Esta pagina ha sido creada para difundir y hacer conocer nuestra música ciudadana "El TANGO" y sus artistas.
Compartimos el lugar con otros géneros, debido a que toda la música es arte, placer y ......
Aquellos que gusten de estos últimos y no conozcan el Tango, lo descubrirán y posiblemente lo empezaran a disfrutar.
sábado, 2 de octubre de 2010
Malyevados
Malyevados nació haciendo tango. Nos gustaba el estilo clásico de los tangos con guitarras de los años 20. Algunos letristas como Manzi, Expósito, García Jiménez y Celedonio Flores, nos tenían ocupados tratando de acercarnos a sus canciones. Como la voluntad creativa, a veces se vuelve inaguantable, empezamos a tener la necesidad de meternos con nuestras propias obras. Allí es donde el tango nos empezó a quedar a un costado de lo que buscábamos. Había algo en el lenguaje, en los temas, en las cadencias, que no nos hacía sentir cómodos a la hora de componer. Entonces empezaron las primeras melodías, desprendiéndose de aquel género, y algunos ritmos, revisitando los propios orígenes del tango. La inclusión del bandoneón y los vientos terminaron por definir el estilo de Malyevados, dando origen a obras muchísimo más personales, pero basadas en el espiritu de aquellas viejas composiciones. Poesía más actual, fusión de estilos. Visitas a otros puertos. En ellas asoman también los valses latinoamericanos, el fado y otros ritmos afines a ese espiritu. Historias de pasión, de tristeza, de alegria, de belleza, de encuentros y despedidas.
In English
Malyevados was born making tango. We liked the classic style of the guitar-tango of the twenties. Lyric writers such as Manzi, Expósito, García Jiménez y Celedonio Flores, had us busy trying to approach their songs. As the creative drive sometimes becomes unbearable we started to feel the need to create our own work. That’s where the tango started to become a sideline of what we were looking for. There was something in the language, in the topics, in the rythms of tango that made us feel uncomfortable when it was time to sit down and write a song. And that’s how our first melodies came about, disengaged from those old songs, in some rythms, revisiting the very origins of tango. When the bandoneon and the brasses were brough on board Malyevados found its style; the works were now much more personal but still based on the spirit of those pieces of yore. Fusion of styles, more up-to-date poetry. Calls on other ports. There are hints of latinamerican waltzes in the songs; also of the fado and other rythms in the same spirit.
Stories of passion, sorrow, joy, beauty, meetings and farewells. Fuente web de Malyevados
viernes, 1 de octubre de 2010
Andy & Lucas
Andy y Lucas (o Andy & Lucas) es un grupo musical español formado por Andrés Morales y Lucas González. Presentaron su primer disco en 2003.
Andrés Morales nació el 4 de abril de 1982 y Lucas González el 28 de septiembre de 1982, se criaron en el barrio de La Laguna en Cádiz y estudiaron en el mismo colegio.
También estudiaban juntos para administrativos antes de dedicarse a la música y recorrerse todos los escenarios de los bares de Cádiz. Cuando aún no los conocía nadie Jesús Quintero los entrevistó en su programa Ratones Coloraos y acabó de encumbrarlos, por ello le dedicaron la canción "Ratoncitos Coloraos" en su primer disco.
"Estamos juntos desde siempre", dice Lucas. "En el recreo, en vez de comernos el bocadillo nos metíamos en el aula de música del colegio y cantábamos. Decidimos formar un grupo. Al principio eramos cuatro". Y Lucas se puso a componer. "Hago canciones desde los 12 años, aunque hace cuatro me lo tomé más en serio", dice Lucas.
El 26 de mayo de 2003 editaron su primer álbum Andy & Lucas con trece canciones, y su sencillo "Son de Amores" se convirtió en el éxito del verano. Vendieron más de 500.000 copias y el 15 de marzo de 2004 su álbum se editó en México, Argentina, EE UU, Chile, Costa Rica, Colombia, Perú y Ecuador.
Lograron un gran éxito en toda Latinoamérica y "Son de Amores" alcanzó el número una de la prestigiosa lista Hot Latin Tracks de la revista americana Billboard.[1]
El 29 de noviembre de 2004 editaron su segundo álbum Desde mi barrio, con trece nuevas canciones compuestas por Lucas, excepto "Madre" que supuso el debut de Andy como compositor.
Con más de 1.000.000 de copias vendidas de sus anteriores trabajos y con once discos de platino en sus vitrinas, el 27 de febrero de 2007 volvieron Andy y Lucas con su tercer álbum Ganas de vivir, doce canciones de las cuales siete están compuestas por Lucas y cinco por Andy. Fuente Wikipedia
jueves, 30 de septiembre de 2010
Ovidio Barreiro's
Ovidio Barreiro'sOVIDIO BARREIRO “El Pibe de Oro de Medellín”
Ovidio de Jesús Barreiro Salazar, nació en el barrio Aranjuez de la ciudad de Medellín el 12 de febrero de 1958 y nos relata su propia biografía.
Como en los versos de Celedonio, desde muy niño me acunaron los tangos en mi hogar, tangos que se aferraron a mi piel y a mi alma desde la niñez, a los 11 años quedé huérfano de padre y tuve que trabajar y el oficio como canillita afinó mi garganta, cuando en el recorrido diario solo tenía oídos para el tango, ya que los lugares que frecuentaba para realizar mis ventas estaban envueltas de tristeza, orfandad y esta música que recalaba en mi ser hasta los huesos…..el tango.
En las reuniones de gente mayor me colaba, y cuando estaban medios curdas entonaba mis tangos y me hice popular en mi barrio, hasta el punto que en las reuniones me invitaban para que les cantara unos cuantos tangos, que en muchas ocasiones no querían que dejara de cantar, así transcurrieron varios años y entre tangos y tangos tuve la oportunidad de cantar en un lugar de tangos, año 1980, donde todo argentino que venía a Medellín, casi obligadamente venía a saludar al dueño, me refiero al “Patio de Tango” y su dueño era Aníbal Moncada que cariñosamente le decíamos “El Gordo Aníbal”, allí tuve la fortuna de conocer a Luis Correa, Juan Carlos Godoy, Armando Moreno, Pepe Aguirre, y Carlos Omar (estos dos últimos Chilenos).
La “Casa Gardeliana” de la ciudad de Medellín, organizó un concurso buscando la VOZ JOVEN DEL TANGO en el año 1983 y tuve la fortuna de ser el ganador absoluto de dicho concurso, aunque uno de los premios era ir a Argentina, esto nunca se realizó y me tocó esperar hasta el año 2000, donde viajé a Rosario, Argentina, a la Quinta Cumbre Mundial del Tango, en representación de la Casa Cultural Homero Manzi y así pude realizar mi sueño de conocer Argentina.
