diciembre de 1941.
Su madre Ángela Estrada, se desempeñó como actriz de teatro y cantante.
Carlos estudió cuatro años en la escuela Alfonso López, de Campos Valdez y ya ahí cantaba tangos, pués con frecuencia se iba al barrio Manrique, tanguero por tradición y en los cafés de la calle 45, hoy Avenida Carlos Gardel, escuchaba las voces de Agustín Magaldi, Raúl Berón, Raúl Iriarte, Armando Moreno, Ángel Vargas, Carlos Gardel, Julio Sosa, Jorge Valdez, quien es su ídolo.
Luego la familia se mudó a Manrique, justamente a la calle admirada por Carlos, la 45, por eso dice:
--- Allá me tocaba oir los tangos a la brava, por eso se me fue metiendo en la sangre y nunca olvido sus sonidos en cafés como “Puerto Nuevo”, “El Alaska” ó “El Armenonville”.
A los 15 años ya salía con su hermana y su madre a trabajar en la “Compañía Martín”. Carlos se presentaba como bailarín de tango y hacía pareja con su madre.
A los 18 años se dedicó a estudiar guitarra y se convirtió en guitarrista de primera categoría……….pero sin descuidar el tango.
Formó parte de varios tríos (siempre como primera voz), interpretando música andina colombiana, boleros, pasillos, cumbias, valses y en general todos los ritmos populares ……………pero jamás olvidó el tango.
Y el tango pudo más, ya que cuando Carlos cantaba un tango, el público lo aplaudía eufórico. Cierta noche, lo escuchó el representante Carlos Restrepo, quien lo recomendó a la famosa “Casa Gardeliana” del barrio Manrique.
En la actualidad Carlos es Director Artístico del “Club Amigos del Tango”
Realiza actuaciones y grabaciones acompañado por:
Piano : Jorge Mario Arcilla “Chano”
Guitarras: Javier Velásquez y Henry Macias
Bandoneón: Oscar Pelayes
Violín : Alfonso Henao
El señor Guillermo Hernández, le puso el mote de “El Caballero del Tango”, lo más justo a su merecimiento, ya que Carlos Jaramillo, es un caballero en su vida privada y artística.
Vive en el barrio que lo vio nacer Campo Valdez, junto a su esposa Matilde Zapata y sus hijos.
Carlos es una de las figuras principales del programa radial “UNA HORA EN MEDELLÍN”

Datos suministrados por el Historiador Medellinense Alberto Burgos Herrera de su libro “Aquí también se canta tango” y por
Joaquín Eduardo Álvarez Jiménez, Director Medellinense de “Una hora en Medellín”

miércoles, 19 de mayo de 2010

Massimo Ranieri

Massimo RanieriMassimo Ranieri

Massimo RanieriMassimo Ranieri


Giovanni Calone, más conocido como Massimo Ranieri, es un cantante y actor italiano, nacido el 3 de mayo de 1951 en Nápoles.

Miembro de una familia numerosa muy pobre, llevó a cabo varias profesiones, hasta que decidió emigrar a los Estados Unidos, donde comenzó una lenta carrera musical bajo el nombre artístico de Gianni Rock.

Tras haber sido descubierto por un productor italiano, regresa a su país de origen, donde en 1966 tiene su gran oportunidad al poder interpretar en el programa "Scala Reale" el tema "L'Amore È Una Cosa Meravigliosa" ("El Amor es algo maravilloso").

Esto supone el comienzo de su carrera discográfica y como actor en Italia, participando en varias ediciones del Festival de la Canción de San Remo, así como en distintas películas.

En 1969, gana en el programa Canzonissima de la RAI, con la canción "Rose Rosse" ("Rosas rojas").

En 1971 es seleccionado por la televisión de su país para participar en el Festival de la Canción de Eurovisión 1971 con el tema "L'Amore È Un Attimo" ("El Amor es un instante" titulado en castellano como "Perdón cariño mío" interpretado en México por Estela Núñez), obteniendo la quinta posición. Dos años más tarde, volverá a participar en dicho festival, consiguiendo una peor posición con el tema "Chi Sarà?" ("¿Quién será?").

Consiguió un gran éxito musical no sólo en su país, sino también en otros países europeos como fue el caso de España. Su faceta como cantante la compaginó con su aparición en diferentes películas para cine y televisión.

En 1988 se hizo con la victoria en el Festival de la Canción de San Remo con el tema "Perdere L'Amore" ("Perder el Amor").

En el 16 de octubre de 2002, Massimo Ranieri fue nombrado Embajador de Buena Voluntad de la Organización de las Naciones Unidas para la Agricultura y la Alimentación (FAO).

El 3 de mayo de 2005 publicó su trabajo discográfico llamado "Accusi' Grande".

