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sábado, 4 de abril de 2009
Bill Halley y sus Cometas
Bill Haley (William John Clifton Haley) (pronunciado IPA:[ˈheɪliː], aprox. hey-lii) fue un músico estadounidense, uno de los fundadores del rock and roll. Nació en Highland Park, un barrio de Detroit, el 6 de julio de 1925 y murió en Texas el 9 de febrero de 1981
Hay quienes datan el origen del rock and roll en 1954, con el trabajo discográfico de Bill Haley y su grupo "Bill Haley and the Comets", evolucionando desde el country y el rockabilly, así como desde el rithm and blues, especialmente con Crazy Man Crazy (1954) y su gran éxito Rock Around The Clock (1955), una reinterpretación del clásico de Jimmy Myers y Max Freedman, y que ya había sido grabado en 1952 por Sunny Dae & His Nights.
A diferencia de la mayoría de las grandes estrellas del rock and roll, Bill Haley realizó importantes giras por América Latina que tuvieron una gran influencia en la difusión del nuevo estilo. En 1958 debutó en Buenos Aires (Argentina) y en 1960 en Ciudad de México (Teatro Follies) y el interior, donde fue todo un éxito.
Grabó varios discos en español durante su estancia en México, con los que comenzó a promover un nuevo ritmo que finalmente desplazaría al Rock & Roll, el Twist, estilo musical que entró pisando fuerte en 1962. Entre sus discos de Twist se encuentran La Paloma y Florida Twist. El Twist, vino a marcar el fin de la era del Rock & Roll original e inalterado (1955 a 1961). En 1964 el grupo británico los Beatles (más la gran ola inglesa que les siguió), vino a desplazar al Twist, o sea que el Twist reinó únicamente por dos años.
El gran mérito de Bill Haley y sus Cometas[1] es que comenzaron a tocar música de rock unos tres años antes que Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Paul Anka, Fats Domino, Buddy Holly, Chuck Berry, Bo Diddley o The Platters. Resulta difícil determinar quien fue el "Padre" o fundador del Rock & Roll, lo que si se puede asegurar, es que Bill Haley y su banda fueron auténticos pioneros del género.
Bill Haley y sus Cometas (nombre original Bill Haley & His Comets) fue una banda estadounidense de rock and roll creada en 1952 que continuó hasta la muerte de Haley en 1981. La banda, también fue conocida como Bill Haley and The Comets y Bill Haley's Comets u otras variaciones similares, fue uno de los primeros grupos de músicos blancos en tocar rock and roll atrayendo la atención del público de su país y de todo el mundo hacia ese nuevo estilo musical, de origen afroamericano. El líder del grupo, Bill Haley, había sido previamente un intérprete de música country & western (folklore blanco). Después de grabar en 1951 una versión country del tema "Rocket 88" (una de las canciones consideradas como iniciadoras del rock and roll), cambió su estilo para adoptar el nuevo sonido que terminaría llamándose unos años después rock and roll.
Si bien varios de los Cometas se volvieron famosos, Bill Haley permaneció como la estrella. Con su rulo sobre la frente y la banda con trajes de etiqueta y su comportamiento enérgico sobre el escenario, fueron considerados en su tiempo tan revolucionarios como Los Beatles o Los Rolling Stones en la década del 60.
Luego de la muerte de Haley, no menos de seis grupos diferentes se han formado bajo el nombre de Cometas, todos ellos reclamando para sí ser la histórica continuación de aquel que dirigía Haley.
La banda se inició con el nombre de Bill Haley and the Saddlemen (trad: Bill Haley y los Hombres Montados) (c.1949-1950) y realizaba música country, ocasionalmente con algún aire de blues. Muchas de las grabaciones originales de la banda no fueron lanzadas hasta los años 1970 y 1980, destacándose entre ellas "Rose of My Heart" y "Yodel Your Blues Away".
Los miembros originales fueron:
Bill Haley,
Johnny Grande, piano y acordeón
Billy Williamson, guitarra acústica.
A ellos se sumó poco después un bajista, inicialmente [[Al Thompson, puesto que luego fue ocupado sucesivamente por Al Rex y Marshall Lytle.
En los primeros años grabaron bajo distintos nombres, como Johnny Clifton and His String Band y Reno Browne and Her Buckaroos (pero Reno Browne, una estrella de la época nunca participó del grupo).
Haley adoptó el naciente estilo del rock and roll al grabar en 1951 una versión del tema "Rocket 88" de Ike Turner, previamente grabado por Jackie Brenston. Al año siguiente grabaron un tema rhythm and blues de los años 40, "Rock the Joint". Ambas canciones (la primera tanto en la versión de Haley como de Brenston) están entre las candidatas a ser consideradas como la primera grabación de rock and roll.
El nuevo estilo llevó a cambiar el nombre de la banda en 1952, adoptando Bill Haley y sus Cometas debido a la similitud entre el apellido del líder del grupo y el famoso cometa Halley[1]
Con el nuevo nombre la composición del grupo era: Haley, Grande, Williamson y Lytle. Grande usualmente tocaba el piano en los discos pero en los conciertos optaba por el acordeón, debido a la mayor facilidad para transportarlo. Poco después de renombrar la banda, Haley contrató su primer baterista, Charlie Higler, pronto reemplazado por Dick Boccelli (AKA Dick Richards). Durante este tiempo, la banda no tuvo una primera guitarra permanente, contratando a veces músicos para las grabaciones, o tocando a veces él mismo o Williamson.
En 1953, Haley tuvo su primer éxito nacional con una canción de su coautoría (con Marshall Lytle) titulada "Crazy Man, Crazy", una frase que Haley dijo oía decir a su público adolescente. "Crazy Man, Crazy" fue la primera canción de rock and roll en ser televisada por una cadena nacional cuando fue utilizada ese mismo año como banda de sonido de un programa de televisión protagonizado por James Dean.
A comienzos de 1954, Haley sumó a Joey Ambrose como saxo tenor y poco después dejó el sello Essex por el más importante Decca Records de Nueva York. El 12 de abril de 1954, en su primera sesión para el nuevo sello, acompañados por Danny Cedrone en guitarra eléctrica y Billy Gussak en batería (reemplazando a Boccelli), Bill Haley y sus Comets grabaron "Rock Around the Clock". Se trata de el más grande éxito de Haley y una de las canciones más importantes de la historia del rock and roll. Aunque su éxito inicial fue moderado, se estima que se vendieron 25 millones de copias según el Libro Guinness de los récords.
Inicialmente "Rock Around the Clock" fue un éxito modesto. En su momento fue mucho más importante fue "Shake, Rattle and Roll", grabado a comienzos de 1954, con el que vendieron un millón de copias, anticipando el estallido que la banda protagonizaría al año siguiente.
A fines de 1954, Haley grabó un nuevo hit, "Dim, Dim The Lights". Estos éxitos impulsaron a algunos DJs, entre ellos Alan Freed, a redescubrir y difundir anteriores grabaciones de la banda, entre ellas "Rock Around the Clock".[2]
El 25 de marzo de 1955 se estrenó la película Semilla de maldad ("Blackboard Jungle", cuya traducción textual es Jungla de Pizarrones), en la que Bill Haley y sus Cometas interpretan Rock Around the Clock como primera escena. El impacto fue masivo en todo el país: el tema se convirtió en Nº1 en los charts estadounidenses y se mantuvo en ese lugar por ocho semanas. Era la primera canción de rock and roll en hacerlo.
Los movimientos acrobáticos de Ambrose al tocar el saxo y Lytle montando el contrabajo como si fuera un potro, fueron marcas personales de la banda en sus presentaciones en vivo. A fines de 1954, Haley y sus Cometas aparecieron en un film corto titulado Round Up of Rhythm, tocando tres temas. Se trata de la primera película de rock and roll.
En 1955, Lytle, Richards y Ambrose abandonaron la banda debido a una disputa salarial y formaron su propio grupo, The Jodimars. Haley contrató nuevos músicos para reemplazarlos: Rudy Pompilli en saxo, Al Rex (quien había estado en los Saddlemen) en contrabajo, y Ralph Jones en batería. Además Franny Beecher, quien había venido siendo primera guitarra en las grabaciones se convirtió en miembro permanente de la banda. Esta integración del grupo se volvió aún más popular y es la que aparece en las películas que se filmaron en esos años.
Otros éxitos de Los Cometas fueron "See You Later, Alligator", "Don't Knock the Rock", "Rock-a-Beatin' Boogie", "Rudy's Rock" (el primer éxito totalmente instrumental del rock and roll) y "Skinny Minnie".
En 1956, Bill Haley y sus Cometas tienen importantes roles en dos de las primeras películas de largometraje de rock and roll: Rock Around the Clock y Don't Knock the Rock.
Bill Haley y sus Cometas comenzaron a ver cierta pérdida de popularidad entre 1956 y 1957, desplazados por la imagen más sexual y salvaje de músicos como Elvis Presley y Little Richard, que comenzaron a dominar las listas de difusión (de todos modos el cover de Haley de "Rip It Up" de Little Richard, superó en ventas a la original).
Después del éxito de "Skinny Minnie" en 1958 Haley comenzó a encontrar dificultades para alcanzar nuevos éxitos. Ello contrastaba con el éxito internacional de la banda. En la gira por Gran Bretaña de 1957 la banda fue virtualmente asaltada por miles de fans en la Estación Waterloo de Londres, hecho que los medios titularon como La Segunda Batalla de Waterloo. Manifestaciones similares se produjeron en las giras de 1958 por Australia y Argentina.
En 1960 la banda tuvo su último hit en Estados Unidos, con la versión instrumental de "Skokiaan". A partir de entonces fracasan varios intentos del grupo para reactualizar su presencia, debido a lo cual se volcaron hacia el mercado internacional, donde continuaban siendo una banda líder en las preferencias juveniles.
En 1961-1962, Bill Haley y sus Cometas (así, con el nombre español que utilizaban en América Latina) firmaron con el sello mexicano Orfeon Records y obtuvieron un inesperado hit con "Twist Español", un tema cantado por la banda en español en ritmo de twist, que se encontraba de moda en ese momento. El single se convirtió en el más vendido de la historia mexicana con "Florida Twist".
Aunque Chubby Checker y Hank Ballard fueron los creadores de twist, en México y América Latina, Bill Haley y sus Cometas fueron proclamados los Reyes del Twist. Gracias al éxito de "Twist Español" y "Florida Twist", entre otros, la banda se mantuvo al tope de las listas en México y América Latina durante los años siguientes, difundiendo rock and roll en español y con sonoridad latina. Fueron los animadores de una serie de TV llamada 'Orfeon a Go-Go'. Haley, quien hablaba con fluidez el español, grabó varias canciones en español. Incluso hubo cierta experimentación para fusionar ritmos latinos como la balada, "Jimmy Martinez", grabada sin los Cometas.