En la Casa Gardeliana de la Ciudad de Medellín, por espacio de cuatro años, pude compartir escenario con muchos cantores y grupos que contrató el señor Leonardo Nieto Jardón, como Luis Correa, Jorge Valdez, Alberto Podestá, Ángel Cárdenas, Jorge Rolando, Carlos Alcorta, Roberto Florio, Los Indios Tacunau, Carlos Valdez, Raúl Garcés, Héctor Blotta (Historiador y cantor)
En el año 1987, en el lugar de tango “La Tranquera del Poblado”, fui contratado para reemplazar a Fernando Soler, quien junto con Osvaldo Rizzo, se regresaron a la Argentina, y allí alterné con Juan Carlos Godoy, Enrique Espinoza y Marcelo Biondini, el acompañamiento musical, estaba a cargo de siete músicos, entre los cuales se encontraba el violinista Jorge Deluca, con el cual hice muy buena amistad y me regaló la partitura del tango “Después si querés hablá” del cual es uno de los autores (Jorge Sabliov).
En el año 1989 en el lugar de tango “El Café de las Historias” alterné con Argentino Ledesma, del cual también tengo muy buenos recuerdos, entre tantos, tengo varias orquestaciones que me regaló y que me dijo grabara cuando quisiera porque me quedaban bien, entre ellas “Cuartito azul” “Oro y plata” “En el cielo” “Silueta porteña” y su tango mas reconocido en Medellín y Colombia “Fueron tres años”
En la actualidad tengo mas de 100 grabaciones, dentro de las cuales están las milongas “Milonga pa’l Medellín” (Carlos W. Salazar-Ovidio Barreiro) milonga futbolera creada para mi equipo del alma Deportivo Independiente Medellín y “Milonga sentida” (Ovidio Barreiro) esta última la canté en la Quinta Cumbre Mundial del Tango realizada en Rosario, Argentina año 2000.
En la actualidad tengo en producción un CD titulado “Amigos que yo quiero”, con temas como el citado, “Manos adoradas” “El bazar de los juguetes” “Antiguo reloj de cobre” “Cuando estemos viejos” “Tres amigos” “Estampa tanguera” “Garganta con arena” “Estrella” “El amor desolado” “Los cosos de al lao” y la milonga “Siete mujeres”
Datos suministrados por Ovidio Barreiro a la Directora Argentina de “Una hora en Medellín” Susana Cristina Barrios el 10-09-2009.
Música enviada por el Director Medellinense Joaquín Eduardo Álvarez Jiménez
COLECCIÓN PRIVADA “UNA HORA EN MEDELLÍN”
miércoles, 29 de septiembre de 2010
Los del Suquia
La palabra Suquía es aborigen y significa Aguas Cantoras o Cantos de los Brujos, así como el nombre del río que atraviesa la ciudad de Córdoba. Allá por los años 60, este grupo se formó, llamándose entonces las voces del Uritorco, pero por consejo de Pancho Cárdenas a pocos años de su formación, pasaron a llamarse definitivamente Los del Suquía.
En el año 1968 fueron elegidos en forma exclusiva, para cantarle a la otrora primera dama de los Estados Unidos Jacqueline Kennedy y a su pequeño hijo John John, en la estancia San Miguel en Ascochinga, Pcia. De Córdoba.
En el año 1969 son galardonados con el primer premio en el Festival del Encuentro en Baradero, Pcia. De Buenos Aires. El premio consistía en dar una serie de recitales en Radio el Mundo y la grabación de su primer disco Canción para una Mentira.
Su consagración definitiva se debió a la canción que daba el nombre a su disco, cuando en el programa Argentinísima de Julio Maharbiz y junto al plantel de jugadores de fútbol del club Talleres de Córdoba, del cual eran simpatizantes, se les otorgó el Disco de Oro, por la venta de más de un millon de copias de este disco.
En el año 1973, en plena gira por Mar del Plata donde compartían cartelera con grandes de la música mundial, Cachito Iriarte la primera voz del conjunto, recibe la propuesta de reemplazar a la también primera voz del mundialmente famoso Trio Los Panchos, rechazándola para proseguir el camino junto a sus compañeros.
Fueron tapa de revistas como Folklore, TV Guía, Tango y Folklore, Semanario, Gente, etc. Participaron en 5 películas argentinas. Compartieron escenario con Mercedes Sosa, Carlos Torres Vila, Los Olimareños, Horacio Guaraní, Alfredo Zitarrosa, Alberto Castillo, El Pelado Heleno, Sandro, Joan Manuel Serrat, Doménico Modugno, Los Panchos, Ma. Marta Serra Lima, Atahualpa Yupanqui, Los Chalchaleros, Jorge Cafrune, Ariel Ramirez, Luciano Pereyra, Pablo Estramín y muchos más. Grabaron y editaron más de 60 discos.
Llenaron los más importantes escenarios de Argentina, tales como Luna Park, Broadway, Maipú etc. Actuaron en festivales Nacionales e Internacionales como Cosquín, Semana de la Cerveza en Paysandú, Durazno, Feria Internacional de Santa Cruz de la Sierra (Bolivia), Desfile de la Hispanidad en Nueva York, en el Carnegie Hall (E.E.U.U) entre otros.
En 2004 perdió la vida a los 61 años en accidente automovilístico el creador de este conjunto Ramón Cachito Iriarte dejando a sus hijos Diego y Waldo, quienes integraban ya desde hace años el grupo.
Su última producción discográfica editada en Julio de 2007 se llama "Herederos". Fuente Web de Los del Suquia
martes, 28 de septiembre de 2010
Héctor Mauré
MAURÉ, Héctor. (Nombre de familia: Vicente J. Falivene). Cantor. Nació en Buenos Aires el 13 de marzo de 1920.
Fue en su juventud, boxeador consagrándose luego al canto. Durante 1938 surgió a la popularidad que ya no le abandonaría por treinta años de actuación ininterrumpida en el concurso radial de nuevas voces organizado por la firma Puloil.
En 1940 fue requerido por Juan D'Arienzo a cuya orquesta ingresó grabando en discos Víctor sus difundidas realizaciones: Claudinette, Sobre el pucho, Amarras, Lilián, entre otras muchas. Se desvinculó de dicho conjunto en 1945 para proseguir su trayectoria como solista.
Grabó para los sellos Orfeo, Odeón, Columbia y Music-Hall.
En 1958 cantó en París durante una breve gira y en los años siguientes su acompañamiento ha estado dirigido por el bandoneonista Pascual Elía y por el pianista Jorge Dragone. Falleció el 12 de mayo de 1976.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado para la web por El tango y sus invitados
lunes, 27 de septiembre de 2010
Feliciano Brunelli
Feliciano Brunelli: Algo de la vida y mucho de la obra grabada de Feliciano Brunelli -un auténtico baluarte de la música popular-, hoy está casi olvidado. Para los que lo conocieron y apreciaron sus melodías sigue siendo "el dueño de la alegría", y tanto su vida como su obra tocan muy de cerca la historia de nuestra ciudad de Rafaela. Por eso, por esta única vez publicaremos en tres entregas un extracto de la nota "Brunelli, el mago del acordeón", investigación histórica de Néstor Saavedra. Agradecemos a la revista "Todo es Historia" -dirigida por Félix Luna- por habernos facilitado el grueso del material.
Una y otra vez se ha escrito sobre la falta de memoria de los argentinos. El personaje de este artículo es una interesante víctima de ese olvido. Grabó en las dos principales compañías de la Argentina productoras de discos durante casi cuatro décadas (1928 a 1966). Escribió más de cuatrocientos temas musicales y llevó al disco cerca de ochocientas interpretaciones, solo o como director de distintas formaciones.