En el 2007 publicó su último trabajo discográfico llamado "Canto perchè non so nuotare... da 40 anni" (Canto ya que no se nadar... desde 40 años)Fuente Wikipedia

lunes, 17 de mayo de 2010

Helena de Lima

Helena de LimaHelena de Lima


17/05/1926 Rio de Janeiro, Brazil
Uno de los grandes intérpretes de la noche, construyó una exitosa carrera casi siempre dando prioridad a los ambientes íntimos de las discotecas más famosas de Río y Sao Paulo, donde cantó por más de 25 años. César Ladeira lo descubrió a mediados de la década de 1940, uno de sus programas en Radio Nacional, donde se presentó la cantante en su primer año. En 1948 comenzó a trabajar como un crooner "en el club nocturno de Pigalle, en Río de Janeiro. Poco después iba a estar cantando en la discoteca el Copacabana Palace. En la década de 1950, hizo temporada discoteca Oasis en Sao Paulo. De vuelta en Río de Janeiro, trabajó como un crooner "para todos los de Djalma Ferreira. También en 1950, grabó su primer álbum, por Todamérica, tocando la balada "Bodocongó," Humberto Teixeira Nunes y Cicerón y remeleixo "Hola, ¿estás bien, está bien," Humberto Teixeira y Maia Lauro. Al año siguiente, grabó la "Bahía de Salvador, Humberto Teixeira y Sivuca con el acompañamiento de la mano izquierda y su conjunto.

En 1952, grabó su primer álbum de Continental, cantando la balada "Let's Rock" por Humberto Teixeira y Maia Lauro y Samba, que quiero ver "por Djalma Ferreira y João de Barro. A mediados de la década de 1950, actuó con frecuencia en el famoso club nocturno de Jirau, Río de Janeiro, el punto de encuentro de muchos artistas de la época. Ary Barroso, una gran fanática de la cantante, que sirve para ir a verla en Jirau. En 1955 participó como cantante "(cantar sólo dos canciones), el LP Djalma Ferreira, entonces dueño de la discoteca bebida. En 1956, grabó con el acompañamiento de la orquesta y sus sambas Vadico Corazón ", atención!" y "Oración" por Marino y Vadico años Pinto.No mismo publicó "En la noche", su primer álbum en la que interpretó "Surrender", Marino Pinto ", fue la noche", de Newton Mendonça y Tom Jobim " Revuelta: "No Marino Pinto y Vadico y" en absoluto "de su asociación con Marino Pinto y Mario Rossi.

En 1958, actuó junto a Dolores Duran Baccarat en el club de Río de Janeiro. En el mismo año, grabó la canción de samba "Ausencia" de su colaboración con María Eugenia y "Because of You", de Tom Jobim y Dolores Durán. Ese mismo año, lanzó el LP "Vale la pena escuchar a Helena", que incluyó entre otras composiciones, "Ave María en la colina" de Herivelto Martins, "Good tristeza por la mañana" de Adoniran Barbosa y Vinicius de Moraes y "Nuevo Mundo "por Maysa.

Fue contratada para el elenco "de Radio Nacional. Paulina también trabajó en la televisión y la radio y la TV Record, todos los de St. Paul. A finales de 1950, comenzó una colaboración con el director Lauro Miranda, que vino a acompañarla durante muchos años. En la década de 1960, dado a conocer varios LPs, algunos de ellos grabados en directo en "shows" Bandit en el club donde hizo gran éxito y donde había también - cada dos días - la cantante Elizeth Cardoso. En 1961, ingresó en el GER y el LP "La voz y la sonrisa de Helena de Lima", que incluyó entre otros, "Love Song", de Paul de la Soledad, "De agosto a septiembre", Armando Cavalcanti / Víctor Freire "Bien", de Fernando Cesar y "Mañana va a decir", dijo Luis Ramírez y Haroldo Barbosa. Ese mismo año grabó un dueto con el cantante Miltinho rancho marcha "Pedro Flores", Luiz Antônio.

En 1962, grabó en la marcha Mocambo "las flores están regresando", dijo Paul Soledade su mayor éxito y la samba "He hecho el" tonto, y Haroldo Barbosa Luiz Reis. En 1963, grabó "Cuando el deseo de llegar" en el que grabó "fue escrita" por Luiz Antônio Gouveia y Evaldo, "Lo que un amor celoso", Paul Soledade y "Lejos de mí" y "Nunca te voy a decir," el dúo Fernando y Britinho César. En 1964, grabó su LP más famoso "Una noche en la Bandit", uno de sus más grandes éxitos, que incluyó "octavo compás, Luis Antonio," True Life "por Raúl Mascarenhas y Colaço Concessa," Sinfonía del carnaval "Al asociarnos con Concessa Lacerda y" Penumbra ", de Fernando Moreno César y Ted. En este álbum, el cantante registrarse junto con la Bandit mixto, que fue Raúl Mascarenhas en el piano, la armónica tiempo Rildo, Muxiba en el bajo y la batería Cuco. En 1965, también lanzado por RGE LP "Bar Bandit", especialmente "El ABC de la Bahía", d. Ferraz y Monsueto, "están perdiendo", por Fernando Cesar y Britinho, "Feitio de Oración" de Noel Rosa y Vadico y "Without You" de Tom Jobim y Vinicius de Moraes.