En 1966, los Cometas (sin Bill Haley) grabaron un álbum para Orfeon como músicos de sesión de Big Joe Turner, quien siempre fue un ídolo de Haley; sin embargo no realizaron ninguna interpretación conjunta de "Shake, Rattle and Roll".
En 1967 Haley, sin los Cometas, grabó en Phoenix, Arizona un demo de una canción country llamada "Jealous Heart" acompañado por una banda de mariachis, en un estilo similar a "Jimmy Martinez" y el posterior "Rock on Baby". Ninguna grabación sería lanzada en los siguientes treinta años.
Para fines de la década del 60 Haley y los Cometas eran considerados viejos. Pese a ello, la popularidad de la banda nunca decayó en Europa, por lo cual el grupo firmó un lucrativo contrato con Sonet Records de Suecia en 1968, donde grabaron una nueva versión del "Rock Around the table" convirtiéndose nuevamente en hit.
En 1969 en los Estados Unidos, el promotor Richard Nader lanzó una serie de conciertos de revival de rock and roll, con bandas de los años 50 y 60. Uno de los primeros fue Bill Haley, en el Madison Square Garden de Nueva York, donde recibió una ovación de ocho minutos y medio con el público de pie. Unas semanas después grabaron el álbum en vivo Bill Haley's Scrapbook, en el club Bitter End de Nueva York.
Después de 1974 Haley tuvo problemas de impuestos en Estados Unidos, que lo llevaron a actuar sólo en Europa y a realizar una gira por America del Sur en 1975. En 1974, la versión original del "Rock Around the Clock" volvió a ser hit en Estados Unidos debido a su inclusión en las películas American Graffiti y Happy Days.
En febrero de 1976, el saxofonista de Haley y su mejor amigo, Rudy Pompilli, murió de cancer después de dos décadas de carrera con los Cometas. Haley continó realizando giras durante el año siguiente pero su popularidad comenzó a decaer nuevamente y su presentación en Londres de 1976 performance recibió malas críticas de los medios. Ese año el grupo grabó un nuevo álbum, R-O-C-K. En 1977 Haley anunció su retiro y se radicó en México. De acuerdo con su biógrafo John Swenson, Haley tenía un pacto con Pompilli por el que si uno moría el otro se retiraría.
Los Cometas por su parte continuaron con sus presentaciones. En 1979, Haley fue persuadidol para volver a tocar en una gira europea, y para ello renovó casi completamente a los Cometas, la mayoría británicos. Haley apareció en muchos shows de TV y en la elícula 'Blue Suede Shoes', filmada durante uno de sus conciertos en Londres en marzo de 1979. Durante la gira Haley grabó varios tracks que se incluirían a fin de año en el álbum Everyone Can Rock & Roll, el último suyo con grabaciones originales antes de morir.
En noviembre de 1979, Haley y los Cometas tocaron para la reina Isabel II, momento que él consideró de de mayor orgullo de su vida. Fue su última presentación en Europa.
En 1980 la banda realizó una gira por Sudáfrica pero la salud de Haley ya era débil y le fue diagnosticado un tumor cerebral. La gira fue muy cuestionada por los medios pero sus grabaciones en Johannesburg lo muestran animado y con una buena voz.
Haley canceló varias presentaciones y volvió a su casa de Harlingen, Texas donde murió mientras dormía como consecuencia de un infarto el 9 de febrero de 1981.
Dos meses después Bill Haley & sus Cometas volvieron a ubicarse en los charts británicos con "Haley's Golden Medley", un single en 45 con un compilado de sus éxitos, que llegó al puesto 50 pero no fue lanzado en Estados Unidos.
En 1987, Bill Haley fue incluido en el Salón de la Fama del Rock. En aquella época las bandas de soporte no eran incluidas. Esa política cambió luego y también se ha solicitado la inclusión de los Cometas. Bill Haley y sus Cometas han sido incluidos también en el Salón de la Fama del Rockabilly. En julio de 2005 los miembros sobrevivientes de los Cometas originales representaron a Haley cuando Bill Haley y sus Cometas fueron incluidos en el Hollywood RockWalk, una ceremonia en la que también estuvieron presentes su segunda esposa y su hija menor. Los Cometas grabaron las palmas de sus manos en cemento y se dejó un espacio en blanco para Haley.
Los Cometas [editar]Más de 100 músicos tocaron con Bill Haley & sus Cometas entre 1952 y la muerte de Haley en 1981. Muchos de ellos se hicieron favoritos de los fans.[3] Varias intentos de reorganizar a los Cometas fueron intentadas en la década del 80, incluyendo una organizada por Joey Welz, quien formó parte de la banda brevemente en los años 60 y otra organizada por un imitador de Elvis Presley llamado Joey Rand (este grupo perdió luego un juicio sobre el derecho a usar el nombre de Cometas).
En 1987, músicos que tocaron con Haley en 1954-1955 formaron Los Cometas y aún siguen realizando presentaciones. Han grabado media docena de álbums para pequeños sellos en Europa y Estados Unidos. Este grupo se ha presentado también como Bill Haley's Original Comets (Los Cometas Originales de Bill Haley), y en algunos casos, cuando el uso de la denominación "Cometas" se encuentra en disputa, como A Tribute to Bill Haley (Un Tributo a Bill Halley) y The Original Band (La Banda Original). La integración básica de este grupo desde 1987 a mayo de 2006 es Marshall Lytle (bajo), Joey Ambrose (saxo), Johnny Grande (piano), Dick Richards (batería) y Franny Beecher (guitarra). El cantante británico Jacko Buddin acompaña al grupo durante las giras europeas, mientras que Lytle se encarga de cantar en Norteamérica.
Otros dos grupos reclaman para sí el nombre de Bill Haley's Comets y han realizado extensas giras por Estados Unidos de los años 80. Uno de ellos está liderado or John "Bam-Bam" Lane, baterista de la banda entre 1965-68. El otro está encabezado por Al Rappa, quien tocó el bajo con Haley intermitentemente entre 1959 y 1969. Ambos reclaman el mismo nombre. Este conflicto se remonta a la época en la que ambos estaban juntos y ganaron el juicio contra Joey Rand en 1989.
En marzo y julio de 2005, el ya mencionado grupo Los Cometas, integrado por miembros de la banda de 1954-55, realizarn importantes conciertos en Nueva York y Los Ángeles organizados por Martin Lewis como parte de las celebraciones por el 50º aniversario del rock and roll con motivo respectivamente de la proyección de la película Blackboard Jungle (Semilla de maldad), y del éxito de "Rock Around the Clock" llegando asl top del ranking. El 6 de julio de 2005, durante un concierto en Hollywood, The Comets fueron acompañados en el escenario en una canción por Gina Haley, la hija menor de Bill Haley y en marzo fueron acompañados por John W. Haley, el hijo mayor de Haley.
El 2 de junio de 2006 murió Johnny Grande, teclista de los Cometas originales (1954-55) y fundador de la banda. Poco después Franny Beecher, el guitarrista, con 85 años, anunció su retiro. Los tres Cometas restantes (Lytle, Richards y Ambrose) continuan con la banda.
El 18 de febrero de 2007 murió John "Bam-Bam" Lane pero su grupo los Bill Haley's Comets se espera que seguirán actuando. Fuente Wikipedia
viernes, 3 de abril de 2009
Azucena Maizani
Azucena Maizani en 1936 en la pieza Boite Rusa en el Teatro Liceo, reemplazando a Libertad Lamarque
Azucena Maizani en 1925 en los primeros de años de la radiotelefonia
Azucena Maizani en 1923 cuando la llamaban Azabache
Azucena Maizani en los ultimos año de su carrera en Patio de TangoMAIZANI, Azucena. Cancionista. Compositora. Acaso la más popular de las intérpretes femeninas del tango. Dueña de una voz sensitiva, de equilibrado vibrato y de un rico temperamento demarcó una época, creó un estilo vocal inconfundible que acompañó con la emoción propia de su presencia, capaz de llenar —por sí sola— un espectáculo.
Nació en Buenos Aires, en el hospital Rivadavia del barrio de Palermo el 17 de noviembre de 1902. Desde 1907 hasta 1917 residió junto a suspadres en la Isla de Martín García. Trabajó luego en un taller de modas, siendo llamada por su atractiva belleza, morena y criolla para el rodaje de algunas películas mudas. Debutó en 1920 como cancionista acompañada por la or-questa de Francisco Canaro en la sala del cabaret Pigall. Allí el mencionado director la bautizó "Azabache", recogiendo en el seudónimo el llamativo rasgo físico de su renegrida cabellera. Poco después intervino como partiquina en las representaciones que la compañía de César Ratti realizaba en el Teatro Apolo en el saínete con cantables de Manuel Romero El Rey del Cabaret. Y ya presentada como figura alcanzó su espaldarazo el 23 de junio de 1923 cantando el tango de Vaccarezza y Delfino Padre nuestro en la pieza A Mí no me Hablen de Penas, estrenada en el escenario del Nacional. Casi simultáneamente fue presentada en las transmisiones que Radio Cultura realizaba desde sus estudios en Palermo. En 1924 grabó su primer disco para Odeón, Padre nuestro y Yo tuve un cariñito. Continuó su trayectoria como figura del teatro revisteril desde cuyos escenarios alcanzó a imponer muchos tangos confiados a su voz para el estreno, entre ellos Esta noche me emborracho y Malevaje de Discepolín, quien encontró en la cancionista el comienzo de su triunfo como compositor y como letrista de nueva sensibilidad. En 1931 realizó una larga gira artística por España acompañada por Roberto Zerrillo, Oreste Cúffaro y Joaquín Mora. A su regreso tomó parte en el rodaje de las películas argentinas Tango(1933), Monte Criollo (1935) y Nativa(1939). Hacia 1938 secundada esta vez por los músicos Francisco Tróppoli, Domingo Várela Conté y Enrique Del Puerto, emprendió otra extensa actuación en el exterior, abarcando todos los países del Pacífico hasta llegar a Cuba y a Norteamérica. Su clásico "slogan" "La Ñata Gaucha", fue idea de Libertad Lamarque en 1935. Grabó sus versiones en los sellos Victor, Brunswick y Odeón. Le pertenece además la música de los tangos Déjame entrar, hermano; Aguas tristes; En esta soledad; Por qué se fue; Volvé negro, y dos de extendido suceso a través de los años: La canción de Buenos Aires y Pero yo sé. Fuente Horacio Ferrer
jueves, 2 de abril de 2009
Antonello Venditti
Nacido en Roma ( bajo el signo de Piscis ) el 8 de Marzo de 1949, Antonello Venditti se introduce en el mundo musical de muy joven, por la influencia de su madre. En su primer periodo musical, se dedica basicamente a aprender piano. Al poco tiempo empieza ya a escibir canciones, la primera de la cual es "Sora Rosa",
se la presenta a sus amigos del Folkstudio - el prestigioso encuentro romano del entonces naciente circuito " folk-impegnato giovanile " - Giorgio Lo Cascio y Francesco De Gregori. Con ellos Venditti empieza a actuar en público y hace su primera gira en concieto y con Francesco De Gregori, da una idea al discografico Vincenzo Micocci, con el que firma un contrato estable y realiza el album THRORIUS CAMPUS (1971). Tras las primeras canciones de Venditti presenta su nuevo album con dos clasicas como "Ciao Uomo" y "Roma Capoccia", otra naturalmente es " Sora Rosa", esta últimas dos escritas en dialecto romanesco.