Creó una denominación para un tipo de orquesta que no era ni de jazz, ni típica: la orquesta característica.
Fue artista exclusivo de Radio Belgrano durante un cuarto de siglo.
Indudablemente resultó el músico más apreciado por la enorme masa de inmigrantes e hijos de inmigrantes que encontraron sus raíces en la producción musical de este eximio acordeonista. Sin embargo, casi no se encuentran datos de él ni se ha escrito un libro sobre su vida y obra.
Ese genial compositor, intérprete, arreglador y director se llamaba Feliciano Brunelli. Su música lo arrastró al olvido, porque en la década de 1960, cuando en nuestro país resaltaron el rock y el folclore, el tango se resquebrajó sensiblemente y muchas grandes orquestas típicas se disolvieron, pero la música "característica" casi desapareció por completo. Y con ella se fue el "mago del acordeón", como se lo conocía popularmente. Posteriormente también cayó en la amnesia intelectual y revisionista, pues, al no dirigir una orquesta típica, aunque pocos saben que compuso y ejecutó tangos, quedó fuera de muchas historias, artículos y diccionarios del tango. Un ejemplo ilustrativo es que en muchas grabaciones del Cuarteto Brunelli se luce, como en pocas obras, el insigne violinista Elvino Vadaro. Sin embargo, sus biógrafos raramente mencionan su paso por esta formación aunque recuerdan con detalle sus aportes al tango.
En estas tres entregas, nos proponemos entonces dar a conocer algunos aspectos de la vida de Feliciano Brunelli y analizar su obra a la luz de esa etapa de la historia nacional.
Su Infancia
El último tema que Feliciano Brunelli grabó como solista fue el vals de su autoría "A ti madre", el 12 de mayo de 1930. Su mamá fue precisamente Ardovina Bontempi, quien dio a luz a Feliciano en Marsella, Francia, el 7 de febrero de 1903 en calle Plaza de Julio N° 14. El papá, Juan, era un italiano como Ardovina, que, cuando vivían en Ossimo, Italia, hasta 1890, se dedicaba a la manufactura y afinación de acordeones. Con esta profesión se mudó a la costa del Mediterráneo francés, donde parece haberle ido muy bien, pues logró una medalla de oro en un concurso en el que se presentaron 120 acordeonistas, en 1893.
Muy chico Feliciano viajó a la Argentina con su familia y tíos paternos: Gustavo, Alejandro y Francisco. Sólo quedó en Italia Elvira, la única hermana de Juan. Juan, Ardovina y su familia, con algunos otros hermanos de Juan, se establecieron en Rafaela.
Familia de Músicos
El 10 de junio de 1953, la orquesta característica de Feliciano Brunelli graba "Mezza Italia in Argentina", un tema escrito por un francés, el propio Feliciano, y un italiano, Mario Batistella, ambos hijos adoptivos de nuestra patria, en donde realizaron toda su extensa obra de músico y letrista, respectivamente. El título de la obra es por demás significativo y de alguna manera nos lleva a esa Argentina receptora de inmigrantes a la que el acordeonista llegó de pequeño, y a ese punto específico dentro de las enormes extensiones pampeanas, Rafaela, concentrador de italianos, especialmente piamonteses, y muchos de ellos grandes músicos. Según el censo de 1895, en Rafaela vivían 2.228 personas; más de la mitad eran extranjeras: 1.168, de las cuales 928 eran italianas.
Al llegar al país, Juan Brunelli abrió una casa de venta y reparación de instrumentos en el bulevar Lehmann y Ameghino de Rafaela. Con el tiempo fue importadora de los reputados acordeones Scandalli. En el taller trabajó el primo de Feliciano, Virgilio Marcucci, que quedó al frente del negocio a los catorce años, cuando "el mago" se radicó en Buenos Aires. El tío Francisco también reparaba instrumentos, profesión que había aprendido en la famosa fábrica de acordeones de Settimio Soprani en Italia. Se casó con María Carbonari, también italiana, con quien tuvo ocho hijos: los cuatro varones fueron músicos que animaron decenas de bailes en el oeste santafesino, el último de ellos en la Sociedad Italiana de Ataliva. Atilio, otro de los primos de Feliciano, se dedicó profesionalmente a la música y trabajó en el Conservatorio Nacional de Música de Córdoba, ciudad en la que ofreció muchos conciertos de música clásica.
Además del contacto con la música de su padre, Feliciano concurría a estudiar piano con Luis Ricci. A los trece años tocó en una fiesta con su papá y comenzó a trabajar profesionalmente ejecutando el piano en los cines (en la década de 1920 tocaba en el Colón) y recorriendo pueblos vecinos con una carpa católica que funcionaba como capilla de campaña.
En Rafaela intervino en varias formaciones orquestales como atestiguan diversas fotos. La primera que dirigió lo hizo en colaboración con Miguel Angel Cetta, y duró cerca de un lustro, acompañados por Tulio Tieri, A. Gutiérrez y Roberto Puchetta. Cetta, violinista al que Brunelli le grabó dos temas (el vals "Recuerdo de un querer", el 12 de diciembre de 1940 con el Cuarteto Criollo y la voz de Oscar Valeta; y la marcha tarantella "Marcha de los novios", cantada por Alberto Radamés y Oscar Valeta, el 27 de junio de 1941), dijo en un reportaje que Brunelli tocaba "muy bien el acordeón, pero el piano sólo lo ejecutaba de oído, así que le tuve que enseñar algunos acordes para que me acompañara".
Brunelli también tocó en la típica y la característica de Rafaela, que dirigía José Vaquero, quien curiosamente había sido compañero de estudios de Feliciano Brunelli, pero prefirió dedicarse al bandoneón antes que al acordeón. Aunque era joven, fomentaba el entusiasmo por la música de muchos jóvenes rafaelinos. Narciso Paludi, por ejemplo, a los catorce años, ya tocaba con Brunelli. Posteriormente sería director del conservatorio musical Mozart en Rafaela. Otros acordeonistas rafaelinos se incorporarán luego a la gran orquesta de Brunelli, como Juan Aira, Garibotti, Esteban Milanesse y, según tradiciones orales, Lorenzo Platinetti, Romualdo Reggiani, discípulo de Luis Ricci (como Brunelli), fue uno de los pianistas de la orquesta de Feliciano en sus mejores momentos.
Feliciano Brunelli grabó por primera vez para el sello Odeón en 1928.
En 1933 pasó a Víctor donde permaneció durante 33 años. Por esta causa a mediados de la década de 1930 se radica en Buenos Aires.
En la city porteña
Su llegada a la capital argentina causó furor. José María Colombo, propietario de una casa de música de Rafaela, recuerda que a Brunelli lo contrató la fábrica de acordeones Hooner y esto generó un gran interés del público por oír y estudiar el instrumento.