En 1966, grabó "A partir de Helena de Lima a sus amigos", en el que cantó "Nuestros barrios", por Fernando Cesar y Britinho, "La felicidad", de Tom Jobim y Vinicius de Moraes, "Fantasía" de Haroldo Barbosa y Raúl Mascarenhas y "Tres días sin verte," César y Fernando Britinho. En 1969, grabó "Noche en el beber," con un popurrí de Noel Rosa, "Toma mi samba" por Ataulfo Alves, "Sí o no", Luiz Bandeira y "forro negro Samba" de Oldemar Magalhães Laurindo y Juan. En 1970, junto con Adeilton Alves, grabó un álbum en vivo en la discoteca bebida en honor de Ataulfo Alves (que murió en 1969), editado y producido por el MIS Ary Vasconcelos. Este álbum "To Sir Ataulfo", ideado por el director de MIS R. C. Albin, incluyó a casi 50 canciones del autor y fue acompañado por Luperce Lauro Miranda y Miranda. En la década de 1970, hizo una serie de giras y "muestra". En 1974, actuó junto a Paulo Caubi Peixoto discoteca en Puerto del Carmen.

En 1975, lanzada por el tapiz de larga duración "es un corto tiempo de rosas", en el que cantó "niebla" de John Robert Kelly, "Carnaval de verdad", Gustavo de Miguel ", la" llamada, y Carlito y Nunes Romeo y "El arte de vivir bien", Nelson Bastos y Luis de Francia. Su mayor éxito fue la marcha-rancho "las flores están regresando", Paulinho Soledade. Esta canción es hasta ahora la presencia de la derecha en todos sus "shows". Desde la década de 1990 comenzó a realizar con menor frecuencia, a pesar de que merecen respeto y admiración general, considerada una de las divas de la noche eterna de Río y Sao Paulo.

sábado, 15 de mayo de 2010

Conjunto Los Medicos (Colombia)

Los Medicos Los Médicos


CONJUNTO LOS MÉDICOS
El Conjunto Los Médicos se fundó en el año 1965 con integrantes del coro de la Universidad de Antioquia, que como aficionados a la música popular se reunían con frecuencia a cantar canciones colombianas, canciones de moda y la llamada ¨música vieja¨.
Para el 25 aniversario del Dueto de Antaño, fueron invitados al viejo teatro Junín, ocasión en la cual debutaron oficialmente. A la semana siguiente ya tenían contrato de grabación para el primer disco de larga duración: ¨Sueños de ayer¨.
Hasta ahora el conjunto ha grabado 12 (LP) CD y 2 videos con sus grabaciones, su historia y la celebración de sus cuarenta y cinco años de actividad artística. El Conjunto ha participado en todos los programas de espectáculos de la televisión colombiana, especialmente en Serenata del canal Tele Antioquia.
INTEGRANTES:
MANUEL CANO: Director del conjunto y primera voz.
NELSON SIERRA: Segunda voz.
LUIS H. BENJUMEA: Requinto.
HECTOR DARIO RESTREPO S.: Guitarra armonizante
Datos suministrados a “Una Hora en Medellín” por Héctor Darío Restrepo, integrante del conjunto y productor del programa antes mencionado. COLECCIÓN PRIVADA “UNA HORA EN MEDELLÍN”