Con el exito de "Roma Capoccia", Antonello Venditti se traslada a Milan para componer su primer album como solista, L'ORSO BRUNO (1973). Realizado con la colaboración de Vince Tempera, el disco contiene ahora una canción en dialecto ("E Li Ponti So' ") por el resto denota una fuerte atención a lo social. Efectua el primer cambio de sello de su carrera, que lo lleva de IT a RCA, en aquellos momentos sede de todos los cantoautores más innovadores de la escena musical italiana. En la RCA Venditti realiza en dos dias y dos noches uno de sus mejores albums, LE COSE DELLA VITA(1973, RCA), que toma el titulo de una de sus más bellas canciones. Es un album intimista por su contenido, gracias a canciones como "Mio Padre Ha Un Buco In Gola" y "Brucia Roma"), un ejemplo apasionado y sincero del modo de ser del cantoautor. A este disco sigue otro mucho más dificil y poco reconocido como QUANDO VERRA' NATALE (1974, RCA), a pesar de la presencia de buenas canciones como"Campo De' Fiori", "A Cristo ", "Marta".
En este año Venditti publica otra canción que sera crucial para su carrera, se trata de "Roma". Para su nuevo album, intenta introducir nuevos aspectos al igual que en el año sucesivo, cuando Venditti compone LILLY(1975, RCA), disco muy afortunado que llega a número uno y que toca el tema de las drogas en una canción, y en otras temas de contenido clasico como "Compagno Di Scuola" y "Lo Stambecco Ferito ", esta última con una compleja y arriesgada y ambiciosa parte instrumental.
Era un año politicamente hablando muy activo y Antonello Venditti, con una de sus canciones "Lilly" que es una canción que habla de las drogas, volverá a ser un motivo de acusación social, cuando en 1976, el ICMESA de Seveso reconoce una fuga de un gas altamente toxico, el desastre ecológico y la tragedia humana provoca en Venditti una reacción que finalmente plasma en ULLALLA', en un album que toca estos temas con canciones desesperadas como "Canzone Per Seveso", "Maria Maddalena"," Nostra Signora Di Lourdes", "Jodi E La Scimmietta", "Una Stupida e Lurida Storia d'Amore". El album citado, lo desplaza de la RCA e inagura un periodo de replanteamineto artístico y de silencio tras muchas críticas y problemas.
El retorno a la escena discografica llega con un nuevo contrato discografico y un nuevo album SOTTO IL SEGNO DEI PESCI (1978, Philips), que lo lleva a volver a vender mucho. Fruto de este periodo de transición se gesta una nueva fase artistica para Venditti, herido por la crítica política vuelve intencionadamente a realizar canciones de tono más personal y laico. El album contien canciones como "Sara", "Giulia" y " Bomba o Non Bomba", una metafora polemica sobre el dificil proceso hecho a los nuevos cantoautores a la conquista de la propia credibilidad y sobretodo a la " title-track ". El éxito de este último album hace entrar a Venditti en una fase delicadamente super romantica que se acabará con la separación de Antonello Venditti y de Simona Izzo y de su hijo Francesco Saverio, que se ira con su madre.
BUONA DOMENICA (1979, Philips) es un album que repecta este momento de trabajo personal con canciones de amor como "Donna In Bottiglia" y "Stai Con Me", con canciones que daran nombre al album y "Modena", una de las mejores de siempre. En 1982, todavia pensando en su hijo Francesco Saverio ( como en todo el album de ULLALLA' ), llega su album SOTTO LA PIOGGIA (1982, Heinz), album que será debut del sello discografico de su propiedad, la Heinz Music, con una buena relación con el productor Alessandro Colombini que dura hasta ahora. Es un album oscuro, amargo y refleja el pensamiento de la crisis de valores y el presagio incierto que será el inicio del nuevo decenio, canciones como "Le Ragazze Di Monaco","Torino", "Sotto la Pioggia", "Stukas " son solo algunas canciones de un album que convoca un gran exito de público, como una estupenda balada "Dimmelo Tu Cos'è". Albumes como SOTTO IL SEGNO DEL PESCI , BUONA DOMENICA, SOTTO LA PIOGGIA hacen que Venditti goce de una popularidad como nunca había tenido, aumentada ahún más en 1.983, cuando La Roma gana el campeonato de liga y toda la ciudad festeja el acontecimiento en el concieto gratuito que Venditti da en el Circo Massimo. De esta increible exibición hace conseguir un record italiano en un concieto en vivo. Aqui nace su primer " live " importante de su carrera. CIRCO MASSIMO (1983, Heinz), contiene un espléndido inedito, "Grazie Roma", canción a su equipo del corazón, que acabará adoptandolo como himno oficial.
Al siguiente año llega para los fans de Venditti CUORE(1984, Heinz) , album precedido del acontecimiento "Ci Vorrebbe Un Amico" y " Notte Prima Degli Esami", "L'Ottimista" y "Non è La Cocaina". A este prosigue SOTTO LA PIOGGIA, con arreglos modernos, ritmicos y canciones apasionadas e instintivas. Festejando este periodo de gran exito de su directo, realiza otro directo, CENTOCITTA'(1985, Heinz), registrado de nuevo en el Circo Massimo y con un solo de piano.
Después una colaboración en un film de Carlo Verdone "Troppo Forte"y un nuevo album de estudio. VENDITTI E SEGRETI (1986, Heinz), un disco con recopilación de sonidos más orientales electrónicos y rockeros como la canción "Rocky, Rambo e Sting" y "Questa Insostenibile Leggerezza Dell'Essere" no falto de recuerdos escolares "Giulio Cesare") con precedente de "Compagno Di Scuola" y "Notte Prima Degli Esami"), además de canciones de amor como "Settembre" y " C'è Un Cuore Che Batte (Nel Cuore Di Roma)".Este es globalmente uno de sus mejore albums de toda su carrera. El discurso musical sigue con un album muy afortunado,IN QUESTO MONDO DI LADRI (1988, Heinz), que contiene, otro title-track, otro clásico de Venditti, " Ricordati Di Me", "21 Modi Per Dirti Ti Amo" y "Correndo Correndo ".El afortunado decenio se cierra con una recopilación GLI ANNI '80 (1990, Heinz).
Venditti no para y vuelve a escena con BENVENUTI IN PARADISO (1991, Heinz), album que prolonga su ya largo éxito de sus albumes precedentes, vendiendo otro millón de copias, con singles como "Dolce Enrico", ( en recuerdo a Enrico Berlinguer ) "Dimmi Che Credi", "Alta Marea" (cover di "Don't Dream It 's Over" dei Crowded House) e "Amici Mai", otra estupenda canción de amor.
DA SANSIRO A SAMARCANDA - L'AMORE INSEGNA AGLI UOMINI(1992, Heinz) es un nuevo "live" en donde aparece el nombre de Samarcanda ( título del programa de TV de Michele Santoro en el que Venditti interviene con gran participación ). Otra muestra de celebración de un decenio de tours y conciertos."L'Amore Insegna Agli Uomini" es el título del único tema inedito del album doble. Una balada de amor y esperanza para el futuro.
Pasan tres años de silencio artistico, la más larga temporada de descanso para Antonello. Un nuevo album de estudio PRENDILO TU QUESTO FRUTTO AMARO(1995, Heinz) con la consiguiente gira. Se editan varios singles como "Ogni Volta", su mejor canción de amor ( extraordinaria ), "Eroi Minori", "1000 Figli" y la potente "Tutti All'Inferno ".
Para Antonello es ora de reaalizar un sueño de hace mucho tiempo, tocar acompañado de la orquesta sinfónica, nace asi ANTONELLO NEL PAESE DELLE MERAVIGLIE (1997, Heinz) , la orchesta no es otra que la " Bulgarian Simphony Orchestra de Sofia ", dirigida por el maestro Renato Serio.
Se abre un periodo de profunda reflexión e intuición para el artista romano, en el que escribe con gran velocidad nuevas canciones para su nuevo album, grabado y mezclado con un nuevo equipo de trabajo pero con Alessandro Colombini.
El 24 de Septiembre de 1.999 aparece el último de los discos publicados de Antonello GOODBYE N9VECENTO, un album que afronta la principal temática de fines del milenio. En 1.996 publicado por la discográfica EDEL MUSIC, S.A. aparece su primer CD ediatado en España y con 11 canciones interpretadas en castellano. Un disco extraordinario donde se encuentran algunas de sus mejores canciones entre las cuales destaca " Cada Instante " ( Ogli volta ), " Bienvenido al paraiso ", " Necesito un amigo ", " El cumpleaños de Cristina ", etc.. Fuente www.racocatala.cat/feelingsoft/antonello/biogr.html
miércoles, 1 de abril de 2009
Juan Carlos Caviello
Juan Carlos Caviello, nació en Quilmes, Provincia de Buenos Aires y creció en Capital Federal, donde vive hasta la fecha. Comenzó sus estudiós de bandoneón a los siete años y a los pocos meses ya tocaba en público. Es de esa época el origen de su apodo que entre muchos conocidos conserva hasta hoy. Fue llamado "el pibe del bandoneón" y de allí simplemente "el pibe".
Integró la Orquesta de Roberto Firpo y luego el famoso Cuarteto. Cuando Firpo deja definitivamente la actividad profesional forma su propia agrupación: el "Cuarteto de Oro" y es con este grupo que desarrolla una actividad muy importante.
Es autor de numerosas composiciónes y tiene en su haber gran cantidad de grabaciones, El vals de los pajaros, De hacha y tiza, Un baile a beneficio (La podrida)
En los últimos años realizó grabaciones a dúo con el mismo a dos bandoneones asi como grabaciones en conjuntos instrumentales
En el año 2003 la familia fue declarada ilustre del Barrio de Nueva Pompeya.