Su éxito estuvo ligado, como sus inicios en Rafaela, a la presencia de una gigantesca masa de inmigrantes. Entre 1875 y 1914 llegaron a la Argentina más de cinco millones de extranjeros, el 14% del volumen mundial. De ellos unos dos millones eran italianos. El flujo menguó luego de la Primera Guerra Mundial, pero entre 1921 y 1930 arribaron unos 368.000. La enorme mayoría se asentó en la pampa húmeda y en sus grandes ciudades, como Rosario y Buenos Aires. Muchos, a fuerza de trabajar, lograron holgadas posiciones económicas y, por tanto, tenían tiempo para el ocio. En este rubro gustaban del teatro y la música italiana, y por lo tanto eran fervientes consumidores. En muchos casos se aunaron en asociaciones culturales (Unione e Benevolenza, Patria e Lavoro, Tiro al Segno, Italia Unita, etc.) para cuyas fiestas se contrataban orquestas características que les despertaban la nostalgia pero a la vez los divertían con temas de su terruño. La Sociedad Dante Alighieri promovió el estudio del idioma italiano y patrocinó viajes de conferencistas y compañías de teatro. Además, a medida que se popularizaron los medios de difusión muchos italianos de todas las clases sociales demandaron tarantelas, canzonetas y marchas. No es extraño, entonces, que gran parte de los temas que tocaban los conjuntos de Feliciano Brunelli estuvieran orientados a este público, en muchos casos, cantados en italiano.
Los inmigrantes españoles superaron en número a los italianos desde 1905, y en 1920 la ciudad de Buenos Aires tenía la comunidad gallega más grande del mundo fuera de la península Ibérica. "Se estima que en el período que va de 1887 a 1924 aproximadamente un millón de españoles optó por quedarse definitivamente en el país". También conformaron instituciones donde las artes hispanas fueron promocionadas, como el Centro Galicia o el Centro Asturiano. Ellos serían voraces consumidores de pasodobles, jotas, corridos, bulerías y otros ritmos españoles, presentes en el repertorio de Brunelli. Además de esta gran cantidad de inmigrantes y sus hijos, que buscaban escuchar y bailar la música de su sangre, el país estaba en el punto exacto para que Feliciano Brunelli dejara de ser un gran músico en Rafaela para convertirse en el "mago del acordeón" en la Argentina.
Este salto se inicia a mediados de la década del '30, cuando los productos del fértil campo criollo ya habían ayudado a superar la crisis mundial de 1929 -1930. En política, el golpe de Uriburu era ya cosa del pasado y se vivía una estabilidad que se mantuvo hasta 1955 con la excepción de la revolución de 1943. No es raro entonces, que en esta época, de una suba del poder adquisitivo y una apertura de la clase media a nuevos escalones del consumo, la música y otras artes vivieran su edad de oro. El tango, por ejemplo, gozaba de gran popularidad en los años treinta (Canaro, Fresedo, Di Sarli, Lomuto, De Caro, Donato, etc.). Incluso es el punto de partida de magníficas orquestas, como Troilo (1937) y Demare (1938). Su época de consolidación se dará en el siguiente decenio.
Fuente: La Opinión online (Rafaela) en la web www.acordeonisima.com.ar Foto Museo Anconentani del Acordeon
Una y otra vez se ha escrito sobre la falta de memoria de los argentinos. El personaje de este artículo es una interesante víctima de ese olvido. Grabó en las dos principales compañías de la Argentina productoras de discos durante casi cuatro décadas (1928 a 1966). Escribió más de cuatrocientos temas musicales y llevó al disco cerca de ochocientas interpretaciones, solo o como director de distintas formaciones.
Creó una denominación para un tipo de orquesta que no era ni de jazz, ni típica: la orquesta característica.
Fue artista exclusivo de Radio Belgrano durante un cuarto de siglo.
Indudablemente resultó el músico más apreciado por la enorme masa de inmigrantes e hijos de inmigrantes que encontraron sus raíces en la producción musical de este eximio acordeonista. Sin embargo, casi no se encuentran datos de él ni se ha escrito un libro sobre su vida y obra.
Ese genial compositor, intérprete, arreglador y director se llamaba Feliciano Brunelli. Su música lo arrastró al olvido, porque en la década de 1960, cuando en nuestro país resaltaron el rock y el folclore, el tango se resquebrajó sensiblemente y muchas grandes orquestas típicas se disolvieron, pero la música "característica" casi desapareció por completo. Y con ella se fue el "mago del acordeón", como se lo conocía popularmente. Posteriormente también cayó en la amnesia intelectual y revisionista, pues, al no dirigir una orquesta típica, aunque pocos saben que compuso y ejecutó tangos, quedó fuera de muchas historias, artículos y diccionarios del tango. Un ejemplo ilustrativo es que en muchas grabaciones del Cuarteto Brunelli se luce, como en pocas obras, el insigne violinista Elvino Vadaro. Sin embargo, sus biógrafos raramente mencionan su paso por esta formación aunque recuerdan con detalle sus aportes al tango.
En estas tres entregas, nos proponemos entonces dar a conocer algunos aspectos de la vida de Feliciano Brunelli y analizar su obra a la luz de esa etapa de la historia nacional.
Su Infancia
El último tema que Feliciano Brunelli grabó como solista fue el vals de su autoría "A ti madre", el 12 de mayo de 1930. Su mamá fue precisamente Ardovina Bontempi, quien dio a luz a Feliciano en Marsella, Francia, el 7 de febrero de 1903 en calle Plaza de Julio N° 14. El papá, Juan, era un italiano como Ardovina, que, cuando vivían en Ossimo, Italia, hasta 1890, se dedicaba a la manufactura y afinación de acordeones. Con esta profesión se mudó a la costa del Mediterráneo francés, donde parece haberle ido muy bien, pues logró una medalla de oro en un concurso en el que se presentaron 120 acordeonistas, en 1893.
Muy chico Feliciano viajó a la Argentina con su familia y tíos paternos: Gustavo, Alejandro y Francisco. Sólo quedó en Italia Elvira, la única hermana de Juan. Juan, Ardovina y su familia, con algunos otros hermanos de Juan, se establecieron en Rafaela.
Familia de Músicos
El 10 de junio de 1953, la orquesta característica de Feliciano Brunelli graba "Mezza Italia in Argentina", un tema escrito por un francés, el propio Feliciano, y un italiano, Mario Batistella, ambos hijos adoptivos de nuestra patria, en donde realizaron toda su extensa obra de músico y letrista, respectivamente. El título de la obra es por demás significativo y de alguna manera nos lleva a esa Argentina receptora de inmigrantes a la que el acordeonista llegó de pequeño, y a ese punto específico dentro de las enormes extensiones pampeanas, Rafaela, concentrador de italianos, especialmente piamonteses, y muchos de ellos grandes músicos. Según el censo de 1895, en Rafaela vivían 2.228 personas; más de la mitad eran extranjeras: 1.168, de las cuales 928 eran italianas.
Al llegar al país, Juan Brunelli abrió una casa de venta y reparación de instrumentos en el bulevar Lehmann y Ameghino de Rafaela. Con el tiempo fue importadora de los reputados acordeones Scandalli. En el taller trabajó el primo de Feliciano, Virgilio Marcucci, que quedó al frente del negocio a los catorce años, cuando "el mago" se radicó en Buenos Aires. El tío Francisco también reparaba instrumentos, profesión que había aprendido en la famosa fábrica de acordeones de Settimio Soprani en Italia. Se casó con María Carbonari, también italiana, con quien tuvo ocho hijos: los cuatro varones fueron músicos que animaron decenas de bailes en el oeste santafesino, el último de ellos en la Sociedad Italiana de Ataliva. Atilio, otro de los primos de Feliciano, se dedicó profesionalmente a la música y trabajó en el Conservatorio Nacional de Música de Córdoba, ciudad en la que ofreció muchos conciertos de música clásica.