viernes, 14 de mayo de 2010

Rosita Quiroga

Rosita Quiroga en 1933Rosita Quiroga en 1933

Rosita Quiroga con su familia en 1934Rosita Quiroga con su familia en 1934

Rosita Quiroga en 1909Rosita Quiroga en 1909


QUIROGA, Rosita. (Nombre de familia: Rosa Rodríguez Quiroga de Capiello).(16 de enero de 1896 - 16 de octubre de 1984)
Cancionista. Compositora. Figura vocal genuinamente creadora de uno de los clásicos estilos femeninos de la interpretación del tango.
Cultora de una modalidad arrabalera que asomó a su apagada la vibración del bajo porteño abordó —con gracia, con originalidad insuperable en su género —un repertorio de tangos fuertes, entre los cuales las ásperas crónicas de Celedonio Flores le dieron ocasión para sus más felices realizaciones.
Nació en Buenos Aires, en el barrio de La Boca el 16 de enero de 1896. Juan de Dios Filiberto le enseñó guitarra con la que se acompañó durante algunos años en las canciones criollas que fueron su primera cuerda artística. Formó luego un dueto con Rosita del Carril consagrándose desde 1924 al tango después de grabar algunos discos a dos voces con Agustín Magaldi, cantor que formó su estilo junto a ella. En sus principios cantó en los teatros Empire y Esmeralda. Como solista fue la primera en actuar en la radiotelefonía. Su larga y fecunda carrera se extendió hasta el medio siglo; sus grabaciones de notable popularidad en Japón abrieron la brecha al tango en dicho país.
Acompañada por el trío de Ciríaco Ortiz hizo sus últimas grabaciones alrededor de 1950 para el sello Víctor, el cual la contó durante treinta años en su elenco.
Compositora de los tangos De estirpe porteña, Carta brava y Oíme negro. 

Horacio Ferrer.

jueves, 13 de mayo de 2010

La Oreja De Van Gogh

 La Oreja De Van Gogh La Oreja De Van Gogh

 La Oreja De Van Gogh La Oreja De Van Gogh


Si aquella tarde de verano de 1994 alguien nos hubiera contado hasta dónde llegaría nuestra aventura seguramente el vértigo nos hubiera impedido continuar.

Sin embargo y afortunadamente, sentados en la playa de Ondarreta de San Sebastián era imposible imaginar lo lejos que llegaríamos con el grupo de música que acabábamos de formar cuatro amigos de la universidad.
La pasión por la música nos reuniría desde entonces los fines de semana en un local de ensayo que compartíamos con más amigos, no tanto por un espíritu comunero como por causa de las penurias financieras propias de nuestro estatus de estudiantes. Con todo, cada sábado terminó por ser una fiesta en la que desmontábamos y volvíamos a montar a nuestro gusto las canciones favoritas de nuestros grupos preferidos. Con sólo una parte de destreza por cada diez de ilusión, nuestros primeros pasos en la música nos supieron a gloria y en un plazo de tiempo que seguro que a los vecinos del bloque dónde ensayábamos les tuvo que resultar eterno, aprendimos a perfeccionar juntos nuestras habilidades con los instrumentos.

Antes de comenzar a escribir nuestras propias canciones, nuestro repertorio era tan bipolar que en él convivían U2 con Janis Joplin, Pixies con PJ Harvey y Nirvana con David Bowie. Con semejante desorden uno ya puede imaginarse lo complicado que nos resulta hoy hablar sobre nuestras influencias…

Pasaron los meses y hasta entonces no había resultado difícil encontrar algún amigo que nos visitara en el local y de paso se atreviera a colocarse frente al micro para cantar las versiones que preparábamos. Sin embargo, cada vez un poco más seguros de nosotros mismos, no tardamos en atrevernos con nuestras propias composiciones y con ellas sentíamos por fin que comenzábamos a tener una personalidad propia. Pronto comprendimos que necesitábamos alguien que, definitivamente, pusiera voz a nuestra música.

Gracias a un cúmulo de casualidades, Pablo conoció a Amaia y le propuso cantar con nosotros en nuestro grupo. Con una curiosidad indisimulable y una torpeza masculina elevada a cuatro nos presentamos a Amaia la navidad de 1995. Pronto condujimos a nuestra futura compañera a un local que antes invitaba a la fuga que al canto. Allí, en una tarde mágica, decidimos seguir juntos el camino.

Con una legión de seguidores tan grande como el número de amigos que teníamos, anduvimos tocando por todos los bares habituales de nuestra ciudad. En el legendario Ford Fiesta de Haritz llevábamos de aquí para allá todo lo necesario para nuestras actuaciones, incluido un amplificador de guitarra que Pablo tardó años en pagar y nosotros horas en romper al enchufarle un micrófono.

Con una economía deficitaria la única manera que encontramos de sufragar nuestra primera grabación fue pidiendo dinero en casa para fotocopiar apuntes de la universidad. De esta manera, pronto conseguimos tener una tarjeta de presentación que nos llevó a participar en multitud de concursos y actividades locales. De todas ellas, lo más significativo y emocionante para el grupo fue ganar el Concurso Pop Rock de San Sebastián el verano de 1997, esencialmente porque fue la única meta cierta que nos propusimos jamás.

Tan grande fue la ilusión que creíamos que no había ningún reto más allá. No olvidemos que éramos, como muchos otros, un grupo de estudiantes para los que la música era, aunque apasionada, tan sólo una afición. Pero de pronto y sin esperarlo en absoluto sonó el teléfono y desde Sony Music en Madrid nos llamaron contándonos que estaban interesados en nuestra música. La perplejidad no tardó en convertirse en una risa nerviosa de incredulidad.