Fuente biografica y fotos: web de Mirta Caviello en homenaje a su padre. www.mirtacaviello.com.ar
Año 2003
martes, 31 de marzo de 2009
Caetano Veloso
Caetano Veloso nació el 7 de agosto de 1942 en Santo Amaro de Purificação, una pequeña ciudad del estado de Bahía, (Brasil). La suya fue una familia amante de la música y numerosa integrada por ocho hijos, dos de ellos adoptados; Caetano aprendió en su casa a tocar el piano y a los nueve años compuso su primera canción, un baião.Cuando llegó el momento de los estudios universitarios, junto a su hermana María Bethania, se trasladó a Salvador de Bahía, donde pasó su juventud y estudió Arte en la Universidad.
A fines de 1966 acompañó a su hermana María Bethania, quien había sido invitada a cantar en una obra musical en Río de Janeiro; obtuvo su primer éxito cuando su hermana grabó su primera composición.
Rápidamente ganó algunos premios y pudo grabar su primer álbum con Gal Costa: Domingo. En 1968, junto a Gilberto Gil, fue uno de los primeros emprendedores del tropicalismo, movimiento cultural cuyo objetivo era la re-evaluación de la música tradicional brasileña. Grabó en 1968 su primer álbum solista llamado Caetano Veloso y su música cruzó las fronteras con su controvertida É proibido proibir.
Le fueron otorgados varios premios en distintos festivales de televisión. Un año después, logró con su álbum Tropicalia, que surgiera el movimiento musical conocido como tropicalismo, del que forman parte algunos músicos de Bahía como Gilberto Gil, Gal Costa o María Bethania.
En 1969 debido a la dictadura que asolaba Brasil, Veloso se vio obligado a exiliarse a Londres (Reino Unido), Madrid (España),Tel Aviv (Israel); tres años más tarde regresó a Brasil y grabó Araca azul, un disco experimental.
En 1976 formó un grupo con Gilberto Gil, Gal Costa y María Bethania, e hicieron una gira por Brasil con el nombre de "Doces bárbaros".
Bicho fue lanzado en 1977 influenciado por el contacto que tuviera con la cultura nigeriana, donde había estado algunos meses antes. Ese mismo año fue publicado Alegría, un libro que es una colección de artículos y poemas que abarca desde 1965 hasta 1976.
En 1981 se hizo con su primer éxito con Outras palavras, y a partir de entonces su fama se extendió a todos los rincones del mundo. Ya en 1989 fue lanzado Estrangeiro. En 1991 fue lanzado un nuevo álbum llamado Circuladô. La letra que dio nombre al álbum fue un poema de Haroldo Campos, poeta brasileño. El diseño de la tapa de Circuladô ao vivo fue idea de Caetano y fue lanzada en 1992 como una pieza maestra. En 1993 fue lanzado Tropicalia 2 con Gilberto Gil. Fina Estampa aparece en 1995 y Noites do norte en 2001.En 2006 lanza un su álbum "Ce", con canciones inéditas de su autoría.
En 2003 colaboró con Nelly Furtado en su segundo disco "Folklore" en la canción "Island of wonder".Fuente Wikipedia
lunes, 30 de marzo de 2009
Cristobal Herrero Semblanza
Sexteto Cristobal Herrero
HERRERO, CRISTOBAL
(14 de septiembre de 1909 –Barcelona- España – 18 de diciembre de 2002) – Nombre de Familia: Cristóbal Herreros. Bandoneonísta- director y compositor.
Llegó junto a sus padres, inmigrantes españoles, afincándose en la localidad de Zárate, Provincia de Buenos Aires.
Sus comienzos datan aproximadamente en 1920, cuando todavía era un niño, actuando en la inauguración del teatro Argentino de Zárate.
Ya en su adolescencia, formó una orquesta juvenil integrada por Juan Carlos Aiello, violinista, Julio Jerez, en piano, Juan Trissi, segundo bandoneón y José Micheletti en contrabajo. También trabajó en el cine Belgrano de la misma ciudad de Zárate, acompañando las películas mudas de aquellos años.
Llega a Buenos Aires integrando una orquesta que dirigía Juan Elhert. Más tarde se incorpora a la orquesta de Roberto Firpo.
domingo, 29 de marzo de 2009
Maria Martha Serra Lima
Si en Mar del Plata los rayos de sol se agotaran habría que ir a reclamarle a la señora María Martha Serra Lima, que ahí viene con su bronceado Rubén Rada. El color refresca la teoría de un diseñador —muy de moda— que a propósito del verano y los ombligos al aire, dice algo así como que los gordos toman sol para borronear los contornos, tender a la oscuridad y parecer más flacos. Equivale a llevar ropa negra, que afina, se sabe, pero las 24 horas. No es la mejor manera de encarar el avatar periodístico, pero aquí estamos preguntándole a la cantante si es o no es verdad. "En mi caso es falso. Fijate que yo salgo de blanco a los shows. Con el bronceado, mi meta no es parecer más flaca sino evitar el maquillaje".
Este mes cumplís 30 años de trayectoria. Revisando el archivo se puede observar que a lo largo de tu carrera hablaste tanto de música como de la cuestión de peso. ¿Es difícil ser gordo en el mundo del espectáculo?
Es un desafío increíble. Por eso le estoy inmensamente agradecida al público que en vez de decir ay, por favor, saquen de acá a esa gorda, siempre me perdonó lo físico y se enamoró de mi voz. Cuando empecé, tenía todas las de perder. Fui a ver al dueño de una grabadora y me dijo: "Tenés una voz divina, pero antes de apostar a vos deberías bajar de peso". No volví. Yo sabía que no era sexy, pero Ella Fitzgerald tampoco lo era y la gente respetaba su talento.
¿Y cuáles crees que son tus armas de seducción?
La voz. Mi voz cantando.
O sea que no podrían haber candidatos sordos.
Ojo, yo tuve éxito con los hombres. Fijate que me pinto, estoy siempre arreglada, prolijita. No soy una gorda abandonada... Pero primero (sonríe) tiene que gustarte mi voz.
El embrujo tramposo de los locutores...
Quizás. Y no sólo eso: mi tercer marido dice que yo tengo la capacidad de trasmitir mucha paz.
Bueno, pero un día bajaste cincuenta y pico de kilos. ¿Tenías ganas de seducir desde otro lado?
Sesenta y siete kilos en un año y pico bajé. Me saqué una persona de encima. Cuando lo hice ya estaba casada con mi marido, mi ex —aclara—, Horacio, mi tercer ex. De todos modos —oscurece—, es como que sigue siendo un marido. El siempre está acá conmigo. Me conoce más que yo misma. ¡En qué estaba? Ah, el régimen terminó en el 2001. Pesaba 160 kilos, bajé, después subí 20 kilos. Me enfermé.
¿Bulimia?
No. Me provoqué una anorexia. Engañaba al médico. No comía nada o nunca pasaba de las 700 calorías diarias. Sólo acelga comía. Ahora estoy mejor, pero todo lo que como es con culpa.
¿Fuiste flaca alguna vez?
A los 11 años me tenían que dar inyecciones para subir de peso. Tontos de mis padres que ignoraron que en la familia estaba el gen de la gordura... Ahí empecé una escalada tremenda que me mortificó mucho. Yo amo la estética.
Cuándo aldelgazaste te cambió la figura. ¿Y con la voz qué pasó?
Mejoró un montón. Tenía más espacio para respirar.
Si esta fuera tu última nota, ¿admitirías que el famoso affaire con Sandro fue una simpática farsa mediática?
No.
¿Qué dirías?
Qué sé yo. A esta altura me cuesta saber qué fue verdad y que no.
¿Inventaste mucho?
¡Ustedes inventaron! Nosotros fuimos muy discretos. Sintonizamos muy bien porque él era sencillo. Don Sánchez, le decía yo. Fue lindo, pero se terminó cuando conocí a mi segundo marido. Me gustaba más. Sandro nunca me pareció pintón.
Vos te casaste virgen. ¿Para Sandro también fuiste una mujer difícil?
Nunca fui de tener relaciones en la primera, segunda o tercer salida. Había que conquistarme. Nosotros hablábamos cinco horas por teléfono... Sandro fue una ilusión muy grande.
Pasemos a la música. ¿Por qué vos y casi nadie más canta boleros en la Argentina?
Al bolero se llega cuando sos más grande. Para entender al bolero hay que aprender a sufrir.
¿Eso no es con el tango?: sufrir, amar, partir?
El tango y el bolero son lo mismo.
Sin embargo aparecen nuevas generaciones de tangueros. ¿Con el bolero qué pasa?
El tango está fuerte en el baile. Con el bolero, es verdad, no pasa nada salvo Luis Miguel que la pegó un rato y no es argentino. Acá si no lo hago yo, el bolero se muere.
Cuando empezaste tu carrera comparaban tu voz con la de Janis Joplin.
A mí no me parecía. El rock no me gusta. Los Beatles no me gustaron nunca con las drogas y todo ese mensaje... Nunca fueron un buen ejemplo para la juventud. Sí rescato a Elvis.
Pero murió de sobredosis
Fue el inventor. El resto del rock, casi todo, es una payasada de drogas y excitación (dice lo que dice y se queda como colgada de un pensamiento culposo). Ahora que hablamos de rock, hay un chico que me sigue y escucha mis discos. Pipy (sic) de Insaciables (¡sic!).
¿No será Pity, de Intoxicados?
Sí, Pity (Alvarez). Es un dulce, un divino. Fue a verme y me llevó un ramo de flores, pero le dio vergüenza dármelo y se fue.
¿Y cómo lo sabés?
Me lo lo contó en un mail.
Fuente: Reportaje en el diario Clarin por Hernan Firpo el 14 de enero de 2007
sábado, 28 de marzo de 2009
Alberto Marino
Alberto Marino en 1960
Alberto Marino con Hugo Baralis director de su orquesta en 1960
Alberto Marino con Anibal Troilo y Roberto Grela en 1955Alberto Marino: Nombre de Familia: Vicente Alberto Marinaro ; una de las voces mas importantes de nuestro tango , nació en la ciudad de Verona – Italia el 16 de Abril de 1920.
Sus padres Angel Marinaro, su madre Angela Musso eran cantantes líricos, y tuvieron seis hijos; Carmela, Dina , Flora, Vicente Alberto, Nina(Antonina) y Gino.
Su abuelo vino a Argentina como inmigrante antes del 1900 y se radicó en la provincia de Salta, dedicándose a la explotación de Minas de Carbón.