Además del contacto con la música de su padre, Feliciano concurría a estudiar piano con Luis Ricci. A los trece años tocó en una fiesta con su papá y comenzó a trabajar profesionalmente ejecutando el piano en los cines (en la década de 1920 tocaba en el Colón) y recorriendo pueblos vecinos con una carpa católica que funcionaba como capilla de campaña.
En Rafaela intervino en varias formaciones orquestales como atestiguan diversas fotos. La primera que dirigió lo hizo en colaboración con Miguel Angel Cetta, y duró cerca de un lustro, acompañados por Tulio Tieri, A. Gutiérrez y Roberto Puchetta. Cetta, violinista al que Brunelli le grabó dos temas (el vals "Recuerdo de un querer", el 12 de diciembre de 1940 con el Cuarteto Criollo y la voz de Oscar Valeta; y la marcha tarantella "Marcha de los novios", cantada por Alberto Radamés y Oscar Valeta, el 27 de junio de 1941), dijo en un reportaje que Brunelli tocaba "muy bien el acordeón, pero el piano sólo lo ejecutaba de oído, así que le tuve que enseñar algunos acordes para que me acompañara".
Brunelli también tocó en la típica y la característica de Rafaela, que dirigía José Vaquero, quien curiosamente había sido compañero de estudios de Feliciano Brunelli, pero prefirió dedicarse al bandoneón antes que al acordeón. Aunque era joven, fomentaba el entusiasmo por la música de muchos jóvenes rafaelinos. Narciso Paludi, por ejemplo, a los catorce años, ya tocaba con Brunelli. Posteriormente sería director del conservatorio musical Mozart en Rafaela. Otros acordeonistas rafaelinos se incorporarán luego a la gran orquesta de Brunelli, como Juan Aira, Garibotti, Esteban Milanesse y, según tradiciones orales, Lorenzo Platinetti, Romualdo Reggiani, discípulo de Luis Ricci (como Brunelli), fue uno de los pianistas de la orquesta de Feliciano en sus mejores momentos.
Feliciano Brunelli grabó por primera vez para el sello Odeón en 1928.
En 1933 pasó a Víctor donde permaneció durante 33 años. Por esta causa a mediados de la década de 1930 se radica en Buenos Aires.
En la city porteña
Su llegada a la capital argentina causó furor. José María Colombo, propietario de una casa de música de Rafaela, recuerda que a Brunelli lo contrató la fábrica de acordeones Hooner y esto generó un gran interés del público por oír y estudiar el instrumento.
Su éxito estuvo ligado, como sus inicios en Rafaela, a la presencia de una gigantesca masa de inmigrantes. Entre 1875 y 1914 llegaron a la Argentina más de cinco millones de extranjeros, el 14% del volumen mundial. De ellos unos dos millones eran italianos. El flujo menguó luego de la Primera Guerra Mundial, pero entre 1921 y 1930 arribaron unos 368.000. La enorme mayoría se asentó en la pampa húmeda y en sus grandes ciudades, como Rosario y Buenos Aires. Muchos, a fuerza de trabajar, lograron holgadas posiciones económicas y, por tanto, tenían tiempo para el ocio. En este rubro gustaban del teatro y la música italiana, y por lo tanto eran fervientes consumidores. En muchos casos se aunaron en asociaciones culturales (Unione e Benevolenza, Patria e Lavoro, Tiro al Segno, Italia Unita, etc.) para cuyas fiestas se contrataban orquestas características que les despertaban la nostalgia pero a la vez los divertían con temas de su terruño. La Sociedad Dante Alighieri promovió el estudio del idioma italiano y patrocinó viajes de conferencistas y compañías de teatro. Además, a medida que se popularizaron los medios de difusión muchos italianos de todas las clases sociales demandaron tarantelas, canzonetas y marchas. No es extraño, entonces, que gran parte de los temas que tocaban los conjuntos de Feliciano Brunelli estuvieran orientados a este público, en muchos casos, cantados en italiano.
Los inmigrantes españoles superaron en número a los italianos desde 1905, y en 1920 la ciudad de Buenos Aires tenía la comunidad gallega más grande del mundo fuera de la península Ibérica. "Se estima que en el período que va de 1887 a 1924 aproximadamente un millón de españoles optó por quedarse definitivamente en el país". También conformaron instituciones donde las artes hispanas fueron promocionadas, como el Centro Galicia o el Centro Asturiano. Ellos serían voraces consumidores de pasodobles, jotas, corridos, bulerías y otros ritmos españoles, presentes en el repertorio de Brunelli. Además de esta gran cantidad de inmigrantes y sus hijos, que buscaban escuchar y bailar la música de su sangre, el país estaba en el punto exacto para que Feliciano Brunelli dejara de ser un gran músico en Rafaela para convertirse en el "mago del acordeón" en la Argentina.
Este salto se inicia a mediados de la década del '30, cuando los productos del fértil campo criollo ya habían ayudado a superar la crisis mundial de 1929 -1930. En política, el golpe de Uriburu era ya cosa del pasado y se vivía una estabilidad que se mantuvo hasta 1955 con la excepción de la revolución de 1943. No es raro entonces, que en esta época, de una suba del poder adquisitivo y una apertura de la clase media a nuevos escalones del consumo, la música y otras artes vivieran su edad de oro. El tango, por ejemplo, gozaba de gran popularidad en los años treinta (Canaro, Fresedo, Di Sarli, Lomuto, De Caro, Donato, etc.). Incluso es el punto de partida de magníficas orquestas, como Troilo (1937) y Demare (1938). Su época de consolidación se dará en el siguiente decenio.
Fuente: La Opinión online (Rafaela) en la web www.acordeonisima.com.ar Foto Museo Anconentani del Acordeon
domingo, 26 de septiembre de 2010
Atilio Bertagni
Atilio Bertagni nació en Bs As en 1950.
Da sus primeros pasos con la música a muy temprana edad, incursionando en nuestro folklore y por influencia materna en la zarzuela. En la adolescencia integró varias agrupaciones pop y luego formó parte de Los duques del Swing, una agrupación de Jazz, recomenzando con la tradición integró un conjunto vocal folklórico con el que ganó un primer premio en el Festival de la Tradicion en Bragado y Merlo y tercero en Ayacucho, con este grupo llamado QUIMEY SUYAI (Bienvenida Esperanza en mapuche) realizó su primer trabajo discográfico.
Todo esto fue un interesante camino para llegar a este momento en que es el tango el que golpea a su puerta.
Realiza giras por España, Varsovia y Checoslovaquia, forma parte del elenco de Vamos Tango y se presesnta en reconocidos espacios : Teatro de la Cooperación, Museo del Tango, La casa del Poeta, Teatro Municiapl de Morón, El Vesubio, El Estaño 1880, Bar Dante, Bar Quintino, Convetillo Magallanes en La Boca, Salón Blanco de la Casa de Gobierno, El Morocho del Arrabal, Bien Porteño y Teatro Variedades, en la Avenida Corrientes, con resonante éxito.