Naturalmente, y aunque apenas entendíamos nada, dijimos que sí a todo. La idea de tener un disco grabado con nuestras canciones, nuestro nombre y nuestra foto era un sueño que ni nos habíamos planteado así que, aunque apenas teníamos más de cuatro canciones, contamos a la discográfica que nuestro repertorio llegaba a veinticinco. Las escribimos y las grabamos en un tiempo récord, casi sin darnos cuenta de que juntas formarían parte de nuestro primer disco: Dile al sol.

Se publicó en la primavera de 1998 y desde entonces el nombre de nuestro grupo comenzó a conocerse fuera de nuestra ciudad. Videoclips, televisión, entrevistas, sesiones de fotos, listas de ventas… Todo, absolutamente todo, era nuevo para nosotros y apenas dábamos crédito de lo que ocurría. Después llegaron los conciertos y las giras y si algo nos abrumó, muy por encima de otras experiencias, fue el contacto con la gente y descubrir que lo que hacíamos conseguía emocionar a las personas que lo escuchaban. Poco a poco se iban escuchando más y más canciones nuestras por la radio e incluso llegaron los primeros autógrafos.

Las noticias que llegaban eran cada vez mejores y en Sony Music, siempre gracias al impulso inicial de Jennifer Ces, creyeron que era el momento de que el grupo comenzara a visitar otros países.

No fue hasta setiembre de 2000 que, superada la presión por todo lo que se esperaba de nosotros, vio la luz El viaje de Copperpot. La compañía discográfica no dejaba de contarnos que estaba siendo todo un hito de ventas pero, aunque agradables, mucho más que los números nos importaba que La Oreja de Van Gogh no íbamos a ser un grupo de éxito fugaz.

Mientras intentábamos tomar aire para metabolizar tal cantidad de noticias maravillosas en España empezaron a pedirnos que volviéramos a México, Argentina y Estados Unidos aunque también conocimos Chile, Colombia, Puerto Rico, Centro América, Ecuador, Perú, Uruguay… En muy poco tiempo aprendimos más geografía que la que nos enseñaron en el colegio. Además, las horas juntos, las experiencias y el paso del tiempo por nuestras vidas nos seguían inspirando tanto que la composición de Lo que te conté mientras te hacías la dormida fue totalmente natural, estimulante y divertida. Se publicó en 2003 y para entonces el lanzamiento ya nos lo planteaban a escala intercontinental. Estaría disponible al mismo tiempo en España, en México o en cualquier otro país. Eran dignas de ver nuestras caras de resuelta solvencia cuando el presidente de Sony Music nos explicaba todo esto. No queríamos que notara cómo tragábamos saliva sintiendo que todo era alucinantemente grande para nosotros.

Algo que siempre ha sido fundamental para nosotros es guardar siempre una pequeña distancia a la hora de vivir toda esta aventura. Necesitamos estar cerca de cada cosa buena que le ocurre al grupo para poder disfrutarlo, celebrarlo y sentirnos satisfechos, pero también es cierto que nos encanta añadir cierto humor a las experiencias que nos permitan comprender que hay algo de irreal en el trato tan preferente que se nos da cuando va bien las cosas. Esto se traduce en no olvidar que los premios que recibimos nunca están exentos de cierto marketing, que es poco probable que en determinados ambientes, antes inaccesibles, nos hayamos vuelto atractivos, que algunas amistades se multipliquen, etc. Hay algo en La Oreja de Van Gogh que nos recuerda que somos amigos desde hace mucho, que hay que vivir el éxito de grupo sin que nada pasajero nos confunda sobre qué es lo que merece la pena, que los amigos que nos siguieron desde el principio lo hacían sin contar con nuestros logros en la música. San Sebastián ha sido siempre el escenario de nuestras vidas y representa el refugio de conceptos vitales muy importantes para nosotros. No en vano y aunque el grupo tenga una vocación cada vez más internacional, las personas que lo formamos tenemos aquí nuestra vida.

Ya con diez años de grupo y cerca de treinta en este planeta, todo estaba listo para afrontar la creación de Guapa en 2006. Mantener el equilibrio entre la identidad del grupo y la innovación nos metió en algún que otro quebradero de cabeza del que conseguimos salir rompiendo algunas de las canciones que teníamos escritas en pedazos que, reordenados, formarían otras más interesantes.

Durante el verano de 2007, después de haber estado de gira por medio mundo pero justo antes de empezar con la composición de nuestro quinto disco, Amaia decidió dejar el grupo con la idea de comenzar una carrera en solitario. La noticia nos dejó al resto totalmente perplejos y conmovidos. Teníamos muchísimas canciones por escribir y mucha energía que dar en directo, por eso es lógico que fuera unánime la decisión de continuar adelante. Más que nunca, la amistad nos ayudó a superar una situación complicada: no permitimos que a ninguno de nosotros le perdiera el desánimo o se dejara llevar por la nostalgia. Nos cuidamos los cuatro, los unos a los otros y por eso fue posible asumir un reto que en mucho nos recordaba a los inicios en el local de ensayo.