Con el tiempo mandó buscar a sus familiares y en 1926, sus padres obedeciendo el pedido de su abuelo, arribaron a Buenos Aires.
En 1928, Don Ángel y su familia al no aclimatarse en Salta, deciden instalarse en Buenos Aires.
Pasa su infancia en el Barrio porteño de las Cañitas y en 1938, se decide a estudiar canto, con el maestro Bonessi, quien para ese entonces era profesor de los mas grandes cantantes de tangos.
Al tiempo debuta en Radio La Nación ( actual Radio Mitre ), bajo el seudónimo de Alberto De Mari. Había un joven de su edad que tenía pretensiones de tener su orquesta propia, que tocaba el bandoneón, llamado Emilio Balcarce, y lo tentó para que cantara con el.
Si bien ese fue su comienzo, la patriada duró poco, dado que la orquesta se disolvió. Fortunato Martino un bandoneonísta que había dejado la orquesta de Francisco Lomuto, formó su orquesta y lo invitó al joven Alberto Marino para que se incorpore; al tiempo pasó a cantar con otro bandoneonísta, Luis Moresco.
El bandoneonista, Emilio Orlando, dejó la orquesta de José De Caro en 1939 para formar la suya propia e incorpora como cantantes a dos jóvenes talentosos cantantes, dotados de un color de voz y un registro poco común.
Uno era Roberto Rufino y el otro Alberto Marino, el primero con 17 años; Marino con flamantes 19 años. Debutan en el Alvear Palace Hotel.
Eran tiempos del gran despegue que se produciría a partir de 1940. Rodolfo Biagi, que se había ido de la orquesta de Juan D'Arienzo en 1938 y había formado su orquesta , que además tenía un éxito rotundo para el año 1941, le echó el ojo al joven Marino, y no dudó en tentarlo y Alberto le pidió unos días para contestarle, pero íntimamente quería aceptar. Rodríguez Lesende, Andrés Falgas, Jorge Ortiz, habían pasado por esa orquesta, que no era poco, pero quiso el destino que su destino fuera otro.
Anibal Troilo era para la década que comenzaba, director de una de las orquestas líderes entre los porteños.
Pichuco con su olfato tan particular sabía que un solo cantor no bastaba para dar respuesta a tanta demanda de parte del público, que ansiosamente estaban ávidos de escuchar las letras nuevas que los poetas escribían y que reflejaban esas historias de vida contadas en tres minutos.
Sabía de las mentas del pibe Marino, y no dudó en ofrecerle incorporarse como segundo cantor a su agrupación secundando a uno de los iconos mas grande de la canción: Francisco Fiorentino.
Si bien Marino reconocía en Rodolfo Biagi a un director exitoso, aceptó la propuesta de Aníbal Troilo, en principio por razones económicas, la oferta de Pichuco era muy superior a la de Biagi , y en segundo lugar porque Troilo juntamente con Carlos Di Sarli y Osvaldo Pugliese eran los reyes de la noche de Buenos Aires, donde los cabaret eran los lugares donde noche a noche se convertían en la Catedral del Tango.
Debemos reconocer que Francisco Fiorentino con Albero Marino, fue un ensamble perfecto, resultado del olfato de Pichuco que buscó con la voz de Marino armonizar dos matices de voces diferentes pero que se complementaban de tal manera que se reconoce a través del tiempo como uno de los dúos mas famosos de nuestro Tango.
Su Mejor Momento
Cuando Pichuco anunciaba paras ese entonces ( año 1942 ), que además de su cantor estrella Fiorentino, incorporaría a un segundo cantor, los tangueros no entendían nada....
No podían aceptar que hubiera otro cantor al lado del que ellos consideraban uno de los tres mejores cantores de esos momentos.
Francisco Fiorentino, Roberto Rufino y Alberto Morán. La expectativa que se había desatado entre los porteños, era enorme, diarios, revistas, y radios anuncian el inminente debut...
El 5 de Abril de 1942, en el cabaret TIBIDABO se produciría la presentación del nuevo cantor.
Arranca el Gordo Pichuco, con "Pablo", un tema instrumental, sigue Fiorentino con un éxito suyo y llegó la hora mas esperada...
La Orquesta comienza con los acordes de "Copas y besos" y Alberto Marino con una serenidad absoluta interpreta el primer estribillo...
Su hermosa voz, su privilegiada garganta, producen entre los presentes una seducción inmediata, la ovación que se escucho al concluir el tema fue estruendosa, había pasado el examen con las mejores notas...
Recibió la aprobación de Pichuco, Fiorentino y sus compañeros músicos: Pepe Basso, Miguel Rodríguez, Eduardo Marino, Alberto García, Marcos Troilo, David Diaz, Reynaldo Nichelle, Juan Alzina , Pedro Sapochnik, Alfredo Citro y Kicho Diaz.
La noche de Buenos Aires tenía un pibe con Voz de Oro, pero faltarían 3 años más para que Alfredo Gobbi lo bautizara en 1945 "LA VOZ DE ORO DEL TANGO".
Fiorentino-Marino, pasaron a ser uno de los dúos mas destacados de la década del 40.
El timbre de la voz de Marino, fue causa de un magnetismo especial para acrecentar la popularidad de la Orquesta de Anibal Troilo.
Algunos de sus éxitos fueron : "Café de Los Angelitos", "María", "Tres amigos", "La luz de un fósforo", "Uno" y "Rosicler".
Evidentemente el Gordo, había acertado una vez mas cuando elegía. Llovían las propuestas para actuar en todos los club de Barrios, en Radios, y en todo reducto donde el Tango era bienvenido.
Recambio de cantor
Corría el año 1944 y luego de seis años de ser el cantor estrella en la agrupación del querido Gordo, Francisco Fiorentino se desvincula de la Orquesta.
Entre Marzo y Octubre de ese año, Alberto Marino fue el único cantor de la Orquesta.
El Gordo, estaba en la búsqueda de una voz que ensamblara con la de Marino, para reemplazar a Fiorentino, pero no había logrado dar hasta ese momento con el propietario de ese registro. Sucedió que Alberto Marino en conocimiento que Troilo incorporaría a otro cantor, le comentó “...Anibal, mi compadre Floreal Ruiz canta con Alfredo De Angelis y me habló hace un tiempo que quiere dejar la orquesta de Alfredo; no lo quisiera probar ? “ Pichuco, que ya lo conocía, pero por respeto jamás tentó a músicos o cantores de otros colegas, le contestó “...si es como usted dice...que se quiere ir, dígale que con gusto lo probaré”.
Y así fue como Alberto Marino interesó a Floreal Ruiz quien inmediatamente aceptó pasar a ser el segundo cantor de Troilo. Alfredo De Angelis quedó muy disgustado con esta decisión de Ruiz, dado que en el corto periodo que estuvo le redituó mucho éxito con los temas que interpretaba Floreal y que eran aceptados ruidosamente por el público.
Pero así eran las cosas, Alfredo De Angelis incorporó en su reemplazo a Carlitos Dante y debido al hermoso dúo que formaron con Julio Martel, la sangre no llegó al río.
Debemos aclarar que en lo económico eran tiempos muy difíciles y que Floreal Ruiz al pasar con Aníbal Troilo pasó a ganar tres veces mas de lo que ganaba con De Angelis. "Palomita Blanca", "Adiós Pampa Mía"; "Llorarás, Llorarás", fueron algunos de los éxitos que el nuevo binomio de Marino-Ruiz interpretaban juntos, y deleitaban a los seguidores de la orquesta de Pichuco.
En Febrero de 1946 , Alberto Marino decide continuar su carrera como solista y en consecuencia se lo comenta a Troilo , quien comprendiendo que Marino tenía luz propia y que no iba a fracasar, se alegró mucho; lo abrazó tiernamente y le deseó el mejor de los éxitos.
Marino Solista
El tano Marino, siempre fue reconocido en el ambiente como un hombre de bien. No olvidaba que hace muchos años cuando comenzó Emilio Balcarce lo había invitado a ser el, el cantor de su Orquesta.
Por lo tanto, y en conocimiento que pronto dejaría de acompañar a Alberto Castillo, le ofreció hacerse cargo del acompañamiento musical en esta su nueva etapa de solista. Balcarce aceptó gustoso, y comienza una etapa brillante actuando en radios y en el café Marzotto.
Comentan los que estuvieron en el debut de Marino, que era tanta la gente que acudió a la presentación de Alberto en el Marzotto, tuvieron que cortar la calle Corrientes entre Libertad y Cerrito.
Llovían las ofertas para actuar en todo lugar de Tangos, las compañías discográficas se lo disputaban y la Compañía Odeón que le hizo la mejor propuesta se quedó con la nueva estrella.
Graba para este sello en 1947, La Muchacha del Circo y Organito de la Tarde, temas que inmediatamente se agotaron dado el espectacular éxito de los mismos entre el publico que lo seguía. Tambíen graba "Canzoneta" , "La casita de mis viejos" y "Venganza".
Cuando Emilio Balcarce le comenta a Marino que dejaba la dirección de la Orquesta para dedicarse a ser orquestador, Marino elige al maestro Héctor María Artola quien pasó a ser su nuevo director.
Los éxitos de la actuación de Marino en donde actuara era moneda corriente, Ebro Bar, Ruca, Tango Bar. Las Confiterías Richmond, La Armonía, eran algunos de los lugares donde Marino trabajaba a sala llena. Recorrió todo el país, llevando a mas público su hermosa voz. Comienza a viajar al extranjero, y la colonia latina de Nueva York conoce a Marino acompañado en ese momento por Osvaldo Tarantino.
A fines del año 1969 viajó a Japón, acompañando a una embajada de Tangueros donde entre otros estaban Hector Varela. Alberto Marino, fue siempre un brillante profesional, responsable, estudioso, buen esposo y padre, asumiendo con mucha dignidad la pérdida prematura de su querida esposa Irma Argentina Galván, quedando el, al cuidado de sus dos hermosos hijos, Carlos Alberto y Claudia Analía, quien con el paso de los años , Claudia, siguió los pasos de su padre como interprete de tangos.
El 20 de Junio de 1989 a los 69 años, fallece uno de los mejores interpretes que dio nuestra canción popular. Fuente Ricardo Espinosa Belén de El Portal del Tango www.elportaldeltango.com Fotos libro de Horacio Ferrer. Muchas gracias.
viernes, 27 de marzo de 2009
Sarah Brightman
Sarah Brightman (Hertfordshire, Reino Unido, 14 de agosto de 1960) es una soprano, actriz y bailarina británica. Canta en diferentes idiomas tales como Inglés, Español, Francés, Latín, Alemán, Italiano, Hindú y Mandarin.