En 2004 graba su primer CD de tango;, "Tangos para un semejante",
en 2006 lanza su segundo disco, "Tangos para una tarde cualquiera"
en 2008 graba su tercer disco "Tangos de boca en boca"
y acaba de salir al mercado su cuarto compacto "pariendo tangos"
Fuente Web de Atilio Bertagni
Da sus primeros pasos con la música a muy temprana edad, incursionando en nuestro folklore y por influencia materna en la zarzuela. En la adolescencia integró varias agrupaciones pop y luego formó parte de Los duques del Swing, una agrupación de Jazz, recomenzando con la tradición integró un conjunto vocal folklórico con el que ganó un primer premio en el Festival de la Tradicion en Bragado y Merlo y tercero en Ayacucho, con este grupo llamado QUIMEY SUYAI (Bienvenida Esperanza en mapuche) realizó su primer trabajo discográfico.
Todo esto fue un interesante camino para llegar a este momento en que es el tango el que golpea a su puerta.
Realiza giras por España, Varsovia y Checoslovaquia, forma parte del elenco de Vamos Tango y se presesnta en reconocidos espacios : Teatro de la Cooperación, Museo del Tango, La casa del Poeta, Teatro Municiapl de Morón, El Vesubio, El Estaño 1880, Bar Dante, Bar Quintino, Convetillo Magallanes en La Boca, Salón Blanco de la Casa de Gobierno, El Morocho del Arrabal, Bien Porteño y Teatro Variedades, en la Avenida Corrientes, con resonante éxito.
En 2004 graba su primer CD de tango;, "Tangos para un semejante",
en 2006 lanza su segundo disco, "Tangos para una tarde cualquiera"
en 2008 graba su tercer disco "Tangos de boca en boca"
y acaba de salir al mercado su cuarto compacto "pariendo tangos"
Fuente Web de Atilio Bertagni
sábado, 25 de septiembre de 2010
Riccardo Cocciante
Riccardo Cocciante, cantante y compositor italofrancés. Nace en Saigón (actual Ho Chi Minh, capital de Vietnam el 20 de febrero de 1946 de madre francesa y padre italiano. Cuando tenía doce años emigra con su familia a Roma y es en Italia donde se forma artísticamente, aunque mantendrá siempre una especie de doble nacionalidad ítalofrancesa gracias a su madre. Ha vivido durante largas temporadas en Estados Unidos y Francia.
En 1991 ganó el Festival de San Remo con Se stiamo insieme. Ha grabado varios duetos: Entre ellos, destacan Mina y la cantante española Mónica Naranjo, con la que graba en 1995 la canción Sobre tu piel. Es autor del musical Notre Dame de París (basado en la famosa novela de Víctor Hugo, Nuestra Señora de París. Este musical ha sido adaptado en varios países y en varios idiomas, teniendo una gran aceptación. Se ha adaptado en Francia, España e incluso en Rusia. Una de las canciones de este musical, Vivir, compuesta por Cocciante, fue versionada en inglés por Céline Dion (Live for the one I love) e incluida en el disco de ésta: All the way a decade of song. Fuente Wikipedia
miércoles, 22 de septiembre de 2010
Anibal Troilo - Su obra completa en la RCA Vol 06 de 16 - Año 1945 y 1946


Genero: Tango, Orquestas de tango, Instrumental, vocal
MP3-VBR(Extreme)-Lame 3.97-Total Size: 148 Mb/Total time: 73:52
Ver Volumen 01 al 06
Biografia de Anibal Troilo
Biografia Alberto Marino
Biografia de Floreal Ruiz
En los archivos y tags de las grabaciones encontraran, fecha de grabacion, genero y autores
Tracks
01-Soledad...la de Barracas - Alberto Marino
02-Fruta amarga - Alberto Marino
03-Lloraras, lloraras - Floreal Ruiz
04-Maria - Alberto Marino
05-Amor y tango - Floreal Ruiz
06-Cancion desesperada - Alberto Marino
07-Color de Rosa - Instrumental
08-Adios pampa mia - Floreal Ruiz y Alberto Marino
09-El africano - Instrumental
10-Margo - Alberto Marino
11-Tedio - Alberto Marino
12-Mis amigos de ayer - Floreal Ruiz
13-Principe - Alberto Marino
14-Recuerdos de Bohemia[Primera parte y final] - Alberto Marino
15-Milonga triste - Alberto Marino
16-Bandita de mi pueblo - Floreal Ruiz
17-Fuimos - Alberto Marino
18-Bienvenida - Instrumental
19-Tres y dos - Instrumental
20-Con mi perro - Alberto Marino
21-En carne propia - Alberto Marino
22-Tarde Gris - Floreal Ruiz
23-Camino del Túcuman - Floreal Ruiz y Alberto Marino
24-Buen amigo - Instrumental
Bajar
domingo, 19 de septiembre de 2010
Duo Coplanacu
Duo Coplanacu: Julio Paz(Voz, Bombo,Quena) Roberto Cantos(Voz, Guitarra)
Nacieron en Santiago del Estero, una provincia esencialmente musical donde la música folklórica es un fenómeno cotidiano que se percibe a cada instante en el clima y en las maneras de relacionarse con el paisaje.
Para ellos la música se corresponde principalmente con la infancia pero también con todas las experiencias de la vida
En el caso de Roberto las referencias más importantes se remontan a su padre quien tocaba la guitarra mientras que Julio se vincula con la música por el lado de su familia materna y especialmente a través de su madre, de quien heredó la afición por cantar.
Sus vivencias en la ciudad y el monte, el vínculo con las historias de la gente y el sentirse parte del paisaje fue gestando y tallando el “ser músico” en ellos.
...
A mediado de los años 80 corrían los primeros años de democracia y Córdoba, la ciudad donde Roberto y Julio se encontraban vivía una efervescencia social y cultural muy particular luego del fin del proceso militar.
En ese contexto y mientras el entusiasmo por la música popular crecía ellos se conocieron en el ambiente de las guitarreadas y las peñas (encuentros musicales informales) donde se congregaban artistas, jóvenes y estudiantes que llegaban desde diferentes lugares del país.
Ese clima sirvió como un caldo de cultivo en el que las inquietudes y la sensibilidad favorecieron las manifestaciones culturales promoviendo un pacto tácito que ayudó a insinuar el renacer del arte popular-musical en la ciudad.
Julio Paz y Roberto Cantos en un principio como solistas y a dúo más tarde, cantaron caminos en los reductos folklóricos de entonces dando así origen al Dúo Coplanacu, en mayo de 1985.
...
“Coplanacu es una palabra compuesta o mestiza. Que toma del castellano el término copla como célula de nuestro cancionero y del quichua, el sufijo nacu que da idea de reciprocidad, encuentro, comunicación. El sentido de llamarnos Coplanacu es que la copla es verdadera cuando es popular y es popular cuando nace de la gente hacia los cantores y los cantores la devuelven cantando a su pueblo”.
...
“La música es nuestra forma de andar el camino”,dicen ellos, cuya carrera artística tiene la autogestión como característica notable dentro de lo que es la Producción musical hoy en día
La autenticidad de su canto y la honestidad de su propuesta, la armonía de las voces y los instrumentos y la casi perfecta conjunción de caracteres; moldeados en vivencias distintas pero enraizadas en un tronco común, contribuyeron a que esta "cruza" de santiagueños ocupe hoy un lugar destacado en la escena de nuestra música popular. Fuente Web del Duo Coplanacu
Nacieron en Santiago del Estero, una provincia esencialmente musical donde la música folklórica es un fenómeno cotidiano que se percibe a cada instante en el clima y en las maneras de relacionarse con el paisaje.