Ya con A las cinco en el Astoria escrito decidimos retroceder una década en el tiempo y buscar, como ya hicimos antes, a alguien que pusiera la voz en el grupo. Siempre hemos sido un grupo, una banda, así que, en vez de buscar sencillamente una cantante, nos empeñamos en encontrar a un quinto miembro de La Oreja de Van Gogh. En el grupo siempre hemos tomado decisiones a partes iguales y entendíamos que era fundamental para nosotros que quien entrara, al igual que el resto, fuera una fuente de ideas.

Por un amigo en común y después de conocer a mucha gente, nos pusimos en contacto con Leire y apenas bastó un instante en nuestro local de ensayo para sentir que la búsqueda había terminado: volvíamos a ser cinco.

El verano de 2008 fue crucial porque convivimos personal y musicalmente en Du Manoir, en Francia, un estudio legendario para nosotros donde hemos grabado muchas otras veces. De allí salimos con nuestro quinto disco bajo el brazo y con la sensación de que íbamos a vivir un nuevo comienzo. Casi doce años después, con nuestra pasión intacta, hemos aprendido algo fascinante: la música trasciende a las personas y no conoce nombres ni apellidos.

Camino ya de 2010, el balance no podía ser mejor. A lo largo de una de las giras más importantes de nuestra biografía, cientos de miles de personas dieron el sí definitivo al grupo y a las canciones de hoy y de siempre. Escuchamos también nuestros nombres con todos los acentos posibles de Latinoamérica y, con una naturalidad que pasará a la historia, el público continuó disfrutando con nuestra música devolviéndonos nuestra pasión en forma de cariño multiplicado por millones.

Las buenas emociones son el alimento del optimismo y éste la chispa necesaria para poner en marcha la creatividad, así que, con el corazón que apenas nos cabía en el pecho, nos atrevimos a recopilar antiguos retales e ideas musicales que dejamos en el camino durante horas y horas de ensayos en nuestro local. El capricho definitivamente tomó forma cuando se dio luz verde a la grabación de un disco acústico, totalmente despojado de aditivos y acompañado de una sección de cuerdas: todo un lujo para los que os guste el grupo.

Así, año tras año, nuestro grupo sigue creciendo. Aprendemos, estudiamos y nos esforzamos para que La Oreja de Van Gogh sea la mejor Oreja de Van Gogh de todas las posibles. Después de todo, hace mucho que somos muchísimos más que cinco los que vivimos historias en torno a unas canciones que empezamos nosotros y termináis vosotros. Nació formada por Pablo Benegas, Álvaro Fuentes, Xabi San Martín, Haritz Garde y Amaia Montero. Ésta última, vocalista y compositora del grupo desde sus inicios, abandonó la banda para comenzar su carrera como solista en 2007. Desde 2008 pone voz al grupo Leire Martínez .
Leire, Pablo, Álvaro, Haritz y Xabi
La oreja de Van Gogh

miércoles, 12 de mayo de 2010

Nelson Sierra

Nelson SierraNelson Sierra


Nelson Sierra: Licenciado en Canto ( Barítono) 1997 Universidad de Antioquia.(Colombia)
Participó en las producciones de la revista de tango Vos Tango como Cantante Solista en 1993,94 ,95 y 96.
Ha sido integrante del Conjunto los Médicos como segunda voz, en los periodos del 92 al 96 y desde el 2006 hasta la fecha .Con Presentaciones en diferentes escenarios del país y presentaciones para el programa Serenata de Teleantioquia
Grabación del CD numero 10 de Los Médicos Titulado el Alma de Mi Raza ,1993 con 16 temas.
Producción del CD Tiempos Viejos (Tangos) con 10 tangos románticos, 2008
Producción del CD Amémonos como antes (Dueto Alma Latina) 14 temas 2008

Actualmente se presenta en diferentes escenarios cantando tangos con sus pistas ó con grupo de Tango y promocionando su CD Tiempos Viejos.
Material suministrado por el productor de medellinense de “Una hora en Medellín” Héctor Darío Restrepo.

martes, 11 de mayo de 2010

Los Chalchaleros

Los ChalchalerosLos Chalchaleros

Los ChalchalerosLos Chalchaleros


Los Chalchaleros es un conjunto folclórico argentino creado en Salta en 1948. Están considerados uno de los más grandes grupos folclóricos de Argentina. Su nombre deriva de un pajaro cantor del norte argentino, el zorzal colorado o chalchalero (Turdus rufiventris).