Ha recibido 160 discos de Oro y Platino en 34 países, es la única artista en el mundo que ha ocupado el puesto #1 en el Billboard Dance y el Billboard Classical Chart simultáneamente. Ha vendido aproximadamente 26 millones de discos y más de 2 millones de DVDs.
Sarah Brightman nació en Berkhamsted, Hertfordshire, Inglaterra, sus padres son Paula y Grenville Brightman, y es la mayor de seis hijos. A los tres, tomó clases de ballet en la Escuela Elmhurst y apareció en festivales locales. Más tarde, audicionó para el Royal Ballet de Londres, pero fue rechazada. A los 16, en 1976, se unió al grupo de baile Pan's People, que participo en la serie de en la serie de TV. de la BBC Top Of The Pops. Un año más tarde se unió al grupo de danza "Hot Gossip". El grupo lanzo su primer disco en 1978 con el hit "I lost my heart to a Starship Trooper", que vendió medio millón de copias y alcanzó el número seis en el UK Charts.
Seis meses más tarde el grupo lanzó un nuevo single llamado "The Adventures of the Love Crusader", pero resultó ser un fracaso. Ahora en solitario, publicó mas álbumes bajo la discográfica Whisper Records, incluidos "Not having that!" y el cover de la canción "My boyfriend's back".
En 1981, Brightman audicionó para el nuevo musical de la época "Cats" y recibió el papel de Jemima. En los ensayos conoció a Andrew Lloyd Webber. Ambos finalmente se casaron en 1984 y a partir de este momento Brightman protagonizaba en los musicales de Lloyd Webber, incluidos Song and Dance y la masa Requiem, esta última escrita para ella. Con Requiem obtuvo su primera nominación al Grammy.
Brightman protagonizó a Christine Daae en la adaptación de El Fantasma de la Ópera por Lloyd Webber. El papel de Christine fue escrito específicamente para ella.
Después de salir de el Fantasma de la Ópera, Sarah realizó una gira con la música de Lloyd Webber que la llevó a visitar Inglaterra, Canadá y los Estados Unidos. En esta misma época se lleva a cabo la misa de Requiem en la Unión Soviética. Publicó grabaciones en estudio, incluyendo el single "Anything But Lonely" de Aspects Of Love y dos discos como solista: The Trees They Grow So High (1988), que fue una recopilación de las canciones más populares acompañadas por un piano, y The Songs That Got Away (1989), recopilación de canciones extraídas de obras de teatro compuestas en su mayoría por Irving Berlin y Stephen Sondheim.
En 1990, Lloyd Webber y Brightman se separaron.
Su carrera en teatro había terminado. En 1992, cantó en los Juegos Olímpicos de Barcelona, "Amigos Para Siempre" junto a José Carreras. En esta ocasión Brightman fue vista por más de 4 billones de personas a nivel mundial. Después de esto se inspiró para ir en solitario y pidió trabajar con un ex-integrante de la banda Enigma. Su petición fue respondida y en 1991 viajó a Alemania para reunirse con su actual productor, Frank Peterson. Su primer lanzamiento fue Dive (1993).
Fly (1995), fue un álbum pop rock y también su segunda colaboración con Peterson, ésta producción le dió a Brightman fama en Europa con el hit "A Question of Honour". La canción fue presentada en el Campeonato Mundial de Boxeo en Alemania, específicamente antes de la pelea entre Henry Maske y Graciano Rocchigiani. Esta pieza combina música electrónica, elementos de rock y extractos del aria "Ebben ... Ne Andro lontana" de Alfredo Catalani de la ópera La Wally.
"Time to Say Goodbye" ( "Con te partiro") fue la segunda canción que debutó Brightman para Maske, esta vez en su última pelea. Este dúo con el tenor Andrea Bocelli vendió más de 3 millones de copias sólo en Alemania, convirtiendose en un éxito de ventas. Debido al suceso de la canción, en 1996 se lanzó al mercado una segunda versión de Fly en la que destacaba "Time to Say Goodbye" como primera pista.
Timeless (publicado en 1997, con el título Time To Say Goodbye en América) que figuran "Time To Say Goodbye" y otros temas de inspiración clásica, como "Just Show Me How to Love You", un dueto con José Cura (originalmente cantado por Darío Baldambembo con el título "Tu Cosa Fai Stasera"), un cover de "Who Wants To Live Forever", y "Tu Quieres Volver", (originalmente grabada por los Gipsy Kings) recibió un Grammy Taiwan por ser el álbum más exitoso del año.
La principal exposición de Brightman en los Estados Unidos también comenzó en este tiempo, empezando con una aparición en diciembre de 1997 en el especial PBS de Bocelli, con el duéto "Time to Say Goodbye"; más tarde, en marzo de 1998, se transmitió su propio especial de PBS, Sarah Brightman in Concert at the Royal Albert Hall, marcando el momento en que se posesionó entre los primeros puestos de la tabla Billboard 200. En 1999, Brightman también apareció en el disco "No me olvides" de Princessa, otro artista con quien había trabajado anteriormente Peterson.
Los siguientes álbumes incluyeron Eden (1998) y La Luna (2000). Estos álbumes, a diferencia de Timeless, incorporaban más elementos de música pop. Los comentarios fueron buenos para ambos.
Eden alcanzó el puesto # 65 en el Billboard 200 Chart (recibiendo un certificado Oro por la venta de más de 500.000 ejemplares), y La Luna alcanzó el # 17. Además, los dos álbumes alcanzaron el número 1 en Billboard Classical Crossover Chart. A finales de 2001, la revista Billboard señalo a Brightman como uno de los tres artistas más importantes del Classical Crossover del Reino Unido (los otros son Charlotte Church y Russell Watson).
En 2001 lanzó el álbum Clássics, que contenía en su mayoría arias de ópera y otras piezas clásicas incluyendo una versión de "Time to Say Goodbye" en solitario. Los comentarios para este álbum fueron mejores que sus predecesores: Entertainment Weekly, le dio al álbum una calificación de B-[16].
En 2003 su álbum Harem representó un gran éxito: contenía ritmos y sonidos del Oriente Medio con temas influenciados por música dance. En Harem, colaboró con artistas como los iraquíes Ofra Haza y Kazem al-Saher. Nigel Kennedy también contribuyó con pistas de violín para las canciones "Free" y "The war is over". El álbum alcanzó el # 29 en el Billboard 200 Chart (consiguiendo vender 333.000 copias, es decir, aproximadamente un tercio del total de ventas de La Luna), y alcanzo el puesto # 1 en el Billboard Clássical Crossover Chart. Algún tiempo más tarde, otro single del álbum (la canción "Free", co-escrita por Sophie B. Hawkins) se convirtió en un hit Top-10 de esta tabla.
Los álbumes Eden, La Luna, Harem y fueron acompañados por giras en vivo que incorporaban la teatralidad de sus orígenes. En 2000 y 2001, fue uno de los 10 artistas británicos más populares en los EE.UU., recaudando $ 7,2 millones brutos en 34 espectáculos en 2000 y $ 5 millones en 21 espectáculos en 2001.
Recientemente, la gira Harem recaudó más de 60 millones de dólares netos y vendió más de 700.000 entradas, de las cuales 225.000 procedían de América del Norte.
Los comentarios para las giras fueron mixtos: un crítico del New York Times llama a La Luna Tour "no tan divina, pero sobre-humana" y "sin intención inquietante: un hermoso argumento del vacío." En contraste, un revisor de la Boston Globe considera la gira Harem "única, convincente" y "encantadora y eficaz."
Los especiales de PBS fueron producidos para casi todos los álbumes de Brightman en los EE.UU., un director de marketing ha descrito estos epeciales como la fuente de su éxito. De hecho, su concierto de Eden fue uno de los más eventos trasmitidos que más recaudó.
Brightman publicó una colección de DVD de sus videos musicales el 3 de octubre de 2006 bajo el título de Diva: The singles collection. El álbum entro en los grandes éxitos en los Estados Unidos, que alcanzó el número 1 en el Billboard Classical Crossover Chart.
Posteriores apariciones incluyen el Concierto para Diana en julio de 2007, cuando cantó "All I ask of you" junto con Josh Groban; En China participa en el Live Earth de Shanghai el 7 de julio de 2007 , interpretando cuatro canciones ( "Nessun Dorma", "La Luna", "Nella Fantasia" y "Time to Say Goodbye"). El 25 de agosto en el Campeonato Mundial de Atletismo en Osaka estrenó su sencillo "Running" y participó en el Macy's Thanksgiving Day Parade interpretando "The Journey Home". También en 2007 fue la estrella del TV Show Inglés Just Two Of Us en pareja con Mark Butcher.
El 29 de enero de 2008, lanzó su primer álbum en cinco años: Symphony, influenciado por sonidos góticos. La canción "Symphony" es un cover de "Symphonie" del grupo alemán Silbermond. En el álbum destacan las participaciones de los artistas Fernando Lima, Andrea Bocelli, y el vocalista de Kiss, Paul Stanley, que en dúo con Brightman interpretan "I'll be with you", cuya versión fue tema de la película Pocket Monsters. Para promocionar Symphony, en otoño de 2008, Brightman se embarcó en una gira visitando numerosas ciudades en Estados Unidos, Canadá, México, Europa y Asia. La gira se posesionó entre las más lucrativas del 2008, recaudando aproximadamente 14 millones de dólares solo en Norteamérica. Ofreció también un espectacular concierto en la imponente Catedral de San Esteban (Stephansdom) en Viena, donde grabó su más reciente DVD. Además realizo varias apariciones en la televisión de los Estados Unidos, incluyendo el Fashion on Ice transmitido por NBC, The view, Martha, The Early Show y Fox and Friends de Fox News Channel. En el concierto del Día Memorial en Washington interpretó "Pie Jesu", "There you'll be" y "God Bless America". Esta última junto a Idina Menzel, John Schneider, Gladys Knight y Rodney Atkins. También participó en la película Repo! The Genetic Opera haciendo el papel de Blind Mag.
El 8 de agosto de 2008 Brightman y el cantante chino Liu Huan cantaron conjuntamente "You and Me" en mandarín e Inglés en los Juegos Olímpicos de Beijing 2008 en la ceremonia de apertura. El 4 de noviembre de 2008, Brightman lanzó su primer álbum de temporada, titulado "A Winter Symphony" que llega al número 3 de las listas en el mes de diciembre y lleva vendidas más 200 mil copias en EE.UU. hasta el momento.
El 24 de Diciembre de 2008 interpretó "Silent Night" en el Walt Disney World Verry Merry Christmas parade, que fue transmitido por ABC la mañana de Navidad y participó en distintos eventos en estas fechas como invitada especial, como el "Happy Xmas Show", que tuvo lugar en la catedral de St. Brendan en Los Angeles.