Para ellos la música se corresponde principalmente con la infancia pero también con todas las experiencias de la vida
En el caso de Roberto las referencias más importantes se remontan a su padre quien tocaba la guitarra mientras que Julio se vincula con la música por el lado de su familia materna y especialmente a través de su madre, de quien heredó la afición por cantar.
Sus vivencias en la ciudad y el monte, el vínculo con las historias de la gente y el sentirse parte del paisaje fue gestando y tallando el “ser músico” en ellos.
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A mediado de los años 80 corrían los primeros años de democracia y Córdoba, la ciudad donde Roberto y Julio se encontraban vivía una efervescencia social y cultural muy particular luego del fin del proceso militar.
En ese contexto y mientras el entusiasmo por la música popular crecía ellos se conocieron en el ambiente de las guitarreadas y las peñas (encuentros musicales informales) donde se congregaban artistas, jóvenes y estudiantes que llegaban desde diferentes lugares del país.
Ese clima sirvió como un caldo de cultivo en el que las inquietudes y la sensibilidad favorecieron las manifestaciones culturales promoviendo un pacto tácito que ayudó a insinuar el renacer del arte popular-musical en la ciudad.
Julio Paz y Roberto Cantos en un principio como solistas y a dúo más tarde, cantaron caminos en los reductos folklóricos de entonces dando así origen al Dúo Coplanacu, en mayo de 1985.
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“Coplanacu es una palabra compuesta o mestiza. Que toma del castellano el término copla como célula de nuestro cancionero y del quichua, el sufijo nacu que da idea de reciprocidad, encuentro, comunicación. El sentido de llamarnos Coplanacu es que la copla es verdadera cuando es popular y es popular cuando nace de la gente hacia los cantores y los cantores la devuelven cantando a su pueblo”.
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“La música es nuestra forma de andar el camino”,dicen ellos, cuya carrera artística tiene la autogestión como característica notable dentro de lo que es la Producción musical hoy en día
La autenticidad de su canto y la honestidad de su propuesta, la armonía de las voces y los instrumentos y la casi perfecta conjunción de caracteres; moldeados en vivencias distintas pero enraizadas en un tronco común, contribuyeron a que esta "cruza" de santiagueños ocupe hoy un lugar destacado en la escena de nuestra música popular. Fuente Web del Duo Coplanacu
sábado, 18 de septiembre de 2010
Cuarteto La Pua
Este grupo nace en el mes de Marzo del año 2006, y esta integrado por Leandro Angeli, Cristian Huillier, Juan Otero, en guitarras, y Pablo Sensottera en guitarrón criollo, todos ellos poseedores de una amplia actividad musical dentro de la música popular.
“La Púa” aborda un repertorio de tangos y milongas (sumando también algunos temas de folclore) arreglados para esta clásica formación dentro del género, buscando renovar la sonoridad sin perder la esencia tanguera
En este camino de rescatar y a la vez reinventar la estética de los tradicionales conjuntos de guitarras, el grupo ha incorporado a su repertorio temas que históricamente fueron interpretados por las orquestas típicas.
Uno de los pilares fundamentales del grupo y a la vez una característica que lo distingue de otros conjuntos de guitarras tradicionales es la horizontalidad de su trabajo: todos sus integrantes arreglan, componen, hacen “solos” y primeras voces, rompiendo así la monotonía tímbrica y estilística que genera muchas veces el mismo solista durante todos los temas. Los arreglos poseen un tratamiento casi orquestal y de ahí que muchas veces se lo definiera como una pequeña orquesta de guitarras.
n el aspecto profesional se destacan los ciclos realizados junto a Lidia Borda en el C.C Torcuato Tasso, junto a la orquesta “Astillero” también en el C.C Torcuato Tasso, y la presentación ininterrumpida entre los meses de Junio y Noviembre en San Telmo, y la participación en el programa “Sarpando tangos”, emitido por Canal 7.
El grupo acaba de terminar su primer disco titulado “El puazo”, que además de su repertorio instrumental cuenta con la participación de grandes figuras de la música ciudadana como Lidia Borda, Walter “Chino” Laborde y Black Mendez, como cantantes invitados y del prestigioso guitarrista Rudi Flores.
En esta primera parte del 2007 el cuarteto estará abocado a la presentación de “El puazo” en diversos lugares de la Capital Federal y del interior del país y en el transcurso de la segunda mitad del año realizará una gira por Europa, presentando su trabajo en distintos conciertos, festivales y workshops.
En el año 2009 presentaron su segundo CD " En alguna parte"
Sus integrantes son las guitarras de Juan Otero(arreglos), Leandro Angeli, Pablo Sensottera y Cristian Huillier. Fuente Web del Cuarteto La Pua
viernes, 17 de septiembre de 2010
Fairouz
Fairuz, también escrito como Fairouz o Fayrouz, es una famosa cantante y actriz libanesa, considerada por sus admiradores como una leyenda viviente. Su nombre de nacimiento es Nuhad Haddad, nacida en la montaña libanesa Yabal al Arz, el 21 de noviembre de 1935. Su seguidores la llaman: La embajadora de las estrellas, La Embajadora de los árabes, Vecina de la Luna, y La voz de la poesía. Además es la cantante viva más famosa y querida de todo el Mundo Árabe. Su carrera se extiende desde mediados de 1950 hasta la actualidad
Nuhad Haddad, más tarde conocida como Fairuz, nació el 21 de noviembre de 1935 en una modesta familia de religión siroortodoxa. Wadi Haddad (padre de Fairuz) era originario de la ciudad de Mardin (Turquía) y se estableció en el Líbano después de casarse con Lisa al-Bustani, madre de Fairuz, libanesa maronita. La familia se mudó al barrio de Zuqaq al-Blatt en Beirut, residiendo en una sola habitación de una típica casa de piedra frente a la escuela del Patriarcado libanés. Wadi trabajaba en una imprenta cercana y Lisa como ama de casa se hizo cargo de sus cuatro hijos: Nuhad, Yusef, Huda y Amal.
Nuhad era una niña tímida y no tenía muchos amigos en la escuela. Estaba muy apegada a su abuela que vivía en Debbiyye, una aldea en las montañas del Líbano en la que solía veranear. Nuhad adoraba la simple vida de la aldea. Durante el día, ella ayudaba a su abuela con las tareas domésticas en las cuales solía cantar al realizarlas. Por las noches, Nouhad se sentaba a la luz de las velas junto con su abuela, para que le cuente historias de su viaje a los Estados Unidos.
A la edad de 10 años, Nouhad ya era reconocida en su escuela por su hermosa voz. Le gustaba cantar con regularidad durante los festivales y las vacaciones escolares. En febrero de 1950, en uno de los festivales escolares capturo la atención de Mohammed Fleifel, un conocido músico y profesor del Conservatorio de música del Líbano, quien se encontraba entre los espectadores. Él Estaba muy impresionado por su voz y su rendimiento y le aconsejó inscribirse en el conservatorio. Al principio el padre se mostró reacio de enviar a su hija al conservatorio, sin embargo dejó a Nouhad asistir a las clases en el conservatorio con una sola condición, la cual era que la acompañara su hermano.