La primera formación estuvo integrada por Victor Zambrano ("Cocho"), Carlos Franco Sosa, Aldo Saravia y Juan Carlos Saravia. Su debut fue el 16 de junio de 1948. La formación actual está compuestapor Juan Carlos Saravia, Eduardo Polo Román, Ricardo Francisco Figueroa ("Pancho") y Facundo Saravia. Otros chalchaleros fueron José Antonio Saravia Toledo, Ricardo Federico Dávalos ("Dicky"), y Ernesto Cabeza.

A lo largo de su carrera, Los Chalchaleros han editado cerca de 50 discos, popularizando estilos folclóricos argentinos como la zamba, la cueca, la chacarera, el gato o el chamamé.

Los chalchaleros han sabido llevar por todo el mundo lo mejor de la música nacional argentina, de la mejor manera. Fueron sin ninguna duda uno de los conjuntos de folclore argentino más importantes de toda la historia de esa música. Su despedida de los escenarios fue un periplo de conciertos por todo el país y el mundo inolvidable para los que tuvieron oportunidad de presenciarlo. La llegada de Facundo Saravia le da al conjunto en 1983 un aire más renovado, y los chalchas comienzan a atraer innumerable cantidad de jóvenes a esa música. Son como dice la Zamba "Una Leyenda".

La especie de roedores "Salinoctomys loschalchalerosorum" (algo así como "Chinchilla de Los Chalchaleros"), de la familia de los Octodontidae, y descubierta en la Provincia de La Rioja, Argentina, fue nombrada en honor al grupo. El investigador que le dio el nombre (Michael A. Mares de la Universidad de Oklahoma en Norma), sostiene que puso el nombre tras treinta años de escuchar sus canciones a los colaboradores del trabajo de campo.

El nombre "Chalchalero", proviene de la denominación que en el norte argentino se da al zorzal, pájaro que se alimenta del chalchal, arbusto nativo de esa región. Por extensión, en el lenguaje popular se denomina "chalchalero", al sujeto vanidoso, emulando la "actitud" de esta ave, de porte ergido y de pecho pronunciado. De igual forma, se usa el mismo modismo en esa región de argentina, para denominar algo falso, que pretende ser lo que no es. Los integrantes de este famoso grupo folclórico, "confiesan" que este nombre lo escogieron en sus inicios, por no sentirse en aquel entonces, "verdaderos expertos" en las artes musicales. Fuente Wikipedia(Fuente Fotos web Los Chalchaleros).

lunes, 10 de mayo de 2010

Duo Orientango (Sung Kyung Sun y Jung Jin Hee)

Duo Orientango (Sung Kyung Sun y Jung Jin Hee)Duo Orientango (Sung Kyung Sun y Jung Jin Hee)

Duo Orientango (Sung Kyung Sun y Jung Jin Hee)Duo Orientango (Sung Kyung Sun y Jung Jin Hee)

Duo Orientango (Sung Kyung Sun y Jung Jin Hee)Duo Orientango (Sung Kyung Sun y Jung Jin Hee)


Duo Orientango: Realizo su presentacion el 21 de Julio de 2001 en el salon musical de la "Manzana de las luces". En su repertorio estuvieron incluidos en su gran mayoria la musica de Astor Piazzolla y unos pocos temas de Folk Coreano. Su actuacion al finalizar recibio una gran ovacion. Laura Escalada(viuda del maestro Astor Piazzolla) realizo comentarios, elogiando la perfomance del Duo.
Posteriormente se presentaron en Centro Cultural Borges, y otros escenarios en la Argentina, inclueyendo presentaciones en radios, siempre con la gran aprobacion del público.
Los integrantes de Orientano son:
La violinista Sung Kyung Sun nacida en 1976 in Busan, Corea, quien migro a Argentina en 1991 donde fue activa participante de la Orquesta UAP, pasando posteriormente a integrar La orquesta juvenil de Camara.
El pianista Jung Jin Hee, nacido en Seul, Corea en 1976, migro a Argentina en 1993, en nuestro pais , logro el primer premio en 1997 en el concurso de musica promocional en 1997, y se graduo en 1998 en la Academia nacional de musica de Buenos Aires.
En el año 2000, Jung y Sung crearon el duo Orientango.
Fuente Web de Duo Orientango, en Coreano, los textos fueron llevados al Ingles por traduccion automatica y posteriormente traducidos manualmente al español.

domingo, 9 de mayo de 2010

Guitarras de America

Guitarras de AmericaGuitarras de America


GUITARRAS DE AMÉRICA
Es un grupo instrumental, creado el día 04 de abril de 1987, en el recinto Quirama de Rionegro (Antioquia), tras un homenaje al dueto Espinosa-Bedoya, e integrado por tres artistas que cuentan cada uno con un record de excelente brillantez, unidos para dar forma a una de las agrupaciones mas relevantes de Colombia.Está integrado por :

RUBÉN DARÍO RESTREPO R.
Director del conjunto, especializado en el requinto.
Protagonista de una amplia trayectoria como músico arreglista e instrumentista.