A principios de 2009 se convirtio en la embajadora oficial en Gran Bretaña de la Exposición Mundial de Shanghai que se prepara para 2010.
Actualmente Brightman es considerada una de las voces más exquisitas de la música popular, además de ser una de las más detacadas sopranos del siglo XX y XI
El primer entrenamiento vocal de Brightman fue con Elizabeth Hawes, jefe de la Trinity Music College de Londres, y más tarde con Ellen Faull de Juilliard. Actualmente estudia con el internacionalmente conocido profesor David Romano. Ella tiene un rango vocal de tres octavas gama. Según Brightman, su voz a veces llega a un F6. Sin embargo, su nota más alta cantada en público y en el estudio es el E6 final de "El Fantasma de la Opera".
La música de Brightman es normalmente clasificada como Classical Crossover. Según registros de Manhattan Records, ella es responsable en gran medida de la popularidad del género. En una entrevista con la revista People, Brightman rechazó la etiqueta de Classical Crossover y la describió como "horrible", pero dijo que entiende la necesidad de la gente por categorizar la música. Sus influencias incluyen música de los años 60 y 70 y y artistas como David Bowie y Pink Floyd. Su trabajo es constantemente comparado al de Madonna, Cher, y Celine Dion. El material de sus discos va de versiones de arias de ópera de compositores como Puccini (en Harem, Eden, y Timeless), a canciones de pop ("Dust in the Wind" de Kansas), ("Here With Me" de Dido), y ("A Whiter Shade of Pale" de Procol Harum).Fuente texto y fotos Wikipedia en español
jueves, 26 de marzo de 2009
Victor D'Amario
D'AMARIO, Victor
D'AMARIO, Victor: Músico. Bandoneonista. Director. Compositor. Nació en la ciudad de La Plata —provincia de Buenos Aires—. (5 de mayo de 1909 - 20 de agosto 2007)Nombre de Familia: Víctor Salvador D’Amario
En ésta y luego en Buenos Aires, inició su carrera de profesional acompañando a la cancionista Mercedes Carné hacia 1927. Integró luego una orquesta de señoritas, para formar por último su propia agrupación, con la cual alcanzó marcada popularidad en La Plata luego de 1930, presentándose con carácter de director estable en el Jockey Club de La Plata, en la confitería Centro américa, en LS11 Radio Provincia y en el Jockey Club de Punta Lara. En 1935 comenzó su trayectoria definitiva en Buenos Aires, ingresando a las programaciones de las emisoras Mitre y del Pueblo y el clásico palco del café Germinal de Corrientes, entre Pellegrini y Suipacha. Continuó desde entonces su labor en distintos locales, colaborando en 1944 en la musicalización de la película Un Muchacho de Buenos Aires, que dirigió Julio Irigoyen, con Héctor Palacios, Chola Bosch, Tino Tori y Lea Conti en los papeles principales. Desde 1951 grabó las versiones de su orquesta para el sello Pathé, con los cantores Alberto Santillán y Carlos Almada, Alberto Morel, Ricardo Blanco, entre otros. La guiñada, La torcacita y su propio tango El remache dieron lugar a sus más valiosas interpretaciones.Compositor de Sueños dorados y Mi viejo barrio.
Por Horacio Ferrer
Editado y compaginado por El tango y sus invitados
miércoles, 25 de marzo de 2009
Pedro Infante
Su nombre de pila era José Pedro Infante Cruz. Hijo de Don Delfino Infante de profesión músico y Doña Refugio de Infante. Nació el 18 de Noviembre de 1917, en la ciudad de Mazatlán, Sinaloa (México), pero desde muy pequeño fue a vivir a Guamúchil, población que él siempre consideró como su tierra natal. Fue el segundo de nueve hijos. De familia muy humilde. Su padre dirigía una banda de música y seguramente su inclinación y su aptitud musical nació de esa circunstancia. En su adolescencia fue carpintero. Medía 1.77 m. de estatura y pesaba 71 Kg.
En 1928 obtuvo su primer trabajo como mandadero, más tarde conoció el oficio de carpintero y en 1932, entró a formar parte primeramente de la orquesta La Rabia, luego de la Orquesta de don Luis Ibarra y después fue líder en la Orquesta Estrella de Mazatlán, imponiéndose así su verdadera vocación.
Tuvo mucha suerte con las mujeres desde muy joven. Sin embargo se dejó seducir rápidamente por la idea del matrimonio. En 1935 contrajo esta obligación con María Luisa León, a quien Pedro le debió el impulso de su carrera, pues él quería viajar a la capitar para ingresar al Conservatorio Nacional de Música para convertirse en un gran violinista. Y María Luisa no se equivocó en la intuición que tenía de que Pedro sería un gran artista. Lamentablemente, entre más éxito fue alcanzando, mayor fue su distanciamiento hacia ella.
Pero tampoco fue fácil el camino del triunfo. Recién casado anduvo durante tres años cantando en restaurantes como músico ambulante, hasta que se presentó en la XEW y consiguió su primer contrato para cantar en la radio. Le pagaban $12.50 por cada programa. (En el momento cumbre de su vida artística cobraba $5.000.00 por una presentación). En aquella época aprendió a leer y a escribir para poder trabajar en cine.
Las primeras grabaciones que realizó Pedro Infante fueron los boleros “Guajirita” y “Te estoy queriendo” en el sello de la Víctor y “El durazno” y “Soldado raso” en Peerlees. Dejó impresas en este sello 322 canciones en 14 años en que fue su artista. Sus últimas grabaciones fueron “Ni el dinero ni nada” y “Corazón apasionado”. Cobraba entonces la suma de $15.000.00 por cada disco grabado.
Su inclusión al cine fue muy difícil por la torpeza de sus movimientos y su timidez, situaciones muy lógicas en una persona que no había tenido gran roce social. Hasta que con alguna preparación actuó en La Feria de las Flores, en el mes de junio de 1942, interpretando canciones de Chucho Monge y Manuel Esperón. La película se estrenó el 16 de enero de 1943 pero no tuvo ningún éxito.
En 1942 también filmó La Razón de la Culpa, en la cual tuvieron que doblar su voz ya que interpretaba a un español y su acento norteño no permitía darle credibilidad a su papel; justamente fue el único personaje no mexicano que él interpretó.
Finalmente en Viva mi Desgracia logró una actuación excelente y se convirtió inmediatamente en gran estrella del cine. Participó en 45 películas, la última fue Escuela de Rateros. Cobraba $400.000.00 por cada película.
Nominado por la Academia de Ciencias y Artes Cinematográficas como mejor actor en 1947 con la película Cuando Lloran los Valientes, en 1948 por Los Tres Huastecos, en 1953 por Un Rincón Cerca del Cielo. Finalmente logra el premio de mejor actor por su actuación en la película La Vida no Vale Nada, el 15 de junio de 1956.
Durante las grabaciones de películas no tenía ningún problema en aconsejar a los actores novatos y darle unos cuantos consejillos, como lo hizo durante el rodaje de Escuela de música en donde enseña a las muchachas que interpretaban a los miembros de una orquesta femenina dirigida por Libertad Lamarque, los trucos del play back (seguir una música previamente grabada).
Hizo una gran fortuna, la que quiso compartir con su familia pobre. Construyó una pequeña ciudad en la carretera a Toluca, la Ciudad Infante, en donde albergó un verdadero ejército de parientes. Sus gastos eran exorbitantes, firmando en los años cincuenta cerca de 50 cheques al mes para sus familiares y gastos personales. Su gran debilidad fue entonces el aprender a volar, llegando a tener su propio avión en 1951 y en el cual casi perece en un accidente al año siguiente, cuando viajaba con Lupita Torrentera, uno de sus grandes amores. Llegó a tener para el año de 1957 una compañía de aviación compuesta por 12 aparatos.
En ese mismo año filmó A toda Máquina, en donde interpretaba a un motociclista acróbata de la Dirección de Tránsito, para lo cual se rehuso a tener un doble, así que aprendió todas las acrobacias para el papel. En una de las escenas se cayó golpeándose en la cabeza, para lo cual llamaron a un doctor, Pedro se levantó diciendo que no era para tanto, que sólo tenía un chichón. Ismael Rodríguez dice al respecto: "Era muy juguetón e irresponsable, le encantaba hacerme enojar".
En 1952 encargó a Rubén Fuentes y a Alberto Cervantes (autores de "Cien Años") que compusieran una canción dedicada a Irma Dorantes, la cual se tituló "Nuestro Amor", la cual Pedro grabó el 14 de junio de 1952.
En el año 1953 inició la grabación de boleros con el respaldo del mariachi, iniciativa del compositor Rubén Fuentes. El primer bolero que grabó fue “Ni por favor”, creando el estilo del bolero ranchero, en el cual fue su máximo exponente, sin perder nunca su humildad. Luego siguieron “Cien años”, “Te vengo a buscar”, “Llegaste tarde”, “Tu vida y mi vida”, “Mira nada más”, “Qué te pasa corazón”, “Los dos perdimos”, “Tienes que pagar”, “Nuestro amor”, “Presentimiento”, “Divino tormento”, “Si tú me quisieras”, “Que murmuren”, “Grito prisionero”, “Tu amor y mi amor”, “Tú que más quieres", “Yo te quise”, “Mal correspondido” y “Flor sin retoño”.
Fue muy devoto de la Virgen de Guadalupe, por lo cual condujo el 23 de octubre de 1954 un maratón televisivo a favor de la Basílica de Guadalupe durando 30 horas cantando, charlando y presentando a otros artistas, recaudando un millón trescientos mil pesos. Y para el 10 de enero de 1955 realizó la jornada "De la Gratitud Guadalupana" repartiendo en televicentro las medallas del mismo nombre de la jornada.
El 17 de marzo de 1955 falleció su padre, Don Delfino Infante por causa de un mal cardiaco; el mundo cinematográfico acompañó a Pedro en su dolor. Diez días después, habría de nacer Irmita, la hija que tuvo con Irma Dorantes.
En 1955 hizo su debut en la XEW, en el programa Así es mi tierra, realizando un total de 24 presentaciones, de 12 que había programado inicialmente. Hizo en esta época innumerables giras al interior y al exterior, alcanzando la imagen de ídolo en casi todos los países de habla hispana.
Llegó al Perú para su gira el 8 de enero de 1957 debutando en el Teatro Porvenir, City Hall y Radio Victoria acompañado por los diez mariachis del Perla del Occidente.