Mohammed Fleifel cuido y preparo la voz de Nouhad de una forma paternal. Lo más importante es que él le enseñó la recitación de los versos del Corán (Estilo conocido como Tajweed). Un día, un destacado músico libanés y jefe del departamento de música en la emisora de radio del Líbano Halim El Roumi (el padre de la famosa cantante Majida El Roumi) pasó a escuchar cantar a Nouhad. Él quedo profundamente impresionado por su voz y observó que había una rara flexibilidad que le permitía cantar tanto temas orientales como occidentales admirablemente. Desde ese momento Halim El Roumi nombró a Nouhad como una de las cantantes del coro en la estación de radio de Beirut y compuso varias canciones para ella. Desde ese momento él la comienza a llamar “Fairuz”, que en árabe significa turquesa.
Un par de meses más tarde, Fairuz fue presentada a los hermanos Rahbani, Assi y Mansour, quienes también trabajaban en la estación de radio como músicos. La química fue instantánea, y poco después, Assi empezó a componer canciones para Fairuz, una de los cuales fue “Itab” (la tercera canción que compuso para ella), la que fue un éxito inmediato en todo el mundo árabe y establece a Fairuz como una de las más importantes cantantes en la escena musical árabe. Assi y Fairuz contraen matrimonio el 23 de enero de 1955 y Fairuz, posteriormente, se convierte a la ortodoxia griega (Religión de Assi).
Fairuz tuvo cuatro hijos: Ziad, (músico y compositor), Layal (quien murió en 1987 de un accidente cerebro vascular), Hali (quien quedo paralizada desde la infancia a causa de meningitis) y Rima, (fotógrafa y directora de cine).
Las primeras obras de Fairuz y de los hermanos Rahbanis fueron innovadoras mezclas de los modos orientales y extranjeros (sobre todo de América del Sur cuya música estaba influenciada por Eduardo Bianco), la que combina distintos tonos vocales de Fairuz con la música poética e ingeniosa de Assi las que expresan el amor y la nostalgia de la vida en las aldeas libanesas.
Fairuz llevo a cabo el primer concierto a gran escala en 1957 como parte del Festival Internacional de Baalbek, patrocinado por el presidente libanés Camille Chamoun. Realizó Musicales y operetas agotando todas las localidades durante años, estableciéndose indiscutiblemente como la cantante más amada del Líbano y como una de las cantantes más populares del mundo árabe ya que su estilo jamás se había visto en todo el mundo árabe.
Fairuz se convirtió en la “Primera Dama del canto libanés”, durante la década de 1960. En ese período, los hermanos Rahbani habían escrito y compuesto cientos de sus más famosas canciones, la mayor parte de sus operetas, y 3 películas. En 1969 siendo muy popular la música de Fairuz se prohibió en las estaciones de radio del Líbano durante seis meses por orden del gobierno libanés porque se negó a cantar en un concierto privado en honor del presidente argelino Houari Boumédienne durante su visita al Líbano. A pesar de ello la popularidad de Fairuz aumentó aún más ya que ella dejó en claro que no canta para una sola persona ya sea rey o presidente, ella siempre cantara para el pueblo.
En 1971, Fairuz logra ser internacionalmente famosa después de su gira por América del Norte y América Latina, siendo recibida con mucho entusiasmo por los inmigrantes de los países árabes. Muchos consideran que la década de 1970 es la fase más importante de su carrera ya que contaba con el máximo potencial de su voz, así como la abundancia en la producción de musical de los hermanos Rahbani.
Durante la guerra civil libanesa (1975-1990), Fairuz nunca intento abandonar el Líbano para vivir en el extranjero aunque no realizó ningún concierto más en su país con la excepción de la opereta "Petra", que se realizó en las partes occidental y oriental de la entonces dividida Beirut en 1978. A Fairuz le dolía mucho ver a los libaneses morir en manos de extranjeros aún más entre ellos por este motivo ella no quiso cantar mas en su país ya que se estaban matando los unos a otros y destruyendo el hermoso y próspero Líbano. Sin embargo, durante ese período Fairuz continuó con gran éxito las giras y conciertos internacionales.
Tras el divorcio artístico entre Fairouz y los hermanos Rahbani, en 1979, Fairuz comenzó a trabajar junto a su hijo, Ziad Rahbani quien era compositor, su amigo, el letrista José Harb, y el compositor Philemon Wehbe. Juntos, forjaron nuevos álbumes los que produjeron un enorme éxito y demostrando que Fairuz continuaba evolucionando y afirmándose como la máxima diva del canto en el mundo árabe de ese entonces.
Joseph Harb escribió para Fairuz algunas de sus mejores letras y poemas mientras que Philemon Wehbe ofreció su música atemporal puramente oriental la que era apreciada por las masas. Ziad, por el contrario, renueva el repertorio de Fairuz y muy originalmente incorpora canciones de jazz.
Fairuz sigue siendo la más destacada cantante viva del mundo árabe obviamente después de la gran cantante egipcia Umm Kalzum (1904-1975) luego de ella, ninguna cantante en el mundo árabe es tan amada como Fairuz.
En la década de 1990, Fairuz produjo tres discos y realizó una serie de conciertos a gran escala, en particular el histórico concierto celebrado en Beirut en septiembre de 1994 para poner en marcha el renacimiento del distrito centro de la ciudad que fue arrasada por La guerra civil. Ella participó del Festival Internacional de Baalbek en 1998 después de 25 años de ausencia, donde realizó los temas más destacados se presentaron en los años 1960 y 1970.
Fairuz en la actualidad trabaja exclusivamente con su hijo Ziad. El álbum, (Wala Keef), fue su última producción en 2002.
Otro gran éxito fue el masivo concierto en Las Vegas MGM Grand Arena (1999), con la asistencia de más de 16.000 inmigrantes árabes, en su mayoría libaneses que acudieron a la ciudad desde todo el continente americano y de Europa. Desde entonces Fairuz ha realizado conciertos en el Festival Internacional de Beiteddine (Líbano), de 2000 a 2003, los Estados Unidos (2003), Montreal (2005), Dubái, Abu Dhabi, Baalbek, Biel (2006) y Atenas (2007), Damasco, Bahréin (2008).
Su último concierto en Damasco, Siria (2008), causó gran controversia en el Libano debido a la tensa relación que su país sostiene con Siria, hasta tal punto de que el parlamento Libanés le solicitara que suspendiera su presentación. Pero Fairuz rechazo estas presiones y fiel a sus convicciones realizó sus presentaciones programadas. Fairuz al momento de atravesar con su automóvil la frontera Siria fue recibida por 7000 seguidores los cuales gritaban su nombre dándole la bienvenida luego de 20 años de no presentarse en dicho país. Canales de radio, canales de televisión, los organismos de radiodifusión por satélite sirio, restaurantes, cafés y todos los periódicos se centraron en Fairuz y en su legendario regreso. Debido a este gran éxito, Fairuz decide programar otro concierto en Damasco durante el mes de agosto de 2008. Fuente Wikipedia
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