LUIS H. BENJUMEA
Maestro académico y concertista, con su guitarra realiza el contrapunteo melódico, solos
Clásicos y segundas armonizantes.

HÉCTOR DARÍO RESTREPO S.
Igualmente con su maestría es el encargado de la guitarra acompañante y de sus “bordones”
De gran experiencia y musicalidad adquirida a través del tiempo en varios grupos y duetos populares.
Fuente: Héctor Darío Restrepo, productor de “Una hora en Medellín”
E integrante del conjunto “Guitarras de América” el 11-04-2010.

viernes, 7 de mayo de 2010

Hernán Figueroa Reyes

Hernán Figueroa ReyesHernán Figueroa Reyes


Nació un 14 de Septiembre de 1936 en Salta, el lugar del país que tantos valores de nuestro cancionero dio. Su padre José Figueroa Aráoz, fecundo escritor y su madre Mariela Reyes, creadora infatigable y precursora en el espectáculo de la Cacharpaya, alentaron en él la vida bohemia, creativa y de permanente estímulo.

Hernán traía en su haber toda una vida que desde la niñez se desarrolló en un hogar donde la creación artística era común y alentada por los integrantes su familia. De pequeño trabajó como empleado de kiosco, en una perfumería en la Estación de Retiro, vendedor de terrenos, corredor de seguros, Oficial Principal del Juzgado de Instrucción en lo criminal Nº 20 de la Capital Federal. Hizo de todo, hasta que se decidió dedicarse definitivamente a la música.

Cantor, autor, compositor y guitarrero Hernán Figueroa Reyes anduvo siempre con la guitarra y el canto a cuestas, que supo alternar con los libros de Derecho, pero abandonó su carrera para entregarse de lleno al canto, con alma y vida.

Hernán Figueroa Reyes debuta el 10 de octubre de 1960 en un baile de carnaval, con un conjunto vocal que hizo historia en la interpretación del cancionero nativo, Los Huanca Huá.

Ellos tenían una concepción armónica tan novedosa como original por sus arreglos y por su forma de presentarse ante el público: Sin atavíos gauchos, floreos guitarrísticos en las voces y cadencias provincianas en su acento. Toda una trasgresión para el folklore de ese tiempo.

La primera voz de dicho grupo era Hernán Figueroa Reyes, cantor de raza, dueño de una voz privilegiada, talento y angel; todos los dones de un verdadero artista se derramaron en él.

Con los Huanca Huá recorrió ese primer camino brillante y pleno de éxitos hasta que en 1963, o sea tres años después, abandona el grupo y se lanza como solista. Forma su conjunto con Emilio "Bocha" Martínez (Guitarra) y Hernán Rapella (Bombo).

Es un despegue meteórico asentado en una personalidad seductora, un timbre de voz personal y muy agradable, haciendo un repertorio con lo tradicional y nuevas obras de fuerte color nativista.

En la Plaza Próspero Molina de Cosquín obtiene la consagración definitiva, con tal énfasis que su versión de El Corralero se transforma en el mayor suceso discográfico del momento. Le siguen Zamba del Cantor Enamorado, El Tata está Viejo y Tendrás un Altar entre otros temas que lograron gran difusión, aumentando su éxito en un medio pleno de grandes artistas.

Luego tiene una participación importante en la película Ya tiene Comisario el Pueblo protagonizada por Niní Marshall y Ubaldo Martínez.

En TV conduce un ciclo musical junto a los más consagrados colegas de aquellos momentos, mostrando siempre una inagotable vocación creadora, musical y empresaria. El Palo Borracho y La Peña de Olivos fueron sus escenarios de mayor significación, recordados ambos como bastiones en la memoria del mundo del folklore. Muchos intérpretes encaminaron sus comienzos profesionales a partir de proyectos de este cantor-actor-empresario como María Helena o Roberto Rimoldi Fraga.

Hernán tenia una voz excepcional. Cuando su figura aparecía en un escenario el vértigo, una luminosidad diferente marcaban su presencia. Su energía deslumbraba las marquesinas y candilejas. Había nacido para ser una estrella fulgurante del folklore. Participó en todos los festivales del país: Cosquín, Baradero, Jesús María, Villa María, Guadalupe y Paraná. La última presentación en Santa Fé no pudo ser, donde se notó su ausencia sin aviso, pues la muerte le dio cita para aquel 6 de febrero de 1973. Después de pasar Zárate perdió la vida prematuramente, en pleno éxito, uno de los renovadores del folklore que más habían llegado al público.Fuente: Julio de la Vega - Periodista, Músico y vecino de San Martín. Tomado de la web Biografias de folklore