Querido y admirado por miles de mujeres, tuvo un gran corazón para muchas. Pedro Infante no tomaba bebidas alcohólicas excepto como estimulante sexual: dos copitas de coñac antes de alguna cita amorosa, su afición alcohólica era puramente cinematográfica. Su debilidad hacia el sexo femenino lo llevó a ser padre de unos 20 hijos, según los datos que daba su madre. Sus grandes amores fueron Lupita Torentera e Irma Dorantes, con quien contrajo matrimonio el que fue anulado dada la legalidad que existía aun con el primero con María Luisa León. Cuando la Suprema Corte le falló la anulación de este matrimonio, Pedro tomó la determinación de viajar de Mérida a México, para negociar con María Luisa el divorcio. No consiguiendo cupo en las empresas aéreas, decidió viajar como copiloto en un avión carguero de la empresa TAMSA, de la cual era socio. Al alcanzar el avión el despegue, se fue a tierra y Pedro, El Ídolo de Guamúchil (mote por el cual era conocido), pereció con varias personas más, el 15 de abril de 1957.
Su sepelio fue una manifestación imponente de duelo. Un gran número de mariachis le cantaron en su tumba "Amorcito corazón" para despedirlo. Hasta la fecha, Pedro Infante vive en el corazón de miles de personas que continúan sintiendo con sus canciones un inmenso cariño hacia su recuerdo
Luego de su muerte, en el Festival de Cine de Berlín ganó el Oso de Oro al mejor actor principal actuando en la película Tizoc, Ismael Rodríguez fue quien recibió el premio en su nombre anunciando que "lamentablemente él no está aquí para recoger este premio debido a que murió en un accidente aéreo" lo cual causó que el auditorio se pusiera de pie guardando un minuto de silencio en su honor.
Su muerte dejó truncados varios proyectos filmográficos al lado de figuras como la francesa Martine Carol y los norteamericanos Marlon Brando y John Derek.Fuente web de Pedro Infante www.pedroinfante.yomarnathalia.com
martes, 24 de marzo de 2009
Sandra Luna
Inicia su carrera artística a los siete años en Radio Argentina, recibe formación musical (guitarra, piano, teoría y solfeo) rindiendo como alumna libre en el “Conservatorio Municipal Manuel de Falla”.
Toma clases particulares de técnica vocal con el Prof. Raúl Marino. Más tarde realiza cursos de maestría en Europa capacitándose en técnicas de diferentes ramas de la música popular.
Estudia Teatro con el Maestro Pedro Asquini y tango danza con diferentes profesores en esta categoría.
En 1974 actúa como telonera de Alberto Castillo.
En 1975 realiza presentaciones con las orquestas de los maestros Héctor Varela y Armando Cupo.
En este mismo año se presenta en el programa “Tangos y Goles” (Canal 11) acompañada por la Orquesta Estable del canal, integrada entre otros, por Roberto Grela y Leopoldo Federico, dirigida por Osvaldo Requena
En 1976 comienza a trabajar en La Casa de Carlos Gardel, hoy museo, compartiendo por más de cinco años escenarios con músicos tales como Antonio Agri, El Sexteto Mayor, El Sexteto Tango, Julio Pane, Armando Cupo, Rafael Del Bagno.
En 1980 hace su debut en el programa televisivo “Grande Valores del Tango” (Canal 9).
Comparte escenarios nuevamente con Roberto Goyeneche en el histórico local de tangos "Caño 14" junto al maestro Atilio Stampone, recibiendo en 1983 el premio como Revelación del Año.
Realiza presentaciones televisivas en ATC en diferentes programas musicales e informativos, en Canal 13 en el Programa Badía & Compañía.
Más tarde sería parte de una novela semanal “La Bonita Página” en un capítulo junto a Víctor La Place, Marita Ballesteros e Ignacio Quirós, entre otros, como actriz y cantante.
En 1984 el maestro Mariano Mores la convoca para cantar con su gran orquesta, realizando presentaciones hasta el año 1987 en escenarios de Argentina, Chile y otras ciudades del mundo. En 1986 inicia una gira de conciertos en Japón junto a José Colangelo y su orquesta, grabando como invitada en dos CD. Al volver de Japón se presenta en el Teatro Alvear junto a José Colangelo y luego en el histórico “Viejo Almacén”.
En 1987 se presenta junto a Leopoldo Federico y su orquesta con Hugo Marcel.
En 1988 integra el espectáculo de Michelangello invitada por el Maestro Osvaldo Berlinghieri, junto a Raúl Lavié.
En 1990 viaja a Estados Unidos actuando en Atlanta, Washington y New York, destacándose su participación en el Festival de Montreux en la ciudad de Atlanta.
En 1992 viaja a España, donde se radica durante ocho años realizando, entre otros eventos, el Festival de Sitges (Barcelona), Festival de Tango de Granada, Festival de música Étnica (Valladolid), junto a figuras internacionales como Monserrat Caballé, Tomatito, Alberto Cortés, Rocío Jurado, entre otras.
En la ciudad de Granada es invitada a participar por la señora Imperio Argentina cantando junto a ella "Melodía de Arrabal" donde públicamente anuncia su madrinazgo artístico.
En 1998 regresa a Buenos Aires y al poco tiempo parte para Japón dónde emprende una gira por cincuenta ciudades junto al maestro Carlos Buono y su orquesta.
Durante los meses de febrero y marzo de 2001, graba su C.D, "Tangos del Alma".
En este mismo año realiza actuaciones como cantante invitada de la Orquesta Nacional de Música Argentina "Juan de Dios Filiberto" dirigida por el Maestro Atilio Stampone.
En el mes de abril de ese mismo año, realizó presentaciones en la República de Chile, invitada por el Sexteto Mayor en su espectáculo “De Gardel a Piazzolla”.
Posteriormente realiza presentaciones en Murcia y Alicante (España) y a lo largo del corriente año realiza presentaciones en diversos sitios de Buenos Aires, "Teatro Alvear" con La Orquesta Del Tango De Buenos Aires dirigida por Garello y García, "La Casa de la Cultura", etc.
A mediados de febrero del 2002 se presenta nuevamente junto al Sexteto Mayor en el Teatro Municipal de Santiago de Chile. En abril junto al Maestro Carlos Buono con el espectáculo "Una Noche en Buenos Aires" realizando presentaciones en el “Cane-Cao” de Río de Janeiro (Brasil), entre otros. En Noviembre en 2002 es contratada para realizar una gira por Holanda y Bélgica, en teatros tales como el Concertgebow de Ámsterdam.
En el año 2003, contratada por la compañía Holandesa World Connection, graba su primer CD con proyección Internacional, “Tango Varón”, grabado en estudios ION de Buenos Aires por el ingeniero Jorge Da Silva y producción musical de Serge Glansberg (productor musical de Keith Richards). Acompañando el Tema de difusión del Cd "Carritos Cartoneros" se realiza el video clip filmado integramente en Argentina y ampliamente promocionado a nivel mundial, (ver National Geographic, Youtube, etc...)
A mediados del 2004 la compañía Times Square Records, en los Estados Unidos, decide licenciar Tango Varón. En este mismo año el CD se comienza a distribuir en Argentina licenciado por Random Records. Realiza giras por Europa, Países Bálticos, Estados Unidos y Canadá. Y en este mismo año se presenta en concierto en Buenos Aires en el Centro Cultural del Teatro General San Martín Sala A y B. Realizando un Recital en el Ciclo “Tango 04” convocada por Jorge Waisburd. Realizó presentaciones como artista invitada en el Teatro Alvear con La Orquesta del Tango de Buenos Aires, dirigida en esa oportunidad por el Director y Arreglador invitado Fabián Bertero. En el mes de Marzo de 2005 fue agasajada por el Periodismo Argentino en un evento realizado en “La Estancia” en la presentación de su CD “Tango Varón”. A partir de mayo de 2005 en Buenos Aires, cumpliendo con las expectativas generadas por un público selecto que pudo apreciar un recital denominado como su último CD, inicia un ciclo de presentaciones en el Salón Emperador de “La Estancia” que concluye en diciembre del mismo año. Debido al éxito obtenido en su presentación en el Centro Cultural San Martín Sala A y B en el 2004, fue convocada nuevamente para repetir dicho concierto en agosto de 2005. El 21 de agosto se presentó en el Festival de Bilbao en España, acompañada por su grupo y la Orquesta de Cámara de Mujeres de Bilbao. Realiza una gira a Brasil durante los días 25, 26 y 27 de noviembre de 2005 denominada “Una noche en Buenos Aires” con la gran orquesta del Maestro Carlos BUONO. La misma fue presentada como invitada especial en el Teatro TAUBE en San Pablo y el Salón de ATOS DA PUC en Puerto Alegre.
Entre abril y mayo de 2006 con preproducción de Eladia Blázquez, realiza como cantante y productora musical su CD “Con Las Alas De Eladia” producción dedicada a resaltar la obra de Eladia Blázquez. Grabado en estudios ION de Buenos Aires por el Ingeniero Jorge “Portugues” Da Silva con invitados tales como Leopoldo Federico, El Chango Spasiuk, César Angeleri y Alberto “Pata” Corbani. La mayoría de las obras fueron grabadas con el Sexteto de Fabián Bertero y Los Músicos de Buenos Aires con agregado de cuerdas en algunas de ellas, y en “Con Las Alas Del Alma” orquesta sinfónica. La dirección musical y los arreglos estuvieron a cargo del Maestro Fabián Bertero. Durante los meses de julio, agosto y setiembre se presentó junto a Jorge Waisburd y José Ogivieki en un espectáculo titulado “Muriéndonos de Amor” en un local de Palermo en Buenos Aires. El Día 14 de Septiembre se presentó como Cantante Invitada en el Teatro Alvear con la Orquesta del Tango de Buenos Aires con la Dirección del Director Invitado Fabián Bertero. En el mes de diciembre se presentara como Cantante Invitada en el Centro Cultural de Adrogué con la Orquesta del Tango de Buenos Aires con la Dirección de Raúl Garello. El día 22 enero de 2007 invitada por la Secretaría de Cultura de la Nación se presenta en el acto de apertura del año homenaje al gran poeta Homero Manzi acompañada por el maestro José Colangelo dejando inaugurado el ciclo “Manzi somos todos” El marzo del 2007 es invitada por la Connecticut Grand Opera & Orchestra dirigida por el maestro Laurence Gilmore, para presentarse como Cantante Invitada en el Palace Theatre de la ciudad de Stamford, Connecticut U.S.A. En el 2008 presenta el espectáculo “El Pulso de los Dos”, junto a Raúl Luzzi (guitarrista, arreglado, compositos). fuente Blog de Sandra Luna www.sandralunabiografico.blogspot.com
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